Momi Maiga ist ein junger senegalesischer Musiker, Komponist und Sänger, dessen Leidenschaft und Talent keine Grenzen kennen. Mit der Kora in den Händen und einem Herzen voller Geschichten erschafft Momi Melodien, die das reiche Erbe seiner westafrikanischen Wurzeln mit den gefühlvollen Rhythmen von Jazz, Flamenco und klassischer Musik verbinden. Mit seinen 27 Jahren hat er bereits Zuhörer*innen weltweit verzaubert und wurde als "Emerging Talent 2024" bei den Alícia Awards ausgezeichnet. Sein Debütalbum „Nio“ und sein jüngstes Werk „Kairo“, das er im Oktober 2024 veröffentlicht hat, sind beeindruckende Beispiele dafür, wie er Tradition und Innovation zu einer musikalischen Reise vereint, die die Seele berührt. Momi’s Musik ist mehr als nur Klang – sie ist ein tief empfundener Dialog zwischen Kulturen, ein Aufruf zu Frieden und eine Feier des Lebens.

Begleitet wird Momi Maiga von Aleix Tobias, Carlos Montfort und Marçal Ayats. Das außergewöhnliche Quartett – bestehend aus Kora, Violine, Cello, Perkussion und Gesang – nimmt das Publikum mit auf eine grenzenlose musikalische Reise. In ihrer Performance verschmelzen Jazz, Flamenco und klassische Streicharrangements mit den reichen Erzähltraditionen Senegals und erschaffen eine fesselnde Mischung aus mediterranen Melodien und globalen Rhythmen.

Mit „Kairo“ festigt Momi Maiga seine professionelle Laufbahn, die mit seinem ersten Album „Nio“ begann. Seit dessen Veröffentlichung hat er über 90 Konzerte in Spanien, Frankreich, den Niederlanden, Belgien, Deutschland, der Schweiz und bald auch in Innsbruck gegeben. Das Album wird auf der Mittelmeer-Messe in Manresa präsentiert, gefolgt von einer internationalen Tournee, die ihren Auftakt beim Oslo World Festival, Molde Mundo und Tromsø World Festival in Norwegen haben wird. Ja, Innsbruck steht auch auf dem Tourplan!

Wenn diese in ihrer Heimat äußerst populäre Combo eines perfekt beherrscht, ist es die Kunst der mitreißenden Unschärfe. Sie verquicken die Stile Osteuropas mit Pop-Elementen. Von klassischen Hochzeitsmusikern wandelten sich die Bandmitglieder zu Cross-over-Experten, die unterschiedlichste Einflüsse aufregend, polternd und bezirzend verzwirbeln
Kolektif Istanbul verbinden traditionelle anatolische Melodien mit Funk, World & Jazz zu einem treibenden Sound - und sind so Anatoliens angesagteste Tanzkapelle, Keine Hochzeit ohne Kolektif Istanbul ... 
Progressiv & Hochzeitsmusik sind Begriffe, die normalerweise nicht nebeneinander stehen. Auf das Kolektif treffen aber beide zu: Progressiv, weil die Stilgrenzen diffus sind und auch Jazz-, und Funk  Platz zwischen den anatolischen Melodien und balkanischen Rhythmen finden. Der Sound wird so zu einem Schmelztiegel für verschiedene Genres, inspiriert von ihrer Heimatstadt Istanbul, wo sich ebenfalls die verschiedensten Kulturen ineinanderfügen. "Die Stühle im Saal waren überflüssig, es hielt ohnehin niemanden auf den Sitzen.“(Die Welt)

BESETZUNG

Aslı Doğan – Gesang
Richard Laniepce – Saxophon, Dudelsack, Kaval
Talat Karaoğlu – Klarinette
Tamer Karaoğlu – Akkordeon
Ertan Şahin – Tuba
Ediz Hafızoğlu – Schlagzeug, Perkussion

„Wenn Worte aufhören, beginnt die Musik“.

