Hip Hop und Pop waren schon immer Nachbarn. Sharktank verheiratet sie nun endgültig zu einem glücklichen Ehepaar. Was eigentlich als Soloprojekt des Rappers Mile begann, entwickelte sich in wenigen Studiotagen zu einer echten Band. Für seine ersten Aufnahmen war Mile zu Gast im Studio bei Marco Kleebauer – der dort u.a. an den Produktionen von Bilderbuch, Oehl und Leyya entscheidend Hand angelegt hatte. 

Dort nahm das Schicksal seinen Lauf: Marco machte Mile mit Katrin Paucz (u.a. in der Liveband von Oehl tätig) bekannt. Katrin, gerade 20, wird von ihren Weggefährt_innen als herausragendes Talent beschrieben – und stellt hier gleich beeindruckend unter Beweis, dass sie nicht nur am Instrument, sondern auch mit Text und Gesang ein “Händchen” besitzt. Die Debütsingle "Washed Up" landete sogleich mehrere Wochen auf Platz 1 der FM4-Charts und eroberte auch die internationalen Radiowellen im Sturm. Sharktank zeigten aber schnell auch, dass das alles nicht nur ein spannendes Studioprojekt ist:

Mit der Kombination aus poppig verspielten Feel Good-Beats, Rap-Versen und melodischen Vocals auf ihrer Debüt-EP „Bad Energy“ eroberte das österreichische Trio die heimischen Radiostationen. Hauptverantwortlich für den Genre-übergreifenden Sound mit hohem Wiedererkennungswert ist Marco Kleebauer, der u.a. für schon Produktionen von Bilderbuch und Oehl verantwortete. Gemeinsam mit Rapper Mile und Sängerin bzw. Oehl-Livegitarristin Katrin Paucz lassen Sharktank ihr Publikum in eine überaus vielseitige und smoothe Soundwelt zwischen Indiepop und Hip Hop eintauchen. Die Debütsingle „Washed Up“ stand mehrere Wochen auf Platz eins der FM4-Charts und bekam europaweit Airplay. Und es besteht kein Zweifel daran, dass das junge Wiener Trio nur darauf brennt, sein Können wieder live auf der Bühne zu präsentieren!

https://www.youtube.com/watch?v=V15vmMbBnPk

Es ist schon erstaunlich: Nicht einmal ein Jahr nachdem allerersten Zusammentreffen von Katrin Paucz, „Mile“ Michael Lechner und Marco Kleebauer stehen die drei als SHARKTANKunmittelbar vor der Veröffentlichung eines bereits heißerwarteten Debütalbums. Das Trio hat mitten in dieser dunklen, seltsamen Zeit für Licht und Farbegesorgt, weil es auf eines nicht vergessen hat: Spaß zu haben. Und der ist mitunter glücklicherweise auch ansteckend: Die bisher erschienenenSingles „Washed Up“, „Too Much“oder zuletzt „For Myself“liefen europaweit intensiv im Radio und erfreuen sich höchster Beliebtheit auf Streaming-Diensten(ihreDebütsingle wurde auf Spotify schon fast 1 Mio. gehört).Die im Herbst spontan veröffentlichteEP „Bad Energy“beschert Sharktanksogleicheine Amadeus-Nominierung (Kategorie „Alternative“)–das ist vor allem auch aufgrund der kurzen Bestandszeit der Band beachtlich.„Stell dir vor,die Beatles haben mit Kanye West eine Punkband gegründet“oder „Bravo Hits 34“können schon mal Antworten der Bandmitglieder sein, wenn die obligatorische Fragenach ihrenEinflüssen aufkommt –diese(selbst)-ironische, humorvolle Art ist schon zum Charakteristikum von Sharktankgeworden und zeigt sich z.B. auch in ihren überzeichneten, fast schon satirischen Social Media Postsund den bunten, schrillen Make-Ups.Begonnen hat alles tatsächlich erst im letzten Sommer –mit Rapper Miles Solo-Projekt, für das er das Studio von ProducerMarco Kleebauer aufsuchte. Die Chemie stimmte und doch schien noch etwas zu fehlen. So lud Marco die junge Sängerin und Gitarristin Katrin Paucz ein, die ihm als Mitglied der Live-Band der von ihm produzierten Band Oehl bekannt war. Aus einem geplanten Feature wurde nach wenigen Stunden flugs gleich eine neue Band: Sharktank.Genau dieseSpontanität zeichnet auch den Songwriting-und Recording-Prozess des Trios aus –dasMotto: einfach Musikmachen, weiles Spaß macht.

Was anderen eine Partie Minigolf ist, ist ihnen eine Runde Tüfteln und Experimentieren im Studio. Gerade dieser spielerische und intuitive Zugang verleiht Sharktanks Debüt „Get It Done“eine Leichtigkeit, die aktuell so anachronistisch wie luxuriös wirkt und ein fehlendes Puzzlestück im zeit-, geld-und stressgetriebenen Alltag des 21. Jahrhunderts darzustellen scheint.Vielleicht ist das das Geheimnis –so etwas wie das musikalische Gottesteilchen, das alles erklärt, wonach wir so angestrengt gesucht haben.Bei alledem funktioniert Sharktank nach einem unfassbar simplen Konzept: Weil jede beteiligte Person in verschiedenen anderen Projekten involviert und die Zeit demnach knapp ist, trifft man einander gezieltan bestimmten Tagen im Studio. In einer Session wird ein neuer Song geschrieben, aufgenommen und in groben Zügen fertig gestellt–„Get It Done“eben, der Name ist Programm.Dieser leichte, sketchyWorkflow ist einerseits erstaunlich effizient, lässt aber paradoxerweise gar nicht erst zu, dass man sich unter Druck gesetzt fühlt –Fehler sind erlaubt, sorgen sogar für Spannung. Auch die Texte schreiben Katrin Paucz (Gesang &Gitarre) und „Mile“ Michael Lechner erst im Studio –meist im Ping Pong System, indem sie textmelodische Bausteine und Song-Themen im Dialog austauschen und gemeinsam weiterentwickeln. Trotz der Freude am Tun sind die dabei behandelten Themen ausgesprochen ernste, die durch die verwendete Schreibtechnik nochmalan Dringlichkeit und Dichte gewinnen: Sie versetzen uns mitten in gespannte 
Gespräche, liefern gegenüberliegende Blickwinkel auf Beziehungsfragen oder beschreiben den oft zerstörerischen Umgang mit sich Selbst.DengleichnamigenTiteltrack „Get it Done“könnte man kitschigerweise, jedoch völlig unübertrieben,als wahren„Kracher”bezeichnen:textlich treffen ein saftiges StückIronie und bittere Lebensrealitätaufeinander: „I’m the one to gets stressed to get it doneand tell them all that I do it just for fun.“.Tanzbar ist der Song trotz der ernsten Thematik allemal –dafür ist mit dem gewohnt bunten, quirky Sound gesorgt...tanz den Apocalypso!Wie sich das Ganze auf der Bühne anfühlt, können Sharktankderweil nur erahnen. Die lästige Pandemie hat bisher geplanten Live-Terminen einen gehörigen Strich durch die Rechnung gemacht. Entstanden sind dafür aber diverse videoaufgezeichnete Live-Sessions, die im Netz bereits für viel Begeisterung und Vorfreude gesorgt haben. In Musikauskenner Michel Attia’s Empfehlungsliste „Sound of Music2021“ lässt sich dieser bei der von ihm auf Platz 3 gereihten Band damit zitieren, dass er sich auf kein Konzert nach der Pandemie so sehr freue wie auf jenes vonSharktank

Seit der Gründung im Herbst 2015 verfolgt das Ensemble „Groovin’ Tango Quintett” die Leidenschaft, Werke des argentinischen Komponisten Astor Piazzolla in originaler Besetzung aufzuführen. Auch eigene Arrangements und Kompositionen gehören zum Repertoire, Klassiker wie „Libertango” und „Tango Jalousie” dürfen natürlich ebensowenig fehlen. Das Ensemble besteht aus 5 Musikern, welche sich durch gemeinsame Konzerttätigkeit am Tiroler Landeskonservatorium und dem Musikgymnasium Innsbruck kennengelernt haben. Zu den größten Erfolgen des Ensembles gehören der 1. Preis des „Strauss Music Contest 2016” mit anschließendem Auftritt im Rahmen des Sommernachtskonzertes der Wiener Philharmoniker. Weiters die Teilnahme am Pausenfilm des Neujahrskonzertes 2017 der Wiener Philharmoniker. Abendfüllende Konzerte wurden schon im Rahmen renommierter Veranstalter und Kulturstätten dargeboten. (Klassik im Burghof, Treibhaus Innsbruck, Tiroler Landeskonservatorium...) Es folgten Abendkonzerte der Jeunesse Österreich in der Saison 17/18 sowie ein, in Zusammenarbeit mit Musikvermittlerin Lilian Genn, eigens entwickeltes Kinderprogramm mit dem Titel: „Tritsch-Tratsch- Tango“ 

LINE UP:
Theresa Singer - Violine
Lukas Duregger - Akkordeon
Lukas Nisandzic - Gitarre
Gabriel Bramböck - Klavier
Joachim Pedarnig - Kontrabass

Robert Rotifer führt ein doppeltes Doppelleben. Nicht nur ist er Musiker und Journalist, als ersteres verkehrt er zudem auch noch in seiner Wahlheimat Großbritannien und seiner Geburtsheimat Österreich parallel in zwei verschiedenen Szenen:
Während er also 2017 bei Bader Molden Recordings sein erstes deutschsprachiges Album „Über uns“ (das achte insgesamt) veröffentlichte und 2019 André Hellers Comeback „Spätes Leuchten“ koproduzierte, erschien 2018 in Großbritannien sein Anti-Brexit-Songzyklus „They Don't Love You Back“. Im Pandemiejahr 2020 arbeitete er auf der Insel an Projekten wie dem Album „Thunderclouds“ von Louis Philippe & The Night Mail (Tapete Records) und „Equal Parts“, einer gemeinsamen EP mit der befreundeten, britischen Singer-Songwriterin Helen McCookerybook (Gare du Nord Records/Big Song).
McCookerybook spielte in den Achtzigern in Bands wie The Chefs oder Helen & The Horns, verschwand dann ein Vierteljahrhundert von der Bildfläche und ist vor ein paar Jahren als Solo-Singer-Songwriterin bzw. unter anderem in Zusammenarbeiten mit Gina Birch von den Raincoats oder Vic Godard von The Subway Sect wieder zur Musik zurückgekehrt.

Was sie und Rotifer gemeinsam haben, ist ihre Liebe zu ausgeklügeltem Fingerpicking und ungewöhnlichen Akkordfolgen, aber auch zu Texten, die auf persönliche Art über die Zustände ihrer Zeit sprechen, ohne sich dabei mit Slogans zu begnügen.
Das erklärt auch ihr Bedürfnis, sich angesichts zunehmender nationalistischer Tendenzen zu einem multiethnischen Duo zu vereinen, das auf „Equal Parts“ sowohl auf Englisch als auch auf Deutsch singt. So wird in „No Man's Land“ der hoheitsfreie Raum zur wahren Heimat, in „I Fly My Balloon“ werden schwebend Grenzen überwunden, und in „Start Your Life Again“, einem Lied über einen Neuanfang im Leben, heißt es: „Wenn der Morgen kommt / Wenn du aus deinem Schlafsack kriechst / Hast du die Beine frei / Zu gehen, wohin du willst.“

Nach den sechs Songs ihrer Debüt-EP, schreiben McCookerybook & Rotifer gerade an ihrem ersten gemeinsamen Album. Abgesehen von diesem frischen Material werden sie aber auch ein paar Solo-Songs aus ihren jeweiligen Katalogen einstreuen. Für Helen McCookerybook ist es das erste Mal in Österreich, Premieren sind also garantiert.

