Er ist einer der außergewöhnlichsten Pianisten unserer Zeit: Lubomyr Melnyk. Am 7. Dezember 2018 veröffentlichte Erased Tapes Fallen Trees, das neue Album der musikalischen Naturgewalt, der sein ganzes Leben dem Klavier gewidmet hat und aufgrund seiner einzigartigen Klangsprache auch als „Prophet des Pianos“ bezeichnet wird. 

Er selbst feiert nur wenige Tage nach der Veröffentlichung seinen 70. Geburtstag, und auch wenn der Albumtitel nach Herbststimmung klingt, deutet bei Melnyk nichts auf Tempodrosselung oder gar Ruhestand hin: Von der Kritik gefeiert, trat er zuletzt als Co-Headliner im Rahmen der Feierlichkeiten zum 10. Jubiläum von Erased Tapes im Berliner Funkhaus als auch in der Londoner Royal Festival Hall auf – und seine Anhängerschaft ist jetzt, nach so vielen Jahren, nicht nur global und größer denn je, sondern auch kontinuierlich im Wachsen begriffen. Erst jetzt entwickelt seine Karriere jene Dynamik, jenen unglaublichen Sog, den sein einzigartiges Pianospiel schon immer ausgezeichnet hat.  

Klangketten wie Wasserfälle, Tonfolgen, die wie Schluchten, wie reißende Klangströme funktionieren: Die Musik von Lubomyr Melnyk hat stets etwas von Naturgewalten, etwas Erhabenes. Auch Fallen Trees wurzelt auf dieser besonderen Bindung zur Umwelt, denn die zentrale Inspirationsquelle war eine lange Zugreise durch Europa. Als der Fernzug schließlich einen düsteren Wald durchquerte, sah Melnyk vor seinem Fenster eine Reihe von kürzlich gefällten Bäumen: „Und sie sahen glorreich aus“, berichtet der Komponist. „Auch wenn man sie getötet hatte, waren sie noch längst nicht tot. Der Anblick hatte etwas Trauriges – aber zugleich war da auch Hoffnung.“ Dieses Gefühl von Traurigkeit, in dem auch Zuversicht mitschwingt, zieht sich denn auch durch das nach den Bäumen benannte Album. Genau genommen hat Melnyk selten Musik aufgenommen, die dermaßen von Melancholie und Bedauern gezeichnet ist – und dabei doch so hingerissen, ja geradezu strahlend anmutet. 

Neben Vergleichen mit Steve Reich und der Postrock-Band Godspeed You, Black Emperor!, feierte Pitchfork das 2015 veröffentlichte Album Rivers And Streams für seine „anhaltende Konzentration und ekstatische Energie“. Diese ist auch auf Fallen Trees zu hören, wobei Melnyk hier streckenweise weniger wuchtig, ein wenig leiser klingt, und die dazugehörige Stimmung etwas düsterer, wehmütiger ausfällt. Andere Passagen des Albums muten hingegen kaleidoskopisch an, trotz ihrer tiefen Verwurzelung in den Wundern der Natur: Töne wie fraktales Gestöber, das ein breites Spektrum an Farben und Schattierungen mit sich bringt.

JOHN MC LAUGHLIN & THE 4TH DIMENSION

John McLaughlin - Gitarre
Gary Husband - Schlagzeug, Keyboards
Etienne M'Bappe - Bass
Ranjit Barot - Schlagzeug, Percussion

John McLaughlin war mit 16 Berufsmusiker und galt mit der 30 als der beste Gitarrist der Welt. Bis heute hat sich der über 70jährige kaum eine Auszeit gegönnt und seine Fähigkeiten so über die Jahre hinweg perfektioniert. Aus seiner langjährigen Zusammenarbeit mit Musikern der verschiedensten Kulturen und musikalischen Traditionen ist nun das Projekt „The 4th Dimension“ geworden. Der „Killer“, wie er von Miles Davis genannt wurde, gehört zu Crème de la Crème der Jazz-Musiker. Während einem Ausflug in die Welt des Hinduismus nannte er sich nur noch Mahavishnu, der Höhepunkt dieser Zeit war das Album „Love, Devotion, Surrender“, auf dem der zeitweilige Vegetarier auf einer zweihälsigen Gitarre der Musik huldigte. 1981 folgt dann der große kommerzielle Durchbruch: „Friday Night In San Francisco“ verkauft sich über 2 Millionen mal und gilt als das bedeutendste Flamenco-Gitarren-Album. Auch die weiteren Alben in Zusammenarbeit mit Paco de Lucia und Al di Meola werden ein voller Erfolg. Die Gruppe „The 4th Dimension“ ist ein Quartett aus McLauhglin selbst, Gary Husband, Mark Mondesir und Etienne M´Bappe. Husband, ein erstaunlicher Multiinstrumentalist, Mondesir, einer der erfolgreichsten Schlagzeuger weltweit und M´Bappe, der als einer der besten Bassisten gilt, stehen dem „Killer“ in Sachen Musikalität und Perfektion in nichts nach. Die Gruppe verbindet die verschiedenen musikalischen Wurzeln der Musiker auf beeindruckende Weise zu einem stimmigen Ganzen und bewahrt gleichzeitig die Spontanität des Jazz. Mit atemberaubenden Soli und großartigen Improvisationen betreiben diese Musiker Musik als Hochleistungssport. John McLaughlin, der siebenmalige Jazzgitarrist des Jahres, hat sich mit diesem Projekt selbst übertroffen. Kreativ, energiegeladen, mit gewohnt grandioser Rhythmik und Melodik, lassen diese vier einem keine Sekunde Zeit zum Atmen. In ihrer Virtuosität treffen sie immer den richtigen Ton und dank der genialen Improvisationen gleicht kein Konzert dem anderen.

Mitte der sechziger Jahre begann McLaughlins Karriere. Er gründete mit Ginger Baker und Jack Bruce die Graham Bond Organization. Nachdem McLaughlin sein erstes Album ("Extrapolation") veröffentlicht hatte, wirkte er bei den Alben "Bitches Brew" und "In a Silent Way" von Miles Davis mit und gründete mit Tony Williams und Larry Young Lifetime .
Der große Erfolg kam für John McLaughlin aber erst mit seinem 1971 gegründeten eigenen Mahavishnu Orchestra, dessen hoch energetische, rhythmisch komplexe Fusion aus Jazz und Rock wegweisend für die (u. a. von Miles Davis eingeleitete) Fusion-Musik Ende der Sechziger- und Anfang der Siebzigerjahre war. 
Nach der Auflösung des Mahavishnu Orchestra gründete McLaughlin ein zweites eigenes Projekt, das lediglich aus akustischen Instrumenten bestand und stark an klassischer indischer Musik orientiert war. Das Projekt Shakti mit dem Geiger L. Shankar und dem Tabla-Spieler Zakir Hussain war ein Schub für die Popularität indischer Musik im Westen. Sie hatten 1976 und 1977 legendäre Auftritte auf dem Montreux-Jazz-Festival und formierten sich 1999 unter dem Namen Remember Shakti erneut, woraus einige Alben und ein weiterer Auftritt in Montreux hervorgingen. 
1981 nahm er zusammen mit den Gitarristen Al Di Meola und Paco de Lucía das berühmte Live-Album Friday Night in San Francisco auf, welches über zweimillionenmal verkauft wurde

Mitte der Neunziger Jahre bildete sich ein Trio, bestehen aus Top-Drummer Dennis Chambers, MCLaughlin und dem Hammondorgel-Virtuosen Joey deFranscesco. Auch  die neue Ausgabe der  4th Dimension ist großartig besetzt: 

JOHN Mc LAUGHLIN guitars GROSSBRITANNIEN  l  ETiENNE M'BAPPE BASS kamerun  l RANJiT BAROT dr & percussion  INDIEN l GARY HUSBAND piano & drums

Das Broken Brass Ensemble ist keine typische Brass Band. BBE vermischt traditionellen New Orleans Brass mit  Hip Hop, Funk, Soul, Dance und Jazz zu einem mitreißenden Sound, der den lebendigen New Orleans Brass auf ein neues Level hebt. Anfang Mai veröffentlichten sie ihr neues Album „Astonishing Tales from Beyond the Brass Dimension“ inklusive der Single „The Hitchhiker“.

