INN ECHO (Canada)

Die Concertina-Expertin Gormalaith Maynes (aus Drogheda/Irland), Geigerin/Cellistin Tuli Porcher (aus Victoria/British Columbia), Geiger Karson McKeown (Ottawa/Ontario) und Gitarrist Tom Gammons (Bute/Montana) schaffen einen sensationellen Spagat zwischen Irish/Scottish/Canadian/American roots music.

CASSIE & MAGGIE MacDONALD (Canada) 

Die beiden Spitzen-Musikerinnen aus NOVA SCOTIA/Canada kommen aus der musikalischen Tradition der im Zuge der „Highland Clearances” (ca 1790 -1890) von den Engländern an die Ostküste Kanadas deportierten schottischen Einwanderer (Nova Scotia = Neu-Schottland).Mit ihren unvergleichlichen, druckvollen Konzerten haben sie in den letzten Jahren weltweit auf großen Festivals und in renommierten Theatern und Clubs tausende Leute begeistert. Das aktuelle Album „The Willow Collection” erregte in allen Fach-Medien großes Aufsehen und wurde vielfach ausgezeichnet.
Cassie & Maggie wurden 2012 als „Young Performers Of The Year” bei den Canadian Folk Music Awards nominiert, die Sensation war allerdings die Nominierung ihres Debut-Albums „Fresh Heirs” bei den East Coast Music Awards 2012 (der kanadische GRAMMY).

Die Musik des Quartetts ist geprägt von der ganz persönlichen Handschrift der beiden Hauptkomponisten der Band: Rupert Kirchmair und Florian Bramböck.
Florian Bramböck  wurde als Komponist zeitgenössischer Musik sowie für seine Kompositionen im Bereich des Jazz mehrfach ausgezeichnet. Auch durch sein Wirken in verschiedenen Formationen wie etwa dem „Vienna Art Orchestra“ oder „Saxofour“ ist er als virtuoser und überaus kreativer Saxofonist bis weit hinaus über die Grenzen Österreichs hinaus bekannt.
​Rupert Kirchmair hat sich durch seine Zusammenarbeit mit Künstlern wie Riccardo Moreno („ Riccardo Moreno Band“) oder Loomis Green („Jan Delay“) einen nicht minder individuellen Zugang zum Jazz erarbeitet.
Komplettiert wird die Besetzung durch eine der begehrtesten Rhythmusgruppen Westösterreichs: Florian Baumgartner (Flo´s Jazz Casino) an den Drums und Johannes Sigl am Bass.​ Percussion: Jonas Zink!

Das Quartett beschäftigt sich neben Eigenkompositionen mit der Adaption von Musik die normalerweise nicht mit Jazz in Verbindung gebracht wird. Die Kompositionen von etwa Gustav Mahler oder Josef Haydn werden dabei natürlich nicht nachgespielt sondern dienen als Ausgangsbasis für eigene Improvisationen. Auch Repertoire aus der neueren Rock- und Popmusik, oder Standards des „Great American Songbook“ macht sich das KIRCHMAIR QUARTETT auf diese Weise zu eigen und verleiht dieser Musik somit gänzlich neue und unerwartete Facetten. Auch rhythmisch geht die Band eigene Wege. Neben den gängigen Vierer- und Dreiertakten wird häufig in ungeraden Taktarten sogenannten „Odd Meters“ musiziert. Heraus kommt eine Band die trotz aller stilistischen Spagate und komplexen rhythmischen Konzepten nie auf gemeinsame Spielfreude vergisst und Musik spontan und intuitiv entstehen lässt.

Rupert Kirchmair

der Bandleader: ​geboren 7.1.78 in Innsbruck 1994- 2000 Musikgymnasium Innsbruck 2000- 2004 Jazzpiano Studium an der Bruckneruni Linz 2004- 2013 freischaffender Musiker und Lehrer in Berlin 2013- 2016 Leitung der Jazzabteilung an der Musikschule Reutte.- Außerfern 2016- 2017 Lehrpraxisdozent für das Konservatorium Feldkirch 2016- 2017 Lehrer für Oberstufen-Theoriekurs für das Musikschulwerk Vorarlberg seit 2016 hauptamtliche Lehrverpflichtung an der Musikschule Bregenz ​ Credits Porgy & Bess, Outreach Music Festival, Eremitage Schwaz, Freiraum Jenbach, Stromboli Hall, Alte Gerberei, Altes Kino Landeck, Treibhaus Innsbruck, B- Flat Berlin, A- Trane Berlin Jazzclub Lindau und vielen anderen Veranstaltungsorten ​ Musiker mit denen ich bereits gearbeitet habe: Florian Bramböck, Matthias und Andreas Pichler, Bachner Robert, Singer Walter, Riccardo Moreno, Bernd Haas, Florian Baumgartner, Oliver Karbus, Stefan Preyer, Johannes Gschlössl, Loomis Green, Peter und Christian Kronreif, Martin Ohrwalder, Charly Fischer, Herbert Walser, Tobias Steingräber, Judith Keller und vielen mehr.

GiNA DUEñAS  

Kubanische Musik, aber nicht nur … Die kubanische Sängerin Gina Dueñas macht die Menschen mit ihrer Stimme und ihre ganz eigene Art glücklich.Gina Duenas ist seit 12 Jahren fixer Bestandteil der Tiroler Musikszene und singt in mehreren Projekten wie „Los Seis del Son“ und „La Banda del Sol“, mit denen sie auch in Deutschland und Italien bekannt ist. Mit Leidenschaft und einer sprühenden Ausstrahlung geht sie an jeden Auftritt heran. Und Metamorphose ist für sie ein wichtiges Stichwort. Alles, was sie singt, wird durch ihre eigene Art Musik zu machen, beeinflusst, verändert. Thema ist alles, was mit Seele, Liebe und Gefühlen zu tun hat..

Alune Wade : lead-vocal, eclectic-bass (Sénégal)
Leo Genovese ou Leo Montana : pi. & kb (Argentine - Brooklyn)
Renaud Gensane : trompette (Madagascar)
Daniel Blake ou Ricardo Izquierdo : saxophone (Brooklyn)
Reda Samba : drums (Maroc & France)
Adriano Tenoriodd : percussions (Brésil)

Paris ist zum wichtigsten Ort für viele aus Afrika stammenden Musiker geworden. Ich habe mehr Verbindungen mit afrikanischen Musikern in Paris geknüpft als damals Afrika. Egal, aus welchem Staat Afrikas meine Kollegen kommen, hier in der französischen Metropole wird große afrikanische Musik gemacht! So spricht der aus dem Senegal stammende Alune Wade. Er, der sich auf die Traditionen der Griots gerufen kann und dort auch seine musikalischen Wurzeln zu finden sind, ist in einem sehr westlich orientierten musikalischen Umfeld aufgewachsen. War doch sein Vater als Offizier auch Leiter eines symphonischen Orchesters in Dakar. Er ermunterte seinen Sohn schon früh zum Experimentieren. Rock, Jazz, Klassik, alles war einfach da. Sein Spiel am E- Bass machte Alune in der kochenden, brodelnden Fusion & World-Szene von Paris schnell bekannt, hier traf er auch auf seine Mitmusiker, mit denen er auch heute noch intensiv zusammenarbeitet.

Seine Neugierde und Weltoffenheit brachte ihn schnell mit großartigen Musikern auf die Bühnen der Welt, unter anderem mit Marcus Miller, Salif Keita, oder Bobby Mc Ferrin, So verwundert es nicht, dass auch der Großmeister an den Keys und Erfinder der World Music Joe Zawinul auf Alune Wade aufmerksam wurde und ihn in seine Band aufnahm. Neben seinem unverwechselbaren, sehr lebendigen Spiel am E-Bass ist es seine Stimme, welche gleich den westafrikanischen Griots Geschichten zu erzählen weiß, mit viel Gefühl und voller bunter Rhythmen.

Mit "African fast food" geht Alune Wade seinen Weg weiter: Er verbindet Afro-Fusion, afro-kubanische und freie Jazz-Sounds dank einer sehr weltoffenen Besetzung zu einem spannenden, kochenden Mix: Bühne frei für African fast food! ( Und lasst bitte die Klappstühle zu Hause)

Alune Wade wurde am 9. Juni 1978 in Dakar, Senegal geboren. Sein Vater, in Paris als klassischer Msuiekr ausgebildet, leitete das Symphonieorchester der senegalesischen Armee. “In meinem Elternhaus habe ich viel unterschiedliche Musik gehört. Mein Vater, von der Klassik beeinflusst, liebte die Sonaten von Bach. Meine Mutter lies mit anderen Frauen aus der Nachbarschaft im Haus afrikanische Chansons und Soul erklingen. Und meine Schweester hat mich in den Pop eingeführt, amerikanischen und europäischen.” Mit 7 Jahren begann Alune Wade Unterreicht am Klavier und in Musiktheorie, Einige Jahre später wechselte er zum Schlagzeug und nach einem familiären Veto zur Gitarre. Schließlich hat ihn dann der Bass vollkommen gefangen genommen – Bass in jeder Form, E-Bass, Kontrabass. Das Instrument mit den 4 Saiten erscheint ihm als natürliche Verbindung zu Afrika. “Ich bin vollkommen fasziniert vom Bass, ein sehr afrikanisches Instrument mit faszinierenden rythmischen Möglichkeiten. Er repräsentiert das Rückgrad des Orchesters, die wichtige Verbindung zwischen dem Rythmus und den Harmonieinstrumenten.”

“Jazz ist für mich eine Musik die Ursprünge aus verschiedenen Kontinenten vereint. Der Jazz hat seinen Ursprung in den USA aber um seine Geschichte zu illustrieren vergleiche ich ihn gerne mit einem Baum. Die Wurzeln kommen aus Afrika, der Stamm steht auf amerikanischer Erde und die Blätter und Blüten sind in Europe gewachsen.”

Kroke ist das jiddische Wort für Krakau – jene Stadt Polens, die sich als Metropole osteuropäisch-jüdischer Kultur wiederentdeckt. Die Band wurde 1992 von den drei Absolventen der Krakauer Musikhochschule Jerzy Bawoł (Akkordeon), Tomasz Kukurba (Bratsche) und Tomasz Lato (Kontrabass) gegründet.
KROKE sprengen den Rahmen traditioneller Klezmer-Musik mit einer Leidenschaft und Spielfreude, die sich unmittelbar auf den Hörer überträgt! Ihre musikalische Identität liegt in der jiddischen Folklore-Tradition. Zusätzlich bauen sie Jazz- und Klassik-Elemente ein, ohne jedoch ihre Wurzeln zu verlieren. Ihre Stücke sind Zuhör- und Ereignismusik - wer lauscht, dem werden Geschichten erzählt!
Anfangs spielten Kroke nur in Clubs und Galerien des Krakauer Stadtteils Kazimierz. Während der Dreharbeiten zum Film „Schindler’s Liste“ wurde Steven Spielberg auf die Band aufmerksam und lud Kroke spontan zu einem Konzert nach Israel ein. Inzwischen traten Kroke bei Musikfestspielen in ganz Europa, u. a. neben Ravi Shankar, Bustan Abraham, The Klezmatics, Van Morrison und Giora Feidman, auf.

