Aki Rissanen (p)
with Antti Lötjönen (b)
& Teppo Mäkynen (dr)

„Art In Motion“ ist das dritte Album des finnischen Pianisten Aki Rissanen und seines langjährigen Trios, bestehend aus dem Bassisten Antti Lötjönen und Schlagzeuger Teppo Mäkynen. Und was für ein Album! Ein Album, das den Einfluss klassischer Musik mit einer Ästhetik verbindet, die an Minimal Techno erinnert, umrahmt von einem ganz eigenen Ansatz des Nordic Jazz. Ein Komplettpaket, das für sich steht. Doch so vielfältig das ist, was wir da auf die Ohren bekommen, so sehr ist es auf den Punkt. Repetitive, hypnotische Hooks, die besagten heterogenen Einflüsse –  bei jedem Album wird deutlicher, dass da drei Musiker „ihren“ kollektiven, unverkennbaren Sound gefunden haben - und wow, ziehen sie den durch.
Aki erklärt das so: "Definitiv ist das Trio in den letzten Jahren zusammengewachsen. Wir sind aktiv auf Tournee gegangen und das hat uns wirklich geholfen, auf einer tiefen Ebene zu kommunizieren und unsere eigene Stimme als Trio zu finden, Album für Album."

„Art In Motion“, zu Deutsch „Kunst in Bewegung“, ist ein Wortspiel um die Initialen des Aki Rissanen Trios - A.R.T. - sowie des Einflusses der Kunstmusik aus dem Repertoire der europäischen Klassik (auf dem Album finden sich zwei Cover des italienischen Renaissancekomponisten Carlo Gesualdo und eines des zeitgenössischen finnischen Komponisten Einojuhani Rautavaara), während sich Akis Kompositionen auf Satie, Pergolesi, Bach, Ligeti und Strawinsky beziehen. Und die Bewegung? "Wir sind eine rhythmisch intensive Band, die sich auf ihr Zusammenspiel konzentriert und die nordische Tradition aus unserer Sicht fortsetzt. Als Jazzmusiker sind wir per definitionem in ständiger Bewegung, denn diese Kunstform steht nie still."
Er fährt fort: "Wir erforschen die Wurzeln des aktuellen europäischen Jazz an den Außengrenzen Europas, und zwar aus unserer Perspektive als finnische Künstler mit nordischem, slawischem und westeuropäischem Erbe". Da schließt sich denn auch der Kreis: Klassisch ausgebildet, aber von Anbeginn seiner Ausbildung interessiert an elektronischen Ausdrucksweisen (die Legende geht, dass er seine beiden ersten Instrumente zeitgleich geschenkt bekommen hat, ein akustisches Piano und einen Synthesizer): Akis Kompositionen sind jetzt rein akustisch – doch sind sie die Essenz all dessen und finden in diesem zusammengewachsenen Trio zu ihrer Perfektion.
Es wäre zu einfach, die komplizierten linkshändigen Passagen, vermischt mit dem warmen und abgerundeten Klang von Anttis Bass und dem subtilen Groove von Teppo, dem Esbjörn Svensson Trio zuzuordnen; oder der komplexen Phrasierung und den klassischen Einflüssen eines Brad Mehldau. Nein, diese Musik trotzt jedem Vergleich. Das Trio hat etwas Eigenes erschaffen, und es wird nicht mehr lang dauern, bis sie zu den ganz großen Pianotrios dieses Kontinents gehören.

***RADIOAPPARAT***

Vom Fress’n, Saufn, Steab’m und anderen Grauslichkeiten!

Eine Expedition ins Goldene Wienerherz! 

„Ich hänge an dieser Stadt und liebe sie mit Hass und mit Zärtlichkeit, mit Grausen und mit Gelächter …“.  
Dieses Zitat stammt aus dem Text "Wiener Gift" von Inge Merkel. Dieser Text ist für mich als gebürtigem Wiener der Ausgangspunkt zu unserer literarischen Reise in die Abgründe meiner Heimatstadt. Es ist eine Höllenfahrt in neun Kapitel, die schonungslos und gleichzeitig humorvoll die dunklen Seite der Wiener Seele offen legt; eben mit Lachen und Grausen.  
Dabei handelt es sich weniger um moderne Texte, als um Klassiker der Literatur aus und über Wien. Immer wieder habe ich mit dem Gedanken gespielt diese Lesung zu „modernisieren“ und immer wieder komme ich letztlich zum Schluss, dass diese Texte, obwohl viele davon bereits mehrere Jahrzehnte alt sind, ihre Gültigkeit nicht verloren haben.  
Wien bleibt Wien, leider nicht nur im gleichnamigen Marsch von Johann Schrammel! 
(Thomas Lackner)

Das Wiener Gift, das einst Inge Merkel versprüht hat, ist der Ausgangspunkt einer musikalisch-literarischen, heiter-makaberen Höllenfahrt in die Abgründe der Wiener Seele, und gleichzeitig der Rote Faden dieser abgründigen Reise.  Der Schauspieler und gebürtige Wiener Thomas Lackner interpretiert Gedichte, Texte und Lieder, unter anderem von Helmuth Qualtinger, Gerhard Bronner, HC Artmann, Alfred Polgar, Christine Nöstlinger, Inge Merkel, Ernst Jandl und einigen anderen, die „ihre“ Heimatstadt Wien geliebt und unter ihr gelitten haben.   Persönliche Erfahrungen und Erlebnisse aus der Stadt im Schatten des Stephansdoms und des Kahlenberges ergänzen dieses kulinarisch-grausliche Programm.  
Am Klavier begleitet wird er von Hans Jörg Sofka oder Fausto Quintaba. 