In die letzten 17 Jahre hat Robert Rotifer in seiner britischen Exilheimat einen nicht unbeträchtlichen Katalog von acht englischsprachigen Alben angehäuft, aus denen er – ob mit oder ohne Band – immer wieder eine Art Werkschau bietet. Zu rechnen ist also mit älteren Fan-Favoriten wie „Schengenländer Die“, „The Frankfurt Kitchen“, „I Believe You“, „Aberdeen Marine Lab“ oder „Canvey Island“, aber auch neueren, vom insbesondere von der britischen Kritik hochgelobten  Album „The Cavalry Never Showed Up“.
„Rotifers Songs sind gespickt mit scharfzüngigen, gewitzten Texten“, schrieb das britische Monatsmagazin Uncut. Und kein geringerer als Robert Wyatt meinte: „Es zahlt sich aus, genau zuzuhören. Da ist eine seltene Intelligenz, die ungewöhnliche Blickwinkel wählt.“
2017 überrascht Robert Rotifer mit seinen ersten Songs in deutscher Sprache: „Über uns“, erschienen bei BaderMoldenRecordings.
„Ein wunderschönes Deutsch, gesungen in einer Brüchigkeit, die ihre Gründe hat. Begleitet von feinem, oft fast schwebenden Fingerpicking auf einer meisterhaft beherrschten Gitarre. Ein Album, das Orte der Totenstille hat und doch so viel erzählt.  Ein ruhiger Ort inmitten des Weltzyklons. Wir kennen natürlich die Zukunft nicht, wissen nicht, wie es mit England weitergeht oder was  Robert Rotifer und die Seinen tun werden.
Aber wir haben diese wunderbare Platte. Charlie Bader und ich sind stolz und aufgeregt, sie auf Bader Molden Recordings herauszubringen.“ (Ernst Molden)

SUPPORT:  VIerCE PETALS. BORIS JORDAN & THOMAS PHiLiPP LiNZATTi

Thomas Philipp Linzatti: Guitars, electric Guitars, Bass, Mandolin, Percussion, keys
Boris Jordan: Vocals, acoustic Guitars, 12- String Guitar

ein programm aus coverversionen und eigenem material, voller protestlieder, melancholischer vergessner nummern und hits in minimalem arrangement...

Buntspecht sind sechs betrunkene Seiltänzer aus Wien, die Kinderlieder schreiben. Kinderlieder für alle Er- und Entwachsenen da draußen. Die Tiefe des Stillen, der Rausch des Wilden, die Leichtigkeit des Naiven und die Schwere der Saudade kommen hier zusammen und suhlen sich im Halblicht der Bühne. Alles darf. Alles soll. Alles muss! 

Buntspecht sind:
Lukas Klein: Stimme, Gitarre, Klavier
Florentin Scheicher: Melodica, Trompete
Florian Röthel: Drums, Percussion
Jakob Lang: Kontrabass, E-Bass
Lukas Chytka: Cello
Roman Geßler: Saxophon, Flöte

Hurra, das 2. BUNTSPECHT - Album ist bald da! Es heißt ‚Draußen im Kopf’, kommt im Mai, und die erste Single daraus ist gleich eine fesselnde Hymne aus der Abteilung Alien-Pop.  ‚Unter den Masken’ , so der Titel, zeigt ganz neue musikalische Seite der jungen Band aus Wien, die sich im Vorjahr bereits in die Herzen Tausender Konzert- und Festivalbesucher im gesamten deutschsprachigen Raum gespielt hat.

Mit ‚neuen’ Instrumenten wie dem Piano, überraschendem Songwriting und ebensolchen Arrangements, bezeugt die Single ‚Unter den Masken’, dass der nächste Reiseabschnitt in der noch jungen Expedition BUNTSPECHT bereits begonnen hat. Das spektakuläre Video dazu hat die Band gleich selbst gedreht, und das soll auch bei allen weiteren Videos zum Album ‚Draußen im Kopf’ so sein. Songs, Texte, Fotos, Cover-Artwork, Videos, das alles entsteht und geht hier Hand in Hand im Mikrokosmos dieses Künstlerkollektivs namens BUNTSPECHT.
Die 6er Bande, deren Repertoire keine Grenzen und Genreschubladen zu kennen scheint, sprengt sich dabei vergnüglich durch alle Betonmauern, um Platz für ihren eigenen Sound zu kreieren. Von atmosphärischer Filmmusik für Filme die es (noch) nicht gibt, über Kinderlieder für Entwachsene, reicht ihre Musik bis hin zu orchestralen Balladen.
“Lass uns alles vermischen”,
scheint das Motto der Wiener zu sein, die eher gestrandeten Piraten oder verrückten Seiltänzern gleichen, als einer klassischen Band.

Die unglaublich ansteckende positive Energie der BUNTSPECHT Liveshows, diese musikalische Glücksdusche, der sich weder Kopf, noch Bauch, noch Tanzbein zu entziehen vermag, findet mit den Aufnahmen zu ’Draußen im Kopf’ eine willkommene Fortsetzung. Mit ‚neuen’ Instrumenten wie dem Piano, überraschendem Songwriting und ebensolchen Arrangements, bezeugt die Single ‚Unter den Masken’, dass der nächste Reiseabschnitt in der noch jungen Expedition BUNTSPECHT bereits begonnen hat. Das spektakuläre Video dazu hat die Band gleich selbst gedreht, und das soll auch bei allen weiteren Videos zum Album ‚Draußen im Kopf’ so sein.  

​Es wäre auch zulässig, das alles als Indie-Pop mit Punk-Charakter zu bezeichnen, lauerte da nicht gleich wieder die Gefahr sich einer (jedenfalls) falschen Schubladisierung auszusetzen. Die Stücke auf dem Album ‚Draußen im Kopf’ bewegen sich zwischen Ekstase und Melancholie, traumwandlerisch zwischen den unterschiedlichsten Welten. Die Diversität der Dinge kann so faszinierend sein, ihre Grenzen so verschwimmend: Ekstase und Melancholie, Trauer und schelmisches Grinsen, Lebensbejahung und immer wieder nagende Zweifel.

Alles darf. Alles soll. Alles muss!

Was haben Superstars wie  Bobby Mc Ferrin, Quincy Jones, Carlos Santana und Paul Simon gemeinsam? Sie alle sind große Bewunderer von VOCAL SAMPLING, einer sechsköpfigen A-cappella-Formation aus Kuba, die gemeinhin als eines der größten Wunder zeitgenössischer Musik beschrieben wird. Mit ihrer einzigartigen Mischung aus Talent und mitreißendem Schwung hat die Gruppe Zuhörer auf der ganzen Welt in ungläubiges Staunen versetzt. Denn: Es handelt sich nicht etwa einfach um eine Gruppe aus Sängern, sondern um eine swingende Band, die sämtliche Instrumente des Salsa-Orchesters singt, statt sie zu spielen. 
“Schliesse deine Augen  und du wirst glauben, sie haben Gitarren, Posaunen oder Trommeln in ihren schrillen Anzügen versteckt. Das ist das Beste, was ich in zehn Jahren gehört habe."  sagt Paul Simon

Ihr Bandgepäck ist übersichtlich, denn diese sechs Kubaner haben ein komplettes Salsa Orchester in der Kehle. Man traut seinen Ohren kaum, reibt sich verzweifelt die Augen: Hier gibt es kein einziges Instrument und dennoch sind Percussion, Bläser und Baß ganz deutlich zu hören. Was als Freizeitspaß für langweilige Pausen begann, entwickelte sich bei den sechs Musikstudenten aus Havanna zur Berufung: A-Capella-Salsa zum Abtanzen. Vokal Sampling haben den Gesang in der Latin Musik als neue orchestrale Kunstform definiert und zur perfekten Illusion ausgebaut. Als würde man Bobby McFerrin im Sechserpack hören, plappert, poppt und ploppt es von der Bühne, hier ein wenig Rap, dort ein wenig gepfiffene Flötentöne, dann ein Percussionsolo ohne jeden Handschlag. Was hier aus geschmeidigen Stimmbändern gekitzelt wird, verschlägt dem Publikum den Atem.

"... und die heimische Badewanne fühlt sich auf einmal ein kleines bißchen nach Karibik an." (TAZ) 
Die sechs Kubaner beherrschen ihre Instrumente perfekt. Sie spielen nur keine. Denn egal, ob Bass, Bläser, Keyboards oder Perkussion, alles wird gesungen. Wer bei einem ihrer Konzerte nicht auf die Bühne schaut, glaubt tatsächlich, eine gesamte Salsa Bigband vor seinen Ohren zu haben. Die ehemaligen Studenten der Nationalen Musikhochschule in Havanna fühlen sich mit ihren Stimmbändern in der ganzen Palette kubanischer Stile zuhause: Son, Bolero, Rumba sind da nur die bekanntesten, Trova und Palo Monte treten hinzu. Auch die Welt der Pop- und Rockmusik haben sie für sich entdeckt, denn sie standen unter anderem mit Chaka Khan, Phil Collins, David Sanborn und Toots Thielemans auf der Bühne. Paul Simon - und was nahe liegt - Bobby McFerrin zählen zu ihren erklärtem Bewunderern. Für Quincy Jones standen sie als Special Guests in Montreux zu seinem 50. Bühnenjubiläum auf der Bühne. Ihr aktuelles Werk "Cambio De Tiempo" wurde für gleich drei Grammies nominiert.  

Diese sechsköpfige -Latin Grammy prämierte- kubanische A-cappella-Gruppe muss man zu den außergewöhnlichsten Acts weltweit zählen. Ausschließlich mit Klängen aus Mund & Händen vermögen sie es das gesamte tonale Spektrum einer ausgewachsenen Salsa-Formation abzudecken. Es ist eine einzigartige Kunst, die diese Musiker beherrschen – ihr Timing ist tadellos, ihre Darbietung theatralisch & ihr Repertoire phantasievoll. Sie genießen gerade wegen ihrer Einzigartigkeit die ausgesprochene Achtung von Künstlern wie Bobby McFerrin, Peter Gabriel und Paul Simon.

Die Geschichte von Vocal Sampling reicht zurück ins Jahr 1989. Alles begann an der Kunsthochschule von Havanna, als sie aus Spaß in ihrer Freizeit versuchten, mit ihren Stimmen verschiedene Instrumente zu imitieren. Nach und nach simulierten sie so den Klang von Blasinstrumenten, Perkussion und Streichern und kreierten den einzigartigen Sound von Vocal Sampling. Dieses Können führte sie an die renommierten Konzertorte dieser Welt, vom Montreux Jazzfestival in die Royal Albert Hall nach London, von der Esplanade Hall Singapore bis ins New Morning Paris, vom Opera Theatre in Tel Aviv bis zum Hollywood Bowl nach L.A.
2020 feiern Vocal Sampling ihr 30-jähriges Jubiläum und würdigen dieses Ereignis mit einer originellen Kreation.
Das Programm wird nicht nur brandneues Repertoire bereithalten, sondern auch neue Seiten ihres gesanglichen Talents zeigen.