Mittlerweile haben Kroke 13 Alben herausgebracht und auf namhaften Festivals, wie unter anderen dem "North Sea Jazz Festival" und dem "Womad" gespielt. Aufsehenerregende Kooperationen mit Künstlern wie Nigel Kennedy oder Peter Gabriel und Auszeichnungen wie der „Preis der deutschen Schallplattenkritik“ (2000) verschafften Kroke vor allem in Deutschland und Polen eine enorme Popularität.
"Traveler" ist Krokes 13.Album. Es honoriert die 25-jährige musikalische Reise der Gruppe und die dabei gewonnenen Erfahrungen, die verschiedenen Einflüsse und Veränderungen. Wie immer kann man gespannt sein, welchen Twist Kroke dem Klezmer diesmal verleihen.

Die Konzertreihe „Echos der Vielfalt – Musik der Welten in Tirol“ versteht sich als Beitrag zur Integration von ethnischen, sprachlichen und kulturellen Minderheiten in Tirol und als offene Plattform für kulturelle Vielfalt. Musik wird als grundlegendes, verbindendes und bereicherndes Element in jeder Kultur verstanden. Sie ist Teil der Identität von Menschen, vermittelt „Heimat“ und wird in vielen Lebenszusammenhängen „gebraucht“.
Die Konzertreihe entstand infolge einer musikalischen Feldforschung zum Thema „Musik der Minderheiten in Tirol“, in den Sommersemestern 2004 und 2005 durchgeführt von der Universität Mozarteum (Dr. Thomas Nußbaumer) und der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien (Dr. Ursula Hemetek / Prof. Dr. Gerlinde Haid). Für die Planung und Organisation verantwortlich sind Dr. Thomas Nußbaumer, Mag.aMagdalena Modler-El Abdaoui (Haus der Begegnung) und Michael Haupt (Initiative Minderheiten)

Filmpräsentation & Live-Konzert im Zeichen der orientalischen Langhalslaute Saz
Die Langhalslaute Saz zählt zu den verbreitetsten Musikinstrumenten zwischen Balkan und Afghanistan.
Eng verbunden mit der kollektiven Erinnerung der Menschen von Bosnien über die Türkei bis in den Iran, werden mit der Saz seit fast 2.000 Jahren zahlreiche Volkslieder und mündliche Geschichtsüberlieferung von Generation zu Generation weitergegeben.
Mit dem Dokumentarfilm im ersten Teil des Abends, SAZ. Die Geheimnisse eines legendären Instruments von Berlin bis nach Khorassan, möchten wir uns an diesem Abend in die Welt begeben, um im anschließenden Konzert die Welt in Tirol zu erleben: Drei in Tirol lebende Musiker werden Musik aus unterschiedlichen Saz- und verwandten Traditionen spielen.
Filmvorführung SAZ. Die Geheimnisse eines legendären Instruments von Berlin bis nach Khorassan (D, 2018), ein Film von Stephan Talneau mit Petra Nachtmanova (ca. 55 min.)

Hünkar Karsak

… stammt aus Adana/Türkei und lebt mit seiner Familie in Jenbach. Er absolvierte ein Musikstudium an der Ege Universtität für Türkische Musik/Fachgebiet Gesang und Bağlama (Saz), auch wirkte er als Chorleiter, Saz-Lehrer und Leiter einer von ihm gegründeten Musikschule in der Gemeinde Aliaga/Izmir und in Istanbul. In Tirol bietet er Saz-Unterricht in türkischen Vereinen an und verfolgt die Vision, den hohen Stellenwert der Bağlama im Sinne der alevitischen Lehre bekannt zu machen. Er will das Instrument besonders Kindern vermitteln. Beruflich ist er in einer Tischlerei beschäftigt, daneben spielte er in Tirol bereits zahlreiche Konzerte, unter anderem auch schon in der Reihe der „Echos“-Konzerte.

Hozan Temburwan

… präsentiert seinem Publikum eindringliche Musik für die anatolische Langhalslaute Bağlama und Gesang. Kurdische Liebeslieder kombiniert er mit jazzigen Einflüssen und markanter Rhythmik. Hozan Temburwan ist Gründungsmitglied mehrerer Worldmusic-Ensembles (in Tirol u.a. Orient Okzident Express und LatinOriente, die schon bei den „Echos“-Konzerten zu hören waren), Solist und Kulturschaffender. Zudem ist er Träger der Ehrenamtsnadel des Landes Tirol sowie Integrationspreisträger der Gemeinde Telfs. Zuletzt absolvierte er ein Bachelor-Musikstudium an der Popakademie Baden-Württemberg in Mannheim (Studiengang „Weltmusik“).

Hassan Ibrahim Berzencî

… ist ein Musiker und Künstler, den es aus Syrien nach Tirol verschlug. Er spielt die Tambur, eine alte orientalische Laute, und ist mit der kurdischen Musik in Syrien aufgewachsen, wo in jedem Haushalt das Instrument an der Wand hängt. Er bezieht seine Melodien aus alter kurdischer Volksmusik, um sie in freier Improvisation zu verändern und weiterzuentwickeln. Hassan Ibrahim Berzencî ist Mitglied der Tiroler Gruppe Radio Diwanistan und spielt gelegentlich auch in anderen Ensembles. Als Bandmusiker trat er bereits mehrmals bei den „Echos“-Konzerten auf, als Solist ist er erstmals zu erleben.

Der Traum aus Lecce - sie erfinden süditalienischen Pizzica Musik- und Tanztraditionen für ein globales Publikum neu
Sie sind  vom südlichsten Zipfel des Stiefels & seit 40 Jahren! das traditionelle Musikensemble Italiens schlechthin. Obwohl sie die «New York Times» ganz zurecht als einen «Wirbelsturm » bezeichnet hat, sind die  Canzoniere  ein Fels in der Brandung der aktuellen Weltmusikszene.

2015 feierte die Formation ihr 40jähriges Bestehen; die Leitung ging 2007 mit Mauro Durante bereits in die zweite Generation über. Die sieben Musikerinnen und Musiker distanzieren sich jedoch streng von jeglicher Nostalgie. Und wer sie einmal live erlebt hat, kann bezeugen, dass es sich um das pure Gegenteil einer musealen Erscheinung handelt, auch wenn die Musik, die sie spielen, auf eine jahrhundertelange Tradition zurückgeht. In ihrer Heimat, der Provinz Salento am südlichsten Absatz des italienischen Stiefels, in der es als Relikt aus dem Mittelalter noch einige griechische Sprachinseln gibt, ist die Pizzica beheimatet, ein furioser, immer schneller werdender Tanz. Er soll einem alten Heilungsbrauch entspringen, bei dem die von einer Spinne gebissene («pizzicato») Person derart wild tanzt, dass sie die Gifte aus dem Körper vertreibt. Unbestritten ist, dass die Pizzica bis heute das Publikum in einen wahren Taumel versetzt!

Einer für alle – Alle für keinen“ fasst das momentane Weltbild ganz gut zusammen. Denn wie sonst nennt man eine Welt, in der ein Mädchen gegen den Klimawandel kämpft und dafür von erwachsenen Menschen angefeindet wird, deren Klimaziele erreicht sind sobald sie sich einen Furz (bair. Schoaß, politisch korrekt Darmwind) verdrücken. Wie sonst nennt man eine Welt, in der sich jeder wegen der kleinsten Kleinigkeit diskriminiert fühlt. Sei es ein Mann aufgrund von Frauenparkplätzen oder ein Mädchen, das nicht im Knabenchor singen darf. Aber verständlich, Martin wollte früher auch immer Mitglied im Frauenbund werden, dann hat ihm seine Mutter die Krampfader gezeigt und gesagt: „Ohne die geht es nicht!“, dann war die Sache für ihn erledigt.

In seinem dritten Soloprogramm spitzt Martin Frank über die Baumkronen seines Bayerwaldes und sinniert gewohnt frech, hintersinnig und bitterböse über unser teils absurdes Leben auf dieser Erde. Die fahren wir sowieso bald mit voller Geschwindigkeit gegen die Wand, wenn wir uns nicht endlich wieder den wirklich wichtigen Themen widmen und dabei eines nicht vergessen: Die Liebe!
Dabei braucht man weder Kitsch noch schmachtendes Sehnsüchteln oder gar Esofirlefanz zu fürchten. Schließlich stammt Martin Frank aus dem emotional eher zurückhaltenden Niederbayern. Da bleibt auch die Liebe bodenständig. Selbst wenn noch mehr Arien von der Bühne geschmettert werden – er kann halt nicht anders. Aber das wusste die Oma schon: „Ohne Liab, is na koana oid woan!“

YEAH -5/8erl in Ehr‘n gehören zu den besten Live-Bands des Landes. Und da sprechen wir nicht von Videowalls, Pyrotechnik, Dixi-Klos und grölenden Männern. Bei ihrem „Wiener Soul“ geht‘s um die Feinheiten des Lebens. Ein kleiner Fingerschnipp und es groovt. Cucina Mamma statt McDonalds. YEAH – die neuen Songs enthüllen unbekannte Seiten der Band. Wenn 5/8erl eine Power-Ballade hinschmettern, Hawaii-Sounds herzaubern, ob sie ein hochromantisches Kunstlied intonieren, oder ihrem All-Time Klassiker `Siasse Tschick ́ ein Roots-Reggae Softwareupdate verpassen: die Band klingt frischer denn je. Zeitlose Weltklasse. YEAH -Wer den Stil der Band kennt, der wird dem Albumtitel folgend euphorisch zustimmen: Zuhören statt Polemik, komisch ohne peinlich (sic!), Entschleunigung statt Vollgas. YEAH YEAH YEAH –eine LP der Beatles heißt genauso. 5/8erl in Ehr ́n gibt es noch. Eine dieser beiden legendären Bands können sie noch LIVE erleben. Jetzt liegt ́s an Ihnen!

5/8 erl in Ehr'n // WIENER SOUL

eine grantelnde Wiener Band, die österreichische Musik macht und dabei die Welt umarmt.
5/8erl in Ehr’n - Bitte schön! Die Szenerie zeigt vergilbte Fracks, Binokel, Schnurrbärte wie zu Kaiser Franz Josef’s Zeiten. Bitte schön. Ein Juwel der Musikgeschichte? Eine Weiterführung von etwas Wunderbarem? Auf jeden Fall eine Affäre mit dem Wienerlied und eine Einladung ins 21. Jahrhundert.Die Atmosphäre ist getränkt vom Wien der Jetztzeit. Das Gestern spielt eine Nebenrolle. Bitte schön. Eine Disco Bass Linie im 3/4 Takt? Ein Heurigentisch, der Fragen stellt? Auf jeden Fall Lieder aus Wien & eigener Feder und das Bekenntnis aus der Geschichte zu lernen, sie nicht zu wiederholen. Die Affäre mit dem Wienerlied – zeigen einmal mehr, dass 5/8erl in Ehr’n mit der Tradition sehr wohl liebäugeln, musikalisch und thematisch aber im Jetzt leben.
Es ist nicht möglich, das Quintett - Kontrabass, Gitarre, Akkordeon und zwei Männerstimmen – in eine bestimmte Schublade zu stecken. Am Nächsten kommt wohl noch die Bezeichnung „Wiener Soul“. Da wird g’sudert, g’schimpft, g’litt’n, g’liebt, g’feiert, g’fragt und g’roovt – mit Herz und Seele.

