Als Vertreter der klassischen persischen Musik erweitert das Trio um Djamschid Chemirani und seine beiden Söhne Keyvan und Bijan den musikalischen Horizont, indem es Klänge und Emotionen unterschiedlichster kultureller Traditionen der Welt auf überzeugende Weise zu integrieren versteht. Hierbei entsteht etwas, das seinen Nachhall nicht nur im Körper findet, sondern auch im Geist. Auch wenn Jamschid Chemirani in klassischer persischer Musik ausgebildet wurde, so hat er sich doch nie ausschließlich auf dieses Genre beschränkt. Bereits im Jahr 1985 arbeitete er mit dem berühmten britischen Regisseur Peter Brook an dessen Produktion der "Mahabharata", des indischen Epos vom Leben der Götter.

Chemiranis Söhne wurden, so zeigte sich, nicht nur von der Musik ihres Vaters beeinflusst, sondern auch von seiner Neugier auf andere musikalische Ausdrucksformen, was sie schließlich dazu veranlasste, sich intensiver mit fremden musikalischen Traditionen zu befassen. Dabei interessierten sie sich aber nicht ausschließlich für die Musik, sondern studierten außerdem Sprachen und erforschten, in welcher Weise sich kulturelle Sprachmuster auf Musik auswirken können, wenn unterschiedliche Musiker zusammenarbeiten.

Was bei "ihnen  zusammenfließt, sind die Studien der Söhne und die musikalische Tradition des Vaters. Während die Instrumente Zarb (oder Tombak), eine traditionelle hölzerne Bechertrommel, von allen drei Musikern gespielt wird, spielt der jüngere der beiden Brüder auch die Daf, eine persische Rahmentrommel. Gelegentlich wird die Perkussion noch angereichert durch einen von Keyvan gespielten persischen Santur, ein Instrument, das mit Holzschlägeln gespielt wird und mit dem europäischen Hackbrett verwandt ist, sowie durch seinen Bruder Bijan, wenn er die Saz (oder Baglama) spielt, ein viersaitiges Instrument mit langem Hals.

So kreirt das Trio  einen universellen Rhythmus, der sich in eine universelle Sprache übertragen lässt. Auch wenn jeder Hörer seinen eigenen Geschmack und eigene Vorlieben haben mag, so wird doch jeder in der Musik etwas für sich entdecken.Wenn man diesen drei Männern beim Musizieren zuhört, ist man unweigerlich fasziniert von der Klangvielfalt und vom Reichtum an Emotionen, die sie mit so wenigen und einfachen Instrumenten zu transportieren in der Lage sind. Jedes Lied ist wie ein kunstvoll gestalteter Teppich, gewebt aus rhythmischen Mustern, mit denen ein Bild voller Schönheit erschaffen wird.

Djamchid Chemirani

Djamchid Chemirani ist ein 1942 in Teheran geborener Musiker. Sein großes Improvisationstalent in Verbindung mit einer tadellosen Technik macht ihn zu einem gesuchten Interpreten unter den Perkussionisten. Er nahm schon in sehr jungen Jahren Zarb-Unterricht bei dem Meister Hossein Teherani, der den Wandel des Zarb vom Begleitinstrument zum Soloinstrument vorantrieb. Er war ein überaus begabter Schüler, so dass er seinen Lehrer regelmäßig bei Konzerten im iranischen Rundfunk und Fernsehen vertrat. Schnell war er als sein würdiger Nachfolger anerkannt; er begann eine internationale Karriere und trat schon bald an der Seite der bedeutendsten persischen Meister auf (Darioush Tala’i, Majid Kiani...). 1961 ließ er sich in Frankreich nieder, und das französische Publikum hatte Gelegenheit, ihn in zahlreichen Konzerten im Théâtre de la Ville zu entdecken. Er erschloss dem Instrument neue Ausdrucksformen wie das Theater – er war an Mahabharata von Peter Brook beteiligt –, den Tanz (Maurice Béjart, Carolyn Carlson), den Jazz und die Musik des Mittelalters (Clemencic Consort...). Er hat zahlreiche Musiker in den Techniken des Zarb unterwiesen, u.a. Jean-Pierre Drouet, den Komponisten zeitgenössischer Musik, mit dem er gelegentlich auftritt, und Bruno Caillat. Seine vielversprechendsten Schüler waren aber seine Söhne Bijan und Keyvan. Neben dem Zarb spielen seine beiden Söhne auch andere orientalische Perkussionsinstrumente, etwa den Daf, den Bendir und den Udu. Ihr Trio, dessen Stärke, wie man sich denken kann, ihre starke Verbundenheit ist, ist die Attraktion der Weltmusikfestivals und hat in aller Welt Erfolg (Sydney Opera House, Oper Peking, Oper Taiwan, Vereinigte Staaten, Europa...). Virtuos und stets offen für Neues, war es an zahlreichen Produktionen in den verschiedensten Bereichen der Musik beteiligt.

Bijan Chemirani

Mitte der 80er Jahre griff Bijan Chemirani im Alter von 7 Jahren erstmals nach einem Musikinstrument. Was seine Finger damals dem Zarb aus Pappmaché entlockten, den sein Vater aus dem Iran mitgebracht hatte, war ein alles andere als vollkommener Rhythmus, aber nachdem er lange genug zugehört, beobachtet und geübt hatte, wurde Bijan wie sein Vater und sein Bruder  Keyvan ein Meister des Zarb. Er studierte den Zarb allein mit seinem Vater oder im Trio mit seinem älteren Bruder Keyvan. Ende der 90er Jahre hielten Djamchid und Keyvan die Zeit für gekommen, mit Bijan das Trio Chemirani zu gründen. Ihr virtuoses Zusammenspiel setzt die Liebhaber traditioneller Musik ebenso in Erstaunen wie erfahrene Musikliebhaber. Sie haben Freude am Unerwarteten und suchen die Zusammenarbeit mit anderen Musikern. Die Begegnung mit dem auf Kreta lebenden irischen Musiker Ross Daly war von ganz besonderer Bedeutung. Seiner Meinung nach „sollte sich die traditionelle Musik vom Erfindungsreichtum der Musiker von heute ebenso befruchten lassen wie durch die Kenntnis der Vergangenheit“. Diese Philosophie war für Bijan ein Aha-Erlebnis. Der in Marseille lebende Bijan war dem imaginären Mittelmeer-Reisenden ebenso nahe wie den jungen okzitanischen Musikern, die Form und Inhalt ihrer Musik erforschen. Sein 2001 erschienenes Album Gulistan ist ein Spiegel seiner künstlerischen Entwicklung. Beteiligt waren sein Bruder und sein Vater, Ross Daly und der Grieche Socratis Sinopoulos, aber auch der Komponist Henri Agnel und der okzitanische Sänger Manu Théron. Ein Jahr später auf Eos hat sich seine Arbeit als Komponist verfeinert und sein Horizont erweitert. Neben den Perkussionsinstrumenten spielt er nun die Laute Saz. Es wirken mit: der senegalesische Sänger Pape N’Diaye, der Multiinstrumentalist Loy Ehrlich, der Jazzgitarrist Pierre Ruiz, der Spieler des armenischen Duduk Levon Minassian, seine Schwestern Mardjane und Maryam Gesang und vor allem der Kreter Stelios Petrakis. Mit diesem ehemaligen Schüler von Ross Daly setzt er die Klangabenteuer fort, und es erscheint die Duo-CD Kismet. Das Ansehen Bijans nimmt zu, und es häufen sich die Projekte der Zusammenarbeit mit anderen Musikern. Seine Fingerfertigkeit und sein breites künstlerisches Spektrum machen ihn für Künstler wie den Saxophonisten Jean-Marc Padovani, den Klarinettisten Yom, den Mandolinenspieler Patrick Vaillant, den Flamencogitarristen Juan Carmona, die marokkanische Sängerin Amina Alaoui, die bretonische Sängerin Annie Ebrel und den in Marseille lebenden Sam Karpienia attraktiv. Selbst Serge Teyssot-Gay, früher Mitglied von Noir Désir, und Sting von Police machen sich seine Vielseitigkeit zunutze. 2007 gründet er zusammen mit seiner Schwester Maryam und der griechischen Sängerin Maria Simoglou, dem Nay-Spieler Harris Lambrakis, dem Gitarristen Kevin Seddiki und dem Drehleierspieler Pierlo Bertolino die Gruppe Oneira. Als Experimentierfeld der Begegnung der Musiktraditionen und gemeinsamer Träume, wo jeder sich einbringt mit seinem Einfallsreichtum und seinem Talent, bringt Oneira 2009 ein erstes Album heraus, Si La Mar, auf das 2012 Tâle Yâd folgt. Daneben findet Bijan immer noch Zeit, mit dem Familientrio zu spielen, mit dem Trio Lopez, Petrakis, Chemirani, dem Forabandit-Projekt, in dem sich der Gründer von Dupain, Sam Karpienia, und der türkische Musiker Ulaş Ozdemir zusammengefunden haben, und auch noch, in seinem eigenen Tempo an einem Soloprojekt zu arbeiten.

Keyvan Chemirani

Keyvan ist auf den Höhen des Hügellands von Manosque in den Alpes de Hautes Provence aufgewachsen und nahm begierig die Musik des Orients und des Mittelmeers in sich auf. Sein Vater und Lehrer Djamchid Chemirani gab das traditionelle Wissen an ihn weiter. Keyvan spielte den Zarb (oder Tombak), den iranischen Daf, den Udu sowie den Bendir und den Riqq. Mit seinem Vater und Lehrer Djamchid und seinem Bruder Bijan bildete er das Trio Chemirani, und sie traten in aller Welt auf. Das Trio führte seinem Publikum die unendlichen Möglichkeiten der persischen Perkussionsinstrumente vor. Von den modalen Musikformen des Mittelmeers und den berühmten Interpreten des Jazz gleichermaßen beeinflusst, versuchte er eine diesen ungleichartigen Musikkulturen gemeinsame Klangsprache zu finden. Als der produktive und vielseitig interessierte Musiker, der er war, engagierte sich Keyvan Chemirani in sehr erfolgreichen Gemeinschaftsprojekten mit dem Ensemble Kudsi Erguner (osmanische Musik), dem Ensemble von Ross Daly (griechische und türkische Musik), Eric Marchand und Titi Robin, Françoise Atlan (jüdisch-spanische Instrumental- und Vokalmusik), Juan Carmona (Flamenco) wie auch mit Jazz-Formationen, Ensembles der zeitgenössischen oder der improvisierten Musik. Er arbeitet schon seit einigen Jahren mit Renaud Garcia Fons und Sylvain Luc zusammen. Die erste eigene Produktion Keyvan Chemiranis, Le Rythme de la parole, kam 2004 heraus, ein anspruchsvolles Projekt, für das er Gastmusiker der verschiedensten Musikgenres um sich scharte. Auf dieses erste Projekt folgte 2006 Rythme de la parole II, das Ali Reza Ghorbani, Nahawa Doumbia und Sudha Raghunathan, drei Sänger von Weltgeltung, in Szene setzte, jeder Vertreter einer Vokaltradition. Beim Festival International des Musiques Nomades 2005 lernte Keyvan Chemirani den mauretanischen Sänger Mohamed Salem Ould Meydah kennen. Dieser musikalische „coup de foudre“ führte zu dem Projekt „Tahawol“, einer Begegnung, wie es sie noch nie gegeben hatte, zwischen persischen Perkussionsinstrumenten, Flamenco in Tanz und Gesang und mauretanischem Gesang. Durch seine Teilnahme an Projekten in Royaumont, bei denen orale Slam-Poetry und musikalisches Experiment zusammentreffen – „Slam et percussions“ (Erstaufführung 2005 mit Serge Teyssot Gay, Bijan Chemirani, Frederic Netcheverlian und Mike Ladd) und „Slam et souffle“ (Erstaufführung 2006 mit Felix J., Nada und Abdel Haq Aïd Saïd) – übertrug Keyvan Chemirani die von ihm angeregte Verknüpfung prosodischer und musikalischer Strukturen mehrerer Gesangssprachen auf Genres der zeitgenössischen und der urbanen Musik. Wichtigstes Ereignis im Jahr 2008 war seine Begegnung mit dem indischen Tabla von Pandit Anindo Chatterjee, die in der CD Battements au coeur de l’Orient konkretisiert wurde. Die persischen Perkussionsinstrumente als eine Syntax aufzufassen, die auf die Musik oraler oder schriftlicher Traditionen der ganzen Welt angewandt und künstlerisch nutzbar gemacht werden kann: das ist das hochgesteckte Ziel und der faszinierende Weg, den Keyvan Chemirani geht, um nach und nach das persische Musikerbe, das ihm sein Vater Djamchid Chemirani vermittelt hat, in Musikschöpfungen verschiedenster Formen zu verwandeln. Deshalb kann er im Alter von 39 Jahren nun selbst das Vermächtnis der oralen Tradition unterrichten und doch eine zeitgemäße Ausrichtung im Auge behalten.

der autodidaktische Multiinstrumentalist aus Israel ist ein kreatives Naturwunder, das einen Raum im Handumdrehen verzaubern kann. Inspiriert von Bach, Sting, Bobby McFerrin oder Chick Corea präsentiert er sich als Komponist ohne musikalische Grenzen.  Ein Mann am besten Weg sein Instrument vom traditionellen Hintergrund an den wohl verdienten vorderen Rand der Bühne zu bewegen.
In den vergangenen Jahren hat Adam sein Handwerk in neue, aufregende Richtungen entwickelt und in der heutigen internationalen Musiklandschaft einen einzigartigen Platz gefunden, wobei ihm sowohl sein Songwriting als auch sein musikalisches Können Erfolg bereiten.

Der Begriff "Multi-Instrumentalist" wird oft überstrapaziert, aber in diesem Fall könnte er nicht passender sein. Adam begann im Alter von fünf Jahren Violine zu spielen und mit neun Jahren Gitarre. Im Laufe der Jahre erweiterte er, zu einem Großteil autodidaktisch, sein „Arsenal“ mit Klavier, Klarinette, Oud, Flöte und Cajon. Allerdings war es im Alter von 16 Jahren eine Einführung in das Spiel des Kontrabasses, die wirklich sein Leben veränderte, als er sich sofort in den reichen Klang des Instruments verliebte.

Inspiriert von so vielfältigen Helden, wie Bach, Sting, Bobby McFerrin oder Chick Corea, entschied sich Adam seine Kompositionen, unabhängig vom musikalischem Werkzeug, „aktuell“ zu machen. Er erweiterte seine musikalische Palette bewusst und konsequent um neue Farben und Elementen von Jazz, Latin, wie auch mediterraner Musik.
Unabhängig ob Adam original Material oder seine wunderbar gearbeiteten Cover-Arrangements spielt, ist Adam Ben Ezra wie eine schöpferische Kraft der Natur, die einen Raum voller Fremder in einem Moment in lebenslange Fans verwandeln kann. Egal, ob er Solo, als Duo oder als Teil seines Trios mit Gitarre und Percussion spielt, sind keine zwei Shows dieselben, da er sich gekonnt von einem Instrument zum nächsten bewegt, manchmal im selben Lied, ohne jemals einen Schlag zu verpassen. Mit einer klugen Kombination von Effekten und Pedalen, transformiert Adam seine „Notizen“ zu einem Loop, mit dem Ziel eine authentische Klangwand zu erzeugen, die einem kleinen Orchester würdig wäre. Verbunden mit vermehrten Anfragen nach internationalen Auftritten und der Notwendigkeit sein Instrument weiter zu entwickeln, ließ Adam einen besonderen, einzigartigen 5-Saiten-Bass fertigen, mit einem ungewöhnlichen, abnehmbaren Neck-Setup, der ihm bei seinen Reisen eine neue Flexibilität ermöglichte.

Mit seinem YouTube-Kanal mit knapp zehn Millionen Views und einem starken Einsatz auf allen Social-Media-Plattformen ist es klar, dass Adam ein Bonafide-Star in der Internet-Welt ist. Allerdings ist sein Erfolg nicht auf die virtuelle Welt des Web beschränkt. 2015 erwies sich als Durchbruch mit zahlreichen und bemerkenswerten Aufführungen auf der ganzen Welt. Fusion-Giganten der letzten Jahrzehnte, wie Pat Metheny, Victor Wooten, Richard Bona oder Mike Stern luden ihn ein die Bühne mit ihnen zu teilen.
Adam hat viel als Solokünstler vollbracht. Mit seinem Debütalbum "Can not Stop Running" präsentierte er sich nicht nur ein virtuoser Darsteller, sondern auch als sensibler Komponist ohne musikalische Grenzen, der Elemente von Jazz, Rock und Weltmusik, um spannende, faszinierende und vielseitige neue Facetten kombiniert.

Universal Love ist das lang ersehnte 2. Studioalbum der preisgekrönten Londoner Sängerin Jennifer John und des international umtriebigen Bassisten Philipp Moll. Nach genau 10 Jahren Pause fungieren die beiden erneut in ihrer Zusammenarbeit als KILLERFERNANDEZ. Ihr Erstling Feitaboogie erinnerte an „Mo Wax, Ninja Tune, Lali Puna – beat box & hammond organs all wrapped up in terrific songs“ (Rough Trade) und führte die Band 2011 auf Tourneen durch das UK, Norwegen, Österreich und die Schweiz. Mehrfaches Airplay auf BBC6 und Live Launches auf BBC Merseyside. 

Angesiedelt im Crossover zwischen Electronica und Soul richten die 10 Songs auf Universal Love die eher grösseren Fragen an unsere Welt; dies ausgehend von einer erweiterten Perspektive welche Spiritualität und die Erfahrung des menschlichen Daseins thematisiert: von unserer blauäugigen Ankunft über Spannungen bis hin zu Unruhe und existenziellen Ängsten, erzählen die Songs auszugsweise Geschichten innerhalb eines nicht-linearen Spektrums. Zwischen dem unvoreingenommenen Opener Blissfully Pure und dem hoffnungsvollen, beinahe rebellischen Finale Universal Love wechseln die Songs von Killerfernandez zwischen Emotion und Ratio, zwischen Kontinuität und Brüchen des menschlichen Lebens. 

Mit Manu Delago am Schlagzeug (Bjørk, Olafur Arnalds, Shpongle) und Stuart McCallum an der Gitarre (Cinematic Orchestra, The Breath, JP Cooper) nimmt das Album die Hörerschaft mit auf einen Trip, der intim, erhebend und transzendent wirkt. Für die Live-Releases 2021 in Österreich und der Schweiz ist mit Rob Turner (GoGo Penguin) einer der angesagtesten Schlagzeuger Englands dabei, ebenso wie Killerfernandez-Urgestein Eirik Minde (Norwegen) am Fender Rhodes. 