Dass es im Blasmusik-Land Tirol nicht an Trompetenterzen, Frühjahrskonzerten und alternativ intonierenden Saxophonen mangelt, steht außer Frage. Und doch gibt es John Blow. Und das ist gut so.Eine Marching band im Taschenbuchformat mit ordentlichem Wumms dahinter. 
Der Blasebalg rund um Kapellmeister Hermann Kranewitter lässt Musik- & Bezirksgrenzen hinter sich und destilliert schlichtweg die Essenz in Form und Klang von einem fetten Sound aus ihren Hörnern.
Der 5-köpfige Bläsersatz deckt sämtliche Höhen und Tiefen der Musikwelt genreübergreifend und genieüberlaufend ab und hat derartige “big balls”, dass es 2 Schlagzeuger braucht, um die geballte Ladung Luftdruck in Zaum zu halten. Die allesamt die groovene Übertrittsprüfung absolviert habende Gruppe spielt altes und neues, langsam schnell, laut und manchmal leise, komplex und simpel und vor allem gut.
So mancher selbsternannte Musikprediger würde diese Formation wohl als Blasgenie bezeichnen. Und er hätte Recht.  Selbst die Jazzpolizei assistiert - die spielen aus reiner Freude an der Sache -  

Eine marching band hat noch niemandem geschadet.
Und so eine schon gar nicht:

Hermann Kranewitter (Trompete)
,
Hannes Tipelius (Tenorsax)
,
Benjamin Buchberger (Posaune)
,
Simon Strobl (Baritonsax)
,
Christian Deimbacher (Sousaphon)
,
Jakob Köhle (Drums) und

Manuel Plattner (Drums)

Von urbanen Gletscherspalten, von Hipstern bei der Heuarbeit, von blauen Schürzen, verbotenen Küssen auf dreitausend Metern über dem Meer und einem guten Glas Rotwein – davon erzählt das Projekt Alpentales. Es sind dies Anekdoten aus den Alpen, die die fünf Musiker zum Klingen bringen. Mit Stimme, Trompete, Geige, Ziach, Gitarre, Drums und Kontrabass präsentieren sie die Vielfalt der Bergwelt und der Menschen, die dort leben.

Ein unvergleichlicher alpiner Sound, der Tradition und Moderne auf neue Art und Weise verbindet – und so auch Johanna Dumfart, die Geschwister Elias & Johanna Mader, Jakob Köhle und Joachim Pedarnig.

Johanna Dumfart – Vocals / Diatonische Harmonika
Jakob Köhle – Vocals / Drums
Elias Mader – Vocals / Flügelhorn
Johanna Mader – Vocals / Violine
Joachim Pedarnig – Vocals / Bass

JOHANNA DUMFART
In einer Musikantenfamilie aufgewachsen, kam ich schon von klein auf mit Volksmusik in Berührung, probierte schon früh mit viel Freude und Neugierde verschiedene Instrumente aus und erlebte den Spaß am gemeinsamen und auswendigen Musizieren.
Das Feuer dafür ist bis heute nicht erloschen und brennt in meinen vielfältigen Aktivitäten und Tätigkeitsbereichen innerhalb der Volksmusik weiter – seit September 2018 auch als Professorin für Steirische Harmonika auf dem Tiroler Landeskonservatorium / Universität Mozarteum Standort Innsbruck.

Am Ende wird alles gut – und wenn es noch nicht gut ist, ist es noch nicht das Ende. (Oskar Wilde) 

Das Terzett:
Das Hackbrett, im Alpenraum fast ausschließlich in der Volksmusik zu finden, gibt es in ähnlicher Form in vielen Kulturen auf der ganzen Welt. Maria Ma hat auf diesem sphärischen klingenden Saiteninstrument einen ganz eigenen Stil entwickelt. Sie komponiert und verwebt komplexe Rhythmik mit bizarren Klängen zu einem völlig neuen Hörerlebnis.  Gemeinsam mit dem Gitarristen Ulli Bäer und dem Perkussionisten Christian Einheller öffnet sie die Tür zu einer musikalischen Welt, die so gar nicht den gewohnten Vorstellungen vom Zusammenklang mit Hackbrett entspricht.

Maria Ma tritt als sowie mit eigenen Ensembles auf und arbeitet als Komponistin, Bühnen und Studiomusikerin. Unter anderem komponierte sie die Musik zum mehrfach ausgezeichneten ORF Hörspiel “Märzengrund” von Felix Mitterer, arbeitet regelmäßig für und mit Christian Kolonovits, Gert Steinbäcker und Schiffkowitz (STS), Markus Schrimer, Ina Regen, uvm.

Ulli Bäer produzierte a 1977 Hits wie: “Der Durscht” / “Verkrampf di net” / “Alle Lichter”. Ulli Bäer ist als freier Gitarrist, Sänger und Komponist tätig und zählt zu den gefragtesten Live- und Studiomusikern Österreichs. Er spielt(e) unter anderem für und mit Georg Danzer, Austria 3, Wolfgang Ambros, Rainhard Fendrich, VSOP, uvm.

Christian Einheller studierte Schlagzeug und Percussion an der freien Musikakademie Passau, an der Los Angeles Musicacademy sowie an der Anton-Bruckner-Universität Linz und ist als Studio- und Live-Musiker u.a. für Rainhard Fendrich, Wolfgang Ambros, Solo zu Viert, Tini Kainrath uvm. tätig.

Stefan Hantel und sein Bucovina Club Orkestar machen paneuropäische Popmusik zum Tanzen und das so universell, dass sie von Finnland bis in die Türkei Erfolge feiern. Shantel und Orkestar predigen Multikulti nicht, sondern machen Multikultie. Lustvoll. Raumgreifend. In-die-Beine-fahrend.

In den 90ern war er der deutsche König des Downbeat, frisierte ab 2000 Balkan Polka mit Electro Beats auf und lud zur hedonistischen Abfahrt in die „Disko Partizani“. Nun vollzieht der unermüdliche Soundforscher vom „Planeten Paprika“ seine nächste Häutung: Auf seinem neuen Album „Anarchy & Romance“ überträgt Shantel erstmals organischen, dreckigen Garage-Band-Sound mit Sixties Flavour in seinen unverwechselbaren Klangkosmos. Denn sich auf dem Lorbeer des Erfolges ausruhen, das war nie die Sache des Stefan Hantel. Nur dank hartnäckiger Basisarbeit und dem Ignorieren von Erwartungshaltungen konnte er seinen Sonderstatus erreichen, der ihn in viele europäische Charts, mehrmals um die ganze Welt und – als ersten deutschen Künstler überhaupt – sogar nach Glastonbury sowie auf ziemlich alle anderen wichtigen internationalen Festivals brachte.

„Ein Diamant gibt mir nichts, nur in einem Misthaufen gedeihen wundersame Geschöpfe“, bekennt Shantel und stellt auf „Anarchy & Romance“ konservative Rock- und Pop-Klischees auf den Kopf, ohne dabei in die Hipness-Falle zu tappen. Auf unsere hyperbeschleunigte, globalisierte Welt antwortet der  Frankfurter mit einem zwischen Vintage und Zukunft swingendem Stil-Chaos. Getrieben von der Live-Energie seines Bucovina Club Orkestars treffen auf dem Album, wie Shantel sagt, „Songs, Balladen & Party-Burner auf den Sound der wilden Sixties, Rock’n’Roll und Future-Funk, meine geliebten Rickenbacker-Gitarren, ein krachendes Schlagzeug und ein Fender-Rhodes-Piano rocken mit den Blechbläsern meiner Band, als ob es der letzte Tag der Menschheitsgeschichte wäre…“.

Allesamt explosive Zutaten also, die Konzertsäle zum Bersten bringen könnten. Wenn da nicht Shantel selbst wäre, der – einem Dompteur gleich – das Publikum stets im Griff hat. 
„Es gibt keinen anderen deutschen Musiker, der von einer Metropole in Griechenland, Italien oder Frankreich bis hin zum englischen Mega-Rock-Festival à la Glastonbury oder dem dänischen Roskilde-Festival die Menschen auf diese Art in seinen Bann ziehen kann. Zu den krassen Klängen von Shantel tanzt jeder – und zwar sofort!“.

SHANTOLOGY 30 Jahre Club Guerilla

Shantel versteht es, einen Club, das Konzerthaus, den staubigen Boden vor einer Festivalbühne oder eine Mehrzweckhalle in eine temporäre autonome Zone zu verwandeln; in einen Ort, an dem Integration nicht sinnlos diskutiert werden muss, sondern immer wieder Realität wird: Hier wird gemeinsam getanzt!Mehrere weltweit ausgezeichnete Alben, die ein weites Spektrum von Stilen abdecken, hunderte von Konzertauftritten, Festivals und Partys, die er mit seinem einzigartigen eklektischen Sound befeuerte, Hymnen wie „Bucovina“, „Disko Partizani“, „Disko Boy“ oder „Citizen of Planet Paprika“ - all das kann sich der Musiker Shantel auf die Fahnen schreiben. Ein „deutsches Phänomen“ (Vogue) machte sich in Windeseile von Europa ausgehend bekannt (die Türkei, wo Shantel eine Popikone ist, zählen wir gerne dazu), inspirierte zahllose Künstler von Finnland bis nach Buenos Aires oder Ex-Jugoslawien (Dauerrotation auf MTV Balkanika).

Shantels Vision ist es eine paneuropäische Popmusik zu schaffen, die überall auf der Welt verstanden werden kann. Es scheint ihm tatsächlich zu gelingen. Eine Schlüsselszene aus Fatih Akins Film „Soul Kitchen“ wurde mit Shantels Musik vertont. Auch auf der Milano Fashion Week ist er zu Hause, wo er den Soundtrack für die Jean-Charles de Castelbajac Iceberg Show gestaltete. Models und Presse jubelten. Der Terminkalender ist bis weit ins Jahr 2011 voll. Die wenige restliche freie Zeit sperrt er sich ins Studio ein, um mit geschätzten Kollegen seinen nächsten Streich vorzubereiten .

Shantel hat seine einzigartige Karriere in den 80ern gestartet. 80er? Da war doch was? Diese Musik, die gerne auf Themenpartys verhandelt wird… Nein, ganz anders! Die 80er sind hier die Chiffre für das, was alles zu diesem Zeitpunkt möglich war. Punk hatte den Mief des immer inhaltsleereren Glamrock und seine Stereotypen weggefegt und die Köpfe freigemacht. In den frühen 80ern hielt diese frische Brise noch an, bevor es mit dem kommerziellen Ausverkauf der DIY-Ideale sich wieder schloss, der Pop synthetisch wurde und die MTV-Culture übernahm.
Einer, der das Spiel schon damals nicht mitmachen wollte, war ebenjener Shantel. Aktiv im Untergrund des Bauchnabels Deutschlands, Frankfurt am Main, betrieb er dort im heute ultra-hippen Bahnhofsviertel einen illegalen Underground-Club, in dem musikalisch alles möglich war und heftig experimentiert wurde. Hier traf sich eine international bunt gemischte Szene aus Kunststudenten, Bohemiens, Langzeitakademikern, jungen Musikern, Immigranten, Schwulen und Lesben und gestrandete Freaks aus aller Herren Länder. Im 3. Stock eines Gründerzeithauses gelegen, zog der Club mit seinem eklektische Ansatz Massen von ebenso abenteuerlustigen Nachtschwärmern und Clubgängern an wie das Licht die Motten. Der Andrang war so groß, dass die Schlange der Wartenden oft bis zum nächsten Häuserblock reichte. Und das, obwohl das Bahnhofsviertel auf Platz eins der deutschen Kriminalitätsstatistik lag. Shantels Devise war: „Vorwärts in alle Richtungen, lasst uns experimentieren und demonstrieren.“ Eine Demo gab es in der Demo-Hauptstadt Deutschlands jeden Samstag. Sounds des Widerstandes und der Vielfalt schallten aus den Lautsprecherwagen: Roots-, Dub-Reggae und Arab-Pop.
Dub-Reggae, ein Musikstil, der Shantel sehr beeinflussen sollte, brasilianische Musik, Oriental- und Arab-Pop ebenso. Aber wollen wir hier Stil-Erbsen zählen? Wichtig ist doch viel mehr das, was sich für Shantel aus der Rezeption verschiedenster musikalischer Genres ergab. Er realisierte, dass wann immer ein neuer Stil seine Nase zeigte, er früher oder später statisch wurde und damit langweilig. Man nehme nur das Beispiel Techno – kaum einer weiß heute, dass Frankfurt am Main die Geburtsstube dessen deutscher Ausformung war. Aber auch Techno war nur bedingt ShantelsDing. Also selber machen, was Neues anfangen, wieder und wieder und wieder.