LE TRIO JOUBRAN: THE LONG MARCH

SAMIR JOUBRAN Oud
WISSAM JOUBRAN Oud
ADNAN JOUBRAN Oud

GUESTS:

VALENTIN MUSSOU Violoncello
YOUSSEF HBEISCH Percussion
HABIB MEFTAH BOUSHEHRI Percussion

Drei Brüder, drei Ouds. Samir, Wissam und Adnan Joubran bereisen als Trio mit einer Mischung aus traditionellen Maqams, spanisch-arabischer Musik und vom Jazz inspirierten Improvisationen seit Jahren die Welt. Auf der Bühne und im Studio kommen ihre Instrumente zusammen wie drei Solisten, die eine einzige Stimme bilden. Die Oud, die arabische Laute, gilt als “Fürstin der Musikinstrumente” und ist die Stimme ihrer Seelen geworden.
Die Brüder stammen aus einer musikalischen Familie, Wissam führt den Instrumentenbau seines Vaters in nun vierter Generation fort. Zusammen sind sie das erste Trio aus Oud-Spielern. “Das war eine große kulturelle Herausforderung”, so Adnan. “In Palästina ist das Leiden mit Händen zu greifen. Hier zu musizieren bedeutet auch, ein wenig Freude zu bringen.” Seit 2002 ist ihr Ruf stetig gewachsen: Von den ersten Proben im elterlichen Wohnzimmer in Palästina bis ins Pariser Olympia ist es dem Trio Joubran gelungen, mit seiner palästinensischen Identität zu glänzen und den Zauber der arabischen Musik zum Leben zu erwecken. Samir, Meister der klassischen arabischen Musik, Adnan mit seiner Vorliebe für Flamenco und Jazz sowie Wissam mit seinem Faible für indische Musik bilden “eine Balance, die die Identität des Trios ausmacht, geprägt durch die Offenheit für alles, was uns umgibt” (Adnan Joubran).

In ihren Kompositionen trägt jeder seinen Teil bei, ohne die anderen beiden jemals zu überschatten. Für sie hat die Musik nur als Trio einen Sinn. Beim Trio Joubran weicht die Virtuosität nicht der Demonstration. Für diese aus Nazareth stammenden Geigenbauer geht es um die Fortführung einer Tradition. Eine Tradition, die sie auch durch ihre Innovation auf der Oud, diesem Soloinstrument, das sie als Ensemble so wunderbar vereinen, zutiefst erneuert haben. Auch ihr sechstes Album »The Long March« handelt von der Sehnsucht nach einer besseren Zukunft. Der 2008 verstorbene palästinensische Dichter Mahmud Darwish leiht seinen Gedichten als Zuspielung seine immens eindrucksvolle Stimme, die von rauher Schönheit ist.

Dem Trio Joubran zuzuhören bedeutet, in die Seele eines Volkes einzutauchen. Ägypten hatte Oum Kalthoum. Der Libanon hat Fayrouz. Palästina hat jetzt das Trio Joubran.

Presse

“Heiligen drei Könige der Oud”
– Libération

“Das Trio Joubran ist eine Ausnahmeerscheinung. Und das nicht nur, weil es aus drei Brüdern besteht. Sondern auch, weil es sich aus drei Virtuosen an der Laute zusammensetzt. Bislang war die arabische Oud nämlich vor allem als Solo-Instrument bekannt. Das Trio aus Nazareth beherrscht die Kunst des Oud-Spiels in all ihren Facetten.”
– Deutsche Welle

“Nicht selten wehte der Geist der legendären ‘Friday night at San Francisco’-Scheibe über dem Konzertauftritt des Trio Joubran. […] Die drei palästinensischen Brüder spielten zwar nicht wie Di Meola, McLaughlin und De Lucia die Gitarre, sondern den Oud, aber die Motive und Phrasen flogen mit ganz ähnlicher Wirkung, explosiv und hochvirtuos zwischen den Instrumenten hin und her. Rasante Solo-Läufe, so wie die Spielchen, die man von Meola & Co. noch im Ohr hat: Das Dialogisieren und gegenseitige Zuwerfen hochtouriger Phrasen, wirbelnder Staccatoläufe, die in rasante Unisoni und spektakulär krachende Akkorde einmünden. Solche furiosen Klanggewitter, wie sie das Brüder-Trio hier intonierte, hat der Oud in seiner 4.800 Jahre alten Geschichte sicher noch nicht erlebt.”
– Rhein-Neckar-Zeitung

Drei Brüder spielen die Oud, eine traditionelle arabische Laute, die in ihrer Heimat als „Fürstin der Musikinstrumente“ geehrt wird. Die Klänge der drei Soloinstrumente verschmelzen zu einer gemeinsamen Stimme, die das musikalische Erbe mit der Gegenwart versöhnt und mit einer Mischung aus traditionellen Maqams, spanisch-arabischer Musik und vom Jazz inspirierten Improvisationen gleichzeitig poetisch in die Zukunft schaut. Le Trio Joubran – das sind die Brüder Samir, Wissam und Adnan. Ihr Weg führte die drei Musiker aus Nazareth seit 2002 auf große internationale Bühnen wie die Carnegie Hall New York oder das Olympia in Paris. Mit ihrer jüngsten Platte „The Long March“ landeten sie einen weiteren großen Erfolg. Damit unterstreicht das improvisationsfreudige Trio seine Klasse, die musikalische Tradition ihrer Heimat mit Kreativität und Mut zur Erneuerung ins frühe 21. Jahrhundert zu transportieren. Le Trio Joubran hat sich eine besondere Stellung als musikalisches Aushängeschild Palästinas erspielt. Ägypten hat Oum Kalthoum, der Libanon hat Fayrouz. Und Palästina hat Le Trio Joubran

LE TRIO JOUBRAN _ FESTE FAMILIENBANDE

Bei den Joubrans sorgen feste Familienbande und die Verankerung in der eigenen Kultur dafür, dass die Resultate des gemeinsamen Musizierens niemals ins Beliebige abrutschen. »Wir lebten früher im gleichen Haus, reisten zusammen, aßen das Gleiche, hörten den gleichen Lärm, sahen die gleiche Welt – natürlich können wir in der Persönlichkeit des anderen lesen. Auch bei der musikalischen Fortbildung gingen wir anfangs ähnliche Wege. So entwickelten wir ein großes Verständnis füreinander, Instinktsicherheit und ein Gefühl für unseren Herzschlag«, erzählt Adnan. »Heute ist unsere Beziehung genug gefestigt, dass wir in verschiedenen Städten leben können, unsere eigenen Familien haben und uns doch auf Anhieb verstehen, wenn wir zu Konzerten oder im Aufnahmestudio zusammenkommen.«

»In Palästina ist das Leid mit Händen zu greifen. Hier zu musizieren bedeutet auch, ein wenig Freude zu bringen«

Formuliert wird diese Botschaft von der Poesie des palästinensischen Dichters Mahmud Darwisch (1941–2008), der die Titel der Kompositionen zitathaft entnommen wurden. Laut Adnan wollte Darwisch mit seinen Gedichten »dieser Welt der Industrie und der Macht sagen, dass wir Menschen sind und unsere Menschlichkeit bestehen bleiben sollte«. Eines der Stücke etwa, »Carry the Earth«, ist vier Kindern gewidmet, die bei einem Fußballspiel am Gaza-Strand von israelischen Streitkräften erschossen wurden. Die Klangwelt von »The Long March« ist ebenfalls eher elegisch und verhalten, aber doch nicht düster oder trostlos: »In Palästina ist das Leiden mit Händen zu greifen. Hier zu musizieren bedeutet auch, ein wenig Freude zu bringen.«

Auf die Frage, ob das Trio als international bekannte Gruppe auch politischen Einfluss habe, entgegnet Adnan: »Wir gehören keiner politischen Partei oder Position an. Die Situation in Palästina ist eine menschliche Katastrophe. Und wir sind die Stimme dieser Katastrophe – lauter als die Stimme jener, die dort ungehört schreien. Es liegt an denen, die sich unsere Geschichten anhören, Position zu beziehen oder Maßnahmen zu ergreifen … und wir hoffen, dass es menschliche Positionen und Maßnahmen sein werden.«
Text: Marcus A. Woelfle, Elbphilharmonie Magazin

Der österreichische Musiker und Komponist Manu Delago präsentiert sein erstes audiovisuelles Soloprogramm mit dem Titel 'Environ Me'.
Nach mehreren internationalen Tourneen in den letzten Jahren mit Björk, Olafur Arnalds, Cinematic Orchestra und Anoushka Shankar und seinem mehrfach preisgekrönten Musik- und Bergfilm 'Parasol Peak' verwandelt sich der bereits für einen Grammy nominierte Künstler in ein One-Man-Orchestra.
Angesiedelt zwischen ambienter Elektronik und Neoklassischer Musik verschmelzen Manu Delago's akustische Percussion Instrumente mit elektronischen Beats und Klängen aus unserer Umwelt. Faszinierende Visualisierungen mit den Sounds von Wasser, Feuer, Fauna, Fortbewegung, Wind und unserer Umgebung beschallen den Konzertsaal und lassen ein Gesamtkunstwerk für Ohren und Augen entstehen.
„Seit sehr vielen Jahren pendle ich zwischen dem urbanen London und den Tiroler Alpen und mit meinem Projekt 'Environ Me' wollte ich mehr Bewusstsein für unsere unmittelbare Umgebung schaffen. Als Musiker gelingt mir das am einfachsten durch Klänge, die ich bei abenteuerlichen Ausflügen in die Natur einspielte und in meine Kompositionen integrierte. Für meine zwei letzten Projekte 'Parasol Peak' und 'Circadian' arbeitete ich mit größeren Ensembles und komplett akustisch. Auf meinem neuen Album 'Environ Me' verschmelzen die Klänge unserer Umwelt mit elektronischer Musik – immer mit höchster Wertschätzung unserer Natur bedacht.“

Internationale Bekanntheit erlangte Manu Delago durch seine Pionierarbeit und Virtuosität am Schweizer Instrument Hang. Das 2007 veröffentlichteVideo zum Track Mono Desire avancierte mit über 5 Millionen Klicks zum Youtube-Hit, wodurch auch Weltstar Björk auf ihn aufmerksam wurde. Mit den Worten, dass „sie selbst für sämtliche Klicks verantwortlich“ sei, engagierte sie ihn kurzerhand als Hang-Spieler und Schlagzeuger für ihre zweijährige Welttournee.

Trotz dieser und weiterer musikalischer Kollaborationen hat Manu Delago seine eigenen Projekte nie aus dem Blick verloren. Der Wahl-Londoner veröffentlichte Alben mit seiner Band Manu Delago Handmade, dem Bassklarinette-Hang-Duo Living Room sowie als Solist des London Symphony Orchestra. Das Handwerkzeug zur Entfaltung seines enormen Kreativpotenzials erlangte er durch die Studien von Schlagwerk am Mozarteum Innsbruck, Jazz-Drums an der Guildhall School of Music und Komposition am Trinity College of Music in London.
Nach dem Erfolg seines 2013 erschienenen Albums Bigger Than Home (internationales Radio-Airplay für die Single A Long Way), bringt Manu Delago seinen unverkennbaren Stil auf Silver Kobalt noch intensiver zum Ausdruck. Sein innerer Kobold kombiniert handgemachte technoide Beats mit indischen Rhythmen, lässt Magnete im Takt surren und bietet akustischen Raritäten wie Fagott und Hang einen Platz auf der Ehrentribüne. Wie auch auf dem Vorgängeralbum pflegt Manu Delago die erfolgreiche Zusammenarbeit mit dem Produzenten Matt Robertson (Björk, The Prodigy, The Streets) und erlesenen Gastsängern.
Das auf dem renommierten englischen Label Tru Thoughts Records erscheinende Album Silver Kobalt wird live vom Quartett Manu Delago Handmade in beeindruckender Manier umgesetzt. Jeder Musiker erfüllt gleich mehrere Rollen, wodurch erfrischend viel Bewegung auf der Bühne entsteht. Mit Klavier, Geige, Fagott, Hang, Schlagzeug, Xylosynth und vielen weiteren Instrumenten groovt die Band in ihrem eigenen Musikkosmos – losgelöst von jeglichen Genregrenzen. Kürzlich begeisterte Manu Delago Handmade auf Festivals in ganz Europa, wie dem Haldern Pop und Reeperbahn Festival in Deutschland, Shambala Festival in England, Green Man Festival in Wales, Eurosonic Festival in Holland und dem Popfest Wien. Und auch in diesem Jahr wird die Band Hörerschaften von intimen Clubs bis zu freiluftigen Festivalbühnen in ihren Bann ziehen.