DAS PROGRAMM: Nix für schwache Nerven! 

Wenn der Wiener an Schas lost /  Die alte Engelmacherin  / Gerhard Bronner  / Ich lig so gean auf wossaleichn  /  Gerhard Rühm 
Wie schön wäre Wien ohne Wiener / Georg Kreisler  / I zuzl  /  Christine Nöstlinger /  Ned jeda Oasch is a Oasch  /  Gerhard Rühm / I scheangl  /  Christine Nöstlinger
Ogrim und gwassad
und und und:
dazwischen immer wieder: 
Wiener Gift, versprüht von Inge Merkel

INGE MERKEL

* 1. Oktober 1922 +  15. Januar 2006
Inge Merkel wird als eine typische Wiener Dichterin bezeichnet. Viele ihrer Texte spielen in dieser Stadt, zu der sie ein ambivalentes Verhältnis hatte. Diese Haltung ist besonders in ihrem Essay „Das Wiener Gift“ (1985) evident, in dem sie die Wiener einer gewissen moralischen Haltlosigkeit beschuldigt, die dazu führt, Spott für Verantwortung, Nörgeln für Handeln und Theater für Leben einzusetzen, denn die Bewohner ihrer Heimatstadt verkehrten nicht mit der Realität und griffen auch nicht ein, wenn sie ein Unrecht bemerkten. Dies ist für Merkel das Gift, das die Seele erschlaffen lässt. Dennoch liebt sie die Stadt, „dieses schwül entnervende, gauklerisch verwirrende, charakterlose und korrupte, dieses dreckige und überständige, von seiner Vergangenheit überfressene und übertrunkene Wien im Schimmel seiner musealen Prostitution (…). Ich hänge an dieser Stadt und liebe sie mit Haß und mit Zärtlichkeit, mit Grauen und Gelächter und mit einer kühlen, sachlichen Traurigkeit, die irgendwo etwas frivol getönt ist.“

Thomas Lackner 

Nach dem Studium der Musikwissenschaften und seiner Ausbildung zum Tontechniker war Thomas Lackner sieben Jahre als Moderator und Produzent für den Kultursender Ö1 tätig.  Seit 2000 ist er als Schauspieler auf den verschiedensten Bühnen des deutschen Sprachraumes zu sehen, davon 2006 bis 2012 als Ensemblemitglied des Tiroler Landestheaters, wo er immer noch regelmäßig gastiert.  
Er gestaltet spartenübergreifende Soloprogramme, Rezitationen, Lesungen mit Musik, Moderationen und Theaterstücke, die Information mit Entertainment verknüpfen, unter anderem im Tiroler Landesmuseum, im Audioversum Science Center Innsbruck, für die Tiroler Wirtschafts-kammer, den Österreichischen Museumsbund, und das Innsbrucker Institut für Quantenoptik und Quanteninformation der Österreichischen Akademie der Wissenschaften.  
Im Rahmen eines Bildungskarenzjahres ließ er sich an der University of London zum Stimm-, Sprech- und Präsentationstrainer ausbilden. Er hat derzeit Lehraufträge an der Universität Innsbruck, der Hochschule für Musik Würzburg, und der FH Gesundheit Innsbruck. Er leitet die WIFI Stimmakademie, und arbeitet im Rahmen von firmeninternen Trainings und Coachings mit Führungskräften und Mitarbeitern im wirtschaftlichen und administrativen Bereich. 

Dass bei Bluatschink ein Ehepaar auf der Bühne sitzt, ist in der Musik-Szene ja doch etwas ganz 
Besonderes. 
Toni Knittel: „Margit stammt aus dem Unteren Lechtal und ich komme aus dem Oberen Lechtal. 
Daher kann man schon sagen, dass wir eine multikulturelle Ehe führen. Aber beim Dialekt sind 
wir uns zum Glück einig – wir singen Oberlechtalerisch! Wer uns erlebt, der weiß: Dies ist die 
Liedermacher-Variante von DIE SCHÖNE UND DAS BIEST! Manche sagen auch DER 
SCHÖNE UND DAS BIEST – aber das sind die mit den ganz dicken Brillen!“ 
Wir würden hier noch ergänzen: Wer die beiden auf der Bühne erlebt, der spürt vom ersten Ton, 
dass die Leidenschaft für die Musik die beiden intensiv verbindet und ihr zweistimmiger Gesang 
und der unverwechselbare Lechtaler Dialekt lassen da eine Magie entstehen, die absolute 
Authentizität ausstrahlt.