Ab 1986 sahen wir Shantel mit einem griechisch-türkischen Underground-Projekt auf der Bühne. Sie spielten für die griechisch-türkischen Communities in ganz Deutschland den damals schwer angesagten griechischen Outlaw-Blues Rembetiko, und Shantel lieferte die Beats dazu. In seinem Bahnhofsviertel-Club Lissania Essay drehte Shantel die Turntables und mixte Rhythmen sowie Soundfetzen aus dem Sampler dazu. Nordafrika, Brasilien, Jamaika, Elektrobeats, Trip Hop und Jazz in the mix. Ein Song, eine Struktur, ein Rhythmus erreichte die Tanzenden so intensiv, dass ihre Arme hochgingen und die Kehlen Glücksgeheul ausstießen – das war der Ansporn, diesen Moment zu verlängern und das Spaceship Lissania zum Abheben zu bringen. Und bis heute ist es nicht gelandet, denn bis zum heutigen Tag gibt es nicht ein Konzert, nicht eine DJ-Session, die nicht von dem Gefühl befeuert waren, alles zu geben, mit dem Publikum zu verschmelzen und Glückseligkeit in die Gesichter zu zaubern. Kaum einer versteht den Dancefloor besser und findet intuitiv immer die richtige Antwort als Shantel – egal ob mit seinem Bucovina Club Orkestar oder ganz alleine als DJ.

 
Das Lissania und später der Bucovina Club waren einige der sehr raren Gelegenheiten, bei denen sich unterschiedliche Szenen und Altersgruppen trafen. Sie verband eines: Sie waren neugierig und bereit, sich unerhörten Klängen hinzugeben. Und Shantel war es wichtig, neue Ideen, Verrücktes, Unbekanntes via Musik in diese verkrustete Stadt zu tragen: Ideen, Visionen, die ganz woanders herkamen - Paris, Thessaloniki, Tel Aviv, Istanbul. Kurz gesagt Shantel und die Szene, die sich um ihn formierte, war kosmopolitisch und am Austausch interessiert. Er war als einer der deutschen Pioniere des sogenannten Freestyle-Clubbing bald weltweit gefragt, spielte an der Seite von MC Solaar, Kruder & Dorfmeister, Gilles Peterson, Massive Attack, Björk und Howie B. Doch war ihm das genug? Er stellte irgendwann fest, dass auch diese Szene dabei war, sich zu verkrusten bzw. leerzulaufen. Auf einer K7-Labelnacht im New Yorker Limelight Club ließ er frenetische Blechmusik südosteuropäischer Hochzeiten aus den Boxen knallen, was auf dem Tanzboden zu Verwirrung führte. Shantel wäre nicht Shantel, wenn er nicht versucht hätte, diese Situation zu retten und - die Platte noch einmal von vorne zu spielen. Langsam sahen die Partygänger ein, dass sie keine andere Kost serviert bekämen und ließen sich treiben. Schlussendlich: Stampede auf der Tanzfläche.

Shantel entschied sich, auf eine große Reise in seine eigene Familiengeschichte zu gehen, die ihn in die Bucovina, Grenzland zwischen Ukraine und Rumänien brachte. Dort fand er die Musik, die tief in seiner eigenen DNA schlummerte und begann mit ihr zu experimentieren, ging mit den Großen des Genre ins Studio, um seine Vision von einem zeitgenössischen paneuropäischen Sound zu kreieren. Das Schauspiel Frankfurt gab diesem neuen Sound, der sich wie ein Lauffeuer um die ganze Welt verbreitete, eine Bühne. Dass gerade Frankfurt den perfekten Spielboden für seinen Bucovina Club abgab, ist sicher kein Wunder, denn der Hotspot am Main war und ist seit vielen Jahrzehnten die multinationale Metropole der Republik. Interkulturelles Leben und Arbeiten ist hier mit allen Brüchen, Verwerfungen und Schwierigkeiten längst zum prägenden Aspekt des Alltags geworden. Aber auch hier und jetzt bleibt Shantel nicht stehen und räumt mit dem großen Missverständnis auf, er sei der „König des Balkan-Pop“ und er wolle es gar sein, was er in einem Interview mit der BBC anlässlich der Verleihung des BBC-Worldmusic-Awards klarstellte: „Ich habe mit dieser Balkanmusik und diesem Hype eigentlich nichts am Hut. Mir ging es um meine Selbstverwirklichung als Musiker, als Künstler. Deshalb interessieren mich viele Sounds, nicht nur der des Balkans.“
 
Mit diesem kreativen Ansatz ist Shantel das hörbare Gesicht eines anderen Deutschlands, ist er doch der erste, der der hiesigen Popkultur einen kosmopolitischen Sound einimpfte. Bei ihm ist Migration hör- und tanzbar. Musikalische Preziosen aus Südosteuropa, dem nahen Osten oder vom Mittelmeer erscheinen in einem neuen, vielschichtigen Kontext, damit wird auch die Kultur, aus der sie entstammen, intuitiv erfahrbar. Seine Methode ist kulturelles Mixing und Sampling: Dinge aus dem Zusammenhang reißen und in einen neuen überführen. Clubkultur als Konzept, das sich permanent weiterentwickelt und nicht als Museum, in dem das ewig Gleiche repetiert wird – wie in Berlin, wo tausende von Touristen vor dem Berghain warten, um das Vorhersehbare erleben zu dürfen.

Michael Olivera / drums
Daniel García / piano, Fender Rhodes, synths
Reinier Elizarde "El Negrón" / bass

„Flamenco und Jazz sind Brüder“, sagt Pianist Daniel García, eine der aktuell wohl aufregendsten Stimmen der neuen Generation des spanischen Jazz. „Beide haben sie ähnliche Wesensmerkmale: Selbstausdruck, völlige Hingabe im Moment des Musizierens sowie das tiefe Erleben im Augenblick.“ Damit bringt er auf den Punkt, wovon „Travesuras“ erzählt: García taucht tief in die Musik seiner Heimat ein und verbindet diese Einflüsse mit dem Vokabular des modernen Jazz-Pianotrios. Das Ergebnis ist eine eigenständige und ausdrucksstarke Musik, in der rhythmische Intensität mit melodischem Reichtum, harmonischer Finesse und ungemeiner Virtuosität einhergeht.

Gemeinsam mit seinen langjährigen Weggefährten, dem Bassisten Reinier Elizarde “el Negrón” und dem Schlagzeuger Michael Olivera, sorgt García für musikalische Interaktion auf höchstem Niveau: „Wenn wir spielen, versuchen wir uns auf das 'intensive Zuhören' der Musik, die wir machen, zu konzentrieren. Wir tauschen ständig Informationen aus und reagieren darauf. Es ist wie das Formen einer Skulptur in Echtzeit, eine sehr intensive Erfahrung, und wir denken, dass wir das Publikum an dieser Intensität teilhaben lassen können". Auf zwei Stücken ergänzt der spanische Flötist Jorge Pardo das Trio, ein Veteran des Flamenco-Jazz, der auch schon mit den spanischen Musiklegenden Paco de Lucía und Camarón de la Isla bis hin zu Gerardo Núñez und Chano Domínguez zusammenspielte.

Entscheidend für die musikalische Entwicklung des 1983 in Salamanca geborenen García war vor allem Danilo Pérez, Grammy prämierter panamaischer Jazz-Pianist, der am Berklee College of Music in Boston sein Lehrer war und zum Mentor wurde: „In der Musik geht es um Wahrhaftigkeit und Selbsterkenntnis. Erst dann kann man tiefer zu den Dingen dringen und einen eigenen künstlerischen Ausdruck finden. Danilo hat mir den Weg gewiesen.“ Der Erfolg ließ nicht lange auf sich warten: 2011 erhielt er in Berklee die Auszeichnung für die beste Jazz Performance. In der Folge spielte er mit namhaften Musikern wie Arturo Sandoval, Greg Osby und Perico Sambeat

Auch die abendländische Kunstmusik ebnet Garcías künstlerischen Weg: Bevor er in die USA ging, durchlief er eine klassische Klavierausbildung am Castilla y León Conservatory in Salamanca, eine der besten Ausbildungs-städten des Landes: „Geht es im Jazz doch vor allem um das WAS, setzt die klassische Musik einen Fokus auf das WIE. Und eine gute Spieltechnik gibt mir die Freiheit genau das auszudrücken, was ich fühle.“ Es ist faszinierend zu hören, wie in Garcías Musik Kadenzen, Harmonien und Klangfarben aus der abendländischen Kunstmusik aufblitzen, ganz unverhofft eine Flamenco-Wendung nehmen, sich in Jazz-Harmonien auflösen oder in kraftvolle Improvisationen münden. Eine ganz direkte Reminiszenz an die klassiche Musik sind die vier Versionen von „Dream of Mompou“, die auf der Musica Callada des spanischen Komponisten Frederic Mompou basieren.

Flamenco, Jazz, klassische Musik. Das ist bei weitem nicht alles, was an musikalischer Substanz in García schlummert, der sich selbst als Eklektiker bezeichnet. Rock, elektronische Musik, Musik des mittleren Ostens sowie kubanische Musik, sogar mit mittelalterlicher Musik und gregorianischen Chorälen hat er sich beschäftigt. „Sovieles hat die spanische Kultur beeinflusst und auch in mir Spuren hinterlassen. Stücke wie Vengo de moler und Travesuras reflektieren diese Entwicklung.“

„Travesuras“ ist alles andere als musikalisches Patchwork. Hier klingt nichts aneinandergereiht. Ausgangspunkt für Garcías Erkundungen sind oft aus dem Flamenco stammende harmonisch-rhythmische Grund-strukturen und melodische Phrasen: So findet man eine Solea in „Dream Of Miles“, oder ein Tango in „La Comunidad“. „Mein Ziel ist es, die originäre spanische Musik kraft der Improvisation in einen neuen Kontext zu überführen und stilistische Trennlinien unsichtbar werden zu lassen.“ In diesem Sinne ist auch der Albumtitel zu verstehen. Eine wirkliche Entsprechung für „Travesuras“ kennt das Deutsche nicht. Es ist die Art von unschuldigem, naivem Verhalten, wie man sie oft bei Kindern beobachtet, die ungezwungen die Welt entdecken. „Eine schöne Metapher für das, was ich versuche, zu tun: Schaue aus einem unbedarften Blickwinkel auf die Musik. Mach dich frei von Konventionen, lass dich treiben und du wirst sehen, ob nicht etwas Neues, interessantes dabei herauskommt.“ 

DerRolling Stone nennt Cari Cari die wichtigste Live-Entdeckung des diesjährigen Primavera Sound Festivalsin Barcelona. Das Duo schaffte es auf Platz 6 der meistgebuchten Newcomer Europas und wird seit ihrem Debut “AMERIPPINDUNKLER” von Blogs und Magazinen weltweit als eine der spannendsten Neuentdeckungen Europas gehandelt. Internationale Medien bezeichnen das Duo abwechselnd als “The Lovechild Of The Kills and The XX” (IndieShuffle, US) "with a pinch of Morricone"(FM4, AUT) oder die nächsten “Cat Power" (BestBefore, AUS). Bei unzähligen Auftritten von Australien bis Portugal und auf renommierten Festivals, wie Eurosonic Noorderlsag (NL), The Great Escape (UK), Linecheck Milano (ITA) übertraf Cari Cari wieder und wieder die Erwartungen aller Teilnehmer und wurde auch in Österreich am Waves Vienna Festival von einer internationalen Expertenjury zur besten Newcomer-Band des Landes gekürt.

