foto: thomas böhm

Na? Auch längst die Schnauze voll von seit Jahrzehten plakatierten Wahlplakaten mit Sprüchen wie "Wohnen muss wieder leistbar werden!"? In seinem neuen Programm „wOHNMACHT“ geht Markus Koschuh hart ins Gericht mit einer mutlosen Politik, Irrläufern des Lobbyismus, Banken, Immobilien- und Grundstückspekulanten und deren Wegbereitern und zeichnet ein aufrüttelndes Bild übler Machenschaften, die mit dazu führen, dass halb Österreich unter davongaloppierenden Kosten für Miete oder Hausbau leidet und vor allem Tirol zum Eldorado der Preistreiberei geworden ist. Penible Recherche, satirische Überhöhung, aberwitzige Rasanz und Körperlichkeit – das zeichnet Koschuhs Programme aus. 
„wOHNMACHT“ ist ein Empörungsprogramm in Sachen Wohnen, das aufrüttelt, aufzeigt und aneckt – oder: Ein eindringlicher kabarettistischer Weckruf an die Politik und irgendwie auch ein Hilferuf stellvertretend für viele.

wOHNMACHT.

- Kabarettist und Poetry Slammer MARKUS KOSCHUH: Idee und Buch
- Der für den Deutschen Schauspielpreis 2022 nominierte  HARALD WINDISCH: Regie
- Der langjährige schauspielerischer Leiter und Regisseur des Tiroler Landestheaters KLAUS ROHRMOSER: Regie
- Das ÖSTERREICHISCHE KABARETTSTIPENDIUM 2022 für die Programmidee.
All das ist wOHNMACHT, das Empörungsprogramm in Sachen Wohnen.

Carla Pires präsentiert die Modernität der portugiesischen Musik mit vielfältigen Wurzeln, sowohl kosmopolitisch, als auch ländlich, national, aber auch weit gereist. Sie lässt uns unerwartet an Orten innehalten an denen wir herausgefordert sind, in eine andere Zeit einzutreten und mit den Wanderungen des Fado auf den Pfaden der Welt in Kontakt zu treten. Ihre Musik gibt sich fröhlich den tropischen Aromen der Chorinhos und Mornas hin und verstrickt sich mit ländlichen Stimmen und Flamenco-Dramatik in einem Fest der Anziehungskraft und Sehnsucht.
Die Verwirrung eines liebevollen Verlustes, die Abrechnung mit dem Leben und dem Schicksal, Begegnungen in den Landschaften der Stille und Einsamkeit, Aufbruch, Abenteuer, Glück, Sehnsucht (Saudade), aber auch Rückkehr und Genuss sind hier präsent.
Stille und Stimmen, die eine Ernte von Emotionen aus den vier Ecken der Welt widerspiegeln, in der Lehre der Seele, während sie durch so viele unsichere und geheimnisvolle Orte gehen und für uns eine Kartographie eines Fados in Bewegung zeichnen, der aus Punkten besteht, die bis in die Tiefen des Lachens und Weinens reichen. Indem diese Punkte miteinander verbunden werden, zeichnet der emotionale Reichtum der Stimme von Carla Pires die Linien von CARTOGRAFADO.

Auf der Bühne, unterstützt von exzellenten Musikern und ihrem unverwechselbaren Sound, besticht Carla Pires durch ihre starke Präsenz und die Kraft und das Talent, ihr Publikum zu begeistern. Sie ist eine großartige Sängerin mit einer einzigartigen Stimme, die den Fado und sein besonderes Gefühl durch erstaunliche musikalische Wurzeln trägt.

Besetzung:
Carla Pires: Gesang 
João Vaz: Guitarra Portuguesa 
André Santos: Spanische Gitarre
João Novais: Akustik Bass

Carla Pires startete ihre Karriere 1993 mit der Teilnahme an verschiedenen musikalischen Projekten, wie der Aufnahme von Soundtracks und Rollen als Schauspielerin für TV-Serien in Portugal. Drei Jahre lang verkörperte sie die junge Amalia Rodrigues in einem erfolgreichen portugiesischen Musical über die Fado-Ikone.
Carla konnte sich 2008 international als Fado-Sängerin etablieren, als sie eine Konzert-Tournee durch Frankreich unternahm und auch in Spanien, Österreich und Algerien auftrat. Seitdem ist sie ständig auf Tournee und unterhält ein begeistertes Publikum in Europa, Afrika, Asien und Lateinamerika.
​Einige Höhepunkte ihrer Karriere: Auftritte in wichtigen Konzerthäusern wie der Grazer Oper, der Osaka Symphony Hall, dem Concertgebow in Amsterdam, dem Théâtre de la Ville (Paris) oder dem Teatro Solís in Montevideo. Zusammenarbeit mit den wichtigsten Musikern und Orchestern wie dem Danstheater/Amsterdam, mit dem sie den Audience Dance Award 2014 gewann. 2015 trat sie zusammen mit dem Grazer Philharmonischen Orchester in Graz in dem Stück „Malambo” auf. Danach kam 2017 dann für die Tanzkompanie der Oper Graz das zeitgenössische Tanzprojekt „Fado”, mit einer neuen Choreografie von Vasco Wellencamp. 2017 ging sie sich mit ihrem Album Aqui auf Welttournee.

hosted by LoR. – NO CULTURE/JUST PUNK

Live - Musik, Live - Talk, Live im Radio!
Der Musikstammtisch wurde Herbst 2017 als Projekt des Kulturvereins "LoR. Legends of Rock" ins Leben gerufen um Tirols Musiker zu vernetzen und eine Plattform zum Austausch zu bieten.
Es gilt zwar Frei nach Marx: Musiker_innen Tirols vereinigt euch. Aber auch schief singende und nicht Instrumental begabte Musikgourmets sind Willkommen.
LoR. ist stolz darauf für dieses Projekt mit dem Innsbrucker Treibhaus und dem Radio FREIRAD zu kooperieren

LIVE ON STAGE:

IGERL ist 21 Jahre alt, Teilzeitmusiker, als auch Teilzeitkellner. Hauptberuflich schreibt IGERL Pressetexte, wie diesen hier. Er macht tolle Musik, die man dem Indie-Rock zuordnen kann. Neben Laut ist er auch ab und zu leise, wenn er mal wieder die alte Akustik-Klampfe auspackt. Kommt zu dieser Show und hört euch seine Musik auf Spotify an, sie ist sehr gut!

MODI 203 & RAMZ (RAP)

Wenn die Soulband MORELAND spielt, besteht akute Gefahr, dass Zehen unkontrolliert zu zucken anfangen, Herzen dahinschmelzen und es plötzlich schwer fällt, sitzen zu bleiben. Auf den Spuren von Marvin Gaye, James Brown und Aretha Franklin singt sich Vollblut Soul & Funk Sänger Dwight Moreland aus Atlanta (USA) in die Herzen des Publikums. Seine Band, die jeden Club mit messerscharfen Grooves und butterweichen Melodien zum Kochen bringt, sorgt für den zusätzlichen Gänsehaut-Faktor und schleudert das Publikum mit der souligen Stimme von Dwight auf eine Achterbahnfahrt der Gefühle.
Neben ihren Songs aus der eigenen Feder hat die Band auch die ein oder andere funkelnde Perle aus dem internationalen Soulbook, welche direkt ins Herz und in die Beine des Publikums zielen.

foto: thomas böhm

Na? Auch längst die Schnauze voll von seit Jahrzehten plakatierten Wahlplakaten mit Sprüchen wie "Wohnen muss wieder leistbar werden!"? In seinem neuen Programm „wOHNMACHT“ geht Markus Koschuh hart ins Gericht mit einer mutlosen Politik, Irrläufern des Lobbyismus, Banken, Immobilien- und Grundstückspekulanten und deren Wegbereitern und zeichnet ein aufrüttelndes Bild übler Machenschaften, die mit dazu führen, dass halb Österreich unter davongaloppierenden Kosten für Miete oder Hausbau leidet und vor allem Tirol zum Eldorado der Preistreiberei geworden ist. Penible Recherche, satirische Überhöhung, aberwitzige Rasanz und Körperlichkeit – das zeichnet Koschuhs Programme aus. 
„wOHNMACHT“ ist ein Empörungsprogramm in Sachen Wohnen, das aufrüttelt, aufzeigt und aneckt – oder: Ein eindringlicher kabarettistischer Weckruf an die Politik und irgendwie auch ein Hilferuf stellvertretend für viele.

wOHNMACHT.

- Kabarettist und Poetry Slammer MARKUS KOSCHUH: Idee und Buch
- Der für den Deutschen Schauspielpreis 2022 nominierte  HARALD WINDISCH: Regie
- Der langjährige schauspielerischer Leiter und Regisseur des Tiroler Landestheaters KLAUS ROHRMOSER: Regie
- Das ÖSTERREICHISCHE KABARETTSTIPENDIUM 2022 für die Programmidee.
All das ist wOHNMACHT, das Empörungsprogramm in Sachen Wohnen.

Wie kaum einem anderen Cantautore gelingt es Pippo Pollina, aus jedem seiner Verse einen Tanz zu machen. Einen Tanz, der eine Flut von Bildern auslöst und fantasievoll um Sehnsucht und Erfüllung, Kummer und Glück kreist. Ob lyrische Balladen, poetische Protestlieder oder rockige Songs, Pollinas Sprache bleibt immer sensibel und zart. 
Mit über 4000 Konzerte, mehr als einem Dutzend Alben und zahlreichen Kollaborationen – u.a. mit Georges Moustaki, Franco Battiato oder Schmidbauer/Kälberer – zu den bekanntesten italienischen Liedermachern. Im Jänner 2022 erscheint das Canzone Segrete-Album des sizilianischen Liedermachers mit der unverwechselbaren Stimme, Anlass genug, wieder mit seinem Palermo Acoustic Quintet auf Tournee zu gehen.

„Wo die Politik und die Religion es nicht mehr schaffen, Elemente bereitzustellen für eine Plattform der Ideen und genügender Werte, sind wohl wir Künstler gefragt, mögliche Wege aufzuzeigen“, schreibt Pippo Pollina im Geleitwort zu seinem neuen Werk. Für den Sizilianer mit Wahlheimat Zürich geht dieser Weg nur über die Poesie und die Musik. Mit ihr schenkt er seinen Zuhörern einen Hafen, in dem noch Brüderlichkeit und ein großes Spektrum an Gefühlen vor Anker gehen können. Diesen Hafen bietet der Cantautore, der seine Heimat einst verließ, weil die Mafia seine Träume zum Schweigen brachte, seit über einem Vierteljahrhundert. Dafür wird er nicht nur von seinem Publikum, sondern auch von den Kritikern geschätzt, ist Preisträger der „Freiburger Leiter“ und des Schweizer KleinKunstPreises – und natürlich verehren ihn auch seine dichtenden Kollegen, unter ihnen Konstantin Wecker, Georges Moustaki und Linard Bardill.