Mit ihren energiegeladenen Live-Shows, in denen sie auf der Bühne ein regelrechtes Feuerwerk des Brass entfachen, faszinieren sie ihr Publikum mittlerweile weltweit. Der Ruf der Gruppe als fantastische Live-Band brachte ihnen im Vereinigten Königreich bereits ausverkaufte Shows in London, Manchester, Exeter und Norwich, sowie Festivalauftritte in Frankreich, England, den Niederlanden, Deutschland, der Schweiz und Belgien ein. Sie begeisterten unter anderem Besucher von Festivals wie Fusion (D), North Sea Jazz (NL), Eurosonic (NL), Jazz à Vienne (FR), Secret Garden Party (UK) und Paaspop (NL) und spielten in weniger als drei Jahren über 350 Shows, womit sie ihren Ruf als Live-Macht festigten.

Auch Medien und Kritiker zeigen sich begeistert von dem einzigartigen Sound der 8-köpfigen Band, sodass neben zahlreichen Radioshows in Holland unter anderem auch BBC Radio 6 (UK) auf die Musiker aufmerksam wurde und sie zur beliebten Craig Charles Funk and Soul Show einlud. Ihre EP sowie ihr Debütalbum „Brasshopper“ (April 2015) sind bereits ausverkauft; 2016 erschien zudem ein Remix-Album mit Tracks von Mr Scruff (Ninjatune) und anderen Künstlern.

Abseits ausgetrampelter kommerzieller Musikpfade wandelt die Hopfgartner "Rebel Musig"-Crew mit ihrem Mix aus Reggae, Hiphop, Ska und Funk. "Rebel Musig" liegt am Puls der Zeit - und mit seinen hintergründigen Dialekt-Rap-Texten trifft Lead-Sänger "John Dere" ins Herz einer jungen Generation, die mit dem vorgegebenen System nicht mehr zu Recht kommt. "De waxest sound around" bezeichnet Rebel Musig ihren eigenwilligen Sound-Mix. Mit dem selbst produzierten Album "Radio Freie Mittelstation" bietet Rebel Musig etwas vom Besten, das Tirols Independent-Musikszene derzeit zu bieten hat!

Süße Fremdscham: Wer kennt sie nicht? Die glorios peinlichen und umso amüsanteren Tagebuch-Ergüsse aus Teenagerzeiten, Reisetagebüchern oder einfach nur von damals? Wir haben sie!
Eine peinlich-lustige Zeitreise in die Abgründe der eigenen und fremden Pubertät und Kindheit. Ehrlich, berührend, schonungslos, betrübt, übertrieben, sehnsüchtig, haltlos und unverstanden. So waren und sind sie, unsere Schul- und Jugendjahre. Und so sind unsere Tagebucheinträge aus dieser wilden und unberechenbaren Zeit des Erwachsenwerdens.
Es lesen Laien live aus ihren alten Tagebüchern. Das gibt es im Wiener TAG seit 2 Jahren und letztes Jahr waren im Oktober, auch 5 Folgen in DIE.Nacht in ORF 1 zu sehen. Nun werden die Bundesländer erobert. Das Publikum entscheidet über die Siegerin/den Sieger des Abends, die/der sich über einen Taschengeldzuschuss freuen kann. Eine Reality-Show der etwas anderen Art – mit Sicherheit der persönlichste aller Slams und die schönsten Geschichten schreibt das Leben.

Infos für TeilnehmerInnen:
Es werden ca. 6 Leute am Start sein, d.h. immer 2 gegen einander lesen, dann gibt es einen Applausbattle und 3 sind dann im Finale. JedeR sollte zwei Beiträge (können auch mehrere kürzere Einträge sein) von maximal 5 Minuten vorbereiten, weil Vor- und eventuell Finalrunde. Bitte keinen aktuellen Beiträge, müssen mindestens von vor 2010 sein! Originaltagebücher mitbringen und ansonsten einfach Spaß haben.

Durch den Abend führt: Diana Köhle

Erster Tagbucheintrag am 23. September 1989, denn das Leben war hart in den Bergen. Nach längerer Abstinenz schreibt sie nun sogar wieder täglich Tagebuch, denn sie muss ja weiterhin fleißig für „Lesestoff“ sorgen. Neben dem Tagebuch schreiben, schlägt ihr Herz für Poetry Slams. Seit 2004 moderiert und organisiert sie Poetry Slams (monatlich Slam B im Literaturhaus Wien und viele Gastspiele) und seit 2013 auch den sehr erfolgreichen TAGebuch Slam im TAG in Wien. Der es im Herbst 2014 mit 5 Folgen in DIE.Nacht in ORF 1 geschafft hat (Liebes Tagebuch, ...). Sie lebt seit 12 Jahren in Wien, hat in Innsbruck studiert und freut sich daher besonders auf ein Heimspiel in Tirol.

Anmeldungen zum Mitmachen an: diana@liebestagebuch.at

Traumhaft liest sich die Entwicklung des Emil Brandqvist Trios, das jetzt mit „Within A Dream“ sein viertes Album eingespielt hat. Das Ensemble um den Göteborger Schlagzeuger Emil Brandqvist wurde mit viel Aufmerksamkeit bedacht: ECHO JAZZ Nominierung, Longlist Preis der deutschen Schallplattenkritik oder zuletzt Position No.7 in den deutschen Jazzcharts für den Vorgänger „Falling Crystals“. Begeisternde Festivalauftritte bei Palatia Jazz oder dem Gezeitenfestival, sowie zahlreiche ausverkaufte Clubkonzerte sorgten genauso wie die gemeinsamen Auftritte mit Max Moor im Rahmen von Jazz & Literatur Veranstaltungen dafür, dass sie in Deutschland in der ersten Reihe des Piano Trio Genres spielen. Ihr Auftritt bei der Jazzahead in Bremen setzte in der Publikumsresonanz des gesamten Showcase-Programms ein deutliches Zeichen. Viele internationale Anfragen folgten daraus und  mit Auftritten wie beim Conversations Festival in Irland, „Jazz Au Plateau Picard“ (Paris) und dem Nordic Culture Festival in Seoul konnten sie auch international überzeugen.

Das Geheimnis dieses Trios liegt dabei sicherlich in der raren Gabe, einen ganz eigenen Sound entwickelt zu haben, der geprägt wird durch die filigranen Klangmalereien von Namensgeber Emil Brandqvist am Schlagzeug und den mal sensibel dahingetupften, mal rasant dahinrollenden Neo-Klassizismen des finnischen Pianisten Tuomas A. Turunen, der unlängst auch ein ausdrucksstarkes Solo-Werk veröffentlichte ( „Ornaments Of Time“), und der fast stoisch voranschreitenden Kraft im Kontrabass-Spiel von Max Thornberg. Neben den meisten Kompositionen von Brandqvist begleiten diesmal auch solche von Turunen und Thornberg das Trio auf seiner musikalischen Reise, ohne dass es zu Brüchen in den Soundlandschaften des Trios kommt.

Wie bereits auf dem zweiten Album „Seascapes“ verwendet Emil Brandqvist wieder Bassklarinetten, Flöten oder auch von ihm gespielte Synthesizer – Akzente, um die gefühlte Atmosphäre der Kompositionen noch klarer zu machen oder auch deren überraschende Erweiterungen in den Stücken zu ermöglichen. Dabei sind diese Instrumente nie solistisch, sondern immer als stimmungsverstärkendes Element eingesetzt. Der große Romantiker Tuomas A. Turunen brilliert mit perlenden, poetischen Beiträgen oder auch als starkes rhythmisches Fundament wiedererkennbarer Kompositionselemente.

Nachdem der Hörer sich bei „Stay A Little Longer“ mit den langsam einsetzenden Instrumenten in den Kosmos von EBT hereintastet, verbreitet Emil Brandqvist ersten Synthezizer - Sternenstaub auf „Starlings“, der auf „View From Above“ eine noch prägnantere und sogar unerwartete Rolle einnimmt, bevor in der Tuomas Turunen – Komposition „Metropol Round“ das Tempo merklich angezogen wird. “Landscapes“ gerät mit seinem vertrackten Rhythmus zu einem Highlight des Albums, „Back On The Ground“ liefert einen Late Night Blues, wie er aus Skandinavien nicht unbedingt zu erwarten wäre, und der Ausklang mit „Time For A Change“, der Gemeinschaftskomposition von Brandqvist und Thornberg, wirkt fast wie die Abspannmusik eines Kinofilms, den der Hörer gerade erlebt hat .