Das Zitat des bekennenden Musikliebhabers Heinrich Heine verdeutlicht, dass Musik schier magische Wirkung entfalten kann. Den Beweis dafür tritt das Kolektif Istanbul mit seinem neuen Album Pastırma yazı („Indian Summer“) an. Wenn der Multi-Instrumentalist Richard Laniepce, dessen Ehefrau Aslı Doğan (Gesang und Trompete)  und vier weitere Spitzenmusiker aus der Metropole am Bosporus zu ihren Instrumenten greifen (darunter Klarinette, Akkordeon, Tuba und E-Piano), entfachen sie einen Sog, aus dem es für die Zuhörenden kein Entkommen gibt. Die Rezeptur für den einzigartigen Sound der Band setzt sich aus traditionellen Melodien Anatoliens und des Balkans zusammen (Grundzutat), einem großzügigen Schuss Funk, abgeschmeckt mit einer Prise Jazz und Folk-Rhythmen aus der Bretagne. 

KOLEKTIF ISTANBUL beschreibt ihre Musik so: Progressive Hochzeitsmusik, Balkan, Türkisch, Jazz, Funk – aufbauend auf traditioneller anatolischer und thrakischer Musik. KISMET ist das 5. Album der Band. Begonnen hat alles mit Richard Laniepce und seiner Reise in die Türkei 2005. Geplant hatte er, der Virtuose an Holzblasinstrumenten, einen 3monatigen Aufenthalt, geblieben ist er bis heute, gründete Kolektif Istanbul und bereits 2006 erschien das Debutalbum „Balkanatolia“. Damals bestand die Band aus 20 Hochzeitsmusikern und Impro-Künstlern, heute sind es in der Regel 6 Musiker, die Stammbesetzung der Band – Gäste sind trotzdem immer und jederzeit willkommen. Alle Kooperationen hier aufzuzählen wär tatsächlich eine längere Aktion, deshalb: www……
Kolektif Istanbul leben in Istanbul und sind immer wieder aktiv wenn es um das Einfordern politischer Veränderungen geht, unter anderem damals im Gezipark, als Band aber auch als Unterstützer. Typisch für Kolektif Istanbul sind ihre sehr speziellen und manchmal äußerst überraschenden Arrangements, im Song „M Köcek“ z.B. wird ein Stück von Edvard Grieg zur Balkanversion mit orientalischen Trommeln, Streichern und der Farfisa-Orgel, die Tamer, der Keyboarder vor dem Sperrmüll gerettet hat. Auch auf „Kismet“ featured die Band fast vergessene Instrumente ohne dabei in den Weltmusik-Kitsch abzudriften. Diesmal das Tarogato, dem Sopransax sehr ähnlich, ein altes ungarisch-rumänisches Instrument, die Flöte Kaval, die türkische Oboe Zurna, das Banjo-ähnliche Cümbüs, die Istanbuler Lavta usw. Übrigens, was auf der Platte immer mal wieder wie ein cool-funkiger Bass klingt, ist ein Sousaphone.

Nur einen Steinwurf von der Kirche entfernt, in der Desmond Tutu die Flucht der meistgesuchten Anti-Apartheid-Aktivisten von Soweto organisierte, proben BCUC in einem zu einem Gemeinschaftsrestaurant umgebauten ehemaligen Schiffscontainer, wo ihre unbezähmbare Offenheit auf eine ganz neue Art und Weise widerhallt. "Bantu Continua Uhuru Consciousness" (BCUC) sehen ihre Musik als eine hedonistische Trance, aber auch als eine Waffe der politischen und spirituellen Befreiung.

Bantu Continua Uhuru Consciousness (BCUC), die Gewinner des Womex Artist Award 2023 und siebenköpfige Sensation aus Soweto, verschmelzen indigene Rhythmen mit Punkrock-Energie und spiritueller Inbrunst. Sie nehmen Sie mit auf eine faszinierende Reise durch das moderne Afrika, erzählen kraftvolle Geschichten und legen elektrisierende Auftritte hin, welche das Publikum weltweit in ihren Bann gezogen haben.

