ALBIN PAULUS: "PUR & AUGUSTIN RELOADED"

Dudelsack, Maultrommel, Stimme (Jodeln, Obertongesang), Wobblephone, Bodypercussion, Überraschungsinstrumente
Es ist Alles ganz einfach: Jodeln ist norddeutsch und hat den Beat, der Dudelsack kommt aus Österreich, wird aus Polykalrohr gemacht und klingt nach Dubstep. Alpines Maultrommelspiel ist reinster Balkanfolk, modernes Gallisch wird zur Leier gesungen, Steinzeitmenschen bauen Knochenklarinetten, die man zu einer Handy-Sound-App spielt. Und: Österreicher sind Piefkes! Verdrehte Welt? Keineswegs! 
Albin Paulus führt mit einem Augenzwinkern sämtliche Klischees ad absurdum und erschafft mit seinem ungewöhnlichen, zum Teil selbstgebauten und erfundenen Instrumentarium sowie mit seiner Stimme eine neue Klangwelt: herzerwärmend und zugleich verblüffend für Aug' und Ohr. Er wird dabei Auszüge aus seinem humoristisches Videoblog-Projekt "Augustin Reloaded" bringen, das während des Corona-Lockdowns entstand. Jeden Tag eine neue Version der Melodie "O du lieber Augustin", dargebracht auf allen möglichen und unmöglichen Instrumenten inklusive Gartenschlauch und Schastrommel, wobei er in die unterschiedlichsten Rollen vom Hippie bis zum verkappten Klassikvirtuosen schlüpft.

HOTEL PALINDRONE 

HOTEL PALINDRONE das sind … Staubschichtfreie Volksmusiktraditionen. Aus Österreich und dem Rest Europas. Mehr als 20 – teils schräge – Instrumente. Mit Jazz und trad-basierter Klassik gerührt und geschüttelt. Seit 1995 überraschen HOTEL PALINDRONE Publikum und Fachpresse rund um die Welt. Sofort ins Auge sticht, dass die (vier) Musiker meisterhaft auf mehr Instrumenten spielen, als die meisten Leute ohne viel Nachdenken aufzählen könnten. Mit dieser Virtuosität verbinden sie unbeschwert verschiedenste europäische Folktraditionen mit Einflüssen aus Jazz und Klassik. Leidenschaftliche Improvisation trifft auf leicht tanzenden Groove und paart sich mit viel Freude und Spaß auf der Bühne und im Publikum. 

ALPESTAN

Hotel Palindrone feiert ihr 25-Jahr-Jubiläum mit einem brandneuen, dem bereits sechsten Album: Alpestan.
Ein Sprachspiel? Ein kleines, vielleicht imaginiertes Fürstentum, hoch in den kaukasischen Bergen? Steht da das Hotel, das der einzigartigen Wiener Weltmusikband seinen Namen geliehen hat? Die neue CD ist zugleich persönliche Feierstunde - das Ensemble wird heuer 25 Jahre alt. In dieser Zeit brachte es seine tanzfreudige und grenzenlos kreative Musik etwa nach Indien, Mexiko und in den malaysischen Regenwald. Eine Augen- wie Ohrenweide: Kaum ein einheimisches Ensemble wartet mit so vielen Klangfarben und stilistischen Einflüssen auf und besteht zugleich den Balanceakt, einen sofort wiedererkennbaren, eleganten Stil zu besitzen. Wunderbar melodische und ironisch-witzige Eigenkompositionen, Klangspiele, erstaunliche Soli auf Dudelsack oder Maultrommel treffen den Blue-Yodeler Jimmie Rodgers oder wagen ein Tänzchen mit Michael Praetorius..

Stimme: Mira Lu Kovacs
Keyboards: Benny Omerzell
Bass: Manu MayrTrompete: Martin Eberle
Schlagzeug: Andi Lettner

Als 2017 das 5K HD-Debütalbum „And To In A“ veröffentlicht wurde, war das ein echter Geniestreich: Jazz trifft darauf auf Pop und Elektronik, Post-Rock, Post-Modernismus, Post-Genre. Elemente werden sorgfältig konstruiert, aufgebaut und dann plötzlich zerlegt, zerbrochen und zerstört.
Wie erfreulich also, dass das Projekt, entstanden aus einer Zusammenarbeit von Mira Lu Kovacs (unter anderem Schmieds Puls) und der Gruppe Kompost 3 nicht nur mit neuer Musik zurückkehrt, sondern nahtlos an den hervorragenden, vorherigen Output anschließt - und darauf aufbaut: Mehr Dekonstruktion, mehr Noise, mehr Aufeinandertreffen von Dissonanz und Harmonie.
Widersprüche, Ambiguität, ein Ausforschen der Bruchstellen: Was 5K HD auszeichnet, ist auch in „In, Out“ zu finden. Pausen, Melodien, Akkorde und stetiger, bedächtiger Aufbau wirken mal konstruiert, mal zufällig. So klar ist das nicht bei dieser Gruppe, die sich in Grauzonen wohlfühlt. Was in der Instrumentierung nicht klar zu greifen ist, zieht sich auch durch die Lyrics: „There is enough room for both us“, singt Mira Lu Kovacs noch bevor ein einziger Takt gespielt wurde. Ein Kompromiss, eine Botschaft der offenen Arme, der Toleranz? Was kurz klar ist, wird plötzlich doch nicht so einfach. Wie das eben oft so ist im Leben und in der Musik dieser Gruppe: „But I want all of it“, führt Kovacs weiter. (FM4)

Als 
5K HD
im Jahr 2017 ihr Debüt-Album 
"And To In A" 
präsentierten, war aus dem Nichts
 eine Band da, die sofort als Supergroup bezeichnet wurde – alle Musiker_innen keine
 Unbekannten und fusioniert eine Live-Gewalt, die auf den Popfestivals als
Stimmungsmacher und auf den Jazzfestivals als virtuose Soundtüftler abgefeiert wurden.
 Kaum eine Band ist derartig frei, nimmt sich so viel heraus und schafft diesen
 musikalischen Spagat. 
5K HD
 klingt futuristisch, zerbrechlich, episch, brachial, verspielt,
bedrohlich, cineastisch, verzerrt, locker flockig, dope, bad ass, sensitive.
 5K HD 
ist ein eingängiges und auf euphorische Art verstörendes Pop- und Hochkultur-
Experiment, das gänzlich ohne Laptop auskommt, auch wenn es sich oft nach dem
 Gegenteil anhört. Die Fähigkeiten und der Background dieser Musiker_innen führt
 dermaßen weit und tief, dass sie tatsächlich machen können, was sie wollen. Es ist eine
 jener Bands, die man sinnvoller Weise nicht danach fragt, was für eine Musik sie machen. 
5K HD 
hat als etwas angefangen, das nicht geplant war. 
"And To In A" 
ist aus einem 
schnellen und intensiven Sog entstanden, ohne ausgeklügeltes Konzept und versammelt 
musikalisch unter einem Dach, was sich scheinbar ausschließt oder nur selten trifft. Ihre
Sounds, Rhythmen und Perspektiven haben 
5K HD 
aus einem gigantischen Spektrum
gewählt, das vielschichtig und widersprüchlich ist, daraus entstanden ist eine genaue und 
für sie spezifische musikalische Sprache, die sich wieder erkennen aber nicht benennen
 lässt. Sowohl die Stimme als auch die Instrumente werden dermaßen verfremdet, dass
 man aus den Augen verliert, wer welchen Sound verursacht. Die Band vermischt die 
tradierten Rollen ihrer Instrumente, lässt den Bass spielen, was normaler Weise vom
 Keyboard kommt oder verteilt die Fingerfolgen einer Klavierkomposition auf die anderen 
Instrumente. Ein elektronischer Klang bekommt die Struktur eines barocken Madrigal. 
Elemente aus Minimal, Trap und Oper werden in komplexe Kompositionen verwandelt, die
so easy daher kommen, wie Jazz auf Heroin. Wer nicht Musik studiert hat, wird all die
 Formen, Anspielungen und ihre Berechnungen nicht benennen können, sie sehr wohl aber 
spüren. Die Musik kommt einem oft fremd und vertraut vor, ohne dass man kapiert,


 warum. Viele haben gesagt, sie können kaum glauben, dass alle Sounds von der Bühne kommen und live gespielt werden. Das macht die Band auch zu einer, der man gerne auf die Finger schaut.

Nach 1 ½ Jahren des internationalen Tourens setzt 5K HD zum nächsten Wurf an und veröffentlicht im Herbst das zweite Album: HIGH PERFORMER. Diesmal entstanden in keinem Vulkanausbruch-Verfahren wie "And To In A", sondern mit viel Zeit, einem genauem Blick und dem Ziel noch mehr zu forschen, noch mehr auszureizen, sich noch mehr aus dem Fenster zu lehnen, das Farbenspektrum noch einmal zu erweitern, die Verläufe noch schöner zu gestalten, noch mehr ins Detail zu gehen, noch hochauflösender zu werden, noch ins Ohr ziehendere Melodien zu finden und trotzdem unvorhersehbar zu bleiben, also den schmalen Grad zwischen eingängigem Pop und experimenteller Musik im 5K HD Universum zu definieren.

Nicht von ungefähr hat sich die Band einen fiktiv ungeraden, kalten und auf eine bereits veraltende Technologie verweisenden Produktnamen gegeben. 5K HD sieht sich ausserhalb und mitten in einer schnelllebigen Industrie, wo dem HIGH PERFORMER, einem Workaholic ohne die Symptome eines Workaholics, die Welt zu Füßen liegt. Jeder Mensch, jede Handlung, jede Minute ist Teil der allumfassenden Wirtschaftlichkeit. In ihrer Kritik und Identifikation werden 5K HD einem scheinbar billigen Klang eines Spielzeugsynthezisers eine symphonische Ästhetik andichten, brutale Bilder und poetische Reflexionen entwickeln, dabei creepy, komisch, düster und leichtfüßig sein.

5K HD ist wie ein Alien, der landet, und nachdem er abgezogen ist, fragt man ob man gerade erleuchtet oder geblendet wurde.

Das Trio SHALOSH macht nicht nur gemeinsam Musik, die tiefe Verbindung der Musiker basiert auch auf einer jahrelangen Freundschaft – nicht ohne Grund bedeutet „Shalosh“ wörtlich übersetzt „Drei“. Ihre Musik weiß durch Dramatik, Raffinesse und durch die eigene Interpretation verschiedener Genres zu überzeugen.
Mit ihrem nun zweiten Album ‚Rules Of Oppression‘, das im Januar 2017 erscheinen wird, beweist das Trio SHALOSH ein weiteres Mal, dass ihre Musik abgesehen vom klassischen Jazz-Trio-Format eine ganz eigene Klangwelt webt. Eine Welt zwischen Rock, Klassik, Elektronik, untermalt mit afrikanischen und nahöstlichen Einflüssen. Die Kompositionen von SHALOSH sind dabei gleichermaßen betörend wie bewegend, intensiv und seelenvoll. Ob zarte melodische Fragmente, dramatische, sich wiederholende Elegie, fein herausgearbeitete Melodien, groovige Solos – alles hat neben- und miteinander Platz in der Musik von SHALOSH. 

Gadi Stern, David Michaeli und Matan Assayag: Erst unterwegs in verschiedenen internationalen Projekten als Bandleader oder Mitmusiker schlossen sich die Drei nach einigen Jahren als eine Band zusammen – eine Wiedervereinigung, die sie auf ihre eigene Weise verbindet. Sie setzten in ihrer Musik Akzente auf einen kollektiven Sound, lassen dabei aber die persönliche Spielfertigkeit nicht aus dem Auge. Ein Ziel der Band ist es das Publikum mit voller Hingabe mitschwingen zu lassen und dabei tief und unverfälscht zu sein, auch um die häufig in diesem Genre geschaffene Grenze zwischen der Musik und des Zuhörers aufzubrechen. 