Pippo Pollina ist ein Vollblut-Liedermacher, der für kraftvollen und gleichzeitig emotionalen Gesang steht. Seine Italienisch gehaltenen Texte bewegen sich zwischen poetisch verpackten Protestliedern und lyrischen Balladen, die nicht mehr aus dem Ohr gehen. Giuseppe „Pippo“ Pollina wurde 1963 im sizilianischen Palermo geboren. Durch einen Autounfall erlitt er im Alter von sechs Jahren eine Augenverletzung, die seine Kindheit nachhaltig beeinflusste und ihn zu Musik und Büchern führte. Erste musikalische Erfahrungen sammelte er mit der selbstgegründeten Gruppe „Agricantus“. Nach einem Jurastudium wollte er als Journalist gegen die Mafia arbeiten, doch als sein Chefredakteur deshalb ermordet wurde, verließ Pollina seine Heimat und zog als Straßenmusiker durch Europa. Dabei landete er auch in Innsbruck, blieb länger  und gab mehrfach Konzerte mit AGRICANTUS im Treibhausgarten!  
In Luzern wurde er vom schweizerischen Liedermacher Linard Bardill auf der Straße entdeckt, was der Auftakt für die große Karriere des Italieners war. Ein weiterer Meilenstein war die Zusammenarbeit mit Konstantin Wecker, der das Talent Pollinas erkannte und gemeinsam mit ihm Stücke schrieb. Mittlerweile hat sich Pippo Pollina in ganz Europa etabliert. Er arbeitet immer wieder mit verschiedenen Musikern zusammen und findet so stets neue musikalische Ausdrucksmöglichkeiten

Zur Musik von Boubacar «Kar Kar» Traoré tanzte ganz Mali, als in London die Rolling Stones noch als Coverband auftraten. Kar Kar hatte mit «Mali Twist» und «Kar Kar Madison» landesweite Hits, als Keith Richards das Riff zu «Satisfaction» noch gar nicht geträumt hatte. Doch es gibt eine Gemeinsamkeit: Auch Boubacar «Kar Kar» ist nach wie vor auf Tour. Er kommt im Oktober 2022 hierzulande auf Tournee.
Boubacar Traoré führt ein Musikerleben in einer Zeitschlaufe. Für viele Malierinnen und Malier ist er heute mehr Legende als Zeitgenosse. Obschon gerade die Jugend ihn in dieser Zeit wiederentdeckt. Für uns in Europa blieb er ein Musicians Musician. Das änderte auch sein Auftritt an der WOMEX nicht im grossen Stil. Wobei gerade ein Konzertbesuch zeigt – und da sind wir wieder beim Vergleich mit den Rolling Stones – Kar Kar ist ein Live-Musiker! Mit dem aktuellen Programm kommt Traoré bald für einige Konzerte in die Schweiz, Östereich und Belgien. 
Begleitet wird der Blues-Mann aus Kayes im Westen von Mali von langjährigen Weggefährten. Mit dem Kalebasse-Spieler Babah Koné hat er einen jungen Musiker gefunden, der ihn nun schon seit Mitte des letzten Jahrzents zur Seite steht. Die Freundschaft mit Vincent Bucher, dem Mann mit der Blues-Mundharmonika aus Paris, begann vor dreissig Jahren an einem Bluesfestival im kanadischen Toronto. Es ist dieses Trio, das den Gesamtsound definiert. 

Musiker, Bauer, Weltenbürger

Es ist eine unaufgeregte Sicht auf die Welt, welche die Songs von Traoré ausmachen. Dazu kommt die ungebrochene Lust am Musizieren, an der Bühne, am Austausch mit dem Publikum. Er schreibt seine Songs weniger im Gewusel der Stadt, sondern auf den Feldern seines Bauernbetriebs. Alles ist gewachsen, wie eben auch Pflanzen wachsen, ist aufgehoben in seiner Zeit. Die Kalebasse bringt mit ihren atmenden Rhythmen Leben in die Lieder, ohne antreiben zu wollen oder zu müssen. Die Mundharmonika von Vincent Bucher ist ein partnerschaftlicher Dialog-Partner.
«Musik hat viel mit Resonanz zu tun», sagt Bucher, «Du kannst neue Spieltechniken lernen, aber dein Publikum wird nicht durch Virtuosität allein begeistert. Resonanz mit einem Song, einem Stil oder mit anderen Musikern aber bringt dich dazu, neue Techniken erlernen, damit du diese Resonanz zum Klingen bringen kannst.» Auf diese Weise hat der Harmonikaspieler seinen ganz eigenen Bluesstil entwickelt, immer auf der Suche nach der Musik zwischen den Tönen, nach der Seele des Songs. Das passt bestens zu Boubacar Traorés Gitarrensound, den er den Koraklängen der heimatlichen Griots abgelauscht hat. 

Ein Leben als Fundus

In seiner Heimat kennen Traoré alle als « Kar Kar », weil er als Jugendlicher auf dem Fussballfeld ein grosser Ballkünstler war, und «kari kari» «dribbeln, dribbeln» heisst. Berühmt wurde er in den 60er Jahren des letzten Jahrhunderts aber nicht als Fussballer, sondern als die malische Ausgabe von Chuck Berry oder Elvis Presley, inkl. Lederjacke und allem Drum und Dran. Er war in den Jahren nach der Unabhängigkeit eine Ikone des Aufbruchs. Doch als Musiker konnte er nie genug verdienen, um seine wachsende Familie durchzubringen, wurde nach dem Putsch 1968 aus dem Radio verbannt und Kar Kar kehrte in seine Heimat Kayes zurück, wurde Bauer und Schneider.

Als in den späten 80ziger Jahren das Fernsehen nach Bamako kam, holten ihn die Redakteure zurück in die Hauptstadt. Alles schien gut zu gehen, doch dann knickte ihm mit dem Tod seiner über alles geliebten Frau Pierrette der Sinn des Lebens weg. Er zog nach Frankreich, arbeitete als Handwerker, als Maurer. Abends spielte und sang er für seine Landsleute in den Immigranten-Treffpunkten. Seine Lieder aus den 90er Jahren sind voller Wehmut und Trauer um Pierrette. 

Eine neue, jüngere Generation von Zuhörern begann sich für seine melancholischen aber ehrlichen Lieder zu begeistern. Eine Kassette fand den Weg in die Hände eines Produzenten. Das war der Anfang einer stillen, aber stetigen internationalen Karriere. Heute, wieder glücklich verheiratet, hat Kar Kar die Melancholie etwas weggeschoben, eine neue Zuversicht tönt aus seiner Musik.

Nach dem Tod von Ali Farka Touré oder Lobi Traoré ist Kar Kar der letzte grosse Bluessänger der älteren Generation Malis. In den vergangenen zwei Jahrzehnten führten diverse Tourneen Boubacar Traoré mehrmals um die Welt. Hier entstanden Freundschaften mit Cedric Watson und der Welt des Cajun, mit Corey Harris und Leyla McCalla, mit der aktuellen Roots- und politisch engagierten Songwriter-Szene Amerikas. Beleg für diese gewachsenen Freundschaften ist die letzte im Westen erschienene Produktion «Dounia Tabolo» (2017).

In den sechziger Jahren galt der afrikanische Blues-Sänger und Gitarrist Boubacar Traoré genannt KarKar, als der Chuck Berry oder Elvis Presley von Mali. Jeden Morgen weckte seine Stimme die HörerInnen des malinesischen Radio. Kayes, die Haupstadt des ehemaligen Kolonialreiches, hörte seine musikalischen Botschaften für die Unabhängigkeit und tanzte seinen berühmt gewordenen "Mali-Twist" auf der Straße. Seinen Spitznamen KarKar erhielt er als wendiger "Dribbler" in Fußballschuhen. In der malinesischen Sprache Bambara bedeutet KarKar nämlich Dribbler. 
KarKar spielte bereits vor 30 Jahren malinesischen Blues, intoniert auf der Akkustik-Gitarre und unterlegt mit den unverkennbaren Kassonke-Rhythmen seiner Heimat. Spürbar sind zudem arabische Einflüsse, amerikanische Blues- und europäische Folkelemente. Nach zwanzigjähriger Bühnenabstinenz begeistert KarKar heute ein internationales Publikum mit dem dribbelnden Blues seiner Gitarre und seinem melancholischen Gesang. 
"Ein Leben gekennzeichnet durch Vergeßlichkeit und Auferstehung, 
Hoffnungslosigkeit und Trost, der Malier Boubacar Traoré hat das Konzentrat eines von wohltuender Traurigkeit ergreifenden Blues herausdestilisiert." schrieb Gilles Tordjman im französischen Magazin Les Inrockuptibles. Laut dem deutschen Rolling Stone "macht KarKar definitiv klar, daß der Blues aus Afrika kommt" und der Spiegel sieht in Ihm den "Missing Link zwischen Niger und Mississippi."

Boubacar Traore a.k.a. Kar Kar ist ein harmonischer Widerspruch, ein Musiker, dessen Kunst und Biografie weniger durch Balance, als vielmehr durch Extreme auffallen. In den sechziger Jahren ein Idol für die ganze afrikanische Westküste, in den siebzigern vergessen, in den achtzigern wiederentdeckt und in den neunziger Jahren auf ausgedehnten Tourneen durch Europa und Amerika, dies die groben Daten seiner Karriere. Er wurde mit vielen Popgrössen verglichen. Elvis Presley musste als Vergleich ebenso herhalten wie Robert Johnson, Johnny Hallyday oder Chuck Berry. Und man betitelt seine Musik als Blues - alles Vergleiche, die andeuten, dass es beinahe ein Ding der Unmöglichkeit ist, die Lieder von Kar Kar zu definieren. Solche Vergleiche dienen vor allem uns Europäern oder Amerikanern, um einen Künstler be-greifbar zu machen, der eine musikalische Welt für sich ist.

Hören wir in den westlichen Industriestaaten den Begriff "Blues", hören wir auch gleich hunderte von Beispielen in unserer Erinnerung durcheinandertönen - aber solche Musik macht Kar Kar nicht. Er ist auch nicht funky wie der Godfather of Soul James Brown, mit dem er auch hin und wieder verglichen wird. Dies sind alles nur Statusangaben, welche zeigen, in welchem Masse er zuhause in Mali von Musikerkollegen und Landsleuten verehrt wird. Seine Musik tönt ganz anders. Nimmt man "Blues" nicht als Musikform, sondern als Gefühlsbeschreibung, kommt man der Sache schon einiges näher.

Kar Kar macht das, was er schon immer wollte: Musik. Für ihn sind es Melodien, Lieder, zu denen sein Instrument die zweite Stimme singt. "Die Gitarre hat mich magisch angezogen", versucht er die Beziehung zu seinem Instrument zu beschreiben. Er hört aus der Gitarre nicht die Bluesakkorde seiner musikalischen Geistesverwandten in den Südstaaten heraus, nein, seine Gitarre perlt wie eine Kora. Zudem hat der Blues aus Mali keine Strukturen, wie wir sie von der amerikanischen Version her kennen. Blues dient als Grossbegriff zu unserer Erklärung, weil Kassonke - in dieser Musiktradition ist er aufgewachsen - kaum als verständliche Beschreibung dienen würde.