Das von ihnen dargestellte Afrika ist nicht arm, sondern reich - reich an Traditionen, Ritualen und Glaubensvorstellungen. Die siebenköpfige Band hat das Publikum sowohl auf lokaler als auch auf globaler Ebene mit ihrem einheimischen Funk und ihren energiegeladenen Auftritten in ihren Bann gezogen, die sie schnell zu einem der erfolgreichsten Musikexporte Südafrikas gemacht haben. Als künstlerische Erben von Philip "Malombo", Tabane & Batsumi geben sie den angestammten Traditionen der indigenen Völker eine zeitgenössische Stimme und setzen sich mit der harten Realität der Stimmlosen auseinander. 

Die siebenköpfige Band hat das Publikum sowohl auf lokaler als auch auf globaler Ebene mit ihrem einheimischen Funk und ihren energiegeladenen Auftritten in ihren Bann gezogen, die sie schnell zu einem der erfolgreichsten Musikexporte Südafrikas gemacht haben. Als künstlerische Erben von Philip "Malombo", Tabane und Batsumi geben sie den angestammten Traditionen der indigenen Völker eine zeitgenössische Stimme. Jazzklänge aus den Produktionen der 1970er und 80er Jahre, die durch Hip-Hop-Einflüsse und Punk-Rock-Energie ersetzt wurden, nehmen den Zuhörer mit auf eine faszinierende Reise. BCUC teilen in ihren Songs ihre kontroversen und doch interessanten Ansichten über das moderne Afrika und setzen sich mit der harten Realität der Stimmlosen auseinander. Das von ihnen dargestellte Afrika ist nicht arm, sondern reich an Traditionen, Ritualen und Glaubensvorstellungen.
"Wir bringen Spaß und emo-indigenes afro-psychedelisches Feuer", sagt Sänger Kgomotso Mokone.

Bevor Sophie Lindinger mit ihrer Band My Ugly Clementine den Underground Wiens aufmischte, machte die Bassistin und Sängerin bereits als eine Hälfte des Elektropop-Duos Leyya von sich reden. Awards und Fame regnete es damals schon – seit 2019 wiederholt sie diesen Trick in Zusammenarbeit mit Mira Lu Kovacs (5K HD, Schmieds Puls) und Nastasja Ronck (Sharktank) abermals, nur noch besser.  
Für das aus den Wiener Musikkreisen prominent besetzte Projekt standen die Zeichen von Anfang an auf Durchbruch. Denn noch bevor irgendjemand auch nur einen Ton der Band gehört hatte, war das erste Konzert im Wiener Rhiz schon ausverkauft – 
viele weitere sollten folgen.  So auch zum Beispiel die beiden Sold-Out-Shows in der Wiener Arena im November diesen Jahres. 
Während die Musik von My Ugly Clementine im Spektrum von Indie, Pop und Garage-Rock-Revival spielt, sind die Texte geprägt von feministischen Diskursen, von Empowerment und Gleichberechtigung. Auf dem Debütalbum „Vitamin C“ (2020) war die stilistische und thematische Ausrichtung bereits derart gelungen, dass es vom Dachverband europäischer Indie-Labels Impala zum „Album Of The Year“ gekürt wurde. Einen Amadeus Austrian Music Award und den Titel „Band des Jahres“ 2020 vom Radiosender FM4 hatte die Band zuvor schon verbuchen können.  

Viele umjubelte Liveshows später veröffentlichen die Clementines mit „The Good Life" am 11.08.2023 ihr zweites Album – ein mitreißendes Stück 90s und 2000er Rock. Sie verbinden auch darauf wieder grungige Gitarren mit hymnischen Refrains, slackige Vibes mit knackigen Songs und Spuren von Pop Punk mit mehrstimmigen Britpop-Arrangements. Der Titel des Albums ist vieldeutig: Die Band als Gemeinschaft, als Vehikel zum guten Leben, um Träume und Vorstellungen gemeinsam umsetzen zu können. Aber eben auch: Beginnende neue Lebensphasen, Dinge, die sich zum Positiven gewendet haben, weiterkommen, angekommen sein im Künstler:innenleben. My Ugly Clementine machen dort weiter, wo sie mit ihrem ersten Album „Vitamin C” aufgehört haben und schaffen es, die hohen Erwartungen zu erfüllen.  

