Anfang 2015. Ein schleppender Beat, ein XX-esker Gitarrenlauf, ein Saxophon, eine kühle Frauenstimme – und fertig ist der Instant-Hit, der Vök ins Rampenlicht spült: «Before».
Für die jungen Isländer folgen Auftritte an Europas etablierten Showcase-Festivals, dem Eurosonic in Holland, dem The Great Escape in Brighton und dem Hamburger Reeperbahnfestival, die sie allesamt mit Bravour meistern. Geht es um sphärischen elektronischen Sound zeigt sich dabei einmal mehr, über welch scheinbar unerschöpfliches Arsenal an Bands dieser Sorte die isländische Musikszene verfügt.

Als Botschafter Islands überraschen die Synthie-Pop Musiker um die charismatische Sängerin Margrét mit unkonventionellen Songs mindestens genauso, wie es einst Björk getan hat.
Vielleicht liegt es am Klima oder an der Luft, möglicherweise aber auch an der Abgeschiedenheit im Nordmeer, welche die Kompositionen isländischer Künstler beeinflussen. Im Ergebnis zieht die teils melancholische Dichte der Songs einen unweigerlich in einen Strudel aus Reflexion und Träumerei.

Ob der Name VÖK aus dem Isländischen übersetzt tatsächlich Eisloch bedeutet, oder das Wort VÖK als Bestandteil eines Satzes eher als Ausdruck dafür verwendet wird, wenn man sich in Bedrängnis befindet - diese Frage bleibt unbeantwortet...

In einem Tattoo- und Piercingstudio wartet ein Vater auf seine pubertierende Tochter und berichtet von Freud und Leid, Wahn und Witz mit angehenden Erwachsenen. Während seiner Kindheit wollte er Astronaut werden. Aber die Zukunft hatte andere Pläne für ihn, die Abenteuer im Weltall sind nichts im Vergleich zur Vaterschaft. Konflikte und skurrile Situationen werden auf der Bühne lebendig - und eine große Frage taucht auf:  An welchem Punkt habe ich mich in meinen Vater verwandelt?

Das Stück „Pubertät“ widmet sich dem Thema berührend, mitreißend und humorvoll. Deswegen verwundert es wenig, dass sich Teenager-Gruppen, SchülerInnen und Lehrlinge ebenso begeistert zeigen wie vor allem Eltern und Lehrer, die tröstlich und genussvoll erkennen, dass sie in diesem Ausnahmezustand nicht alleine sind. Kongenial unterstützt von exzellenten Live-Musikern, einer „pubertierenden“ Sängerin und homöopathischen Beruhigungstropfen kämpft sich ein Vater durch den Dschungel Pubertät. Er erforscht diesen mysteriösen Kontinent und die seltsamen Rituale des „Aliens“, das urplötzlich im Körper seiner Tochter haust. Einfühlsam berichtet das Stück über die herausfordernden Erlebnisse mit Pubertierenden, erhellt Konflikte mit tiefgründigen Einsichten und unterhält auf geradezu furios komische Weise. 

"Pubertät' ist ein unglaublich amüsanter Abend, mit vielen berührenden Momenten. Und Magdalena Köchls Stimme hat mir mehrmals wohlige Gänsehaut beschert." (Inez Ardelt, Linz) 
"Grandiose Premiere von ,Pubertät'! War ,urcool, geil, krass und bomba' und so lustig." (Gabriele Deutsch, Linz) 

REGIE Fabian Kametz
MUSIK Robert Kainar, dr, voc /
Chris Neuschmid, guit, voc /
Magdalena Köchl, voc
&  Edi Jäger

„So viel gelacht habe ich selten im Theater! Ein wunderbares Stück, großartig gespielt, und gleichzeitig eine berührende Auseinandersetzung mit einem Thema, das uns alle betrifft.“
(René Freund, Autor) 
Was gesagt werden muss, muss gesagt sein! Das Stück „Pubertät“ von Josefina Vazquez hat Freude und Spaß bereitet.
Höchst amüsant – natürlich kann da Edi Jäger als ebenso geplagter wie rückwärts gewandter Papa, all seine Könnerschaft als wunderbar pointierender und, nun ja, auch verletzlicher Darsteller ausspielen. Bezaubernd auch die intelligente musikalische “Pointierung”.  (Franz Schwabeneder, ehem. OÖN Kulturchef) 

Lukas Lauermann, 1985 in Wien geboren, arbeitet als Live- und Studiomusiker, Arrangeur und Komponist mit Bands und KünstlerInnen wie Donauwellenreiter, Ritornell, Soap&Skin, ALASAC, Mimu Merz und Der Nino aus Wien zusammen. Theater- und Performanceprojekte mit Gelatin, Saint Genet, u.a. gehören ebenso zu seinen Tätigkeitsfeldern, wie Musikproduktionen für Hörspiel und Film. Über 40 Veröffentlichungen sind im Zuge von Kollaborationen bereits entstanden.

Seit einiger Zeit ist der „wohl vielseitigste und produktivste Cellist des Landes“ (Der Standard) live auch alleine zu hören und mit diesem Soloalbum tritt er nun erstmals auch auf Tonträger aus den zahlreichen Kontexten heraus. Konzertreisen bringen Lukas Lauermann regelmäßig in bekannte Spielstätten auf der ganzen Welt, zum Beispiel La Cigale Paris, Royal Festival Hall London, National Concert Hall Taipeh, Burgtheater Wien, Philharmonie Köln, auch Festivals in Kasachstan, Malaysia und Kanada standen bereits auf seinen Tourplänen. Kunst im Allgemeinen, und Musik im Speziellen, betrachtet er als etwas fundamental Wichtiges für den Menschen als Individuum, dessen Zusammenleben mit anderen und die kritische Auseinandersetzung mit der Gegenwart. Der damit für ihn verbundenen Verantwortung in seiner Arbeit gerecht zu werden, hat Lukas Lauermann durch Studien an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien und der Anton Bruckner Privatuniversität Linz gelernt, vor allem aber auch durch die zahlreichen Begegnungen mit Menschen auf künstlerischer und persönlicher Ebene, und den daraus entstandenen Erfahrungen und Erlebnissen.