Die Leute sagen oft "ich versteh´ die Welt nicht mehr!" – Mir geht es umgekehrt – die Welt versteht mich nicht mehr. Spinn´ ich oder spinnt die Welt? Was lässt sich angesichts der digitalen Diktatur und der Auslöschung des Hausverstandes bloß noch sagen? Kann die Kunst uns retten, oder muss ich die Kunst retten? Wohin soll man flüchten? In die geistige Euthanasie, in das Absurde, zurück in die Tradition oder doch lieber in die Karibik? Und was hat eine Thunfischdose mit der letzten Erkenntnis zu tun? Am Ende der Show weiß man vielleicht mehr – oder noch besser – vielleicht gar nix mehr!

ALF POIER / BIO-GRAPHISCHES

Geschlüpft bin ich am 22. Februar 1967 in Judenburg. Gleich nach der Geburt hat meine Aufzucht begonnen. Danach ging alles Schlag auf Schlag. – Plötzlich hatte ich die Volksschule hinter dem Buckel und wechselte in die Hauptschule Judenburg. Aufgewachsen bin ich in Rothenthurm bei St. Peter ob Judenburg. Das ist ein kleiner Ort mit viel Wald, Bergen und sonstigen idyllischen Sitzgelegenheiten, ca. drei Kilometer von der Weltstadt Judenburg entfernt. Nach der Hauptschule wechselte ich fußläufig in die Handelsakademie Judenburg. Dort fühlte ich mich allerdings geistig nie sehr ansässig, da ich mir ohnehin nicht vorstellen konnte, irgendwann in einem Büro vorrangig werden zu müssen. Meine ganzen Schulbücher habe ich aus Langeweile mit Teufeln und sonstigen Wesenheiten vollgezeichnet. Trotzdem schaffte ich die Matura mit einem „Happy Ending“ – dann begann das richtige Leben.

Viele Jahre irrte ich planlos durch die Verschiedenheiten des Lebens und war unter anderem in folgenden Berufen tätig: Nachtwächter, Kellner, Tanzmusiker, Büroangestellter, Russputzer, Empfangsdame, Trommel-Student, Türenverkäufer, Journalist, Pädagogische-Akademie-Student, Kabelzieher, Messeaufbauer, Langstreckenläufer im Nationalteam (ich erreichte bei den Berglauf-Weltmeisterschaften 1988 in Keswick den 21. Platz), Griller, Zeitsoldat, Wagonentleerer, Hard-Rock-Schlagzeuger etc. etc. etc. – insgesamt hab ich ca. 40 mal gekündigt. Ich wollte das alles nicht. Nein, nein, nein. Ich wollte ein komischer, nicht einforderbarer, gegenverquerter, geistig außermäßiger Gesamtkünstler sein. Dies ist mir super gelungen! Viele „Skandale“, politische Unkorrektheiten und „antikonforme“ Verbalitäten waren mir diesbezüglich eine große Hilfe. Oft hatte ich deshalb riesige Probleme – aber im Nachhinein betrachtet bin ich sehr stolz auf mein diesbezügliches Durchvermögen. Als Künstler darf man sich von niemandem instrumentalisieren lassen und man ist nur seiner eigenen inneren Wahrheit verpflichtet. Alles andere widerspricht meiner Auffassung von ernsthafter künstlerischer Arbeit.

Nachdem ich bereits seit meinem 14. Lebensjahr als Schlagzeuger von diversen Tanzmusikgruppen, Rockbands, Funkbands etc. auf die Trommeln gedroschen habe, betrat ich im April 1995 beim „Grazer Kleinkunstvogel“ erstmals die Kabarettbühne und belegte dort auf Anhieb den zweiten Platz. Von nun an war ich „Kabarettist“, obwohl ich mich in der Kabarettszene nie heimisch gefühlt, sondern mich eher als gesamt-künstlerisches Querformat mit Gegentendenz betrachtet habe. Ich war nicht nur in Österreich sehr erfolgreich unterwegs, sondern war auch häufig in Deutschland und der Schweiz auf sämtlichen Bühnen und im quotenstarken Fernsehen zu sehen. U.a. bei Rudi Carrell, Harald Schmidt, dem Quatsch Comedy Club etc. etc. – Plötzlich hatte ich keine Lust mehr nach Deutschland zu fahren, obwohl dort bereits das ganz große Geld in Stapeln abgepackt auf mich wartete. Mein Ex-Manager hat mir diesen Schritt nie verziehen – Ich habe ihn nie bereut.

Im Jahre 2003 erreichte ich mit dem schlechtesten Lied, das ich jemals geschrieben habe, beim Eurovisions Songcontest in Riga den 6. Platz. Es war mir eine Ehre, diese Veranstaltung geistig zu grundieren und mit meiner Gegenvehemenz etwas aufzuwerten. Jeder bekommt das, was er verdient!

Programme

Seit dem Jahr 1995 habe ich folgende Programme auf die Bühne gebracht:
1995 Himmel, Arsch und Gartenzwerg
1999 Zen
2001 Mitsubischi
2005 Kill Eulenspiegel
2008 Satsang
2010 This isn´t it (Musikshow mit Band)
2012 BackStage
2016 The Making of DADA

Auszeichnungen

Für meine Programme habe ich folgende Auszeichnungen erhalten:
1998 Salzburger Stier – Bester österreichischer Nachwuchskabarettist
2000 Deutscher Kleinkunstpreis – Kategorie Kleinkunst
2000 Prix Pantheon – Jurypreis Frühreif & Verdorben
2000 Deutscher Comedypreis – Bester Newcomer
2002 Österreichischer Kabarettpreis Karl – Hauptpreis
2009 Ybbser Spaßvogel
Für meine beiden DVDs „Mitsubischi“ und „Kill Eulenspiegel“ wurde mir jeweils „Gold“ verliehe

Alune Wade : lead-vocal, eclectic-bass (Sénégal)
Leo Genovese ou Leo Montana : pi. & kb (Argentine - Brooklyn)
Renaud Gensane : trompette (Madagascar)
Daniel Blake ou Ricardo Izquierdo : saxophone (Brooklyn)
Reda Samba : drums (Maroc & France)
Adriano Tenoriodd : percussions (Brésil)

Paris ist zum wichtigsten Ort für viele aus Afrika stammenden Musiker geworden. Ich habe mehr Verbindungen mit afrikanischen Musikern in Paris geknüpft als damals Afrika. Egal, aus welchem Staat Afrikas meine Kollegen kommen, hier in der französischen Metropole wird große afrikanische Musik gemacht! So spricht der aus dem Senegal stammende Alune Wade. Er, der sich auf die Traditionen der Griots gerufen kann und dort auch seine musikalischen Wurzeln zu finden sind, ist in einem sehr westlich orientierten musikalischen Umfeld aufgewachsen. War doch sein Vater als Offizier auch Leiter eines symphonischen Orchesters in Dakar. Er ermunterte seinen Sohn schon früh zum Experimentieren. Rock, Jazz, Klassik, alles war einfach da. Sein Spiel am E- Bass machte Alune in der kochenden, brodelnden Fusion & World-Szene von Paris schnell bekannt, hier traf er auch auf seine Mitmusiker, mit denen er auch heute noch intensiv zusammenarbeitet.

Seine Neugierde und Weltoffenheit brachte ihn schnell mit großartigen Musikern auf die Bühnen der Welt, unter anderem mit Marcus Miller, Salif Keita, oder Bobby Mc Ferrin, So verwundert es nicht, dass auch der Großmeister an den Keys und Erfinder der World Music Joe Zawinul auf Alune Wade aufmerksam wurde und ihn in seine Band aufnahm. Neben seinem unverwechselbaren, sehr lebendigen Spiel am E-Bass ist es seine Stimme, welche gleich den westafrikanischen Griots Geschichten zu erzählen weiß, mit viel Gefühl und voller bunter Rhythmen.

Mit "African fast food" geht Alune Wade seinen Weg weiter: Er verbindet Afro-Fusion, afro-kubanische und freie Jazz-Sounds dank einer sehr weltoffenen Besetzung zu einem spannenden, kochenden Mix: Bühne frei für African fast food! ( Und lasst bitte die Klappstühle zu Hause)

Alune Wade wurde am 9. Juni 1978 in Dakar, Senegal geboren. Sein Vater, in Paris als klassischer Msuiekr ausgebildet, leitete das Symphonieorchester der senegalesischen Armee. “In meinem Elternhaus habe ich viel unterschiedliche Musik gehört. Mein Vater, von der Klassik beeinflusst, liebte die Sonaten von Bach. Meine Mutter lies mit anderen Frauen aus der Nachbarschaft im Haus afrikanische Chansons und Soul erklingen. Und meine Schweester hat mich in den Pop eingeführt, amerikanischen und europäischen.” Mit 7 Jahren begann Alune Wade Unterreicht am Klavier und in Musiktheorie, Einige Jahre später wechselte er zum Schlagzeug und nach einem familiären Veto zur Gitarre. Schließlich hat ihn dann der Bass vollkommen gefangen genommen – Bass in jeder Form, E-Bass, Kontrabass. Das Instrument mit den 4 Saiten erscheint ihm als natürliche Verbindung zu Afrika. “Ich bin vollkommen fasziniert vom Bass, ein sehr afrikanisches Instrument mit faszinierenden rythmischen Möglichkeiten. Er repräsentiert das Rückgrad des Orchesters, die wichtige Verbindung zwischen dem Rythmus und den Harmonieinstrumenten.”