Der charismatische MC, Poet und Bandleader Vox Sambou aus Haiti verkörpert den Geist von Fela Kuti und Bob Marley. Mit seiner energiegeladenen Musik, die Afrobeat, Funk, Reggae, Hip-Hop und Rhythmen aus der gesamten afrikanischen Diaspora kombiniert, begeisterte er bisher Nord- und Südamerika. Bei seinem Europa-Debüt begleitet ihn die exzellente afro-futuristische Sängerin Malika Tirolien (bekannt aus dem Umfeld von Snarky Puppy) sowie seine 5-köpfigen Band. 

Vox Sambou ist ein mehrsprachiger Künstler, fließend in Haitianisch, Französisch, Englisch, Spanisch und Portugiesisch. Als Mitbegründer des in Montréal ansässigen Hip-Hop-Kollektivs Nomadic Massive setzt er einen Fokus auf soziale Themen gegen Ungerechtigkeiten und soziale Ungleichgewichte und verbreitet gleichzeit mit seiner Musik Hoffnung, Freude und Optimismus. 

Sein kürzlich veröffentlichtes viertes Soloalbum, "We Must Unite" (2023), ist eine Hommage an die Frauen und Männer Haitis, die ihre Widerstandsfähigkeit in verschiedenen Gesellschaften wie Haiti, Brasilien, Chile, Nordamerika und Afrika beleuchtet. Es ist eine Fusion aus traditionellen haitianischen Rhythmen und Rhythmen des Candomblé aus Brasilien, verwurzelt in Vox eigenem Sound, der auf Hip-Hop, Reggae und Afrobeat basiert.

Line Up
Vox Sambou - Lead Vocals
Malika Tirolien - Backing Vocals
Rémi Cormier - Trompete
Frank O’Sullivan - Gitarre
David Ryshpan - Keyboard
Ronald Nazaire - Kongas
Jean-Daniel Thibeault-Desbiens - Schlagzeug

Alune Wade, das "Supertalent" am Bass (DLF Kultur), hat bereits mit Größen wie Joe Zawinul und Marcus Miller die Bühne geteilt. Die Musik des Senegalesischen Ausnahmetalents ist pulsierend mit groovigen Basslinien, soundtrackhaften Klanglandschaften, faszinierender Gesangsstimme und einer unwiderstehlichen Mischung aus funky Beats. Inspiriert von den lebendigen Vibes von Dakar, Paris und New York verkörpert seine Musik wahrhaft den Charakter eines kosmopolitischen Sounds. Mit seinem vielseitigen Bassspiel, zusammen mit seinem internationalen Ensemble bestehend aus zwei Keyboards, einer unvergleichlichen funky Brass-Section und exzellenten Afrobeat an den Drums, elektrisiert er das Publikum. Es entsteht ein urbaner Flair aus Afrobeat und African-Jazz, der in seiner Intensität kaum zu übertreffen ist.

Alune Wades bemerkenswerte Reise begann, als er von Ismaël Lô, einem der angesehensten Musiker Afrikas, entdeckt wurde. Diese führte ihn zu Kollaborationen mit Oumou Sangare, Bobby McFerrin, Toure Kunda, Saint Germain und vielen anderen. Alune Wade belebt mit seinen höchst kreativen kosmopolitischen Kompositionen die afrikanische Jazz-Szene neu und ist auf dem direkten Weg, ein strahlender Stern am African Jazz Universum zu werden. 