MIT GROSSEN GEFÜHLEN AUFGELADENES MUSIKKINO

Maria Craffonara (Gesang, Violine), Thomas Castañeda (Piano), Jörg Mikula (Schlagzeug) und Lukas Lauermann (Cello) zeigen, dass sie in den vergangenen Jahren einiges gelernt haben und wie sehr sie als Band gereift sind. Sie wissen, wie man Nummern mit Atmosphäre auflädt und sie in aufregenden und ungemein abwechslungsreichen Arrangements zum Ausdruck bringt, wie man aus diesen vielschichtige und fesselnde Geschichten werden lässt, die an einer Stelle mal energievoll mitreißen und dann wieder mit melancholischer Note eindringlich unter die Haut gehen.

Places – RobSoelkner 4tet with Strings
Die musikalische Autobiographie des Pianisten  & Keyborders, Rückblenden an prägende Schauplätze mit Jazz & Streich-Quartett

"Die Kompositionen „Places“ sind kleine biografische Rückblenden an bestimmte Orte, die ich in meinem Leben besucht habe....Interessanterweise sind es da nicht die mächtigen Bauten von Downtown New York, die mir in Erinnerung geblieben sind, sondern eher die heruntergekommen Ecken meines Wohnviertels in Queens; nicht der Malecon oder das Kapitol in Havanna, sondern ein verregneter Tag in einer östlichen Provinzstadt in Santiago de Cuba; nicht die Postkartenidylle der Tiroler Alpen, sondern ein Aufstieg zu einer kleinen Alm bei dichtem Nebel...“

Besetzung:
Sarah Kurz, Lydia Kurz, Evi Singer, Theresa Singer, Stefanie Brunner, Saw Win Maw - violine
Tobias Steinberger – d, perc
Dragan Trajkovski - b,
Robert Sölkner - p
Martin Ohrwalder – tp 

Herbert und Mimis neues Abenteuer führt sie in die Welt der Märchen. Es ist eine schöne Aufgabe, der Großmutter Obst und Kuchen zu bringen, findet Mimi. Gesagt, getan. Und so beginnt ihre Reise in den Wald. Nur hat sie nicht damit gerechnet, dass Herbert ständig Hunger hat und auch keine so rechte Ahnung davon, womit Wölfe sich wohl die Zeit vertreiben! Also wird Mimis Ausflug in den Wald bald zu einer kleinen Jagd, und in der Hütte der Großmutter geht auch nicht alles mit rechten Dingen zu. Ob nun am Ende die Großmutter den Wolf, oder der Jäger das Rotkäppchen, oder der Herbert die Mimi verspeist … bleibt ungewiss.

"Spiele keine Note zuviel" - das ist das selbstgewählte, künstlerische Motto von Ketil Bjornstad. Und das spätestens seit Mitte der 90er Jahre zum vielbeachteten Markenzeichen dieses Homme des Lettres ist. Denn der 1952 in Oslo geborene Bjornstad ist nicht nur Pianist, Komponist und Improvisator. sondern Norwegens großer Schriftsteller und Erzäler, bisweilen sogar Bestsellerautor.
Tiefgehend strahlt sein Pianospiel - gleichsam vor Ruhe, läßt abheben und auf Klangwolken taumeln, seine Aufnahmen mit Dave Darling (cello) sind Kult. Der norwegische Grenzgänger Ketil Björnstad verwebt kunstvoll Jazz- und Folklore-Elemente, akustische Instrumente mit elektronischen Sounds. Tiefgehend strahlen die Songs gleichsam vor Ruhe, vermitteln das Gefühl von Entspannung und Meditation, lassen die Zuhörer abheben und auf Klangwolken taumeln.

Ketil Bjørnstad zählt zu den bedeutendsten Pianisten Norwegens. Sein melodiöses Spiel fußt ebenso auf Elementen der europäischen Konzertmusik wie auf einem großen, durch den Jazz inspirierten, Improvisationsvermögen. Seine Kompositionen wurden u. a. in Filmen von Jean-Luc Goddard oder Ken Loach verwendet. Obwohl man Ketil Bjørnstad allgemein dem Jazz zurechnet - er selbst sieht dies durchaus nicht so eindeutig - liegen seine Wurzeln doch in der Klassik, immerhin debütierte er 1969 mit Bartóks drittem Klavierkonzert beim Osloer Philharmonischen Orchester. Einige Zeit sah es so aus, als wenn Ketil Bjørnstad bei dieser Musik bleiben würde, wäre da nicht die in jenen Jahren pulsierende Jazz-Szene Oslos gewesen. Der ihm neue, spielerische Ansatz der Jazzmusiker brachten den damals achtzehnjährigen Musiker von dieser vorgezeichneten Bahn ab. Ab diesem Moment sei ihm klar geworden, was er wirklich wolle, sagt er: die eigene Musik schreiben und spielen. 
Einem noch größeren Publikum ist Ketil Bjørnstad darüber hinaus als Schriftsteller bekannt. Seine Novelle „Vindings Spiel“ war auch in Deutschland in den Bestsellerlisten an vorderster Stelle vertreten. In seinem Heimatland ist Bjørnstad Kult. In Deutschland ist er, obwohl hier nur ein Bruchteil seiner mehr als zwanzig Werke übersetzt ist, immerhin der wohl bekannteste norwegische Autor. Und möglicherweise gibt es niemanden sonst, der in Büchern und Romanbiografien die Seele Norwegens so spiegelt wie Ketil Bjørnstad.