Beim neuen Programm erwartet die Konzertbesucher ein Mix aus alten „Schinken“ die in 
Österreich schon wahre Gassenhauer geworden sind wie „A Schalele Kaffee“, „I han di gera“ 
oder „Funka fliaga“ – aber es werden auch viele neue Songs zu hören sein. Und der Titelsong 
„BEI MIR UMS EGG“ bringt auf den Punkt, was dem Musik-Duo ein Anliegen ist: Besinnung 
auf Regionalität und Originalität – auch in kultureller Hinsicht! In einer Zeit, in der Musik immer 
mehr von Computern produziert wird, in der Künstler aus Finnland und Musiker aus den USA 
nicht mehr von einander zu unterscheiden sind, legt Bluatschink großen Wert auf 
Unverwechselbarkeit. Es werden in den Liedern und in den Zwischentexten Geschichten erzählt, 
in denen sich die Konzert-Besucher wiedererkennen. Die urige Naturlandschaft ihrer Lechtaler 
Heimat spiegelt sich in ihrem Dialekt und in ihren Liedern immer wieder aufs Neue! 
Rainhard Mey, Fredl Fesl oder Konstantin Wecker - Toni Knittel stellt eine Mischung aus diesen 
drei Künstlern dar. Er betrachtet die Welt mit einem verschmitzten Lächeln, blödelt liebend gerne 
mit seinem Publikum und so hat der Bluatschink mit seinen Liedern nicht gerade die Welt 
verändert, aber immerhin seinen geliebten Lech-Fluss vor der Verbauung gerettet! 
Zwei Jahrzehnte ist Toni Knittel nun schon als Songwriter maßgeblich dafür verantwortlich, dass 
die Musik dieser Band die Hitparaden der Alpenrepublik gestürmt hat. Und egal, mit welchem 
Programm der kreative Glatzkopf aus dem Lechtal auch unterwegs ist, es wird jedem 
Konzertbesucher schnell klar werden, dass man es hier mit einem Liedermacher der guten alten 
Schule zu tun hat. 
Die Texte sind kritisch, ohne dass mit dem Zeigefinger gefuchtelt wird. Es wird nach Herzenslust 
geblödelt und trotzdem ist das Zeltfest in weiter Ferne. Und es werden berührende Geschichten 
erzählt, die das Leben geschrieben hat und in denen sich das Publikum wiederfindet. 

Vor fünf Jahren trat Lambert zum ersten Mal in Erscheinung oder besser: er ließ von sich hören. Die Person hinter der sardischen Stiermaske bleibt bis heute unerkannt. Gerüchte darüber, wer und was sich hinter dieser Maske verbergen könnte, gibt es zuhauf. Nicht zuletzt deshalb, weil Lamberts Spiel auch international bekannt und gefragt ist. Namhafte Künstler wie zum Beispiel José González, Deichkind und Moderat fragten Reworks ihrer Tracks an und bekamen einzigartige Neuinterpretationen zurück. In den besagten fünf Jahren veröffentlichte Lambert vier Solo-Alben und tourte über den halben Kontinent. Und nachdem er 2018 zwei Alben, eines in Kollaboration mit dem Elektronik-Produzenten Stimming und eines mit dem Chicagoer Folk-Sänger Brooklyn Dekker veröffentlichte, erklang im Mai diesen Jahres nun wieder Lambert in Reinform: alleine und maskiert am Klavier.

Busy days, busy years – so sehr, dass man schon mehr als eine Persönlichkeit hinter diesem Pseudonym vermutete. Gerüchte und Namen sind für Lambert aber nicht mehr als inspirierender Schall und Rauch. Das, was zählt, ist das, was wirklich dahinter steckt: Ein neues Lambert-Album wird diese Geschichte im Herbst 2019 weiterschreiben und tiefer verorten.

Die Klassifizierung des Künstlers und Phänomens namens Lambert in ein enges Genre-Korsett wird durch die genannte Vielseitigkeit nahezu untragbar. Dennoch, der Name fällt oftmals in neoklassischen Zusammenhängen. Möglicherweise weil seine ersten Liveauftritte gemeinsam mit Nils Frahm und Ólafur Arnalds stattfanden. Dabei sprechen Lamberts Harmonien auch eine deutliche, andere Sprache: Melodien zwischen den Beatles und diesem Chopin treffen auf rhythmische Strukturen und mitreissende Bewegungen, die moderne elektronische Tanzmusik referenzieren. Lambert scheint demnach nicht viel darauf zu geben, pop- oder hochkulturell verortet zu werden. Es tut schließlich auch nichts zur Sache, ist es doch so oberflächlich und trügend wie jede Äußerlichkeit.

Festzuhalten bleibt aber, dass Lambert im Gegensatz zur Neoklassik, ihrer Ambienthaftigkeit sowie der konzentrierten Rolle von Fläche und diatonischer Harmonie, sich musikalisch deutlich vielseitiger versteht. Auch schimmert immer wieder ein klares und technisch versiertes Interesse an Musik bis hin zu einem Nerdtum bei ihm durch: Bach und Chopin sind dabei genauso Thema wie Bill Evans, Keith Jarrett und Brad Mehldau. Große Helden, die man nicht hinter jedem seiner Stücke vermuten würde. Denn die im Gegensatz dazu auch zu spürende Eingängigkeit popkultureller Traditionen und Inspirationen machen Lambert zu einem bunten Phänomen, einem gehörnten Pop-Trüffelschweinchen im Matsch der Neoklassik.

Aber die nächsten Arbeiten von Lambert werden die Welt sicher wieder eines Besseren belehren. Denn genauso wie viele Persönlichkeiten hinter dieser Maske stecken könnten, kann ein einziges Genre gewiss nicht genug für diesen Klangkosmos sein. Vielleicht ist dies damit auch die beste Verortung für das versteckt spielende Klavier: überall und nirgends, aber immer genau da.