Da hört man seine Herkunft aus dem Westen von Mali: Kayes, Heimat und Sehnsucht gleichermassen. Die Liebe zu dieser Heimat und seinen Bewohnern ist gross, auch wenn er deren Verwalter oder seine Landsleute ab und zu mit harten Worten kritisiert. Vierzig harte und entbehrungsreiche Lebensjahre sind in die ruhigen Geschichten seiner Lieder verwoben, doch die Wärme, die Liebe macht den Grundton aus.

Kar Kar ist ein Geschichtenerzähler und seine Weigerung, diese Geschichten zu erklären, zu deuten, macht es uns Bilder-Hungrigen nicht einfach, deren Sinn oder Hintergrund zu begreifen. Er erzählt von afrikanischen Traditionen, die den Weissen in ihrer Symbolik und Exotik oft verschlossen bleiben. Er besingt die Liebe mit all ihren menschlichen und tragischen Schattierungen, die Liebe zu seiner verstorbenen ersten Frau, zu seinen Kindern, ohne dass der Schmerz über das tragische Schicksal dieser Liebe seine Songs schwer oder leidend macht.

Boubacar Traore ist kein Musiker, dessen Lieder man erklären kann, dessen Bilder und Stimmungen man analysieren muss, man muss sich ihnen aussetzen. Dann erlebt man vielleicht ein Afrika jenseits von Klischees und Vorurteilen.

NU CARESS

Eine vierköpfige Band aus Innsbruck kombiniert elektronische Beats und souligen Gesang
nu Caress - TripHopSoul irgendwo zwischen Chet Faker, elektrischen Gitarren und R&B. Für das Projekt des Innsbrucker Sängers/Musikers/Beatmakers Manuel Wallner findet sich nur schwer ein einzelner passender Genre-Begriff. Er selber würde sagen: Musik zum Fühlen - Texte über die eigene Gefühls- und Gedankenwelt & Beats zum hinein fallen lassen. Live präsentiert sich nu Caress zusammen mit Domenico Wegscheider an der E-Gitarre und Martin Bayer an Keyboard/Bass. 

MiM

MIM – Maximal interessante Mischung? Multidimensional installierter Mix? Mindestens  immens magische, massig intensive Momente? Musik ist magisch? MIM ist vieles,
Moderner alternative Pop, der Emotionen nicht der Komplexität opfert. Die Band MIM schöpft aus einem reichen Repertoire an Stilen wie Pop, Funk, R&B und Jazz, schafft es aber immer, diese Einflüsse durchscheinen zu lassen, ohne die ursprünglichen Ideen, mit denen sie sie kombinieren, zu überschatten und einen eigenen Stil zu kreieren. Ihre ersten beiden Alben Expired Warranty (2016) und New Breeze (2019), entstanden und produziert in Tirol, spielen mit Cleverness, Charme, sympathischer Selbstironie und jener Portion Emotionalität, die die geschaffenen Songs so markant macht. Die neuesten Singles „Leave The Light On“ (2021), „Bleeding White“ & Faith (2022) – legen nochmal an Finesse und Badassness zu und verpassen der Bandlogik bestehend aus tiefgängiger Leichtigkeit, edgy Elektronik und raffiniertem Feel-Good-Groove den Feinschliff.

Mimi Schmid – Vocals
Christian Hauser – Guitar
Michael Hosp – Keys
Benjamin Lampert – Bass
Christoph Pfister – Drums

JOSEF HADER: HADER ON ICE

„Immer is irgendwas. Entweder die Fiaß schlafen mir ein. Oder sie jucken. Dann krieg i wieder ka Luft, wenn i schneller geh. Oder i hab an Schweißausbruch. Dann friert mich wieder. Das Essen schmeckt mir nimmer, der Sex ist fad, die Hosen sind z’eng. Was is das bitte? – Des muss alles dieser Klimawandel sein, oder? Temperaturen hat’s im Sommer wie in den Tropen! Dadurch gibt’s auf einmal diese riesigen Insekten! Die hat’s doch früher net geb’n! Wenn die dich stechen, kriegst einen Dippel, der geht monatelang net weg! Wahrscheinlich san die alle gentechnisch verändert. Und die Pflanzen! Die werd’n jetzt auch schon deppert. Die spinnen, die Pflanzen! Die wachsen jetzt alles zua! Seit i nimmer aus’n Haus geh. Meine Theorie is, die Pflanzen woll’n die Herrschaft über den Planeten zurück. Die sind alle miteinander unterirdisch verbunden über ihre Wurzeln. Weltweit! Die Pflanzen hab’n einen geheimen Plan. Sie wollen die totale Zerstörung der abendländischen Kultur und des österreichischen Volks-Rock’n’ Roll. Das soll alles ersetzt werden durch äh Photosynthese.“

Pressestimmen

Das Schreckliche kommt unschuldig – und mit einem peinlich berührten Grinsen – daher, und Hader zeigt uns, dass Gut und Böse gar nicht so trennscharf voneinander entfernt liegen, wie wir das für uns gern hätten. Und wenn das alles in der Zusammenschau ziemlich arg und gar nicht lustig klingt, dann ist es erstens tatsächlich arg und zweitens unglaublich lustig.
(Sebastian Hofer, PROFIL)

Ein Marathon für Körper und Hirn, ein Parforceritt, ein psychologischer Horrortrip, komisch, aber nicht heiter, anspruchsvoll, dicht, großes Theater wie all seine Programme. … Was der große Josef Hader da aufführt, ist Show und Abgrundschau zugleich. 
(Cathrin Kahlweit, SÜDDEUTSCHE ZEITUNG)

Je abstoßender das Publikum die kaputte Figur Hader finden muss, desto mehr bewundert es den Autor Hader für seinen einzigartigen melancholischen Zynismus und den Performer Hader für die Konsequenz, mit der seine Figur im Laufe des zweiteiligen Abends immer mehr verfällt. … Vielleicht weil es viel um den Tod geht, wirkt dieses perfekt gebaute, mit schludriger Musikalität dargebrachte Stück wie ein von Reife durchdrungenes Alterswerk. 
(Martin Pesl, DEUTSCHLANDFUNK KULTUR)

WEINVIERTELBLUES. TITELT DIE SÜDDEUTSCHE

Am Ende ist Josef Hader sehr erschöpft. Und sein Publikum auch. Er hat sich noch selbst am Klavier begleitet, während er krächzend, winselnd, virtuos den Jazz-Standard "Over the Rainbow" sang - den musikalischen Traum über ein Land, in dem die Himmel blau sind und Träume wahr werden. Dann reicht es. Aus, schneller Abgang. Schon die Standing Ovations sind zu viel.

Zwei Stunden "Hader on Ice", das erste komplett neue Kabarettprogramm seit "Hader muss weg", nach 17 Jahren Pause, in den Augen von Fans und Kritikern längst überfällig, die Premiere wegen der Pandemie um Monate verschoben: ein Marathon für Körper und Hirn, ein Parforceritt, ein psychologischer Horrortrip, komisch, aber nicht heiter, anspruchsvoll, dicht, großes Theater wie all seine Programme - da ist ungeheuer viel Druck drauf.

Hader trägt schwarzen Anzug zu schwarzem Hemd, erst im Laufe des Abends knöpft er es auf, zeigt Kettchen, nackte Haut, wirre Seelenlandschaft. Es ist schwül im Stadtsaal auf der Wiener Mariahilfer Straße, die Zuschauer sitzen dicht an dicht, wofür sich Hader in einer Text-Message an Sebastian Kurz persönlich bedankt: Just am Premierentag habe die Bundesregierung für Veranstaltungen "die Publikumskapazität auf 75 Prozent erhöht, danke Basti. IMMER alles, was wir wollen", plus jede Menge Emojis. Es ist - fast - die einzige aktuelle Anspielung auf die Krise mit ihren privaten Chatnachrichten und Emoticons, die gerade die österreichische Politik durchrüttelt.

Ansonsten macht der österreichische Schauspieler, Regisseur und Drehbuchautor das, was er immer gemacht hat, und er macht es, wie immer, irre gut. Man muss nur einige der selbstironischen Analysen früherer Programme auf seiner Webseite lesen: "Biagn oder Brechn", 1988: "Endlich geht es um das Leben an sich, wo Josef Hader sichtlich mehr zu Hause war als bei irgendwelchem aktuellen Tageskram." "Bunter Abend", 1990: "Josef Hader macht Witze auf tiefstem Niveau, bevor er sich hemmungslos betrinkt und in seine schizophrenen Bestandteile zu zerfallen beginnt. Ganz zum Schluss ein sehr sentimentales Lied auf dem Klavier, mit gebrochener Stimme gesungen." "Privat", 1994: "In der zweiten Hälfte reist er zur Abwechslung in sich selber und singt dazwischen Lieder."

Nun also "Hader on Ice", 2021: "Das Essen schmeckt mir nimmer, der Sex ist fad, die Hosen sind z'eng. Was is das bitte? - Des muss alles dieser Klimawandel sein, oder?", heißt es in der Ankündigung. Es geht um Vergänglichkeit, Verschwörungstheorien, den Klimawandel, um Einsamkeit, Großmannsucht, Machismo. Hader macht Witze auf tiefstem Niveau, betrinkt sich hemmungslos, es geht um das Leben an sich, er singt ein sentimentales Lied mit gebrochener Stimme.

Aber weil der 59-Jährige einer der besten Kabarettisten im deutschsprachigen Raum ist (und auch einer der populärsten), ist jedes Programm, jede Vorstellung, jede Idee neu und anders. Denn er schafft es, dass sich die Perspektive im Saal so verändert wie das Gelächter: von bereitwillig-lustvoll über skeptisch-erschrocken bis angstvoll-schockiert. Meint der mit allem, was er da sagt, und was ich lustig finde, etwa mich?

Über "Hader spielt Hader", sein Best-of, mit dem er bis heute volle Säle hat, schrieb er: "Manche Zuschauer behaupten, sie hätten es nach Jahren noch einmal gesehen, und es sei ein völlig anderes Programm gewesen. Vielleicht ist es ja der Regenwurm unter den Kabarettprogrammen, der immer nachwächst, wenn man ihm die Hälfte wegschneidet?" Das neue Programm dürfte es schwerer haben, es ist große Kunst, aber nicht leicht verdaulich.