“Amparo Sanchez ist die wichtigste Frau im Kreis der großen, überwiegend männlich dominierten Mestizo-Familie. Ihre Band Amparanoia entstammt dem engeren Umfeld von Manu Chao.” - WDR

AMPARO SANCHEZ - voice
Carmen Niño (Kuba) – Bass
Daniel Tejedor (Spanien) – Schlagzeug 
El Chivo (Venezuela) – Perkussion
Willy Fuego (Spanien) – Gitarre 
Jose Alberto Varona (Kuba) – Trompete 
Lazaro Ordoñez (Kuba) – Trombon
Vesco Kountchev (Bulgarien) – Violine 
Jordi Mestres (Spanien) – Gitarre

Passend zum 20-jährigen Jubiläum von Amparanoia ist die Band 2017 wieder auf Tour. Das erste Amparanoia Album „El Poder de Machin“ erschien 1997 und wurde von Manu Chao produziert. Im März 2017 veröffentlichte Amparanoia diesen Meilenstein des Mestizo noch einmal mit Interpretationen der Songs von befreundeten Künstlern, unter anderem Manu Chao, Calexico, Marinah, Chico Trujillo, Txarango, La Pegatina, Zebda, Fermín Muguruza, Joan Garriga, und De Pedro.

Mitte der 90er formierte sich um Manu Chao und Amparo Sánchez’ Künstlerkollektiv Amparanoia die florierende Mestizo Szene. Spanische und französische Künstler kreieren einen radikalen Mix aus Flamenco, lateinamerikanische Rumba, Ska, Hip Hop, Bossa Nova, kubanischen Boleros, Rock, Dub und Drum’n‘Bass, baskische Folklore und Punkattitüde, Balkan-Polka, Jazz, Soul, Elektronik, Funk und Reggae. Sozial und politisch motiviert ist die Bewegung und so reist auch Amparo um die Jahrtausendwende nach Mexiko und engagiert sich für die Zapatisten. Mit ihrem Major-Album “Enchilao” etabliert sie sich 2003 auch in Deutschland als feste Größe und nach über 700 Konzerten ging es 2008 dann auf Abschiedstournee mit einer Werkschau auf DVD im Gepäck und Festival-Auftritte beim Glastonbury, Roskilde, Womex, Rock Festival Buenos Aires, Montreal Jazz, Lugano Jazz, Montreux Jazz, Gurten und Horizonte u.v.m.

Um Bands wie Amparanoia oder Manu Chao stilistisch einordnen zu können, hat sich unsere Zunft etwas einfallen lassen: Mestizo! Seit Mitte der 90er ist er der Inbegriff für spanische und französische Radikalisten, die hemmungslos Flamenco, Rumba, Reggae, Ska, Hip Hop, Rock und Drum'n'Bass (und noch eine ganze Menge mehr) neu mischen und damit die Herzen und Popos der Europäer erobern.
Amparanoia ist die Band der spanischen Sängerin Amparo Sánchez. Neben Manu Chao sicherlich einer der wichtigsten Mestizo-Importe. Die 1971 geborene Andalusierin gründet Mitte der 80er in Granada ihre erste Band Correcaminos. In Verehrung ihres bis heute gültigen Idols Billie Holiday spielen sie eine Mischung aus Jazz, Blues, Rock'n'Roll und Soul.

1993 werden ihr die stilistischen und geografischen Grenzen zu eng, sie zieht nach Madrid. "Haces Bien", das Album ihrer neuen Band "Amparo & The Gang" veröffentlicht sie auf dem Label La Fábrica Magnética, das kurze Zeit später pleite macht. Daraufhin lebt sie eine Zeit lang in Casablanca und zieht 1995 nach Madrid. Zusammen mit dem Gitarristen Robert Johnson hobelt sie sich die Finger in den örtlichen Clubs blutig: "Fast ein ganzes Jahr lang spielten wir jedes Wochenende an zwei Orten, mindestens vier Mal. Das war eine Erfahrung die ich schon immer ausleben wollte, genau wie Billie Holiday".
Für eine Tournee durch Spanien und Frankreich ruft sie die Gruppe "Ampáranos Del Blues" ins Leben und bleibt danach für einige Zeit in Marseille. Trotzdem hat die Madrider Szene sie bald wieder. Zurück in ihrer Heimat lernt sie Manu Chao kennen, der sich zur Vorbereitung seines Debütalbums "Clandestino" in Madrid aufhält. "Manu ist der Mensch, der mich am meisten inspirierte und mir einen Weg für Amparanoia aufgezeigt hat." Gemeinsame Konzerte und unendliche Gespräche lassen in ihr eine immer klarere Vorstellung ihrer eigenen Band wachsen: 1996 gründet sie Amparanoia.