LAMBERT präsentiert im Treibhaus vor zwei Jahren  sein Album „Stay in the Dark“, das er tatsächlich ausschließlich in der Dunkelheit der Nacht aufgenommen hat. Und so wurde es eine Liebeserklärung an ebensolche – wunderschönes, forschendes Klavierwerk zwischen klassischer Romantik, modernem Minimalismus, modalem Jazz und einer gewissen, Opulenz immer nur andeutenden «Coldplayhaftigkeit». Aus der Not wurde eine Tugend, mit großartigem Ergebnis: LAMBERT fand nur nachts die Zeit, an neuer, eigener Musik zu arbeiten. Weil er tagsüber mit Arbeiten an Film-Soundtracks oder Piano-Re-Works von Deichkind über die Beatsteaks bis Boy beschäftigt war. Oder mit dem Einkauf. Oder Aufräumen. Oder Schlafen…
Schließlich beschloss LAMBERT, fortan nur noch nachts zu komponieren. Damit die Stücke tatsächlich aus einer Stimmung heraus, in einem festgelegten Ambiente, entstehen konnten. Und weil man in der nächtlichen Stadt von einer beinahe wundersamen Stille umgeben ist, in der man als Musiker von kaum einem anderen Sinn abgelenkt ist. Eine Stille und Ruhe, die LAMBERT offenbar vertont hat. Und schon schließt sich der Kreis wieder – zu den ruhelosen Mitt-Dreißigern auf der Suche nach dem richtigen Soundtrack zum Runterkommen. Im Dunkeln oder im Hellen.
Noch vor seinem Solo-Debüt «Lambert» hat der Wahl-Berliner bereits im Hintergrund auf sich aufmerksam gemacht — durch seine minimalen Neuarbeitungen für Bands wie Bonaparte, Ja Panik, Boy oder Me and My Drummer. Sein erstes Album erschien 2014 auf dem Berliner Label Staatsakt und wurde von Nils Frahm gemischt und gemastert. 2015 erschien „Stay in the Dark“

***RADIOAPPARAT***

Der Philosoph unter den Kabarettisten und „Experte für eh alles“ feiert mit 12. Soloprogramm eine bejubelte Premiere.

GUNKL - GÜNTHER PAAL

Zwischen Ist und Soll - Menschsein halt  

Auch interessant: Wir glauben, daß wir Menschen einander verstehen. Mhm. Und wenn man sagt: „Das Unsichtbare bleibt dem Auge meist verborgen.“ nicken die allermeisten gleich einmal in verzückter Betulichkeit so, als hätte man da etwas sehr Kluges gesagt. Die, die nach zwei Sekunden ein stumpfes Stöhnen von sich geben, mit denen ist ein sachlich ergiebiges Gespräch möglich. Die, die weiterhin nicken, sollte man in ihrem Glück lassen.

Der norwegische Komponist und Tubist Daniel Herskedalhat sich ohne Einschränkungen und Konventionen einen Namen als Musiker gemacht, die Grenzen seines Instruments technisch und klanglich erweitert und damit faszinierende und hypnotisierend schöne Musik erschaffen. 
Kompositionsaufträge von beispielsweise dem BBC Concert Orchestra, uraufgeführt beim London Jazz Festival in der Royal Festival Hall, dem Trondheim Jazz Orchestraoder der Royal Norwegian Navy Bandsind ein Teil seines musikalischen Schaffens. Darüber hinaus kennt man ihn von seinem Duo mit Marius Neset, dem Trondheim Jazz Orchestra und Django Bates. 

Daniel Herskedal - tuba and bass trumpet 
Bergmund Waal Skaslien - viola 
Eyolf Dale - piano 
Helge Andreas Norbakken - percussion

Man könnte denken, dass die Tuba nicht das angesagteste Leadinstrument weder in der Klassik noch im Jazz ist. Aber „angesagt“ hin oder her: Wer so viel Musik erschafft, muss zwangsweise auch sein eigenes Projekt auf die Beine stellen und das geschah 2015 mit dem Album Slow Eastbound Train, mit dem Herskedal durch ganz Europa tourte. Die ZEIT bestätigte ihm denn auch: “..[Herskedal] spielt seit seiner Jugend Tuba. Und wie! Mit Herz statt nur mit Witz.. Schmatzend, atmend erhebt sich die verführerische Melodie aus der Tuba.. [und] die Basstrompete säuselt und singt, saugt den Hörer ein, die Reise kann beginnen.” Auch der Nachfolger The Rocveranlasste die Kritiker, den breiten Mix an Einflüssen aus Folk-, Jazz-, Klassik- und arabischen Quellen in den Himmel zu heben, während der nationale Sender France Musique die Gruppe als„eines der einzigartigsten und innovativsten kleinen Ensembles"bezeichnete. 

Sein drittes Album Voyage entpuppt sich als sein bisher prägendstes Album, das atemberaubende Schönheit mit einem erfrischend originellen Sound verbindet. Die Musik ist äußerst melodisch, von rhythmischem Flair und lebendigen Farben durchzogen. Wer Herskedal hört, zweifelt des Hipnessfaktor seines Instruments jedenfalls nicht mehr an. 

DIE ZEIT:

U-, E- und Ö-Musik
Der norwegische Tubist Daniel Herskedal spielt Kammermusik mit orientalischem Einschlag.

Skandinavien steckt seit Jahrzehnten viel Geld in die musikalische Bildung, was inzwischen nicht mehr zu überhören ist. Es kommen immer neue Virtuosen aus dem Norden. Wollte man daran etwas aussetzen, böte sich allenfalls der Umgang großer deutscher Jazzlabels damit an. Skandinavien steht ihnen unisono für Weite und Innerlichkeit, ein Klischee, das so flach und schwer ist wie ein Ikea-Paket.
Wie schön, wenn dann jemand die Dutzendware hinter sich lässt, indem er den Norden in den Orient hinein verlängert, eine Region der Welt, die wir nicht ihres Gemeinsinns wegen bewundern, sondern ob ihrer Entstaatlichung fürchten. Slow Eastbound Train heißt die Suite des Norwegers Daniel Herskedal, was sich übersetzen ließe als "Langsamer Zug in Richtung Osten". Definitiv ist das kein Vogelzug, obschon der 33-Jährige ein schräger Vogel sein muss, denn er spielt seit seiner Jugend Tuba.