Der österreichische Musiker und Komponist Manu Delago präsentiert sein erstes audiovisuelles Soloprogramm mit dem Titel 'Environ Me'.
Nach mehreren internationalen Tourneen in den letzten Jahren mit Björk, Olafur Arnalds, Cinematic Orchestra und Anoushka Shankar und seinem mehrfach preisgekrönten Musik- und Bergfilm 'Parasol Peak' verwandelt sich der bereits für einen Grammy nominierte Künstler in ein One-Man-Orchestra.
Angesiedelt zwischen ambienter Elektronik und Neoklassischer Musik verschmelzen Manu Delago's akustische Percussion Instrumente mit elektronischen Beats und Klängen aus unserer Umwelt. Faszinierende Visualisierungen mit den Sounds von Wasser, Feuer, Fauna, Fortbewegung, Wind und unserer Umgebung beschallen den Konzertsaal und lassen ein Gesamtkunstwerk für Ohren und Augen entstehen.
„Seit sehr vielen Jahren pendle ich zwischen dem urbanen London und den Tiroler Alpen und mit meinem Projekt 'Environ Me' wollte ich mehr Bewusstsein für unsere unmittelbare Umgebung schaffen. Als Musiker gelingt mir das am einfachsten durch Klänge, die ich bei abenteuerlichen Ausflügen in die Natur einspielte und in meine Kompositionen integrierte. Für meine zwei letzten Projekte 'Parasol Peak' und 'Circadian' arbeitete ich mit größeren Ensembles und komplett akustisch. Auf meinem neuen Album 'Environ Me' verschmelzen die Klänge unserer Umwelt mit elektronischer Musik – immer mit höchster Wertschätzung unserer Natur bedacht.“

Internationale Bekanntheit erlangte Manu Delago durch seine Pionierarbeit und Virtuosität am Schweizer Instrument Hang. Das 2007 veröffentlichteVideo zum Track Mono Desire avancierte mit über 5 Millionen Klicks zum Youtube-Hit, wodurch auch Weltstar Björk auf ihn aufmerksam wurde. Mit den Worten, dass „sie selbst für sämtliche Klicks verantwortlich“ sei, engagierte sie ihn kurzerhand als Hang-Spieler und Schlagzeuger für ihre zweijährige Welttournee.

Trotz dieser und weiterer musikalischer Kollaborationen hat Manu Delago seine eigenen Projekte nie aus dem Blick verloren. Der Wahl-Londoner veröffentlichte Alben mit seiner Band Manu Delago Handmade, dem Bassklarinette-Hang-Duo Living Room sowie als Solist des London Symphony Orchestra. Das Handwerkzeug zur Entfaltung seines enormen Kreativpotenzials erlangte er durch die Studien von Schlagwerk am Mozarteum Innsbruck, Jazz-Drums an der Guildhall School of Music und Komposition am Trinity College of Music in London.
Nach dem Erfolg seines 2013 erschienenen Albums Bigger Than Home (internationales Radio-Airplay für die Single A Long Way), bringt Manu Delago seinen unverkennbaren Stil auf Silver Kobalt noch intensiver zum Ausdruck. Sein innerer Kobold kombiniert handgemachte technoide Beats mit indischen Rhythmen, lässt Magnete im Takt surren und bietet akustischen Raritäten wie Fagott und Hang einen Platz auf der Ehrentribüne. Wie auch auf dem Vorgängeralbum pflegt Manu Delago die erfolgreiche Zusammenarbeit mit dem Produzenten Matt Robertson (Björk, The Prodigy, The Streets) und erlesenen Gastsängern.
Das auf dem renommierten englischen Label Tru Thoughts Records erscheinende Album Silver Kobalt wird live vom Quartett Manu Delago Handmade in beeindruckender Manier umgesetzt. Jeder Musiker erfüllt gleich mehrere Rollen, wodurch erfrischend viel Bewegung auf der Bühne entsteht. Mit Klavier, Geige, Fagott, Hang, Schlagzeug, Xylosynth und vielen weiteren Instrumenten groovt die Band in ihrem eigenen Musikkosmos – losgelöst von jeglichen Genregrenzen. Kürzlich begeisterte Manu Delago Handmade auf Festivals in ganz Europa, wie dem Haldern Pop und Reeperbahn Festival in Deutschland, Shambala Festival in England, Green Man Festival in Wales, Eurosonic Festival in Holland und dem Popfest Wien. Und auch in diesem Jahr wird die Band Hörerschaften von intimen Clubs bis zu freiluftigen Festivalbühnen in ihren Bann ziehen.

Texta melden sich  im Trio mit ihrem wohl persönlichstem, mittlerweile 8. Studioalbum mit 13 neuen Tracks zurück.
Wie ihr euch vorstellen könnt waren die letzten Jahre für die Texta Mitglieder alles andere als Honigschlecken. Huckeys Krankheit und dann Tod musste erst einmal verdaut werden und Fragen wie‚ soll und kann man überhaupt als Texta noch weiter machen‘ oder‚ das wars dann‘ standen im Raum. Aber nach einer Phase der Reflexion und nach vielen Gesprächen und positivem Feedback bei den Konzerten 2019 beschlossen sie wieder ins Studio zu gehen. Rausgekommen ist ein Album das sich hören und mit dem wunderschönen Albumcover auch sehen lassen kann. Aber das bekommt man „mehr oder weniger“ nur zu hören wenn man am 8.10. vorbeikommt ;-)

Texta haben nicht nur österreichische HipHop-Geschichte geschrieben, sie sind österreichische HipHop-Geschichte. Begonnen hat dies alles im Frühjahr 1993 in Linz, als sich die vier Rapper Flip, Huckey, Laima und Skero zusammengetan haben, um einen Rapsong für den Kulturverein KAPU zu schreiben. Ein Jahr später folgen erste Shows, DJ Dan wird in die Band aufgenommen und spätestens seit der Debüt EP "geschmeidig" im Jahr 1995 zählt die Linzer Rap-Crew zu den wichtigsten Vertretern der österreichischen HipHop-Szene.
Acht Studioalben, ein Livealbum mit SK Invitational, diverse EPs, Kollaboalben mit Blumentopf & Total Chaos als Kaleidoskop, mit Blumentopf als T’n’T, den Unsichtbaren, TTR Allstars, unzählige Features, Soloalben, Einzelkooperation mit anderen MCs (Average & Huckey, Laima & Def Ill, Flip & Average), Producer und Instrumentalalben von Flip, das Textabuch 2010, die Textadoku 2012, das seit 1998 betriebenen Label Tontraeger Records, 800 Konzerte rund um den Erdball, Theaterstücke und vieles mehr stehen auf der Habenseite. Die Entwicklung von Mundartrap, Dancehall auf Deutsch und in Mundart, das Wachsen von Linz zur österreichischen HipHop-Hauptstadt der 00er Jahre und etliche kreative wie organisatorische Aktivitäten haben die Musikszene in Österreich maßgeblich mitbeeinflusst. Auch der Ausstieg von Skero 2013 wurde gut verdaut.

Als jedoch ihm 1. Mai 2018 Huckey seiner Krebskrankheit erliegt, stehen auf einmal nicht mehr musikalische Pläne im Vordergrund, sondern das in sich gehen, die Trauer verarbeiten, Energien ausloten. Das Bandende in den Raum stellen. Sich ein gutes Jahr nach dem Ableben wieder mal zu dritt als Texta auf die Bühne stellen. Geht da noch was? Fühlt sich noch irgendwie gut an. Sagen auch die Konzertbesucher. Ende 2019 dann noch zwei Konzerte im Wiener Chelsea und kurzfristig in der KAPU ansetzen. Publikum erscheint zahlreichst. Dann geht es also weiter?

Wenn Onkel Andi zu Besuch kommt, ist allenthalben große Freude und Heiterkeit im Saal. Aber warum??
Rebers ist kein Narr und hasst Clowns. Und wenn man genau hinschaut, erkennt man auch warum. Nachdem die Weisen die Burg verlassen haben, erobern die Narren die Zinnen und überall wird es lustig. Und damit das alles eine coole performance hat, werden wir informativ unterhalten oder unterhaltsam informiert. Hat hier jemand Angst vor der Wahrheit?? Oder sind wir alle schon dem Wahn verfallen?

Neulich konnte man lesen, der Rebers hilft uns die Angst zu nehmen. Vor allem die, vor uns selbst. Und man sah, dass es gut war!
Schon als Kind wurden er und seine vielen Geschwister zur Hilfsbereitschaft erzogen und es hält bis heut. Aber die gute schlesische Mutter hat ihn auch zur Wahrhaftigkeit und zur Bibel verpflichtet. Deshalb hat das Kind seine Diebstähle und kriminellen Taten auch immer zugegeben. Dann bekam er die Prügel, die er verdient hatte und die Mutter sah von der Kollektivstrafe der ganzen Geschwisterschar ab.
Reverend Rebers ist nur ein Arbeiter im Pointenberg des Herrn, aber mit der Wahrheit, vor allem der unbequemen, nimmt er es sehr genau. Denn wenn man Wahrheiten, die einem nicht passen, in den Schrank sperrt, werden sie giftig. Und damit nicht die Falschen den Giftschrank öffnen, macht er es lieber selber und nimmt zur Not auch die Prügel in Kauf. Das führt gelegentlich dazu, dass er die richtigen Fragen zum falschen Zeitpunkt stellt. Deshalb schreibt die NZZ

 „Dieser Mann ist eine Erweckung der Giftklasse A“
Und dieses Programm ist ein Programm über alles, was toxisch ist. Schuldgefühle, faule Kredite, faule Ausreden, Nazismus und Narzissmus. Also ein Programm über uns. Die Moralische Großmacht Deutschland.
Hier wird Volkes Stimme mit Volkes Stimme entlarvt. Und wenn am Ende der Teufelsaustreibung noch etwas auf der Bühne herumliegt, kommt in der Zugabe der Tatortreiniger und beseitigt die restlichen Spuren.

Ein Akkordeon genannt „meine Strapsmaus“, ein Flügel namens „Steinway“, ein Kabarettist mit Namen Andreas Rebers und 100 Minuten Redezeit. Was gibt das unterm Strich? Eine Erweckung der Giftklasse A, eine Entdeckung mit vier Hauben, ein Ereignis erschütternder Natur. Wie wird sich dieser Mann in Zukunft noch steigern können? Zu Rebers’ neuen deutschen Arbeiterliedern ‘ lässt sich Polka tanzen und marschieren. Zu Ikea, Aldi, Tchibo oder zum Baumarkt, dem Sponsor des Abends. (Neue Zürcher Zeitung)

Gegen Wahn und Populismus – hilft nur ein guter Exorzismus.