Bereits ein Jahr später erscheint das Debütalbum "El Poder De Machin", auf dem auch "Buen Rollito" zu finden ist, eine Gemeinschaftsarbeit mit Manu Chao, die später unter dem Titel "Welcome To Tijuana" auch auf dessen Album auftaucht. Mit dem Folgealbum "Feria Furiosa" vereinnahmt die Band zusätzlich baskische Folklore und verleiht ihr eine Punkattitüde. Es folgt eine kurze Amparanoia-Pause, in der Frau Sanchez sich anderen Projekten widmet. Lange hält sie es ohne ihre Kumpels aber nicht aus. Ende 1999 reformiert sie Amparanoia in schlankerer Besetzung und deutlich Funk- und Reggae-lastiger. Mit der EP "Llámame Manana" feiert sie erstmals auch in Italien große Erfolge.
Ende 2000 reist Amparo nach Mexiko und engagiert sich dort politisch für die Zapatisten. Den Erlös aus einer Photoausstellung und einer Tournee überlässt sie komplett der ethnischen Volksgruppe. In dieser Zeit entstehen auch die Ideen zu "Somos Viento", verständlicherweise einem sozial und politisch motivierten Werk, das erstmals auch die Musik des Balkans in ihr Konzept integriert.
2003 startet Amparo ihren musikalischen Angriff auf Deutschland. Ausgestattet mit üppiger Live- und Lebenserfahrung veröffentlicht sie im Herbst 2003 "Enchilao" auf dem Majorlabel EMI. Ein ordentlicher Promoaufwand sorgt, gemeinsam mit ihrer künstlerischen Eigenständigkeit und Innovationskraft dafür, dass Amparanoia hierzulande schnell Gehör findet.
Ein Jahr später folgt mit "Rebeldia Con Alegria" eine Werkschau, in der sich die verschiedenen musikalischen Temperamente Amparos prachtvoll entfalten. Mexikanische Rancheros turteln mit kubanischen Boleros, lateinamerikanische Rumba-, Samba-, Bossa Nova- und Cha Cha Cha-Rhythmen treffen auf Balkan-Polka-Punk, Dub, Elektronik, Rock und Reggae. Eine ähnliche stilistische Vielfalt verspricht das 2006 erscheinende "La Vida Te Da", allerdings liegt hier der Fokus vielleicht nocht einen Tick stärker auf dem Reggae.

Nach mehr als 700 Konzerten verabschieden sich Amparo Sánchez und Amparanoia 2008 mit einer ausgiebigen Tournee und dem DVD-2CD-Paket "Seguiré caMinando" von der Mestizo-Gemeinde. "Das Beeindruckendste ist, wenn du siehst, dass sich die Leute deine Lieder zu eigen machen und sich damit identifiziert fühlen", zieht sie nach zwölf Jahren Bilanz.

Warum sie, nachdem sie in der Szene bestens etabliert ist und Bands wie Calexico zu ihren Kooperationspartnern und Freunden zählt, aufhört? "Ich bin am Suchen! Ich merke, dass die Zeit ihre Spuren hinterlassen hat, ich andere Musiken höre, neue Einflüsse habe und daher andere Lieder machen möchte." Mit Amparanoia verabschiedet sich eine zentrale Erscheinung am Mestizo-Himmel. Nicht aber Amparo Sánchez. Wir sind gespannt, was ihr als nächstes einfällt. Vielleicht "ich allein mit der Gitarre", wie sie auf der Abschiedstournee 2008 scherzt?
GANZ IM GEGENTEI !!!! 

Das bejubelte Stück von Willy Russell erzählt die Geschichte einer Frau, die mit viel Mut und Selbstironie einen lang gehegten Traum verwirklicht. Die Verwandlung von der ungeliebten Hausfrau, die nur mit der Wand, aber nicht mit ihrem ignoranten Ehemann sprechen kann, zu einer lebenslustigen und selbstbewussten Frau:
Shirley Valentine reist mit ihrer Freundin Jane, die zur Feministin geworden ist, nachdem sie ihren Göttergatten mit dem Milchmann im Bett überrascht hat, nach Griechenland. Shirley verliebt sich wieder … in ihr eigenes Leben. Sie erzählt von Spiegeleiern, dem vegetarischen Bluthund, der sensationslüsternen Nachbarin, von Ehemann Joe und dessen Kenntnis der weiblichen Lust, vom Liebhaber Costas und der griechischen Küche und von der Sehnsucht nach einem erfüllten Leben ...

SHIRLEY VALENTINE oder Die heilige Johanna der Einbauküche

Die Kult-Komödie v. Willy Russell
Mit Anita Köchl. 
Regie: Fabian Kametz

Besser als „Sex and the city“: Anita Köchl sorgt in der Kultkomödie “Shirley Valentine” für das Theaterhighlight!
Grandiose Performance! (brennpunkt tirol)
Broadwayhit, Oscar-Nominierung, faszinierender englischer Wortwitz. Der Theaterautor Willy Russel versteht es brillant, die begeisterten Zuschauer auf eine hochamüsante Reise mitzunehmen:  das bejubelte Stück erzählt die Geschichte einer Frau, die mit viel Mut und Selbstironie einen lang gehegten Traum verwirklicht. 
Die Verwandlung von der ungeliebten Hausfrau, die nur mit der Wand, aber nicht mit ihrem ignoranten Ehemann sprechen kann, zu einer lebenslustigen und selbstbewussten Frau: "Warum gibt es soviel Leben, wenn die Menschen doch keinen Gebrauch davon machen!?" 

PRESSESCHNIPSEL

… ein voll besetztes Theater war der Ort für eine herzerfrischende und köstliche Komödie.
… das Publikum erlebt eine wandlungsfähige Künstlerin in einer spritzig-originellen englischen Komödie. (Salzburger Nachrichten)

DIE WIEDERENTDECKUNG DER LIEBE ZUM LEBEN. Anita Köchl als Shirley Valentine läuft zu großer Form auf, …
verschmitzter Charme, blendende Unterhaltung. Eine überraschungsreiche Inszenierung mit Liebe zum Detail.
(Tiroler Tageszeitung) 

Eine beachtliche One-Woman-Show … Anita Köchl glänzt … eine bemerkenswerte Performance. (drehpunkt kultur)

ABSOLUT SEHENSWERT: eine Affäre mit sich selbst … Komödie mit feinen Zwischentönen …
eindringlich … ironisch … komisch …
Köchl zieht alle Register ihres Könnens … bis zum überraschenden, gar nicht kitschigen Ende. 