“Jazz ist für mich eine Musik die Ursprünge aus verschiedenen Kontinenten vereint. Der Jazz hat seinen Ursprung in den USA aber um seine Geschichte zu illustrieren vergleiche ich ihn gerne mit einem Baum. Die Wurzeln kommen aus Afrika, der Stamm steht auf amerikanischer Erde und die Blätter und Blüten sind in Europe gewachsen.”

VOM HIMMEL DURCH DIE WELT ZUR HÖLLE

Das Staatstheater spielt endlich Goethe und Schiller 

Vom Handschuh, über die Glocke bis zum im Gewande versteckten Dolch, mit fieberndem Kind und rasendem Pferd – alles liegt in des Pudels Kern.  Und im Wald, da gibt‘s die Räuber.
Das Staatstheater nimmt sein Publikum mit auf eine rasante, performative Reise durch die deutsche Weltliteratur von zwei ziemlich besten Freunden.
Kann man „Der Taucher“ auch tanzen? Oder ist das was für einen  Poetry-Slam? Hat Gretchen immer Zöpfe oder geht auch  Mini-Pli?  Was ist der Lieblingswitz vom leidenden jungen Werther?  Und ist Mephisto wirklich eine Frau?
In Zeiten von Netflix, in denen jeder 20.000 Filme zu Hause hat, bereitet das Staatstheater ein  literarisches Grundelement unserer Sprache neu zu – als ob man alte Gerichte wieder kocht, wenn alle Sushi und Hamburger essen.
Serviert wird eine explosive  Klassiker-Übermalung und Befreiung. Ein Teilchenbeschleuniger. Von der schnellen Nummer bis zum Seelen-Trip.
Altersempfehlung: von 14 bis 105 Jahren

Regie:           Mona Kraushaar
Ausstattung: Esther Frommann
es spielen     Daniela Bjelobradic • Carmen Gratl • Frank Röder 
Musik:           Maurizio Nardo
Produktionsleitung:   Ute Heidorn

PremierenKritik

In Staatstheatern wird Goethe gespielt. Und Schiller. Kein Wunder also, dass auch das Innsbrucker Staatstheater, das weder staatlich noch staatstragend ist, sondern „frei und so weiter und so fort“ sein darf, irgendwann beim Weimarer Welttheater landet. Goethe und Schiller als­o, aber weniger „Tasso“ oder „Wallenstein“, sondern „Erl­könig“ und „Die Glocke“. Sprich Ge- und Verdichtetes, Balladen, von denen man – grau ist alle Theorie – zwar weiß, dass sie erzählend, ja hochdramatisch sind, aber eben vielgeprüfter Schulstoff mit Fokus auf Versmaß, Reimformen und Metrum. Dass Ballade aufs lateinische „ballar­e“ zurückgeht, also Tanz und Sich-ins-Getümmel-Werfen immer mitmeint, hat man auch irgendwann gelernt. Und so schnell vergessen, weil zwölf und mehr Balladen-Strophen zur Bürde werden, die jeden Sturm und alles Drängen dorthin drückt, wo nichts mehr wächst.
Für „Vom Himmel durch die Welt zur Hölle“, die aktuelle Staatstheater-Produktion im Treibhaus, sind Goethe und Schiller Material- und Spielzeuglieferanten. Das Stück ist düster-dunkle Nummernrevue, die Gedichte werden nicht nachgespielt, sie werden aufgespießt und abgeklopft. Verkörpert werden die Ideen und Zustände dahinter. So lassen sich auch althergebrachte Lesarten gegen den Strich bürsten – bis dem Heidenröslein auch der letzte Liebreiz ausgetrieben ist.
Eine Handlung gibt es dankenswerterweise nicht. Einige recht lose geknüpfte rote Fäden lassen sich ausmachen: Es – das deutet schon der Titel an – geht steil bergab; machtbewusste Monarchen entpuppen sich als schmierige Scharlatane, Idyllen als in Watte gepackte Albtraumlandschaften – und der Mensch als wahngetriebener Widerling. Einzig die Sprache, die einem einst beim Auswendiglernen so viel Bauchweh machte, strahlt. Und wie sie strahlt. So hält manch Erdenschweres auch zeitgemäße Ironie aus: wenn etwa Goethes „Farbenlehre“ mit Phil Collins’ Mega-Schmonzette „True Colors“ kurzgeschlossen wird. Überhaupt: Die Musik! Maurizio Nardo legt als DJ auf offener Bühne einen feingeklöppelten Soundteppich aus: Richard Strauss’ „Zarathustra“ klingt genauso an wie französische Grand Opéra. Es ist aber vorwärtsdrängender Beat, der Stück und Spiel schön und unaufdringlich taktet, bei der „Glocke“ zum Beispiel.
Auch die Darsteller beweisen musikalische Sensibilität: Frank Röder schmachtet als Gummimasken-Barde im Beinahe-Falsett und begleitet später eine an Punkröhre Nin­a Hagen orientierte Carmen Gratl mit Gitarre und Keith-Richards-Bandana. Bezaubernde Momente gelingen auch Daniela Bjelobradic, die mit präzise ausdrucksstarker Mimik treudeutsche Verse ins Vielsprachige öffnet. Überhaupt gibt es in Mona Kraushaars an eindrücklichen Bildern reicher Inszenierung viel bisweilen Unbesungenes zu entdecken: verletzliche Poesie zum Beispiel, die sich in drastischen Ausbrüchen entlädt, oder Verzweiflungsgesten, die ins Komische kippen. Letzterem trägt auch Esther Frommanns einmal mehr gelungene Ausstattung Rechnung: Auf den ersten Blick wirkt die Bühne schlicht und aufs Notwendigste reduziert. Genau besehen springen wunderbar­e Details ins Auge: Relikte vergangener Größe, die – wie die Balladen, die das Staatstheater diesmal zur Auf­führung bringt – ihre tieftraurigen Geschichten erzählen.
* Joachim Leitner - in der tiroler tageszeitung

// WAS HEISST HIER LIEBE?  // ist die Geschichte von Paul und Paula, die zum ersten Mal die große Liebe erleben – mit allem was dazugehört: Schmetterlinge im Bauch und der Angst vor dem ersten Mal. Wie lässt sich die Lust auf Liebe und Zärtlichkeit leben, zwischen Schulstress und Krach mit den Eltern, zwischen Facebook und Twitter, zwischen dem Schönheitsideal, das uns die Medien vorgaukeln und den eigenen Minderwertigkeitskomplexen? Auch diese Mal stellt „Was heisst hier Liebe?“ die richtigen Fragen, gibt viele Antworten, bringen Paul und Paula ihre erste Liebe auf die Bühne mit allen Problemen und Unsicherheiten: offen, behutsam, mutig und natürlich mit viel Musik.