Und wie! Mit Herz statt nur mit Witz, zugleich leicht, was das Schwerste sein könnte bei diesem Instrument, das aus der Mode gekommen ist, seit der Jazz von New Orleans nach Chicago zog und die Bässe gezupft statt gepompft werden.
Herskedal spielt mit Eyolf Dale am Piano und dem Perkussionisten Helge Andreas Norbakken. Es ist wichtig, ihre Namen zu nennen, denn er hat sich die beiden Musiker für dieses Album ausgesucht, nicht unbedingt ihre Instrumente; die haben sie mitgebracht. 
Das schrullig Entlegene verflüchtigt sich bereits in den ersten Takten. Das Eröffnungsstück, The Mistral Noir, bemüht in seinem Titel zwar auch eine Naturmetapher, bläst allen Widerstand aber gleich weg. Schmatzend, atmend erhebt sich die verführerische Melodie aus der Tuba, wird elektronisch wiederholt, und Herskedal greift zur Basstrompete, seinem zweiten Instrument, das er sich eigentlich nur mal zugelegt hatte, um auf Reisen im Hotelzimmer besser üben zu können. Die Basstrompete säuselt und singt, saugt den Hörer ein, die Reise kann beginnen. 
Alsbald kommen die Streicher hinzu, pizzicato. Der Komponist Herskedal hat einen Sinn für Rhythmen, und sein Pianist legt pfeffrige Soli hinein. In den Klavierlinien klingt Jazz an, was sich vom Rest der Suite kaum sagen lässt. Die 18 Musiker verschmelzen U, E und Ö, wobei Ö das Östliche bezeichnet. Herskedal war in Serbien, Syrien, Palästina unterwegs. Er ruft uns die Schönheit dieser schwierigen Weltecken in Erinnerung. Gerade vergangenes Wochenende ist er für eine Woche nach Istanbul geflogen, um sich von einem Meister der Oud, der Kurzhalslaute, für das Spielen seiner Tuba inspirieren zu lassen.
Inspiriert haben ihn auch Modest Mussorgskis Bilder einer Ausstellung in der Orchesterfassung von Maurice Ravel. Das vorletzte Stück seiner Suite stammt daraus, Bydlo, der Ochsenkarren.
Wie ergreifend schleppt er sich dahin. Ostwärts, ho!

"Rebekka ist eine ungewöhnliche Künstlerin" schwärmt Wolfgang Muthspiel. Der Tages-Anzeiger formuliert es zielbewusster und aussagekräftiger: "Sie hat eine schöne, außergewöhnlich reine, modulationsfähige Stimme, die man schnell zu kennen glaubt und die dann doch immer wieder andere, neue Facetten zeigt: wenn sie plötzlich warm wird, wenn die jungmädchenhafte Naivität sich als doppelter Boden erweist, wenn sie schnell einmal ein bisschen wie eine Rockröhre loslegt."
“Das Sinnlichste, was weiblicher Jazz zu bieten hat” schrieb PRINZ, und die Welt erkannte “die Aura hat einen Namen: Rebekka Bakken”. Der Konzertkritiker der FAZ schwärmte von der “bis unter die Haarspitzen erotischen Frau” als “Schöne der Nacht und größte Entdeckung”, und nicht zuletzt in der Süddeutschen Zeitung war zu lesen: “Dass einem Rebekka Bakkens Stimme die Sprache verschlägt, hat sich herumgesprochen”.

Rebekka Bakken zählt ohne Zweifel zu den markantesten weiblichen Stimmen Europas. Ihr Stil umfasst mehrere Genres und „nur“ mit Jazz ist es bei ihr nicht getan: es kann bei Bakken auch ruhig mal soulig, tief eintauchend in einen erdigen Blues –sogar folkig oder Country-nah klingen. Über drei Oktaven kann die Norwegerin singen, aber Virtuosität steht bei ihr nicht im Mittelpunkt. Vielmehr ist für Bakken ihre Stimmbreite nur ein Werkzeug um ihre Geschichten zu vermitteln.
Als Singer-Songwriterin spielen ihre Texte eine genauso so große Rolle wie ihre Musik. Einer ihrer wirklich großen Stärken ist die Einzigartigkeit mit der sie Emotionen rüber bringen, und auf ihren Konzerten das Publikum jedes Mal aufs Neue in einem magischen Bann versetzen kann. Mal friedlich sanft und gleich im nächsten Moment rau und voller Wucht singt sie melancholisch oder gelassen cool über die wichtigen Themen im Leben. 

Schon seit ihren Anfängen begeistert Bakken Kritiker und Publikum, für ihr Debütalbum „The Art of How to Fall“ bekam sie 2003 sogleich zwei goldenen Schallplatten in Deutschland und Österreich. Seit dem brillanten Karriereeinstieg ist Bakken erfolgreich geblieben. U.a. hat die Norwegerin in ihrer Karriere zwei weitere goldene Schallplatten in Deutschland, mehrere ECHO Jazz Nominierungen und den Amadeus Award, den wichtigsten österreichischen Musikpreis, gewonnen. Kaum eine Europäische Sängerin hat im letzten Jahr soviel Interesse erregt und soviel Zuspruch gefunden, wie Rebekka Bakken. In einer fast unüberschaubar gewordenen Musikszene strahlte sie fast beiläufig hervor wie selten gewordenes Edelmetall. 