Sein kommendes Album „New African Orleans“ (Frühjahr 2025, enja/yellowbird) interpretiert die Reise der Brass-Band-Musik von Westafrika nach New Orleans neu und vereint westafrikanische Rhythmen mit Lagos Afrobeat und New Orleans Brass-Traditionen..
​Alunes neue Single e  "Triptyque'' präsentiert einen erfrischenden Sound, der die Essenz des afrikanischen Jazz beleuchtet und westafrikanische Rhythmen nahtlos mit modernen Klangtexturen verbindet. Der Track ist durchdrungen von Alunes charakteristischem Groove, der in seiner Beherrschung des Basses wurzelt, und zeigt seinen eklektischen Kompositionsansatz. 

Line Up

Alune Wade – Bass, Vocals (Senegal),
Camille Passeri – Trumpet (France),
Harry Ahonlonsou – Saxophone (Benin)
Cédric Duchemann – Keyboard (Réunion)
Alix Goffic – Drums (French Guiana)
Ange Bob – Trombone (Guadeloupe)

Sonido Gallo Negro, eine der bekanntesten Bands aus Mexico City, widmet sich den Wurzeln der psychedelischen Tropenmusik. Mit klirrenden Surf-Gitarren, exzentrischen Farfisa-Orgeln, analogen Synthesizern, Güiro und Theremin kreieren sie einen unwiderstehlichen psychedelischen Cumbia-Mix, den sie mit Unterstützung des Künstlers Dr. Alderete und seinen hypnotischen Visuals in ein fesselndes audiovisuelles Erlebnis verwandeln. Seit 2010 haben sie mehrere Tourneen durch Europa und Amerika absolviert, dabei 20 Länder und mehr als 50 Städte besucht und sich den Ruf erworben, ihr Publikum bis zur Erschöpfung zum Tanzen zu bringen. Bei ihrer Mission setzt die Band auf eine große stilistische Vielfalt und verbindet den musikalischen Reichtum Lateinamerikas, insbesondere Mexikos und Kolumbiens, mit den Klangwelten Afrikas, Spaniens und des Mittleren Ostens.

Der Sound von Sonido Gallo Negro: keuchende Farfisa-Orgeln, klirrende Surf-Gitarren, ein Theremin, der unverzichtbare Güiro und jede Menge Perkussion. Es ist der Soundtrack zu einem psychedelischen Spaghetti-Western mit dem Sensenmann in der Hauptrolle, auf mexikanische Art und Weise, dargeboten von Sonido Gallo Negro. Die neunköpfige Instrumental-Combo aus dem Osten von Mexiko-Stadt hat ihren psychedelischen Cumbia-Mix in ein fesselndes audiovisuelles Erlebnis verwandelt mit der Unterstützung des Künstlers Dr. Alderete, der nicht nur das Theremin bedient, sondern auch die passenden Visuals liefert. 

SATANICO CUMBION

Der einzigartige Stil der Band ist Teil der Neuinterpretation der kulturellen Cumbia-Bewegung, die durch den Panamerican-Highway vereint ist, vom nördlichen Monterrey, Mexiko nach Kolumbien, durch Bns Aires, Argentinien und hinunter nach Chile, beeinflusst von Cumbia Rebajada, Reggaeton , Stoner Rock, Dub, elektronische und experimentelle Musik.
Das Ergebnis ist ein Live-Show-Act, der von Rauch und Rottönen durchdrungen ist und die Bühne in eine rituell-dämonische Erfahrung verwandelt.

Seit fast fünfzehn Jahren gelten die Konzerte dieser 9-köpfigen Maschine aus Mexiko-Stadt als besonderes audiovisuelles Erlebnis, als eine der größten Partys und gleichzeitig als musikalische Offenbarung. Exotische Tropicalia mit dröhnenden Orgeln, Surf-Rock-Gitarren, Flöte, drei Perkussionisten und dem obligatorischen Güiro ist eine Klangcollage, die vielleicht seltsam klingt, aber tatsächlich viel mit der Geschichte der Popmusik südlich von Mexiko zu tun hat. Auf psychedelische Weise hinterfragt die Band die „Vintage“-Genres Lateinamerikas, von denen Sie wahrscheinlich noch nicht oft gehört haben: Amazonian Cumbia, Peruvian Chicha, Huayno, Cumbia Sonidera, Boogaloo, Mambo und Cha Cha Chá. Dazu kommen wilde Surf-Rock-Gitarren, Garagen-Ästhetik aus Horrorfilmen, rituelle heidnische Masken und ein von Dr. Alderete – und Sie werden sich in einer so bunten Musikwelt wiederfinden, von der Sie noch nie geträumt haben.