Das Wiener Indiepop-Duo ging den umgekehrten Weg: Zuerst eroberte es mit seinem Sound die Welt, danach Österreich. Auf der Suche nach dem Interessanten, dem Ungesehen und Ungehörten, irgendwo zwischen Melbourne, London und Tokio, tauchten Cari Cari in die Szenen dieser Städte ein und nahmen dabei aus jeder einzelnen nicht nur Erinnerungen, sondern vor allem auch Inspiration mit. Alle diese Eindrücke verschmelzen zu einer besonderen Art von Musik. Daher klingt Cari Cari so vermessen wie East London's Punks mit der DIY-Attitude von Melbourne's Fitzroy und der subtilen Eleganz Tokios.

Stephanie Widmers (Gesang, Schlagzeug) und Alexander Köcks (Gesang, Gitarre) erste EP "Amerippindunkler" wurde von Blogs, Radios und Magazinen weltweit aufgegriffen als "the lovechild of The Kills and The XX" (IndieShuffle) und "the raw grit of Cat Power" (BestBefore). Die erste Single "White Line Fever" explodierte auf Soundcloud und YouTube. Platzierungen in TV Shows wie "Shameless" folgten. Und "Nothing's Older Than Yesterday", einer der alternativen Radiohits des Jahres 2017, konnte auch in Europa verstärkt Aufmerksamkeit generieren.

Neben unzähligen Festivalauftritten, unter anderem am Eurosonic, The Great Escape, der Tallinn Music Week, Linecheck Milano, Metronome Prague und Primavera Sound, wurden Cari Cari am Waves Vienna Festival von einer internationalen Jury aus Promotern und Journalisten mit dem XA Export Award ausgezeichnet.

Auf ihrem Debütalbum ist die Sonne bestimmendes Motiv: "Anaana" versammelt die Unmenge an Eindrücken aus den vielen Reisekilometern, Nächten und Abenteuern; unterhaltsam, schnell und abwechslungsreich: Erdiger 1960ies Gitarrensound, treibende Rhythmen, Maultrommeln und Didgeridoo. Eine gewisse Liebe zu den Welten von Ennio Morricone und Quentin Tarantino lässt sich nicht von der Hand weisen: "Wir sehen die Musik in Bildern", unterstreichen Cari Cari das wiederkehrende Thema der blutroten Sonne - und gleichzeitig die Wärme im Sound ihres Albums. Ein bewusster Gegenentwurf zur autotunenden Welt von heute; zum klinisch-sauberen Pop-Sound? Nicht unbedingt. Vielmehr kultiviert die Band die perfekte Imperfektion. Und so bleibt der gewollte Eindruck: Cari Cari machen Musik wie ein langer Sonnenuntergang. 

Die TT schrieb übr die neue CD:„ ... Es gibt digital verfremdete Stimmen, mächtig vorwärtstreibendes Schlagwerk, rhythmische Klatscheinlagen und – im Song „10 vor 3“ – ein sphärisches Synthie-Zwischenspiel, das mancher New-Wave-Combo mehr als ein anerkennendes Nicken abringen dürfte. ...“.

Liedermacher mit einem Hauch Elekrtizität – Jo Stöckholzer (*29.09.1993 in Innsbruck) begibt sich als Multiinstrumentalist und Loopkünstler auf die Bühne. Mit einer Symbiose aus modernen, abwechslungsreichen Klängen und einer metaphernreichen Wortwahl zieht er sein Publikum von Mal zu Mal aufs Neue in seinen Bann. Seine Texte erzählen vom Leben, dem Tod und tiefgründigen Gedanken mit Sinn. 
Der Musikexpress meinte etwa:"... dass Stöckholzer auch schon mal James Blake gehört hat. Ein wenig macht es Stöckholzer wie FINN oder Max Prosa: Er deutet Konventionen an, umgeht sie aber weitgehend, weil er auch anders kann." 

Nach zahlreichen nationalen und internationalen Konzerten (D, AT, CH, IT, RUS, ...) und Festivalauftritten (Donauinselfest, Wilde Möhre Festival, Poolbar Festival, Nova Rock, ...) lädt der ambitionierte Singer-Songwriter zu seinem CD-Release-Konzert "zum Lästern"
Jo Stöckholzers Musik stellt das Liedermachertum auf eine neue Ebene, welche keine Scheu vor modernen Tonerzeugern hat, sie mit dem akustischen Stilelement gekonnt verbindet und ihren Abschluss in den bewegenden Texten findet. 

«RITUAL GROOVE MUSIC» ist Programm seines musikalischen Denkens.
Die Musik ist geprägt von der Liebe zum architektonisch gegliederten Raum, zu repetitiven und reduktiven Prinzipien und zur rhythmischen Verzahnung. Ein Stück kann wie ein Raum betreten, bewohnt werden. Durch obsessive Drehmomente, Überlagerungen von Metren und Mikrointerplays bewegt sich die Musik fort und verändert ihre Zustände. Die Aufmerksamkeit wird auf die minimen Variationen und Phrasierungen gelenkt. Improvisation spielt bei aller kompositorischen Strenge eine wichtige Rolle in seiner Musik. Nik Bärtschs Denken und seine Musik entwickeln sich aus der Tradition des urbanen Raums. Sie sind aus dem universellen Klang der Städte destilliert, nicht aus einer nationalen oder Stil-Tradition. Die Stadt in ihrer rauschhaften Vielfalt fordert die Beschränkung aufs Wesentliche: Dosiert agieren, am richtigen Ort nichts tun. Diese Musik schöpft ihre Energie aus der Spannung zwischen kompositorischer Strenge und improvisatorischer Selbstüberlistung. Aus der selbstgewählten Einschränkung entsteht Freiheit -
«EKSTASE DURCH ASKESE».

Ein faszinierendes Soloalbum des Schweizer Pianisten, Komponisten und Konzeptualisten. Entendre bietet einen tieferen Einblick in das musikalische Denken von Nik Bärtsch und beleuchtet Aspekte seines Spiels und die Natur seiner modularen Stücke.

Wie der Titel schon andeutet, betrachtet das neue Album, das im Studio Auditorio Stelio Molo in Lugano aufgenommen wurde, das Hören als einen dynamischen Prozess. In diesen Solo-Realisierungen entfalten sich Bärtschs polymetrische Stücke mit erhöhter Aufmerksamkeit für die Feinheiten des Anschlags. Der Pianist findet Freiheit in der ästhetischen Beschränkung und ergreift gleichzeitig Gelegenheiten, die Musik an neue Orte zu führen. Als ebenso anpassungsfähiger wie origineller Musiker stellt er sich gewissenhaft in den Dienst des jeweiligen Kontextes, und das Solowerk hat sich in den letzten Jahren parallel zu seinen Gruppenaktivitäten entwickelt. Einige Schlüsselmomente in dieser Hinsicht waren für Nik sein Soloauftritt bei der 50-Jahr-Feier von ECM im New Yorker Lincoln Center im Jahr 2019 sowie Auftritte in fortlaufender Zusammenarbeit mit der bildenden Künstlerin Sophie Clements. Eine Solo-Klaviertournee im Jahr 2017, deren unorthodoxe Reiseroute ihn nach Teheran, Kairo, Alexandria, Kalkutta und Delhi führte, hatte außerdem zum Nachdenken über die verflochtenen Beziehungen von Solo-Performance und ritueller Musik in verschiedenen Kulturen geführt. Auch dies beeinflusste die Vorarbeiten zu Entendre.

Niks nummerierte "Modul"-Stücke können eher als Schablonen denn als feste und endgültige Kompositionen betrachtet werden: Er vergleicht sie mit "einem Grundtraining in Kampfsportarten, das an alle möglichen Situationen angepasst werden kann. Meine Arbeitsweise ist es, neue Kontexte zu schaffen. Jedes Stück spielt mit der Idee von Komposition, Interpretation und Improvisation und wird von derselben Kraft genährt, kann aber sehr überraschende Ergebnisse hervorbringen..."

Das wird sofort auf dem Eröffnungsstück "Modul 58-12" deutlich, das Stücke, die zuvor auf Aufnahmen mit Niks Bands interpretiert wurden - "Modul 58" mit Ronin auf Awase und "Modul 12" mit Mobile auf Continuum - zu einem emotionalen, kraftvollen Effekt vereint. "Es hat sich im Studio einfach in diese Richtung entwickelt. Ich habe es nicht geplant oder erwartet, dass es sich auf diese Weise entwickelt. Die Kombination dieser beiden Stücke ist vielleicht kein Zufall, sondern eher ein innerer Ruf. Mit einem lebhaften Fest am Anfang, einem Eröffnungsflug, der dann in Leere, Stille und Atemraum übergeht."

Geduld, intensive Konzentration und Leichtigkeit gehören zu den konträren Eigenschaften, die nötig sind, um diese Musik "dramaturgisch inszeniert" zu spielen und ihre Geheimnisse freizusetzen. Im Solospiel versucht Bärtsch, so sagt er, "loszulassen und im Stück zu fließen und die egozentrische Art, die Musik zu forcieren, zu transzendieren und eine höhere Ebene der Freiheit in Übereinstimmung mit der Form des Werkes zu finden."

Er betont auch, dass die Solomusik aus der Zusammenarbeit entstanden ist, einschließlich der langen Jahre des Feilens an der Musik mit Ronin und Mobile und der Teamarbeit bei der Session selbst, mit dem Produzenten Manfred Eicher und dem Ingenieur Stefano Amerio. "Es war extrem hilfreich, dass Manfred zuhörte und Ratschläge gab, wie man die Stücke angehen und interpretieren könnte. Er hörte zum Beispiel Verbindungen zu Gurdjieffs Musik in einem Stück. Oder er schlug mir vor, 'Modul 26' mit der Art von Fluss zu spielen, die ich beim Spielen von 58 gefunden hatte. Solche Rückmeldungen halfen, das gesamte Hörerlebnis auf eine sehr organische Weise zu erweitern."

Der atmosphärische Studioraum in Lugano - der zuvor auch für die Continuum-Aufnahmen von Mobile genutzt wurde - habe ebenfalls seinen Charakter durchgesetzt, sagt Bärtsch. "Mein Anschlag in der Solomusik ist nicht primär ein 'Jazz'-Anschlag auf dem Klavier. Er liegt zwischen den Dingen. Zwischen Kammermusik, Solospiel in der klassischen Tradition, modernerer Minimal Music und dem 'Groove'-Aspekt. Und der natürliche Nachhall, der natürliche Klang, des Raumes in Lugano half, diese Elemente hervorzuheben. Ich fühlte mich auch von der Geschichte des Raumes inspiriert. Und ich mag die Tatsache, dass er hier in der Schweiz ist, in dem Land, in dem ich lebe und in dem Ronin arbeitet. Ich brauchte nirgendwo anders hinzugehen, um diese Musik zu dokumentieren. Es passiert hier."

Entendre wurde im September 2020 im Auditorio Stelio Molo RSI in Lugano aufgenommen und von Manfred Eicher produziert.
»Das Album dokumentiert große Kunstfertigkeit und den aktuellen Stand von Bärtschs Klangforschung, ist aber auch Rückschau auf ältere Stücke, die jetzt sozusagen als Referenzaufnahmen dienen.« (Stereo, Mai 2021)

Der Akkordeonist Jean-Louis Matinier ist seit langem in unterschiedlichen Formationen bei ECM-Aufnahmen präsent: mit den Gruppen von Anouar Brahem (auf den Alben Le pas du chat noir und Le voyage de Sahar), Louis Sclavis (Dans la nuit) und François Couturier (Nostalghia, Tarkovsky Quartett) sowie im Duo mit Marco Ambrosini (Inventio). 
Nun folgt die erste Dokumentation eines neuen Projekts mit dem Gitarristen Kevin Seddiki, dessen weitreichende musikalische Vorstellungskraft der von Matinier vollkommen entspricht. Sedikki, der hier sein ECM-Debüt gibt, studierte zunächst klassische Gitarre bei Pablo Márquez und hat auch mit vielen Improvisatoren quer durch die Idiome gearbeitet, von Jazz bis zu transkulturellen Projekten. 
Die Bandbreite der Musik auf Rivages reicht vom Traditional »Greensleeves« über Gabriel Faurés »Les Berceaux« bis hin zu Kompositionen und Improvisationen der beiden Protagonisten. Rivages wurde im April 2018 im Auditorio Stelio Molo Studio in Lugano aufgenommen und von Manfred Eicher produziert.