Sein bester Freund ist ein Wolf, Rudl genannt, ein Fleischfresser wie er. Nur trinken muss er alleine

"Hader on Ice" erzählt von einem Menschen, der schlingert, schliddert, den Halt verliert. Der alt ist und krank und sich dagegen mit Prahlerei, jungen Frauen und großen Autos verwahrt. Der sich als Aussteiger bezeichnet, weil er in der Pandemie aus Wien ins Weinviertel gezogen ist, "in die Toskana von Österreich, genauso überschätzt". Der Vorteil: "Hauptsache, keine Türken." Jetzt wohnt er auf dem Land, weil er "reich und katholisch" ist und es sich leisten kann. Nennt sich einen Umweltschützer, weil sein SUV Elektroantrieb hat, einen Vegetarier, weil er nur "Tiere isst, die nicht schreien, wenn man sie tötet". Einen Weltversteher, weil er die Verschwörungen von Politik und Natur durchschaut: Die Pflanzen etwa "sind alle miteinander unterirdisch verbunden über ihre Wurzeln. Weltweit! Sie wollen die totale Zerstörung der abendländischen Kultur und des österreichischen Volks-Rock 'n' Roll. Das soll alles ersetzt werden durch, äh, Fotosynthese."

Haders Reise in die Provinz schließt Begegnungen mit Adolf Hitlers Mundgeruch, klimaneutralem Rum aus der Karibik, verwahrlosten Nachbarn, fliegenden Tierleichen und einer jungen Frau ein, die leider kein Interesse hat an "Knorpelaufbau bei drittgradiger Arthrose". Und sie führt schließlich zu Rudi, auch Rudl genannt, einem Wolf. Oder vielleicht ist Rudl auch nur ein Hirngespinst, sein Freund Harvey aus dem Wald. Mit dem tierischen Beschützer, dem Hader oder wer immer der Typ aus dem Weinviertel ist, im Supermarkt fünf Kilo Rinderfilet kauft und es in mundgerechtes Carpaccio zerlegt, endet der Horrortrip in den Kopf eines alkoholkranken, zunehmend psychotischen, überheblichen Angebers. Wenn Rudl da ist, braucht er keine Waffe mehr, um sich vor dem Bevölkerungsaustausch oder auch nur den Usern des Onlineforums im Standard zu schützen. Wenn Rudl da ist, ist er nicht mehr allein.

Was der große Josef Hader da aufführt, ist Show und Abgrundschau zugleich. Eine Bühne wie Las Vegas für Arme, Glitzervorhang plus Schmusestimme von Dean Martin vom Band. Der Künstler spielt damit, mimt den Entertainer mit Whiskeyglas und Zigarette. Aber so wie in dem Amerikaner mit der überirdischen Stimme tief drinnen der meist besoffene Dino Crocetti aus Steubenville, Ohio steckte, so stecken in dem verlorenen Arschloch aus Mistelbach, das Hader am Donnerstagabend in Wien mit großer Geste, großer Fantasie und großem Wortwitz gab, letztlich Josef Hader aus Waldhausen, Oberösterreich und sein Publikum. Und ob er das wollte oder nicht: Die Standing Ovations bekam er trotzdem.

Große Brüder werfen lange Schatten. 

Giorgio ist nicht mit Paolo zu verwechseln. Wo der Weltstar Paolo Conte sich selbst inszeniert, punktet der kleine Bruder Giorgio mit gekonntem Understatement. Er zählt zu den Leisen im Lande. Ein Poet mit einer großen Portion Selbstironie. Angefangen hat alles zu Hause in Asti im Piemont mit den Schallplatten der Eltern, mit französischen Chansons, amerikanischem Jazz, den der Papa, ein Notar, am Klavier improvisierte, mit italienischer Volksmusik.
Dann gab es die ersten Bandgründungen - noch immer im Elternhaus - Paolo saß am Vibrafon, Giorgio am Schlagzeug. Bald schrieben und komponierten sie gemeinsam erfolgreiche Lieder, Paolo die Texte, Giorgio die Musik. Beide studierten Rechtswissenschaften, beide wurden Anwälte, beide führten ein Doppelleben zwischen Akten und Noten, Kanzlei und Bühne. Als Adriano Celentano Paolo Contes Lieder wie "Azzurro" in internationale Hits verwandelte, trennten sich die Wege der Brüder. Während Paolo langsam, aber sicher den Weg einer Weltkarriere beschritt, fuhr Giorgio fort, Lieder für italienische Stars wie Mina, Milva, Ornella Vanoni, Francesco Baccini oder Fausto Leali zu schreiben.

Immer wieder büchste er aus dem Anwaltsleben aus. Ob auf der Theaterbühne, hinter dem Radiomikrofon oder wie in den letzten Jahren als bereits preisgekrönter Buchautor - Giorgio Contes Kreativität ist nicht zu bremsen. Trotz aller frühen Erfolge führte Giorgio Conte seine Anwaltskanzlei bis in die 90er Jahre weiter.
Doch dann, 1993, kam die große Wende: Er trat bei Italiens berühmtestem Festival für anspruchsvolle Chansons auf, dem "Premio Tenco" (benannt nach dem früh verstorbenen Cantautore Luigi Tenco, der sich 1967 eine Kugel in den Kopf jagte, nachdem er beim Festival von San Remo nicht das Finale erreicht hatte). Dem damals 52-jährigen Giorgio Conte wurde schlagartig klar, dass er von nun an nur noch von seiner Kunst leben wollte und er tat, wozu sich sein vier Jahre älterer Bruder lange vor ihm durchgerungen hatte, er hing den Anwaltsberuf an den Nagel. Für immer.
Noch im selben Jahr erscheint sein Album "Giorgio Conte". Das Cover zeigt ihn an seinem Schreibtisch sitzend, dem Anwaltsschreibtisch ohne Anwalt, denn dieser Giorgio Conte, der jetzt dahinter sitzt, hält ein Pferd am Zügel, das rechts aus dem Bild schaut. Dieser hintergründige Humor ist sein Markenzeichen.
Jungen Kollegen und Kolleginnen rät er heute, anfangs so viel wie möglich aufzutreten, sei die Gage auch noch so gering. Genau das hat er selbst am Beginn seiner Karriere als Vollzeit-Chansonnier getan: 400 Konzerte in halb Europa gefolgt von einer Tournee durch Kanada, wo er 1996 als einziger nicht frankofoner Künstler beim "Festival de la chanson française" auftritt - im berühmten "Forum" von Montréal. Dort wird er sogar mit dem legendären französischen Chansonnier George Brassens verglichen.
Regelmäßig erscheinen neue Alben, manche von ihnen werden mit Preisen ausgezeichnet und Giorgio Conte entwickelt seinen unverwechselbaren Stil. Diese Mischung aus Retro-Charme mit französischem Flair, ein bisschen 20er, 30er Jahre, ein bisschen "Roaring Fifties"und "Swinging Sixties" - ein Gastgarten mit bunten Glühbirnen, ein tanzendes Pärchen, die erträgliche Leichtigkeit des Seins, das ist vielleicht Giorgio Contes Botschaft eingerahmt von Nostalgie, gespickt mit Ironie und eben jenem feinen, leisen Humor. Ein Seigneur und ein Geschichtenerzähler vom Scheitel bis zur Sohle. Deshalb möchte er auch nah dran sein an seinem Publikum, er braucht fürs Erzählen den Augenkontakt.

Dass er nur mit erstklassigen Musikern auftritt, versteht sich von selbst. Die kleine Band ist bestens eingespielt, jeder weiß zu jeder Minute genau, was er zu tun hat, obwohl alles wie improvisiert wirkt.
Eines seiner nachdenklichsten Lieder (Cos'è mai la vita?) ist eine kleine Lebensphilosophie und zugleich gibt Giorgio Conte sehr viel von sich selbst darin preis:
"Was ist wohl das Leben? Hm, das Leben ist das Leben. Andere Antworten hab ich nicht, vielleicht ist es eine Kapriole, ein Salto Mortale, der eine unterhält sich bestens, der andere verletzt sich dabei. Das Leben ist gestern, ist heute. Morgen - davon hat keiner eine Ahnung. Wir müssen stark bleiben, das Meer und den Himmel durchschauen, während des Unwetters Unterschlupf suchen und danach wieder heraus kriechen, um uns an der Sonne zu wärmen. Mit dem Leben spazieren gehen, solange das Leben das will."



Ein begeisterter Jazz-Hörer und Liebhaber mitteleuropäischer Musik, setzt sich in Zusammenarbeit mit seinem Bruder Paolo als einer der einfallreichsten Autoren Italiens schon in jungen Jahren durch. Er schreibt Lieder für große italienische Interpreten wie Celentano, Ornella Vanoni, Patty Pravo. Erst 1993 wurde er zum „Fulltime“ –Musiker und schließlich auch zu einem geistreichen Interpreten mit ausgeprägter schauspielerischer Präsenz. Sowohl in Frankreich als auch in Kanada  wird er zum Super-Star. Seine Tourneen erweisen sich stets als großer Erfolg. Seine Lieder erfreuen sich immer größerer Beliebtheit  -  das das hat sich mittlerweile sogar bis nach Italien herumgesprochen.

Offenen Ohres nimmt man seine Zusammenarbeit mit Künstlern wie Francesco Baccini oder Rossana Casale zur Kenntnis und bei seinen spektakulären Auftritten begeistern seine schillernde Bühnenpräsenz und sein unkonventioneller Stil. Plötzlich wird die große Musikalität seiner Lieder erkannt und die subtile Ironie seiner Texte verstanden. Giorgio Conte zündet ein originelles Feuerwerk seines universalen Soun

Giorgio Contes Wurzeln liegen sowohl im Jazz der fünfziger Jahre, in der italienischen Volksmusik seiner Jugend als auch in der französischen Musik. Giorgios Auftritte sind schlicht spektakulär, brauchen keinen Vergleich mit Bruder Paolo zu scheuen. Und Giorgio ist übrigens auch „Avvocato“ (Rechtsanwalt). Erst 1993 wurde er zum „Fulltime“ – Musiker und schließlich auch zu einem geistreichen Interpreten mit ausgeprägter schauspielerischer Präsenz. Sowohl in Frankreich als auch in Kanada ist er sehr beliebt als Autor und Komponist. Seine Tourneen erweisen sich stets als großer Erfolg und seine Lieder erfreuen sich immer größerer Beliebtheit, wenn er für das Publikum ein originelles Feuerwerk seines universalen Sounds, der volkstümliche Einflüsse mit „Rive Gauche“, Swing und "Canzoni del cantautore"  vereint.

Dieser große italienische Chansonnier beeindruckt immer wieder durch die immense Musikalität seiner Lieder, die subtile Ironie seiner Texte und die Eindringlichkeit, mit der er uns auf seine wohlgesponnenen Stimmungsbilder und Träume seiner italienischen Heimat einlädt. Mit  seiner eigenen kraftvollen Sprache hat er sein Publikum schnell, beinahe unmerklich, fest im Griff und verführt es zu Ausflügen in seine Welt voll von Leben, Freude und Leid.