Was zunächst wie Spaghetti-Western-Musik oder Karnevals-Retro-Kitsch klingt, entwickelt sich im Verlauf des Konzerts bald zu einem völlig hektischen Rennen, bei dem man sich fühlt, als würde man von einer Mafia-Bande vom Mars durch die glühend heiße Prärie gejagt Du rennst um dein Leben und während du Mezcal schlürfst, zeigen sie hypnotische Bilder von der anderen Seite, und du trägst etwas noch Verboteneres in deinem Rucksack. Sie werden Anklänge an Carlos Santana in Woodstock hören, das Krähen eines schwarzen Hahns auf einem Theremin, und Sie werden mit Sicherheit tanzen, bis das Delirium vorbei ist! Lassen Sie den kosmischen Mambo Ihr gewählter Abschluss des Fastenfestes 2024 sein – vamos a bailar!

Terry  Radican - Vocals, electric-guitar, Banjo
Rachelle Garniez - Accordion, Guitar, Banjo (Hazmat Modine!)
Amanda Homi - Vocals, Harmonium, drums, percussion

Drei New Yorker Frauen, im “Best Ager Alter” fanden sich zusammen, um eine der interessantesten New Yorker Formationen zu bilden. 
Frauenbands sind im Rock & Popgeschäft immer noch unterrepräsentiert und dann noch in einem Alter von um die 60 Jahre. Früher saß man dann hinter dem Ofen und strickte Wollstrümpfe, heute rocken sie die Bühnen der Welt. In der Modebranche sind “Best Ager” Agenturen voll im Trend, eigene Zeitungen entstehen. Carolin Kebekus setzt sich ja mittlerweile auch für Frauen im Musikbusiness, veranstaltet sogar ihr eigenes Festival in Köln. Ein Thema mit großer Zukunft.

Bei der VKB Band können sie sehen, was drei Multi-instrumentalistinnen mir ihrer großen Liebe zu Tom Waits veranstalten. Der Bandname entstand nach dem Titel des Woody Allen Films, wo es um die Beziehung von drei Frauen und einen Mann ging. Hier bei diesem spannenden Musikprojekt ist es genauso. Drei Frauen und die Musik von Tom Waits, ein reizvolles Thema, was sie bereits auf zwei kleineren Europatourneen vorstellen konnten. Vor allem möchten VKB den Einfluß der Co-Autorin Kathleen Brennan, Tom Waits Frau, in ihren Interpretationen aufzeigen. Alles passt hier zusaemmen schrieb ein Kritiker nach der letzten Tournee.

Son Rompe Pera stehen mit ihren klanglichen Erkundungen der klassischen Marimba an der Spitze der zeitgenössischen internationalen Cumbiaszene. Schon als Kinder traten die Gama Brüder mit ihrem Vater bei lokalen Veranstaltungen auf. Ihre einzigartige Klangmischung ist das Ergebnis typischer jugendlicher Rebellion, als sie als Teenager ihre Marimba-Erziehung hinter sich liessen und in verschiedenen Punk- und Psychobilly-Bands zu spielen begannen. Nun kombiniert die Band die Marimba mit Einflüssen aus ihrer Rockmusik und verleiht ihr eine beispiellose Neuheit, begeistern mit ihrem Cumbia-Punk und gleichzeitig höchster Virtuosität auf der Marimba.
Jetzt hat sich der Kreis geschlossen und sie stehen mit ihrer musikalischen Fusion von Rockmusik und dem klassischem Instrument an der Spitze der zeitgenössischen internationalen Cumbia-Szene.