Die Kritik überhäuft sie mit Superlativen: „ Bis unter die Haarspitzen erotisch“ (FAZ), “Die Gesangssensation des Jahres “ (AZ), „Unerhört gut“ (Die Welt), „ Einfach nur schön“, ( Brigitte) u.a. Hervorragende Verkaufszahlen Ihrer euphorisch gefeierten Debut CD „The Art of How to Fall“, der zweite CD „Is That You“ und der dritte CD „ I keep my Cool“ setzte diesen Erfolg weiter fort. Ausverkaufte Konzerte, begeisterte Zuhörer in ganz Europa sind Beleg hierfür.
Eine Stimme ist eine Stimme, egal was sie sagt oder singt. Aber eine Stimme, zumal eine schöne, einnehmende und sinnliche, die etwas zu sagen hat, ist viel mehr. Mehr an und für sich, aber vor allem aufregender, berührender, bewegender und wertvoller. Es gibt Interpreten, bei denen man vom ersten Song an das Gefühl hat, sie zu kennen. Eine solche Sängerin ist Rebekka Bakken. Das liegt nicht nur an der intimen und offenen Art mit der sie ihre selbstbewussten und eleganten Zeilen und Melodien schreibt und singt. Ihre poetischen Geschichten über das Leben und die Liebe, Geben und Aufgeben, bauen eine echte Verbindung zwischen ihr und dem Zuhörer auf. Je mehr man Rebekka Bakken versteht, umso mehr fühlt man sich selbst verstanden. Und umso mehr versteht man.
Indem sie die Qualitäten ihres Liederschreibens weiterentwickelt, indem sie Spaß mit Gesangsharmonien und Inspiration in einem sich stetig erweiternden musikalischen Kontext findet, zeigt sie sich als starke und individuelle Stimme im besten Sinne der großen Singer/Songwriter-Tradition.

Rebekka Bakken schreibt und singt aus tiefster Überzeugung, ohne Hemmung und Zensur, instinktiv und offen. Ihre Songs sprechen einen an wie ein Freund, der einem, indem er seine Gedanken, Visionen und Konzepte mitteilt, nicht nur das Gefühl gibt, verstanden zu werden, sondern auch dabei hilft sich selbst zu verstehen. Nicht mehr und kein bisschen weniger macht Rebekka Bakken und ihre künstlerische Stimme so besonders. 

"Rebekka ist eine ungewöhnliche Künstlerin" schwärmt Wolfgang Muthspiel. Der Tages-Anzeiger formuliert es zielbewusster und aussagekräftiger: "Sie hat eine schöne, außergewöhnlich reine, modulationsfähige Stimme, die man schnell zu kennen glaubt und die dann doch immer wieder andere, neue Facetten zeigt: wenn sie plötzlich warm wird, wenn die jungmädchenhafte Naivität sich als doppelter Boden erweist, wenn sie schnell einmal ein bisschen wie eine Rockröhre loslegt."
“Das Sinnlichste, was weiblicher Jazz zu bieten hat” schrieb PRINZ, und die Welt erkannte “die Aura hat einen Namen: Rebekka Bakken”. Der Konzertkritiker der FAZ schwärmte von der “bis unter die Haarspitzen erotischen Frau” als “Schöne der Nacht und größte Entdeckung”, und nicht zuletzt in der Süddeutschen Zeitung war zu lesen: “Dass einem Rebekka Bakkens Stimme die Sprache verschlägt, hat sich herumgesprochen”.

Rebekka Bakken zählt ohne Zweifel zu den markantesten weiblichen Stimmen Europas. Ihr Stil umfasst mehrere Genres und „nur“ mit Jazz ist es bei ihr nicht getan: es kann bei Bakken auch ruhig mal soulig, tief eintauchend in einen erdigen Blues –sogar folkig oder Country-nah klingen. Über drei Oktaven kann die Norwegerin singen, aber Virtuosität steht bei ihr nicht im Mittelpunkt. Vielmehr ist für Bakken ihre Stimmbreite nur ein Werkzeug um ihre Geschichten zu vermitteln.
Als Singer-Songwriterin spielen ihre Texte eine genauso so große Rolle wie ihre Musik. Einer ihrer wirklich großen Stärken ist die Einzigartigkeit mit der sie Emotionen rüber bringen, und auf ihren Konzerten das Publikum jedes Mal aufs Neue in einem magischen Bann versetzen kann. Mal friedlich sanft und gleich im nächsten Moment rau und voller Wucht singt sie melancholisch oder gelassen cool über die wichtigen Themen im Leben. 

Schon seit ihren Anfängen begeistert Bakken Kritiker und Publikum, für ihr Debütalbum „The Art of How to Fall“ bekam sie 2003 sogleich zwei goldenen Schallplatten in Deutschland und Österreich. Seit dem brillanten Karriereeinstieg ist Bakken erfolgreich geblieben. U.a. hat die Norwegerin in ihrer Karriere zwei weitere goldene Schallplatten in Deutschland, mehrere ECHO Jazz Nominierungen und den Amadeus Award, den wichtigsten österreichischen Musikpreis, gewonnen. Kaum eine Europäische Sängerin hat im letzten Jahr soviel Interesse erregt und soviel Zuspruch gefunden, wie Rebekka Bakken. In einer fast unüberschaubar gewordenen Musikszene strahlte sie fast beiläufig hervor wie selten gewordenes Edelmetall. 