Ich helfe gern. Wann und wo immer sie wollen!

Geboren 1958, wuchs Andreas Rebers im niedersächsischen Weserbergland auf, wo er mit der Stimmungskapelle „Los Promillos“ auf Schützenfesten, Feuerwehrvergnügen und Vereinsfesten sein erstes musikalisches Betätigungsfeld fand.
Während des späteren Studiums an der Uni Hannover ergaben sich erste Kontakte zur freien Theaterszene und zum Kabarett. 1984–1988 studierte er bei Thomas Aßmus Akkordeon. 1989 wurde er Musikalischer Leiter des Schauspiels am Staatstheater Braunschweig.
Rebers ist Autor von Chansons, Liedern und Kabarettprogrammen, sowie Komponist von Bühnen- und Schauspielmusiken und Buchautor. Engagements führten ihn nach Hannover, Braunschweig, Krefeld, Basel, Zürich und München. Kabarettgastspiele absolvierte er im gesamten deutschsprachigen Raum.
1997–1999 Mitglied der Lach- und Schießgesellschaft.
Deutschlandtourneen, Radiofeatures, Mitwirkung in Roglers Freiheit, Satirefest und Dieter Hildebrandts Scheibenwischer. Gemeinsame Auftritte mit Urban Priol, Bruno Jonas, Josef Hader, Georg Schramm, Matthias Richling, Achim Konejung  u.v.a.
2020 wurde er zum ordentlichen Mitglied (Darstellende Kunst) in die Bayerische Akademie der Schönen Künste gewählt
Andreas Rebers lebt mit seiner Familie in München

Sie taucht auf, wenn in der Dramaturgie eines Clips etwas aus dem Ruder zu laufen droht und jemand nach dem Rechten sehen muss. Und wenn Angela Merkel Sebastian Kurz gönnerhaft die Schulter tätschelt; wenn sie neben Putin oder Trump leidend das Gesicht verzieht – dann geschieht etwas Interessantes. Plötzlich hören wir nicht mehr Männer, die über eine Frau drüber reden. Sondern Männer, die aus einer Frau herausreden. Männer, die in die Haut einer Frau geschlüpft sind, und die Umgebung aus deren Perspektive betrachten. Mit Merkels Augen sehen wir plötzlich die geckenhaften Aufplusterungsrituale der Amtskollegen um sie herum, die Ödnis der immer gleichen Konferenzsäle. Wir spüren, wie seltsam es sich anfühlen muss, alle paar Tage im pastellfarbenen Hosenanzug eine Parade abzuschreiten, und stets die einzige Frau auf dem Gruppenfoto zu sein. Wir leiden mit Merkel mit, und freuen uns über die kleinen Fluchten in die Normalität, die sie manchmal heimlich entdeckt. (Sibylle Hamann)

Wer hierzulande klagt, es gäbe kein gutes politisches Kabarett mehr, hat wohl auf Maschek vergessen – abgesehen davon, dass solche Klagen meist aus dem Mund jener kommen, die gar nicht mehr ins Kabarett gehen. Bei Maschek stehen die Politiker stets im Mittelpunkt des „Drüberredens“, wie man die Kunstform der live synchronisierten Fernsehbilder nennen kann. Dass es nicht als politisches Kabarett durchgeht, wenn man sich einfach über politische Köpfe lustig macht, muss nicht extra betont werden. Doch Maschek schaffen beides: Politiker in Witzfiguren zu verwandeln und gleichzeitig gesellschaftspolitische Satire zu präsentieren.
In ihrem Programm-Special  „Maschek Macht Merkel“  verneigen sich Peter Hörmanseder und Robert Stachel vor ihrer langjährigen Wegbegleiterin und Bilderlieferantin Angela Merkel. Ulrich Salamun, der früher das Maschek-Trio vervollständigte, lebt seit vielen Jahren in Nicaragua als Kaffeebauer und Honorarkonsul: Er kommt nur mehr zu Jubiläumsshows auf die heimischen Kleinkunstbühnen. Solche gab es dieses Jahr bereits, denn Maschek wurden 20 Jahre alt. Außerdem erhalten sie im November den Sonderpreis des Österreichischen Kabarettpreises, der ebenfalls seinen 20. Geburtstag feiert.
Bei so viel Party haben sich Maschek für das aktuelle Programm eine leichtere Aufgabe gestellt: Man nehme ein Best-of der bisherigen Clips und bastle daraus eine neue Geschichte. Das ist bei renommierten Kabarettisten eine beliebte Übung, auch Alfred Dorfer, Josef Hader, Thomas Maurer, und demnächst Martin Puntigam verweben ihre Werkschau in neues Gewand. Der Unterschied bei Maschek: Die Protagonisten altern nicht mit. Die Fernsehbilder einer Angela Merkel als Bundesministerin für Frauen und Jugend aus den 1990er-Jahren versetzen das Publikum wirklich in vergangene Zeiten – und berühren die Zuseher tiefer, ähnlich wie beim Durchblättern alter Familienalben.

Die Konzentration der Videoclips auf Angela Merkel geben dem Kabarettabend einen besonderen Spin: Die Beständigkeit der deutschen Kanzlerin macht umso deutlicher, wie kurzlebig in Österreich das Amt des Kanzlers oft ist. Schüssel, Gusenbauer, Faymann, Kern und Kurz tauchen an ihrer Seite auf, und Maschek kitzeln deren Eigenheiten so präzise heraus, dass ihnen die großen Lacher sicher sind. Als neue Story der alten Bilder gestalten Maschek in der ersten Hälfte eine „Merkel sucht den Traummann“-Serie, weil ihr Ehemann, „der alte Sauer“ nicht mehr zu Gipfeltreffen mitfahren will.

Starkes Statement für den Feminismus

Das Setting erlaubt ein Vorführen aller Arten von männlichem Macht- und Macho-Gehabe, wobei Maschek ein starkes Statement für den Feminismus setzen. Ihr Plädoyer gegen Mansplaining, Manspreading und die Verniedlichung der Weiblichkeit konkretisieren Hörmanseder und Stachel in der Zugabe, in der auch aktuelle Szenen von Schwarzenegger und Greta Thunberg verarbeitet werden. Die zwei Stunden Bühnenshow verfliegen im Nu, fast jeder Clip bringt ein neues lustiges, spannendes oder entlarvendes Thema: von Abhörskandalen bis zur Terrorismus-Bekämpfung. Maschek legt Merkel etwa eine neue Strategie zur Rettung der Welt in den Mund: „Überall, wo die Deutschen Krieg geführt haben, haben wir verbrannte Erde hinterlassen. Aber dort, wo wir als Touristen hinkommen, blüht das Leben.“ Doch wie bringt man jetzt Touristen nach Afghanistan? Deutschland schickt einfach Hartz IV- Empfänger – und Florian Silbereisen, um das Land zu retten. Großer Applaus für die satirischen Archivare der Weltgeschichte

Sie taucht auf, wenn in der Dramaturgie eines Clips etwas aus dem Ruder zu laufen droht und jemand nach dem Rechten sehen muss. Und wenn Angela Merkel Sebastian Kurz gönnerhaft die Schulter tätschelt; wenn sie neben Putin oder Trump leidend das Gesicht verzieht – dann geschieht etwas Interessantes. Plötzlich hören wir nicht mehr Männer, die über eine Frau drüber reden. Sondern Männer, die aus einer Frau herausreden. Männer, die in die Haut einer Frau geschlüpft sind, und die Umgebung aus deren Perspektive betrachten. Mit Merkels Augen sehen wir plötzlich die geckenhaften Aufplusterungsrituale der Amtskollegen um sie herum, die Ödnis der immer gleichen Konferenzsäle. Wir spüren, wie seltsam es sich anfühlen muss, alle paar Tage im pastellfarbenen Hosenanzug eine Parade abzuschreiten, und stets die einzige Frau auf dem Gruppenfoto zu sein. Wir leiden mit Merkel mit, und freuen uns über die kleinen Fluchten in die Normalität, die sie manchmal heimlich entdeckt. (Sibylle Hamann)

Wer hierzulande klagt, es gäbe kein gutes politisches Kabarett mehr, hat wohl auf Maschek vergessen – abgesehen davon, dass solche Klagen meist aus dem Mund jener kommen, die gar nicht mehr ins Kabarett gehen. Bei Maschek stehen die Politiker stets im Mittelpunkt des „Drüberredens“, wie man die Kunstform der live synchronisierten Fernsehbilder nennen kann. Dass es nicht als politisches Kabarett durchgeht, wenn man sich einfach über politische Köpfe lustig macht, muss nicht extra betont werden. Doch Maschek schaffen beides: Politiker in Witzfiguren zu verwandeln und gleichzeitig gesellschaftspolitische Satire zu präsentieren.
In ihrem Programm-Special  „Maschek Macht Merkel“  verneigen sich Peter Hörmanseder und Robert Stachel vor ihrer langjährigen Wegbegleiterin und Bilderlieferantin Angela Merkel. Ulrich Salamun, der früher das Maschek-Trio vervollständigte, lebt seit vielen Jahren in Nicaragua als Kaffeebauer und Honorarkonsul: Er kommt nur mehr zu Jubiläumsshows auf die heimischen Kleinkunstbühnen. Solche gab es dieses Jahr bereits, denn Maschek wurden 20 Jahre alt. Außerdem erhalten sie im November den Sonderpreis des Österreichischen Kabarettpreises, der ebenfalls seinen 20. Geburtstag feiert.
Bei so viel Party haben sich Maschek für das aktuelle Programm eine leichtere Aufgabe gestellt: Man nehme ein Best-of der bisherigen Clips und bastle daraus eine neue Geschichte. Das ist bei renommierten Kabarettisten eine beliebte Übung, auch Alfred Dorfer, Josef Hader, Thomas Maurer, und demnächst Martin Puntigam verweben ihre Werkschau in neues Gewand. Der Unterschied bei Maschek: Die Protagonisten altern nicht mit. Die Fernsehbilder einer Angela Merkel als Bundesministerin für Frauen und Jugend aus den 1990er-Jahren versetzen das Publikum wirklich in vergangene Zeiten – und berühren die Zuseher tiefer, ähnlich wie beim Durchblättern alter Familienalben.

Die Konzentration der Videoclips auf Angela Merkel geben dem Kabarettabend einen besonderen Spin: Die Beständigkeit der deutschen Kanzlerin macht umso deutlicher, wie kurzlebig in Österreich das Amt des Kanzlers oft ist. Schüssel, Gusenbauer, Faymann, Kern und Kurz tauchen an ihrer Seite auf, und Maschek kitzeln deren Eigenheiten so präzise heraus, dass ihnen die großen Lacher sicher sind. Als neue Story der alten Bilder gestalten Maschek in der ersten Hälfte eine „Merkel sucht den Traummann“-Serie, weil ihr Ehemann, „der alte Sauer“ nicht mehr zu Gipfeltreffen mitfahren will.