Kühne Bühne: WAS HeiSST HIER LIEBE

Paula - Alisia Gögl
Paul - Philipp Horvarth
Kiki - Celina Moser
Erzählerin - Magdalena Astl
Mutter - Michaela Forster 
Opa/Vater - Christian Forster
Coaching - Reda Roshdy
Kunst 4 life - Harry Triendl

„Alles, was man wissen sollte, wird in diesen tollen zwei Theaterstunden benannt: Geschlechtsteile, Verhütung, Selbstbefriedigung („alle machen es, alle Theaterzuschauer, alle Lehrer und Lehrerinnen“), Schwulsein („ja, und?“).Was ist peinlicher: Wenn es bei ihm in der Badehose plötzlich „boing“ macht – oder wenn die Tochter bei der Mutter einen Vibrator findet? Die Mädchen und Jungen sind hellwach und sehr aufmerksam, sie rufen immer wieder „geil“, johlen und applaudieren. Dabei ist es für die meisten der erste Theaterbesuch. Aber die vier Schauspieler sind so vielseitig und präsent, so witzig und überzeugend, sie wechseln die Spielebenen, präsentieren mal typische Szenen zwischen Eltern und Teenagern, wie sie jeder kennt. Dann wieder brillieren sie in comedyreifen Parodien. Einen besseren ersten Eindruck als hier könnte das Theater bei den Erstbesuchern kaum hinterlassen.“

http://kuehnebuehne.wixsite.com/innsbruck

// WAS HEISST HIER LIEBE?  // ist die Geschichte von Paul und Paula, die zum ersten Mal die große Liebe erleben – mit allem was dazugehört: Schmetterlinge im Bauch und der Angst vor dem ersten Mal. Wie lässt sich die Lust auf Liebe und Zärtlichkeit leben, zwischen Schulstress und Krach mit den Eltern, zwischen Facebook und Twitter, zwischen dem Schönheitsideal, das uns die Medien vorgaukeln und den eigenen Minderwertigkeitskomplexen? Auch diese Mal stellt „Was heisst hier Liebe?“ die richtigen Fragen, gibt viele Antworten, bringen Paul und Paula ihre erste Liebe auf die Bühne mit allen Problemen und Unsicherheiten: offen, behutsam, mutig und natürlich mit viel Musik.

Kühne Bühne: WAS HeiSST HIER LIEBE

Paula - Alisia Gögl
Paul - Philipp Horvarth
Kiki - Celina Moser
Erzählerin - Magdalena Astl
Mutter - Michaela Forster 
Opa/Vater - Christian Forster
Coaching - Reda Roshdy
Kunst 4 life - Harry Triendl

„Alles, was man wissen sollte, wird in diesen tollen zwei Theaterstunden benannt: Geschlechtsteile, Verhütung, Selbstbefriedigung („alle machen es, alle Theaterzuschauer, alle Lehrer und Lehrerinnen“), Schwulsein („ja, und?“).Was ist peinlicher: Wenn es bei ihm in der Badehose plötzlich „boing“ macht – oder wenn die Tochter bei der Mutter einen Vibrator findet? Die Mädchen und Jungen sind hellwach und sehr aufmerksam, sie rufen immer wieder „geil“, johlen und applaudieren. Dabei ist es für die meisten der erste Theaterbesuch. Aber die vier Schauspieler sind so vielseitig und präsent, so witzig und überzeugend, sie wechseln die Spielebenen, präsentieren mal typische Szenen zwischen Eltern und Teenagern, wie sie jeder kennt. Dann wieder brillieren sie in comedyreifen Parodien. Einen besseren ersten Eindruck als hier könnte das Theater bei den Erstbesuchern kaum hinterlassen.“

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Der gesamte Erlös geht auch diesmal  an ein Tiroler Sozial-Projekt.
es spielen auf:

GABRIEL CASTANEDA 
SIGGI & TSCHULIE HAIDER
STUBAIER FREITAGSMUSIG
ULI BREE
UTE HEIDORN
DIE OHRENSCHMALZES
LINDER & TRENKWALDER

theater.traum um drei nach vier:
Das blaue Meer, die stolzen Berge. Endlich sind die Ferien da. Und nun sind Herbert und Mimi auf Entdeckungsreise in einem fremden Land.
Aber es warten einige Überraschungen auf die beiden, und nichts ist so wie es im Urlaub sein sollte.
Statt der wohlverdienten Ruhe lauern widerspenstige Angelruten, wunderliche
Koffer und uneinsichtige Enten auf Herbert und Mimi.
Wie soll man sich da erholen! 
Komposition des Liedes "Tropf Tropf Tropf": Ratzfatz

// WAS HEISST HIER LIEBE?  // ist die Geschichte von Paul und Paula, die zum ersten Mal die große Liebe erleben – mit allem was dazugehört: Schmetterlinge im Bauch und der Angst vor dem ersten Mal. Wie lässt sich die Lust auf Liebe und Zärtlichkeit leben, zwischen Schulstress und Krach mit den Eltern, zwischen Facebook und Twitter, zwischen dem Schönheitsideal, das uns die Medien vorgaukeln und den eigenen Minderwertigkeitskomplexen? Auch diese Mal stellt „Was heisst hier Liebe?“ die richtigen Fragen, gibt viele Antworten, bringen Paul und Paula ihre erste Liebe auf die Bühne mit allen Problemen und Unsicherheiten: offen, behutsam, mutig und natürlich mit viel Musik.

Kühne Bühne: WAS HeiSST HIER LIEBE

Paula - Alisia Gögl
Paul - Philipp Horvarth
Kiki - Celina Moser
Erzählerin - Magdalena Astl
Mutter - Michaela Forster 
Opa/Vater - Christian Forster
Coaching - Reda Roshdy
Kunst 4 life - Harry Triendl

„Alles, was man wissen sollte, wird in diesen tollen zwei Theaterstunden benannt: Geschlechtsteile, Verhütung, Selbstbefriedigung („alle machen es, alle Theaterzuschauer, alle Lehrer und Lehrerinnen“), Schwulsein („ja, und?“).Was ist peinlicher: Wenn es bei ihm in der Badehose plötzlich „boing“ macht – oder wenn die Tochter bei der Mutter einen Vibrator findet? Die Mädchen und Jungen sind hellwach und sehr aufmerksam, sie rufen immer wieder „geil“, johlen und applaudieren. Dabei ist es für die meisten der erste Theaterbesuch. Aber die vier Schauspieler sind so vielseitig und präsent, so witzig und überzeugend, sie wechseln die Spielebenen, präsentieren mal typische Szenen zwischen Eltern und Teenagern, wie sie jeder kennt. Dann wieder brillieren sie in comedyreifen Parodien. Einen besseren ersten Eindruck als hier könnte das Theater bei den Erstbesuchern kaum hinterlassen.“

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GAGS GAGS GAGS

Im Treibhaus erprobt fegen die zwei liebenswürdigsten FernsehAnarchos mit ihrem neuen Kabarettprogramm  nun über die Kabarettbühnen des Landes. GAGS GAGS GAGS, live, jeden abend neu und mit wunderbaren Gästen.
Gewohnt erstklassig (?) flitzen die beiden, die „eigentlich zu gut für’s Fernsehen“ (John Cleese) sind, durch den selbst gesteckten Gag-Slalom.
Beide, auch der Deutsche (Stermann), verirren sich aber nie ins kabarettistisch Ressentimentale oder langweilen mit öden sozialdemokratischen Pointen. Keine Sekunde mit Stermann und Grissemann ist Zeitverschwendung. „Gags, Gags, Gags!“
"Ein Höhepunkt mitteleuropäischer Humorartistik" (Sir Peter Ustinov, noch zu Lebzeiten)
"Das Schlechteste nicht" (Jon Stewart)
"Wer?" (Bundeskanzler Christian Kern)

 mit wunderbaren Gäster. ARMIN WOLF zum beispiel.

Zu den Personen
Bekannt wurden Christoph Grissemann und Dirk Stermann durch ihre wöchentliche Radiosendung "Salon Helga", die ab 1989 zunächst auf Ö3 und von 1995 bis 2014 auf FM4 zu hören war. Hinzu kommen Bühnen-Auftritte im gesamten deutschsprachigen Raum, Buchveröffentlichungen, DVDs und CDs. Seit Mai 2007 führen Stermann & Grissemann durch die wöchentliche Late Night Show „Willkommen Österreich“ - Dienstag Nacht auf ORF eins.
1999 feierten Christoph Grissemann und Dirk Stermann „Das Ende zweier Entertainer“ mit ihrem ersten Kabarettprogramm, um schließlich mit „Die Karawane des Grauens“ (2000) wieder aufzuerstehen. „Willkommen in der Ohrfeigenanstalt“ (2002) und „Harte Hasen“ (2005) gingen dem Programm „Die Deutsche Kochschau“ voraus, das von 2007 bis 2011 für volle Hallen und Begeisterung sorgte. Derzeit sind Stermann & Grissemann mit ihrem Kabarettprogramm "Stermann" auf den Bühnen zu sehen. Seit Anfang 2016 mimen die beiden im neu interpretierten Broadwayklassiker "Sonny Boys" ein alterndes exzentrisches Komikerduo. Im Herbst 2016 folgt mit "Das Ei ist hart!" ein neuer Loriot-Bühnenabend.
Internet-Clips wie „Die Deutsche Kochschau“, „Alpenzoo“, „Club 2“ oder „Andi & Alex“, „Die Fischers“ ließen ihren Bekanntheitsgrad binnen kürzester Zeit in die Höhe schnellen. Hunderttausend Fans verfolgen den Alltag der beiden Komiker auch via Facebook.
Um es mit der Süddeutschen Zeitung zu halten:
„Gegen die beiden wirkt Chef-Zyniker Harald Schmidt wie ein braver Nachrichtensprecher, die Titanic-Redaktion wie ein Haufen verschüchterter Zögerlinge und Nonsense-König Helge Schneider wie ein rückwärtsgewandter, angepasster Super-Spießer.“