»Die Präsenz der Nylonsaiten, die Ausgewogenheit der räumlichen und dynamischen Gliederung, die Abbildung des dialogischen Geschehens überhaupt lässt sich kaum angemessener festhalten.« (stereoplay, Juni 2020)
»Gemeinsam spielen sich die Partner in die Hände, auf fast schon übertrieben höfliche Art und Weise auf die Wertschätzung des anderen bedacht. Das macht »Rivages« zu einem faszinierend filigranen Statement klanglicher Eleganz, ästhetisch widerspruchsfrei im Bedürfnis nach gestalterischer Harmonie.« (Jazzthing, Juli / August 2020)
»Seltsam vertraut, anrührend delikat und tatsächlich himmlisch.« (Stereo, September 2020)

Der französische Akkordeonist Jean-Louis Matinier konnte seine Kreativität in den vergangenen zwanzig Jahren schon auf einer ganzen Reihe von bemerkenswerten ECM-Alben unter Beweis stellen. Zu hören war er auf Einspielungen von Anouar Brahem ("Le Pas du Chat Noir" und "Le Voyage de Sahar), Louis Sclavis ("Dans la Nuit") und François Couturier ("Nostalghia" und "Tarkovsky Quartett"). Im Duo mit dem italienischen Nyckelharpa-Spieler Marco Ambrosini legte er 2014 außerdem das umgewöhnliche Album "Inventio" vor. Nun folgt unter dem Titel "Rivages" das erste Album seines Duo-Projekts mit dem Gitarristen Kevin Seddiki, dessen ausgreifende musikalische Fantasie der von Matinier absolut ebenbürtig ist. Sedikki, der hier sein ECM-Debüt gibt, studierte klassische Gitarre bei Pablo Márquez und hat mit vielen Improvisatoren quer durch die Idiome gearbeitet, von Jazz bis zu transkulturellen Projekten. Die Bandbreite des Repertoires von "Rivages" erstreckt sich von Gabriel Faurés "Les Berceaux" über den englischen Traditional "Greensleeves" bis hin zu Kompositionen und Improvisationen der beiden Protagonisten.

Der Akkordeonist begegnete dem Gitarristen erstmals vor beinahe einem Jahrzehnt im Kloster Royaumont im Norden Frankreichs, das seit langem ein Zentrum für interkulturellen Austausch und interkulturelle Studien ist. Danach gehörte Jean-Louis Matinier einem Ensemble an, das Kevin Seddiki mit dem iranischen Perkussionisten Bijan Chemirani, der griechischen Sängerin Maria Simoglou und dem italienischen Gambisten Paolo Pandolfo zusammengestellt hatte. Später traten Matinier und Seddiki im Trio mit Chemirani auf. "Je öfter wir zusammenspielten, desto klarer wurde, dass wir uns als Duo auf ein tiefergehendes musikalisches Gespräch einlassen müssten, um die Klänge und Farben und orchestralen Möglichkeiten unserer Instrumente zu erkunden."

Das Konzept, das sie seither als "weltoffene Kammermusik" beschrieben haben, blühte im Laufe der Jahre ganz natürlich auf. "Wir trafen uns regelmäßig zum Spielen, entweder in Frankreich oder in Deutschland", sagt Seddiki. "Wir nahmen uns Zeit, um an der Musik zu arbeiten. Wir tauschten Ideen aus und richteten den Fokus auf Raum, Texturen und Balance." Auf ähnliche Weise entstand nach und nach auch das Repertoire für "Rivages". "Wir schauten uns etwa die Partitur eines Stückes für Stimme und Klavier wie ‘Les Berceaux’ an oder bauten eine Komposition um einen Rhythmus und eine Textur herum auf. Ein Beispiel dafür ist ‘In C’."

Seddikis Umgang mit Rhythmus - und die manchmal perkussive Natur seines Gitarrenspiels - wurde beeinflusst durch sein Studium der iranischen Handtrommel Tombak (oder Zarb), die er auch bei Konzerten spielt. In seiner Biographie offenbart sich indes auch eine Affinität zu den Instrumenten der Akkordeon-Familie; schon zu Beginn seiner Karriere begleitete er den Bandoneón-Meister Dino Saluzzibei Auftritten. Und auf dem ersten Album, das Seddiki 2012 unter eigenem Namen aufnahm ("Il Sentiero"), war Daniele di Bonaventura zu hören.

Mit Matinier verstand er sich auf Anhieb. "Wir teilen ganz bestimmte Vorstellungen von Klang und Rhythmus." Den beiden Musikern gelingt es,  Gedanken austauschen, während sie sich durch ein sehr breites Spektrum von Stimmungen und Idiomen bewegen (das Stück, mit dem sie "Rivages" eröffnen, greift beispielsweise sowohl auf eine traditionelle bulgarische Melodie zurück als auch auf ein Thema von Schumann) oder den Sprung in die totale Improvisation wagen. Weitere Improvisationen - eine jede mit einem ausgeprägten Formgefühl - sind auf dem Album die Titel "Miroirs" und "Feux Follets" sowie das Solo-Gitarrenstück "Derivando".

"Es ist sehr selten, dass man sich an diesem Ort zwischen geschriebener und improvisierter Musik, zwischen älterer und neuer Musik, aber mit viel gemeinsamem Vokabular, trifft", meint Kevin Seddiki.

Jean-Louis Matinier ist dafür bekannt, dass er sowohl in kleinen Ensembles als auch mit Orchestern arbeitet. Er war Mitglied des französischen Orchestre National de Jazz und begleitete Juliette Grécoauf zahlreichen Tourneen. Den Herausforderungen des Duo-Formats hat sich Matinier schon immer gerne gestellt. Sei es zusammen mit dem Nyckelharpa-Spieler Marco Ambrosini, dem Kontrabassisten Renaud Garcia-Fons oder dem Klarinettisten und Saxophonisten Michael Riessler. Der Duo-Kontext, sagte er einmal, "gibt einem große Freiheit, eine unmittelbare Reaktion, einen totalen Dialog, eine Wertschätzung der Stille und der Zeit."

Seit über 12 Jahren prägt nun Der Nino Aus Wien, Österreichischer Liedermacher und Literat, die deutschsprachige Musikszene mit seiner ureigenen Form des „Wienerlieds“ und seinem „Hirschstettner Soul“. Als „der beste junge Liedermacher des Landes” und der “Bob Dylan vom Praterstern”, wurde er durch den Falter betitelt. Nino spielt an die 100 Konzerte pro Jahr, quer verteilt im deutschsprachigen Raum, vom Wiener Konzerthaus bis hin zur Hamburger Elbphilharmonie. Er wurde bereits mehr als sieben mal für den Amadeus Austrian Music Award nominiert und 2016 in der Kategorie „Alternative Pop / Rock“ ausgezeichnet. Er erreichte zahlreiche Chartplatzierungen, mehrere Nummer Eins-Hits in den FM4-Charts, schreibt auch Musik fürs Theater und co-kuratierte 2018 das Wiener Popfest. Kooperationen, Freundschaften und gemeinsame Auftritte fanden oder finden statt mit Ernst Molden, Voodoo Jürgens, Wanda, Soap & Skin, Skero, Natalie Ofenböck, Dirk Stermann, Hubert Weinheimer und vielen weiteren. Er beweist regelmäßig hohe Unterhaltungskompetenzen wie im Interview mit André Heller, einer Wien-Exkursion mit Gerda Rogers, oder TV-Auftritten wie Willkommen Österreich oder der legendären Brieflos-Show. Seine Live-Band ist ihm bereits seit 10 Jahren weiterhin treu – dennoch hat er sein nun 11. Album “in einer einzigen Febernacht” Solo aufgenommen. Fast.

Seit einigen Jahren schleicht durch die Hauptstadt ein junger Mann, dem nachgesagt wird, die heimische Musikszene mächtig aufgerüttelt zu haben. Dank ihm feiert das sogenannte „Wienerlied“ nach jahrelanger Abstinenz endlich wieder ein Comeback. Doch hört man die spezifische Volkslied-Gattung diesmal ausnahmsweise nicht in den traditionellen Heurigenlokalen, wo ausschließlich der besoffene Tourist auf die Kosten höchsten Entertainments kommt, nein diesmal präsentiert sich das österreichische Kulturgut in Clubs und Szenebeisln, wo man stehend, mit Tschick in der einen und dem Bier in der anderen Hand auf die Bühne stiert, um nur ihm Aufmerksamkeit zu schenken: Dem Nino aus Wien.

Das Wiener Original, noch mitten im Twen-Alter, wird nicht zufällig gerne mit dem jungen André Heller verglichen. Als Liedermacher und Literat, tritt Nino als wortkarge und reservierte Persönlichkeit zu Tage, von der man kaum zu glauben vermag, das gerade er freiwillig auf eine Bühne tritt. Umso erstaunlicher, dass Nino in seinen Liedern so viele Worte findet, die unterschiedlichsten Themen anschneidet (von „fuaßboi schaun“ bis zum Protestsongcontest Beitrag „Spinatsong“) und gerade mit der tiefgehenden Herzschmerz-Nummer „Du Oasch“ einen Indie-Hit gelandet hat, der ihn weit über die Grenzen Wiens hinaus bekannt gemacht hat. Was nicht wundert, gilt der Song wohl als eine der schönsten Dialektlieder dieses Jahrtausends.

Nino Mandl, wie er mit gebürtigen Namen heißt, ist in Hirschstetten im 22. Bezirk aufgewachsen und hat sich dort mit einer Gitarre von Hofer das Musizieren und Songschreiben selbst beigebracht. Ob der junge Musiker in seiner Jugend tatsächlich so viel Klebstoff geschnüffelt hat, so wie er es auf der Homepage seines Stammlabels Problembär Records geschrieben steht, sei dahingestellt. Es dürften jedenfalls nicht alle Gehirnzellen dabei zu Schaden gekommen sein, sonst wäre ihm zumindest nach der zweiten Platte der kreative Saft ausgegangen. Zum Glück konnte der Nino aus Wien noch ein paar Akkorde aus dem Kopf ziehen, hat nach den zwei Alben „The Ocelot Show“ und „Down in Albern“, die nur innerhalb eines halben Jahren auf den Markt geworfen wurden, sowie einigen Non-Album Singles, nun vor einigen Wochen sein drittes Werk mit dem Titel „Schwunder“ veröffentlicht. Songmaterial für Konzerte im neuen Jahr gibt es also genug. Und sollte dieses aus irgendeinem Grund doch nicht ausreichen, kann der Wiener auf diverse Coverversionen ausweichen, mit denen er uns schon in den letzten Jahren gezeigt hat, dass er es seinem Publikum keineswegs Rechenschaft schudig ist, ausschließlich auf wienerisch zu singen. Gemeinsam mit der nicht minder bekannten und wohl ebenso introvertiert wirkenden Soap & Skin hat Der Nino aus Wien beispielsweise den Bob Dylan Song „It ain’t me babe“ auf sehr interessante und recht eigenwillige Art und Weise beim Popfest 2010 vorgetragen und mit dem Coversong „ Das kleine Beisl“ wird dem im vergangenen Jahr verstorbenen Entertainer Peter Alexander Tribut gezollt. Wenn schon so viele große Künstler erwähnt werden, darf man auch all die anderen nicht vergessen, die das Jungtalent inspiriert haben und denen es in einigen Liedern huldigt, als da wären „Johnny Ramone“ oder das auf James Joyce basierende Werk „Finnegans Wake“, welches auf dem aktuellen Album zu hören ist.