ANITA KÖCHL

Anita Köchl wurde in Schwaz in Tirol geboren und hat nach Französischstudium an der Sorbonne Paris und einem Englischstudium am College „Basildon“ - Essex ihre Schauspielausbildung an der Schauspielschule Cingl/Fröhlich am Landestheater Innsbruck absolviert.
Engagements an unzähligen Theater folgten, z.B. am Staatstheater Darmstadt, am Landestheater Bregenz, am Landestheater Salzburg, am Ring Theater Zürich, am Staatstheater Kassel, am Volkstheater München. Auch die Namen der Regisseure der letzten Jahre lesen sich wie ein Who-is-Who des deutschsprachigen Theaters: Horst Ruprecht, Michael Gruner, Ulrich Matthes, Giora Seeliger, Ansgar Haag, Andreas Vitasek, Hanspeter Horner, Rudi Ladurner, Gerd Theo Umberg, Jean-Marc Belo, Josef Köpplinger, Fabian Kametz, u.v.a.!
Sie lebt mittlerweile in der Nähe von Salzburg gemeinsam mit ihrem kongenialen Bühnen- und Lebenspartner Edi Jäger und bereichert als freie Schauspielerin die Theaterszene in Salzburg, Wien, Linz und Innsbruck. 
"Karl Valentin: Genialer Unsinn", "Loriot Meisterwerke", "Gut gegen Nordwind" und Mitterers "Besuchszeit" waren und sind im Treibhaus  zu sehen....

Jimi Tenor. Die spinnen, die Finnen.
Dieser extrem produktive Künstler mag zwar seine Zeit damit verbringen, durch die nahegelegenen Wälder zu streifen, dort Pilze zu sammeln oder sich in kreativer Stimmung in sein Heimstudio zurückzuziehen, aber das neue Album Order of Nothingness (VÖ: 08.06.2018) klingt so gar nicht nach Einsamkeit. Ganz im Gegensatz dazu platzt es geradezu vor Lebenslust, Energie und Lebendigkeit. Tenor bewegt sich auf Order of Nothingness in einem referentiellen Rahmen zwischen den Hymnen des Hobo-Hippies Eden Ahbez und den Jazz-Visionen eines Yusef Lateef, getragen durch die Energie ghanaischer Highlife-Rhythmen, die allerdings von einer gehörigen Prise „krautigem“ Cosmic Jazz überzogen werden – das Ergebnis nennt sich kurz Kraut-Life: die Fröhlichkeit des Highlife trifft hier auf die romantische Melancholie des Finnen – Kraut ist im Übrigen auch fester Bestandteil der finnischen, nicht nur der deutschen Küche. „I definitely didn’t have any theme in mind“, sagt Tenor über den lebhaften und abwechslungsreichen Ton auf dem Album, „I just wanted to do an album that has some groovy beats.“ Und diese verbinden sich wie eigentlich alle Songs, die Jimi Tenor schreibt, mit Texten über Liebe und Hedonismus, verpackt in vielen Metaphern.
Tenor beschreibt die ihm eigene Art von Musik auch als „Mind Travel Music“, eine Praxis, die weiter weg liegende Planeten durch die Mittel der Phantasie und des Klangs erreichen will. „What’s the point to send our fragile bodies there? There’s no oxygen and there’s dangerous radiation. Might as well send machines there.”
Bei Konzerten überträgt Jimi Tenor seinen Ansatz der Mind Travel Music ins Publikum, vor allem, wenn er improvisiert: „ I love to try stuff on stage that has never been tried. In my regular day-to-day life I’m not a wild person, but onstage I come alive. I almost always perform with my eyes shut, if I look at the crowd…I lose the plot.”

Jimi Tenor – vocals, sax, flute and various other instruments
Ekow Alabi Savage – drums
Richard Koch – trumpet
Johannes Schleiermacher – baritonsaxo, flute
Jörg Hochapfel – keyboards
Max Weissenfeldt – percussion

„Exotische Rhythmen und esoterische Gedankenspiele: Dem Finnen Jimi Tenor gelingt mit seiner mittlerweile 18. LP einAlbum ohne Gute-Laune-Zwang, aber dafür mit mühelos flirrenden, sonnigen Songs.“ „Ein grandioses Album, quietschbunt und ausgelassen wie jede gute Party.“ Kulturnews

Die NACHT DES FADO präsentiert seit nunmehr acht Jahren vor ausverkauften Häusern die interessantesten FADISTAS (= Sänger & Sängerinnen) der pulsierenden Lissabonner FADO-Szene und steht für traditionellen FADO ohne Weltmusik- und Pop-Einflüsse.
Geschuldet ist dieser anhaltende Erfolg der hohen Qualität der Protagonisten und dem gewinnenden Naturell von Dauerbrenner CARLOS LEITAO, der mittlerweile selbst zum großen Star in Portugal avanciert ist.

Die immer aufs Neue interessante künstlerische Gestaltung mit weiblichen Gast-Fadistas aus der 1. Riege Lissabons tut ein Übriges.
2019 präsentiere WELTENKLANG r mit Freude die bildhübsche Sängerin TANIA OLEIRO, die wegen ihrer außergewöhnlichen Stimme bereits früh von den großen Namen des Genres zum Mitsingen eingeladen wurde und mittlerweile bei den wichtigsten Festivals Portugals "Caixa Alfama" und "Festa do Avante" im Hauptprogramm auftritt.