Die Kritik überhäuft sie mit Superlativen: „ Bis unter die Haarspitzen erotisch“ (FAZ), “Die Gesangssensation des Jahres “ (AZ), „Unerhört gut“ (Die Welt), „ Einfach nur schön“, ( Brigitte) u.a. Hervorragende Verkaufszahlen Ihrer euphorisch gefeierten Debut CD „The Art of How to Fall“, der zweite CD „Is That You“ und der dritte CD „ I keep my Cool“ setzte diesen Erfolg weiter fort. Ausverkaufte Konzerte, begeisterte Zuhörer in ganz Europa sind Beleg hierfür.
Eine Stimme ist eine Stimme, egal was sie sagt oder singt. Aber eine Stimme, zumal eine schöne, einnehmende und sinnliche, die etwas zu sagen hat, ist viel mehr. Mehr an und für sich, aber vor allem aufregender, berührender, bewegender und wertvoller. Es gibt Interpreten, bei denen man vom ersten Song an das Gefühl hat, sie zu kennen. Eine solche Sängerin ist Rebekka Bakken. Das liegt nicht nur an der intimen und offenen Art mit der sie ihre selbstbewussten und eleganten Zeilen und Melodien schreibt und singt. Ihre poetischen Geschichten über das Leben und die Liebe, Geben und Aufgeben, bauen eine echte Verbindung zwischen ihr und dem Zuhörer auf. Je mehr man Rebekka Bakken versteht, umso mehr fühlt man sich selbst verstanden. Und umso mehr versteht man.
Indem sie die Qualitäten ihres Liederschreibens weiterentwickelt, indem sie Spaß mit Gesangsharmonien und Inspiration in einem sich stetig erweiternden musikalischen Kontext findet, zeigt sie sich als starke und individuelle Stimme im besten Sinne der großen Singer/Songwriter-Tradition.

Rebekka Bakken schreibt und singt aus tiefster Überzeugung, ohne Hemmung und Zensur, instinktiv und offen. Ihre Songs sprechen einen an wie ein Freund, der einem, indem er seine Gedanken, Visionen und Konzepte mitteilt, nicht nur das Gefühl gibt, verstanden zu werden, sondern auch dabei hilft sich selbst zu verstehen. Nicht mehr und kein bisschen weniger macht Rebekka Bakken und ihre künstlerische Stimme so besonders. 

ULF WAKENIUS

Ulf Wakenius gilt als einer der weltweit besten Jazzgitarristen.
Jahrelang spielte er u.a. im Quartett von Oscar Peterson, der Wakenius hoch schätzte.
Wakeniusbegeisterte sich anfangs für Blues- und Rockgitarristen. Seinen Übergang zum Jazzschreibt Wakenius in einem Interview dem Hören von John McLaughlin indessen Mahavishnu Orchestra zu. In den 1980er Jahren spielte er mit PeterAlmqvist in Guitars Unlimited und vertrat mit ihm 1985 Schweden beim Melody GrandPrix. Aus einem Aufenthalt in Rio de Janeiro entstand 1987 das Album Let’sVamos (Sonet) mit dem brasilianischen Akkordeonspieler Sivuca. Um diese Zeitbegann auch die Zusammenarbeit mit dem dänischen Bassisten Niels-HenningØrsted Pedersen, mit dem er mehrere Platten bei Verve veröffentlichte (This is all Iask, 1998, Those who were, 1996). Anfang der 1990er Jahre nahm er mit seinereigenen Ulf Wakenius Group auf (u. a. mit dem Trompeter Randy Brecker und demSchlagzeuger Jack DeJohnette). Im Laufe der Zeit spielte er mit zahlreichenJazzmusikern wie Steve Coleman, Gary Thomas, Herbie Hancock, RoyHargrove, Milt Jackson, Joe Henderson, Art Farmer, Toots Thielemans, DennisChambers. Auf der JazzBaltica 2003 spielte er mit Pat Metheny .Ab 1997 war er Mitglied des Quartetts von Oscar Peterson (Summernight in Munich, Telarc, 1999, Trail of Dreams, Telarc 2000 mit Michel Legrand). Mit dem Trio von dessen ehemaligem Bassisten Ray Brown nahm er mehrere Alben auf: Summertime (1998), Seven steps to heaven (1999) und Some of my best friends are guitarplayers (Telarc, 2001, neben Wakenius auch Herb Ellis, John Pizzarelli, Russell Malone, Kenny Burrell; mit Browns Trio ist er auch auf einer Duke-Ellington-Tribut-Platte Duke Ellington Swings, Telarc 1999, mit Brown’s Trio zu hören).2005 erhielt er den schwedischen Jazzpreis Django d’Or.

GARY HUSBAND

Der englische Schlagzeuger Gary Husband gilt auch als virtuoser Keyboarder.Husband erhielt ab dem Alter von sieben Jahren Klavierunterricht; sein Vater, einFlötist und Komponist, unterrichtete ihn in Musiktheorie. Dem Schlagzeug wendete ersich mit zehn Jahren zu. Er ist seit den späten 1970er Jahren in London ansässig,wo er mit Gordon Beck, Jim Mullen und Barbara Thompson arbeitete. Mit AllanHoldsworth war er mehrfach auf Tournee und an Einspielungenwie I.O.U. oder Wardenclyffe Tower beteiligt. Sein Soloalbum The Things I See greiftHoldsworths Musik auf. Er gründete eigene Bands wie Force Majeure (mit JerryGoodman) und Drive. Weiterhin arbeitete er auch mit John McLaughlin, BillyCobham, Ken Stubbs, Olga Konkova, Level 42, Jack Bruce und in Deutschland mitder NDR Bigband und der hr-Bigband. Seit mehreren Jahren bildet er auch ein Triomit Christof Lauer und Michel Godard. 