Während Live-Shows enttäuscht die Garage-Cumbia-Marimba-Punk-Band nie und bringt Tanzliebhaber zum Schwitzen. Ihre Authentizität zeigt sich in ihren modernen Interpretationen mexikanischer, peruanischer und kolumbianischer Klassiker sowie in ihren eigenen Tracks und überraschenden Covers. Der Kontrast zwischen der traditionellen Marimba mit ihrer jugendlichen Haltung und dem Street-Style verbindet das Publikum mit der Vergangenheit, während es in die Zukunft tanzt.

Son Rompe Pera veröffentlichten im März 2020 ihr Debütalbum, genau als die Covid-19-Pandemie ausbrach, was es für die Band unmöglich machte auf Tour zu gehen. Ihr letzter Live-Auftritt war auf dem Vive Latino Festival in Mexiko-Stadt, wo sie zusammen mit Chico Trujillo auftraten. Die weltweite Sperre hielt die Band nicht davon ab, bei virtuellen Veranstaltungen wie dem Mole de Mayo in Chicago, der Jahresendfeier des World Music Institute, ebenso wie bei Online-Festivals in Ecuador, Italien, Chile, Mexiko und Kolumbien, aufzutreten. Bekannt wurden sie durch ihre Wochenendauftritte im Parque Mexico, wo sie maskierte und sozial distanzierte Fans begeisterten. Sie wurden außerdem zu einer ‘at home’ Live-Session bei KEXP eingeladen und als offizielle Band für die internationale Musikkonferenz WOMEX 2020 und 2022 ausgewählt.

RasgaRasga sind pure Energie. Sechs musikalische Grenzgänger*innen, zwölf Instrumente, vier Sprachen und ein Feuerwerk aus Emotionen – einer Stromschnelle gleich, tragen RasgaRasga ihr Publikum an einen bunten, glitzernden Ort. Einen Ort des Sich-Fallenlassens, des Miteinanders und des Moments.

RasgaRasga zelebrieren ihren ganz eigenen Indie-Pop mit immer spannenden neuen Genreverschmelzungen undtranskulturellen Einflüssen. Auf ihrem aktuellen Album HELIO drücken sie ihren Herzschlag, ihre Stimmungen und Gefühle aus und gehen dabei ihren Weg der musikalischen Grenzüberschreitung konsequent weiter: Mal euphorisch ausbrechendund dann wieder hypnotisch monoton, mal melancholisch weit, um dann wieder energisch nach vorne zu treiben. Die sechs Musiker*innen entwickeln in ihrem Zusammenspiel einen Sog, der das Publikum mitreißt und auf die Tanzfläche zieht.

Daria Assmus – Gesang, Akkordeon
Lukas Fischer – Trompete, Bellfront, Bassposaune, Akkordeon
Jonas Krause – Geige, Posaune, Melodica, Gesang
Dung Hoang – Gitarre, Banjo, Gesang
Gregor Brändle – Bass, Gesang
Felix Kuthe – Schlagzeug

RasgaRasga sind Preisträger des Creole-Weltmusikwettbewerbs und Teil der Förderung Musikkulturen des Landesmusikrats NRW.- - »Ausgetüftelte Arrangements mit großer Spielfreude und mitreißender Energie« (Jury-Begründung zur Verleihung des creole NRW Preises).

DARiA ASSMUS

Die Texte von Sängerin Daria Assmus werden dabei in ihrer Vielfalt durch die Musik gespiegelt. Auf Englisch, Deutsch, Spanisch oder Französisch trägt sie die Band mit ihrer facettenreichen, direkten Stimme und bezwingender Energie. RasgaRasga bringen Lebensfreude und Farbe auf die Bühne. 
 