Starkes Statement für den Feminismus

Das Setting erlaubt ein Vorführen aller Arten von männlichem Macht- und Macho-Gehabe, wobei Maschek ein starkes Statement für den Feminismus setzen. Ihr Plädoyer gegen Mansplaining, Manspreading und die Verniedlichung der Weiblichkeit konkretisieren Hörmanseder und Stachel in der Zugabe, in der auch aktuelle Szenen von Schwarzenegger und Greta Thunberg verarbeitet werden. Die zwei Stunden Bühnenshow verfliegen im Nu, fast jeder Clip bringt ein neues lustiges, spannendes oder entlarvendes Thema: von Abhörskandalen bis zur Terrorismus-Bekämpfung. Maschek legt Merkel etwa eine neue Strategie zur Rettung der Welt in den Mund: „Überall, wo die Deutschen Krieg geführt haben, haben wir verbrannte Erde hinterlassen. Aber dort, wo wir als Touristen hinkommen, blüht das Leben.“ Doch wie bringt man jetzt Touristen nach Afghanistan? Deutschland schickt einfach Hartz IV- Empfänger – und Florian Silbereisen, um das Land zu retten. Großer Applaus für die satirischen Archivare der Weltgeschichte

Als Spross einer musikalischen Familie und aufgewachsen in der jüdisch, christlich sowie muslimisch geprägten Stadt Jaffa hat der israelische Trompeter Itamar Borochov nie einen Hehl um die Vielfältigkeit seiner Einflüsse gemacht. Edith Piaf, Weather Report, Nusrat Fateh Ali Khan und Prince haben den Grundstein für seine musikalische Offenheit gelegt. Doch erst mit dem Besuch der Sephardischen Synagoge in seinem Viertel wurde die Mischung komplett: Dort lernte er die auf arabischen Skalen basierende und durch Jahrhunderte alte jüdische Traditionen geformte Sakralmusik kennen. Als er sich später schließlich mit dem Erbe des New Yorker Jazz auseinandersetzte, wurde ihm klar: „Wenn Coltrane von seinem Vater, der Prediger war, inspiriert wurde, dann musste ich das auch so machen. Lee Morgan hat den Gospel mitgebracht und ich bringe die Musik der Sephardischen Synagogen mit.“

Die Kompassnadel dreht vom Nahen Osten nach Nordamerika. Sie dreht nach Osteuropa und weist auch in Richtung Orient. Auf der Bühne im Becher-Saal steht der aus Israel stammende Trompeter Itamar Borochov mit seinem Quartett. Die Musiker schlagen Brücken zwischen den Welten. Sie verweben modernen Mainstream-Jazz mit Musikelementen nahöstlichen Ursprungs. Das tun sie auf ganz dezente Weise. 
Es hat bis in die Gegenwart gedauert, bis Israel den Jazz für sich entdeckte. Erst seit den 90er Jahren gelangen israelische Jazz-Musiker auch international zu Ruhm. Bekannter sind der Trompeter und der Bassist mit dem gleichen Namen Avishai Cohen und die Klarinettistin Anat Cohen. Zu dem gefeierten Kreis gehören auch die Pianisten Shai Maestro und Omer Klein sowie der Schlagzeuger Ziv Ravitz.  Dass sich der Jazz in Israel erst spät entfaltete, liegt vielleicht an der kaum überschaubaren Vielfalt der musikalischen Einflüsse, die dort aufeinandertreffen. Jüdische Einwanderer aus Osteuropa brachten ihre Folklore und den Klezmer mit, hinzu kommen nordafrikanische und orientalische Traditionen sowie Rock und Pop. Mit diesen Klängen ist auch Itamar Borochov aufgewachsen. Aus diesem Schmelztiegel holte er sich Impulse. Das tut er auch heute noch, obwohl er inzwischen in New York lebt.

Borochov streichelt die Ohren. In den sentimentalen Abschnitten spielt er einen weichen, warmen Ton. Auch wenn es leidenschaftlich oder gar temperamentvoll zugeht, braucht er keine schrägen Schärfen. Der Trompeter kann seine Zuhörer rühren. Er versteht sich auf ein einfühlsames, einnehmendes Spiel. Seine Melodien und Rhythmen haben häufig eine arabisch-orientalische Färbung. Die durchweg längeren Stücke sind durch die Klarheit des Modern Jazz und arabisch-afrikanische Musiktraditionen geprägt.
Fazit: Seit Jahrzehnten versuchen sich kreative Köpfe im Gegenwarts-Jazz am Projekt einer universellen Weltmusik. Lange Zeit sah es aus so aus, als bleibe Weltmusik eine kaum erreichbare Zielvorstellung. Itamar Borochov zeigt, dass es anders ist. Mit seinem Quartett macht einen eleganten, beseelten Ethno-Jazz. Der Anspruch wechselt zwischen Kopf und Bauch. Die Musiker zeigen feinsinnig, wie sich Jazz mit anderen Kulturen – zumindest auf regionaler Ebene - verschmelzen lässt. Am Ende entstehen neue, eigenständige Klänge. Das Quartett ist ein weiteres Beispiel für die Offenheit des modernen Jazz, Verbindungen mit viel älteren Traditionen einzugehen. All das kommt beim Publikum gut an. Das klatschte am Ende stehend Beifall. Und das kommt eher selten vor.  

LINE UP:

Itamar Borochov - trumpet
Rob Clearfield - piano/Rhodes
Cedric Raymond - bass
Amir Bar Akiva - drums

Ein schillernder Abend mit drei ungleichen Galionsfiguren, vereint durch die Liebe zur gepflegten Abendunterhaltung.
Denice Bourbon, der aufgehende, lesbische Stern am Stand-up-Himmel
Christiane Rösinger, legendäre Berliner Songwriterin und
Stefanie Sargnagel, Kultpoetin aus der Wiener Vorstadtkneipe, stehen wieder gemeinsam auf einer Bühne.
Jede für sich ein Hit sind sie im Trio eine Naturgewalt!

Die eine macht Witze über Heteros, die zweite schreibt über Katzenbabytreten und die dritte singt darüber, dass Liebe überbewertet ist.
Zusammen sind Denice Bourbon, Stefanie Sargnagel und Christiane Rösinger auf Tour – und bringen als „Legends of Entertainment“ ihre vielfältigen Talente zusammen.

Alle drei Künstlerinnen sprechen oder singen auf die eine oder andere Weise über ihr Leben als Frauen
sie sind dabei laut, derb und vor allem wahnsinnig witzig.
Das und der wunderbar vorgetragene trockene  Humor hält die Show zusammen....

Er ist 21 Jahre jung und wird als eines der größten heimischen Jazztalente der letzten Jahre gefeiert. Der in Bludenz, Vorarlberg, geborene und in Innsbruck lebende Pianist Jakob Zimmermann wartet mit technisch wie musikalisch erstaunlich reifen und elaborierten Tönen auf. Einflüsse u. a. von Chick Corea, Tigran Hamasyan, Avishai Cohen und The Bad Plus verarbeitend, erweist sich Zimmermann als überaus versierter Tastenmeister, der seine melodischen und rhythmischen Ideen plastische, spritzige Gestalt annehmen lässt.

"„Was Jazz so unwiderstehlich macht ist der Widerspruch. Bodenlose Melancholie trifft auf atemlose Lebenslust. Welche andere musikalische Ausdrucksform vereint Sentimentalität so gekonnt mit koketter Lässigkeit? Jakob Zimmermann, das 20-jährige Tiroler Klaviertalent mit der Harry Potter-Brille, ist ein unerwarteter Meister dieser oft paradoxen Zwischentöne. In der heimischen Jazz- Szene längst umjubelt, ist er der breiten Masse noch weitgehend unbekannt.“ Norbert Pleifer, Treibhaus Innsbruck"

Jakob Zimmermann: piano
Clemens Rofner: bass
Raphael Auer: drums

Das Jakob Zimmermann Trio ist eine musikalische Formation bestehend aus Clemens Rofner, Simon Springer und Jakob Zimmermann, der das Programm komponiert hat. 
Genretechnisch lässt sich das Trio im Bereich des Fusion Jazz ansiedeln, wenngleich der Bandleader sich nur ungern auf kategorische Zuordnungen beschränkt, da Musik primär für sich stehend als Endprodukt sämtlicher, subjektiver Einflüsse zu betrachten ist und jedes Stück andere Merkmale aufweist.

So ist die Musik des JZ Trio das Endprodukt einer aufwendigen, persönlichen Auseinandersetzung mit Musik aus aller Welt. Als Eckpfeiler für Zimmermann's pianistische und kompositorische Inspiration für sind u.a. J.S. Bach, Keith Jarrett, Brad Mehldau, Tigran Hamasyan und Avishai Cohen zu erwähnen. Das Charakteristische an der Musik des JZ Trio sind die gründlich durchstrukturierten Kompositionen und viele Taktartenwechsel, weshalb das Schlagzeug zentrale Rolle in der wechselhaften Rhythmik einnimmt. Der Kontrabass hat in Zimmermann's Arrangement eine sehr melodische Funktion. Die Themen werden zumeist in Zimmermann's linker Hand vorgestellt und sind unisono mit der Bassstimme verwoben, was deutlich zur Steigerung der melodischen Expressivität beiträgt. In klar vorgegebenen Soloformen bieten Zimmermann's Kompositionen Raum für Improvisation. Zusätzlich zählen zur Bandbreite des JZ Trio auch vereinzelte Kompositionen, die dem Funk zuzuordnen sind und einen Kontrast zur inhaltlichen Schwere der zuvor beschriebenen Kompositionen darstellen.

Jakob Zimmermann ist Bandleader, Komponist und Pianist. Er wurde 2014 mit dem Outreach Young Master Stipendium und 2015 mit dem Tiroler Jazzjugendpreis ausgezeichnet. Neben seiner Trio-Tätigkeit leitet er ein Duo mit Daniel Ismaili, das etwa beim Poolbar Festival Feldkirch oder in der Eremitage Schwaz aufgetreten ist. Zusätzlich ist Zimmermann Solo-Pianist und hat medial gewürdigte Auftritte im SZentrum Schwaz oder beim Stummer Schrei zu verzeichnen. Zimmermann führt einen YouTube-Kanal mit nahezu 1 Mio. Aufrufen.

„Ein Wahnsinnstalent“ Tiroler Tageszeitung
„Klavier-Genie“ Tiroler Tageszeitung (TT)

„Eine vielversprechende Stimme im österreichischen Jazz.” Alto Adige Jazz Festival „Shooting Star (...)” Outreach Jazzfestival

“Der erst 16-jährige Jakob Zimmermann zog vom Klavier aus die Fäden und zeigte in 'One more Once' sein Können. Mit originellen Intervallkonstellationen, perlenden Patterns und harmonischen Rückungen sowie guten Überleitungen lenkte er auch in 'MacArthur Park' von Jim Webb die Aufmerksamkeit auf sich.” kulturzeitschrift.at

„Was Jazz so unwiderstehlich macht ist der Widerspruch. Bodenlose Melancholie trifft auf atemlose Lebenslust. Welche andere musikalische Ausdrucksform vereint Sentimentalität so gekonnt mit koketter Lässigkeit? Jakob Zimmermann, das 17-jährige Tiroler Klaviertalent mit der Harry Potter-Brille, ist ein unerwarteter Meister dieser oft paradoxen Zwischentöne. In der heimischen Jazz- Szene längst umjubelt, ist er der breiten Masse noch weitgehend unbekannt.“ soll vor 5 jahren Norbert Pleifer, Treibhaus Innsbruck, gesagt haben.