Hört man den Begriff „Home“ (zu Deutsch: Heimat) in Verbindung mit einem Haufen von Blechbläsern, so denkt man womöglich zunächst an Lederhosen und idyllische Alpenpanoramen – untermalt von zünftiger Blasmusik. Dass diese Kombination jedoch deutlich mehr zu bieten hat als bierseliges Uff-Ta-Ta stellen Christoph Moschberger & da Blechhauf’n in ihrem gleichnamigen Bühnenprogramm unter Beweis. Dieses reicht von intimen Balladenmomenten über halsbrecherisch-virtuose Kapriolen bis hin zu erdig-treibenden Grooves und lässt den Musikern genügend Raum zur Improvisation. Und natürlich dürfen auch die Blechhauf’n-typischen humorvollen Momente im Programm nicht fehlen.
Christoph Moschberger und da Blechhauf’n sind eine Einheit, die mitreißt. Da kommt zusammen, was zusammengehört!

Die musikalische Heimat aller Protagonisten liegt zwar in der traditionellen Blasmusik – darauf beschränkt hat sich allerdings keiner von ihnen! Die eigenen Wurzeln spürt man gewiss am stärksten, wenn man fern der Heimat Neues entdeckt und sich hier und da auch mal nach Hause sehnt. Und so steht „Home“ sowohl als Sinnbild einer musikalischen Reise in ferne Kulturen und Klangwelten, als auch für den Moment nach solch einem Abenteuer mit spannenden Eindrücken und Erlebnissen im Gepäck wieder wohlbehalten zu Hause anzukommen. Mit einem Videoclip von Christoph Moschberger und Albert Wieder fing im Jahr 2016 alles an – völlig reduziert, als Duett von Flügelhorn und Tuba. Das Feedback im Netz war riesig. Die Motivation weiter zu machen noch größer. Aus dem Duo wurde ein Oktett und die ersten gemeinsamen Konzerte von „Christoph Moschberger & da Blechhauf’n“ ließen nicht lange auf sich warten. Das „Woodstock der Blasmusik“ 2017 bot den Rahmen für eine umjubelte Konzertpremiere und überzeugte Moschberger schließlich vollends sich für sein geplantes Solo-Album die sieben Spitzenmusiker von „da Blechhauf’n“ mit ins Boot zu holen. „Home“ erschien im November 2019 und verdeutlicht eindrucksvoll, dass man die Symbiose aus dem deutschen Ausnahmetrompeter und den österreichischen Blechlegenden als echten Glücksgriff bezeichnen kann.

Christoph Moschberger: Solo-Trompete, Flügelhorn

da Blechhauf’n:
Christian Wieder: Trompete, Flügelhorn
Christoph Haider-Kroiss: Trompete, Flügelhorn
Dominik Pessl: Trompete, Flügelhorn
Bernhard Holl: Posaune, Basstrompete
Philipp Fellner: Posaune, Basstrompete
Markus Wonisch: Posaune
Albert Wieder: Helicon

Christoph Moschberger 

Christoph Moschberger gehört zu den bekanntesten Trompetern der deutschsprachigen Musikszene und ist ein Paradebeispiel angewandter musikalischer Vielseitigkeit. Er steckt in keiner Schublade, ist nicht nur Jazz-, Pop- oder Blasmusiktrompeter, sondern schlicht gefragt. Die Liste seiner Referenzen scheint schier endlos: neben internationalen Jazzgrößen und den renommierten deutschen Rundfunk-Big-Bands reihen sich die angesagtesten Rock- und Pop-Acts aus den Charts und treffen letztlich auf das erfolgreichste Blasorchester der Welt, die „Egerländer Musikanten“ um Ernst Hutter. Wie selbstverständlich schafft es Christoph Moschberger aus diesem musikalischen Spagat seine eigene künstlerische Identität zu formen ohne dabei jemals beliebig zu wirken. Das macht ihn zu einem der spannendsten Trompetensolisten seiner Generation.

„Da Blechhauf’n“

„Da Blechhauf’n“ näher vorzustellen scheint fast überflüssig. Die sieben, blechblasenden Herren aus Österreich haben sich längst Legendenstatus erspielt. Seit über 20 Jahren prägen sie mit ihrem einzigartigen Sound, ihrer ansteckenden Spielfreude und einer gehörigen Portion Schmäh die Blasmusik in all ihren Facetten. Hunderte Konzerte in ganz Europa, etliche CD-Veröffentlichungen und nicht zuletzt die vielen jungen Musikanten, die dem „Blechhauf’n“ respektvoll nacheifern verdeutlichen ihre Rolle als Wegbereiter der all so bunten Blasmusik-Szene, wie wir sie heute kennen.

Mavi Phoenix:  Die Rapperin von früher gibt es nicht mehr 

Der österreichische Popmusiker lebt seit 2019 als Transmann. Sein neues Album "Marlon" ist Ausdruck einer Selbstfindung und mit Akustik statt Autotune ein musikalischer Neustart

Interview von Katharina Rustler - im STANDARD
24. Februar 2022, 15:00

Der Musiker hat seine Transition als Chance genutzt, um Neues zu probieren. Manche seiner alten Songs müssen an seine neue Stimmlage angepasst werden.
Bekannt für Songs wie Aventura, gewann er 2019 den FM4-Publikumspreis. Im selben Jahr machte Mavi Phoenix seine Transition (Anm.: Prozess, in dem Änderungen vorgenommen werden, um die Geschlechtsidentität auszudrücken) öffentlich und nennt sich seitdem neben Mavi auch Marlon. Marlon (LLT Records) heißt auch sein neues Album, das musikalische Veränderungen mit sich bringt: mehr Indiepop mit akustischen Gitarrensounds, weniger elektronisch generierte Clubsounds zwischen Autotune, R’n’B und Rap. Warum der Rapper jetzt auch Balladen singt und nicht mehr so tough sein muss wie früher, hat er im Interview erklärt. Ein Gespräch über Gitarrenklänge, Softness und Hormone. Hier geht es zur Videoversion.

STANDARD: Nach "Boys Toys" ist das Ihr zweites Album als Transmann. Wie autobiografisch ist "Marlon"?

Phoenix: Eigentlich komplett. Ich schreibe nur darüber, was mir passiert und worüber ich nachdenke, wobei man das natürlich manchmal überspitzt. Da steigere ich mich in Gefühle extra rein, um sie total zu spüren und auszukosten. Dann geht es mir scheiße, und dann schreib ich einen Song über etwas, das passiert ist, und dann geht’s mir besser.

STANDARD: Gibt es dafür ein Beispiel auf Ihrem neuen Album?

Phoenix: Zum Beispiel in Just an Artist. Im ersten Part des Songs bin ich voll verzweifelt, weil mir die Person nicht zurückschreibt und ich geghostet werde. Da verhalte ich mich fast wie ein kleines Kind, das die ganze Zeit nur jammert. Das ist dann vielleicht ein bisschen überspitzt – aber vielleicht auch nicht.

STANDARD: Ihr neues Album geht stärker in eine Indie-Richtung mit mehr Gitarrensounds als früher. Wieso haben Sie Ihren Stil verändert?

Phoenix: Diese ganze Transition habe ich als Chance gesehen, neue Dinge auszuprobieren. Ich dachte mir aber nicht: "Okay, ich will jetzt voll meinen Stil verändern." Aber ich habe gespürt, dass diese analoge Seite in mir steckt. Die Gitarre, mit der ich das Album aufgenommen habe, habe ich mit 15 Jahren von meinem Vater geschenkt bekommen. So habe ich ja begonnen meine ersten Songs im Teenager-Alter zu schreiben. Ich wollte mir selbst beweisen, dass Mavi Phoenix viel mehr ist, als es vorher den Anschein hatte.

STANDARD: Als Ihr Projekt Mavi Phoenix 2014 begann, war Mavi eine Kunstpersona. Wie unterscheidet sich diese von Marlon?

Phoenix: Das ist eine sehr interessante Frage. Die beiden sind viel näher aneinander jetzt. Ich habe das Gefühl, dass mir Mavi Phoenix sehr dabei geholfen hat, herauszufinden, dass ich ein Transmann bin. Durch das neue Album ist Mavi Phoenix als Kunstfigur stärker mit der Privatperson Marlon verschmolzen. Jetzt ist es spannend für mich, herauszufinden, wer diese Person eigentlich ist.

STANDARD: Die Hormontherapie hatte natürlich auch Einfluss auf Ihre Stimme. Was ermöglicht Ihnen das gesanglich?

Phoenix: Das war schon crazy, als sich meine Stimme verändert hat. Ich habe mich gefreut. Aber als ich in den ersten Bandproben gemerkt habe, dass manche der alten Songs schwierig umzusetzen sind, war da schon ein bisschen Wehmut dabei. Diese Mavi-Phoenix-Rapperin von früher gibt es nicht mehr. Wenn man jetzt auf eines meiner Konzerte geht, ist das etwas komplett anderes. Auch beim Songschreiben macht sich das klarerweise bemerkbar – die Stimme ist ja mein Nummer-eins-Instrument. Ich musste erst lernen, damit zu arbeiten.

STANDARD: Früher haben Sie Ihre Stimme oft verzerrt. Wollten Sie damals schon, dass diese anders klingt?

Phoenix: Ich glaube schon. Ich habe früher ja schon Lieder geschrieben, die von Liebe handeln und sehr nahe an mir dran sind. Die habe ich aber nie veröffentlicht, weil ich mir damals dachte: "Das passt nicht, das ist weird und fühlt sich nicht richtig an." Seit ich ein Transmann bin, tu ich mir viel leichter, soft zu sein. Ich traue mich, auch eine weiche Seite zu zeigen. Davor war ich voll tough und hatte das Gefühl, dass ich jetzt allen zeigen muss, dass ich anders bin. Jetzt kann ich das ablegen, weil ich eh der bin, der ich bin.

STANDARD: Hat sich da auch die Erwartungshaltung verändert? Also mussten Sie als Frau tougher sein nach außen hin?

Phoenix: Ja, das auf jeden Fall. Und weil ich de facto nie eine Frau war, war das für mich halt komplett weird. Ich habe Panikattacken bekommen bei dem Gedanken, wie mich andere sehen. Deswegen wollte ich mich da so abheben und anders sein.

STANDARD: Als Rapperin wurden Sie oft zum Feminismus befragt. Wie sieht das jetzt aus?

Phoenix: In den letzten Interviews kam keine einzige Frage im Bezug auf Feminismus, was ich aber auch irgendwo verstehe. Jedenfalls bin ich Feminist und habe kein Problem, mich zu dem Thema zu äußern. Ich weiß, wie es ist, als weiblich gelesene Person durch die Welt zu gehen. Und ich weiß, dass es sehr starke Unterschiede gibt.

STANDARD: Als Transmann in der Öffentlichkeit werden Sie jetzt sicherlich öfter damit konfrontiert, Stellung zu beziehen. Wie gehen Sie damit um?