PREMIERENKRITIK

(kurier)

Stermann und Grissemann bringen mit „Gags, Gags, Gags“ ihre wöchentliche Late-Night-Show auf ORFeins,  „Willkommen Österreich“,  auf die Bühne. Was Besseres sei ihnen nicht eingefallen. Das neue Programm entstand, wie Grissemann im KURIER-Interview zugibt, ausschließlich aus Mangel an anderen Ideen. Das Ziel sei „so zu tun, als ob. Also man macht in Wahrheit Kammermusik und tut so, als wäre es Jazz.“
Und so findet sich das Publikum bei der Premiere im ausverkauften Globe Wien im erweiterten und nachgebauten „Willkommen Österreich“-Studio wieder, wo die  beiden Komiker vor ihrer 1165 Sendung stehen. Bevor diese beginnt, wird das Publikum auf die Sendung vorbereitet – „Appläuse“ werden geübt, Lacher geprobt und Pointen getestet. In Ping-Pong-Manier stellen sich der gebürtige Tiroler und der Deutsche gegenseitig vor. Grissemann über Stermann:  „Darf ich vorstellen, die bizarre Mischung aus Richard Gere und Johannes Heesters“. Stermann kontert mit "Karfiolfrisur" und im Tonfall eines Märchenonkels: „An meiner Seite, das offizielle Gesicht zur Mondlandung: Christoph Maria Grissemann“. Der von einer "Altersakne" geplagte Grissemann ist aber nicht lange beleidigt, sondern erzählt, dass er in Internetforen als erstes österreichisches HD-Opfer bezeichnet wird. Gelächter.
Im zweiten Teil durchforsten Stermann und Grissemann ihr Handy nach halbwegs erträglichen Studiogästen: André Heller? Der hat Besseres vor. Tobias Moretti? Keine Zeit. „Scheiß auf die Stars!“, schreit Grissemann frustriert. Danach wird die Sendung aus Erfolglosigkeit abgebrochen. Die Karriere ist beendet. Ein ORF-Mitarbeiter baut das Studio ab. Es geht Beckett-mäßig zur Sache – abgründiger und feiner Humor.  
Das bereits im Vorfeld angekündigte Sammelsurium "aus feiner Beschimpfung, Sinnsabotage und Selbstdemontage, Nonsens, bizarrer Parodie, Persiflage und Polemik" wird bei der Premiere auch geliefert. Ganz nach dem Motto: Man muss dem Publikum geben, was es verlangt – auch wenn es am Ende die Wiederholung vom Immergleichen ist.

VOM HIMMEL DURCH DIE WELT ZUR HÖLLE

Das Staatstheater spielt endlich Goethe und Schiller 

Vom Handschuh, über die Glocke bis zum im Gewande versteckten Dolch, mit fieberndem Kind und rasendem Pferd – alles liegt in des Pudels Kern.  Und im Wald, da gibt‘s die Räuber.
Das Staatstheater nimmt sein Publikum mit auf eine rasante, performative Reise durch die deutsche Weltliteratur von zwei ziemlich besten Freunden.
Kann man „Der Taucher“ auch tanzen? Oder ist das was für einen  Poetry-Slam? Hat Gretchen immer Zöpfe oder geht auch  Mini-Pli?  Was ist der Lieblingswitz vom leidenden jungen Werther?  Und ist Mephisto wirklich eine Frau?
In Zeiten von Netflix, in denen jeder 20.000 Filme zu Hause hat, bereitet das Staatstheater ein  literarisches Grundelement unserer Sprache neu zu – als ob man alte Gerichte wieder kocht, wenn alle Sushi und Hamburger essen.
Serviert wird eine explosive  Klassiker-Übermalung und Befreiung. Ein Teilchenbeschleuniger. Von der schnellen Nummer bis zum Seelen-Trip.
Altersempfehlung: von 14 bis 105 Jahren

Regie:           Mona Kraushaar
Ausstattung: Esther Frommann
es spielen     Daniela Bjelobradic • Carmen Gratl • Frank Röder 
Musik:           Maurizio Nardo
Produktionsleitung:   Ute Heidorn

PremierenKritik

In Staatstheatern wird Goethe gespielt. Und Schiller. Kein Wunder also, dass auch das Innsbrucker Staatstheater, das weder staatlich noch staatstragend ist, sondern „frei und so weiter und so fort“ sein darf, irgendwann beim Weimarer Welttheater landet. Goethe und Schiller als­o, aber weniger „Tasso“ oder „Wallenstein“, sondern „Erl­könig“ und „Die Glocke“. Sprich Ge- und Verdichtetes, Balladen, von denen man – grau ist alle Theorie – zwar weiß, dass sie erzählend, ja hochdramatisch sind, aber eben vielgeprüfter Schulstoff mit Fokus auf Versmaß, Reimformen und Metrum. Dass Ballade aufs lateinische „ballar­e“ zurückgeht, also Tanz und Sich-ins-Getümmel-Werfen immer mitmeint, hat man auch irgendwann gelernt. Und so schnell vergessen, weil zwölf und mehr Balladen-Strophen zur Bürde werden, die jeden Sturm und alles Drängen dorthin drückt, wo nichts mehr wächst.
Für „Vom Himmel durch die Welt zur Hölle“, die aktuelle Staatstheater-Produktion im Treibhaus, sind Goethe und Schiller Material- und Spielzeuglieferanten. Das Stück ist düster-dunkle Nummernrevue, die Gedichte werden nicht nachgespielt, sie werden aufgespießt und abgeklopft. Verkörpert werden die Ideen und Zustände dahinter. So lassen sich auch althergebrachte Lesarten gegen den Strich bürsten – bis dem Heidenröslein auch der letzte Liebreiz ausgetrieben ist.
Eine Handlung gibt es dankenswerterweise nicht. Einige recht lose geknüpfte rote Fäden lassen sich ausmachen: Es – das deutet schon der Titel an – geht steil bergab; machtbewusste Monarchen entpuppen sich als schmierige Scharlatane, Idyllen als in Watte gepackte Albtraumlandschaften – und der Mensch als wahngetriebener Widerling. Einzig die Sprache, die einem einst beim Auswendiglernen so viel Bauchweh machte, strahlt. Und wie sie strahlt. So hält manch Erdenschweres auch zeitgemäße Ironie aus: wenn etwa Goethes „Farbenlehre“ mit Phil Collins’ Mega-Schmonzette „True Colors“ kurzgeschlossen wird. Überhaupt: Die Musik! Maurizio Nardo legt als DJ auf offener Bühne einen feingeklöppelten Soundteppich aus: Richard Strauss’ „Zarathustra“ klingt genauso an wie französische Grand Opéra. Es ist aber vorwärtsdrängender Beat, der Stück und Spiel schön und unaufdringlich taktet, bei der „Glocke“ zum Beispiel.
Auch die Darsteller beweisen musikalische Sensibilität: Frank Röder schmachtet als Gummimasken-Barde im Beinahe-Falsett und begleitet später eine an Punkröhre Nin­a Hagen orientierte Carmen Gratl mit Gitarre und Keith-Richards-Bandana. Bezaubernde Momente gelingen auch Daniela Bjelobradic, die mit präzise ausdrucksstarker Mimik treudeutsche Verse ins Vielsprachige öffnet. Überhaupt gibt es in Mona Kraushaars an eindrücklichen Bildern reicher Inszenierung viel bisweilen Unbesungenes zu entdecken: verletzliche Poesie zum Beispiel, die sich in drastischen Ausbrüchen entlädt, oder Verzweiflungsgesten, die ins Komische kippen. Letzterem trägt auch Esther Frommanns einmal mehr gelungene Ausstattung Rechnung: Auf den ersten Blick wirkt die Bühne schlicht und aufs Notwendigste reduziert. Genau besehen springen wunderbar­e Details ins Auge: Relikte vergangener Größe, die – wie die Balladen, die das Staatstheater diesmal zur Auf­führung bringt – ihre tieftraurigen Geschichten erzählen.
* Joachim Leitner - in der tiroler tageszeitung

GAGS GAGS GAGS

Im Treibhaus erprobt fegen die zwei liebenswürdigsten FernsehAnarchos mit ihrem neuen Kabarettprogramm  nun über die Kabarettbühnen des Landes. GAGS GAGS GAGS, live, jeden abend neu und mit wunderbaren Gästen.
Gewohnt erstklassig (?) flitzen die beiden, die „eigentlich zu gut für’s Fernsehen“ (John Cleese) sind, durch den selbst gesteckten Gag-Slalom.
Beide, auch der Deutsche (Stermann), verirren sich aber nie ins kabarettistisch Ressentimentale oder langweilen mit öden sozialdemokratischen Pointen. Keine Sekunde mit Stermann und Grissemann ist Zeitverschwendung. „Gags, Gags, Gags!“
"Ein Höhepunkt mitteleuropäischer Humorartistik" (Sir Peter Ustinov, noch zu Lebzeiten)
"Das Schlechteste nicht" (Jon Stewart)
"Wer?" (Bundeskanzler Christian Kern)

 mit wunderbaren Gäster. ARMIN WOLF zum beispiel.