Line-Up: 
Jennifer John (voc)
Stuart McCallum (g)
Eirik Minde (fender-rhodes)
Philipp Moll (b)
Rob Turner (d) 

Ein Geburtstagsprogramm zu Erwin Steinhauers 70er - mit den besten Liedern aus den Kabarettprogrammen der vergangenen Jahre. 
„Alles Gute – Musikalische Highlights aus 4 Jahrzehnten“ verspricht Unterhaltung mit Haltung auf höchstem Niveau. Die inzwischen gereiften Fans, die seinerzeit Schlange standen, um Kabarettkarten für DEN STEINHAUER zu ergattern, werden ebenso begeistert sein, wie jene, die ihn als Theater- und Fernsehstar kennen und schätzen 

Erwin Steinhauer – Gesang, Moderation und tänzerische Einlagen 
Georg Graf – Saxophone, Klarinetten, Flöten 
Arnulf Lindner – Bass, Gitarre, Cello 
Joe Pinkl – Keyboard, Posaune, Tuba 
Peter Rosmanith – Perkussion, Hang 

"Seine Lieben" wünschen Erwin Steinhauer "Alles Gute" zum runden Geburtstag!
"Seine Lieben" das sind die grandiosen Musiker Georg Graf, Arnulf Lindner, Joe Pinkl und Peter Rosmanith. Dass Multitalent Erwin und seine Gratulanten gerne gemeinsam auf höchstem Niveau musizieren, wurde schon mit den Erfolgsprogrammen "Feierabend" und "Hand aufs Herz" (Buch: Heli Deinboeck) eindrucksvoll unter Beweis gestellt. So wird "Alles Gute" auch nicht nur gewünscht, sondern ab September 2021 auf die österreichischen Bühnen gebracht: "Alles Gute" aus vier Jahrzehnten. Denn schon in den 1980er Jahren war Erwin Steinhauer neben Lukas Resetarits einer der beiden Pioniere des Neuen Wiener Solo-Kabaretts. Erwin spielte in seinen Programmen nicht nur Sketches, sondern sang auch kabarettistische Songs, wobei ihn der Komponist Arthur Lauber am Klavier begleitete. Das Autorinnentrio Erika Molly, Fritz Schindlecker und Wolfgang A. Teuschl lieferte dazu die Texte, die bei aller Bissigkeit "mehrheitsfähig" waren: so sollen etwa begabte Chirurgen während ihrer Operation Teile aus der "Medizinoperette" gesungen haben, SPÖ-Bezirks-Kassiere zeigen musische Talente, indem sie "I wü an Onkel wie der Hannes" intonierten und "Der Bodenlurch" schaffte sogar den Sprung ins Deutsche Fernsehen. In seiner Rolle als "Wickel Hawradil" verlieh Erwin den damaligen deutsch-österreichischen Serienerfolg "Der Sonne entgegen" nicht nur eine gehörige Portion Wiener Charme und Schmäh, sondern bereicherte auch die Austro-Pop-Szene mit Ohrwürmern wie "Albanische Salzwassermelonen" oder "Sandra, durch dich bin ich ein andrer". Am Anfang des neuen Jahrtausends begann der ehemalige Burg- und nachmalige Josefstadt-Star eine mehrjährige Zusammenarbeit mit dem Schauspieler, Regisseur und Autor Rupert Henning. Daraus entstanden nicht nur das höchst erfolgreiche Theaterstück "Freundschaft", das auch in der Filmversion beachtliche Zuschauerzahlen erreichte,  sondern auch etliche jazzige Songs. "Alles Gute - Musikalische Highlights aus 4 Jahrzehnten" verspricht Unterhaltung mit Haltung auf höchstem Niveau. Die inzwischen gereiften Fans, die Steinzeit vor der Kulisse, dem Spektakel oder dem Vindobona Schlange standen, um Kabarettkarten für DEN STEINHAUER zu ergattern, werden ebenso begeistert sein, wie jene, die ihn als Theater- und Fernsehstar kennen und schätzen.

als dacapo & quasi Zugabe:

ICH BIN ABENTUERER & NICHT DICHTER. zum 100. GEBURTSTAG VON HC ARMANN

2021 jährt sich der Geburtstag von H.C.Artmann zum hundertsten Mal. Grund genug für Erwin Steinhauer uns seine Musiker-Freunde, sich abermals mit seinem umfangreichen Werk zu beschäftigen. Für Alfred Kolleritsch ist "das werk h.c.s... die gesammelte rettung der poesie, die weite der sprache reicht hin in alle möglichen welten der phantasie. sie schafft sich diese welten und erzählt ihre vielfalt. was freiheit des schreibens, des erfindens, des verzauberns ist, fand ich in seinem werk." Steinhauer erforscht gemeinsam mit seinen Reisebegleitern diese phantastischen Welten des H.C.Artmann, die in diesem Programm zu einer turbulenten, poetischen und humorvollen Text-Musik-Collage verwoben sind. Die Musik ist vielschichtig wie die Geschichten, jongliert mit vielen Stilen und zaubert Kino für die Ohren.

ILSE AICHINGER

2021 jährt sich der Geburtstag von Ilse Aichinger zum hundertsten Mal. 
Und ihr Todestag (am 11.November 2016) zum fünften Mal.
Ilse Aichinger und ihre Zwillingsschwester Helga wurden als Töchter der jüdischen Ärztin Berta Aichinger und des (nicht-jüdischen) Lehrers Ludwig Aichinger in Wien geboren und in der Pfarre Döbling getauft. Die Familie lebte zunächst in Linz und Wien. Nach der Scheidung übersiedelte Berta Aichinger mit den beiden Kindern 1926 nach Wien, wo sie die Unterstützung ihrer Familie hatte. Zur Großmutter entwickelte Ilse Aichinger ein besonderes Naheverhältnis.
Während es ihrer Zwillingsschwester Helga gelang, im Juli 1939 mit einem der letzten Jugendtransporte nach England zu fliehen, blieben Berta und Ilse Aichinger in Wien. Die Mutter verlor 1938 ihre Anstellung als Schulärztin bei der Gemeinde Wien und musste sich als Fabrikarbeiterin durchbringen. Ilse Aichinger wurde als "Halbjüdin" das Medizinstudium verwehrt. Während des Krieges nahm sie Gelegenheitsarbeiten an und wurde dienstverpflichtet. Die Großmutter und die jüngeren Geschwister der Mutter wurden 1942 deportiert und ermordet. Ilse Aichinger, die die Deportation der geliebten Großmutter mitansehen musste, thematisierte dieses traumatische Ereignis mehrfach in ihren Texten.

Nach Kriegsende begann Ilse Aichinger ein Medizinstudium, brach es aber ab, um ihren Roman "Die größere Hoffnung" fertigzustellen. 1947/1948 reiste sie nach England, um ihre Zwillingsschwester wiederzusehen. Bei dieser Gelegenheit lernte sie Elias Canetti und Erich Fried kennen. 1949 wurde sie über Vermittlung von Gottfried Bermann-Fischer als Lektorin bei der Wiener Niederlassung des S. Fischer Verlags engagiert. Nach einem Jahr ging sie allerdings nach Ulm, wo sie als Assistentin von Inge Aicher-Scholl, einer Schwester der Widerstandskämpfer Sophie und Hans Scholl, am Aufbau der Ulmer Hochschule für Gestaltung mitarbeitete.

1951 nahm Aichinger erstmals an einer Tagung der Gruppe 47 teil. Bereits im Jahr darauf erhielt sie für ihren Text "Spiegelgeschichte" den Preis der Gruppe 47. Damit gelang ihr der literarische Durchbruch. Als Mitglied der Gruppe 47 lernte sie zudem den Lyriker Günter Eich kennen, den sie 1953 in München heiratete. Das Paar hatte zwei Kinder, Clemens (1954–1998) und Mirjam (* 1957). Die Familie lebte in Bayern und ab 1963 in Großgmain bei Salzburg. 1984, nach dem Tod ihrer Mutter, übersiedelte Ilse Aichinger auf Einladung des S. Fischer Verlags nach Frankfurt am Main, 1988 kehrte sie nach Wien zurück. Die Schriftstellerin lebte zurückgezogen, besuchte allerdings regelmäßig – vor allem auch zum Schreiben – Kaffeehäuser und war eine leidenschaftliche Kinogeherin.

Ilse Aichinger verstarb am 11. November 2016. Ihr Todestag jährt sich also heuer zum fünften Mal. Beide Jahrestage im November, Geburtstag und Todestag, sind Anlass genug, dieser bedeutenden österreichischen Schriftstellerin einen Abend zu widmen, in dessen Mittelpunkt Ihre vielleicht berühmteste Kurzgeschichte steht, die Spiegelgeschichte.

DIE SPIEGELGESCHICHTE

Spiegelgeschichte Ilse Aichinger hat ihre Spiegelgeschichte 1949 geschrieben. Dieses nur wenige Seiten lange Stück Kurzprosa wurde zunächst in vier Folgen in der Wiener Tageszeitung veröffentlicht.1952 erhielt die junge Schriftstellerin dafür den Literaturpreis der Gruppe 47, in der sich Autoren wie Heinrich Böll und ihr späterer Mann Günther Eich, um den Schriftsteller Hans Werner Richter scharrten, und sorgte für Furore. Die Spiegelgeschichte stellt nicht nur einen Meilenstein am Beginn des Schaffens von Ilse Aichinger dar, dieser Text gilt bis heute als einer ihrer bedeutendsten und berührensten Prosastücke. Wobei sich dessen Inhalt in einem Satz erzählen lässt. Eine junge Frau, liegt auf Grund einer missglückten Abtreibung im Sterben, und erzählt sich ihr Leben rückwärts, vom bevorstehenden Tod bis zu ihrer Geburt. Der Zeitpunkt Ihrer Geburt, ist gleichzeitig der Zeitpunkt ihres Todes. Dieses Ineinanderfallen von Geborenwerden und Sterben zeigt eine der zentralen Lebensphilosophien Ilse Aichingers, Sie spiegelt sich in ihrem Denken und Schaffen wieder. Unsere Geburt liefert uns dem Tod aus. Daher gilt es, die uns geschenkte Lebenszeit immer mit dem Bewusstsein des bevorstehenden Todes zu gestalten. Ein weiteres zentrales Themen, das Ilse Aichinger in diesem Text behandelt, ist das Verschwinden, das Vergehen, das sich Auflösen. Sie selbst sagt über sich: „Eine Sehnsucht zu verschwinden hatte ich schon immer, bereits als Kind“. Sie betrachtet auch das Schreiben im Laufe ihres Lebens immer mehr als die Essenz ihres Nicht-Schreibens, welches auszuhalten, auch die große Herausforderung für jeden Schreibenden sei. Schweigen ist die Voraussetzung für Sprechen, oder Schreiben, ist deren Nährstoff. Auch die Auseinandersetzung mit dem Kind an sich und der Kindheit begegnet uns in der Spiegelgeschichte. Die junge Frau stirbt, aufgrund der illegalen Abtreibung ihres Kindes. Immer wieder begegnen uns in dieser Geschichte Kinder, bis die Frau selbst wieder zum Kind wird, zum Kleinkind, zum Säugling und letzten Endes zur Neugeborenen, über die sich ihr Vater beugt. Ilse Aichinger beklagt in einigen Interviews den Verlust der Kindheit als den größten Verlust, den ein Mensch haben kann.

GEDANKEN. VON ELISABETH DE ROO 

Mit dem Tod habe ich mich noch nie so ausführlich befasst, sodass ich keine Idee oder Vorstellung habe, wie der so ist oder sein könnte. Vielleicht liegt es auch daran, dass ich am Leben einfach mehr interessiert bin als am Sterben. Die Geschichte thematisiert beides; das Leben und das Sterben. Die Rückschau einer Toten/Sterbenden durch einen Spiegel in ihr Leben – eine Spiegelgeschichte. Ich lebe unheimlich gerne und je älter ich werde, desto lieber bin ich auf der Welt zuhause und umso klarer kann ich artikulieren, weshalb das so ist
Der Gedanke, dass der Tod schneller kommen könnte als es mir passt, passt mir gar nicht. Die Spiegelgeschichte konfrontiert mich mit der Vorstellung des Sterbens und so finde ich mich wieder in der sterbenden Toten, die ihre lebendige Welt ein aller letztes Mal durch einen Spiegel betrachtet, um noch einmal leben zu können und um sich vom Leben zu verabschieden. Ein schöner Gedanke dem Leben erst Lebewohl zu sagen, um dann zu sterben – „Lass es geschehen!“ Ohne zu manipulieren, ohne in eine bestimmte Richtung zu lenken, ohne Vorwurf und vollkommen wertfrei, ja fast sachlich beschreibt Aichinger ein Menschenleben. Aichinger versteht es, ihren Leserinnen und Lesern, die Freiheit zu lassen selbst zu urteilen und selbst zu fühlen. Dies empfinde ich als eine Wohltat in einer Gesellschaft, die, so scheint es mir, zu regelmäßig das Bedürfnis hat, andere zu manipulieren. Die Spiegelgeschichte beweist: Es ist möglich sachlich zu berichten und eine Fülle an Emotionen zu erzeugen. Das fasziniert mich.
Was für ein Kunstwerk.

THOMAS LACKNER: Charakter der „Inszenierung“

Die geplante Aufführung soll das Literarische in den Vordergrund stellen. Die Erzählung wird als Monolog aus dem Mund der Schauspielerin hörbar und dreidimensional.
Die konsequente Form der umgekehrten Lebenserzählung und deren sprachliche Gestaltung in knappen, zielsicheren, aber hochpoetischen Bildern. So werden an einer Stelle Früchte wieder zu Blüten, und die Blüten wieder zu Knospen, und die Knospen wieder zu Früchten.
Mich fasziniert der Gedanke, und ich sehe als große Herausforderung für eine Schauspielerin die Nuancen dieses Textes hörbar zu machen, die umgekehrte Logik des Lebensweges der jungen Frau für ein Publikum nachvollziehbar zu machen, im Moment des Hörens und Erlebens. Und die Stille soll der Nährboden werden, auf dem diese Geschichte blüht und wächst. Auch als Kontrapunkt zum Lärm und der Reizüberflutung der heutigen Zeit, selbst in Zeiten von Corona, wo wir uns in unterschiedlichsten Virtuellen Formaten bewegen, von Zoom bis Club-House.
Das Thema Vergänglichkeit und das Bewusstsein, dass unser Leben irgendwann endet, hat nicht nur immer eine große Rolle in meinem Leben gespielt, sondern gewinnt mit zunehmendem Alter natürlich noch mehr an Bedeutung und Brisanz. Ich glaube, die Schriftstellerin Ellis Kaut hat einmal pointiert gesagt, ihr sei noch niemand begegnet, der nicht sterben würde. Der Tod verbindet uns alle, spielt aber kaum eine Rolle in unserem Leben. Wir verdrängen diese Tatsache. Doch das Bewusstsein um unsere Vergänglichkeit vermag viele unserer persönlichen Kämpfe in eine richtige Relation zu setzten. Und das meint auch Ilse Aichinger, wenn sie fordert, das Lebensende während des Lebens in Betracht zu ziehen, mit auf der Rechnung zu haben. Davon möchte dieser Abend auch erzählen.
Und was das Thema „Kindheit“ betrifft. Ich habe selbst zwei kleine Kinder, und beobachte, wie sie beginnen, die Welt zu erobern, mit welcher Neugierde und Lust. Irgendwann ersetzen wir diese Neugierde durch Pflichtbewusstsein und Leistungszwang. Und ein wunderschöner Moment in Aichingers Spiegelgeschichte ist, wenn sie beschreibt, wie schwer es ist, wieder zu verlernen, um die Offenheit des Kindes zurück zu bekommen. Auch diesen Aspekt soll der gesprochene Monolog zum Schweben und Klingen bringen.
Das Ziel dieser Produktion ist ein Abend für Ilse Aichinger, und nicht ein Stück Regietheater. Alle anderen Aspekte der „Inszenierung“ sollen nur dazu dienen, die Atmosphäre dieses Textes zu unterstützen.

Thomas Lackner - Regie und Gesang

Nach dem Studium der Musikwissenschaften und seiner Ausbildung zum Tontechniker war Thomas Lackner sieben Jahre als Moderator und Produzent für den Kultursender Ö1 tätig.
Seit 2000 ist er als Schauspieler auf den verschiedensten Bühnen des deutschen Sprachraumes zu sehen, davon 2006 bis 2012 als Ensemblemitglied des Tiroler Landestheaters.
Er gestaltet spartenübergreifende Soloprogramme, auch mit Gesang, Rezitationen, Lesungen mit Musik, Moderationen und Theaterstücke, die Information mit Entertainment verknüpfen, unter anderem im Tiroler Landesmuseum, im Audioversum Science Center Innsbruck, für die Tiroler Wirtschaftskammer,
den Österreichischen Museumsbund, und das Innsbrucker Institut für Quantenoptik und Quanteninformation der Österreichischen Akademie der Wissenschaften.
Im Rahmen eines Bildungskarenzjahres ließ er sich an der University of London zum Trainer und Coach für Stimmentwicklung, professionelle Sprechtechnik, Präsenz und persönlichen Auftritt ausbilden. Er hat derzeit Lehraufträge an der Universität Innsbruck, der Hochschule für Musik Würzburg, und der FH Gesundheit Innsbruck inne und leitet die WIFI Stimmakademie. Im Rahmen von firmeninternen Trainings und Coachings begleitet Thomas Lackner Führungskräfte und Mitarbeiter im wirtschaftlichen, administrativen und edukativen Bereich.