Phoenix: Ich sehe ich mich schon als Role-Model. Vor allem, wenn mir auf meinen Social-Media-Kanälen junge Transmänner oder manchmal auch Transfrauen schreiben, die sich von mir repräsentiert fühlen. Das freut mich total. Was mich weniger freut, ist, wenn die eigene Existenz so politisiert wird. Ich möchte mit meinem Transsein kein politisches Statement setzen. Das ist nichts, was man sich aussucht, das ist nicht cool. Das ist schwer und nichts Nices. Deswegen kann es manchmal frustrierend sein, wenn geglaubt wird, das ist aus Aktionismus entstanden.

STANDARD: Welche Erfahrungen haben Sie auf Social Media mit Transphobie gemacht?

Phoenix: Grundsätzlich passiert nicht so viel Negatives auf meinen Kanälen. Statt direkten Hass nehme ich dort eher Zurückhaltung wahr. Ich glaube, viele haben Angst, im direkten Kontakt etwas Falsches zu sagen. Die Stimmung ist sehr kühl teilweise.

STANDARD: Oft herrscht Unsicherheit, wie Transpersonen richtig angesprochen werden wollen. Welche Strategie ist am besten?

Phoenix: Wenn jemand unsicher ist, sollte die Person einfach nachfragen und sagen: "Hey, ich kenn mich nicht aus." Und dann sag ich: "Ich bin ein Mann, und meine Pronomen sind er/ihn." Und that’s it.

STANDARD: Sie haben Ihre Transition 2019 angekündigt und auch öffentlich begleitet. Auf Ihren Kanälen haben Sie Follower verloren. Das ist jetzt eine Zeit her – Sie haben sich verändert, Ihre Musik hat sich verändert. Wie sieht das aktuell aus?

Phoenix: Es ist auf jeden Fall ein kompletter Neustart. Für mich war das der einzige Weg, und ich bin glücklicher als je zuvor. Dass es für die Karriere der alten Mavi Phoenix nicht gut war, war zu erwarten. Deswegen musste ich immer lachen, wenn Leute meinten, das sei nur ein PR-Gag. Das wäre der schlechteste PR-Gag der Welt! Bei den Followern ist jedenfalls ein Austausch passiert. Vor der Transition sind mir 60 Prozent Männer und 40 Prozent Frauen gefolgt. Das hat sich jetzt umgedreht.

STANDARD: Auf Ihrem Instagram-Account finden sich keine alten Beiträge aus der Zeit, wo Sie optisch noch als Frau gelesen wurden. Ist das ein gestrichenes Kapitel für Sie?

Phoenix: Nein, aber das kennt man ja auch, wenn man nicht trans ist: Man cringt ein bisschen, wenn man alte Videos und Fotos von sich anschaut. Bei mir ist das halt noch unangenehmer, weil ich nicht die Person war, die ich sein wollte. Ich möchte mir selbst vergeben, dass ich so spät draufgekommen bin und eine ganze Karriere gestartet habe. Da könnte ich mir manchmal die Zähne dran ausbeißen und denk mir: "Fuck, Scheiße!" Ich versuche aber, aktiv damit Frieden zu schließen. Jede Version von mir hat es ja gebraucht, um da hinzukommen, wo ich jetzt bin.

Ob dahaam oder dahoam oder daheim. Geschenkt. Dahaam kann man sich himmlisch entspannen. Dahaam kann aber auch die Hölle sein. Dahaam schmeckts am besten. Oder doch nur halb so gut wie beim Wirtn ums Eck. Dahaam ist immer was los. Außer wir schauen fern. Dahaam geht es richtig ab. Oder ziemlich daneben. Dahaam ist alles blitzsauber. Oder komplett durcheinander. Dahaam lernen wir gehen und fallen, spielen und betrügen, lieben und lügen. Dahaam schaffen wir an. Und Amazon alles her. Dahaam ist alles privat. Und doch immer hochpolitisch. Dahaam ist globaler Klimawandel im Bonsaimodus. Dahaam wabbert ein chinesisches Plastikmeer durchs Kinderzimmer. Dahaam ist alles anders und vieles gleich. Und rundherum ist Österreich.

Und damit „Dahaam“ nicht zu österreichisch wird, lässt sich Christof Spörk erstmals vom passionierten Schlagzeuger und schlagfertigen Bassisten Alberto Lovison begleiten. Der ist übrigens in Italien dahaam.

Und wer jetzt immer noch nicht weiß, wie das Programm heißt, der soll bitte dahaam bleiben!

15 Jahre Science Busters - Die Jubiläumsshow.

Eigentlich könnten sich die Science Busters zum
Jubiläum zurücklehnen und die Glückwünsche genießen.
Doch sie schauen nur kurz zurück. Denn als schnelle Eingreiftruppe der Wissenschaft haben sie
noch jede Menge Arbeit vor sich. Und machen sich auf die Suche nach PLANET B.
Peer reviewed, mit funktionierenden Experimenten, echten Wissenschaftlern und selber erfundenen
Witzen. MC Martin Puntigam (Kabarettist & Univ. – Lekt. Uni Graz), Dr. Florian Freistetter
(Astronomie) und Dr. Martin Moder (Molekularbiologie) erklären und zeigen:
Wie lang ist die Lieferzeit von Planet B?
Können wir schneller denken als unser Gehirn?
Wie fälscht man Studien wissenschaftlich korrekt?
Sind Kamele Impfgegner?
Wie kommt man eigentlich auf was drauf?
Wie überprüft man, ob es stimmt?
Dürfen sich Sternschnuppen etwas wünschen, wenn sie einen Menschen sehen?
Und: Was soll ein Fisch machen, wenn sein Flussbett auf Wasserader steht?
Mit DIY-Sauerstoffkatastrophe, illegalem Glücksspiel, Stadionrock mit Blockflöte, Flammenhölle für
Anfänger und on stage Gehirnwäsche.
Denn Wissenschaft ist das, was auch dann gilt, wenn man nicht dran glaubt.

Der Publikumspreis beim Österreichischen Kabarettpreis geht heuer an die „Science Busters“! Das ist das Ergebnis des Online-Votings, bei dem das Publikum aus deninsgesamt zwölf nominierten Comedy-Sendungen die „Science Busters“ als beliebteste Sendung gewählt hat. Im Rahmen der festlichen Preisverleihung im Globe Wien wurden gestern zudem Josef Hader (Hauptpreis), Malarina (Förderpreis), Christoph & Lollo (Sonderpreis) sowie Berni Wagner (Programmpreis) ausgezeichnet.

15 Jahre Science Busters - Die Jubiläumsshow.

Eigentlich könnten sich die Science Busters zum
Jubiläum zurücklehnen und die Glückwünsche genießen.
Doch sie schauen nur kurz zurück. Denn als schnelle Eingreiftruppe der Wissenschaft haben sie
noch jede Menge Arbeit vor sich. Und machen sich auf die Suche nach PLANET B.
Peer reviewed, mit funktionierenden Experimenten, echten Wissenschaftlern und selber erfundenen
Witzen. MC Martin Puntigam (Kabarettist & Univ. – Lekt. Uni Graz), Dr. Florian Freistetter
(Astronomie) und Dr. Martin Moder (Molekularbiologie) erklären und zeigen:
Wie lang ist die Lieferzeit von Planet B?
Können wir schneller denken als unser Gehirn?
Wie fälscht man Studien wissenschaftlich korrekt?
Sind Kamele Impfgegner?
Wie kommt man eigentlich auf was drauf?
Wie überprüft man, ob es stimmt?
Dürfen sich Sternschnuppen etwas wünschen, wenn sie einen Menschen sehen?
Und: Was soll ein Fisch machen, wenn sein Flussbett auf Wasserader steht?
Mit DIY-Sauerstoffkatastrophe, illegalem Glücksspiel, Stadionrock mit Blockflöte, Flammenhölle für
Anfänger und on stage Gehirnwäsche.
Denn Wissenschaft ist das, was auch dann gilt, wenn man nicht dran glaubt.

Der Publikumspreis beim Österreichischen Kabarettpreis geht heuer an die „Science Busters“! Das ist das Ergebnis des Online-Votings, bei dem das Publikum aus deninsgesamt zwölf nominierten Comedy-Sendungen die „Science Busters“ als beliebteste Sendung gewählt hat. Im Rahmen der festlichen Preisverleihung im Globe Wien wurden gestern zudem Josef Hader (Hauptpreis), Malarina (Förderpreis), Christoph & Lollo (Sonderpreis) sowie Berni Wagner (Programmpreis) ausgezeichnet.

ERNST MOLDEN / WALTHER SOYKA / HANNES WIRTH:   "schdean"

in Memoriam Willi Resetarits 

das doch brutale an unserem beruf ist, daß man, wie traurig man auch sein mag, gleich demnächst wieder auf irgendeine bühne muß.

seit dem tod meines freundes WILLI RESETARITS am 24. april 2022 bin ich ich auf eine mir vorher nicht bekannte bodenlose weise traurig, und trotzdem habe ich die letzten tage auf bühnen verbracht, mit musikantinnen, musikanten und anderen mitstreitern, die genauso traurig waren wie ich, und mit einem herrlichen publikum, das genauso traurig war wie wir. und schau: es ist nicht nur gegangen. es war schön. der willi war bei uns wie vor seinem tod, verläßlich und mild und wohltuend.
nichts würde er jetzt weniger wollen als das vorbeisein der musik. das haben wir alle gespürt.

WALTHER SOYKA, HANNES WIRTH und ich sind jetzt nur noch drei. und so spielen wir weiter. 
wir werden alle termine, die für unser quartett geplant waren, nun im trio spielen. mit liedern aus aus unserem aktuellen album SCHDEAN (stimmt, danke, AMADEUS!) und älteren sachen, darunter auch ein paar von willis, äh, privat-songs. kommt zu uns, wie auch zu den anderen abenden auf der untenstehenden liste.
wir haben liebe gesellschaft bitter nötig.

ich freu mich auf euch.

alles liebe
ernst molden 

Seit 2009 arbeiten Ernst Molden und Willi Resetarits mit ihren Lieblingspartnern Soyka und Wirth zusammen. Schon der Einsteiger „Ohne Di" wurde von Kritik und Publikum gefeiert. Mit „Ho Rugg" wurde 2014 nicht nur ein künstlerischer Höhepunkt abgeliefert, sondern für 2015 auch der deutsche Liederpreis abgeholt - erstmals wurde eine österreichische Produktion für die besten Songs des deutschen Sprachraums geehrt.
Mit ihren Konzerten verzaubern sie die Menschen - die gemeinsamen Auftritte des „besten Singer-Songwriters auf Gottes Erden" (Willi Resetarits
über Ernst Molden) und der „schönsten Stimme der Welt" (Ernst Molden über Willi Resetarits) funktionieren perfekt.