Zu den Personen
Bekannt wurden Christoph Grissemann und Dirk Stermann durch ihre wöchentliche Radiosendung "Salon Helga", die ab 1989 zunächst auf Ö3 und von 1995 bis 2014 auf FM4 zu hören war. Hinzu kommen Bühnen-Auftritte im gesamten deutschsprachigen Raum, Buchveröffentlichungen, DVDs und CDs. Seit Mai 2007 führen Stermann & Grissemann durch die wöchentliche Late Night Show „Willkommen Österreich“ - Dienstag Nacht auf ORF eins.
1999 feierten Christoph Grissemann und Dirk Stermann „Das Ende zweier Entertainer“ mit ihrem ersten Kabarettprogramm, um schließlich mit „Die Karawane des Grauens“ (2000) wieder aufzuerstehen. „Willkommen in der Ohrfeigenanstalt“ (2002) und „Harte Hasen“ (2005) gingen dem Programm „Die Deutsche Kochschau“ voraus, das von 2007 bis 2011 für volle Hallen und Begeisterung sorgte. Derzeit sind Stermann & Grissemann mit ihrem Kabarettprogramm "Stermann" auf den Bühnen zu sehen. Seit Anfang 2016 mimen die beiden im neu interpretierten Broadwayklassiker "Sonny Boys" ein alterndes exzentrisches Komikerduo. Im Herbst 2016 folgt mit "Das Ei ist hart!" ein neuer Loriot-Bühnenabend.
Internet-Clips wie „Die Deutsche Kochschau“, „Alpenzoo“, „Club 2“ oder „Andi & Alex“, „Die Fischers“ ließen ihren Bekanntheitsgrad binnen kürzester Zeit in die Höhe schnellen. Hunderttausend Fans verfolgen den Alltag der beiden Komiker auch via Facebook.
Um es mit der Süddeutschen Zeitung zu halten:
„Gegen die beiden wirkt Chef-Zyniker Harald Schmidt wie ein braver Nachrichtensprecher, die Titanic-Redaktion wie ein Haufen verschüchterter Zögerlinge und Nonsense-König Helge Schneider wie ein rückwärtsgewandter, angepasster Super-Spießer.“

PREMIERENKRITIK

(kurier)

Stermann und Grissemann bringen mit „Gags, Gags, Gags“ ihre wöchentliche Late-Night-Show auf ORFeins,  „Willkommen Österreich“,  auf die Bühne. Was Besseres sei ihnen nicht eingefallen. Das neue Programm entstand, wie Grissemann im KURIER-Interview zugibt, ausschließlich aus Mangel an anderen Ideen. Das Ziel sei „so zu tun, als ob. Also man macht in Wahrheit Kammermusik und tut so, als wäre es Jazz.“
Und so findet sich das Publikum bei der Premiere im ausverkauften Globe Wien im erweiterten und nachgebauten „Willkommen Österreich“-Studio wieder, wo die  beiden Komiker vor ihrer 1165 Sendung stehen. Bevor diese beginnt, wird das Publikum auf die Sendung vorbereitet – „Appläuse“ werden geübt, Lacher geprobt und Pointen getestet. In Ping-Pong-Manier stellen sich der gebürtige Tiroler und der Deutsche gegenseitig vor. Grissemann über Stermann:  „Darf ich vorstellen, die bizarre Mischung aus Richard Gere und Johannes Heesters“. Stermann kontert mit "Karfiolfrisur" und im Tonfall eines Märchenonkels: „An meiner Seite, das offizielle Gesicht zur Mondlandung: Christoph Maria Grissemann“. Der von einer "Altersakne" geplagte Grissemann ist aber nicht lange beleidigt, sondern erzählt, dass er in Internetforen als erstes österreichisches HD-Opfer bezeichnet wird. Gelächter.
Im zweiten Teil durchforsten Stermann und Grissemann ihr Handy nach halbwegs erträglichen Studiogästen: André Heller? Der hat Besseres vor. Tobias Moretti? Keine Zeit. „Scheiß auf die Stars!“, schreit Grissemann frustriert. Danach wird die Sendung aus Erfolglosigkeit abgebrochen. Die Karriere ist beendet. Ein ORF-Mitarbeiter baut das Studio ab. Es geht Beckett-mäßig zur Sache – abgründiger und feiner Humor.  
Das bereits im Vorfeld angekündigte Sammelsurium "aus feiner Beschimpfung, Sinnsabotage und Selbstdemontage, Nonsens, bizarrer Parodie, Persiflage und Polemik" wird bei der Premiere auch geliefert. Ganz nach dem Motto: Man muss dem Publikum geben, was es verlangt – auch wenn es am Ende die Wiederholung vom Immergleichen ist.

VOM HIMMEL DURCH DIE WELT ZUR HÖLLE

Das Staatstheater spielt endlich Goethe und Schiller 

Vom Handschuh, über die Glocke bis zum im Gewande versteckten Dolch, mit fieberndem Kind und rasendem Pferd – alles liegt in des Pudels Kern.  Und im Wald, da gibt‘s die Räuber.
Das Staatstheater nimmt sein Publikum mit auf eine rasante, performative Reise durch die deutsche Weltliteratur von zwei ziemlich besten Freunden.
Kann man „Der Taucher“ auch tanzen? Oder ist das was für einen  Poetry-Slam? Hat Gretchen immer Zöpfe oder geht auch  Mini-Pli?  Was ist der Lieblingswitz vom leidenden jungen Werther?  Und ist Mephisto wirklich eine Frau?
In Zeiten von Netflix, in denen jeder 20.000 Filme zu Hause hat, bereitet das Staatstheater ein  literarisches Grundelement unserer Sprache neu zu – als ob man alte Gerichte wieder kocht, wenn alle Sushi und Hamburger essen.
Serviert wird eine explosive  Klassiker-Übermalung und Befreiung. Ein Teilchenbeschleuniger. Von der schnellen Nummer bis zum Seelen-Trip.
Altersempfehlung: von 14 bis 105 Jahren

Regie:           Mona Kraushaar
Ausstattung: Esther Frommann
es spielen     Daniela Bjelobradic • Carmen Gratl • Frank Röder 
Musik:           Maurizio Nardo
Produktionsleitung:   Ute Heidorn