Elisabeth de Roo - Schauspiel

Elisabeth de Roo absolvierte ihren Master im Fach Lied und Oratorium an der Universität Mozarteum in Salzburg sowie ihren Bachelor für Immobilienwirtschaft und Facility Management an der Fachhochschule in Kufstein.
Sie war mehrere Jahre Abteilungsleiterin des Departments
„Career Center“ an der Universität Mozarteum in Salzburg. Dort widmete sie sich der Lehre und entwickelte unterschiedlichste Coaching-Programme für Studierende und Alumni der Universität. Zudem leitete sie die „Kinder-Uni“ von Seiten des Universität Mozarteum.
Ihr Debüt als Opernsängerin gab sie als Susanna in „Sancta Susanna“ von Paul Hindemith, unter der Leitung von Hans Graf. In Linz, Wien und Salzburg sang sie die Königin der Nacht aus der Zauberflöte von W. A. Mozart unter der Leitung von Josef Wallnig. David Garett buchte sie als Sängerin für einen TV-Auftritt im ORF Salzburg. Sie war daraufhin mehrfach als Solistin im ORF zu sehen.
Das klassische Lied ist die große Liebe der Sängerin und die Art der Musik, der sie sich am verbundensten fühlt. Zahlreiche Einladungen zu Liederabenden, mit Orchestern, Ensembles oder im Duo, führten Elisabeth de Roo nach Italien, Deutschland, Frankreich und Österreich. Zuletzt sang sie Mahlers 4. Sinfonie am Theater Ristori in Verona und gestaltete mehrere Uraufführung im Vierundeinzig in Innsbruck

BERND HAAS. KOMPONIST. GITARRIST

Bernd Haas wurde 1979 in Innsbruck geboren, und war schon in jungen Jahren von Musik fasziniert. Er studierte Jazzgitarre am Tiroler Landeskonservatorium (Abschluss 2004), absolvierte das BA-Studium für klassische Gitarre am Mozarteum Salzburg/Innsbruck (Abschluss mit Auszeichnung 2016). Seit mehr als 15 Jahren unterrichtet er klassische und elektrische Gitarre u.a. am Tiroler Musikschulwerk und ist seit seiner Jugend als freischaffender Künstler in den Bereichen Jazz bis Rock musikalisch tätig. Sein Wirken und Schaffen erstreckt sich von solistischer Kammermusik bis hin zu Musik für große Ensembles. Er komponiert und produziert Musik für verschiedene Bands, Film und Kabarett. Zahlreiche CD Einspielungen sind bei verschiedenen Labels (GLM, Quinton, Polyglobe, Listen Closely, …) erschienen. Bernd Haas lebt mit seiner Familie in der Nähe von Innsbruck.

ILSE AICHINGER

2021 jährt sich der Geburtstag von Ilse Aichinger zum hundertsten Mal. 
Und ihr Todestag (am 11.November 2016) zum fünften Mal.
Ilse Aichinger und ihre Zwillingsschwester Helga wurden als Töchter der jüdischen Ärztin Berta Aichinger und des (nicht-jüdischen) Lehrers Ludwig Aichinger in Wien geboren und in der Pfarre Döbling getauft. Die Familie lebte zunächst in Linz und Wien. Nach der Scheidung übersiedelte Berta Aichinger mit den beiden Kindern 1926 nach Wien, wo sie die Unterstützung ihrer Familie hatte. Zur Großmutter entwickelte Ilse Aichinger ein besonderes Naheverhältnis.
Während es ihrer Zwillingsschwester Helga gelang, im Juli 1939 mit einem der letzten Jugendtransporte nach England zu fliehen, blieben Berta und Ilse Aichinger in Wien. Die Mutter verlor 1938 ihre Anstellung als Schulärztin bei der Gemeinde Wien und musste sich als Fabrikarbeiterin durchbringen. Ilse Aichinger wurde als "Halbjüdin" das Medizinstudium verwehrt. Während des Krieges nahm sie Gelegenheitsarbeiten an und wurde dienstverpflichtet. Die Großmutter und die jüngeren Geschwister der Mutter wurden 1942 deportiert und ermordet. Ilse Aichinger, die die Deportation der geliebten Großmutter mitansehen musste, thematisierte dieses traumatische Ereignis mehrfach in ihren Texten.

Nach Kriegsende begann Ilse Aichinger ein Medizinstudium, brach es aber ab, um ihren Roman "Die größere Hoffnung" fertigzustellen. 1947/1948 reiste sie nach England, um ihre Zwillingsschwester wiederzusehen. Bei dieser Gelegenheit lernte sie Elias Canetti und Erich Fried kennen. 1949 wurde sie über Vermittlung von Gottfried Bermann-Fischer als Lektorin bei der Wiener Niederlassung des S. Fischer Verlags engagiert. Nach einem Jahr ging sie allerdings nach Ulm, wo sie als Assistentin von Inge Aicher-Scholl, einer Schwester der Widerstandskämpfer Sophie und Hans Scholl, am Aufbau der Ulmer Hochschule für Gestaltung mitarbeitete.

1951 nahm Aichinger erstmals an einer Tagung der Gruppe 47 teil. Bereits im Jahr darauf erhielt sie für ihren Text "Spiegelgeschichte" den Preis der Gruppe 47. Damit gelang ihr der literarische Durchbruch. Als Mitglied der Gruppe 47 lernte sie zudem den Lyriker Günter Eich kennen, den sie 1953 in München heiratete. Das Paar hatte zwei Kinder, Clemens (1954–1998) und Mirjam (* 1957). Die Familie lebte in Bayern und ab 1963 in Großgmain bei Salzburg. 1984, nach dem Tod ihrer Mutter, übersiedelte Ilse Aichinger auf Einladung des S. Fischer Verlags nach Frankfurt am Main, 1988 kehrte sie nach Wien zurück. Die Schriftstellerin lebte zurückgezogen, besuchte allerdings regelmäßig – vor allem auch zum Schreiben – Kaffeehäuser und war eine leidenschaftliche Kinogeherin.

Ilse Aichinger verstarb am 11. November 2016. Ihr Todestag jährt sich also heuer zum fünften Mal. Beide Jahrestage im November, Geburtstag und Todestag, sind Anlass genug, dieser bedeutenden österreichischen Schriftstellerin einen Abend zu widmen, in dessen Mittelpunkt Ihre vielleicht berühmteste Kurzgeschichte steht, die Spiegelgeschichte.

DIE SPIEGELGESCHICHTE

Spiegelgeschichte Ilse Aichinger hat ihre Spiegelgeschichte 1949 geschrieben. Dieses nur wenige Seiten lange Stück Kurzprosa wurde zunächst in vier Folgen in der Wiener Tageszeitung veröffentlicht.1952 erhielt die junge Schriftstellerin dafür den Literaturpreis der Gruppe 47, in der sich Autoren wie Heinrich Böll und ihr späterer Mann Günther Eich, um den Schriftsteller Hans Werner Richter scharrten, und sorgte für Furore. Die Spiegelgeschichte stellt nicht nur einen Meilenstein am Beginn des Schaffens von Ilse Aichinger dar, dieser Text gilt bis heute als einer ihrer bedeutendsten und berührensten Prosastücke. Wobei sich dessen Inhalt in einem Satz erzählen lässt. Eine junge Frau, liegt auf Grund einer missglückten Abtreibung im Sterben, und erzählt sich ihr Leben rückwärts, vom bevorstehenden Tod bis zu ihrer Geburt. Der Zeitpunkt Ihrer Geburt, ist gleichzeitig der Zeitpunkt ihres Todes. Dieses Ineinanderfallen von Geborenwerden und Sterben zeigt eine der zentralen Lebensphilosophien Ilse Aichingers, Sie spiegelt sich in ihrem Denken und Schaffen wieder. Unsere Geburt liefert uns dem Tod aus. Daher gilt es, die uns geschenkte Lebenszeit immer mit dem Bewusstsein des bevorstehenden Todes zu gestalten. Ein weiteres zentrales Themen, das Ilse Aichinger in diesem Text behandelt, ist das Verschwinden, das Vergehen, das sich Auflösen. Sie selbst sagt über sich: „Eine Sehnsucht zu verschwinden hatte ich schon immer, bereits als Kind“. Sie betrachtet auch das Schreiben im Laufe ihres Lebens immer mehr als die Essenz ihres Nicht-Schreibens, welches auszuhalten, auch die große Herausforderung für jeden Schreibenden sei. Schweigen ist die Voraussetzung für Sprechen, oder Schreiben, ist deren Nährstoff. Auch die Auseinandersetzung mit dem Kind an sich und der Kindheit begegnet uns in der Spiegelgeschichte. Die junge Frau stirbt, aufgrund der illegalen Abtreibung ihres Kindes. Immer wieder begegnen uns in dieser Geschichte Kinder, bis die Frau selbst wieder zum Kind wird, zum Kleinkind, zum Säugling und letzten Endes zur Neugeborenen, über die sich ihr Vater beugt. Ilse Aichinger beklagt in einigen Interviews den Verlust der Kindheit als den größten Verlust, den ein Mensch haben kann.

GEDANKEN. VON ELISABETH DE ROO 

Mit dem Tod habe ich mich noch nie so ausführlich befasst, sodass ich keine Idee oder Vorstellung habe, wie der so ist oder sein könnte. Vielleicht liegt es auch daran, dass ich am Leben einfach mehr interessiert bin als am Sterben. Die Geschichte thematisiert beides; das Leben und das Sterben. Die Rückschau einer Toten/Sterbenden durch einen Spiegel in ihr Leben – eine Spiegelgeschichte. Ich lebe unheimlich gerne und je älter ich werde, desto lieber bin ich auf der Welt zuhause und umso klarer kann ich artikulieren, weshalb das so ist
Der Gedanke, dass der Tod schneller kommen könnte als es mir passt, passt mir gar nicht. Die Spiegelgeschichte konfrontiert mich mit der Vorstellung des Sterbens und so finde ich mich wieder in der sterbenden Toten, die ihre lebendige Welt ein aller letztes Mal durch einen Spiegel betrachtet, um noch einmal leben zu können und um sich vom Leben zu verabschieden. Ein schöner Gedanke dem Leben erst Lebewohl zu sagen, um dann zu sterben – „Lass es geschehen!“ Ohne zu manipulieren, ohne in eine bestimmte Richtung zu lenken, ohne Vorwurf und vollkommen wertfrei, ja fast sachlich beschreibt Aichinger ein Menschenleben. Aichinger versteht es, ihren Leserinnen und Lesern, die Freiheit zu lassen selbst zu urteilen und selbst zu fühlen. Dies empfinde ich als eine Wohltat in einer Gesellschaft, die, so scheint es mir, zu regelmäßig das Bedürfnis hat, andere zu manipulieren. Die Spiegelgeschichte beweist: Es ist möglich sachlich zu berichten und eine Fülle an Emotionen zu erzeugen. Das fasziniert mich.
Was für ein Kunstwerk.

THOMAS LACKNER: Charakter der „Inszenierung“

Die geplante Aufführung soll das Literarische in den Vordergrund stellen. Die Erzählung wird als Monolog aus dem Mund der Schauspielerin hörbar und dreidimensional.
Die konsequente Form der umgekehrten Lebenserzählung und deren sprachliche Gestaltung in knappen, zielsicheren, aber hochpoetischen Bildern. So werden an einer Stelle Früchte wieder zu Blüten, und die Blüten wieder zu Knospen, und die Knospen wieder zu Früchten.
Mich fasziniert der Gedanke, und ich sehe als große Herausforderung für eine Schauspielerin die Nuancen dieses Textes hörbar zu machen, die umgekehrte Logik des Lebensweges der jungen Frau für ein Publikum nachvollziehbar zu machen, im Moment des Hörens und Erlebens. Und die Stille soll der Nährboden werden, auf dem diese Geschichte blüht und wächst. Auch als Kontrapunkt zum Lärm und der Reizüberflutung der heutigen Zeit, selbst in Zeiten von Corona, wo wir uns in unterschiedlichsten Virtuellen Formaten bewegen, von Zoom bis Club-House.
Das Thema Vergänglichkeit und das Bewusstsein, dass unser Leben irgendwann endet, hat nicht nur immer eine große Rolle in meinem Leben gespielt, sondern gewinnt mit zunehmendem Alter natürlich noch mehr an Bedeutung und Brisanz. Ich glaube, die Schriftstellerin Ellis Kaut hat einmal pointiert gesagt, ihr sei noch niemand begegnet, der nicht sterben würde. Der Tod verbindet uns alle, spielt aber kaum eine Rolle in unserem Leben. Wir verdrängen diese Tatsache. Doch das Bewusstsein um unsere Vergänglichkeit vermag viele unserer persönlichen Kämpfe in eine richtige Relation zu setzten. Und das meint auch Ilse Aichinger, wenn sie fordert, das Lebensende während des Lebens in Betracht zu ziehen, mit auf der Rechnung zu haben. Davon möchte dieser Abend auch erzählen.
Und was das Thema „Kindheit“ betrifft. Ich habe selbst zwei kleine Kinder, und beobachte, wie sie beginnen, die Welt zu erobern, mit welcher Neugierde und Lust. Irgendwann ersetzen wir diese Neugierde durch Pflichtbewusstsein und Leistungszwang. Und ein wunderschöner Moment in Aichingers Spiegelgeschichte ist, wenn sie beschreibt, wie schwer es ist, wieder zu verlernen, um die Offenheit des Kindes zurück zu bekommen. Auch diesen Aspekt soll der gesprochene Monolog zum Schweben und Klingen bringen.
Das Ziel dieser Produktion ist ein Abend für Ilse Aichinger, und nicht ein Stück Regietheater. Alle anderen Aspekte der „Inszenierung“ sollen nur dazu dienen, die Atmosphäre dieses Textes zu unterstützen.

Thomas Lackner - Regie und Gesang

Nach dem Studium der Musikwissenschaften und seiner Ausbildung zum Tontechniker war Thomas Lackner sieben Jahre als Moderator und Produzent für den Kultursender Ö1 tätig.
Seit 2000 ist er als Schauspieler auf den verschiedensten Bühnen des deutschen Sprachraumes zu sehen, davon 2006 bis 2012 als Ensemblemitglied des Tiroler Landestheaters.
Er gestaltet spartenübergreifende Soloprogramme, auch mit Gesang, Rezitationen, Lesungen mit Musik, Moderationen und Theaterstücke, die Information mit Entertainment verknüpfen, unter anderem im Tiroler Landesmuseum, im Audioversum Science Center Innsbruck, für die Tiroler Wirtschaftskammer,
den Österreichischen Museumsbund, und das Innsbrucker Institut für Quantenoptik und Quanteninformation der Österreichischen Akademie der Wissenschaften.
Im Rahmen eines Bildungskarenzjahres ließ er sich an der University of London zum Trainer und Coach für Stimmentwicklung, professionelle Sprechtechnik, Präsenz und persönlichen Auftritt ausbilden. Er hat derzeit Lehraufträge an der Universität Innsbruck, der Hochschule für Musik Würzburg, und der FH Gesundheit Innsbruck inne und leitet die WIFI Stimmakademie. Im Rahmen von firmeninternen Trainings und Coachings begleitet Thomas Lackner Führungskräfte und Mitarbeiter im wirtschaftlichen, administrativen und edukativen Bereich.

Elisabeth de Roo - Schauspiel

Elisabeth de Roo absolvierte ihren Master im Fach Lied und Oratorium an der Universität Mozarteum in Salzburg sowie ihren Bachelor für Immobilienwirtschaft und Facility Management an der Fachhochschule in Kufstein.
Sie war mehrere Jahre Abteilungsleiterin des Departments
„Career Center“ an der Universität Mozarteum in Salzburg. Dort widmete sie sich der Lehre und entwickelte unterschiedlichste Coaching-Programme für Studierende und Alumni der Universität. Zudem leitete sie die „Kinder-Uni“ von Seiten des Universität Mozarteum.
Ihr Debüt als Opernsängerin gab sie als Susanna in „Sancta Susanna“ von Paul Hindemith, unter der Leitung von Hans Graf. In Linz, Wien und Salzburg sang sie die Königin der Nacht aus der Zauberflöte von W. A. Mozart unter der Leitung von Josef Wallnig. David Garett buchte sie als Sängerin für einen TV-Auftritt im ORF Salzburg. Sie war daraufhin mehrfach als Solistin im ORF zu sehen.
Das klassische Lied ist die große Liebe der Sängerin und die Art der Musik, der sie sich am verbundensten fühlt. Zahlreiche Einladungen zu Liederabenden, mit Orchestern, Ensembles oder im Duo, führten Elisabeth de Roo nach Italien, Deutschland, Frankreich und Österreich. Zuletzt sang sie Mahlers 4. Sinfonie am Theater Ristori in Verona und gestaltete mehrere Uraufführung im Vierundeinzig in Innsbruck

BERND HAAS. KOMPONIST. GITARRIST

Bernd Haas wurde 1979 in Innsbruck geboren, und war schon in jungen Jahren von Musik fasziniert. Er studierte Jazzgitarre am Tiroler Landeskonservatorium (Abschluss 2004), absolvierte das BA-Studium für klassische Gitarre am Mozarteum Salzburg/Innsbruck (Abschluss mit Auszeichnung 2016). Seit mehr als 15 Jahren unterrichtet er klassische und elektrische Gitarre u.a. am Tiroler Musikschulwerk und ist seit seiner Jugend als freischaffender Künstler in den Bereichen Jazz bis Rock musikalisch tätig. Sein Wirken und Schaffen erstreckt sich von solistischer Kammermusik bis hin zu Musik für große Ensembles. Er komponiert und produziert Musik für verschiedene Bands, Film und Kabarett. Zahlreiche CD Einspielungen sind bei verschiedenen Labels (GLM, Quinton, Polyglobe, Listen Closely, …) erschienen. Bernd Haas lebt mit seiner Familie in der Nähe von Innsbruck.

Was haben Superstars wie  Bobby Mc Ferrin, Quincy Jones, Carlos Santana und Paul Simon gemeinsam? Sie alle sind große Bewunderer von VOCAL SAMPLING, einer sechsköpfigen A-cappella-Formation aus Kuba, die gemeinhin als eines der größten Wunder zeitgenössischer Musik beschrieben wird. Mit ihrer einzigartigen Mischung aus Talent und mitreißendem Schwung hat die Gruppe Zuhörer auf der ganzen Welt in ungläubiges Staunen versetzt. Denn: Es handelt sich nicht etwa einfach um eine Gruppe aus Sängern, sondern um eine swingende Band, die sämtliche Instrumente des Salsa-Orchesters singt, statt sie zu spielen. 
“Schliesse deine Augen  und du wirst glauben, sie haben Gitarren, Posaunen oder Trommeln in ihren schrillen Anzügen versteckt. Das ist das Beste, was ich in zehn Jahren gehört habe."  sagt Paul Simon

Ihr Bandgepäck ist übersichtlich, denn diese sechs Kubaner haben ein komplettes Salsa Orchester in der Kehle. Man traut seinen Ohren kaum, reibt sich verzweifelt die Augen: Hier gibt es kein einziges Instrument und dennoch sind Percussion, Bläser und Baß ganz deutlich zu hören. Was als Freizeitspaß für langweilige Pausen begann, entwickelte sich bei den sechs Musikstudenten aus Havanna zur Berufung: A-Capella-Salsa zum Abtanzen. Vokal Sampling haben den Gesang in der Latin Musik als neue orchestrale Kunstform definiert und zur perfekten Illusion ausgebaut. Als würde man Bobby McFerrin im Sechserpack hören, plappert, poppt und ploppt es von der Bühne, hier ein wenig Rap, dort ein wenig gepfiffene Flötentöne, dann ein Percussionsolo ohne jeden Handschlag. Was hier aus geschmeidigen Stimmbändern gekitzelt wird, verschlägt dem Publikum den Atem.