Piano, Bass, Schlagzeug. Drei Instrumente, drei Musiker in ihren Mitzwanzigern. Eine israelische Band, die für Nirvana, Brahms und The Bad Plus schwärmt. Verschiedene Stile verbinden sie mit furioser Leidenschaft: die Lautstärke des Rock und die Tanzbarkeit elektronischer Musik trifft auf die Sensibilität studierter Jazz-Musiker. Der Name der Band: SHALOSH, hebräisch für “Drei”.
Ihre Musik ist rudimentär, akustisch, progressiv – sie überschreitet stilistische Grenzen und wiedersetzt sich jeglicher Definition. Trotz des klassischen Jazz-Trio-Formats und der tiefen Verwurzelung der Bandmitglieder im Jazz und in der Improvisation, webt die Musik von SHALOSH eine ganz eigene Klangwelt. Eine Welt aus Rock, Klassik, Elektronik, untermalt mit afrikanischen und nahöstlichen Einflüssen. SHALOSH gibt der zeitgenössischen Jazzszene eine ungewöhnliche Note, indem sie von allen drei Mitgliedern, nicht nur von einem Einzelnen, geführt wird und somit eine gemeinsame künstlerische Entwicklung Ausdruck finden kann: Ein emotionaler aber gleichsam rauer Ort – die Reaktion und Assoziation der Drei auf den kalten, zerrissenen Großstadtdjungel von heute.
Die Geschichte hinter der Band beginnt in Jerusalem, wo die beiden Kindheitsfreunde Matan Assayag und Gadi Stern zusammen die Band ‘Enoma Elish’ gegründet haben, die ihren Höhepunkt beim Red Sea Jazz Festival 2008 erlangte. Nach Auflösung der Band setzten Assayag und Stern ihre musikalische Zusammenarbeit fort – zwischen Tel Aviv und New York, dem damalien Lebensumfeld der Musiker. Anfang 2014 beschlossen sie SHALOSH zu gründen und holten bald David Michaeli, einen der vielversprechendsten jungen Musiker Israels, dazu. In den vier Jahren ihrer Tätigkeit haben SHALOSH auf einigen der meist angesehensten Bühnen der Welt erstaunliche 250 internationale Shows gespielt

Seit ihrem Debütalbum ‚The Bell Garten‘ im Jahr 2014 hat SHALOSH große Begeisterung auf der ganzen Welt ausgelöst. Ihre Musik hat Aufmerksamkeit in Europa, Japan, den USA und Südamerika erregt, auch die Medien betiteln ihre Musik als eine der herausragendsten und vielversprechendsten Klänge der nächsten Jahre. Die Band tourte bereits durch Japan, Korea, Großbritannien, Deutschland, Polen, Tschechien, Lettland, Belgien, Frankreich, Rumänien, Österreich, Schweiz, Italien, Albanien, Niederlande, Türkei und Israel. 2017 und 2018 wird SHALOSH neben ausgewählten Spielorten in Deutschland auch in den USA und Kanada spielen.

Düsterer Folk, launenhafter Punk, alternativer Rock mit Country-Einflüssen - die Musik der Innsbrucker Band „Blushing Melons“ ist schwer zu kategorisieren.
Die Band rund um Songwriterin Linja Meller spielt balladeske Epen, ausgefeilte Kompositionen, poetische Texte auf Englisch und auf Deutsch, verträumte Melodien. Der Sound der „Blushing Melons“ ist vielfältig wie das Leben, dabei bodenständig, originell und erfrischend, ungekünstelt, kreativ und zwanglos

Blushing Melons - Seit einigen Jahren relativ konstantes gemischtgeschl. Kollektiv aus der heimischen Szene, welches des Leitschafs eigene Lieder und Texte aus der Bandbreite des Indie-Folks aus dem Vollen schöpfend vertont und dabei so stur dem eigenen Stil treu bleibt, dass man sich dazu sogar zwei Duden-Einträge vorstellen könnte (siehe unten).

Melonade - Analog stellte der weiche Kern der Blushing Melons in diesen bewegten Zeiten ein fragileres und transparentes Projekt auf die Beine. Die 3 Musikerinnen mit Gitarre, Geige, Mandoline, Gesang und gewohnt herzzerreißendem Engagement marschieren poetisch salopp durch die alte dystopische Heimat, wobei Abgründigkeiten weiter gefahrlos verarscht werden.

Kurz gesagt: Songwriting, ganz in österreichischer Manier zwischen morbid, depressiv und belustigt darüber, jedoch musikalisch eher auf der Insel bis transkontinental angesiedelt - melodieverliebt, mehrstimmig, eingängig.

Auf diese Art sind bis jetzt vier Studio-Alben entstanden (Gartenzyklus 1-3: Der Tod und die Tiere, Der Tod und die Liebe, Songs of the Scarecrow + Doppelalbum Soul City), re lease 5. Album Sommer 2021
Voll Frevel leben oder edel sterben bleibt die Frage.

BLUSHING MELONS.

sind:
Linja Meller - Gesang / Gitarre / Mastermind
Claudia Neudecker - E-Gitarre / Mandoline / Gesang
Valerie Meller - Violine / Gesang
Wolfgang Kurz - Schlagzeug
Vincent Meller - Bass

Me|lo|ny, feminin, Substantiv, Pl. Me|lo|nien
ausgestorbenes Kleintier, natürliches Habitat: Regenwald; keine näheren Informationen vorhanden außer untenstehendem Foto und dem Bewusstsein, dass eine Kategorisierung mit Schwierigkeiten verbunden wäre.
Dieses kleine Insekt mit seinem zierlichen Borstenschwanz starb aus, bevor es benannt wurde. Wir nahmen uns seiner an, seitdem ist es unsere geliebte Melony. Wie passend! 

Me|lon|cho|lie, feminin, Substantiv, kein Pl.
intensiver Daseinszustand; gleichzeitiges Erleben von Traurigkeit und Begeisterung (über die Welt oder einfach das Leben an sich); führt zu Gefühlsausbrüchen wie simultanem Lachen und Weinen, allerdings auf private Art und Weise.
Wir verwenden dieses Gefühl, um den Zustand, der beim Hören unserer Musik eintritt, bestmöglich zu beschreiben. Keine Angst, es ist alles gut! 

Dass bei Bluatschink ein Ehepaar auf der Bühne sitzt, ist in der Musik-Szene ja doch etwas ganz Besonderes. Toni Knittel: „Margit stammt aus dem Unteren Lechtal und ich komme aus dem Oberen Lechtal.  Daher kann man schon sagen, dass wir eine multikulturelle Ehe führen. Aber beim Dialekt sind wir uns zum Glück einig – wir singen Oberlechtalerisch! Wer uns erlebt, der weiß: Dies ist die Liedermacher-Variante von DIE SCHÖNE UND DAS BIEST! Manche sagen auch DER  SCHÖNE UND DAS BIEST – aber das sind die mit den ganz dicken Brillen!“  Wir würden hier noch ergänzen: Wer die beiden auf der Bühne erlebt, der spürt vom ersten Ton, dass die Leidenschaft für die Musik die beiden intensiv verbindet und ihr zweistimmiger Gesang und der unverwechselbare Lechtaler Dialekt lassen da eine Magie entstehen, die absolute  Authentizität ausstrahlt.

Beim neuen Programm erwartet die Konzertbesucher ein Mix aus alten „Schinken“ die in Österreich schon wahre Gassenhauer geworden sind wie „A Schalele Kaffee“, „I han di gera“ oder „Funka fliaga“ – aber es werden auch viele neue Songs zu hören sein. Und der Titelsong  „BEI MIR UMS EGG“ bringt auf den Punkt, was dem Musik-Duo ein Anliegen ist: Besinnung auf Regionalität und Originalität – auch in kultureller Hinsicht! In einer Zeit, in der Musik immer 
mehr von Computern produziert wird, in der Künstler aus Finnland und Musiker aus den USA nicht mehr von einander zu unterscheiden sind, legt Bluatschink großen Wert auf Unverwechselbarkeit. Es werden in den Liedern und in den Zwischentexten Geschichten erzählt, in denen sich die Konzert-Besucher wiedererkennen. Die urige Naturlandschaft ihrer Lechtaler Heimat spiegelt sich in ihrem Dialekt und in ihren Liedern immer wieder aufs Neue! Rainhard Mey, Fredl Fesl oder Konstantin Wecker - Toni Knittel stellt eine Mischung aus diesen drei Künstlern dar. Er betrachtet die Welt mit einem verschmitzten Lächeln, blödelt liebend gerne 
mit seinem Publikum und so hat der Bluatschink mit seinen Liedern nicht gerade die Welt  verändert, aber immerhin seinen geliebten Lech-Fluss vor der Verbauung gerettet!  Zwei Jahrzehnte ist Toni Knittel nun schon als Songwriter maßgeblich dafür verantwortlich, dass  die Musik dieser Band die Hitparaden der Alpenrepublik gestürmt hat. Und egal, mit welchem  Programm der kreative Glatzkopf aus dem Lechtal auch unterwegs ist, es wird jedem  Konzertbesucher schnell klar werden, dass man es hier mit einem Liedermacher der guten alten Schule zu tun hat. 
Die Texte sind kritisch, ohne dass mit dem Zeigefinger gefuchtelt wird. Es wird nach Herzenslust  geblödelt und trotzdem ist das Zeltfest in weiter Ferne. Und es werden berührende Geschichten erzählt, die das Leben geschrieben hat und in denen sich das Publikum wiederfindet. 

Parisini wuchs, unterbrochen von einem einjährigen Aufenthalt in Sydney, in Wien-Alsergrund auf, wo sie 2005 auch ihr Studium der Philosophie und der Theaterwissenschaft mit einer Diplomarbeit über Gilles Deleuze und Jim Jarmusch abschloss.
„Der Mensch strebt nicht nach Glück, nur der Engländer tut das“ polemisierte Philosoph Friedrich Nietzsche 1889 in „Götzendämmerung oder Wie man mit dem Hammer philosophiert“ gegen einen Impetus, der im Zeitalter des Neoliberalismus breitflächig unter Verdacht gekommen ist. Das Wohlfühlen, das Glücklichsein ist heute oft nur noch eine Art Utopie. Violetta Parisini, studierte Philosophin und originäre Singer/ Songwriterin verlacht diese Gefahr: „Wirklich glücksbegabt war Nietzsche nun wirklich nicht. Heutzutage ist es schwer, weil wir auf Perfektion getrimmt werden. Wir müssen alle toll ausschauen, funktionieren, gesellschaftsfähig und im Idealfall auch glücklich sein. Ich weiß, mich macht Musik glücklich. Trauer, Depression und Wut muß ich ausdrücken, bevor es wieder gut wird. Mit Musik geht das am besten.“ philosophiert Violetta Parisini

Violetta Parisini - Gesang / Rhodes
Emily Stewart - Geige
Peter Rom - Gitarre
Hanibal Scheutz - Bass
Alex Pohn - Schlagzeug

Nichts ist schöner, als sich in einem Kunstwerk wiederzufinden, sich verstanden zu fühlen. Die Lieder von Violetta Parisini machen genau das. Die hörbare Verletzlichkeit und gleichzeitige Lebensfreude erzeugen Resonanz, auch bei ihren Konzerten, die von einer unaufgeregten Emotionalität geprägt sind. Violetta Parisini teilt sowohl ihre Zweifel, als auch ihre Zuversicht mit uns, und wir erkennen uns darin wieder.