Molden Resetarits Soyka Wirth »Schdean«
Das Album ist am 14. Mai 2021, bei Bader Molden Recordings erschienen.
Herumtreiber. Strawanzer. Stürzler. Oder auch: »Laundschdreicha«. Die ewige Sorglosigkeit, auf Du und Du mit den Kräften der Natur. Ernst Molden inszeniert seine gemeinsame Supergroup mit Willi Resetarits, Walther Soyka und Hannes Wirth gerne in der Tradition mittelalterlicher Spielmänner und gleichzeitig im Sinne der Okies von John Steinbeck, der Miss Ohios von Gillian Welch. In beider Werk muss man ohnehin nicht lange nach den Fingerabdrücken eines Ernst Molden suchen. Zu oft hat er schon im amerikanischen Albtraum gestierlt, zu gut klassisches Liedgut mit seinen Übersetzungen zu Glanzlichtern des österreichischen Folk umgedeutet.

Rastlosigkeit und Ernst Molden – sowieso ein Stichwort: Seit März sind gleich drei Alben in unterschiedlichen Konstellationen erschienen. Mit dem wohl beliebtesten und meistgebuchten der vielen Projekte geht es auf dem dritten gemeinsamen Album tatsächlich in die Vollen, wenn es um das Sein des österreichischen Outlaws geht, quasi die österreichischen Highwaymen. So scheint im mit der vollen Kapelle intonierten »Laundschdreichaliad« nur der Mond in die dunkle Kinette; im zärtlichen »Gschbiasd en Regn« liegen sie neben »hunderttausend Stern« nebeneinander in der Wiese. Natürlich fehlt auch der große Hit nicht – man denke etwa an »Ho Rugg« (auf »Ho Rugg«, 2014) oder »Awarakadawara« (auf »Yeah«, 2017) –, der Titelsong mit unwiderstehlichen Gitarren und Tanzbarkeit im weitesten Sinne böte sich da an, aber auch das sehr starke, ruhige Märchen »Da guade Kaisa« schreibt ganz oben an.
Am besten ist Molden – schließlich macht er das ganze Textliche – aber, wie so häufig, bei den leisen Liedern, den stillen Kleinoden, den romantischen Stücken, himmelhoch betrübt: Auf »Schdean« ist das vor allem das nur behutsam instrumentierte »Da Geisd bin i«, in dem Willi Resetarits besonders empathisch und melancholisch einer sterbenden Liebe nachtrauert, mit dem beängstigendsten Satz für alle Liebenden: »Wann samma eigentlich woglat (wackelig.) wurd’n? / Des Leiwande is fuat und kummt ned z’ruck.« Diese Kaisermischung ist es, was auch »Schdean« zu seinem »Sdar«-Album am heimischen Pophimmel macht: Lieder für jede Stimmungs- und Lebenslage. Das Leiwande ist da noch lange nicht fuat.

Erika Stucky geht dem typischsten aller alpinen Kulturerlebnis auf den Grund: dem Jodel. Doch bald schon merkt der Zuhörer, dass das Jodeln nicht etwas urtypisch Alplerisches ist, sondern urtypisch menschliches, ausgeprägt in den verschiedensten Kulturen rund um den Globus. Und die Jodel bringen nicht immer nur «Heile, heile Segen», sondern können auch durchaus selbstmörderisch sein. Dann wird das Zäuerli zum «Swiss Voodoo» oder zum Alpen-Blues. Grenzen überschreitet Erika Stucky nicht nur bei der Gestaltung ihres Programms. Keine Grenzen kennt sie auch, wenn es darum geht, tradierte Musikformen oder Kompositionen in ihre Welt zu holen. Das ist immerzu spannend, überraschend und witzig – auch wenn der Witz manchmal im Halse stecken bleibt.
Kongenial unterstützt wird Erika Stucky vom Gitarristen Oli Hartung und dem Tubisten Jon Sass.

Wer bei Jodelmusik an Gwen Stefani denkt, hat Erika Stucka noch nicht gehört. Sucky überschreitet nicht selten die Grenzen zum Wahnsinn.
Das Schicksal brachte die US-Schweizerin im zarten Kindesalter aus Flower-Power San Francisco in ein Bergtal ins Wallis, und das Wissen um diesen biografischen Aspekt mag auch Stuckys herrlich verrückte Performance-Ästhetik erklären. Stucky jodelt weitab vom Musikantenstadl-Geplärre, singt und jazzt den Blues und tanzt die wildeste Polka.  Stucky, gibt sich  unter anderem der hohen Kunst des Jodelns hin. Und was beim Laien vielleicht schmunzelndes Unbehagen auslöst, das bringt Stucky in einer abwechslungsreichen und perfekt gestalteten Form rüber. Ihr Stimme hat mehr Meditation als mancher Yogakurs, und wenn sie richtig loslegt, halten die Füße einfach nicht still: Multi-Kulti im allerbesten Sinne. Wer die Gelegenheit hat, die Künstlerin live auf ihrer Tour zu sehen, bitte ohne Zögern hingehen!" (Focus)

Gejodelt wird im dichtesten Dschungel Zentralafrikas bei den Mokombi-Pygmäen, die ihre Kinder damit in den Schlaf »singen« und bei den Inuit. Oder in der Mongolei, in Melanesien, Palästina und Spanien. Schon Augustinus von Hippo (354-430) berichtete vom »Jubilus«, dem »wortlosen Ausströmen einer Freude, die so groß ist, dass sie alle Worte zerbricht«. Den Weltrekord im Dauerjodeln hält Mark Waldmannstetten mit 9 Stunden 43 Minuten. »Erfunden« wurde das Jodeln auch von zwei Japanern, denen auf einer Bergtour das Radio in eine Gletscherspalte fiel. »Holidiladio odel holdudiladio?« Und gejodelt wird im Sattel von Cowboy-Mustangs. Im Blues seit etwa 1900 übrigens auch. Und natürlich im Musikantenstadl. Und eben bei Erika Stucky.

An der 45-jährigen Schweizerin, in San Francisco mit Hippietum und Flower Power aufgewachsen, konnte der Kulturschock eines Umzugs ins Oberwallis in den 70er-Jahren nicht folgenlos vorüberziehen, ein Erlebnis, das die Sängerin ihrem Publikum gern um und in die Ohren haut. Blitzartig wird man da hin- und hergerissen und –geschmissen von US-Slang zum Walliser Dialekt, von Wolkenkratzer- auf Alpenspitzen, vom Wahnsinn zur Wonne, Albträume und Albräume schlafen zusammen im Körbchen, eigentümlich schön und schön eigentümlich.
Über Jahre hinweg hat sich Erika Stucky ein »Standing« in der Jazzwelt aufgebaut, in frühen Jahren als Mitglied der bassbegleiteten A-cappella-Band The Sophistricats, später mit »Bubbletown«, das »somewhere near Sweden or Switzerland« liegt, wie sie zu erklären pflegte, in jüngerer Vergangenheit als Mrs. Bubble & Bones mit ihr, Posaune, Tuba und selbst gebastelten Super-Acht-Projektionen (»die Kamera macht immer so schön Krrrrrrr!«), letztendlich alles Ausdruck einer »geografisch freien Identität«, wie sie sagt. »Ich habe eh meine eigene Folklorestadt«. Darin geht es nicht grundsätzlich böse zu, aber die Volkstümlichkeit schmeckt schon sehr eigen dort, so als ob man zuguckt, wie Hansi Hinterseer der Margot Hellwig auf einer Edelweißwiese die Fußnägel schneidet. Stucky-Stücke sind nie bloße Wiedergabe eines Bestehenden, es ist was Gebrochenes drin - mit Gespür für die Ungereimtheiten unter dem Zehennagel ebenso wie für eine ehrliche Liebe zur Poesie.

Ihren ersten Jodel hat die Sängerin im US-Fernsehen in Tom & Jerry-Cartoons gehört. »Das Cowboy-Jodeln war damals sehr populär. Aber meine Eltern sind keine Musiker. Mein Babba ischt Metzger. Es war also nicht so, dass sie am Tisch gesagt haben: ›Weißt du Erika, es gibt überall auf der Welt Jodeln.‹ Das ›Sportjodeln‹ hat mich dann irgendwann aber gar nicht mehr interessiert, weil das in meinem Kopf sofort Dirndl und Musikantenstadl als Parallele gehabt hat, ganz im Gegensatz zu diesem unsportlichen, unprätentiösen, supertraurigen Jodel.« Dieser Blues der Berge, die Schweizer »Zäuerli»«, bewegen sich oft nach unten, was ihnen einen melancholischen Touch gibt. Diese Jodler gehen tief. Und mit Eigenem wie Covern gleich gut zusammen. »Cover mache ich mir und dem Publikum zuliebe, damit ich nicht ganz so unfassbar bin. Irgendwie hilft es ja auch, zwischendurch mal ein ›Roxanne‹ zu hören. Wer geht schon auf Tour mit Posaune und Tuba? Das ist schon eine Zumutung. Ich tät’ von diesen ganzen Freejazzgruppen zwischendrin auch mal gern ein ›Roxanne‹ hören!«

Auf der Bühne ist Erika Stucky das Alpen-Girlie, Heidi reloaded, Yodel on the rocks, ihr Publikum mit einem wahnwitzigen Mix aus Waliserisch, Englisch und Poesie befeuernd. Im wirklichen Leben hingegen bleibt wenig von der Hippie-Wally. Die Wahl-Zürcherin wirkt da ausgesprochen ernsthaft, sehr ruhig und sanft. »Das sind meine zwei Seelen. Wenn ich nur diese Bühnenfigur wäre, wär’s ja grauenhaft, mit dieser Frau 200 Gigs pro Jahr zu machen. Ich bin froh, dass ich diese Älplerin in mir habe, mit der man auch irgendwo hingehen und was essen kann, ohne dass man sich ständig genieren muss. Ich liebe leise Wesen. Aber ich glaube, das geht jedem Schauspieler so. Mit Al Pacino könnte ich in der Pizzeria an der Ecke hocken, und es würde niemand merken, dass wir da sind. Auf der Bühne tut der und schreit der rum, aber eigentlich ist das ein ganzer ruhiger, fast scheuer Mann.«

Ebenso bedächtig hat sich Erika Stuckys Karriere in den letzten 20 Jahren entwickelt. »Die Hotels werden besser, die Säle werden größer, die Gagen werden besser. Ich hab nie einen Superhit gehabt in den letzten Jahren und musste dann wieder auf den Boden kommen, sondern bin stetig innerlich wie kommerziell gewachsen.« Wobei »kommerziell« hier alles andere als gewinnmaximierend aufzufassen ist. Im Musikantenstadl würde ihre Version von Heimatmelodie wohl zu einem zünftigen Kehraus führen. Seit sie freilich in Stefan Schwieterts zauberhaftem Film Heimatklänge als eine der Repräsentantinnen eines neuen Schweizer Jodels vertreten ist, gibt es auch schon mal Anfragen aus Korea und Vancouver und Post von der Berlinale. Sie profitiert von einer neuen Sichtweise auf eine alte, eine wilde Tradition, die viel tiefer berührt als all die Höhen jagenden Virtuosenjodler, die durch ihr synthetisches Alpenglühen zischen.

foto: thomas böhm

Na? Auch längst die Schnauze voll von seit Jahrzehten plakatierten Wahlplakaten mit Sprüchen wie "Wohnen muss wieder leistbar werden!"? In seinem neuen Programm „wOHNMACHT“ geht Markus Koschuh hart ins Gericht mit einer mutlosen Politik, Irrläufern des Lobbyismus, Banken, Immobilien- und Grundstückspekulanten und deren Wegbereitern und zeichnet ein aufrüttelndes Bild übler Machenschaften, die mit dazu führen, dass halb Österreich unter davongaloppierenden Kosten für Miete oder Hausbau leidet und vor allem Tirol zum Eldorado der Preistreiberei geworden ist. Penible Recherche, satirische Überhöhung, aberwitzige Rasanz und Körperlichkeit – das zeichnet Koschuhs Programme aus. 
„wOHNMACHT“ ist ein Empörungsprogramm in Sachen Wohnen, das aufrüttelt, aufzeigt und aneckt – oder: Ein eindringlicher kabarettistischer Weckruf an die Politik und irgendwie auch ein Hilferuf stellvertretend für viele.

wOHNMACHT.