"... und die heimische Badewanne fühlt sich auf einmal ein kleines bißchen nach Karibik an." (TAZ) 
Die sechs Kubaner beherrschen ihre Instrumente perfekt. Sie spielen nur keine. Denn egal, ob Bass, Bläser, Keyboards oder Perkussion, alles wird gesungen. Wer bei einem ihrer Konzerte nicht auf die Bühne schaut, glaubt tatsächlich, eine gesamte Salsa Bigband vor seinen Ohren zu haben. Die ehemaligen Studenten der Nationalen Musikhochschule in Havanna fühlen sich mit ihren Stimmbändern in der ganzen Palette kubanischer Stile zuhause: Son, Bolero, Rumba sind da nur die bekanntesten, Trova und Palo Monte treten hinzu. Auch die Welt der Pop- und Rockmusik haben sie für sich entdeckt, denn sie standen unter anderem mit Chaka Khan, Phil Collins, David Sanborn und Toots Thielemans auf der Bühne. Paul Simon - und was nahe liegt - Bobby McFerrin zählen zu ihren erklärtem Bewunderern. Für Quincy Jones standen sie als Special Guests in Montreux zu seinem 50. Bühnenjubiläum auf der Bühne. Ihr aktuelles Werk "Cambio De Tiempo" wurde für gleich drei Grammies nominiert.  

Diese sechsköpfige -Latin Grammy prämierte- kubanische A-cappella-Gruppe muss man zu den außergewöhnlichsten Acts weltweit zählen. Ausschließlich mit Klängen aus Mund & Händen vermögen sie es das gesamte tonale Spektrum einer ausgewachsenen Salsa-Formation abzudecken. Es ist eine einzigartige Kunst, die diese Musiker beherrschen – ihr Timing ist tadellos, ihre Darbietung theatralisch & ihr Repertoire phantasievoll. Sie genießen gerade wegen ihrer Einzigartigkeit die ausgesprochene Achtung von Künstlern wie Bobby McFerrin, Peter Gabriel und Paul Simon.

Die Geschichte von Vocal Sampling reicht zurück ins Jahr 1989. Alles begann an der Kunsthochschule von Havanna, als sie aus Spaß in ihrer Freizeit versuchten, mit ihren Stimmen verschiedene Instrumente zu imitieren. Nach und nach simulierten sie so den Klang von Blasinstrumenten, Perkussion und Streichern und kreierten den einzigartigen Sound von Vocal Sampling. Dieses Können führte sie an die renommierten Konzertorte dieser Welt, vom Montreux Jazzfestival in die Royal Albert Hall nach London, von der Esplanade Hall Singapore bis ins New Morning Paris, vom Opera Theatre in Tel Aviv bis zum Hollywood Bowl nach L.A.
2020 feiern Vocal Sampling ihr 30-jähriges Jubiläum und würdigen dieses Ereignis mit einer originellen Kreation.
Das Programm wird nicht nur brandneues Repertoire bereithalten, sondern auch neue Seiten ihres gesanglichen Talents zeigen.

Habib Koité ist ein begnadeter Geschichtenerzähler und Komponist und seine Melodien bleiben gerne im Ohr. Seit den späten 80er Jahren ist er auf allen Kontinenten zu hören - aber Koité hat sich bewusst für ein Leben in Mali entschieden, das ihm trotz der Widrigkeiten sinnvoller und glücklicher erscheint als die Entwurzelung. Sein Glück liegt also in den Wurzeln.  Die New York Times schreibt über ihn: “Seine Reputation als Gitarrist ist schon beinahe mytisch, er kombiniert Rock – und Klassiktechniken mit Stimmungen aus Mali, die die Gitarre wie eine Kora oder N’Goni klingen lassen.” “Koité ist über 20 Jahre lang leise seinem Instinkt gefolgt und hat dabei nie auch nur die leiseste Konzession an das “Weltmusik” Geschäft gemacht”. So ist er einer der wichtigsten afrikanische Sänger des 21.Jahrhunderts geworden - neben Youssou N‘Dour und Lokua Kanza: Der Malier Habib Koité hat das Bild der Sahel-Musik für immer verändert - als Brückenbauer zwischen Singer-Songwriter und Griot, zwischen Savannen-Traditionen und Rock, zwischen afrikanischem Selbstbewusstsein und vielfältigen Berührungen mit Europa. Auch für Habib ist das Treibhaus ein Stück Heimat geworden: Sein liebstes Wohnzimmer - immer und jedes Mal wenn er nach Europa kommt... Wassiyé!

LINE-UP
Habib Koité voc/g,
Issa Koné g/banjo/voc
Charly Coulibaly keyb/voc,
Abdoul Wahab Berhé b/kamalé ngoni,
Mama Koné perc/voc,
Mahmadou Koné tamani/barra

Nicht zuletzt wegen seiner mitreissenden Live-Auftritte ist Habib Koité zu einem der ganz grossen Stars der Weltmusik geworden. Sein Wüstenblues ist von Jimi Hendrix, vom Flamenco und vom kubanischen Son beeinflusst. Trotzdem klingt er zweifelsohne afrikanisch, auch weil Koité traditionelle Spielweisen von Instrumenten wie der Kora oder der Ngoni auf die Gitarre überträgt. Mit einer neuen Band stellt er nun sein aktuelles Album vor: Eine unerschrockene und feinsinnige Verschmelzung aller malischen Nuancen mit Soul- und Blues-Reminiszenzen und modernem Afro-Groove.

The biggest pop star of the West African nation of Mali. (Rolling Stone)
His reputation as a guitar player has become almost mythical, combining rock and classical techniques with Malian tunings that make the guitar sound like a kora or ngoni. (New York Times)
Habib Koité ist ein Phänomen: Der Sänger und Gitarrist aus Mali verbindet Virtuosität mit einer weise anmutenden Form der Gelassenheit. Das ist Malis goldene Stimme.

Habib ist ein Musiker und Geschichtenerzähler, der mit Charisma und Können seine musikalischen Wurzeln einem breiten Publikum zugänglich macht. Ein Schlüssel seines Erfolges sind u.a. seine ausgedehnten Konzerttourneen. Er hat seit 1994 weltweit über 1700 Konzerte auf Festivals, in Konzertsälen, Theatern und Clubs gegeben.
Es ist wohl die unerschrockene und äußerst feinsinnige Verschmelzung aller malischen Nuancen mit Soul-, Blues-, Flamenco- Reminiszenzen und modernem Afro-Groove zu einem neuen Klangbild, die den Zauber seiner Musik ausmacht. Mit einem Fuß in der Vergangenheit und dem anderen in der Zukunft ist Habib Koité ein Künstler für eine Generation, die das Zusammenbrechen kultureller Barrieren auch als Befreiung erlebt hat.
Die New York Times schreibt über ihn: "Seine Reputation als Gitarrist ist schon beinahe mystisch, er kombiniert Rock - und Klassik Techniken mit Stimmungen aus Mali, die die Gitarre wie eine Kora oder N'Goni klingen lassen."

Früher oder später musste es kommen: Ihr solo-programm. Mit dem Duo Catch-Pop String-Strong begann sie Wiens Bühnen unsicher zu machen, auch mit Madame Baheux festigte sie ihren Ruf als einfallsreiche Arrangeurin, expressive Stimmkünstlerin und Entertainerin. Wo immer man sie verorten will: Neue&Alte Musik/World/Songwriting/Kabarett/Jazz – sie saugt sich den Nektar aus all diesen Genres und lässt ihre ureigene Mischung daraus gären. Hommagen an vergessene Traditionen und unvergessliches Neues!

die Bratschistin und Sängerin JELENA POPRŽAN zeigt auf ihrem Solo-Debüt „La Folia“  auf mitreißende Art, was Außergewöhnliches entstehen kann, löst man sich einmal von allen klassischen musikalischen Begrifflichkeiten.
Kennern der österreichischen Weltmusik- und Jazzszene muss man Jelena Popržan eigentlich nicht mehr allzu groß vorstellen. Die aus Serbien stammende und seit vielen Jahren in Wien lebende Musikerin war Teil des erfolgreichen Duos Catch-Pop String-Strong, ist Mitglied der nicht weniger erfolgreichen Band Madame Baheux und hat auch beim Weltmusikdreier Sormeh und vielen anderen Formationen ihre Finger mit im Spiel.
Was die charismatische Bratschistin und Vokalistin auszeichnet und wofür sie bekannt ist, ist ihre immense musikalische Offenheit gepaart mit einer ordentlichen Portion künstlerischer Eigenwilligkeit und Experimentierfreude. Wohl bei nur wenigen Musikerinnen trifft der Satz: „Sie macht, was sie will“ so sehr zu, wie es bei ihr der Fall ist. Und das zeigt sich auch auf „La Folia“, ihrem Solo-Debüt, auf eine wirklich atemberaubende Weise.

Hört man sich durch ihre Nummern, ist es fast so, als befände man sich im pulsierenden Zentrum der Vereinigung unterschiedlichster musikalischer Welten. Folk aus verschiedensten Regionen, Wienerlied, Singer-Songwriting, Einflüsse aus Klassik, der Kammermusik und dem Jazz, alles findet sich in der Musik der Künstlerin in irgendeiner Form wieder. Damit nicht genug singt Jelena Popržan dann noch auf Deutsch, Englisch, Französisch und Serbisch, was die ganze Sache noch abwechslungsreicher macht.
Jedes Stück erzählt eine andere Geschichte, mal passiert dies das nahe an der Tradition, dann wieder in einer modernen musikalischen Sprache. Der Stimmungsbogen, den die Bratschistin mit dem Gespür für packende Melodien spannt ist ein weiter und reicht von leisen, sanften und gediegenen Momenten über schwungvoll tänzelnde Passagen bis hin zu hochdramatischen Explosionen. Dazwischen wird es immer wieder auch ein wenig schräg oder experimentell.
„La Folia“ ist ein faszinierender Blick über den Tellerrand des gewöhnlich Musikalischen hinaus, eine kunstvolle und ereignisreiche Reise durch unterschiedlichste musikalische Umgebungen. Jelena Popržan liefert ein Stück Musik ab, das auf wunderbare Weise zu fesseln vermag und in höchstem Maße mit Stil zu unterhalten weiß. (MICA Michael Ternai)

Mit Jelena Popržan
(5-saitige Viola, Gesang, Looper, Maulgeige, Glasharmonika)

„…empathisch aufgeladene, unglaublich präzise Vokal- und Bratschenakrobatin…“ / Jörg Duit – Radio Ö1
„…Musik und Gesang, die Popržan mit Charisma anführt…“ / Michael Wurmlitzer – Der Standard 
„…Geniale Musik-Erfindung…“ / Heinz Wagner – Kurier

ILSE AICHINGER

2021 jährt sich der Geburtstag von Ilse Aichinger zum hundertsten Mal. 
Und ihr Todestag (am 11.November 2016) zum fünften Mal.
Ilse Aichinger und ihre Zwillingsschwester Helga wurden als Töchter der jüdischen Ärztin Berta Aichinger und des (nicht-jüdischen) Lehrers Ludwig Aichinger in Wien geboren und in der Pfarre Döbling getauft. Die Familie lebte zunächst in Linz und Wien. Nach der Scheidung übersiedelte Berta Aichinger mit den beiden Kindern 1926 nach Wien, wo sie die Unterstützung ihrer Familie hatte. Zur Großmutter entwickelte Ilse Aichinger ein besonderes Naheverhältnis.
Während es ihrer Zwillingsschwester Helga gelang, im Juli 1939 mit einem der letzten Jugendtransporte nach England zu fliehen, blieben Berta und Ilse Aichinger in Wien. Die Mutter verlor 1938 ihre Anstellung als Schulärztin bei der Gemeinde Wien und musste sich als Fabrikarbeiterin durchbringen. Ilse Aichinger wurde als "Halbjüdin" das Medizinstudium verwehrt. Während des Krieges nahm sie Gelegenheitsarbeiten an und wurde dienstverpflichtet. Die Großmutter und die jüngeren Geschwister der Mutter wurden 1942 deportiert und ermordet. Ilse Aichinger, die die Deportation der geliebten Großmutter mitansehen musste, thematisierte dieses traumatische Ereignis mehrfach in ihren Texten.

Nach Kriegsende begann Ilse Aichinger ein Medizinstudium, brach es aber ab, um ihren Roman "Die größere Hoffnung" fertigzustellen. 1947/1948 reiste sie nach England, um ihre Zwillingsschwester wiederzusehen. Bei dieser Gelegenheit lernte sie Elias Canetti und Erich Fried kennen. 1949 wurde sie über Vermittlung von Gottfried Bermann-Fischer als Lektorin bei der Wiener Niederlassung des S. Fischer Verlags engagiert. Nach einem Jahr ging sie allerdings nach Ulm, wo sie als Assistentin von Inge Aicher-Scholl, einer Schwester der Widerstandskämpfer Sophie und Hans Scholl, am Aufbau der Ulmer Hochschule für Gestaltung mitarbeitete.

1951 nahm Aichinger erstmals an einer Tagung der Gruppe 47 teil. Bereits im Jahr darauf erhielt sie für ihren Text "Spiegelgeschichte" den Preis der Gruppe 47. Damit gelang ihr der literarische Durchbruch. Als Mitglied der Gruppe 47 lernte sie zudem den Lyriker Günter Eich kennen, den sie 1953 in München heiratete. Das Paar hatte zwei Kinder, Clemens (1954–1998) und Mirjam (* 1957). Die Familie lebte in Bayern und ab 1963 in Großgmain bei Salzburg. 1984, nach dem Tod ihrer Mutter, übersiedelte Ilse Aichinger auf Einladung des S. Fischer Verlags nach Frankfurt am Main, 1988 kehrte sie nach Wien zurück. Die Schriftstellerin lebte zurückgezogen, besuchte allerdings regelmäßig – vor allem auch zum Schreiben – Kaffeehäuser und war eine leidenschaftliche Kinogeherin.

Ilse Aichinger verstarb am 11. November 2016. Ihr Todestag jährt sich also heuer zum fünften Mal. Beide Jahrestage im November, Geburtstag und Todestag, sind Anlass genug, dieser bedeutenden österreichischen Schriftstellerin einen Abend zu widmen, in dessen Mittelpunkt Ihre vielleicht berühmteste Kurzgeschichte steht, die Spiegelgeschichte.

DIE SPIEGELGESCHICHTE

Spiegelgeschichte Ilse Aichinger hat ihre Spiegelgeschichte 1949 geschrieben. Dieses nur wenige Seiten lange Stück Kurzprosa wurde zunächst in vier Folgen in der Wiener Tageszeitung veröffentlicht.1952 erhielt die junge Schriftstellerin dafür den Literaturpreis der Gruppe 47, in der sich Autoren wie Heinrich Böll und ihr späterer Mann Günther Eich, um den Schriftsteller Hans Werner Richter scharrten, und sorgte für Furore. Die Spiegelgeschichte stellt nicht nur einen Meilenstein am Beginn des Schaffens von Ilse Aichinger dar, dieser Text gilt bis heute als einer ihrer bedeutendsten und berührensten Prosastücke. Wobei sich dessen Inhalt in einem Satz erzählen lässt. Eine junge Frau, liegt auf Grund einer missglückten Abtreibung im Sterben, und erzählt sich ihr Leben rückwärts, vom bevorstehenden Tod bis zu ihrer Geburt. Der Zeitpunkt Ihrer Geburt, ist gleichzeitig der Zeitpunkt ihres Todes. Dieses Ineinanderfallen von Geborenwerden und Sterben zeigt eine der zentralen Lebensphilosophien Ilse Aichingers, Sie spiegelt sich in ihrem Denken und Schaffen wieder. Unsere Geburt liefert uns dem Tod aus. Daher gilt es, die uns geschenkte Lebenszeit immer mit dem Bewusstsein des bevorstehenden Todes zu gestalten. Ein weiteres zentrales Themen, das Ilse Aichinger in diesem Text behandelt, ist das Verschwinden, das Vergehen, das sich Auflösen. Sie selbst sagt über sich: „Eine Sehnsucht zu verschwinden hatte ich schon immer, bereits als Kind“. Sie betrachtet auch das Schreiben im Laufe ihres Lebens immer mehr als die Essenz ihres Nicht-Schreibens, welches auszuhalten, auch die große Herausforderung für jeden Schreibenden sei. Schweigen ist die Voraussetzung für Sprechen, oder Schreiben, ist deren Nährstoff. Auch die Auseinandersetzung mit dem Kind an sich und der Kindheit begegnet uns in der Spiegelgeschichte. Die junge Frau stirbt, aufgrund der illegalen Abtreibung ihres Kindes. Immer wieder begegnen uns in dieser Geschichte Kinder, bis die Frau selbst wieder zum Kind wird, zum Kleinkind, zum Säugling und letzten Endes zur Neugeborenen, über die sich ihr Vater beugt. Ilse Aichinger beklagt in einigen Interviews den Verlust der Kindheit als den größten Verlust, den ein Mensch haben kann.

GEDANKEN. VON ELISABETH DE ROO 

Mit dem Tod habe ich mich noch nie so ausführlich befasst, sodass ich keine Idee oder Vorstellung habe, wie der so ist oder sein könnte. Vielleicht liegt es auch daran, dass ich am Leben einfach mehr interessiert bin als am Sterben. Die Geschichte thematisiert beides; das Leben und das Sterben. Die Rückschau einer Toten/Sterbenden durch einen Spiegel in ihr Leben – eine Spiegelgeschichte. Ich lebe unheimlich gerne und je älter ich werde, desto lieber bin ich auf der Welt zuhause und umso klarer kann ich artikulieren, weshalb das so ist
Der Gedanke, dass der Tod schneller kommen könnte als es mir passt, passt mir gar nicht. Die Spiegelgeschichte konfrontiert mich mit der Vorstellung des Sterbens und so finde ich mich wieder in der sterbenden Toten, die ihre lebendige Welt ein aller letztes Mal durch einen Spiegel betrachtet, um noch einmal leben zu können und um sich vom Leben zu verabschieden. Ein schöner Gedanke dem Leben erst Lebewohl zu sagen, um dann zu sterben – „Lass es geschehen!“ Ohne zu manipulieren, ohne in eine bestimmte Richtung zu lenken, ohne Vorwurf und vollkommen wertfrei, ja fast sachlich beschreibt Aichinger ein Menschenleben. Aichinger versteht es, ihren Leserinnen und Lesern, die Freiheit zu lassen selbst zu urteilen und selbst zu fühlen. Dies empfinde ich als eine Wohltat in einer Gesellschaft, die, so scheint es mir, zu regelmäßig das Bedürfnis hat, andere zu manipulieren. Die Spiegelgeschichte beweist: Es ist möglich sachlich zu berichten und eine Fülle an Emotionen zu erzeugen. Das fasziniert mich.
Was für ein Kunstwerk.