Seit ihrem Philosophie-Studium in den 00er-Jahren schreibt und singt Violetta Parisini, zuerst als singende DJ, später mehr und mehr als Songwriter ihrer eigenen Lieder. Im Jahr 2010 wurde ihr erstes Album „Giving You My Heart To Mend“ auf Universal Music veröffentlicht und in der österreichischen Medienlandschaft begeistert aufgenommen. Gemeinsam mit dem Produzenten und Songwriter Florian Cojocaru veröffentlichte sie zwei Jahre später auch ihr zweites Album, „Open Secrets“. Die Songs auf den zwei Alben bewegen sich zwischen Pop und Singer-Songwriter-Musik, und bleiben im Ohr – und im Herzen.

Man muss nicht unverwundbar sein, um stark zu sein. Ganz im Gegenteil.

Im Laufe der Jahre auf der Bühne hat Violetta Parisini ihre Stärken geschärft: der authentische Ausdruck von allzu menschlichen, manchmal widersprüchlich scheinenden Gefühlen und Gedanken, Mut zur Verletzlichkeit und Texte, mit denen viele sich identifizieren können, weil sie der verwirrenden Komplexität des Lebens Rechnung tragen.

Ihr nächstes Album „Alles Bleibt“ wird im Februar 2020 auf dem von ihr und dem Produzenten Sixtus Preiss gegründeten Label „Else Records“ veröffentlicht. Es ist erstmals in ihrer Muttersprache getextet.
Das hängt auch damit zusammen, dass Violetta Parisini seit ihrem zweiten Album zwei mal Mutter geworden ist. Das Eltern-Werden stellt so manches Leben auf den Kopf, und bringt ganz neue Themen und Erfahrungen mit sich: das Hadern mit gesellschaftlichen Erwartungen an Mütter, die alles in den Schatten stellende Liebe zu einem Kind, der Schmerz, den große Veränderungen manchmal mit sich bringen. Violetta Parisini thematisiert diese scheinbar widersprüchlichen Gefühle, sie haben nebeneinander gut Platz in einem Leben, das vielleicht verwirrend, aber ganz und gar lebenswert ist. Das wird in ihren Liedern manifest, mit liebevoller Selbstironie, und wir singen fröhlich mit, ein paar Tränen im Augenwinkel.

Caecilie Norby – vocal 
Lars Danielsson – cello/bass  
Ulf Wakenius - guitar

Cæcilie Norby ist die grande dame des skandinavischen Gesangs: Gleich ihr Debut in Sachen Jazz wurde Album des Jahres in ihrer Heimat, von da an ging es stetig nach oben. Sie sang bei Ray Brown und Dianne Reeves, den Brecker Brothers und John Scofield – von wegen »Queen of bad excuses«, so der Titel einer ihrer besten CDs. Schließlich lernte sie den Bassisten und Produzenten Lars Danielsson kennen, mittlerweile haben sie eine 19-jährige Tochter.
Danielsson gehört zu den gefragtesten Bassisten Europas und ist ein herausragender Komponist. Auch eine Duo-CD haben die beiden veröffentlicht: Ihre leicht angerauchte Stimme und sein knurrige Kontrabass passen wunderbar zusammen. Ergänzt wird dieses Jazz-Traumpaar von dem famosen Gitarristen Ulf Wakenius, der vor drei Jahren mit Iiro Rantala ein unvergessliches Konzert im Treibhaus gespielt hat.

LARS DANIELSSON

Kunstvoll und mit unübertrefflicher Leichtigkeit formt Lars Danielsson  farbenreiche Klänge zu fantasievollen atmosphärisch dichten Kompositionen. Lars Danielsson geht es um Gefühl und Tiefe. Er will nicht denken, sondern spüren und so den Hörer eindringlich empfinden lassen. Für Lars Danielsson, den Meister des Wohlklangs an Bass und Cello, liegt die Kraft der Musik in der Melodie. Sie ist der Keim, das Energiezentrum, aus dem sich alles entfaltet. Für diese Spielhaltung steht „Liberetto“ auch zum dritten Mal ein.
Seine Musik  ist der Keim, das Energiezentrum, aus dem sich alles entfaltet.  Liberetto: Danielssons Wortschöpfung wird endgültig zum Synonym seiner Kunst: Steckt darin doch mit „Libretto“ der Verweis auf die abendländische Kunstmusik als Quelle für seine Kompositionen und den ihnen innewohnenden lyrischen, sanglichen Charakter. Dann verbirgt sich darin aber ebenfalls das lateinische Adjektiv „liber“ (frei), das für die Improvisation, für die individuelle Anpassung der Formen und Vorgaben, vor allem aber für das grenzenlose Musikverständnis von Danielsson steht.

Virtuosität und Zauber an Instrument und Stimme, konterkariert von mitunter bis zum Anschlag ausgereizter Direktheit in den Erzählungen; der Mut mit einer gewissen Schrägheit den vorhandenen Pop-Appeal in die Zukunft zu ziehen, gekoppelt mit selbstbewusstem Auftreten und klarer Botschaft: MIRA LU KOVACS hat sich auf ihren Aufnahmen, auf und abseits der Bühne ein üppiges Häuschen mit Garten im Gedächtnis der musikinteressierten Öffentlichkeit eingerichtet.
2021 erscheint mit “What Else Can Break” zum ersten Mal ein Album unter ihrem eigenen Namen.

Unter dem Namen Schmieds Puls veröffentlicht sie 2013 (“Play Dead”) das erste von drei außergewöhnlichen Alben im Trio-Format. Es folgen “I Care A Little Less About Everything Now” (2015), das mit dem Amadeus Award ausgezeichnet wird, und das betörende “Manic Acid Love” (2018).
Die Bandbreite von Miras Schaffen wird dabei beständig erweitert – zuletzt durch die Zusammenarbeit mit Clemens Wenger (Jazzwerkstatt Wien, 5/8erl in Ehr’n), mit dem sie für “The Urge Of Night” ihre Stücke für ein eigens zusammengestelltes, zehnköpfiges Ensemble neu in Szene setzt. Jeder erreichte Meilenstein gilt als Ausgangspunkt für die nächste Entwicklungsstufe; neue Stücke, neue Formen, neue Möglichkeiten.
Nicht umsonst kollaboriert Mira Lu Kovacs auch leidenschaftlich mit Kollegen – etwa in der aufregenden Experimental-Pop-Formation 5K HD. Sie spielt in ungewöhnlichen Theaterproduktionen (“Ganymed in Love”), eröffnet die Wiener Festwochen (2018), kuratiert das Wiener Popfest (2019), verstärkt die ‘Supergroup’ My Ugly Clementine an der Gitarre und setzt das Belvedere Museum akustisch in Szene (2019) und ist wiederum berührender Teil der grandiosen Eröffnung der Wiener Festwochen 2021.
Die gebürtige Burgenländerin hat nach drei Trio-Alben als SCHMIEDS PULS nun erstmals in Bedroom-Recording-Sessions im Alleingang ihre Vocals und ihre Gitarrenspuren aufgenommen. Eigentlich wäre sie als Kind ja gerne Schlagzeugerin geworden, von ihren Eltern bekam sie allerdings eine Gitarre geschenkt. Und die Gitarre führte zu einem Gitarrenlehrer, der sie zum Singen ermunterte. Und ihre selbstkomponierten Songs führten sie mittlerweile schon um die halbe Welt. Auch in kosmopolitischen Kollektiven wie MY UGLY CLEMENTINE oder 5K HD weiß sie ihre Stimme und ihr Melodie- und Melancholie-Gespür gezielt einzusetzen. Wie schlagkräftig introspektive Töne sein können, das beweist sie nun auch wieder mit der aktuellen Veröffentlichung „What Else Can Break“, auf der sich auch ein fast zwanzig Jahre altes Stück wiederfindet

Der Output und die Vielseitigkeit von Mira Lu Kovacs sind jenseitig. Nicht alle zwei Jahre ein Album, eher zwei Alben pro Jahr plus x Kooperationen. 2013 erschien die vielfach preisgekrönte Sängerin, Singersongwriterin und Komponistin als Mastermind des Trios Schmieds Pulsauf der Bildfläche, mit Balladen, zielgenau und treffsicher wie ein sauberer Schussins Schwarze. Niemand kommt vor KovacsLiedern ungeschoren davon. Als Stimme der avantgardistischen Supergroup 5K HDexperimentiert sie mit Effekten und Verfremdungen, bei den Grunge Pop Senkrechtstarter*innen My Ugly Clementinespielt sie als Sidewoman Gitarre, mit Clemens Wenger transformierte sie ihre Lieder in Arrangements für ein 10köpfiges Ensemble, dem Wiener Belvedere Museum komponierte sie das Corporate Design –Mira Lu Kovacs wechselt fliegend dieRollen auf dem breiten Spektrum zwischen Pop, Hochkultur, Experimenteller und Elektronischer Musik.Mit What Else Can Breakpräsentiert die Ausnahmemusikerin das erste Album explizit unter ihrem Namen, ein wunderschönes Überlebensalbum, ein musikalischer Unterschlupf, abgrundtief und geborgen.„Ich empfinde eine so große Liebe für dieses Album, weil es so schonungslos leidend und ehrlich ist und sich damit befasst! Es läuft nicht weg, es ist sehr mutig.“Mira Lu Kovacsmacht für das postpatriarchale Zeitalter klar: Gefühle zu zeigen ermächtigt. Radical Softness ist das Werkzeug der Rebellion. „Die extremste Form gewisse Dinge zum Ausdruck zu bringen ist, sie leise zu tun.“Von Stuckbis Stay A Little Longerzieht Mira Lu Kovacsaus ihren Liedern einen Schmerz, der uns spüren lässt, dass es sich in dieser Scheiß-Welt zu leben lohnt. Off you go: Düster, leichtfüßig, beruhigend, trauernd, augenzwinkernd, beschwingt. „Wäre Corona nicht gewesen, hätte ich 1000 Sachen gleichzeitig gemacht, aber nicht dieses Album geschrieben. Ich hätte nicht die Zeit gehabt, so viel emotional zu hinterfragen, so viele Stunden mit mir selbst zu verbringen und so detailliert an jedem einzelnen Sound zu arbeiten.

Für den Entstehungsprozess war das eine Traumsituation.“Alle Vocals hat Mira Lu Kovacsalleine mit sich im „Corona-Bedroom-Studio“ eingesungen. Jeder Song ist von dieser Nähe und Intimität durchdrungen. What Else Can Breakist das unprätentiöseste ihrer bisherigen Alben, close to home. Auf dem Track Zufriedenheithören wir das erste Riff, das Kovacsin ihrem Leben geschrieben hat, als Kind, das einfach macht, was sich richtig anfühlt. Statt astrein das Virtuose zu verfolgen, stößt What Else Can Breakauf eben diesen Kern, der alles ausmacht: Ein paar Akkorde und die Wahrheit.Es ist verwunderlich, wie wohltuend dieses Schmerz-Album klingt. Man ist gut gelaunt, wenn sich Mira Lu Kovacsin Humanihrer irdischen Hülle entledigen will (finally free), in Most Beautiful Boymaximal verloren schmachtet, in Want You das ewige Hin und Her in einen Dance-Ohrwurm verwandelt.Viele Songs auf What Else Can Breakfungieren wie entwaffnende Traumfrequenzen, ziehen von einem Gefühlsdestillat ins nächste: Nicht weinen zu können (Stuck), ein vererbtes Trauma in sich zu tragen (84), sich aus einer toxischen Beziehung herausziehen zu müssen (Pull Away), angeklagt werden zu wollen (Hold Me Responsible), das Grauen in ihrem Gesicht zu sehen (Bad Deal), den eigenen Schatten als zu guten Freund zu haben (All The Time), sich nicht umzubringen (Stay A Little Longer).Als Protagonistinnnen treten Mira Lu Kovacs' Stimme und Gitarren auf, hinzu kommen –nicht bei allen Nummer und in wechselnder Zusammensetzung –Alex Kerblam Schlagzeug, Beate Wiesingeram Bass und Mona Matbou Riahi an der Klarinette.„Es war für mich das Natürlichste der Welt, dieses neue Kapitel aufzumachen. Nicht mehr einen Bandsound mit einer feststehenden Besetzung zu verfolgen, sondern mich soundmässig komplett zu befreien und mit jedem Song alles neu entscheiden zu können.“Abgesehen von den beiden Nummern Stuck(mit Marco Kleebauer-Leyya, Bilderbuch, Oehl) und Pull Away (mit Grammy-Nominee Yakob) hat Mira Lu Kovacseinen Großteil des Albums gemeinsam mit Sophie Lindinger(Leyya,My Ugly Clementine) produziert.
„Sophie muss man als Genie deklarieren. Sie ist im Gegensatz zu mir komplette Autodidaktin, gleichzeitig können wir uns in musikalischen Entscheidungen sehr gut nachvollziehen. Gerade weil sie selbst singt, Lieder schreibt, Gitarre und Bass spielt, kann sie sich in so viele Dinge hineinversetzen. Wir haben uns in der Produktion perfekt ergänzt.“

DENK feiert 20+1 Jahre Bphnenjubiläum und 50 Jahre Birgit Denk -
​im Treibhaus // Dialektmusik, seit mehr als 20 Jahren.