PER MATHISEN

Per Mathisen – The Bass Viking – ist seit 1994 eine fixe Größe in Norwegen. Er wird manchmal auch als norwegischer Jaco Pastorius am E-bass oder Niels Henning Ørsted Perdersen am akustischen Bass bezeichnet. International hat er sich ebenfalls einen Namen gemacht: er spielte schon unter anderen mit Mike Stern, Bill Evans, Jojo Mayer, Ralph Peterson, Maria João und Nguyên Lê. Mathisen hat jede Menge Aufnahmen veröffentlicht und ist an vielen Band- Projekten beteiligt, zum Beispiel an der erfolgreichen norwegischen Rock-Band „Dance with a stranger“.

Der Bayerische Rundfunk bezeichnet den in Niederbayern aufgewachsenen Martin Frank als „unbandige Rampensau“, die Süddeutsche Zeitung als „großes Nachwuchstalent“. Kein Wunder, dass Monika Gruber ihn  regelmäßig als „Zivi“ zur Verstärkung mit auf die Bühne holt.

Aber er kann’s auch ganz allein: Bühne, Mikrofon, eine ausgebildete Stimme, eine große Leidenschaft für klassische Musik, mehr braucht der in Niederbayern geborene Komiker nicht um seine Zuschauer köstlich zu unterhalten. Also ein bisschen Publikum wäre schon auch noch schön. „Es kommt dann eh wie’s kommt und was nicht kommt, braucht’s auch nicht!“, meint Martin und los geht’s, mitten aus dem Leben gegriffen, ein bisschen autobiografisch mit kritischem Blick auf die derzeitige Gesellschaft.

Da hat sich der junge Martin schon so manches Mal überlegt, ob er sich ohne Bachelor überhaupt noch auf die Straße trauen darf? Und wie geht so eine Karriere dann weiter, wenn man schleimtechnisch nicht mit Schnecken mithalten kann? „Wurscht sei dir nichts; egal doch vieles.“ Dieser Satz aus einem Glückskeks hat ihm schon oft den Tag gerettet und diesen will er auch seinen Gästen mit auf den Weg geben. Auch andere philosophische Fragen wie: „Ist anonymes Wohnen Fluch oder Segen?“ werden an diesem Abend beleuchtet.

Zum Glück haben einige Musikhochschulen seine Bewerbung abgelehnt. So bleibt er den großen Opernhäusern fern und beansprucht die Ohren seiner Zuhörer in den Kleinkunstbühnen.

Martin Frank wurde 1992 in Hutthurm (Lkrs. Passau) geboren. Aufgewachsen auf dem elterlichen Bauernhof absolvierte er 2009 eine Ausbildung zum Verwaltungsfachangestellten und anschließend eine Weiterbildung zum Standesbeamten. Künstlerisch tobte er sich mit Klavierunterricht, Kirchenchor und Volkstheater auf der Heimatbühne seit seinem 12. Lebensjahr aus. 

Schnell wurde ihm klar, dass er sich mehr und mehr der Kunst widmen möchte und absolvierte eine Ausbildung zum Kirchenorganisten und schloss sich dem Jugendclub des Stadttheaters Passau an. 

Im Alter von 16 Jahren stellte er sich zum ersten Mal mit selbstverfassten Texten auf die Bühne. Mit 21 setzte er alles auf eine Karte und kündigte seinen Job im Standesamt, holte sein Abitur nach und sprach an der Schauspielschule Zerboni in München vor. Trotz seines massiven Sprachfehlers (bairischer Dialekt) wurde er aufgenommen und schloss seine Schauspielausbildung 2017 nach drei Jahren erfolgreich ab. 

Während dieser Zeit war der Bühnendrang jedoch so groß, dass er im Oktober 2015 sein erstes Soloprogramm "Alles ein bisschen anders – Vom Land in d’Stadt" im ausverkauften Münchner Schlachthof (es war allerdings der kleinste verfügbare Raum) präsentierte. Das sehr autobiografische Programm stieß auf große Resonanz und wurde mehrfach ausgezeichnet. 

Nach der Schauspielschule folgte ein erstes Theaterengagement im Münchner Lustspielhaus, dort spielt er bis heute die Titelrolle in "Siegfried – Götterschweiß und Heldenblut" unter der Regie von Gabi Rothmüller. Das Stück steht bis auf weiteres im Spielplan. Außerdem ist er seit Dezember 2017 regelmäßig als Außenreporter bei Schleichfernsehen im BR Fernsehen zu sehen. 

Im März 2018 erschien dann sein zweite Soloprogramm „Es kommt wie’s kommt!“. Ebenfalls 2018 wurde er mit dem Bayerischen Kabarettpreis in der Kategorie Senkrechtstarter ausgezeichnet. Auch jenseits des Weißwurstäquators findet man den Niederbayern amüsant und überreichte ihm 2019 den „Prix Pantheon“ in Bonn, sowie den Publikums- und Jurypreis des Großen Kleinkunstfestivals in Berlin. 

Seit Januar 2020 hört man Martin wöchentlich als Comedian auf Antenne Bayern. Außerdem erschien im Januar im Rowohlt-Verlag sein erstes Buch „Der famose Freistaat – Bayern verstehen für Anfänger und Fortgeschrittene“, das er zusammen mit seiner großartigen Kollegin Franziska Wanninger geschrieben hat.

***RADIOAPPARAT***