Özgür Yılmaz : Electric guitar
Ahmet Kul: Electric guitar
Alican Tezer: Drums
Altan Sebüktekin: Bass guitar
Güney Güvel: Percussion

Ayyuka wurde im Jahr 2001 gegründet und begann, ihre eigene Musik zu machen, die hauptsächlich aus Improvisationen bestand und von vielen verschiedenen Stilen beeinflusst war. Einige Zeit später hatte die Band natürlich ihren Namen,: AYYUKA  - was zwei Bedeutungen hat: "zum höchsten Teil des Himmels" und "eine Redewendung, die besagt, dass ein Geheimnis gelüftet wurde. 
Seit der Veröffentlichung ihres Debütalbums ist die Band auf verschiedenen Musikfestivals und in verschiedenen Städten wie Istanbul, Berlin, Lyon und Sao Paulo aufgetreten. Sie haben auch mit internationalen  Künstler wie Jonathan Richman, R.E.M. und Sonic Youth die Bühne geteilt. Mit einer sehr direkten Live-Performance-Energie in ihren Kompositionen, verschmelzen Ayyuka charakteristische Elemente aus einer Vielzahl von Genres wie Anatolian Rock, Arabesque, Surf Rock, Punk, Spaghetti Western, Psychedelic Rock und Funk. Ihr  Sound bewegt sich zwischen Psychedelic Rock, Afro-Rhythmen und vielem mehr. 

Ayyuka begannen bereits im Gymnasium Musik zu machen und zu improvisieren, mit dem Gitarristen Özgür Yilmaz und dem Bassist Altan Sebuktekin. An der Universität in Eskipehir kamen Gitarrist Ahmet Kul und Schlagzeuger Alican Tezer hinzu. Die Gruppe spielte zuerst Cover-Versionen von Rocksongs und improvisierte darüber. Identisch mit Bedeutungen wie die ‚Offenbarung eines Geheimnisses’ oder ‚Höhe zum höchsten Punkt des Himmels’, huldigen Ayyuka ihren Namen und dessen Konnotationen. Ayyuka's Musik ist nicht nur eine einfache Verknüpfung von westlichen Musik, leicht gemischt mit lokalen Motiven. Verschiedene Arten von Musik wie Arabesque, Punk, Surf, Psychedelic Rock und Funk verschmelzen akribisch. Ayyuka's Debüt-Album "Ayyuka" erschien auf dem Label Doublemoon Records im Jahr 2007. Ihre Musik erhielt populäre Bewertungen von renommierten türkischen Zeitungen und Zeitschriften wie Hürriyet, Sabah, Radikal, Cumhuriyet, Rolling Stone, Bant, Roll, Turkish Daily News, Billboard, Istanbul Time out u.a. Die Band hat seine Fans auf Festivals wie Rock N Coke 2007, Masstival 2008, MTV Alternative Nation 2008, Fest the Wall 2007, Rock Istanbul 2005 oder in Clubs wie Babylon, Studio live, Balans, Roxy oder Peyote gefunden, spielte Vorgruppe  auf Tours  von Sonic Youth und Jonathan Richman. Sie arbeiteten zusammen mit renommierten Künstlern wie Erica Glyn, Replikas, Baba Zula, Gevende, Hyko Cepkin, Ceza, Fairuz Derin Bulut oder Smadj.
 

Downbeat Magazine: a tight, refreshingly inventive variation on the big band tradition…

Kurier: überraschende Wendungen im viel bejubelten Stück…
Der Standard: kompositorischer Raffinesse im Sinne kontrapunktischer Gruppenkräfte…
Salzburger Nachrichten: großer Jubel für eine gelungene Premiere…
Kleine Zeitung: packend strukturierte Musik zwischen Jazz-Sophistication und sinnlichem Temperament…
Oberösterreichische Nachrichten: ein kräftiges Plädoyer für die große Besetzung. Bravo!
ORF.at: eine bejubelte Weltpremiere in Saalfelden… 
Concerto: großorchestrales Feuer…
Tiroler Tageszeitung: Nichts genaues weiß man nicht, dieses aber ebenso

Großbesetzungen im Jazz sind rar geworden. Unter anderem durch den Verfall der Gagen im letzten Jahrzehnt geht eine Kultur verloren, welche die Geschichte einer  der größten musikalischen Erfindungen des 20. Jahrhunderts mitgeprägt hat: Von  Duke Ellington bis Carla Bley, vom Sun Ra Arkestra bis zum Vienna Art Orchestra  gehörten großbesetzte Bands immer zum Kanon der improvisierten Musik.  
Mit dem 18-köpfigen Orjazztra Vienna erfülle ich mir nun – den Zug der Zeit  ignorierend – den Traum eines eigenen Jazzorchesters, den ich seit meinem  Weggang vom Vienna Art Orchestra im Jahr 2004 träume.  
Österreich und Wien besitzen derzeit eine schier unglaublich dichte Szene junger,  großartiger Musikerinnen und Musiker, die in vielen eigenen Bands musizieren, die  neugierig, experimentierfreudig, weltoffen und allesamt sehr gut ausgebildet sind  und somit auch technisch auf höchstem Niveau spielen.
Zum überwiegenden Teil besteht das Orjazztra aus jungen Menschen dieser  heimischen Szene, ist mit doppelter Rhythmusgruppe (zwei Bässe, zwei Schlagzeuge),  Klavier, einem sechsköpfigen Saxophon/Klarinettensatz, drei Trompeten, zwei  Posaunen und einer Tuba ungewöhnlich besetzt und eher als zeitgenössisches  Jazzorchester denn als Big Band zu bezeichnen.  
Nach nunmehr 35 Jahren als Komponist, Dirigent und Instrumentalist, immer zwischen  den Stühlen agierend bzw. diese regelmäßig wechselnd - vom Leiten zahlreicher  Jazzbands bis zum Dirigieren einer Mahler-Symphonie, vom Komponieren für  Symphonieorchester bis zur Produktion der Signations für Ö1 –, soll das Orjazztra für  die nächsten Jahre nun mein musikalischer Schwerpunkt und die größtmögliche  gemeinsame Schnittmenge der Summe dieser Erfahrungen werden:
Ein orchestraler Zugang zum zeitgenössischen Jazz über komplexe Partituren, die  gleichzeitig den individuellen Solistinnen und Solisten den entsprechenden  improvisatorischen Freiraum geben, klanglich geprägt von einem akustischen, in  diesem Fall bewusst elektronikfreien, an den Tugenden klassischen Orchesterspiels  geschulten Zusammenklang. (Christian Muthspiel, Jänner 2019)

ORJAZZTRA

• ​saxophones, clarinets
 Lisa Hofmaninger,
Fabian Rucker,
Astrid Wiesinger,
Robert Unterköfler,
Ilse Riedler,
Florian Bauer

• trumpet, flugelhorn
Gerhard Ornig,
Lorenz Raab,
Dominik Fuss

•  trombone 
Alois Eberl,
Daniel Holzleitner,
Christina Baumfried:

• piano:Philipp Nykrin

• bass
Judith Ferstl,
Beate Wiesinger

• drums
Judith Schwarz,
Marton Juhasz:
Christian Muthspiel: compositions, leader

PREMIERENKRITIK

Zu welcher Tages- und Nachtzeit jemand Ö1 aufdreht – er wird mit Ideen von Christian Muthspiel beschallt. Seit der Steirer die klassischen, dann wieder jazzigen Signations für den Sender komponiert hat, ist er ein Dauerbegleiter für Fans jenes Senders, der "gehört gehört". Der vielseitige Komponist, Posaunist, Pianist und Dirigent hat kurze Stücke ersonnen, die eine Weiterentwicklung vertragen würden. Von seinem neuen Projekt will Muthspiel die Ö1-Miniaturen allerdings freihalten.
Ein akustisches Déjà-vu muss, wer das neue Orjazztra Vienna  hört, also nicht fürchten. "Es ist vom ersten Ton an alles neu, ich wollte Neuland betreten." Die Musik des Orjazztra sei auch "komponiert und nicht arrangiert", beharrt Muthspiel auf den Unterschied. "Ich habe komplexe Partituren geschrieben, die dem Begriff Orchester so nahe sind wie dem Begriff Jazz. Ein Jazztune zu arrangieren, ist etwas Anderes, als eine 17-stimmige Partitur zu komponieren."
Carla Bley und das Vienna Art Orchestra, bei dem Muthspiel tätig war, sind Inspirationsquellen, die jedoch zu individuellen Stücken führen sollen. "Ich will jedoch nicht krampfhaft Einflüsse verleugnen. Würde jemand zu mir sagen, das Orjazztra klinge nach Bley, würde ich mich eher freuen als beleidigt sein." Schon die Besetzung mit doppelter Rhythmusgruppe, sechs Saxofonen mit vielen Wechselinstrumenten und einem eher kleinen Blechsatz sei aber sehr individuell "wie auch etwa der Schwerpunkt 'polyrhythmisches Komponieren'."
Vor allem der Begriff "Orchesterkultur" ist Muthspiel wichtig: "Ich meine damit aus der Klassik stammende Tugenden der Interpretation im Sinne von Klangfarben, Dynamik, Phrasierung." Es wundert nicht. Durch das Schreiben für große und kleinere Besetzungen und das Dirigieren opulenter Symphonik sei ihm "der große Apparat recht vertraut. Das heißt: Es löst bei mir Freude aus, ein siebzehnzeiliges Partiturblatt zu beschreiben, da viele grundsätzliche Fragen der Mehr- und Vielstimmigkeit in jeder Musik dieselben sind."

Muthspiel meint dabei die Aspekte Stimmführung, Kontrapunkt, Instrumentation und Balance, und das klingt nach profunder Handschrift. Allerdings "riecht" sein Projekt nach einer Verzahnung von Klassik und Jazz, die einst im Third Stream betrieben wurde und ein heikles Unterfangen blieb. "Das Orjazztra ist eindeutig ein Jazzprojekt, kein Third Stream oder Crossover. Es ist ein Jazzorchester mit hohem kompositorischem Anteil und dem Anspruch an einen gewissen Grad von Komplexität."
Eine noch so leichtfüßig klingende Riesencombo ist natürlich auch von der psychologischen Dynamik her speziell, also heikel. Wenn es da Konflikte gibt, ist der Leiter auch Therapeut, Mediator, Kummernummer. "Als Dirigent hat man immer mehrere Funktionen, aber künstlerische Konflikte können belebend sein", sagt Muthspiel, der keinen Zwist nahen sieht. Er habe vor allem "Lust, mit jungen Musikerinnen und Musikern zu arbeiten, das Durchschnittsalter ist um die 30!".
Durch deren "andere Spielweise und Sicht auf den Jazz – auch aufgrund völlig unterschiedlicher musikalischer Sozialisation als in meiner Generation – spüre ich eine Frische und Qualität, die mich inspiriert." Er habe sich viele Konzerte junger Bands angehört, "um mir ein Bild zu verschaffen, bevor ich – was die musikalische und menschliche Chemie anbelangt – die Band sehr bewusst zusammengestellt habe.
Und dass eine Schlagzeugerin, zwei Bassistinnen und drei Saxofonistinnen dabei sind, "repräsentiert den längst überfälligen Einzug der Frauen in die Jazzszene, welche diesbezüglich der Klassikwelt leider um Jahrzehnte hinterherhinkt." Selbst mitjazzen wird er nicht. "Wäre eindeutig zu viel. Außerdem sind 'meine' zwei Posaunisten so großartig, dass ich eigentlich eher froh bin, nicht mithalten zu müssen."
 (Ljubiša Tošić, 21.8,2019)

„Ich bin mit 17 jungen Leuten auf Entdeckungsreise“

Er ist einer von Österreichs bekanntesten Jazzmusikern: Posaunist, Pianist und Komponist. Außerdem dirigiert er regelmäßig klassische Orchester und schreibt auch Werke für sie. Jetzt hat Christian Muthspiel, geboren 1962 in der Steiermark, eine neue Herausforderung gefunden: eine Big Band – das ORJAZZTRA VIENNA.
Roland Spiegel, Jazzredakteur des Bayerischen Rundfunks, sprach mit ihm über das Projekt.