Er wird wohl mit dem Radl kommen und nicht radlos wieder gehen: Da Bürgameischta kimmt zur Sprechstund ins Treibhaus. Wir werden interessante bis lästige Fragen stellen, das ein oder andere  Video einspielen und mit dem Publikum die Innsbrucker Version von "Stadt, Land, Fluss" spielen. Das wird interessant samt Unter&Haltung. Hoffen wir. Eintritt frei, Singen untersagt.

Insanity Alert feiern den Release ihres dritten Albums „666-pack“!  Für diesen Anlass hat sich die Innsbrucker Combo befreundete Weggefährten der letzten Tourneen eingeladen, Space Chaser aus Berlin und Toxic Shock aus Antwerpen.
Für eine ordentliche Release-Party mit hochkarätigen europäischen Thrashmetal/Crossover Bands ist alles angerichtet.
Run To The Pit, Mosh For Your Life!

Insanity Alert ist eine Crossover/Thrash Metal Band aus Innsbruck, Österreich. Musikalisch beeinflusst von Bands wie z.B.: SOD, Suicidal Tendencies, DRI, Nuclear Assault und Municipal Waste, um nur einige aufzuzählen. Seit ihrer Gründung im Jahr 2011 hat die Band bisher zwei EP’s sowie zwei Alben herausgebracht, ihr neues Album ‚666-pack‘ kommt Ende Jänner 2019 über das renommierte Label Season Of Mist Records auf den Markt.

Insanity Alert haben mittlerweile etliche Konzerte und Tourneen mit namhaften Bands in ganz Europa gespielt, außerdem die Bühnen von sehr großen und renommierten europäischen Festivals (Hellfest, SummerBreeze, Brutal Assault,…) geentert und ihr Publikum stets begeistern können.
Durch die intensiven, energiegeladenen und unterhaltsamen Live-Auftritte, die ihresgleichen suchen, konnte sich die Band schnell eine treue Anhängerschaft, auch abseits der Genregrenzen, erspielen und wird als die heißestes europäische Aktie in Sachen Crossover/Thrash gehandelt. Crossover Party Thrash!

* SPACE CHASER ist eine Berliner Thrash Metal-Band, welche stilistisch stark von Old School Klassikern des amerikanischen Metal im Stil von Exodus, Slayer, Anthrax oder Overkill geprägt ist. Aktuell bei „This Charming Man Records“ unter Vertrag, haben Space Chaser mittlerweile zwei Alben und einige EPs rausgebracht.

* TOXIC SHOCK - Crossover/Thrash aus Antwerpen. Seit 2010 haben die Jungs aus Belgien bisher zwei Alben und einige Split-Singles herausgebracht. Stilistisch bewegen sie sich zwischen 1980er Hardcore Bands bis hin zu Slayer und Metallica. Das aktuelle Album „20 Last Century“ wurde von Flemming Rasmussen (Metallica) produziert.

Ihre Vorstellung der Hölle ist ein Schweigekloster.
In Bibliotheken hat sie Betretungsverbot.
Und in ihrer Geburtsanzeige stand: 58cm, 4.012g und 124 Dezibel.
Nina Hartmann war schon immer LAUT.
Das hat man ihr schon in die Wiege gelegt und mit Stolz kann sie heute sagen, dass man sie schon von Weitem hört.
In ihrem - LAUT Adam Riese - vierten Kabarett - Solo - Programm geht sie aber völlig neue Wege:
Einen Abend lang spircht sie kein Wort - sie denkt nur LAUT.
Sie fragt sich, wie kann man in einer Welt, in der immer mehr nur die LAUTEN Gehör finden, noch sitllsitzen?
Wie LAUT darf man im Bett sein? Und darf man darüber überhaupt LAUT reden?
Nina Hartmann tut es jedenfalls. Sie kommt mit Pauken und Trompeten daher (Achtung, das ist keine Redewendung!)

Und das Publikum darf LAUT auflachen. Ob also auf oder vor der Bühne - eines steht fast:
Dieser Abend wird LAUT. und wenn nicht LAUT dann wenigstens SCHRILL..

"Wenn das Exmodel auf der Bühne brilliert kann sich das Publikum vor Lachen kaum zurückhalten. Unverblümt, frech und in ihrem Tiroler Dialekt zerpflückt Nina Hartmann die Welt der Wunderschönen und Dünnen, in der Appetit ein böses Wort ist, Wattestäbchen statt Chips verzehrt werden und Kleidergröße 38 auf die selbe Stufe wie Fettleibigkeit gestellt wird. Darüber hinaus nimmt die Solokabarettistin die Zuschauer mit viel Charme, Temperament & Hüftschwung mit auf eine Reise in heiße Gefilde, wo einem der Schweiß nicht nur auf Grund der Temperaturen bis zur Stirn steht."

Warum man Menschen aus Grins im oberen Onntal Grinner nennt und nicht Grinser hat sich mir bis heute nicht erschlossen.
Bei Tyrol Inn Stones wird eh nicht gegrinst sondern lauthals gelacht:
Die Gewinner des Publikums- und Jurypreis des Kabarettfestivals ,,frisch & fröhlich" 2017  präsentieren ihren neuesten Hit: EverGrins!
Von It's My Party bis hin zu Teddybär Eins-Vier ... die Stones schmettern in ihrem neuen Programm in gewohnter Manier einen Gassenhauer nach dem anderen auf die Bühne und verpassen allen Liedern natürlich die ganz spezielle Stones-Note.
Die vier Freunde Gabriel Castañeda, Gernot Mungenast, Edgar Ruetz und Martin Schiferer bleiben auch bei ihrem dritten Bühnenprogramm ihren Talenten treu: Gesang, Slapstick, Selbstironie und deftiger Humor.