Birgit DENK und ihre Mannen kommen endlich wieder einmal nach Innsbruck.
Alexander Horstmann, Ludwig Ebner, Mag. Harald Wiesinger, Philipp Mayer und Birgit “die Denk” spielen an diesem Abend ihre Band “Hits”, inclusive Backstage Geschichten der letzten 20 Jahre. Ein Abend voller Spielfreude, Unterhaltung und Nähe im perfekten Rahmen.
Seit 2000 neben dem Trend, neben dem Zeitgeist, kein “Hit”, der österreichweite Durchbruch immer verschoben. Objektiv betrachtet 20 Jahre “Komplett out”, wie sie schon vor Jahren in einem Lied bekannten. Die Band ist ehrlich zu sich, ihrer Musik und dem Publikum. Selbstbewusst neben der Spur, aufrecht dem eigenen Anspruch verpflichtet, herzlich, und musikalisch wie menschlich “zamm ghatzt” wie der Wiener sagt. Das wird geschätzt und ist der Grund, warum sie noch immer da sind.
Das wird ein lauschiger Abend im Garten des Treibhauses.
Ein Abend zum Entdecken und wiedersehen.

Geht es nach dem Umfang ihres Wikipedia-Eintrags, ist Birgit Denk nicht in der A-Liga des heimischen Musikgeschehens zu finden. Hier wird gerade einmal vermerkt, sie wäre Sängerin und Texterin, 1971 in Hainburg geboren, hätte eine nach ihr benannte Band und sei Moderatorin der ORF III-Sendung "Denk... mit Kultur".
Aber der Eintrag - und damit der Eindruck - täuscht. Birgit Denk ist eine der wichtigsten weiblichen Vertreterinnen der aktuellen österreichischen Populärmusik-Szene. Erste Gehversuche unternahm sie im Umfeld der Ostbahn Kurti-Crew; Texter Günter Brödl schrieb auch für sie einige Songtexte, Denk stand mit Willi Resetarits im Studio und auf der Bühne. Ihre erste eigene Band hieß Hertz und spielte brachialen Metal. Anno 2000 entstand die Formation Denk, bis dato hat sie acht Alben veröffentlicht. Mit ihr setzt Birgit Denk auf deutschsprachige, aus dem Leben gegriffene Mundart-Texte und selbstbewussten Rock'n'Roll mit Lokalkolorit.

Aber auch mit ihrem Kabarett-Seitenprojekt Birgit Denk & die Novaks und unzähligen Kollaborationen machte sie sich nachhaltig bemerkbar. Zudem ist sie als TV-Host, Radiomoderatorin, Kolumnistin, Jurorin und engagierte Lobbyistin in Sachen österreichischer Musik seit Jahrzehnten höchst aktiv. Mit der Formation Denk hat sich die Namensgeberin ein treues Publikum erspielt, zur Renaissance des Dialekts im lokalen Popgeschehen und der Wiederkehr des Austropop und Wienerlieds im modernen Gewand hat Birgit Denk ihr Scherflein beigetragen. Was eventuell noch fehlt, ist ein nachhaltiger Charts-Hit - bei der Ernsthaftigkeit und Energie unserer Protagonisten aber wohl nur eine Frage der Zeit

Lukas Lauermann, 1985 in Wien geboren, arbeitet als Live- und Studiomusiker, Arrangeur und Komponist mit Bands und KünstlerInnen wie Donauwellenreiter, Ritornell, Soap&Skin, ALASAC, Mimu Merz und Der Nino aus Wien zusammen. Theater- und Performanceprojekte mit Gelatin, Saint Genet, u.a. gehören ebenso zu seinen Tätigkeitsfeldern, wie Musikproduktionen für Hörspiel und Film. Über 40 Veröffentlichungen sind im Zuge von Kollaborationen bereits entstanden.

Das zweite Soloalbum  des Cellisten und Komponisten Lukas Lauermann, viel gefragter Gast überall dort in der zeitgenössischen Musik, wo es experimentell zugeht und sich trotzdem niemand die Ohren zuhalten muss. Das Opus trägt den Titel „I N“ und beschreibt einen besonderen Zustand: Jemand geht IN sich und bekommt im selben Augenblick INput von außen. Beim Durchschreiten der 12 Halbtöne der Musik erklingen neben dem Cello auch Stimmgabeln, Synthesizer und Klavier. Manchmal werden diese Klänge elektronisch verändert, manchmal aber auch durch das Cello gehört, wodurch das altehrwürdige Instrument in einer maximalen Erweiterung der Spieltechniken zum Klangkörper für andere Tonquellen wird.

„Cello-Töne aus einer fernen Welt, ein Konzentrat aus dem Schönstmöglichen.“ (Falter Jahrescharts)

Elektronisch erweiterte, barrierefrei – modern – klassische Kompositionen, die Herz und Hirn erfüllen. Lukas Lauermann, 1985 in Wien geboren, arbeitet als Live- und Studiomusiker, Arrangeur und Komponist mit Bands und KünstlerInnen wie Donauwellenreiter, Alicia Edelweiss, Soap&Skin, Der Nino aus Wien, Mira Lu Kovacs und Ritornell zusammen. Letzte Arbeiten als Studiomusiker für Wanda, André Heller und Tocotronic. Theater- und Performanceprojekte mit Gelatin, Saint Genet, u.a. gehören ebenso zu seinen Tätigkeitsfeldern, wie Musikproduktionen für Hörspiel und Film. Über 40 Veröffentlichungen sind im
Zuge von Kollaborationen bereits entstanden. Seit einiger Zeit ist der „wohl vielseitigste und produktivste Cellist des Landes“ (Der Standard). Konzertreisen bringen Lukas Lauermann regelmäßig in bekannte Spielstätten auf der ganzen Welt, zum Beispiel La Cigale Paris, Royal Festival Hall London, National Concert Hall Taipeh, Burgtheater Wien, Philharmonie Köln, auch Festivals in Kasachstan, Malaysia und Kanada standen bereits auf seinen Tourplänen.

TOI. MITTEN AUS DEM LEBEN. MITTEN AUS DEM PITZTAL

Alexander Goidinger (keys,vox)
Philipp Hager (dr,vox)
Wolfgang Henn (b,vox)
Stephan Mathoi (guit,vox)

TOI zeichnen sich zum eine durch einen unverkennbaren Band-Sound aus, zum anderen durch die Texte.  Diese sind in einem Dialekt aus dem Tiroler Oberland gehalten.  Für den TOI-Texter Stephan Mathoi stellt das Schreiben im Dialekt die ehrlichste Art des Liedermachens dar.  
Mit viel Wortgewandtheit, Kritik, aber auch Humor widmen sich die Texte dem Alltäglichen, welches sich mittlerweile über etliche Grenzen hinweg immer mehr ähnelt.  Auch wenn es sein mag, dass nicht jedes einzelne Wort verstanden wird, so ist der Sinnzusammenhang für Aufgeschlossene auch im weiten Umkreis des Tiroler Oberlandes zu ergründen.

Neben dem Dialekt ist der einzigartige Bandsound ein wichtiges Element der Band TOI – dieser ist mit Drums, Kontrabass, Fender Rhodes und akustischer Gitarre erfrischend unkonventionell.  Dazu gesellt sich mehrstimmiger Gesang.      
Aber auch die musikalischen Zutaten tragen zur Wiedererkennbarkeit von TOI bei.  Die vier Musiker verstehen es, viele stilistische Quellen anzuzapfen und alles zu einer schlüssigen Mischung zu verschmelzen.  Dadurch wird gewährleistet, dass die Vielfalt der Texte sich auch in der Musik niederschlagen kann.  Jeder Song ist ein Erlebnis für sich und doch ist alles eins.  Mit verspielter Freude und Intensität widmen sich TOI Improvisationen.  Somit wird jedes TOI-Konzert aus sich heraus schon zu etwas Einzigartigem.

In vielen Tiroler Wörtern wird ein Laut verwendet, der klanglich irgendwo zwischen a und o zu Hause ist.  Um ihn aufzuschreiben wird ein kleines Ringlein über einem konventionellen a verwendet – also das å.  Vom Klang her ist das Tiroler å vergleichbar mit so manchem a im Englischen.  Zum Beispiel all, ball, fall, call, tall,
Bei Wörtern wie röide (=reden) kommt die Buchstabenkombination öi vor.  Gesprochen wird es wie e-i.  Wenn man aber e-i schreiben würde, verwechselt man es stets mit dem ei (gesprochen: ai).  Die Schreibweise mit öi ist also eine Annäherung, da die Buchstabenkombination des tatsächlich Klingenden im Hochdeutschen schon vergeben ist und gänzlich anders ausgesprochen wird.  Wenn man wieder Englische Vergleiche zur Aussprache des öi ziehen möchte, würden sich die Wörter say, stay, day, may usw. anbieten.  Das Ei bleibt auch in Tirol das Ei! Lei! Lei! Diese drei Wörter sind wohl jene, die man im Wennerischen am öftesten hört.  Sie werden als Füllwörter benutzt und können - vor allem das it - mannigfaltige Bedeutungen haben.  Um all diese Facetten auszuloten bräuchte es noch mal eine komplette Seite in dieser Broschüre.  Am besten ab ins Pitztal oder zum TOI-Konzert ins Treibhaus

Alone Together – Liebe, Verve, Melancholie & das „Great American Songbook“ 
Karl Ratzer: Gitarre, Stimme Ed Neumeister: Posaune 

Karl Ratzer & Ed Neumeister spielen seit 10 Jahren in diversen Ensembles des Gitarristen zusammen und haben sich nunmehr auch als Duo gefunden. Ihr brandneues Programm „Alone Together“ erweist dem „Great American Songbook of Jazz“ seine Reverenz (CD/LP erscheinen im Herbst 2021 bei ENJA Records). 
In den Reigen der Jazz-Klassiker Body & Soul, I Thought About You oder Alone Together fügen sich die zwei Eigenkompositionen (Sabah El Nur & Señor Lopez) von Karl Ratzer stimmig ein. Alles mit unnachahmlicher Verve & Kreativität gespielt und mit einem sicheren Gefühl für die Songs (Lyrics inklusive), auch wenn es sich (fast) ausschließlich um instrumentale Versionen handelt; I’m Old Fashioned, der einzige, von Karl Ratzer gesungene Song, erinnert an Chet Baker, mit dem der Gitarrist auch auf Tournee war. 