Roland Spiegel: 
Christian Muthspiel, als wir uns das letzte Mal trafen, sagten Sie mir: „Demnächst werde ich entweder einen Sechstausender besteigen oder eine Big Band gründen.“ Jetzt ist es die Big Band geworden. Ist das einfacher oder schwerer?

Christian Muthspiel: 
Was mich mit der künstlerischen und auch organisatorischen Leitung dieser Bigband erwartet, kann ich wahrscheinlich eher abschätzen als die Antwort auf die Frage, wie mein Kopf sich anfühlt auf 5500 Metern, und man hat noch 500 Meter vor sich. Aber solch eine Big Band ist natürlich schon eine große Geschichte.

Etwas, wofür man Mut und ziemlich viel Atem braucht?

Ja, ich habe Respekt davor. Aber ich habe eine wahnsinnig positive Energie dazu. Ich merke richtig: Ich muss das machen.

Obwohl solch eine Big Band schon finanziell ein riesiger Berg ist?

Ich kümmere mich mit Hilfe einiger Unterstützer – also Spendern, Institutionen und öffentlichen Förderungen – um die wirtschaftliche Grundausstattung des Orjazztra, die es erlauben soll, faire Gagen an meine Musikerinnen und Musiker zu bezahlen und das Orchester am Leben zu erhalten. Dass bei dem heutigen, katastrophalen Niveau der Jazzgagen ein so großes Ensemble nicht ohne relevante finanzielle Zuwendungen überleben kann, liegt auf der Hand. All jenen, die uns unterstützen, danke ich herzlichst.

„Ich muss das machen“, sagten Sie gerade. Was treibt Sie da so an?

Ich möchte meine kompositorischen Ideen einfach mal mit meiner eigenen großbesetzten Band umsetzen können. Und diese Band ist interessant: Wenn man mich wegzählt, ist das Durchschnittsalter um die 30, wir sind also sehr jung. Diese jungen Musikerinnen und Musiker haben mich sehr inspiriert. Ich habe mir die verschiedensten Bands und Aufnahmen dieser zum überwiegenden Teil sehr jungen Leute angehört, um herauszufinden, was und wie diese Jahrgänge musizieren.

Ich sehe hier auf der Liste, um nur ein paar Namen herauszugreifen: Lisa Hofmaninger, bei den Saxophonen und Klarinetten, Jahrgang 1991. Astrid Wiesinger, Jahrgang 1988, in derselben Instrumentengruppe. Beate Wiesinger, Bass, 1986. Dann sehe ich einen Tubisten: Tobias Ennemoser, 1991 geboren. Und die Schlagzeugerin Judith Schwarz, Jahrgang 1989.

Ich bin auf Entdeckungsreise gegangen, und das waren die Musikerinnen und Musiker, die ich unbedingt dabeihaben wollte. Diese Besetzung ist bewusst keine klassische Big-Band- Besetzung. Erstens habe ich einen sechsköpfigen Holzbläsersatz. Die spielen alle zwei bis drei verschiedene Saxophone und Klarinetten. Wenn sie alle nur ihr Hauptinstrument spielen, besteht der Satz aus Sopransaxophon, zwei Alt- und zwei Tenorsaxophonen sowie einem Bariton. Und dann eben ein etwas kleinerer Blechsatz mit drei Trompeten, zwei Posaunen und einer Tuba. Und dafür die doppelte Rhythmusgruppe mit zwei Schlagzeugen und zwei Bässen. Das ist schon ziemlich speziell besetzt. Denn ich wollte mich auch als Komponist austoben. Hier kann ich zum Beispiel Besetzungen machen mit drei Bassklarinetten und drei Sopransaxophonen. Und die doppelte Rhythmusgruppe bietet natürlich auch sehr viele Möglichkeiten des Konzipierens oder Komponierens.

Ihre Lust am Komponieren war also der zentrale Aspekt bei der Gründung dieses Orchesters?

Bei den verschiedenen Dingen, die ich die letzten Jahre und Jahrzehnte gemacht habe, ist eigentlich der gemeinsame Nenner wahrscheinlich meine Lust daran, Architekt zu sein. Und in der Musik ist es das Komponieren. Ich vermisse im Jazz immer wieder kompositorische Handschriften. Ich würde mir hin und wieder wünschen, dass viele der wunderbaren Spielerinnen und Spieler, die es heutzutage gibt, öfter auch, was das Komponieren betrifft, sich mehr ins Zeug legen würden. Ich habe vor, mit dieser Band eine wirkliche Orchesterkultur zu entwickeln, die auch daran geschult ist, was ich als klassischer Dirigent mache: also wirklich dynamisch spielen, wirklich an den Klangfarben arbeiten, wirklich an der Phrasierung arbeiten. Bei vielen Big Bands habe ich das Gefühl, dass die Dynamik oft nicht mitgedacht wird mit der Komposition. Das ist in der Klassik aber ein Hauptaspekt des Ausdrucks. Und vor allem auch die Balance innerhalb des Orchesters: Wie stehen die einzelnen Gruppen dynamisch zueinander? Da wird ganz fein austariert. Wann kommt was in den Vordergrund? Wie mischen sich verschiedene Instrumentengruppen? Ich freue mich sehr darauf, an solchen Dingen intensiv zu arbeiten.

Hat jemand wie Carla Bley für Sie eine Vorbildfunktion für die Arbeit mit so einer Big Band?

Carla Bley war eine der Musikerinnen, die überhaupt dafür verantwortlich sind, dass ich Jazzmusiker werden wollte. Es waren vier Konzerte, die das in mir beschlossen haben. Das eine war Albert Mangelsdorff solo. Das zweite die Carla Bley Big Band. Das dritte war das Art Ensemble of Chicago. Und nicht zu vergessen ein viertes Konzert: das Duo Harry Pepl /Werner Pirchner. Als ich 17, 18 war, war klar: In diese Welt möchte ich auch. Das waren alles Konzerte, die ich in Graz gehört hatte. Carla Bley war immer für mich sehr wichtig, vor allem in ihrer Eigenschaft als Komponistin. Sie hat innerhalb der Tradition des Jazz ihre eigene Handschrift gefunden. Die Carla Bley Big Band hat immer anders geklungen als alle anderen Big Bands. Wenn man jetzt Vorbilder nennen möchte – oder nennen wir es vielleicht eher Inspirationen -, dann sind es auf jeden Fall Carla Bley, Maria Schneider und natürlich Gil Evans. Und mich haben auch die zehn Jahre im Vienna Art Orchestra stark geprägt. Das Art Orchestra war seit Anbeginn, als ich noch lange nicht mitgespielt hatte, für mich immer eine sehr wichtige Band – auch weil sie so individuell und auch irgendwie europäisch geklungen, aber trotzdem gegroovt hat. Mathias Rüeggs eigene kompositorische Handschrift, dieser eigene Sound, zum Beispiel mit Lauren Newton, die die Lead-Stimme oft gesungen hat anstelle der Trompete: Solche Dinge haben mich immer fasziniert.

Soll das Orjazztra Vienna in gewisser Weise eine Fortsetzung des Vienna Art Orchester werden, das vor zehn Jahren aus finanziellen Gründen leider aufgelöst werden musste?

Es wird zwangsläufig etwas Eigenes, wenn ich die Musik schreibe. Und es ist auch anders besetzt, und ich habe andere Schwerpunkte oder andere Fragestellungen, die sich mir stellen während des Komponierens. Aber die Sehnsucht nach einer großen Besetzung hat mir schon damals Mathias Rüegg eingepflanzt. Die Energie, als wir damals unterwegs waren: Das war schon sehr tolles Gefühl, dass man da in einer Band von zwanzig Leuten unterwegs war. Und auch bei Mathias hatten die Solisten ihre eigenen Räume. Man war nicht austauschbar. Das ist mir sehr wichtig: dass die Musikerinnen und Musiker nicht austauschbar sind, dass sie ihre Freiräume bekommen. Und dass die Stimmen wirklich individuell sind. Ich habe ja schon ziemlich viele klassische Konzerte für Soloinstrument und Orchester geschrieben. Der Sound und die Spielweise des Solisten, für den ich das jeweils geschrieben habe: Ohne das wäre ich verhungert. Benjamin Schmid, Gautier Capucon oder Hakan Hardenberger: Diese Interpreten hatte ich mehr vor Ohren als vor Augen, als ich die Stücke komponiert habe. Und jetzt finde ich es so schön, dass es um 17 Menschen geht.

Musiker, die 1988 oder 1991 geboren sind, haben ja einen völlig anderen musikalischen Background von der Sozialisation her als jemand, der 1962 geboren ist. Wie fließt das ein in die Arbeit an den Stücken?

Ich merke das jetzt schon beim Schreiben: Ich habe großen Spaß an ziemlich komplizierten ungeraden Taktarten, weil die junge Generation inzwischen so selbstverständlich damit umgeht, wie wir das damals überhaupt nicht gemacht haben. Das fordert mich jetzt zum Beispiel schon heraus. Und natürlich auch, was die Rhythmusgruppe betrifft. Einflüsse zum Beispiel von Stilen wie Hip-Hop oder Drum’n’Bass, verschiedene Formen von Techno und so weiter, und das fließt natürlich ein in die Spielweise. Ich habe ja die letzten Jahre immer mit Musikern gespielt, die gleich alt oder älter waren als ich, und jetzt habe ich große Lust drauf, diese andere musikalische Sozialisation in meiner eigenen Band zu hören. Zwei Drittel der Band sind im Alter meiner Tochter!

Sie sind jetzt also ständig damit beschäftigt, neue musikalische Sprachen zu lernen?

In diesem Fall ganz stark. In meinen letzten Jazzprojekten ging es eher darum, mich in vertrauten Sprachen erneut zu bewegen: die Dowland-Projekte, die Yodel-Group, die Duos mit Steve Swallow. Aber jetzt kommt wirklich etwas ganz anderes. Jetzt kann ich auf nichts zurückgreifen. Ich hatte noch nie eine eigene Big Band. Ich habe jetzt nicht 30 Partituren in der Schublade. Sondern ich schreibe wirklich alles neu. Und es ist eine Entdeckungsreise.

So, wie wenn man neue Luft ganz weit oben auf sechstausend Metern atmet, die vielleicht auch manchmal dünner ist als die vertraute?

Ja, das ist ein guter Vergleich. Es reißt mich jetzt ein bisschen hin und her zwischen Euphorie und Respekt. Da spielt auch die Tatsache hinein, dass viele Veranstalter sofort gesagt haben: Ja, ihr müsst unbedingt in der ersten Saison zu uns kommen! Ich kann noch keinen einzigen Ton vorspielen, es gibt ja noch nichts – und trotzdem haben wir schon eine ganze Saison gebucht