Der Nino aus Wien hat sich mit seinem Sound- eingegliedert zwischen Folk, Sing-/Songwriting und Austrop- in die Herzen der Österreicher gesungen und wurde zurecht  schon zweimal für den Amadeus-Award nominiert. Dabei steht außer Frage, dass seine kapriziöse, musikalische Herangehensweise eine wichtige Rolle spielt, ja ihn sogar zu einer regelrechten Institution der österreichischen Musikszene macht. Zugegeben, das größte Stimmwunder scheint in Nino nicht zu stecken, trotz allem kann der Hörer nur staunen, wenn es darum geht  die Textstruktur näher zu begutachten. Literarische Konzepte verweben sich gekonnt mit sinistrer, selbstverfasster Poesie. Ein Hauch Wiener Charme („Du Oasch“, “Immer no Oasch“ featuring Skero) gibt dem Ganzen noch den letzten Schliff und es kann sich nur um wenige Jahrzehnte handeln, bis das Nino-Liedgut in einem x-beliebigen Heurigenlokal, von einem x-beliebigen Alleinunterhalter, vor einer x-beliebigen japanischen Touristengruppe rezitiert wird. Bis es soweit ist, darf man sich aber gerne weiterhin ins verrauchte Beisl begeben und dem Original frönen

PRESSESCHNIPSEL

Der beste junge Liedermacher des Landes” stand auf dem Falter-Cover, das Nino Mandl alias Der Nino aus Wien vor genau einem Jahr zierte. Man hätte den heute 25-Jährigen auch als unberechenbarsten, aufgewecktesten, eigensinnigsten oder originellsten Songwriter der jungen österreichischen Musikszene bezeichnen können. Denn Mandl ist kein klassischer Liedhandwerker, sondern ein famoser Popsongerfinder; einer, der ganz konsequent eigene Wege beschreitet.“
Gerhard Stöger, Falter 2012

“Nino Mandl schlug als „Der Nino aus Wien“ ähnlich außerirdisch in der Wiener Musikszene auf wie der junge Bob Dylan einst in Greenwich Village. Der wahre Nino kommt ideal in grüblerischen Juwelen wie „Es geht immer ums Vollenden“ und „Feuer“ raus, in denen er hart an der Kante von illiteratem Ausbruch und I-Ging-Rätselsprüchen wandelt. Da war es wieder, dieses selige Lächeln eines Knaben, der mit einem kleinen Löffel den Ozean ausschöpft.“
Samir Köck, Die Presse 2009

“Bäume”, das bisherige Meisterstück des Musikers … Näher als hier war der österreichische Pop nie an Bob Dylan dran.“
Gerhard Stöger, Falter 2014

„Der Nino aus Wien lockt mit seinen neuen Alben „Bäume“ und „Träume“ in ein faszinierendes Labyrinth der Schrulligkeiten. .. Ein exzellenter Ohrwurm glückte mit dem Song „Die Hütte vor dem Haus“, der ein wenig an den jungen Wolfgang Ambros erinnert. In seinen Texten schafft er das Kunststück, Tristesse und Ereignislosigkeit zum Abenteuer umzudeuten. Den Zauber seiner Kunst macht auch diese gewisse Gefährdetheit aus, die bei seinen Liveauftritten ins Auge sticht. Nino zählt zu den Künstlern, bei denen Niederlagen interessanter sind als die Erfolge der Kollegen. An seiner spinnerten Parallelwelt prallt der Zwang zur Logik genauso ab wie normierte Verhaltensweisen und jeder Erfolgshunger. „Das Wort Erfolg ist nicht in meinem Sprachgebrauch“, beteuert Nino und geht dennoch im Mai auf große Österreich- und Deutschlandtour. Aus den in seinen Songs behutsam aufgefädelten Sonderbarkeiten, vor allem von seiner Seinsgelassenheit kann jeder lernen.“
Samir Köck, Die Presse 2014

„Der Nino aus Wien“ hat bisher acht Alben aufgenommen, in der Regel tritt er mit seiner vierköpfigen Band auf (mit Raphael Sas voc/guit/piano, pauT bass/voc, David Wukitsvits drum/voc), oft auch mit Partnern wie Ernst Molden oder Sir Tralala. Mit Natalie Ofenböck betreibt er auch das Band-Projekt „Krixi, Kraxi und die Kroxn“

Mit dem Amadeus hat es zwar 2015 wieder nicht geklappt, dafür ist er nun aber mit acht Nominierungen ohne Sieg der alleinige Rekordhalter für nominiert gewesen sein ohne je gewonnen zu haben; auch nicht schlecht!

„Der beste junge Liedermacher des Landes” stand auf dem Falter-Cover, das Nino Mandl alias Der Nino aus Wien vor genau einem Jahr zierte. Man hätte den heute 25-Jährigen auch als unberechenbarsten, aufgewecktesten, eigensinnigsten oder originellsten Songwriter der jungen österreichischen Musikszene bezeichnen können. Denn Mandl ist kein klassischer Liedhandwerker, sondern ein famoser Popsongerfinder; einer, der ganz konsequent eigene Wege beschreitet.“
Gerhard Stöger, Falter 2012

“Nino Mandl schlug als „Der Nino aus Wien“ ähnlich außerirdisch in der Wiener Musikszene auf wie der junge Bob Dylan einst in Greenwich Village. Der wahre Nino kommt ideal in grüblerischen Juwelen wie „Es geht immer ums Vollenden“ und „Feuer“ raus, in denen er hart an der Kante von illiteratem Ausbruch und I-Ging-Rätselsprüchen wandelt. Da war es wieder, dieses selige Lächeln eines Knaben, der mit einem kleinen Löffel den Ozean ausschöpft.“
Samir Köck, Die Presse 2009

“Bäume”, das bisherige Meisterstück des Musikers … Näher als hier war der österreichische Pop nie an Bob Dylan dran.“
Gerhard Stöger, Falter 2014

„Der Nino aus Wien lockt mit seinen neuen Alben „Bäume“ und „Träume“ in ein faszinierendes Labyrinth der Schrulligkeiten. .. Ein exzellenter Ohrwurm glückte mit dem Song „Die Hütte vor dem Haus“, der ein wenig an den jungen Wolfgang Ambros erinnert. In seinen Texten schafft er das Kunststück, Tristesse und Ereignislosigkeit zum Abenteuer umzudeuten. Den Zauber seiner Kunst macht auch diese gewisse Gefährdetheit aus, die bei seinen Liveauftritten ins Auge sticht. Nino zählt zu den Künstlern, bei denen Niederlagen interessanter sind als die Erfolge der Kollegen. An seiner spinnerten Parallelwelt prallt der Zwang zur Logik genauso ab wie normierte Verhaltensweisen und jeder Erfolgshunger. „Das Wort Erfolg ist nicht in meinem Sprachgebrauch“, beteuert Nino und geht dennoch im Mai auf große Österreich- und Deutschlandtour. Aus den in seinen Songs behutsam aufgefädelten Sonderbarkeiten, vor allem von seiner Seinsgelassenheit kann jeder lernen.“
Samir Köck, Die Presse 2014

Was für ein Traum: : der französische Percussionist Mino Cinelu - mit Wurzeln in Martinique - und der norwegische Trompeter Nils Petter Molvaer trafen sich häufiger auf den Festivals der Welt und planten immer wieder eine Zusammenarbeit. Im letzten Jahr haben sie ihre Pläne in die Realität umgesetzt.  Ihr gemeinsames Album »SulaMediana« spiegelt die unterschiedlichen Erfahrungen wider, die sie in den Jahrzehnten angesammelt haben.
Cinelu brachte seine Einflüsse von Miles Davis, Dizzy Gillespie, Sting oder Kate Bush mit in die Zusammenarbeit ein und Molvaer wiederum seine norwegischen Wurzeln, die in den letzten Jahren mit vielfältigen Kooperationen wie z.B. mit Moritz von Oswald oder Sly & Robbie stets erweitert wurden. 
So entstand ein vielschichtiges und höchst unterhaltsames Werk, das viel mehr beinhaltet als »Sula« = die Insel, auf der Molvaer aufwuchs und »Madiana«, was ein anderes Wort für »Martinique« ist.  

Nils Petter Molvær & Mino Cinelu: Sula Madiana

„SulaMadiana“ ist Fusion par excellence. Von Nils Petter Molvær und Mino Cinelu so luftig gespielt, wie das im Genre kaum je üblich ist. Mino Cinelu hat Connece, wie man so schön sagt. Und wenn Ihnen der Name nichts sagt: der Franzose hat schon für Sting und Santana gefuhrwerkt und gewirbelt. In der Jazz-Szene kennt man ihn ohnehin, Cinelu spielte Percussion auf Platten von Weather Report, und vor allem: bei Miles Davis. Der Über-Trompeter ist auch im Leben von Nils Petter Molvær eine feste Größe; ohne Miles hätte Molvær wohl nicht zu seinem melancholisch-spacigen Trompetenton gefunden.
Nun erscheint das Duett „SulaMadiana“. Der Titel spielt auf die norwegische Insel Sula und das karibische Eiland Martinique an, wo Molvær respektive Cinelu ihre Wurzeln haben. Das ist Fusion par excellence, so luftig gespielt, wie das im Genre kaum je üblich ist. „Rose of Jericho“ hat Dub-Anleihen, „O Xingu“ eine südostasiatische Trance-Stimmung. Und Duke Ellingtons „A-Train“? Nur noch vage am Basslauf erkennbar. Brillant der Titelsong: ein lässiges Latin-Meisterwerk mit Funk-Gitarren, lautmalerischen Vocals und Molværs schönstem Electro-Trumpet-Sound.

NILS PETTER MOLVAER

Nils Petter Molvær ((* 18. September 1960) wurde an der norwegischen Westküste auf der kleinen Insel Sula geboren. Zu seinen musikalischen Vorbildern gehören Miles Davis, Don Cherry, Billie Holiday, Brian Eno, Jon Hassell, Joni Mitchell und Bill Laswell. Er wird als Pionier der Fusion von Jazz und elektronischer Musik betrachtet. 
Zu Beginn seiner Karriere spielte Nils Petter Molvær in der von Jon Balke geleiteten Formation Oslo 13. Einem breiten Publikum wurde er durch sein Debüt-Album Khmer (das 1997 beim Münchner Label ECM erschien) bekannt, auf dem Molvær sein ätherisches Spiel und seinen fiebrigen, heiseren Trompetenton wuchtigen elektronischen Beats gegenüberstellt. Khmer erhielt sehr viel Beachtung und hervorragende Kritiken; so bekam Molvær z. B. den Preis der Deutschen Schallplattenkritik und die amerikanische Zeitung L.A. Weekly ernannte Khmer zum Jazzalbum des Jahres 1998.
Es folgten im Jahr 2000 das Album Solid Ether und im darauf folgenden Jahr das reine Remix-Album Recoloured, auf dem verschiedene Gastmusiker und DJs mitwirkten, darunter Bill Laswell und Funkstörung. 2002 wurde das Album NP3 und im Sommer 2004 Streamer veröffentlicht. Streamer erschien auf Molværs eigenem, neu gegründeten Label Sula. 2005 brachte Molvær dann mit ER ein weiteres Studioalbum heraus, auf dem neben ihm vor allem die Sängerinnen Sidsel Endresen und Elin Rosseland, aber auch Gitarrist Eivind Aarset und Pianist Magne Furuholmen (ehemals a-ha) wesentliche Akzente setzten.