Gegründet Ende des 20. Jahrhunderts sangen die vier sympathischen Jungs erst jahrelang in Kneipen und vorwiegend unter starkem Einfluss von diversen alkoholischen Getränken. Anfänglich trug die Band den schmucken Namen "GXV - Grinner Xangs Verein" - doch wurde der dann im Jahre 2006 in "Tyrol Inn Stones" umbenannt. Nach über 10 Jahren Probephase haben sich Gabriel, Gernot, Thomas und Edgar 2010 entschlossen, ein Musikkabarett auf die Füße zu stellen. "Gesang auf höchster Braukunst" verbindet die großen Interessen der Entertainer: "Singen und saufen...". Die Shows Anfang 2011 waren ein unglaublicher Erfolg und der Zuspruch auf Seiten der Zuschauer enorm. 
2013 folgte das heiß ersehnte Nachfolgeprogramm "Eier & Nudeln". Auch mit ihrem zweiten Programm können die Stones große Publikumserfolge erzielen und ziehen nun herum, um das Land von seiner Tristesse zu befreien. 
Ab 2016 gönnt sich Thomas eine Auszeit, an seine Stelle tritt Martin Schiferer und mit ihm präsentieren die Stones aus den Alpen ihr drittes Bühnenprogramm: EverGrins.

Hinter dem Namen Danças Ocultas verbergen sich vier Akkordeonisten aus Agueda in der Nähe von Porto, die zu den innovativsten und spannendsten Vertretern zeitgenössischer Klänge aus Portugal gehören. Seit einigen Jahren erobern sie die World-Music-Szene mit einem beim ersten Hinhören unspektakulären Konzept: ruhig, lyrisch, mehr oder minder traditionell, mit nur vier diatonischen Akkordeons.

Der Name des Quartetts hat nichts mit esoterischen Welten zu tun sondern weist darauf hin, dass die vier Musik für Tänze spielen, die erst noch erfunden werden müssen. Der berühmte Fado spielt eine untergeordnete Rolle, eher nehmen sie die traditionelle dörfliche Musik, Tango Nuevo und die Kammermusik z.B. des russischen Terem Quartetts als Basis für ihre Erkundungen. Sie halten weder akkordeonistische Schnelligkeitswettbewerbe ab noch spielen sie reine Volksmusik. Am ehesten lässt sich ihre zeitlose Kunstmusik wohl als impressionistischer Folk bezeichnen: minimalistische, tiefgründige Klanggemälde voll unerwarteter Wendungen und erhabener Melancholie. Sehr spezielle Musik, in die man gar nicht anders kann als hineinzukippen.

Die Band wurde gefördert von Gabriel Gomes, dem Akkordeonisten von Madredeus, der berühmtesten World-Music Gruppe Portugals. Er hat sie motiviert, ihre eigene Klangwelt auszuschöpfen. Die Zusammenarbeit mit dem Choreographen Paul Ribeiro, Auftritte bei zahlreichen internationalen Festivals sowie ein umjubelter Showcase bei der Womex 2010 in Kopenhagen haben Danças Ocultas mittlerweile weit über Portugal hinaus bekannt gemacht.

Artur Fernandes – Komposition, Diatonisches Akkordeon
Francisco Miguel - Diatonisches Akkordeon
Filipe Cal -Diatonisches Akkordeon
Filipe Ricardo - Diatonisches Akkordeon

PRESSE-SCHNIPSEL

„Das Quartett Danças Ocultas hat es längst geschafft, aus dem Kreis der Liebhaber des Akkordeons zu schlüpfen und die grosse Bühne zu bespielen. Dafür ist ‘Amplitude’ das beste Beispiel.”
JazzThing, DE, Amplitude, 2016

„Amplitude“ ist ein gewaltiges Album, bei dem einem das Herz aufgeht.“
Sound&Image, DE, Amplitude, 2016

„Das Quartett aus der Nähe von Porto zelebriert portugiesische Melancholie. … Sie lassen mit ihren feinen und leisen, präzisen bis schwelgerischen Arrangements Bilder entstehen, die die Zuhörer mit auf eine Reise zu Landschaften im Morgennebel und leichtfüssig tanzenden Gestalten nehmen … auf eine Reise jedenfalls in die eigene, inspirierte Gedankenwelt. Danças Ocultas richten sich mit ihren Kompositionen an ein Publikum, das auserlesene Kammermusik liebt.“
Akkordeonmagazin, DE, 2013

„Weniger wie ein Konzert, vielmehr wie ein musikalischer Vortrag, ein kollektiver Atemzug, an dem man teilnimmt und von dem man sich gerne in eine emotionale, beinahe meditative Dimension tragen lässt – das ist es, wonach sich die Musik der portugiesischen Gruppe anfühlt.“
Il Giornale di Vicenza, IT, 2011

„Erfindungsreiche und kreative Instrumentalmusik von einem der besten Kunstmusikensembles Europas. Empfehlung!“
CD Roots 2007

Eine aussergewöhnliche Band, die von der intensiven Interaktion unter den Musikern lebt und einen sofort gefangennimmt. Die Stücke sind exzellent arrangiert, wechseln von langsamen Solostellen, die den Eindruck von sehr lauter Stille aufkommen lassen, zu schnelleren und lebhaften Rhythmen. Mein persönlicher Festivalhöhepunkt!
Folkworld 2001

Aber kann man heute überhaupt noch von etwas mit Sicherheit sagen, dass es ist? Gibt es zu „alternativen Fakten“ eine Alternative? Spielt der Unterschied zwischen Meinung und Lüge noch eine Rolle? Welche Folgen hat das für einen Satiriker und sein Publikum? Können sie einander folgen, ohne etwas anklicken zu müssen? Und wer folgt wem, wenn man sich gegenseitig folgt? Ein Abend für Folger, Verfolgte und Unfolgsame.