Dieses Duo der Superlative, in der eher seltenen Besetzung von Gitarre & Posaune, beweist durch seine Interpretation dieser Songs eindrücklich, daß Jazz-Standards nicht altmodisch oder aus der Zeit gefallen sind und daß deren Essenz etwas Ewig-Gültiges, Zeitloses hat, das jung und alt heute genauso berührt wie es dies damals auch getan hat. Die unverwechselbare Atmosphäre der 20er & 30er Jahre im New York des vergangenen Jahrhunderts erwacht auf der CD/LP „Alone Together“ zu neuem pulsierendem Leben. 

Karl Ratzer spielte seit Anfang der 1960er Jahre in diversen (eigenen) Rock-, Funk- & Soulbands, in den 70ern ging er in die USA (Zusammenarbeit mit Jeremy Steig, Joe Chambers, Dan Wall, Chaka Khan, Chet Baker, u.a.), nach seiner Rückkehr nach Wien in den 80ern begann er sich mehr und mehr dem Modern Jazz zuzuwenden, ohne die funkigen Grooves zu vernachlässigen. Ein wichtiger musikalischer und spiritueller Einfluß für ihn war und ist der Pianist Fritz Pauer, der ihn mit Musikern zusammenbrachte, die an der Musikuniversität Graz unterrichteten, wie Howard Curtis und Ed Neumeister, die dann auch Teil des Karl Ratzer Quintetts mit Johannes Enders und Peter Herbert wurden, mit sehr erfolgreichen Auftritten in Österreich und Europa. In der Folge entstand daneben auch ein Trio (mit P. Herbert & H. Curtis) und kam es auch zur Zusammenarbeit mit Franz Koglmann (tp, flh). CD-Produktionen wie „Tears“, „My Time“, Underground System“ belegen eindrücklich die Vitalität der Musik dieser Ensembles, die nach wie vor aktiv sind. 

Ed Neumeister stammt aus den USA (West Coast), begleitete Stars wie Frank Sinatra, Nancy Wilson und Sarah Vaughan, spielte ab 1980 in New York in den Bigbands von Lionel Hampton, Buddy Rich & Gerry Mulligan, danach über 15 Jahre im Duke Ellington Orchestra (Posaune & Arrangements) und parallel dazu im Mel Lewis Orchestra (mit Joe Lovano & Tom Harrell). Neben seinen Jazz- Aktivitäten spielte er auch in Sinfonie-Orchestern in San Francisco und New York. Anfang der 2000er Jahre zog er nach Graz, wo er 17 Jahre an der Musikuniversität unterrichtete. Er gründete mehrere eigene Ensembles (u.a. mit Fritz Pauer, Piano und Jay Clayton, Vocals) in Österreich, Los Angeles und New York, wohin er 2017 zurückkehrte. Während seiner Zeit in Österreich holte ihn Karl Ratzer in sein 2012 gegründetes Quintett, das nach wie vor besteht (Konzerte zu Silvester & Neujahr im Porgy & Bess in Wien werden seit Jahren traditionell von Karl Ratzer Ensembles mit Ed Neumeister bestritten). 

„Alone Together“ ist ein Konzentrat und Destillat aller gemachten Erfahrungen der Interpreten mit dem Repertoire des „Great American Songbook“. 
Eine melancholische und respektvolle Liebeserklärung an eine Zeit, die unwiederbringlich vergangen ist, von Karl Ratzer und Ed Neumeister jedoch wieder zu neuem Leben erweckt wird!

KARL RATZER

Es gibt nicht viele österreichische Musiker, die von sich behaupten können, einen auch international hervorragenden Ruf zu genießen. Der Jazzgitarrist Karl Ratzer ist einer davon. Egal ob in Amerika oder hierzulande, überall wird der Wiener wegen seines außergewöhnlichen Gitarrenspiel geschätzt. 
Ratzers Karriere begann im zarten Alter von 15. Jahren. Als Mitglied der legendären Band Gypsy Love, bei der er neben Jano Stojka, Kurt Hauenstein und Peter Wolf spielte, machte er sich bereits in frühen Jahren einen Namen. Anfang der 70er Jahre zog es den Ausnahmemusiker in die USA, wo es ihm innerhalb kürzester Zeit gelang, Fuß zu fassen. Die Liste der Namen mit denen Karl Ratzer zusammenarbeitete, liest sich wie das "Who is who" der jüngeren Musikgeschichte.
So war er gleich in ein Projekt mit dem Namen "High Voltage" involviert, in dem er sich gemeinsam mit der heute weltberühmten Chaka Khan die ersten Sporen verdient hat. Gefolgt von zahlreichen Kooperationen mit internationalen Größen wie Jeremy Steig, Art Farmer, Clark Terry, Lee Konitz oder Steve Grossman, kehrte Ratzer schließlich 1980 in seine Heimatstadt Wien zurück. Seither war er als Gastprofessor an diversen Hochschulen für Musik und darstellende Kunst tätig.
​Einem Europäer unüblich, besitzt Karl Ratzer die Gabe, seinem Blues jene Tiefe zu verleihen, die dem Zuhörer das Gefühl vermittelt, als stamme der Musiker selbst aus dem Mississippi-Delta. Wie alle großen seines Genres beherrscht der Wiener "Enttäuschungen genießbar zu machen, das Widrige und Niedrige nicht bloß auszuhalten, sondern es musikalisch zu vergolden."

Karl Ratzer kam 1950 in Wien zur Welt. Eine Stadt, in welcher der überstandene Krieg noch sichtbar war. Seine Familie hatte unter der Nazi-Diktatur besonders zu leiden und der Start ins Leben schien schwierig. Doch Karl Ratzer war die Musik in die Wiege gelegt. Von einem Wunderkind kann man nur deswegen nicht sprechen, da die äußeren Umstände nicht geeignet waren, ein so begabtes Kind zu fördern. Er begann schon sehr früh sich selbst das Gitarre spielen beizubringen. Fast noch im Kindesalter wurde er Mitglied der Vienna Beatles, eine der besten Livebands im damaligen Wien und schon mit 15 Jahren hatte er als Gitarrist und Sänger der Band Slaves einen Tournee-Vertrag durch die Schweiz und Deutschland in der Tasche. 

Als er Wien 1972 verließ, um in die USA zu gehen, war er ein Rockstar, der von seinen Fans kultartige Verehrung genoss.
In den Staaten konnte er sich sofort in der Szene etablieren. Er wirkte bei der Band High Voltage mit. Diese Formation wurde später unter Rufus & Chaka Khan berühmt. Aber auch viele andere bekannte Musiker luden ihn zur Zusammenarbeit ein. Karl Ratzer sog die amerikanische Musik auf wie ein Schwamm. Schnell war er in den verschiedensten Stilen beheimatet. Funk, Soul, Jazz und über all dem, der Blues, so wie er zwischen dem Süden und NYC gewachsen ist. Keine Schule, keine Universität sondern das Leben in den Clubs, erst in Atlanta dann in NY, ließen ihn zu einem der weltbesten Gitarristen reifen. 1977 erfolgte die erste Bandgründung mit Jeremy Steig, Dan Wall, Eddie Gomez, Joe Chambers und Ray Mantilla. Die erste LP mit dieser Band kam dann 1978 bei Vanguard heraus. Genre: Blues, Funk / Soul, Jazz.

Neben seiner virtuosen Technik, war es vor allem die Stilsicherheit im Sound, die er sich in den Amerikajahren aneignete. Seine Gitarre klingt immer authentisch, egal ob er Rock, Blues oder Jazz spielt.

JAZZ, JAZZ, JAZZ ....

1980 brachte ihn eine Tournee mit Chet Baker nach Europa. Er kehrte schließlich nach Auftritten in Italien, Frankreich und der Schweiz nach Wien zurück. Den Live Mitschnitt aus Paris im Gepäck konnte er gleich wieder in die Wiener Szene einsteigen. Er spielte mit allen Größen des heimischen Jazz und traf auf unzählige internationale Stars, die in Wien Station machten. Nun war er es, der die verschiedenen Projekte initiierte und leitete. Seine Kompromisslosigkeit in Sachen musikalische Qualität, machte es seinen Partnern nicht immer leicht. Für seine Musik aber wurde er von den Musikern verehrt und vom Publikum geliebt. In diesen Jahren begann auch seine Lehrtätigkeit an verschieden Schulen und Instituten. Er entwickelte eine eigene praxisbezogene Unterrichtsmethode für Gitarristen verschiedener Reifestufen. Von 1999 bis 2003 war er als Gastprofessor an der Kunstuni Graz. 2004 wechselte er an das Vienna Music Institute und das Vienna Konservatorium, wo er bis Dato als Dozent tätig ist.

Dieser musikalische Lebensabschnitt spiegelt sich in einem Zitat von Karl Ratzer selbst wider: "Ich spiele nicht mehr Gitarre, sondern ich mache Musik."

Die sprunghafte Zeit des Suchens und Experimentierens ist vorbei. Gegenwärtig arbeitet Karl Ratzer an einigen wenigen Projekten. Er möchte sein Wissen, sein Können und seine Erfahrung vor sich Ausbreiten und daraus die notwendigen Elemente nehmen um sie mit höchster Präzision in diesen Projekten zusammenzufügen. Seine Kompositionen erhalten Arrangements und seine Bands Bläsersätze. In diesem Rahmen lässt Karl Ratzer seine Gitarre klingen wie es nur wenige vermögen und sein Gesang berührt das Publikum.

„Ich verbrachte wunderbare Jahre in den USA und hatte geniale Lehrer wie Joe Chambers, Eddie Gomez oder Jeremy Steig, die meine Musik bis heute prägen. Bedauerlich ist, dass diese talentierten Musiker in ihrer Heimat kaum Anerkennung oder Jobs finden und oft nach Europa kommen, um überleben zu können. Dabei denke ich mir manchmal, Österreich ist ein Operettenland, da muss doch auch für uns Jazzer Platz sein und die Möglichkeit bestehen, mit unserer Musik Geld zu verdienen.“ 

"Es hat viele Vorteile, wenn die sechs Musikanten, die eine Band starten, sich schon lange kennen und nicht etwa gecastet worden sind. Vor allen Dingen musiziert es sich einfach leichter gemeinsam. Man kennt den Sound der Kollegen, kann erahnen, welche Phrasierung der andere gleich wählen wird und hat sofort ein Gefühl dafür, wie man sich am besten in den Gesamtklang der Gruppe einfügen kann.
Wahrscheinlich war genau deshalb schon die erste Wirtshaustour der kurz zuvor gegründeten „Kapelle So&So“ im Jahr 2017 ein voller Erfolg: Ausverkaufte Gaststuben und begeisterte Zuhörer in Bayern wie in Österreich. Der erdige, energiegeladene Sound gepaart mit musikantischer Lässigkeit und messerscharfem Zusammenspiel war nichts weniger als eine Offenbarung. Das bei dieser Tour entstandene Live-Album ist jetzt schon Kult.
Der Großteil des Programms besteht aus Eigenkompositionen, doch auch ein paar geschickt arrangierte Klassiker fehlen nicht. Dabei kennt die Kapelle So&So keine Genregrenzen. Polka, Walzer, Marsch – eh klar – trifft da zum Beispiel auf Reggae, Anleihen aus der Wiener Klassik (!) und bayerischen Blechbläserchanson, den es so wohl noch nicht gegeben hat. Geblasen und gezupft wird laut und mit Emotion.


 

Wer druckt, zupft, blost...

Hansi Auer, Ziach
Wenn man den Nachnamen „Auer“ hört und man nur im entferntesten etwas mit alpenländischer Volksmusik zu tun hat, werden die zuständigen Synapsen im Gehirn einen 3-fachen Felgaufschwung mit Telemarklandung turnen. Als gelernter Instrumentenbauer für Tasten- und Knopfinstrumente, Musiklehrer für diatonische Harmonika, studierter Tontechniker und diesem Familiennamen sind wir uns sicher, dass er wesentlich erfolgreicher wäre, hätte er den Weg der Solokarriere eingeschlagen.
Aber das sagen wir ihm nicht...