THOMAS LACKNER: Charakter der „Inszenierung“

Die geplante Aufführung soll das Literarische in den Vordergrund stellen. Die Erzählung wird als Monolog aus dem Mund der Schauspielerin hörbar und dreidimensional.
Die konsequente Form der umgekehrten Lebenserzählung und deren sprachliche Gestaltung in knappen, zielsicheren, aber hochpoetischen Bildern. So werden an einer Stelle Früchte wieder zu Blüten, und die Blüten wieder zu Knospen, und die Knospen wieder zu Früchten.
Mich fasziniert der Gedanke, und ich sehe als große Herausforderung für eine Schauspielerin die Nuancen dieses Textes hörbar zu machen, die umgekehrte Logik des Lebensweges der jungen Frau für ein Publikum nachvollziehbar zu machen, im Moment des Hörens und Erlebens. Und die Stille soll der Nährboden werden, auf dem diese Geschichte blüht und wächst. Auch als Kontrapunkt zum Lärm und der Reizüberflutung der heutigen Zeit, selbst in Zeiten von Corona, wo wir uns in unterschiedlichsten Virtuellen Formaten bewegen, von Zoom bis Club-House.
Das Thema Vergänglichkeit und das Bewusstsein, dass unser Leben irgendwann endet, hat nicht nur immer eine große Rolle in meinem Leben gespielt, sondern gewinnt mit zunehmendem Alter natürlich noch mehr an Bedeutung und Brisanz. Ich glaube, die Schriftstellerin Ellis Kaut hat einmal pointiert gesagt, ihr sei noch niemand begegnet, der nicht sterben würde. Der Tod verbindet uns alle, spielt aber kaum eine Rolle in unserem Leben. Wir verdrängen diese Tatsache. Doch das Bewusstsein um unsere Vergänglichkeit vermag viele unserer persönlichen Kämpfe in eine richtige Relation zu setzten. Und das meint auch Ilse Aichinger, wenn sie fordert, das Lebensende während des Lebens in Betracht zu ziehen, mit auf der Rechnung zu haben. Davon möchte dieser Abend auch erzählen.
Und was das Thema „Kindheit“ betrifft. Ich habe selbst zwei kleine Kinder, und beobachte, wie sie beginnen, die Welt zu erobern, mit welcher Neugierde und Lust. Irgendwann ersetzen wir diese Neugierde durch Pflichtbewusstsein und Leistungszwang. Und ein wunderschöner Moment in Aichingers Spiegelgeschichte ist, wenn sie beschreibt, wie schwer es ist, wieder zu verlernen, um die Offenheit des Kindes zurück zu bekommen. Auch diesen Aspekt soll der gesprochene Monolog zum Schweben und Klingen bringen.
Das Ziel dieser Produktion ist ein Abend für Ilse Aichinger, und nicht ein Stück Regietheater. Alle anderen Aspekte der „Inszenierung“ sollen nur dazu dienen, die Atmosphäre dieses Textes zu unterstützen.

Thomas Lackner - Regie und Gesang

Nach dem Studium der Musikwissenschaften und seiner Ausbildung zum Tontechniker war Thomas Lackner sieben Jahre als Moderator und Produzent für den Kultursender Ö1 tätig.
Seit 2000 ist er als Schauspieler auf den verschiedensten Bühnen des deutschen Sprachraumes zu sehen, davon 2006 bis 2012 als Ensemblemitglied des Tiroler Landestheaters.
Er gestaltet spartenübergreifende Soloprogramme, auch mit Gesang, Rezitationen, Lesungen mit Musik, Moderationen und Theaterstücke, die Information mit Entertainment verknüpfen, unter anderem im Tiroler Landesmuseum, im Audioversum Science Center Innsbruck, für die Tiroler Wirtschaftskammer,
den Österreichischen Museumsbund, und das Innsbrucker Institut für Quantenoptik und Quanteninformation der Österreichischen Akademie der Wissenschaften.
Im Rahmen eines Bildungskarenzjahres ließ er sich an der University of London zum Trainer und Coach für Stimmentwicklung, professionelle Sprechtechnik, Präsenz und persönlichen Auftritt ausbilden. Er hat derzeit Lehraufträge an der Universität Innsbruck, der Hochschule für Musik Würzburg, und der FH Gesundheit Innsbruck inne und leitet die WIFI Stimmakademie. Im Rahmen von firmeninternen Trainings und Coachings begleitet Thomas Lackner Führungskräfte und Mitarbeiter im wirtschaftlichen, administrativen und edukativen Bereich.

Elisabeth de Roo - Schauspiel

Elisabeth de Roo absolvierte ihren Master im Fach Lied und Oratorium an der Universität Mozarteum in Salzburg sowie ihren Bachelor für Immobilienwirtschaft und Facility Management an der Fachhochschule in Kufstein.
Sie war mehrere Jahre Abteilungsleiterin des Departments
„Career Center“ an der Universität Mozarteum in Salzburg. Dort widmete sie sich der Lehre und entwickelte unterschiedlichste Coaching-Programme für Studierende und Alumni der Universität. Zudem leitete sie die „Kinder-Uni“ von Seiten des Universität Mozarteum.
Ihr Debüt als Opernsängerin gab sie als Susanna in „Sancta Susanna“ von Paul Hindemith, unter der Leitung von Hans Graf. In Linz, Wien und Salzburg sang sie die Königin der Nacht aus der Zauberflöte von W. A. Mozart unter der Leitung von Josef Wallnig. David Garett buchte sie als Sängerin für einen TV-Auftritt im ORF Salzburg. Sie war daraufhin mehrfach als Solistin im ORF zu sehen.
Das klassische Lied ist die große Liebe der Sängerin und die Art der Musik, der sie sich am verbundensten fühlt. Zahlreiche Einladungen zu Liederabenden, mit Orchestern, Ensembles oder im Duo, führten Elisabeth de Roo nach Italien, Deutschland, Frankreich und Österreich. Zuletzt sang sie Mahlers 4. Sinfonie am Theater Ristori in Verona und gestaltete mehrere Uraufführung im Vierundeinzig in Innsbruck

BERND HAAS. KOMPONIST. GITARRIST

Bernd Haas wurde 1979 in Innsbruck geboren, und war schon in jungen Jahren von Musik fasziniert. Er studierte Jazzgitarre am Tiroler Landeskonservatorium (Abschluss 2004), absolvierte das BA-Studium für klassische Gitarre am Mozarteum Salzburg/Innsbruck (Abschluss mit Auszeichnung 2016). Seit mehr als 15 Jahren unterrichtet er klassische und elektrische Gitarre u.a. am Tiroler Musikschulwerk und ist seit seiner Jugend als freischaffender Künstler in den Bereichen Jazz bis Rock musikalisch tätig. Sein Wirken und Schaffen erstreckt sich von solistischer Kammermusik bis hin zu Musik für große Ensembles. Er komponiert und produziert Musik für verschiedene Bands, Film und Kabarett. Zahlreiche CD Einspielungen sind bei verschiedenen Labels (GLM, Quinton, Polyglobe, Listen Closely, …) erschienen. Bernd Haas lebt mit seiner Familie in der Nähe von Innsbruck.

Jane Bunnett: soprano saxophone, flute
Joanna Majoko: vocals, percussion
Mary Paz: conga, vocals, cajón, bata drums
Dánae Olano: piano, vocals
Tailin Marrero: bass, vocals 
Yissy García: drums

Ahoi Frauenpower!
Die kanadische Querflötistin und Sopransaxofonistin Jane Bunnett hat sich mit Maqueque ein Ensemble aus herausragenden kubanischen Musikerinnen zusammengestellt. Was als Mentoring-Projekt begann, hat sich in den letzten fünf Jahren zu einer eigenständigen Band entwickelt: Heute sind Jane Bunnett & Maqueque mit ihrem energetischen Mix aus rhythmusgetriebenem Jazz und afrokubanischen Melodien nicht mehr aus der nordamerikanischen Jazzszene wegzudenken.

Gerade in der Musik spielt nationale Zugehörigkeit keine Rolle, könnte man meinen. Bei Jane Bunnett aber ist das Gegenteil der Fall. Dass die Saxofonistin aus Toronto kommt, ist karriereentscheidend. Denn als Kanadierin kann sie das Embargo der USA gegen Kuba umgehen. Seit den 1990ern reist Jane Bunnett in einer Häufigkeit nach Kuba, die ihren nordamerikanischen Kolleginnen und Kollegen nicht möglich ist. Die afrokubanische Musik fliesst intensiv ins Werk der Sopransaxofonistin und Flötistin ein.
Rhythmusgetriebener, melodieverliebter Jazz, der Jane Bunnett mehrere Grammy-Nominationen eingebracht hat. Gleichzeitig ist sie auch Vermittlerin, indem sie kubanische Volksmusik und Jazz in die Vereinigten Staaten brachte. Gesellschaftspolitische Aussagen macht die 62jährige Musikerin bis heute: mit Plattentiteln wie «Radio Guantanamo» oder ihrer bewussten Entscheidung, kubanische Musikerinnen zu fördern.

Die fünffache Juno-Award-Gewinnerin Jane Bunnett vereint in ihren Bands die grössten musikalischen Talente aus Kanada, Amerika und Kuba. Sie wurde für drei Grammy-Awards nominiert, erhielt den “Order of Canada”, die “Queen’s Diamond Jubilee Medal” und kürzlich den “Premier’s Award for Excellence”. Mit Maqueque erschuf Jane etwas völlig neues und phänomenales in der Welt des Jazz. Was vor fünf Jahren als Projekt, mit jungen, brillianten Musikerinnen aus Kuba Aufnahmen zu machen begann, hat sich zu einer der Top-Gruppen der nordamerikanischen Jazzszene entwickelt. Allein im letzten Jahr spielten sie an grossen Jazzfestivals wie Newport oder Monterey, wurden mit ihrem neusten Album “Oddara” für einen Grammy nominiert und vom DownBeat “Critics poll “zu einer der 10 besten Jazz-Gruppen erkoren. Jane Bunnett ist als international anerkannte Musikern bekannt für ihre kreative Integrität sowie für ihren Mut zur Improvisation. Ihre Erforschung afro-kubanischer Melodien zeigt die Universalität von Musik auf und Jane’s Fähigkeit die Rhythmen und die Kultur von Kuba nicht nur zu integrieren, sondern in den Vordergrund zu rücken ist bahnbrechend. Auf ihren weltweiten Tourneen brachte Jane ihren eigenen, speziellen Sound an zahlreiche Jazzfestivals und präsentierte dort ihre Vielseitigkeit als Flötistin, Saxophonistin und Pianistin dem Publikum. Es existieren zwei Dokumentarfilme über Jane’s Arbeit: “Spirits of Havans” des National Film Boards wurde international an zahlreichen Filmfestivals, im Fernsehen und in Europa gezeigt. Ein aktuellerer Film – “Embracing Voices” - wurde an diversen Filmfestivals aufgeführt und wartet derzeit auf ein kommerzielles Veröffentlichungsdatum. 16.04.-20.04.2019 Jane Bunnett & MaquequeOb als Musikerin, Lehrerin oder auch als Sozialaktivistin – Jane Bunnett hat keine Angst davor, auf ihrer Suche nach Perfektion neue Gebiete zu erkunden.

Apropos Herz:

Der Landler. Die Urform der österreichischen Volksmusik. Darin verpackt befindet sich der Herzschlag. Das ist kein schlechter Scherz, sondern die reinste Wahrheit: Die Betonungen in dieser dreivierteltaktigen Gattung liegen auf den Taktzeiten eins und drei. Daraus ergibt sich ein Rhythmus, der einem gesunden, pumpenden Herzmuskel ähnelt: bumm-bumm. bumm-bumm. bumm-bumm. Schlussfolgerung: 
ALMA spielen nicht nur Seelenmusik, 
es geht noch näher: Herzensmusik!

Almas Musik löst Emotionen aus, sie kommt direkt aus der Seele und möchte Menschen dort erreichen, wo deren eigene Wurzeln schlummern. Seit 2011 verbindet Alma volksmusikalische Bodenständigkeit spielerisch mit komplexen Arrangements und tourt damit durch die Weltgeschichte. Weil ganz selbstverständlich Klassik und Volksmusik, Ländler und Polka, Jodler und Walzer, Bourrée und Musette Seite an Seite erklingen, weil alles, ob Freude, Glück oder Melancholie, echt ist, weil hier jeder Ton mit großem Respekt gesetzt und der Inspiration immer genügend Raum gelassen wird, sprengt Almas Musik Grenzen ohne mit musikalischen Traditionen zu brechen.

Eine Band, die sich dem traditionellen Musizieren und dessen Überschreitung verschrieben hat, ist ALMA. Auf der Suche nach seinen musikalischen Wurzeln, gräbt das Ensemble stets im tieferen Erdreich und entdeckt dort längst vergessenes und altbekanntes Wurzelwerk gleichermaßen.
In ALMAs Musik wird aber nicht nur die Auseinandersetzung mit der Tradition erlebbar gemacht, sondern auch deren Transfer in die Gegenwart. Behutsam, mit archäologischem Fingerspitzengefühl widmen sich die in Wien beheimateten fünf Musikerinnen und Musiker allem, was ihnen lieb und teuer erscheint. Inspiration für ihre Kompositionen und Bearbeitungen holt sich die Band unter anderem auf ihren zahlreichen Konzertreisen, dies sie bereits von Wien über Skandinavien bis nach Peru geführt haben.
Weil ganz selbstverständlich Klassik und Volksmusik, Ländler und Polka, Jodler und Walzer, Komposition und Improvisation Seite an Seite erklingen, weil alles, ob Freude, Glück oder Melancholie, echt ist, weil hier jeder Ton mit großem Respekt gesetzt und der Inspiration immer genügend Raum gelassen wird, sprengt Almas Musik Grenzen, ohne mit musikalischen Traditionen zu brechen.

2013 erschien ihr Debütalbum Nativa auf dem Label col legno, ihr zweites Album Transalpin folgte im Mai 2015. Das dritte Album mit dem dadaistischen Titel Oeo folgt 2017 und ist dem Esperanto der alpenländischen Musik gewidmet. Die Welthilfssprache, die der internationalen Kommunikation dient, hat im Alpenraum eine Schwesternsprache, die auf den ersten Blick nicht danach aussieht. Wie kann das sein? Ganz einfach: Die wohlklingende Sprachmelodie des Jodelns kann Botschaften weiterleiten, denen die Hochsprache nie nachkommt: Gefühlstimmungen ausdrücken, die Zeit überdauern oder einfach glücklich machen.

ALMA sind
Julia Lacherstorfer – Geige, Gesang | OÖ
Evelyn Mair – Geige, Gesang | Südtirol
Matteo Haitzmann – Geige, Gesang| SBG
Marie-Theres Stickler – Diat. Harmonika, Shruti Box, Gesang | NÖ
Marlene Lacherstorfer – Kontrabass, Harmonium, Gesang | OÖ

FURO:RE

Taucht man in die Welt von ALMA ein, erscheinen Kategorien wie Raum und Zeit relativ. Wie nach dem Genuss eines guten Glases Wein oder einem übermütig getanzten Walzer, hinterlässt deren Musik ein wohl dosiertes Schwindelgefühl. Vor dem inneren Auge entstehen während des Hörens Soundlandschaften, die einen gut beschuht durch Tradition und Moderne tänzeln lassen. Zu ihrem 10-jährigen Bandjubiläum erweitert das Quintett nun seine Spielräume und sprengt die Grenzen zwischen Fantasie und Realität, Körper und Seele, Bühne und Wirtshaus. So betritt das Publikum zunächst einen bestuhlten Konzertsaal, um sich weniger später auf einem Tanzboden wiederzufinden. Während der erste Teil des Abends den Raum in Richtung Zukunft dehnt, mit Spieltechniken und Improvisationsteilen experimentiert, zollt die zweite Konzerthälfte traditionellen Spielarten Tribut. Gemeinsamer Nenner ist und bleibt dabei die Gegenwart, in der Alma vor allem für eines sorgt: Furore!

»Attwenger sind nicht nur die virtuosesten, sondern auch die widersprüchlichsten Rabauken, die das Popgeschäft in Jahren heimgesucht haben. Weil den Stars die Ideen ausgingen, reisten sie nach Afrika und Lateinamerika, um mit den Eingeborenen zu musizieren. Im Fall Attwenger ist das anders. Hier musizieren die Wilden selber.« 

manche sind ja der meinung, attwenger sei die unnachahmlichste band zwischen linz und übersee, andere wiederum haben noch nie von uns gehört bzw. schon wieder auf uns vergessen. drum haben wir drum gemacht, unser 9. studioalbum, eine überfällige boomer-produktion, 15 neue songs mit allem drum und dran:
trap-slang und country-fiction, kraut- und rübenmusik, mentalitätskritik, dialektgroove, electronica und polkapunk.
drum auch deshalb, weil umstände zur sprache gebracht werden wollten, die nerven. würden sie nicht nerven, wozu dann die musik?
um nicht länger drum herum zu reden: auf diesem album wird darüber gesungen, was er so und sie so sieht, was ein falsches viech ist, dass happiness zum business wurde und alle daumen lang der vater grantig wird, die leute zwar weit sind, aber leider nicht weiter, was alles völlig wurscht sein kann, gefolgt von gereimtem gelaber und songs über den kredit und die schulden. darüber hinaus geht es drum, dass die realität zu real ist, ein wenig weniger sehr gut täte, außerdem um das, was einer von uns mag, was alle, die ich kenne, nicht wissen wollen, um ein traumhaftes drum und dass sich letztlich niemand in die hose zu machen braucht.
drum kann ein trumm, d.h. eines dieser trümmer sein, die plötzlich im weg stehen, womöglich in form einer überdimensionalen rübe, und sei es nur eine virtuelle, aber sei‘s drum. hier ist sowieso alles konstruiert. bis zu 70 spuren pro song, jede davon auf die eine oder andere weise bearbeitet, die texte, sofern nicht spontan entstanden, über monate, teilweise über jahre zusammengefrickelt. hier ist nichts authentisch, aber alles täuschend echt. ---  markus binder

DAS NEUE ALBUM: DRUM

"Ein Album, das es eigentlich nicht geben kann, weil so etwas noch keiner gemacht hat. Es ist irre, es ist ausgefuchst, und es ist für all die wilden Music Lovers, die keine Angst vor gar nichts haben." (Süddeutsche Zeitung)
"Mischung aus politisch-gesellschaftlichen Reflexionen, Beziehungsdramoletten und philosophischen Sprachspielereien." (FM4)
"Drum ist eines der facettenreichsten Alben der Bandgeschichte und rundum gelungen obendrein." (Falter)
"Erinnern daran, dass Pop ausgelassen und politisch sein darf." (Ö1)

SZ: Musik von einem anderen Stern

Es war tief in der Nacht. Eigentlich schon am frühen Morgen. Bei ihrem allerersten Konzert in Wien. Da stand dieser Typ im Publikum: "Hört auf!", schrie er. "Das ist Scheiße! Das wird nie was!" Markus Binder hat das nie vergessen. Es gefällt ihm bis heute. Dieser Typ hatte es begriffen. Er hatte verstanden, dass er da etwas hört, was es nicht gab: eine Ziehharmonika, verzerrtes Heulen. Ein Punk-Knüppel-Schlagzeug. Und Rap. Irgendwie so wie in New York. Nur auf Österreichisch.