- Kabarettist und Poetry Slammer MARKUS KOSCHUH: Idee und Buch
- Der für den Deutschen Schauspielpreis 2022 nominierte  HARALD WINDISCH: Regie
- Der langjährige schauspielerischer Leiter und Regisseur des Tiroler Landestheaters KLAUS ROHRMOSER: Regie
- Das ÖSTERREICHISCHE KABARETTSTIPENDIUM 2022 für die Programmidee.
All das ist wOHNMACHT, das Empörungsprogramm in Sachen Wohnen.

Dass Oehl, Musikprojekt des Wiener Pop-Poeten Ariel Oehl, seit 2019 tanzbare Gedichte serviert, ist bekannt. Wie das ist, wenn man emotional verwundet ein neues Leben beginnt, erzählt uns Oehl im Song “Weitergehen” schmerzhaft schön. “Jedem Anfang geht ein Ende voraus” sang Oehl bereits auf dem Song Keramik. Diesen Song betitelte der Musiker Casper 2019 als Song des Jahres und Herbert Grönemeyer sah sich dazu veranlasst, Oehl zu seinem Label Grönland Records zu holen und Ende 2019 auf seiner Stadiontournee als Vorgruppe zu engagieren.
Auf dem mittlerweile zweiten Album mit dem Titel „Keine Blumen“, das am 26. August 2022 erscheint, wird gestorben, getrunken, gescheitert und gelogen. Vor allem aber wird auf „Keine Blumen“ unverblümt gelebt. Mit allen Risiken, Vorzügen und Hinterlistigkeiten. Aber was bleibt uns schließlich anderes übrig? „Manchmal gibt es einfach keine Blumen. Das Leben will eigentlich gar nichts, und der Tod noch weniger“, erzählt Ariel Oehl.

Wer meine Texte aufmerksam hört, weiß, dass ich nicht vor großen Themen der Gesellschaft zurückschrecke. Glaube, Liebe, Hoffnung. Konsumsucht, Klimakrise, Arbeitswelt. Zukunftsängste, Bankenpleiten und der Umgang mit Geflüchteten. Weiß aber auch, dass ich nicht aus Zynismus schreibe, sondern weil ich daran glaube, mit diesem Medium Kunst in irgendeiner Form Teil einer Lösung sein zu können. Auch wenn ich zugeben muss wie komisch sich das alles anhört, "Kunst gegen die Krise", aber so ganz ohne Kunst gehts auch nicht und was Bert Brecht sagt liest sich schön.. „Dass das Volk veranlasst wird, sich mit Kunst zu beschäftigen, hat drei Nachteile zur Folge: Die Hungernden werden nicht satt, die Frierenden nicht gekleidet und die Müden nicht ausgeruht. Wir können die Hungernden nicht speisen mit Gedichten, wir können den Frierenden nicht Kohlen zum Wärmen geben und den Obdachlosen nicht Wohnung, aber unsere Musik kann den Hoffnungslosen aufrichten, dem Umwissenden sagen, wer ihm Brot, Kohle und Obdach gestohlen hat, und unsere Kunst kann den Müden zum Kämpfer machen.“ Also vielleicht doch nicht ganz umsonst, das Denken der Künstler*Innen, welches ja irgendwo auch dem Handeln nahekommt, weil wir ja nicht nur im Tun Neues schaffen, sondern auch im Denken. So zumindest der Anspruch.

Auf meinen aktuellen Releases ist es düster. So dünster wie der Mensch selbst. Es wird viel ums Sterben gehen, um Sucht, ums Zurückschauen, ums Verzeihen-Lernen, aber auch um die Freude am Banalen. Um Anfänge und Abschiede, männliche Rollenbilder und um's Maß finden, zB einer Wokeness, die uns möglicherweise zu besseren, aber nicht zwangsläufig glücklicheren Menschen macht. Wenn ihr wissen wollt, welche Filme, Texte und Podcasts mich momentan prägen, oder auch einfach genug habt von den ständigen „Bad News“, dann kommt in den Club der guten Hoffnung. Gleichzeitig seid ihr im Club aber auch die ersten, die neuen Merch oder Konzerttickets kaufen können, denn wäre Oehl ein Sportverein, dann wäre das der Fanclub.
Vereinfacht gesagt, der „Club der guten Hoffnung an“ ist eine Art Newsletter, nur besser. Neugierig? Die Links dazu findet ihr links oben!

foto: thomas böhm

Na? Auch längst die Schnauze voll von seit Jahrzehten plakatierten Wahlplakaten mit Sprüchen wie "Wohnen muss wieder leistbar werden!"? In seinem neuen Programm „wOHNMACHT“ geht Markus Koschuh hart ins Gericht mit einer mutlosen Politik, Irrläufern des Lobbyismus, Banken, Immobilien- und Grundstückspekulanten und deren Wegbereitern und zeichnet ein aufrüttelndes Bild übler Machenschaften, die mit dazu führen, dass halb Österreich unter davongaloppierenden Kosten für Miete oder Hausbau leidet und vor allem Tirol zum Eldorado der Preistreiberei geworden ist. Penible Recherche, satirische Überhöhung, aberwitzige Rasanz und Körperlichkeit – das zeichnet Koschuhs Programme aus. 
„wOHNMACHT“ ist ein Empörungsprogramm in Sachen Wohnen, das aufrüttelt, aufzeigt und aneckt – oder: Ein eindringlicher kabarettistischer Weckruf an die Politik und irgendwie auch ein Hilferuf stellvertretend für viele.

wOHNMACHT.

- Kabarettist und Poetry Slammer MARKUS KOSCHUH: Idee und Buch
- Der für den Deutschen Schauspielpreis 2022 nominierte  HARALD WINDISCH: Regie
- Der langjährige schauspielerischer Leiter und Regisseur des Tiroler Landestheaters KLAUS ROHRMOSER: Regie
- Das ÖSTERREICHISCHE KABARETTSTIPENDIUM 2022 für die Programmidee.
All das ist wOHNMACHT, das Empörungsprogramm in Sachen Wohnen.

Da ist er wieder! Der Jäger des verloren geglaubten Humors, der Prinz der Stand-Up-Comedy … es kommt  wieder Bewegung in die Zwerchfelle. Es darf gelacht werden …Zwei Stunden prügelt er mit einem Stakkato an Pointen auf die mehrheitlich im Publikum vorhandenen Ü40er ein. Es gibt kein Entrinnen - ein furioser  Jäger. Was für ein Spaß. .....
Texte: Maxim Leo & Jochen Gutsch
Fassung, Beiträge: Edi Jäger

Pubertät ist schlimm. Klar. Aber nicht so schlimm wie: Alterspubertät!  Alterspubertiere lieben die Ruhe, das Wandern, das Wort »früher« und bestuhlte Pop-Konzerte. Männliche Alterspubertiere zwängen den runden Ü40-Körper in Neoprenanzüge und beginnen einen Kitesurf-Lehrgang. Oder streben eine Marathonkarriere an. Weibliche Alterspubertierende flüchten sich gern in die Spiritualität und wollen »sich neu entdecken«. Sie laufen in Yogakurse und über den Jakobsweg, sie wollen ihr Sexleben aufpeppen oder Marmelade einkochen. Klingt erschreckend? Ist es auch. Aber vor allem sehr, sehr lustig ... 
Ein kleiner Trost: Alterspubertierende sind die größte Bevölkerungsgruppe in Europa.
Du bist nicht allein.

PremierenKritik

... und erlebten einen völlig entfesselten Edi Jäger in Höchstform. In „Es ist nur eine Phase, Hase“ gibt es keine ruhige Minute. … Jäger feuert eine humorvolle Situation nach der anderen ins Auditorium, die Pointen stapeln sich zeitweise übereinander, weil nacheinander kein Platz mehr ist. Der völlig überforderte Veteran, der im Pyjama versucht, einer zu lauten Party Herr zu werden. Der Mid Ager, der im türkischen Hamam zum Spielball des knetenden Bademeisters wird. Der wellnessgenötigte Ehemann, der im Thai-Massage-Kabuff in Erwartung der jungen und zierlichen Pom stattdessen Opfer des elefantösen und gewaltbereiten Tom wird. 
Einmal mehr ist es Jägers Triumvirat der Talente Mimik – Gestik – Sprache, die die Geschichten und ach so fiktiven Erlebnisse des Torschlussmannes dermaßen bildhaft beschreiben, dass man Acht geben musste, um nicht vor Lachen am Sitz zu kollabieren, wenngleich im Publikum da und dort schon erste Anzeichen von Hyperventilation hörbar wurden. Ein großartiger Edi Jäger … einen wortwörtlich atemberaubenden Abend und man kann mit Fug und Recht behaupten, dass sich davor noch kein Publikum kollektiv so in die Hose gemacht hat. Quod erat demonstrandum! (KUNSTBOX.AT Nachlese, Markus Walch, 28.02.2022 )

Publikumsstimmen

… selten habe ich so viele Leute so herzlich lachen gehört!
… es war im positiven Sinn der Wahnsinn, mein Mann und ich hatten 2 fröhliche Stunden und heute einen Muskelkater vom Lachen. (Zuschauerin)      
… die Premiere von Phase, Hase war großartig und Edi Jäger einfach umwerfend.
Ein absoluter Brüller. Dem preisgekrönten Bestsellerduo Maxim Leo & Jochen Gutsch ist mit Es ist nur eine Phase, Hase aus meiner Sicht ein kleines Meisterwerk gelungen.   
… scharf beobachtet, und genauso scharf vorgetragen.
Es ist nur eine Phase, Hase ist für mich eines der lustigsten Programme des Jahres
Es war ein grandios lustiger Abend. Es gab unglaublich viel positives Feedback. (Veranstalter Chiemsee)