Michi Graf, Gitarre
Was soll man über Vaddi sagen?
Der Nachname ist ja sehr aristokratisch, aber das war`s dann auch schon. Der Herr Graf selbst fällt eher in die Kategorie „Sollen sie doch Kuchen essen, wenn sie kein Brot mehr haben“. Die Symbiose aus Schickeria und Gigolo hat ähnlich viele Lebensunterhaltsmaßnahmen wie der Hansi, nämlich Wirt, Gondoliere, Gartenpfleger, Vespahändler, Skilehrer, Caterer und Rodellehrer, nur leider mit mäßigem Erfolg. Deshalb haben wir uns entschieden, den liebenswerten alten Mann in unserer coolen Gang aufzunehmen und ihm einen möglichst angenehmen Lebensabend zu bescheren.

Korbi Weber, Flügelhorn
Da wir den Pöbel schon abgearbeitet haben, kommen wir nun zur intellektuellen Elite unserer Truppe.
Prof. Prof. h. c. Dr. med. Dr. h. c. Dr. h. c. Dr. h. c. Dr. h. c. Dr. h. c. Weber hievt den Universitätsabschlussdurchschnitt (Anm. der Redaktion: wtf, was ist das für ein unglaublich langes Wort) vom Keller ins zweite Untergeschoss. Von ihm stammt der bekannte Satz: „Die maximalen Volumina subterraner Agrarprodukte stehen in reziprogem Relativum zur intellektuellen Kapazität ihrer Produzenten.“ 
Keine Ahnung was er genau damit meint, irgendwas mit Bauern und Kartoffeln oder so. 
Typisch Klerus, immer schön nach unten treten.

Wasti Höglauer, Flügelhorn
König Ludwig II. sagte einst über Wasti`s Geburtsort Anger, dass es wohl das schönste Dorf Bayerns sei. Es gibt zwei Möglichkeiten sich von der Richtigkeit dieses Satzes zu überzeugen: Entweder man googelt den Luftkurort im wunderschönen Berchtesgadener Land und bestaunt den seit 1882 komplett unveränderten Dorfplatz, oder man unternimmt einen Ausflug dort hin und befragt die wenigen verbliebenen Zeitzeugen selbst, die vor Ort graumeliert den Dorfanger schmücken. Ansonsten führt Wasti ein relativ tristes Leben im Keller seines Elternhauses, wo er hauptsächlich mit roter Birne hohe Trompetentöne übt. Aber fragen sie ihn selbst wenn sie ihn treffen, das mag er....

Manu Haitzmann, Basstrompete

Danke Kohl, Danke Schengen!
Euch haben wir ihn zu verdanken. Kaum wurde 1997 die Grenze vom strukturschwachen österreichischen Pinzgau ins gelobte Land Oberbayern geöffnet, schon hatten wir ihn an der Backe und jetzt kriegen wir ihn nicht mehr los. Aber mal im Vertrauen:
Der Manu is schon ein netter Kerl, so ist es nicht. Das Problem liegt eher bei uns. Da er spielt wie ein junger Gott und dabei noch aussieht, als hätten Kaiserin Sissi und Richard Lugner ein gemeinsames Tête-à-Tête in einer Besenkammer in der Wiener Hofburg gehabt, stellt er uns halt musikalisch und optisch dermaßen in den Schatten, dass man schon eher von einer Sonnenfinsternis sprechen muss.
Da Neid is a Sau!

Stefan Huber, Tuba
Wie sagt man so schön: Das Schlimmste kommt zum Schluss. Und damit meinen wir nicht nur das Instrument (Anm. der Redaktion: Ist das überhaupt eins?). Der Huaba kam zur Tuba wie alle jungen Musikanten, die die riesengroße Ehre haben, ein unhandliches Stück Etwas im Sommer bei 40 Grad Celsius, solierend vor einer leeren Ehrentribüne beim örtlichen Gaufest, 10km durch die Metropolen Bayerns zu schleppen:
Er war ein dickes, unbeliebtes Kind. Und jetzt?Nun ja, ein Kind ist er keins mehr..

A SUD DI BELLA CIAO / DAS NEUE PROGRAMM WANDERT IN DEN SÜDEN ITALIENS

Riccardo Tesi: Organetto (diatonisches Knopfakkordeon), musikalische Leitung
Elena Ledda : Gesan
Lucilla Galeazzi : Gesang
Alessio Lega : Gesang, Gitarre
Nando Citarella: Gesang, Tamburin, chitarra battente
Maurizio Geri : Gesang, Gitarre
Gigi Biolcati: Perkussion, Gesang
Claudio Carboni : Sax

Von den Balkonen auf die Piazza: Bella Ciao ist die Hymne der sozialen Gerechtigkeit, von Freiheit, Frieden, Hoffnung und Geschwisterlichkeit.
Wir hören sie auf den Plätzen unserer Dörfer, bei den Demonstrationen für Bürgerrechte, gegen Unterdrückung und Tyrannei, sie erklang von den Balkonen und Fenstern unserer Städte, als wir uns von einem Tag auf den anderen in Quarantäne begeben mussten.
Wir nehmen also diese neue Reise von Bella Ciao auf, mit neuen Liedern und Arrangements, die deutlich nach Süden weisen: A Sud di BELLA CIAO.

Das Debut von Bella Ciao 1964 beim Festival der Zwei Welten in Spoleto markiert den Beginn des italienischen Folk Revivals. Im Gegensatz zur landläufigen Meinung war das kein rein politisches Programm sondern ein musikalisches Gemälde der Welt des Volkes mit Momenten des Feierns, von Liebe, Arbeit, Religion, Protest und Widerstand. Die große Kraft bestand im Aufzeigen einer anderen Geschichte Italiens, einer anderen, mündlichen Art von Kulturverständnis. Trotz allem war das Programm stark nach Norden ausgerichtet, da sich die PionierInnen der Volksmusikforschung jener Tage kaum mit dem ungemein reichen Repertoire des italienischen Südens beschäftigt hatten.  

Zwei Jahre später präsentierte Dario Fo seine Produktion  „Ci Ragiono e Canto“ unter Mitwirkung der sizilianischen Sängerin Rosa Balistreri und des sardischen Chores Galletto di Gallura, und es begann die Renaissance der Volksmusik aus dem Süden. In den folgenden Jahren eroberten Ensembles und KünstlerInnen wie La Nuova Compagnia di Canto Popolare, Maria Carta oder die Tenöre von Orgosolo und Bitti die internationalen Bühnen, gefolgt von Cantautori wie Domenico di Modugno, Matteo Salvatore oder Enzo del Re. Und heute tanzt alle Welt zur Tarantella aus dem Salento, ein flächendeckendes Phänomen das von den legendären Canzoniere Grecanico Salentino begründet wurde. Die Musik des Südens hat sich ihre Revanche geholt und dominiert die italienische Folkszene von heute.

Grund genug, das Programm Bella Ciao zu überarbeiten, das seit seiner Premiere 2014, genau fünfzig Jahre nach der Uraufführung von Spoleto, mit großem Erfolg durch ganz Europa tourt. 
Die Grenzen dieses Freskos der italienischen Volksmusik werden erweitert durch alte Lieder die Richtung Süden, „A Sud di Bella Ciao“,  weisen und deren roter Faden wiederum die Liebe, die Arbeit und die Revolte sind, alle gesungen aus der Perspektive des Südens.
Diese Lieder werden getragen von mediterranen Rhythmen wie Tammuriata, Ballo Tondo und Pizzica, von der lyrischen Poesie der Liebeslieder und dem rauheren Klang der Protestgesänge – sie beinhalten alle Widersprüche des Südens und helfen uns, unsere Gegenwart besser zu verstehen und zu entschlüsseln.   
„A Sud di Bella Ciao“ richtet den Blick auf einen lange vergessenen Schatz, 
wo Geschichte sich mit Magie und Legende vermischt, wo das Rituelle die bäuerliche Welt veredelt, wo Sinnlichkeit auf Mühsal trifft.  

Die alten Partisanen- und Arbeiterlieder haben sich nicht nur ihre Ausdrucksstärke bewahrt, sondern ihre Botschaften von Freiheit, Frieden und Bürgerrechten sind lebendig wie eh und je. Bella Ciao ist eine Lektion in Demokratie, die direkt aus dem Volk kommt, ein historischer Roman gewebt aus Musik, Klängen und Texten, getragen von den wichtigsten Stimmen des sozialen & politischen Liedes im Italien der letzten 30 Jahre. Die Uraufführung dieses Meilensteins der italienischen Musikgeschichte fand am 21. Juni 1964 beim Festival zweier Welten in Spoleto statt und führte zu wüsten Polemiken. Ein halbes Jahrhundert später haben sich einige der profiliertesten italienischen Cantautores & Volksmusikanten zusammengetan, um dieses Erbe wieder aufleben zu lassen, es behutsam mit neuen Einflüssen und Erkenntnissen zu füttern. 
Resultat ist eine neue Begegnung mit all den italienischen Liedern, die jedes Lagerfeuer warm gehalten haben - die Begegnungen verlaufen enthusiastisch.

Bass. Gesang. Trompete. Posaune. Saxofon. Drums. Gitarre. Piano. Das alles fügt sich bei Botticelli Baby zu einer Mischung aus posaunengoldglänzender Jazzhochkultur und „auf die Fresse“, wie es Marlon Bösherz einmal in einem Radiointerview recht anschaulich formulierte. Die Musik hat Druck, schiebt an, überrascht, entfaltet Sog, reißt mit. Wer sich Youtube-Videos diverser Auftritte aus den vergangenen Jahren ansieht, kommt nicht umhin, zu bemerken, dass das zumeist junge Publikum zu diesem Jazz-Punk nicht nur tanzt, sondern regelmäßig ausrastet. Das ist auch der Plan. „Mein Ziel ist es, dass die Leute hinterher nicht mehr wissen, wo oben und unten ist. Dass sie nicht mehr klarkommen“,-: „Das muss nicht eskalieren. Man sieht es den Leuten im Publikum aber an, wenn es anfängt, zu rumoren. Schönes Gefühl!“ 

Die Liste an Musikstilen und Musikern, mit denen Botticelli Baby verglichen wird, ist lang. Gypsy Jazz. Hot Jazz. Balkan-Sound. Swing. Django Reinhardt. Tom Waits. Nick Cave. Große Namen. Sogar The Doors werden bemüht, um die Band einzuordnen. Alle Versuche, Relevanz mithilfe von Referenz herzustellen, sind im Falle von Botticelli Baby aber leider ziemlich hilflos. Die Energie, die die Band wie eine Lawine loszutreten imstande ist, lässt sich weder in Stilschubladen wegsortieren noch mit Namedropping andeuten. Vielleicht hilft ja der Versuch eines Vergleichs mit der Autowelt: Wenn klassischer Big-Band-Jazz der scheckheftgepflegte, filigrane Aston Martin DB5 Baujahr 1956 ist, dann ist Botticelli Baby das böse 70er-Jahre US-Muscle-Car: der pechschwarze Dodge Charger mit brüllendem V8-Motor, grotesk großem Hubraum und 285er-Reifen. Eine Karre, die lustvoll niederwalzt, was ihr unter die Haube kommt. „Wir werden mit den Jahren immer schneller“, konstatiert Alex. Frühere Songs spielen sie mittlerweile doppelt so schnell.