Etwas mehr als 30 Jahre später sind die zwei von Attwenger immer noch da und veröffentlichen ihr neuntes Studioalbum beim Münchner Label Trikont. Es heißt "Drum" wie drum und dran oder wie Schlagzeug. Es ist ein Album, das es eigentlich nicht geben kann, weil so etwas noch keiner gemacht hat. Es ist irre, es ist ausgefuchst, und es ist für all die wilden Music Lovers, die keine Angst vor gar nichts haben. Als Attwenger anfingen, war die Volksmusik im Aufbruch. Man hörte die erste verzerrte E-Gitarre, und ein Hiatamadl hatte keine dickn Wadl. Attwenger spielten in ihrer eigenen Welt, weit draußen. Dort, wo neue Musik passierte und schnell reimende Rapper ihr Leben zu Text machten und aus Text ein neues Leben schufen.

Mit dem neuen Album steuern Attwenger nach vielen Wendungen nun in den Trap, einen Hip-Hop-Stil der auch schon eine ganze Weile in der Szene rumort, in den vergangenen Jahren aber an die Oberfläche durchbrach. "erso & sieso" heißt die erste Nummer. Synthiebass und elektronische Bassdrum kullern rund geformt durch die Nummer. Und an der Leine tänzelt die Hi-Hat. Elektronisch und mit Filtern bearbeitet - eigenständiger Sound-Groove. Spricht man den Schlagzeuger Markus Binder darauf an, freut er sich und erzählt, wie die Bass-Drum in den Achtzigern nur ein "diffuser Wumms" war, wie sich mit dem Hip-Hop die Bass als eigenständige Wucht etabliert hat. Und wie nun der Trap musikhistorisch ein "toller Step vorwärts" ist, weil sich die Hi-Hat emanzipiert und die Grundelemente eines Schlagzeugs erstmals gleichberechtigt sind.

Binder ist der Pop-Ingenieur hinter den Attwenger-Songs. Ende der Neunziger hat er mit einem Studio begonnen, sich abzukoppeln von den Produktionsbedingungen des Marktes. Heute hat er alles "im Rechner" und freut sich, dass damit die "ultimative Demokratisierung und Entkapitalisierung möglich ist". "Drum" ist ein Ergebnis nächtelanger Tüftelei. Für "foisches viech" haben sie sich von Fuzzman einen verzerrten Bass über den Sequenzer-Rhythmus einspielen lassen. Der Text ist rhythmisch pulsendes Denken über das wilde Wesen in den Eingeweiden des Menschen, stoisch zweistimmig auf einen Ton sprechgesungen. Die Bestie aber ist die verzerrte Ziehharmonika von Hans-Peter Falkner, die tobt, tost und brüllt wie nie zuvor. Um Vergleiche verlegen, ahnt man, dass es vielleicht so geklungen hätte, hätten The Prodigy Volksmusik gemacht.

"Schuidn" ist ein Zwiegesang im Stile eines Wiener Liedes über einen, dem das mit dem Geld über den Kopf wächst. Der Witz ist der massive, auf Bass und Snare reduzierte langsame Hip-Hop-Beat. Mehrere Bass-Drums hat Binder übereinander gelegt und bearbeitet, bis er seinen Sound gefunden hatte. Er ist raumfüllend. Gar nicht einfach, einen Sound so zu bearbeiten, dass er im Mix nicht den anderen Instrumenten die Lautstärke wegfrisst. Aber Binder, der als Schlagzeuger immer schon eine maschinenhafte Präzision hatte und Beats stanzen konnte, arbeitet auch als Musiker ein wenig so, wie ein analoger Synthesizer. Der formt den Ton mittels subtraktiver Synthese, heißt, aus dem vollen Frequenzspektrum werden mittels Filtern bestimmte Frequenzen entfernt. So entsteht auch der Attwenger-Sound durch das, was abgezogen wird. "Reduce it to the max", sagt Binder. Am Ende des Prozesses bleibt genau das Notwendige übrig, was den Song ausmacht. Das funktioniert übrigens auch in den Binder-Texten: "i kapiers nie vamiss mi / friss mi vagismi sogd sie" heißt es in "vagismi" einer Nummer, die mit dem Vokal "i" in einem hübsch begrenzten Frequenzraum spielt.
Mit einem winzigen, ewig wiederholten Soundschnipsel, einem Sample, ist "leider" gebaut. Man denkt an ein Wiener Lied, aber der Schnipsel ist doch ein Vokalstück aus Nordamerika. Eine Schellack-Aufnahme. Der Transfer zwischen der neuen und der alten Welt - da ist sie wieder, die Kernidee dieser Band. Der Sample wird transponiert und zur Bluesbegleitung für den Gesang. Binder probierte: spielte mit Bass und Rhythmus. Bis er erkannte: "Das Rauschen ist die Musik, That's it."

Das Rauschen der Schellack-Platte öffnet in diesem Popsong von dreieinhalb Minuten eine historische Dimension, so wie Attwenger mit ein paar Nummern im alten Polka-Punk-Stil auch auf dieser Platte ein Duo sind, das die eigene Klanggeschichte zum Thema macht. Der Schnipsel aus Nordamerika macht in diesem Zeitverschachtelspiel die Tiefe der Vergangenheit spürbar, aus der er hochgetaucht wurde, bis er heute in einem Lied zur aktuellen Situation das Fundament liefert. Einem Lied über Linke, die heute rechts wählen. "Ich habe es von Anfang an so gesehen, dass Musik auch ein Transportmittel für einen Diskurs, eine Meinung, eine Provokation, die Mitteilung eines politischen Standpunktes ist", sagt Binder.

Und man könnte mit ihm über Reagan und Thatcher und die "Konkurrenzmentalität" reden. Darüber, warum der Sozialdemokratie Wählerschichten weggebrochen sind, die heute auf der Gegenseite marschieren. Aber erstens will Binder nicht erzählen, was andere schon vor ihm gesagt haben und zweitens ist die Attwenger-Art, einen Standpunkt zu vertreten, eine andere. Und so ist mit einem Refrain - reduce it to the max - alles gesagt: "i mog diese leid ned / diese leid meng ned mi / die glaubm das bessare gibt / und schlechtare gibt / und die bessan des san oiwei sie".

Attwenger funktionieren als Pop-Band ein wenig so, wie die Pet Shop Boys. Man kann "Drum" mit Überbau hören und wissen, dass Markus Binders Musikgeschmack locker bis John Cage und Neuer Musik reicht. Dann wundert man sich nicht, wenn man hört, dass sie schon auf der Architekturbiennale in Venedig gespielt haben. Man kann Attwenger als Pop-Neuerer hören, die international verständlich sind. Dann wundert man sich nicht, dass sie in Amerika waren, in Mexiko, Pakistan, Vietnam, Zimbabwe. Oder man kann Attwenger hören und gar nichts denken wollen. In einem kleinen klebrigen Club mit dem dritten Bier in der Hand sich einfach nur freuen, wie einem der Beat in den Bauch fährt: "grod hob i aun wos docht / auf amoi is des furt / i waas ned woa des wichtig / keine ahnung völlig wurscht".

(SZ / SüDDEUTSCHE ZEITUNG / Christian Jooß-Bernau)

Abrazo. Umarmung. Mal Engtanz, mal Nahkampf. Gibt es ein besseres Bild für das Duo von Akkordeonist Vincent Peirani und Sopransaxofonist Emile Parisien? „Es ist wie eine Ehe.“ sagt Peirani. „Am Anfang ist alles großartig, wunderbar, ein Paradies. Doch dann gibt es auch immer wieder Krisen, das ist ganz normal. Und jetzt gerade haben wir einfach eine riesen-Lust, zusammen zu spielen.“ Es dürfte nur wenige Musiker geben, die einander so gut kennen, wie Peirani und Parisien. Mehr als 1000 Konzerte haben die Beiden in den letzten knapp zehn Jahren zusammen gespielt, über 600 davon im Duo. Kennengelernt haben sie einander 2012 im Quartett des Schlagzeugers Daniel Humair. Auf einer Koreatour spielten sie dann, recht spontan, ein erstes nächtliches Clubkonzert im Duo. Laut Peirani eine „ca-ta-strophe! to-tal disastre!“. Doch schon kurz danach...

Vincent Peirani und Emile Parisien, die beiden führenden französischen Jazzmusiker ihrer Generation und Prix-Django-Reinhardt-Preisträger, vereinen sich zu einem Duo der Extraklasse. Beide stellen sich in den Dienst des anderen, innovativ und frei, ohne dabei die Altmeister des Akkordeons und Sopransaxophons wie Richard Galliano oder Sidney Bechet zu vergessen. «Belle Époque» hiess ihr erstes umwerfendes Duo-Album von 2014, eine Beschwörung der frühen Zeit, als der Jazz laufen lernte. Sechs Jahre später präsentieren sie ihr zweites Werk «Abrazo», auch dies eine Verneigung, allerdings nicht vor einer Person, sondern einer Kunstform: Dem Tango, seiner Eleganz, Melancholie und rhythmischen und melodischen Kraft. Und wie schon bei ihrem Duo-Debüt, spielen Peirani und Parisien nicht das Material der Vorlagen, sie spielen vielmehr MIT ihm. Ein Traum, wie diese beiden Ausnahmemusiker miteinander harmonieren.

Im Jahr 2014 erschien das erste gemeinsame Duoalbum ›Belle Epoque‹auf ACT. Schnell ging es von da an über die wichtigsten Clubs und Festivals in Frankreich und Deutschland auf Tour in die ganze Welt - nach Asien, Lateinamerika, die USA, Kanada und ganz Europa. Und in weltbekannte klassische Häuser wie die Philharmonien in Berlin, Hamburg, Essen oder Wien. Auch internationale Preise wie der Echo Jazz, Les Victoires duJazz, der Preis der deutschen Schallplattenkritik und zahlreiche Kritikerauszeichnungen führender Jazzmagazine ließen nicht lange auf sich warten. 
Fast sechs Jahre haben sich Peirani und Parisien Zeit genommen für den Nachfolger. Auch ›Abrazo‹ist eine Verneigung, allerdings nicht vor einer Person, sondern einer Kunstform: Dem Tango, seiner Eleganz, Melancholie und rhythmischen und melodischen Kraft. 

Parisiens und Peiranis Eigenkompositionen bewegen sich im Geiste des Tango, ebenso wie das Arrangement von ›Army Dreamer‹aus der Feder der von Peirani tief verehrten Kate Bush. Eine erstaunliche Brücke zum Vorgängeralbum schlägt der Eröffnungs-Titel ›The Crave‹des US-amerikanischen Pianisten und Bandleaders JellyRoll Morton – einem der einflussreichsten Jazzmusiker des frühen 20sten Jahrhunderts. Es scheint, als sei ›Abrazo‹, nach ›Belle Epoque‹, der zweite Teil einer Suite und tatsächlich greifen die beiden Alben, nacheinander gehört, verblüffend ineinander.
Irgendwas klickt hier auf magische Art. Und es scheint, als könnten die Zutaten für dieses traumwandlerische Zusammenspiel wirklich überall herkommen: Ganz gleich ob traditioneller oder moderner Jazz, freie Avantgarde, Klassik, Folklore, Rock, elektronische, Neue oder Alte Musik – der Hunger auf Neues, die Lust am Abenteuer scheint unersättlich. Es sind diese grenzenlose Neugier und der Drang, gemeinsam zu wachsen und immer neue Stufen zu erklimmen, die das Duo Peirani & Parisien zusammenschweißen und so einzigartig machen.

ILSE AICHINGER

2021 jährt sich der Geburtstag von Ilse Aichinger zum hundertsten Mal. 
Und ihr Todestag (am 11.November 2016) zum fünften Mal.
Ilse Aichinger und ihre Zwillingsschwester Helga wurden als Töchter der jüdischen Ärztin Berta Aichinger und des (nicht-jüdischen) Lehrers Ludwig Aichinger in Wien geboren und in der Pfarre Döbling getauft. Die Familie lebte zunächst in Linz und Wien. Nach der Scheidung übersiedelte Berta Aichinger mit den beiden Kindern 1926 nach Wien, wo sie die Unterstützung ihrer Familie hatte. Zur Großmutter entwickelte Ilse Aichinger ein besonderes Naheverhältnis.
Während es ihrer Zwillingsschwester Helga gelang, im Juli 1939 mit einem der letzten Jugendtransporte nach England zu fliehen, blieben Berta und Ilse Aichinger in Wien. Die Mutter verlor 1938 ihre Anstellung als Schulärztin bei der Gemeinde Wien und musste sich als Fabrikarbeiterin durchbringen. Ilse Aichinger wurde als "Halbjüdin" das Medizinstudium verwehrt. Während des Krieges nahm sie Gelegenheitsarbeiten an und wurde dienstverpflichtet. Die Großmutter und die jüngeren Geschwister der Mutter wurden 1942 deportiert und ermordet. Ilse Aichinger, die die Deportation der geliebten Großmutter mitansehen musste, thematisierte dieses traumatische Ereignis mehrfach in ihren Texten.

Nach Kriegsende begann Ilse Aichinger ein Medizinstudium, brach es aber ab, um ihren Roman "Die größere Hoffnung" fertigzustellen. 1947/1948 reiste sie nach England, um ihre Zwillingsschwester wiederzusehen. Bei dieser Gelegenheit lernte sie Elias Canetti und Erich Fried kennen. 1949 wurde sie über Vermittlung von Gottfried Bermann-Fischer als Lektorin bei der Wiener Niederlassung des S. Fischer Verlags engagiert. Nach einem Jahr ging sie allerdings nach Ulm, wo sie als Assistentin von Inge Aicher-Scholl, einer Schwester der Widerstandskämpfer Sophie und Hans Scholl, am Aufbau der Ulmer Hochschule für Gestaltung mitarbeitete.

1951 nahm Aichinger erstmals an einer Tagung der Gruppe 47 teil. Bereits im Jahr darauf erhielt sie für ihren Text "Spiegelgeschichte" den Preis der Gruppe 47. Damit gelang ihr der literarische Durchbruch. Als Mitglied der Gruppe 47 lernte sie zudem den Lyriker Günter Eich kennen, den sie 1953 in München heiratete. Das Paar hatte zwei Kinder, Clemens (1954–1998) und Mirjam (* 1957). Die Familie lebte in Bayern und ab 1963 in Großgmain bei Salzburg. 1984, nach dem Tod ihrer Mutter, übersiedelte Ilse Aichinger auf Einladung des S. Fischer Verlags nach Frankfurt am Main, 1988 kehrte sie nach Wien zurück. Die Schriftstellerin lebte zurückgezogen, besuchte allerdings regelmäßig – vor allem auch zum Schreiben – Kaffeehäuser und war eine leidenschaftliche Kinogeherin.

Ilse Aichinger verstarb am 11. November 2016. Ihr Todestag jährt sich also heuer zum fünften Mal. Beide Jahrestage im November, Geburtstag und Todestag, sind Anlass genug, dieser bedeutenden österreichischen Schriftstellerin einen Abend zu widmen, in dessen Mittelpunkt Ihre vielleicht berühmteste Kurzgeschichte steht, die Spiegelgeschichte.

DIE SPIEGELGESCHICHTE

Spiegelgeschichte Ilse Aichinger hat ihre Spiegelgeschichte 1949 geschrieben. Dieses nur wenige Seiten lange Stück Kurzprosa wurde zunächst in vier Folgen in der Wiener Tageszeitung veröffentlicht.1952 erhielt die junge Schriftstellerin dafür den Literaturpreis der Gruppe 47, in der sich Autoren wie Heinrich Böll und ihr späterer Mann Günther Eich, um den Schriftsteller Hans Werner Richter scharrten, und sorgte für Furore. Die Spiegelgeschichte stellt nicht nur einen Meilenstein am Beginn des Schaffens von Ilse Aichinger dar, dieser Text gilt bis heute als einer ihrer bedeutendsten und berührensten Prosastücke. Wobei sich dessen Inhalt in einem Satz erzählen lässt. Eine junge Frau, liegt auf Grund einer missglückten Abtreibung im Sterben, und erzählt sich ihr Leben rückwärts, vom bevorstehenden Tod bis zu ihrer Geburt. Der Zeitpunkt Ihrer Geburt, ist gleichzeitig der Zeitpunkt ihres Todes. Dieses Ineinanderfallen von Geborenwerden und Sterben zeigt eine der zentralen Lebensphilosophien Ilse Aichingers, Sie spiegelt sich in ihrem Denken und Schaffen wieder. Unsere Geburt liefert uns dem Tod aus. Daher gilt es, die uns geschenkte Lebenszeit immer mit dem Bewusstsein des bevorstehenden Todes zu gestalten. Ein weiteres zentrales Themen, das Ilse Aichinger in diesem Text behandelt, ist das Verschwinden, das Vergehen, das sich Auflösen. Sie selbst sagt über sich: „Eine Sehnsucht zu verschwinden hatte ich schon immer, bereits als Kind“. Sie betrachtet auch das Schreiben im Laufe ihres Lebens immer mehr als die Essenz ihres Nicht-Schreibens, welches auszuhalten, auch die große Herausforderung für jeden Schreibenden sei. Schweigen ist die Voraussetzung für Sprechen, oder Schreiben, ist deren Nährstoff. Auch die Auseinandersetzung mit dem Kind an sich und der Kindheit begegnet uns in der Spiegelgeschichte. Die junge Frau stirbt, aufgrund der illegalen Abtreibung ihres Kindes. Immer wieder begegnen uns in dieser Geschichte Kinder, bis die Frau selbst wieder zum Kind wird, zum Kleinkind, zum Säugling und letzten Endes zur Neugeborenen, über die sich ihr Vater beugt. Ilse Aichinger beklagt in einigen Interviews den Verlust der Kindheit als den größten Verlust, den ein Mensch haben kann.