PRESSESCHNIPSEL

‚Folgen Sie mir auffällig’ ist erzählte Realsatire aus Politik und Gesellschaft, weil die Wirklichkeit an Absurditäten und Bizarrerien oft nicht zu überbieten ist. Scheuba ohne erhobenen Zeigefinger, erfrischend direkt und sehr persönlich. Eine Empfehlung!“- Kurier

"Man wird bei Scheuba immer Zeuge herrlichster faktischer Verhältnisse, die man oft für erfunden halten möchte.“ - Der Standard

"Zwischen Dummheit und Berechnung lotet der blitzgescheite Wiener sein gesellschaftskritisches Kabarett aus und sorgt für geistige Dauerspannung.“ - Kleine Zeitung

"Vom Leben in einer immer stärker digitalisierten - und daher auch immer unrealeren und manipulierbareren Welt erzählt Scheuba mit großer humoristischer Treffsicherheit. Der Jubel am Ende war ohne Zweifel real.“ - Kronen-Zeitung

„Scheuba stellt sich mittels konsequenten Bloßstellens und scharfsinnigen Verknüpfens von Fakten und Verflechtungen auf amüsante Weise in den Dienst der Aufklärung.“ - Falter

"Scheuba legt ein anspruchsvolles, sehr gutes neues Soloprogramm vor. Gibt Einblicke in seine Gedankenwelt, fordert die Zuschauer zum aktiven Mitdenken und Nachdenken - gerade auch in der Nachbetrachtung.“ - Wiener Zeitung

aufreger des herbstes 2018:

Jan Lundgren

The Ystad Concert

A Tribute to Jan Johansson

Jan Lundgren - piano
Mattias Svensson - bass
Joanna Lewis - vl
Emily Stewart - vl
Aurore Cany - va
Asja Valcic - vc

Der schwedische Pianist Jan Johansson wurde Ende der 50er Jahre bekannt, als er längere Zeit mit Stan Getz arbeitete und als erster Schwede bei Jazz At The Philharmonic mitwirkte. Er schrieb auch die Filmmusik für Astrid Lindgrens »Pippi Langstrumpf«; wichtiger ist jedoch seine Verflechtung von klassischer Musik und Folklore mit Jazz, wobei ihm einige mustergültige, zeitlos-schöne Aufnahmen gelangen. Viel zu früh starb Jan Johansson 1968 bei einem Busunfall.
Mehrere seiner hoch gelobten LPs aus den 60er Jahren wurden vor kurzem wieder veröffentlicht. Auf »JAZZ PÅ RYSKA« (»Jazz auf russisch«) beschäftigt er sich mit russischen Volksliedern, die er mit seinem Langzeit-Begleiter Georg Riedel (b) und Egil Johansen (dr) ebenso behutsam wie lebendig in Piano-Trio-Jazz transferiert. Die enorme Emotionalität dieser Lieder scheint durch Johanssons Piano, er erschlägt die Melodien nicht mit (durchaus vorhandener) Virtuosität. Beispielhaft für die ganze CD genannt seien »Stepp, Min Stepp«, »På Ängen Stod En Björk« und »Det Går En Kosack«. (tjk)

JAN LUNDGREN - PIANO

Jan Lundgren reiht sich nahtlos ein in eine bemerkenswerte und lange Tradition innovativer Pianisten aus Schweden, wie dem früh verstorbenen Jan Johansson und in neueren Jahren Bobo Stenson und Esbjörn Svensson. In seiner bisherigen Karriere hat er es sich nie leicht gemacht und versucht seine phänomenale Technik permanent in den Dienst der Musikalität zu stellen. Seine Fähigkeit, unterschiedlichste Musikeinflüsse harmonisch zu einem faszinierenden Ganzen zu vereinen, ist an sich schon einmalig. Ob zeitgenössische Klassik, die unerschöpfliche Liedtradition der nordischen Folklore oder gar der in der afro-amerikanischen Musik verwurzelte pulsierende Groove des Jazz : Lundgren versteht es auf einzigartige Art und Weise, den Zuhörer mit seinen eigenwilligen Klangwelten auf eine spannende, manchmal relaxte, zuweilen auch bewegte Reise mitzunehmen.

Jan Lundgren, in jugendlichen Jahren mitunter auch als eines der größten Tennistalente nach Björn Borg gehandelt, hat zum Glück für die Anhänger der blauen Noten rechtzeitig "die Saiten gewechselt". 

Geboren am 22. März 1966 in Kristianstad, Südschweden und aufgewachsen in Ronneby, Blekinge, erhält er im Alter von fünf Jahren den ersten Pianounterricht und schon bald entpuppt sich sein außergewöhnliches musikalisches Talent. Nach langen Jahren formaler Klassikausbildung entdeckt er eher zufällig Ende der 80er Jahre den Jazz, eine Musik, die ihn unmittelbar in ihren Bann zieht. Er absorbiert in Windeseile die komplette Pianojazztradition von Oscar Peterson, Erroll Garner zu Bud Powell und Bill Evans und eignet sich wie wohl kein zweiter europäischer Jazzpianist seiner Generation profunde Kenntnisse des Great American Songbook an.