Bam bambambam bam bambambam bam… etabliert sich zunächst ein Rhythmus, ganz zärtlich ein Puls und auf der Bühne beginnen Hüften, zu Kreisen zu werden und die Köpfe senken sich zur Ruhe vor dem Sturm und dann ballern sechs Menschen an ihren Instrumenten los… Dann reißen alle im Saal die Augen auf und die Münder klappen runter… Geil. Diese Musik, diese Gefühle, diese Authentizität, diese Geschichten, die dann folgen, stammen aus der Feder der Band Botticelli Baby, die in entfesselter Melancholie und höchster Ehrlichkeit bis zur Schweißesnässe eine Performance par excellence servieren. 

Botticelli Baby laufen unter dem Prädikat:  „… die musst du einfach live gesehen haben… der Sound ist breit und fett und anders… lass dich einfach wegpusten…“ 
Lasst euch von dieser höchstcharmanten Sexiness, dieser Souveränität, Bühnensäue und sehr besonderen Musikschmelze auf der Bühne wegballern, verzaubern, mitreißen! Genießt den Anblick und den Klang.

Presse

„Die Band ist auf dem besten Weg, zu einer größeren Persönlichkeit im Musikbetrieb zu werden“
– Die Welt, DE

„Die Nacht gehört Botticelli Baby – sieben junge Wilden aus dem Ruhrpott, die derzeit die Republik mit ihrer rotzfrechen Mischung aus Jazz, Gypsy-Swing, Balkan-Beat und Punk aufmischen.“
– Stadtradio Göttingen, DE

„Bass. Gesang. Trompete. Posaune. Saxofon. Drums. Gitarre. Piano. Das alles fügt sich bei Botticelli Baby zu einer Mischung aus posaunengoldglänzender Jazzhochkultur und „auf die Fresse“ […] Wenn klassischer Big-Band-Jazz der scheckheftgepflegte, filigrane Aston Martin DB5 Baujahr 1956 ist, dann ist Botticelli Baby das böse 70er-Jahre US-Muscle-Car: der pechschwarze Dodge Charger mit brüllendem V8-Motor, grotesk großem Hubraum und 285er-Reifen. Eine Karre, die lustvoll niederwalzt, was ihr unter die Haube kommt.“
– Die Welt, DE

„Wer bisher der Meinung war, dass Jazz ausschließlich der ernsten Muse zuzurechnen ist, wird von dieser Band garantiert eindrucksvoll eines Besseren belehrt.“
– Rheinpfalz, DE

Hinter dem Namen Danças Ocultas verbergen sich vier Akkordeonisten aus Agueda in der Nähe von Porto, die zu den innovativsten und spannendsten Vertretern zeitgenössischer Klänge aus Portugal gehören. Seit einigen Jahren erobern sie die internationalen Bühnen mit einem beim ersten Hinhören unspektakulären Konzept: ruhig, lyrisch, mehr oder minder traditionell, mit nur vier diatonischen Akkordeons.

Der Name des Quartetts hat nichts mit esoterischen Welten zu tun sondern weist darauf hin, dass die vier Musik für Tänze spielen, die erst noch erfunden werden müssen. Der berühmte Fado spielt eine untergeordnete Rolle, eher nehmen sie die traditionelle dörfliche Musik, Tango Nuevo und die Kammermusik z.B. des russischen Terem Quartetts als Basis für ihre Erkundungen. Sie halten weder akkordeonistische Schnelligkeitswettbewerbe ab noch spielen sie reine Volksmusik. Am ehesten lässt sich ihre zeitlose Kunstmusik wohl als impressionistischer Folk bezeichnen: minimalistische, tiefgründige Klanggemälde voll unerwarteter Wendungen und erhabener Melancholie. Sehr spezielle Musik, in die man gar nicht anders kann als hineinzukippen.

Die Band wurde gefördert von Gabriel Gomes, dem Akkordeonisten der portugiesischen Kultformation  Madredeus. Er hat sie motiviert, ihre eigene Klangwelt auszuschöpfen. Die Zusammenarbeit mit dem Choreographen Paulo Ribeiro, Auftritte bei zahlreichen internationalen Festivals sowie ein umjubelter Showcase bei der Womex 2010 in Kopenhagen haben Danças Ocultas mittlerweile weit über Portugal hinaus bekannt gemacht.

PRESSE

Nicht nur wegen des brillanten Zusammenspiels der vier Akkordeonisten, sondern auch wegen der phänomenalen Arrangements von Jacques Morelenbaum ist das Album ein absolutes Muss für jeden Folkliebhaber!“
Rootstime, Dentro Desse Mar, BE 

„Magisch und tiefgründig, lyrisch und beseelt. (…) Musik vom Rande Europas, bei der einem das Herz aufgeht! (…) eine betörende Welt inspirierter Interaktion, emotionaler Momente und ausgelassener Tänze.“
Bayerischer Rundfunk, Susanne Schmerda über Dentro Desse Mar, DE

„Das Quartett Danças Ocultas hat es längst geschafft, aus dem Kreis der Liebhaber des Akkordeons zu schlüpfen und die grosse Bühne zu bespielen. Dafür ist ‘Amplitude’ das beste Beispiel.”
JazzThing, DE, Amplitude

„Amplitude“ ist ein gewaltiges Album, bei dem einem das Herz aufgeht.“
Sound&Image, DE, Amplitude

„Das Quartett aus der Nähe von Porto zelebriert portugiesische Melancholie. … Sie lassen mit ihren feinen und leisen, präzisen bis schwelgerischen Arrangements Bilder entstehen, die die Zuhörer mit auf eine Reise zu Landschaften im Morgennebel und leichtfüssig tanzenden Gestalten nehmen … auf eine Reise jedenfalls in die eigene, inspirierte Gedankenwelt. Danças Ocultas richten sich mit ihren Kompositionen an ein Publikum, das auserlesene Kammermusik liebt.“
Akkordeonmagazin, DE

Der etwas andere Bläsersound
Der Zufall schreibt die schönsten Geschichten: Albert Wieder sprang 2015 als Karenzvertretung bei Mnozil Brass ein. Gemeinsam mit Thomas Gansch und Leonhard Paul begann man irgendwann damit, am Ende jeder Mnozil-Brass-Show eine Zugabe zu spielen. Auf jeder Tour eine Neue. Ins Blaue hinein, sehr spontan und nicht bis kaum geprobt, stellte man sich auf die Bühne und tat das, worum es beim Musizieren geht – kommunizieren. So entwickelte sich im Laufe der Zeit ein ganzes Konzertprogramm; mit Songs aus allen Ecken und Enden ihrer drei Universen: George Michael, The Beatles, Chuck Mangione, Johann Strauß, Toots Thielemans, Elvis Costello, Georg Danzer, Junior Mance und und und. Bass, Melodie und Harmonie. Mehr braucht man nicht.

Thomas Gansch: Trompete, Flügelhorn; 
Leonhard Paul: Posaune, Basstrompete; 
Albert Wieder: Tuba

Die Supergroup aus Skandinavien

Rymden kennen keine Genres. Pop, Rock, Club-Sounds und sogar Klassik fließen in  den Sound dieses zumeist akustischen Trios ein, Synthesizer und Electronics werden nur subtil eingesetzt.
Was Jamie Cullum einst über e.s.t. sagte, gilt künftig auch für Rymden: „Ich kann auch Freunde, die mit Jazz nichts am Hut haben, zu ihren Konzerten mitnehmen. Nicht etwa deshalb, weil sie einfach konsumierbar oder wenig experimentell wären. Sondern weil ihr improvisatorischer Ansatz voller aufregender und zeitgemäßer Ideen ist.“

Drei Veteranen des nordischen Jazz, elf akustisch-elektronische Kompositionen, eine brandneue Band: Bugge Wesseltoft, Magnus Öström und Dan Berglund sind Rymden!
Sie setzten neue Maßstäbe im europäischen Jazz: das schwedische Trio e.s.t. (esbjörn svensson trio), formiert 1993, und die kurz darauf im norwegischen Oslo von Pianist Bugge Wesseltoft gegründete New Conception Of Jazz. Beide Bands verbanden die Sounds und Rhythmen der Club- und Pop-Kultur mit Jazzimprovisationen. Ein junges Publikum in Berlin, Paris und London entdeckte ein ganz neues Genre für sich, und Alteingesessene merkten bald: authentischer Jazz muss nicht zwangsläufig aus den USA kommen.
e.s.t. füllten größte Konzerthallen und waren bis zum tragischen Unfalltod von Pianist Esbjörn Svensson das wohl mächtigste europäische Jazztrio. Wesseltoft prägt mit eigenem Label Jazzland Recordings und stetig wechselnden musikalischen Partnern bis heute eine innovative Sprache des Jazz: zwischen Elektronik, Kammermusik, Folklore und World Beats.

Zehn Jahre nach dem Tod von Svensson haben sich die verbleibenden e.s.t.-Mitglieder Magnus Öström (Drums) und Dan Berglund (Bass) nun mit Wesseltoft zu einer skandinavischen Supergroup zusammengeschlossen: Rymden. Die Musik dieses Trios, dessen Name zu Deutsch „Raum“ bedeutet, basiert auf drei Komponenten: treibenden Rhythmen, melancholisch-atmosphärischem Songwriting und virtuos gespieltem Jazz.
„Ich wollte schon seit langem ein Piano-Trio gründen, fand aber nie die richtigen Leute dafür“, sagt Wesseltoft. „Dann spielte ich auf dem Album ‚Trialogue‘ zusammen mit Henrik Schwarz und Dan Berglund. Dank Dan musste ich an seine Arbeit mit Magnus und e.s.t. denken – ich habe die Band schon immer für ihre Hingabe und ihre harte Arbeit bewundert.“
Rymden kennen keine Genres. Pop, Rock, Club-Sounds und sogar Klassik fließen in den Sound dieses zumeist akustischen Trios ein, Synthesizer und Electronics werden nur subtil eingesetzt. Was Jamie Cullum einst über e.s.t. sagte, gilt künftig auch für Rymden: „Ich kann auch Freunde, die mit Jazz nichts am Hut haben, zu ihren Konzerten mitnehmen. Nicht etwa deshalb, weil sie einfach konsumierbar oder wenig experimentell wären. Sondern weil ihr improvisatorischer Ansatz voller aufregender und zeitgemäßer Ideen ist."

Reflections & Odysseys

Nordische Klänge der neuen Superjazzgroup Rymden
Veröffentlicht am 21.02.2019 - DIE WELT
Das nächste jazzmusikalische Großereignis steht in der Elbphilharmonie an – die Geschichte dazu geht zurück in den November 2006 und beginnt in der klangschönen Laeiszhalle: Hier gelingt der legendäre Konzertmitschnitt des weltweit gefeierten Esbjörn Svensson Trios (e.s.t.), den die Londoner „Times“ später zum Jazzalbum des Jahrzehnts kürt. Nur zwei Jahre darauf stirbt der schwedische Pianist Esbjörn Svensson tragisch bei einem Tauchunfall; im Mai 2014 erinnerten seine Landsleute Dan Berglund (Bass) und Magnus Öström (Drums) mit einer „e.s.t. Symphony“ beim hiesigen Internationalen Musikfest an ihren Bandleader – erneut in der Laeiszhalle, im Zusammenspiel mit den Hamburger Symphonikern.