GEDANKEN. VON ELISABETH DE ROO 

Mit dem Tod habe ich mich noch nie so ausführlich befasst, sodass ich keine Idee oder Vorstellung habe, wie der so ist oder sein könnte. Vielleicht liegt es auch daran, dass ich am Leben einfach mehr interessiert bin als am Sterben. Die Geschichte thematisiert beides; das Leben und das Sterben. Die Rückschau einer Toten/Sterbenden durch einen Spiegel in ihr Leben – eine Spiegelgeschichte. Ich lebe unheimlich gerne und je älter ich werde, desto lieber bin ich auf der Welt zuhause und umso klarer kann ich artikulieren, weshalb das so ist
Der Gedanke, dass der Tod schneller kommen könnte als es mir passt, passt mir gar nicht. Die Spiegelgeschichte konfrontiert mich mit der Vorstellung des Sterbens und so finde ich mich wieder in der sterbenden Toten, die ihre lebendige Welt ein aller letztes Mal durch einen Spiegel betrachtet, um noch einmal leben zu können und um sich vom Leben zu verabschieden. Ein schöner Gedanke dem Leben erst Lebewohl zu sagen, um dann zu sterben – „Lass es geschehen!“ Ohne zu manipulieren, ohne in eine bestimmte Richtung zu lenken, ohne Vorwurf und vollkommen wertfrei, ja fast sachlich beschreibt Aichinger ein Menschenleben. Aichinger versteht es, ihren Leserinnen und Lesern, die Freiheit zu lassen selbst zu urteilen und selbst zu fühlen. Dies empfinde ich als eine Wohltat in einer Gesellschaft, die, so scheint es mir, zu regelmäßig das Bedürfnis hat, andere zu manipulieren. Die Spiegelgeschichte beweist: Es ist möglich sachlich zu berichten und eine Fülle an Emotionen zu erzeugen. Das fasziniert mich.
Was für ein Kunstwerk.

THOMAS LACKNER: Charakter der „Inszenierung“

Die geplante Aufführung soll das Literarische in den Vordergrund stellen. Die Erzählung wird als Monolog aus dem Mund der Schauspielerin hörbar und dreidimensional.
Die konsequente Form der umgekehrten Lebenserzählung und deren sprachliche Gestaltung in knappen, zielsicheren, aber hochpoetischen Bildern. So werden an einer Stelle Früchte wieder zu Blüten, und die Blüten wieder zu Knospen, und die Knospen wieder zu Früchten.
Mich fasziniert der Gedanke, und ich sehe als große Herausforderung für eine Schauspielerin die Nuancen dieses Textes hörbar zu machen, die umgekehrte Logik des Lebensweges der jungen Frau für ein Publikum nachvollziehbar zu machen, im Moment des Hörens und Erlebens. Und die Stille soll der Nährboden werden, auf dem diese Geschichte blüht und wächst. Auch als Kontrapunkt zum Lärm und der Reizüberflutung der heutigen Zeit, selbst in Zeiten von Corona, wo wir uns in unterschiedlichsten Virtuellen Formaten bewegen, von Zoom bis Club-House.
Das Thema Vergänglichkeit und das Bewusstsein, dass unser Leben irgendwann endet, hat nicht nur immer eine große Rolle in meinem Leben gespielt, sondern gewinnt mit zunehmendem Alter natürlich noch mehr an Bedeutung und Brisanz. Ich glaube, die Schriftstellerin Ellis Kaut hat einmal pointiert gesagt, ihr sei noch niemand begegnet, der nicht sterben würde. Der Tod verbindet uns alle, spielt aber kaum eine Rolle in unserem Leben. Wir verdrängen diese Tatsache. Doch das Bewusstsein um unsere Vergänglichkeit vermag viele unserer persönlichen Kämpfe in eine richtige Relation zu setzten. Und das meint auch Ilse Aichinger, wenn sie fordert, das Lebensende während des Lebens in Betracht zu ziehen, mit auf der Rechnung zu haben. Davon möchte dieser Abend auch erzählen.
Und was das Thema „Kindheit“ betrifft. Ich habe selbst zwei kleine Kinder, und beobachte, wie sie beginnen, die Welt zu erobern, mit welcher Neugierde und Lust. Irgendwann ersetzen wir diese Neugierde durch Pflichtbewusstsein und Leistungszwang. Und ein wunderschöner Moment in Aichingers Spiegelgeschichte ist, wenn sie beschreibt, wie schwer es ist, wieder zu verlernen, um die Offenheit des Kindes zurück zu bekommen. Auch diesen Aspekt soll der gesprochene Monolog zum Schweben und Klingen bringen.
Das Ziel dieser Produktion ist ein Abend für Ilse Aichinger, und nicht ein Stück Regietheater. Alle anderen Aspekte der „Inszenierung“ sollen nur dazu dienen, die Atmosphäre dieses Textes zu unterstützen.

Thomas Lackner - Regie und Gesang

Nach dem Studium der Musikwissenschaften und seiner Ausbildung zum Tontechniker war Thomas Lackner sieben Jahre als Moderator und Produzent für den Kultursender Ö1 tätig.
Seit 2000 ist er als Schauspieler auf den verschiedensten Bühnen des deutschen Sprachraumes zu sehen, davon 2006 bis 2012 als Ensemblemitglied des Tiroler Landestheaters.
Er gestaltet spartenübergreifende Soloprogramme, auch mit Gesang, Rezitationen, Lesungen mit Musik, Moderationen und Theaterstücke, die Information mit Entertainment verknüpfen, unter anderem im Tiroler Landesmuseum, im Audioversum Science Center Innsbruck, für die Tiroler Wirtschaftskammer,
den Österreichischen Museumsbund, und das Innsbrucker Institut für Quantenoptik und Quanteninformation der Österreichischen Akademie der Wissenschaften.
Im Rahmen eines Bildungskarenzjahres ließ er sich an der University of London zum Trainer und Coach für Stimmentwicklung, professionelle Sprechtechnik, Präsenz und persönlichen Auftritt ausbilden. Er hat derzeit Lehraufträge an der Universität Innsbruck, der Hochschule für Musik Würzburg, und der FH Gesundheit Innsbruck inne und leitet die WIFI Stimmakademie. Im Rahmen von firmeninternen Trainings und Coachings begleitet Thomas Lackner Führungskräfte und Mitarbeiter im wirtschaftlichen, administrativen und edukativen Bereich.

Elisabeth de Roo - Schauspiel

Elisabeth de Roo absolvierte ihren Master im Fach Lied und Oratorium an der Universität Mozarteum in Salzburg sowie ihren Bachelor für Immobilienwirtschaft und Facility Management an der Fachhochschule in Kufstein.
Sie war mehrere Jahre Abteilungsleiterin des Departments
„Career Center“ an der Universität Mozarteum in Salzburg. Dort widmete sie sich der Lehre und entwickelte unterschiedlichste Coaching-Programme für Studierende und Alumni der Universität. Zudem leitete sie die „Kinder-Uni“ von Seiten des Universität Mozarteum.
Ihr Debüt als Opernsängerin gab sie als Susanna in „Sancta Susanna“ von Paul Hindemith, unter der Leitung von Hans Graf. In Linz, Wien und Salzburg sang sie die Königin der Nacht aus der Zauberflöte von W. A. Mozart unter der Leitung von Josef Wallnig. David Garett buchte sie als Sängerin für einen TV-Auftritt im ORF Salzburg. Sie war daraufhin mehrfach als Solistin im ORF zu sehen.
Das klassische Lied ist die große Liebe der Sängerin und die Art der Musik, der sie sich am verbundensten fühlt. Zahlreiche Einladungen zu Liederabenden, mit Orchestern, Ensembles oder im Duo, führten Elisabeth de Roo nach Italien, Deutschland, Frankreich und Österreich. Zuletzt sang sie Mahlers 4. Sinfonie am Theater Ristori in Verona und gestaltete mehrere Uraufführung im Vierundeinzig in Innsbruck

BERND HAAS. KOMPONIST. GITARRIST

Bernd Haas wurde 1979 in Innsbruck geboren, und war schon in jungen Jahren von Musik fasziniert. Er studierte Jazzgitarre am Tiroler Landeskonservatorium (Abschluss 2004), absolvierte das BA-Studium für klassische Gitarre am Mozarteum Salzburg/Innsbruck (Abschluss mit Auszeichnung 2016). Seit mehr als 15 Jahren unterrichtet er klassische und elektrische Gitarre u.a. am Tiroler Musikschulwerk und ist seit seiner Jugend als freischaffender Künstler in den Bereichen Jazz bis Rock musikalisch tätig. Sein Wirken und Schaffen erstreckt sich von solistischer Kammermusik bis hin zu Musik für große Ensembles. Er komponiert und produziert Musik für verschiedene Bands, Film und Kabarett. Zahlreiche CD Einspielungen sind bei verschiedenen Labels (GLM, Quinton, Polyglobe, Listen Closely, …) erschienen. Bernd Haas lebt mit seiner Familie in der Nähe von Innsbruck.

Die Seele von Mama Afrika trifft auf das Feuer von Tina Turner,  Motown und Soul. Heraus kommt dabei eine Packung pures Dynamit.
Nomfusi mit neuem Album live on Tour! 
„The Red Stoep” (VÖ 5.11.2021)

Auf ihrem vierten Studioalbum “The Red Stoep” kehrt sie zu ihren südafrikanischen Wurzeln zurück und präsentiert unterschiedliche Musikstile mit souveräner, musikalischer Reife: gefühlvolle Balladen mit einem Hauch von Gospel neben einigen jazzigen und tanzbaren Afro-Soul- und Pop-Songs. Melodische Maskandi-Gitarren werden dabei von großen Bläserarrangements und groovigen südafrikanische Township-Rhythmen flankiert.

 Die sehr speziellen Klickgeräusche ihrer Muttersprache Xhosa, in der sie einige Passagen singt, verleihen ihren Liedern eine exotische Note. Außerdem kann sie sich so am besten ausdrücken. Denn es ist ein sehr persönliches Album geworden. Sie besingt Erlebnisse aus ihrer Kindheit in einer winzigen Hütte eines Südafrikanischen Townships oder erzählt von ihren Erinnerungen als alleinerziehende Mutter, einer spirituellen “Sangoma” (traditionellen Heilerin), der – wie vielen anderen Frauen auch – Gewalt angetan wurde. Stellvertretend gibt sie all jenen eine Stimme, spendet Hoffnung und schärft das Bewusstsein für soziale Missstände.

REVIEW

Die Seele von Mama Afrika trifft auf das Feuer von Motown / Soul und heraus kommt dabei eine Packung pures Dynamit. Dank ihrer unglaublich kraftvollen Stimme, seltener Schönheit und elektrisierender Bühnenpräsenz hat es Nomfusi bereits innerhalb von drei Jahren auf die großen und internationalen Konzert Bühnen geschafft. In Südafrika wird die Newcomerin bereits als die Nachfolgerin von Miriam Makeba und Brenda Fassie gehandelt. Musik Kritiker bezeichnen die Sängerin als „The next big thing to come out of South Africa“. Aufgewachsen mit Tina Turner, Aretha Franklin und Miriam Makeba ist ihre Musik geprägt von den wahren Beats und den funky Grooves aus Soul, Motown und Sophiatown. Und alles läuft auf eine große Karriere für das Persönchen mit der großen Stimme hinaus: Im August 2012 dreht Nomfusi unter der Regie von Justin Charwick an der Seite von  Natalie Portman und Scarlett Johannson die neue Nelson Mandela Verfilmung „ Long walk to Freedom“ - Es ist ihrer erste Filmrolle und sie verkörpert dabei die junge Miriam Makeba.- wen sonst…  3 Nominierungen im letzten Jahr sprechen auch Bände:  South African Music Awards in der Kategorie Bestes Video. Metro FM Award in der Kategorie bestes „Afro Pop Album“ und „Best Female Artist“ 

ILSE AICHINGER

2021 jährt sich der Geburtstag von Ilse Aichinger zum hundertsten Mal. 
Und ihr Todestag (am 11.November 2016) zum fünften Mal.
Ilse Aichinger und ihre Zwillingsschwester Helga wurden als Töchter der jüdischen Ärztin Berta Aichinger und des (nicht-jüdischen) Lehrers Ludwig Aichinger in Wien geboren und in der Pfarre Döbling getauft. Die Familie lebte zunächst in Linz und Wien. Nach der Scheidung übersiedelte Berta Aichinger mit den beiden Kindern 1926 nach Wien, wo sie die Unterstützung ihrer Familie hatte. Zur Großmutter entwickelte Ilse Aichinger ein besonderes Naheverhältnis.
Während es ihrer Zwillingsschwester Helga gelang, im Juli 1939 mit einem der letzten Jugendtransporte nach England zu fliehen, blieben Berta und Ilse Aichinger in Wien. Die Mutter verlor 1938 ihre Anstellung als Schulärztin bei der Gemeinde Wien und musste sich als Fabrikarbeiterin durchbringen. Ilse Aichinger wurde als "Halbjüdin" das Medizinstudium verwehrt. Während des Krieges nahm sie Gelegenheitsarbeiten an und wurde dienstverpflichtet. Die Großmutter und die jüngeren Geschwister der Mutter wurden 1942 deportiert und ermordet. Ilse Aichinger, die die Deportation der geliebten Großmutter mitansehen musste, thematisierte dieses traumatische Ereignis mehrfach in ihren Texten.

Nach Kriegsende begann Ilse Aichinger ein Medizinstudium, brach es aber ab, um ihren Roman "Die größere Hoffnung" fertigzustellen. 1947/1948 reiste sie nach England, um ihre Zwillingsschwester wiederzusehen. Bei dieser Gelegenheit lernte sie Elias Canetti und Erich Fried kennen. 1949 wurde sie über Vermittlung von Gottfried Bermann-Fischer als Lektorin bei der Wiener Niederlassung des S. Fischer Verlags engagiert. Nach einem Jahr ging sie allerdings nach Ulm, wo sie als Assistentin von Inge Aicher-Scholl, einer Schwester der Widerstandskämpfer Sophie und Hans Scholl, am Aufbau der Ulmer Hochschule für Gestaltung mitarbeitete.

1951 nahm Aichinger erstmals an einer Tagung der Gruppe 47 teil. Bereits im Jahr darauf erhielt sie für ihren Text "Spiegelgeschichte" den Preis der Gruppe 47. Damit gelang ihr der literarische Durchbruch. Als Mitglied der Gruppe 47 lernte sie zudem den Lyriker Günter Eich kennen, den sie 1953 in München heiratete. Das Paar hatte zwei Kinder, Clemens (1954–1998) und Mirjam (* 1957). Die Familie lebte in Bayern und ab 1963 in Großgmain bei Salzburg. 1984, nach dem Tod ihrer Mutter, übersiedelte Ilse Aichinger auf Einladung des S. Fischer Verlags nach Frankfurt am Main, 1988 kehrte sie nach Wien zurück. Die Schriftstellerin lebte zurückgezogen, besuchte allerdings regelmäßig – vor allem auch zum Schreiben – Kaffeehäuser und war eine leidenschaftliche Kinogeherin.

Ilse Aichinger verstarb am 11. November 2016. Ihr Todestag jährt sich also heuer zum fünften Mal. Beide Jahrestage im November, Geburtstag und Todestag, sind Anlass genug, dieser bedeutenden österreichischen Schriftstellerin einen Abend zu widmen, in dessen Mittelpunkt Ihre vielleicht berühmteste Kurzgeschichte steht, die Spiegelgeschichte.

DIE SPIEGELGESCHICHTE

Spiegelgeschichte Ilse Aichinger hat ihre Spiegelgeschichte 1949 geschrieben. Dieses nur wenige Seiten lange Stück Kurzprosa wurde zunächst in vier Folgen in der Wiener Tageszeitung veröffentlicht.1952 erhielt die junge Schriftstellerin dafür den Literaturpreis der Gruppe 47, in der sich Autoren wie Heinrich Böll und ihr späterer Mann Günther Eich, um den Schriftsteller Hans Werner Richter scharrten, und sorgte für Furore. Die Spiegelgeschichte stellt nicht nur einen Meilenstein am Beginn des Schaffens von Ilse Aichinger dar, dieser Text gilt bis heute als einer ihrer bedeutendsten und berührensten Prosastücke. Wobei sich dessen Inhalt in einem Satz erzählen lässt. Eine junge Frau, liegt auf Grund einer missglückten Abtreibung im Sterben, und erzählt sich ihr Leben rückwärts, vom bevorstehenden Tod bis zu ihrer Geburt. Der Zeitpunkt Ihrer Geburt, ist gleichzeitig der Zeitpunkt ihres Todes. Dieses Ineinanderfallen von Geborenwerden und Sterben zeigt eine der zentralen Lebensphilosophien Ilse Aichingers, Sie spiegelt sich in ihrem Denken und Schaffen wieder. Unsere Geburt liefert uns dem Tod aus. Daher gilt es, die uns geschenkte Lebenszeit immer mit dem Bewusstsein des bevorstehenden Todes zu gestalten. Ein weiteres zentrales Themen, das Ilse Aichinger in diesem Text behandelt, ist das Verschwinden, das Vergehen, das sich Auflösen. Sie selbst sagt über sich: „Eine Sehnsucht zu verschwinden hatte ich schon immer, bereits als Kind“. Sie betrachtet auch das Schreiben im Laufe ihres Lebens immer mehr als die Essenz ihres Nicht-Schreibens, welches auszuhalten, auch die große Herausforderung für jeden Schreibenden sei. Schweigen ist die Voraussetzung für Sprechen, oder Schreiben, ist deren Nährstoff. Auch die Auseinandersetzung mit dem Kind an sich und der Kindheit begegnet uns in der Spiegelgeschichte. Die junge Frau stirbt, aufgrund der illegalen Abtreibung ihres Kindes. Immer wieder begegnen uns in dieser Geschichte Kinder, bis die Frau selbst wieder zum Kind wird, zum Kleinkind, zum Säugling und letzten Endes zur Neugeborenen, über die sich ihr Vater beugt. Ilse Aichinger beklagt in einigen Interviews den Verlust der Kindheit als den größten Verlust, den ein Mensch haben kann.