PremierenKritik

In Staatstheatern wird Goethe gespielt. Und Schiller. Kein Wunder also, dass auch das Innsbrucker Staatstheater, das weder staatlich noch staatstragend ist, sondern „frei und so weiter und so fort“ sein darf, irgendwann beim Weimarer Welttheater landet. Goethe und Schiller als­o, aber weniger „Tasso“ oder „Wallenstein“, sondern „Erl­könig“ und „Die Glocke“. Sprich Ge- und Verdichtetes, Balladen, von denen man – grau ist alle Theorie – zwar weiß, dass sie erzählend, ja hochdramatisch sind, aber eben vielgeprüfter Schulstoff mit Fokus auf Versmaß, Reimformen und Metrum. Dass Ballade aufs lateinische „ballar­e“ zurückgeht, also Tanz und Sich-ins-Getümmel-Werfen immer mitmeint, hat man auch irgendwann gelernt. Und so schnell vergessen, weil zwölf und mehr Balladen-Strophen zur Bürde werden, die jeden Sturm und alles Drängen dorthin drückt, wo nichts mehr wächst.
Für „Vom Himmel durch die Welt zur Hölle“, die aktuelle Staatstheater-Produktion im Treibhaus, sind Goethe und Schiller Material- und Spielzeuglieferanten. Das Stück ist düster-dunkle Nummernrevue, die Gedichte werden nicht nachgespielt, sie werden aufgespießt und abgeklopft. Verkörpert werden die Ideen und Zustände dahinter. So lassen sich auch althergebrachte Lesarten gegen den Strich bürsten – bis dem Heidenröslein auch der letzte Liebreiz ausgetrieben ist.
Eine Handlung gibt es dankenswerterweise nicht. Einige recht lose geknüpfte rote Fäden lassen sich ausmachen: Es – das deutet schon der Titel an – geht steil bergab; machtbewusste Monarchen entpuppen sich als schmierige Scharlatane, Idyllen als in Watte gepackte Albtraumlandschaften – und der Mensch als wahngetriebener Widerling. Einzig die Sprache, die einem einst beim Auswendiglernen so viel Bauchweh machte, strahlt. Und wie sie strahlt. So hält manch Erdenschweres auch zeitgemäße Ironie aus: wenn etwa Goethes „Farbenlehre“ mit Phil Collins’ Mega-Schmonzette „True Colors“ kurzgeschlossen wird. Überhaupt: Die Musik! Maurizio Nardo legt als DJ auf offener Bühne einen feingeklöppelten Soundteppich aus: Richard Strauss’ „Zarathustra“ klingt genauso an wie französische Grand Opéra. Es ist aber vorwärtsdrängender Beat, der Stück und Spiel schön und unaufdringlich taktet, bei der „Glocke“ zum Beispiel.
Auch die Darsteller beweisen musikalische Sensibilität: Frank Röder schmachtet als Gummimasken-Barde im Beinahe-Falsett und begleitet später eine an Punkröhre Nin­a Hagen orientierte Carmen Gratl mit Gitarre und Keith-Richards-Bandana. Bezaubernde Momente gelingen auch Daniela Bjelobradic, die mit präzise ausdrucksstarker Mimik treudeutsche Verse ins Vielsprachige öffnet. Überhaupt gibt es in Mona Kraushaars an eindrücklichen Bildern reicher Inszenierung viel bisweilen Unbesungenes zu entdecken: verletzliche Poesie zum Beispiel, die sich in drastischen Ausbrüchen entlädt, oder Verzweiflungsgesten, die ins Komische kippen. Letzterem trägt auch Esther Frommanns einmal mehr gelungene Ausstattung Rechnung: Auf den ersten Blick wirkt die Bühne schlicht und aufs Notwendigste reduziert. Genau besehen springen wunderbar­e Details ins Auge: Relikte vergangener Größe, die – wie die Balladen, die das Staatstheater diesmal zur Auf­führung bringt – ihre tieftraurigen Geschichten erzählen.
* Joachim Leitner - in der tiroler tageszeitung

GAGS GAGS GAGS

Im Treibhaus erprobt fegen die zwei liebenswürdigsten FernsehAnarchos mit ihrem neuen Kabarettprogramm  nun über die Kabarettbühnen des Landes. GAGS GAGS GAGS, live, jeden abend neu und mit wunderbaren Gästen.
Gewohnt erstklassig (?) flitzen die beiden, die „eigentlich zu gut für’s Fernsehen“ (John Cleese) sind, durch den selbst gesteckten Gag-Slalom.
Beide, auch der Deutsche (Stermann), verirren sich aber nie ins kabarettistisch Ressentimentale oder langweilen mit öden sozialdemokratischen Pointen. Keine Sekunde mit Stermann und Grissemann ist Zeitverschwendung. „Gags, Gags, Gags!“
"Ein Höhepunkt mitteleuropäischer Humorartistik" (Sir Peter Ustinov, noch zu Lebzeiten)
"Das Schlechteste nicht" (Jon Stewart)
"Wer?" (Bundeskanzler Christian Kern)

 mit wunderbaren Gäster. ARMIN WOLF zum beispiel.

Zu den Personen
Bekannt wurden Christoph Grissemann und Dirk Stermann durch ihre wöchentliche Radiosendung "Salon Helga", die ab 1989 zunächst auf Ö3 und von 1995 bis 2014 auf FM4 zu hören war. Hinzu kommen Bühnen-Auftritte im gesamten deutschsprachigen Raum, Buchveröffentlichungen, DVDs und CDs. Seit Mai 2007 führen Stermann & Grissemann durch die wöchentliche Late Night Show „Willkommen Österreich“ - Dienstag Nacht auf ORF eins.
1999 feierten Christoph Grissemann und Dirk Stermann „Das Ende zweier Entertainer“ mit ihrem ersten Kabarettprogramm, um schließlich mit „Die Karawane des Grauens“ (2000) wieder aufzuerstehen. „Willkommen in der Ohrfeigenanstalt“ (2002) und „Harte Hasen“ (2005) gingen dem Programm „Die Deutsche Kochschau“ voraus, das von 2007 bis 2011 für volle Hallen und Begeisterung sorgte. Derzeit sind Stermann & Grissemann mit ihrem Kabarettprogramm "Stermann" auf den Bühnen zu sehen. Seit Anfang 2016 mimen die beiden im neu interpretierten Broadwayklassiker "Sonny Boys" ein alterndes exzentrisches Komikerduo. Im Herbst 2016 folgt mit "Das Ei ist hart!" ein neuer Loriot-Bühnenabend.
Internet-Clips wie „Die Deutsche Kochschau“, „Alpenzoo“, „Club 2“ oder „Andi & Alex“, „Die Fischers“ ließen ihren Bekanntheitsgrad binnen kürzester Zeit in die Höhe schnellen. Hunderttausend Fans verfolgen den Alltag der beiden Komiker auch via Facebook.
Um es mit der Süddeutschen Zeitung zu halten:
„Gegen die beiden wirkt Chef-Zyniker Harald Schmidt wie ein braver Nachrichtensprecher, die Titanic-Redaktion wie ein Haufen verschüchterter Zögerlinge und Nonsense-König Helge Schneider wie ein rückwärtsgewandter, angepasster Super-Spießer.“

PREMIERENKRITIK

(kurier)

Stermann und Grissemann bringen mit „Gags, Gags, Gags“ ihre wöchentliche Late-Night-Show auf ORFeins,  „Willkommen Österreich“,  auf die Bühne. Was Besseres sei ihnen nicht eingefallen. Das neue Programm entstand, wie Grissemann im KURIER-Interview zugibt, ausschließlich aus Mangel an anderen Ideen. Das Ziel sei „so zu tun, als ob. Also man macht in Wahrheit Kammermusik und tut so, als wäre es Jazz.“
Und so findet sich das Publikum bei der Premiere im ausverkauften Globe Wien im erweiterten und nachgebauten „Willkommen Österreich“-Studio wieder, wo die  beiden Komiker vor ihrer 1165 Sendung stehen. Bevor diese beginnt, wird das Publikum auf die Sendung vorbereitet – „Appläuse“ werden geübt, Lacher geprobt und Pointen getestet. In Ping-Pong-Manier stellen sich der gebürtige Tiroler und der Deutsche gegenseitig vor. Grissemann über Stermann:  „Darf ich vorstellen, die bizarre Mischung aus Richard Gere und Johannes Heesters“. Stermann kontert mit "Karfiolfrisur" und im Tonfall eines Märchenonkels: „An meiner Seite, das offizielle Gesicht zur Mondlandung: Christoph Maria Grissemann“. Der von einer "Altersakne" geplagte Grissemann ist aber nicht lange beleidigt, sondern erzählt, dass er in Internetforen als erstes österreichisches HD-Opfer bezeichnet wird. Gelächter.
Im zweiten Teil durchforsten Stermann und Grissemann ihr Handy nach halbwegs erträglichen Studiogästen: André Heller? Der hat Besseres vor. Tobias Moretti? Keine Zeit. „Scheiß auf die Stars!“, schreit Grissemann frustriert. Danach wird die Sendung aus Erfolglosigkeit abgebrochen. Die Karriere ist beendet. Ein ORF-Mitarbeiter baut das Studio ab. Es geht Beckett-mäßig zur Sache – abgründiger und feiner Humor.  
Das bereits im Vorfeld angekündigte Sammelsurium "aus feiner Beschimpfung, Sinnsabotage und Selbstdemontage, Nonsens, bizarrer Parodie, Persiflage und Polemik" wird bei der Premiere auch geliefert. Ganz nach dem Motto: Man muss dem Publikum geben, was es verlangt – auch wenn es am Ende die Wiederholung vom Immergleichen ist.