Nun wollen Berglund und Öström die Klanggefilde der Elbphilharmonie durchschreiten – zurück in Trioformation, als skandinavische Supergroup mit einem Neuen in der Mitte: Der Norweger Bugge Wesseltoft sitzt an Klavier, Fender Rhodes und Elektronik. Deren klangliche Verschmelzung ist sein Metier; seine befreite Jazzästhetik erschließt einen weiten Raum zwischen clubtauglichen Beats und weltmusikalischer Folklore und hat ihm, sowohl solo wie auch in unzähligen Kollaborationen, bereits Weltruhm beschert.
Unter dem Namen Rymden (Raum) haben die nordlichternden Veteranen ein erstes gemeinsames Album vorgelegt – auf dem Cover ein von Kinderhand gemalter Raketenstart. Und so virtuos verspielt, rotzig rockig und knarzig funky klingt es auch; man hat Spaß an schrägen Rhythmen und frickeligen Improvisationen. Richtig groß wird es aber, wenn Öströms Schlegel hypnotisch repetieren, Berglund den Bass mit dem Bogen streicht und Wesseltoft die Harmonien nur so herunterregnen lässt. Auf diese Momente darf man sich am Freitag, den 22. Februar, freuen, sie sollten sich im Großen Saal klangmächtig entfalten können – eine gelungene Verstärkung und Beschallung vorausgesetzt.

Rymden kennen keine Genres. Pop, Rock, Club-Sounds und sogar Klassik fließen in  den Sound dieses zumeist akustischen Trios ein, Synthesizer und Electronics werden nur subtil eingesetzt.
Was Jamie Cullum einst über e.s.t. sagte, gilt künftig auch für Rymden: „Ich kann auch Freunde, die mit Jazz nichts am Hut haben, zu ihren Konzerten mitnehmen. Nicht etwa deshalb, weil sie einfach konsumierbar oder wenig experimentell wären. Sondern weil ihr improvisatorischer Ansatz voller aufregender und zeitgemäßer Ideen ist.“

Jelena Popržan: viola, vocals
Ljubinka Jokić: guitar, vocals
Emily Smejkal: bass
Maria Petrova: drums, percussion

MADAME BAHEUX - WITH HORNS:

Dee Linde: cello
Christoph Pepe Auer: clarinet, alto saxophone
Markus Pechmann: trumpet
Phil Yaeger: trombone

«Frauen-Power» wäre eine Untertreibung in Anbetracht dieses neuen femininen Balkanquartetts. Jelena Popržan aus Serbien, Ljubinka Jokić aus Bosnien, Maria Petrova aus Bulgarien und Lina Neuner aus Wien: vier Stimmen, fünfzehn Saiten, zwei Bögen plus Percussion und Drums. Witzig, spritzig, schräg und groovy! Jung, feminin und frech! Mitreißende Folk-Songs aus Bulgarien, Serbien, Bosnien und Mazedonien in innovativen Arrangements, smarte Eigenkompositionen der Bandmitglieder und Lieder von Ewan MacColl, Bertolt Brecht, Georg Kreisler sowie ein Lied über ungastliche Wiener und ihre ausländischen Gäste in experimentellem Fiktiv-Wienerisch.
Obwohl die Musikerinnen ihre Wurzeln in Südosteuropa haben (außer «Gastarbajterka» aus Kloster Neuburg Lina Neuner) und ein Teil ihres Repertoires sich dazu bekennt, weist das Quartett sowohl in seinem Repertoire als auch in seinem künstlerischen Ausdruck weit darüber hinaus. Nach allen Richtungen offen zeigt es sich, Jazz, Rock, kritisches Lied … in, Serbokroatisch, Bulgarisch, Englisch und «Weanarisch» … Madame Baheux bringen etwas Neues auf die Bühne, das mitreißt, verführt, zum Lachen reizt, in Hirn, Herz und Beine geht …

MADAME BAHEUX & HORNS // EINE FEIERSTUNDE ODER ZWEI

Madame Baheux, Power-Quartett aus Wien mit balkanischer Herkunft und intergalaktischem Anspruch (von wegen World-Music ...) feiern die ersten zehn Jahre ihres Bestehens. 
In vielen stilistischen Farben funkelt die Welt von Madame Baheux (eine »Französisierung« übrigens des Wiener Slangworts »Bahö« = Tohuwabohu), mehr als nur eine Synthese von Popržans vielen darstellerischen und musikalischen Talenten, Jokićs erdiger 70ies-Gitarre und Soulstimme, Neuners Jazzsensibilität und Maria Petrovas rhythmischer Finesse formt diese Welt. Madame Baheux haben ein dynamisches Konzept entwickelt, das sowohl bei fast allen Genres andocken als auch von allen ausgeschlossen werden kann. Was ist das also? Art-Rock? Jazz? Dark Cabaret? Fempop? World? Balkan? Agitprop? Kunstmusik zwischen Punk und Klassik? ...
Die musikjournalistischen Schubladen knirschten und barsten jedenfalls bei jedem Madame-Baheux-Konzert. Madame Baheux sind sich in der beglückenden Verwirrung von genreformatierten Erwartungen treu geblieben. Und dem Porgy & Bess, wo sie immer wieder fulminante Auftritte hinlegten.
​Lina Neuner ging in Mutterpause, Emily Smejkal steigt für sie mit großem Enthusiasmus ein, Dee Linde (Netnakisum), die einige Zeit das Frauenquartett zu einem Frauenquintett machte, kehrt zurück. Und mit Christoph Pepe Auer, Markus Pechmann und Phil Yaeger haben sich die Mesdames drei der hierzulande arriviertesten Jazzinstrumentalisten zu spannenden Arrangements auf die Bühne geholt.  Greatest Hits in altem und neuem Gewand, einiges Neues, und unverminderte Spielfreude, damit ziehen sie ihre Bilanz und zünden zugleich die Lunte für ein weiteres Jahrzehnt musikalischer Überraschungen.

»... Zappa-Level ...« Sydswenskan

„In the quartet’s music there might be more influences from around the world than into a regualar musical atlas fit“
Harald Justin (FOLKER)

„Madame Baheux is one of the most notable groups of the last time. Powerful music, rhythmic energy, twisted and tightly played in an ongoing perpetual motion of vitality.“
Mattie Poels (Music Frames/NL)

„Exzentrisch gab sich auch die Wiener Frauenkombo Madame Baheux. Die famose Sängerin Jelena Poprzan lockt in balkanische Schluchten ebenso wie auf die weinbewachsenen Wiener Hausberge. Georg Kreislers „Meine Freiheit, deine Freiheit“, als altösterreichischer Rap angekündigt, begeisterte wie das hypnotische, gitarrengetriebene „Ljubi’s Song“. Highlight aber war „Das Schawapeanzara-Lied“, das die Konflikte zwischen Hiesigen und „Zuagrasten“ pointenreich abhandelte. Wie Poprzan da das imaginäre Experimentalwienerisch des Komponisten Richard Schuberth zungentechnisch bewältigte, das hatte wahrhaft Artistisches.“
Samir H. Köck  (Die Presse)

 “Vermutlich DAS Weltmusikalbum des Jahres aus Österreich! Das Erstaunliche und zugleich Schöne an der ganzen Sache ist, dass trotz all der musikalischen Vielfalt und der großen Zahl an Einflüssen, alles seine Richtung hat und sich nicht im Überambitionierten verliert. Das, was das serbisch-bosnisch-bulgarisch-österreichische Quartett mit unbeschreiblichen Spielwitz auf den Weg bringt, hat alles Hand und Fuß: die hochenergetisch, verrückt-virtuos gespielten Passagen, die fast schon Gänsehaut erzeugenden gefühlvollen elegischen Momente, die wunderbaren, sich unaufhörlich bis zum Höhepunkt steigernden Instrumentalteile. Das Debütalbum von Madame Baheux ist, auf den Punkt gebracht, die musikalische Lebendigkeit pur. Mitreißend, berührend, originell, eigenständig, unterhaltend und fordernd. Ein wirklich starker erster Auftritt, dem hoffentlich noch einige folgen werden.”
Michael Ternai – Dort wo es keine stilistischen Grenzen mehr gibt – MADAME BAHEUX

Jelena Popržan (Viola, Gesang)
Allroundkünstlerin aus der Vojvodina mit außergewöhnlichem Stimmvermögen, Charisma, komödiantischem Talent und Experimentierfreude. Hat an der Musikuni Graz studiert, zunächst durch Projekte mit Alegre Corrêa und Mathias Rüegg auf sich aufmerksam gemacht, dann mit ihrem Duo Catch-Pop String-Strong (mit Rina Kacinari) und dem persisch-serbischen Trio Sormeh neuen Wind in die World-Music-Szene gebracht. Bringt zudem klassische Erfahrung, die Möglichkeiten elektronischer Loops, kritisches Engagement sowie viel Schmäh in die Band.

 Ljubinka Jokić (Gesang, Gitarre, E-Gitarre)
Der spielerfahrenen Bosnierin verdankt sich der hemmungslose Rock ’n’ Roll-Spirit der Band. Und einige ihrer ausgefuchstesten Kompositionen. Legendär waren ihre Sessions mit Otto Lechner und Konsorten in ihrem Pomali-Grill am Gaußplatz, ebenso wie die energiegeladenen Performances mit ihrer YOK!-Band. Unübliche Melodiösität des Gitarrenspiels, die nichts an Groove verschenkt, und ein expressiver Soul in der Stimme, in dem der Jugorock der 80er-Jahre, bosnische Sevdalinka und russischer wie balkanischer Roma-Melos nachhallen.

Lina Neuner (Kontrabass)
Nach allen Richtungen hin neugierige Meisterbassistin und solider Backbone des Quartetts. Nach ihrem Studium an der Universität für Musik und darstellende Kunst gefragte Instrumentalistin der Wiener Szene (Tini Trampler und die Dreckige Combo, Pom Pom Pommegranate, Christina Zurbrügg u. a.), mit großer Empathie für balkanische und orientalische Melodik (wie bei der österreichisch-türkisch-kurdischen Band Roja). Steuert dem Quartett eine seiner jazzigsten und komplexesten Kompositionen bei.

Maria Petrova (Drums, Percussion)
Seit über einem Jahrzehnt rhythmischer Puls und jugendliche Auffrischungsimpfung der Wiener Tschuschenkapelle und darüber hinaus äußerst gefragte Drummerin und Percussionistin der Wiener Szenen (Rondo Vienna, Katrin Weber, Steve Nick, Celia Mara, Wladigeroff Brothers, Susana la Gitana Rubia, Hans Salomon, Marianne Mendt, Loukia Agapiou u. a.), deren Fertigkeit, wie ihr Kollegen attestieren, auch in jedem Blindtest Bewunderung fände. Wie Lina Neuner Absolventin der Universität für Musik und darstellende Kunst. Entfaltet beim Quartett ihr gesamtes rhythmisches Œuvre an Drums, Darbuka, Cajón und der riesigen balkanischen Rahmentrommel Tupan.

Das neapolitanische Lied ist kein Museumsrelikt, keine Mumie ohne Sauerstoff. Seine Partituren sind keine zu heiligenden Pergamentrollen, sondern ein Testament das gefeiert werden will.Ihr Name bedeutet in etwa „Der Traum vom Gestern“ und bezieht sich auf das gleichnamige Lied   Pino Daniele. Suonno d’Ajere haben sich ganz der Erforschung und zeitgemässen Neubearbeitung des neapolitanischen Liedguts von 1600 bis heute verschrieben. Die Besetzung erinnert an die besonders im 19. Jahrhundert beliebte neapolitanische Tradition der „Posteggia“, Strassenmusikanten deren Darbietungen dem Volk genauso gefielen wie den Herrschenden. Der musikalische Zugang des Trios aber ist deutlich geschliffener.  Suonno d’Ajere wollen die alten Lieder von Kommerz und Kitsch befreien und ihnen ihre Würde und Kraft zurückgeben, und das durchaus mit Erfolg: In Italien hat ihnen die stilistisch rigorose und raffinierte und für Neapel immer schon typische Verbindung von  Volks- und Kunstmusik bereits einen Auftritt bei der Biennale von Venedig für die Filmmusik zum Dokumentarfilm „La Chimera“ und auch  den ersten Preis beim Festival „SanRemoCantaNapoli“ eingebracht.