GEDANKEN. VON ELISABETH DE ROO 

Mit dem Tod habe ich mich noch nie so ausführlich befasst, sodass ich keine Idee oder Vorstellung habe, wie der so ist oder sein könnte. Vielleicht liegt es auch daran, dass ich am Leben einfach mehr interessiert bin als am Sterben. Die Geschichte thematisiert beides; das Leben und das Sterben. Die Rückschau einer Toten/Sterbenden durch einen Spiegel in ihr Leben – eine Spiegelgeschichte. Ich lebe unheimlich gerne und je älter ich werde, desto lieber bin ich auf der Welt zuhause und umso klarer kann ich artikulieren, weshalb das so ist
Der Gedanke, dass der Tod schneller kommen könnte als es mir passt, passt mir gar nicht. Die Spiegelgeschichte konfrontiert mich mit der Vorstellung des Sterbens und so finde ich mich wieder in der sterbenden Toten, die ihre lebendige Welt ein aller letztes Mal durch einen Spiegel betrachtet, um noch einmal leben zu können und um sich vom Leben zu verabschieden. Ein schöner Gedanke dem Leben erst Lebewohl zu sagen, um dann zu sterben – „Lass es geschehen!“ Ohne zu manipulieren, ohne in eine bestimmte Richtung zu lenken, ohne Vorwurf und vollkommen wertfrei, ja fast sachlich beschreibt Aichinger ein Menschenleben. Aichinger versteht es, ihren Leserinnen und Lesern, die Freiheit zu lassen selbst zu urteilen und selbst zu fühlen. Dies empfinde ich als eine Wohltat in einer Gesellschaft, die, so scheint es mir, zu regelmäßig das Bedürfnis hat, andere zu manipulieren. Die Spiegelgeschichte beweist: Es ist möglich sachlich zu berichten und eine Fülle an Emotionen zu erzeugen. Das fasziniert mich.
Was für ein Kunstwerk.

THOMAS LACKNER: Charakter der „Inszenierung“

Die geplante Aufführung soll das Literarische in den Vordergrund stellen. Die Erzählung wird als Monolog aus dem Mund der Schauspielerin hörbar und dreidimensional.
Die konsequente Form der umgekehrten Lebenserzählung und deren sprachliche Gestaltung in knappen, zielsicheren, aber hochpoetischen Bildern. So werden an einer Stelle Früchte wieder zu Blüten, und die Blüten wieder zu Knospen, und die Knospen wieder zu Früchten.
Mich fasziniert der Gedanke, und ich sehe als große Herausforderung für eine Schauspielerin die Nuancen dieses Textes hörbar zu machen, die umgekehrte Logik des Lebensweges der jungen Frau für ein Publikum nachvollziehbar zu machen, im Moment des Hörens und Erlebens. Und die Stille soll der Nährboden werden, auf dem diese Geschichte blüht und wächst. Auch als Kontrapunkt zum Lärm und der Reizüberflutung der heutigen Zeit, selbst in Zeiten von Corona, wo wir uns in unterschiedlichsten Virtuellen Formaten bewegen, von Zoom bis Club-House.
Das Thema Vergänglichkeit und das Bewusstsein, dass unser Leben irgendwann endet, hat nicht nur immer eine große Rolle in meinem Leben gespielt, sondern gewinnt mit zunehmendem Alter natürlich noch mehr an Bedeutung und Brisanz. Ich glaube, die Schriftstellerin Ellis Kaut hat einmal pointiert gesagt, ihr sei noch niemand begegnet, der nicht sterben würde. Der Tod verbindet uns alle, spielt aber kaum eine Rolle in unserem Leben. Wir verdrängen diese Tatsache. Doch das Bewusstsein um unsere Vergänglichkeit vermag viele unserer persönlichen Kämpfe in eine richtige Relation zu setzten. Und das meint auch Ilse Aichinger, wenn sie fordert, das Lebensende während des Lebens in Betracht zu ziehen, mit auf der Rechnung zu haben. Davon möchte dieser Abend auch erzählen.
Und was das Thema „Kindheit“ betrifft. Ich habe selbst zwei kleine Kinder, und beobachte, wie sie beginnen, die Welt zu erobern, mit welcher Neugierde und Lust. Irgendwann ersetzen wir diese Neugierde durch Pflichtbewusstsein und Leistungszwang. Und ein wunderschöner Moment in Aichingers Spiegelgeschichte ist, wenn sie beschreibt, wie schwer es ist, wieder zu verlernen, um die Offenheit des Kindes zurück zu bekommen. Auch diesen Aspekt soll der gesprochene Monolog zum Schweben und Klingen bringen.
Das Ziel dieser Produktion ist ein Abend für Ilse Aichinger, und nicht ein Stück Regietheater. Alle anderen Aspekte der „Inszenierung“ sollen nur dazu dienen, die Atmosphäre dieses Textes zu unterstützen.

Thomas Lackner - Regie und Gesang

Nach dem Studium der Musikwissenschaften und seiner Ausbildung zum Tontechniker war Thomas Lackner sieben Jahre als Moderator und Produzent für den Kultursender Ö1 tätig.
Seit 2000 ist er als Schauspieler auf den verschiedensten Bühnen des deutschen Sprachraumes zu sehen, davon 2006 bis 2012 als Ensemblemitglied des Tiroler Landestheaters.
Er gestaltet spartenübergreifende Soloprogramme, auch mit Gesang, Rezitationen, Lesungen mit Musik, Moderationen und Theaterstücke, die Information mit Entertainment verknüpfen, unter anderem im Tiroler Landesmuseum, im Audioversum Science Center Innsbruck, für die Tiroler Wirtschaftskammer,
den Österreichischen Museumsbund, und das Innsbrucker Institut für Quantenoptik und Quanteninformation der Österreichischen Akademie der Wissenschaften.
Im Rahmen eines Bildungskarenzjahres ließ er sich an der University of London zum Trainer und Coach für Stimmentwicklung, professionelle Sprechtechnik, Präsenz und persönlichen Auftritt ausbilden. Er hat derzeit Lehraufträge an der Universität Innsbruck, der Hochschule für Musik Würzburg, und der FH Gesundheit Innsbruck inne und leitet die WIFI Stimmakademie. Im Rahmen von firmeninternen Trainings und Coachings begleitet Thomas Lackner Führungskräfte und Mitarbeiter im wirtschaftlichen, administrativen und edukativen Bereich.

Elisabeth de Roo - Schauspiel

Elisabeth de Roo absolvierte ihren Master im Fach Lied und Oratorium an der Universität Mozarteum in Salzburg sowie ihren Bachelor für Immobilienwirtschaft und Facility Management an der Fachhochschule in Kufstein.
Sie war mehrere Jahre Abteilungsleiterin des Departments
„Career Center“ an der Universität Mozarteum in Salzburg. Dort widmete sie sich der Lehre und entwickelte unterschiedlichste Coaching-Programme für Studierende und Alumni der Universität. Zudem leitete sie die „Kinder-Uni“ von Seiten des Universität Mozarteum.
Ihr Debüt als Opernsängerin gab sie als Susanna in „Sancta Susanna“ von Paul Hindemith, unter der Leitung von Hans Graf. In Linz, Wien und Salzburg sang sie die Königin der Nacht aus der Zauberflöte von W. A. Mozart unter der Leitung von Josef Wallnig. David Garett buchte sie als Sängerin für einen TV-Auftritt im ORF Salzburg. Sie war daraufhin mehrfach als Solistin im ORF zu sehen.
Das klassische Lied ist die große Liebe der Sängerin und die Art der Musik, der sie sich am verbundensten fühlt. Zahlreiche Einladungen zu Liederabenden, mit Orchestern, Ensembles oder im Duo, führten Elisabeth de Roo nach Italien, Deutschland, Frankreich und Österreich. Zuletzt sang sie Mahlers 4. Sinfonie am Theater Ristori in Verona und gestaltete mehrere Uraufführung im Vierundeinzig in Innsbruck

BERND HAAS. KOMPONIST. GITARRIST

Bernd Haas wurde 1979 in Innsbruck geboren, und war schon in jungen Jahren von Musik fasziniert. Er studierte Jazzgitarre am Tiroler Landeskonservatorium (Abschluss 2004), absolvierte das BA-Studium für klassische Gitarre am Mozarteum Salzburg/Innsbruck (Abschluss mit Auszeichnung 2016). Seit mehr als 15 Jahren unterrichtet er klassische und elektrische Gitarre u.a. am Tiroler Musikschulwerk und ist seit seiner Jugend als freischaffender Künstler in den Bereichen Jazz bis Rock musikalisch tätig. Sein Wirken und Schaffen erstreckt sich von solistischer Kammermusik bis hin zu Musik für große Ensembles. Er komponiert und produziert Musik für verschiedene Bands, Film und Kabarett. Zahlreiche CD Einspielungen sind bei verschiedenen Labels (GLM, Quinton, Polyglobe, Listen Closely, …) erschienen. Bernd Haas lebt mit seiner Familie in der Nähe von Innsbruck.

Der Sänger Willi Resetarits hat die schönste, die seelenvollste, die ergreifendste Männerstimme im Lande Österreich, egal, ob er Rocksongs, Folkballaden, Jazzstandards oder burgenlandkroatische Volksweisen singt. Er stimmt etwas an und geht damit sogleich in die Seelen unserer Frauen und Männer, wo er Unerhörtes anrichtet, nämlich tiefes Glück. 
Wenn es den Willi nicht schon längst gäbe, müsste man ihn glatt erfinden. Als Vertrauenswürdenträger Wiens, als Vertreter für Haltung und Unterhaltung. Aber wer die Chance hatte, diesen Fachmann für Witz und Wärme, für Soul und Seelenruhe mit seiner einfallsreichen Band in letzter Zeit auf einer Bühne zu erleben, war schlicht und ergreifend berührt von der Kunst, den „Stubnblues“ im Augenblick anheimelnd leuchten zu lassen: „Es gibt nix Bessers ois wos Guads!“, weiß der Altmeister. 
Lässig und locker tönt der Sound, manchmal artgerecht hinter Rotweinflaschen und rotweiß-karierter Tischdecke kredenzt, mit herrlichem Weitblick auf die Hausberge der Poeten.  Wenn Resetarits erzählt, schwingt im Charme der Kalorienreichtum einer ganzen Hofkonditorei mit, wenn er schwadroniert und singt in unrasierter Entspanntheit, wärmt die einhüllende Melancholie eines Mannes, der an der Liebe und am Lachen hängt. 

i mecht no so vü zeit habm
und no so vü verstehn,
mecht alles, nur kan neid habm,
sollt’s oamoi nima gehn.
i mecht no so vü gspür habm
und mecht no so vü gebm, 
ich mecht di ganz bei mir habm
so eng ois wia mei lebm.

Willi Resetarits + Stubnblues Allstars

Willi Resetarits - Gesang, Mundharmonika & Gschichtln
Stefan Schubert - Gitarren & Gesang
Klaus Kircher - Stehbass & Gesang
Peter Angerer - Schlag - und Schüttelinstrumente & Gesang
Christian Wegscheider - Quetschn, Tasten & Gesang
Chris Haitzmann - Trompete
Herbert Berger - Saxophon 

Der Stubenblues.
Es ist schon ein klein wenig zum Thema geschrieben worden, aber das Meiste entstammt mündlicher Überlieferung.
Die Menschen sagen: i hea ma in stumblus au.
Das kann vielleicht nicht jede/r lesen, ohne zumindest kurz gedanklich und sinnsuchend zu verweilen, jedoch die H.C. Artmann-geschulten Menschen schreiben und lesen mündlich Überliefertes derartig. Die Spezialisten träumen sogar in diesem Duktus.
wos spüd a deamoi, da stumblus?
wos soi a spün? de neiche cedee hoid. da stumblus spüd an stumblus.
Hört sich schön an. Es fliesst und ist inhaltlich korrekt. Aber das Leben gibt uns Möglichkeiten. Wir dürfen wählen.
Es darf also auch so gesprochen werden: de stumblus spün in stumblus.
DIE Stubnblues spielen den Stubnblues. Sie sind nämlich nicht einer alleine, sie sind zu fünft. Manchmal sind sie auch sieben. Oder noch mehr. DER Stubnblues als solcher ist also einerseits die Gesamtheit der beteiligten Musikanten, als auch das was sie spielen. Der und die Stubnblues ist und sind Schöpfer und Schöpfung zugleich.
Obacht: Die Stubnblues spielen vielleicht auch einmal einen Blues, aber eigentlich nicht sehr oft. Der Blues steht also „pars pro toto“. Er ist eine mögliche Spielart, auf die wir gar nicht näher eingehen wollen, weil der Blues hier für Musik steht, die nicht ohne Herz auskommt, sondern vielmehr selbigem entspringt. Über den Blues ist sowieso schon soviel gesagt und geschrieben worden. Also soll die Stube beleuchtet werden, damit sie nicht ganz im Dunklen bleibt. Damit wir sehen können, wer da ist.

Der Sänger Willi Resetarits hat die schönste, die seelenvollste, die ergreifendste Männerstimme im Lande Österreich, egal, ob er Rocksongs, Folkballaden, Jazzstandards oder burgenlandkroatische Volksweisen singt. Er stimmt etwas an und geht damit sogleich in die Seelen unserer Frauen und Männer, wo er Unerhörtes anrichtet, nämlich tiefes Glück. 
Wenn es den Willi nicht schon längst gäbe, müsste man ihn glatt erfinden. Als Vertrauenswürdenträger Wiens, als Vertreter für Haltung und Unterhaltung. Aber wer die Chance hatte, diesen Fachmann für Witz und Wärme, für Soul und Seelenruhe mit seiner einfallsreichen Band in letzter Zeit auf einer Bühne zu erleben, war schlicht und ergreifend berührt von der Kunst, den „Stubnblues“ im Augenblick anheimelnd leuchten zu lassen: „Es gibt nix Bessers ois wos Guads!“, weiß der Altmeister. 
Lässig und locker tönt der Sound, manchmal artgerecht hinter Rotweinflaschen und rotweiß-karierter Tischdecke kredenzt, mit herrlichem Weitblick auf die Hausberge der Poeten.  Wenn Resetarits erzählt, schwingt im Charme der Kalorienreichtum einer ganzen Hofkonditorei mit, wenn er schwadroniert und singt in unrasierter Entspanntheit, wärmt die einhüllende Melancholie eines Mannes, der an der Liebe und am Lachen hängt. 

i mecht no so vü zeit habm
und no so vü verstehn,
mecht alles, nur kan neid habm,
sollt’s oamoi nima gehn.
i mecht no so vü gspür habm
und mecht no so vü gebm, 
ich mecht di ganz bei mir habm
so eng ois wia mei lebm.

Willi Resetarits + Stubnblues Allstars

Willi Resetarits - Gesang, Mundharmonika & Gschichtln
Stefan Schubert - Gitarren & Gesang
Klaus Kircher - Stehbass & Gesang
Peter Angerer - Schlag - und Schüttelinstrumente & Gesang
Christian Wegscheider - Quetschn, Tasten & Gesang
Chris Haitzmann - Trompete
Herbert Berger - Saxophon 

Der Stubenblues.
Es ist schon ein klein wenig zum Thema geschrieben worden, aber das Meiste entstammt mündlicher Überlieferung.
Die Menschen sagen: i hea ma in stumblus au.
Das kann vielleicht nicht jede/r lesen, ohne zumindest kurz gedanklich und sinnsuchend zu verweilen, jedoch die H.C. Artmann-geschulten Menschen schreiben und lesen mündlich Überliefertes derartig. Die Spezialisten träumen sogar in diesem Duktus.
wos spüd a deamoi, da stumblus?
wos soi a spün? de neiche cedee hoid. da stumblus spüd an stumblus.
Hört sich schön an. Es fliesst und ist inhaltlich korrekt. Aber das Leben gibt uns Möglichkeiten. Wir dürfen wählen.
Es darf also auch so gesprochen werden: de stumblus spün in stumblus.
DIE Stubnblues spielen den Stubnblues. Sie sind nämlich nicht einer alleine, sie sind zu fünft. Manchmal sind sie auch sieben. Oder noch mehr. DER Stubnblues als solcher ist also einerseits die Gesamtheit der beteiligten Musikanten, als auch das was sie spielen. Der und die Stubnblues ist und sind Schöpfer und Schöpfung zugleich.
Obacht: Die Stubnblues spielen vielleicht auch einmal einen Blues, aber eigentlich nicht sehr oft. Der Blues steht also „pars pro toto“. Er ist eine mögliche Spielart, auf die wir gar nicht näher eingehen wollen, weil der Blues hier für Musik steht, die nicht ohne Herz auskommt, sondern vielmehr selbigem entspringt. Über den Blues ist sowieso schon soviel gesagt und geschrieben worden. Also soll die Stube beleuchtet werden, damit sie nicht ganz im Dunklen bleibt. Damit wir sehen können, wer da ist.

Mit „no time for idle cares“ erscheint zu hhanois 10-jährigem Bühnenjubiläum das fünfte Studioalbum. Neu sind Konzept und Besetzung, konstant ist der Drang nach Veränderung: auf Duo und Solo Alben folgt nun ein Konzeptalbum mit 4-köpfiger Band.
Gedichte von E.A. Poe und anderen Poeten wurden bereits auf den bisherigen Alben immer wieder als Lyrics für einzelne Songs verwendet. Nun geht HHANOI einen Schritt weiter und veröffentlicht mit „no time for idle cares“ ein Konzeptalbum mit ausschließlich vertonten Gedichten von Edgar Allan Poe.

Neben Besetzung und Konzeption sucht hhanoi auch kompositorisch neue Wege: äußerst spontan, intuitiv und innerhalb kürzester Zeit wurden die Songs in ihrer Rohfassung komponiert. Danach folgte monatelange, detailverliebte Arrangierarbeit mit Band, um die Songs auszukleiden.
So entstand ein Album mit einem breiten Spektrum an Emotionen, Sounds und Stimmungen, welches Gedichte von E.A. Poe in einen neuen Kontext stellt. In der Kombination von Wort und Musik entstehen neue Bedeutungsebenen, die individuell interpretiert werden können.

Hans Hauser - vocals, guitar
Lucas Lurz Geiler - drums, vocals
Gregor Degasperi - guitar
Stefan Kapeller - bass
Andreas Freudenschuss - sound