MINO CINELU

Wer MINO CINELU sagt, muss auch Miles Davis sagen. Denn kein Geringerer als der Prinz der Dunkelheit war es, bei dem der Perkussionist als Senkrechtstarter seine internationale Karriere begann. Drei gewonnene Grammies sind ja kein Pappenstiel. Gewissermaßen nebenberuflich war der aus Martinique stammende Ausnahmemusiker zu der Zeit noch als Schlagzeuger in Diensten der Rockjazz-Legende von „Weather Report“, wo er sogar in die Gitarrensaiten griff.
Der außergewöhnliche Meister-Percussionist/ Komponist/ Sänger/ Produzent/ Multi-Instrumentalist MINO CINELU wurde durch Tourneen und Aufnahmen mit den großen Stars des Jazz und Pop bekannt, wie Sting, Cassandra Wilson, Lou Reed, Geri Allen, David Sanborn, Dizzy Gillespie, Pat Metheny, Herbie Hancock, Kenny Barron, Branford Marsalis, Tori Amos, Bruce Springsteen, Christian McBride, Tracy Chapman, Stevie Wonder, und Bonnie Raitt. 
Zwanzig Jahre, in denen MINO CINELU immer wieder musikalische Grenzen überschritten hat und den Alben anderer Künstler einen Hauch von Exotik verpasst hat. Etwa 1981 Miles' fulminantem Live-Album „We Want Miles“ (für viele eines der besten Davis-Alben aller Zeiten), aber auch 1984 Weather Reports „A Sporting Life“ oder 1987 Stings „Nothing Like The Sun“. Mit dem Kameruner Bassisten Richard Bona, der in diesem Jahr ebenfalls bei den Jazztagen dabei ist, spielte er seine erste Solo-CD ein. CINELU´S Musik ist ein pan-eklektischer World Music Mix aus Jazz, Blues, Afro-Pop, karibischen, mittelöstlichen und asiatischen Einflüssen. MINO baut auf sein französisch-karibisches Erbe, singt kreolisch und schöpft aus der Chouval Boa Musiktradition Martiniques mit einem kühnen musikalischen Weitblick.

Bös’ Lecker: CD-Release Tour - Jazz trifft auf Tiroler Humor, nostalgischer Swing küsst treibende Beats von heute. Auf ihrer Debüt CD „Bös’ Lecker“ (ChaosRecords) haben die sieben Musiker einen bunten Blumenstrauß an Stilistik eingefangen.

GRAPHA - Eine Miniatur-Bigband, die nicht nur durch stilistische Vielseitigkeit sondern auch durch das Spiel aller dynamischen Stufen, sofern ein exquisites Blatt vorhanden ist, besticht. Die fabelhafte Rhythmusgruppe spornt dabei das feinfühlige Bläserquintett stets zu kreativen Glanzleistungen an.

Getragen von der unbändigen Spielfreude der Musiker versprechen die Eigenkompositionen und Arrangements von Bandleader Raphael Huber Heiterkeit, Tiroler Schmäh, aber auch Einfühlsames, wie sensible und nahezu sakrale Klänge — und ab und zu darf’s durchaus auch mal ein bisserl Walzer sein.

Altsax - Frederik Mademann
Baritonsax - Jonas Brinckmann
Trompete - Vincent Eberle
Posaune - Thorben Schütt
Kontrabass - Maximilian Leiss
Schlagzeug -Julian Fau
Tenorsax & Komposition- Raphael Huber

Zeitgemäße Interpretationen von traditionellen Liedern aus dem Alpenraum, sowie eigene Kompositionen in der "ältesten Sprache Österreichs", dem Ötztaler Dialekt (Immaterielles Kulturerbe der UNESCO Österreich seit 2010) treffen auf Spielarten verschiedenster Genres wie Rock, Pop, Blues, Folk- und alpine Weltmusik.

"Musik ist die Sprache des Herzens und wird überall auf der Welt verstanden". 
Der  Ötztaler Liedermacher Marlon Prantl kann mit seinem Bandprojekt TyRoll im wahrsten Sinne ein Lied davon singen. Auftritte führten die Musiker bisher etwa nach Peking, Moskau, Berlin, Zürich oder auch Wien; und die auch die Lieder von Marlon Prantl & TyRoll wurden schon unzählige Male rund um den Globus auf diversen Radiostationen gespielt (Brasilien, USA, Südkorea, China, Mexiko, Indonesien......)

Den Kreis zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft musikalisch schließen
Gemäß dem Motto " Think globally, act locally " (global denken, lokal handeln) agieren TyRoll als klingende Botschafter des Alpenraums und haben es sich zur Aufgabe gemacht, Brücken zu schlagen und Kreise zu schließen. Dabei verstehen sich die Musiker nicht nur als Vermittler zwischen den Zeiten, sondern vermitteln auch zwischen den Kulturen. Bei Ihren Live-Auftritten lässt die Band ihr Publikum jenen Wind spüren, der für sie Inspiration und Heimat ist, transportiert den Tonfall der Jahrhunderte und zugleich frische Gegenwart.

Marlon Prantl komponiert seine Songs im größtenteils im Ötztaler Dialekt, der als eine der ältesten Sprachformen Österreichs gilt und auf eine über 900 jährige Geschichte verweisen kann. Nicht nur deshalb wurde der Dialekt von Prantls Heimattal von der UNESCO Österreich 2010 als immaterielles Kulturerbe anerkannt. Mit seiner Band TyRoll übersetzt er das Ötztaler Lokalkolorit in eine globale Musiksprache. Das ergibt eine höchst zwingende Musik, die Ecken und Kanten hat und in ihrer Vielschichtigkeit das Publikum zu begeistern weiß.

Sich über Grenzen hinweg immer wieder neu erfinden
Abseits von Klischees, Geschichte und Geschichten weiter zu führen sowie auch genreübergreifende Zusammenarbeit mitinternational renommierten Künstler*innen (z.b. Film, bildende Kunst, Literatur, Multimedia) sind den Musikern von TyRoll seit jeher ein besonderes Anliegen. Ein Gesamtwerk, das eine Generation widerspiegelt: Eine Generation, die den Respekt vor der Geschichte längst nicht verloren hat und der Zukunft offen und neugierig begegnet.

Erinnerung, Sehnsucht, Tiefe und der mutige Blick nach vorne treffen hier genauso aufeinander wie die Ehrlichkeit, der Charakter und die Bodenständigkeit, die Österreich zu dem gemacht haben was es ist: Ein starkes Land, mit starken Menschen und starken Künstlern.
Ebenfalls einen international ausgezeichneten Namen hat sich  Marlon Prantl mit seinen Musikern inzwischen auch mit diversen Vertonungen von Dokumentationen und Filmmusik gemacht, für welche die Musiker 2019 beim International Film & Music Festival in Kroatien mit einem Award für "Best Music" ausgezeichnet wurden.

ein mit allen Wassern gewaschener Virtuose und ein ebenso gewiefter Stückeschreiber , ein konsequenter Spurensucher am Puls der Zeit und  begnadeter Geschichtenerzähler am Klavier (3sat Kulturzeit).  Der 32-jährige österreichische Jazzpianist David Helbock gehört zu der Generation junger Jazzmusiker, die die Grenzen ihres Metiers sprengen, die das musikalische Verständnis von alt und neu, von Komposition und Improvisation, von Stil und Persönlichkeit radikal verändern und ihren eigenen Weg gehen.

THE NEW COOL

Mit Pianist David Helbock, Trompeter Sebastian Studnitzky und Gitarrist Arne Jansen finden drei außerordentlich markante, renommierte Bandleader & Solokünstler des europäischen Jazz zu einem ganz besonderen Trio zusammen. Was alle drei verbindet: Die Liebe zu klaren Themen, Melodien, Harmonien, einem markanten, individuellen Sound und einer starken rhythmischen Erdung ihrer Musik. Qualitäten, die auch die Strömung des „Cool Jazz“ der 1940er und 50er Jahre auszeichnete und an die das Trio unter der Idee von „The New Cool“, mit den vielfältigen Einflüssen des Jazz von heute anknüpft.

„Ich habe mich nach musikalischer Entschleunigung gesehnt“, sagt David Helbock, als er über sein neues Trio mit Arne Jansen und Sebastian Studnitzky spricht. Was er meint, wird klar, wenn man auf sein vorheriges Projekt zurückschaut, Random Control: „Mit unzähligen Instrumenten haben wir hier hantiert, sie während der Stücke mehrfach gewechselt und viele Noten gespielt. Das war oft ziemlich wild.“ Und das neue Trio? „Da geht es darum, Stimmungen zu kreieren und um Emotionen. Emotionen sind das wichtigste in der Musik.“Es gibt aber noch weitere Unterschiede. Hatte sich der österreichische Pianist für seine früheren Projekte stets mit Musikern aus seiner Heimat umgeben, hat er sich nun mit Gleichgesinnten aus Berlin zusammengetan, die wie Helbock in der Jazz-Hauptstadt gestrandet sind. 

Besetzung

David Helbock piano
Lorenz Raab trumpet
Arne Jansen guitar

David Helbock ist ein „konsequenter Spurensucher am Puls der Zeit“ und „begnadeter Geschichtenerzähler am Klavier“ (3sat Kulturzeit). Bereits auf seinem ACT-Debüt „Into the Mystic“ hat der Österreicher bekannten Kompositionen einen neuen, persönlichen Stempel aufgedrückt: von Beethoven über Thelonious Monk bis zu John Williams schlug er damals den Bogen rund um Sagen, Mythen und Spirituelles. 

Es ist auch jener Pianist vertreten, den Helbock gewissermaßen mit der Muttermilch aufgesogen hat: „Zu Keith Jarrett habe ich eine besondere und besonders emotionale Beziehung“, berichtet er. „Meine Mutter hörte seine Musik ständig während ihrer Schwangerschaft. Deshalb vermute ich, dass das erste Stück, das ich überhaupt hörte, bevor ich überhaupt geboren war, „My Song“ gewesen sein muss.“ 

BIO GRAFISCHES
Zweimal Preisträger und der Publikumspreis beim weltweit größten Jazz-Piano-Solo-Wettbewerb des Jazzfestivals Montreux, begeisterte/internationale Kritiken für seine CDs und der wichtigste Förderpreis des Bundes Österreich 2011 - der "Outstanding Artist Award" - der aus dem kleinen österreichischen Dorf Koblach stammende Pianist David Helbock ist zweifellos am internationalen Parkett angekommen.
Helbock ist aber nicht nur ein hervorragender Pianist, sondern auch ein eigenwilliger Denker, der in seine Projekte nicht nur außerordentliche Fingerfertigkeit, sondern auch jede Menge Hirnschmalz investiert. 
David Helbock, am 28. Jänner 1984 geboren, begann im Alter von sechs Jahren Klavier zu spielen.
Er studierte am Konservatorium Feldkirch bei Prof. Ferenc Bognar Klavier, wo er 2005 sein klassisches Konzertfach-Diplom mit Auszeichnung abschloss und nahm seit 2000 zusätzlich Unterricht beim New Yorker Jazzpianisten Peter Madsen, der sein Lehrer, Mentor und Freund wurde.
David Helbock spielte Konzerttourneen und Aufnahmen in Länder wie den USA, Mexiko, Russland, Kasachstan, Kirgisistan, China, Mongolei, Südkorea, Philippinen, Indonesien, Malaysia, Indien, Südafrika, Äthiopien, Kenia, Senegal, Marokko, Tunesien, Iran, Brasilien, Argentinien, Chile, Australien und überall in Europa. 
David Helbock ist seit Beginn seiner Musikerlaufbahn außerdem als Komponist sehr aktiv. Zu seinen Werken zählt ein großes „Jahreskompositionsprojekt“ in dem er für ein Jahr lang jeden Tag ein neues Stück geschrieben hat (Anfang 2010 ist das "Personal Realbook" mit über 600 Seiten Musik erschienen