Frisch, abwechslungsreich und einzigartig – das beschreibt den Sound von FRA!, der funkigsten  Band aus Ghana, welche aus der Kombination verschiedenen musikalischen Hintergründen und Einflüssen der Bandmitglieder entstanden ist. Mit einer Mischung aus Afrobeat, Highlife, Afrofunk und Rock sorgen sie für tanzbare und mitreißende Musik, die gute Laune verbreitet und das Publikum begeistert. Die Band hat es sich zum Ziel gesetzt, die organische Live-Musik, die in den 70er und 80er Jahren in Ghana sehr populär war, wiederzubeleben und mit modernen Trends zu verschmelzen. 

die funky Band aus Ghana -steht für erstaunlich frische Klänge, die zu tanzbarer und genießbarer Feel-Good-Musik gemischt wird  -von Afrobeat über Highlife bis Afrofunk !FRA! liefert eine energiegeladene Performance mit ansteckenden Grooves, die das Publikum sofort zum Tanzen bringen. Ihre hypnotisierenden und eingängigen Refrains und eine noch bessere Showmanship verwandeln die Show in eine riesige Party! Highlife, Funk und Afrobeat sind alle in ihrer Mischung zu finden, aber die Wurzel von allem ist ihr afrozentrisches Erbe, das deutlich ghanaischer Highlife ist.

Dieses Musikensemble aus Accra, Ghana, besteht aus 6 jungen Musikernverschiedener Hintergründe, die durch eine Sprache vereint sind: die Sprache der Musik. Der Name "Fra" stammt aus dem Akan-Wort, das "Mischung" bedeutet, und dies ist eine Anspielung auf die fusionierten Elemente, die in ihrer Musik zu finden sind. Die Band hat in den letzten Jahren auf einer Reihe von Festivals gespielt, darunter Etnosur, Pirineos Sur, Canarias Jazz Festival, La Mar de Músicas, La Porta Ferrada, MAPAS, MUMES, Visa for Music, Nyege Nyege Fest, Sauti Za Busara ,Visa for Music, Womex und mehr. 
Quotes:“Breathing new life into highlife and Afro-funk. (...) The exuberance of youth proved irresistible for the crowd! (...) these guys are clearly headed for bigger things on the international stage! —Afropop 2022“The best dance band at Visa For Music was FRA!. Their showcase (..) was one big explosion of joy and happiness.” —Afropop 2019From the first minute everyone knew FRA! had what it takes to win a tour of Spain. —El Pais, Spain

Die unverwechselbaren und unvergesslichen Kumbia Queers aus Buenos Aires sind wieder auf Tour in Europa! Vergesst alles, was Ihr glaubtet über Cumbia zu wissen! Das non-binary und lesbische Quintet kreiert aus dem düsteren, elektronisch geprägten Subgenre der Cumbia Villera mit treibendem Gitarrenrock eine einzigartge dynamische Fusion aus traditonellen und modernen Klängen. Die Band beschreibt ihren Stl als 1000% Tropi Punk – mit einer wilden Mischung aus afrokubanischen und lateinamerikanischen Cumbia-Einfüssen, Queerness und Punk-Spirit interpreteren die Musiker*innen lateinamerikanischen Herzschmerz und Macho-Gehabe neu und bringen Spaß und Politk in ihrem eigenen fesselnden Stl zusammen.

Die Geschichte geht auf das Jahr 2007 zurück, als die Musiker*innen von der Punkrock-Szene gelangweilt waren und beschlossen, etwas völlig anderes zu machen: Cumbia. Was als Spaß begann, führte schließlich zur Gründung von Kumbia Queers. Wie NPR Latno sagt, „Sie sind keine Pointe. Sie meinen es ernst.“ Einige der Kumbia Queers spielten schon in den 90er Jahren in Buenos
Aires zusammen in dem legendären feministschen Punk-Trio „She Devils“, dessen charakteristsch grungiger Stl in Kumbia Queer Hits wie „Mientes“ und „Puesta“ wieder zum Leben erweckt wird.

Wer die Band live auf der Bühne erlebt, kann sich auf eine Mischung aus Tropical-Punk-Originalen, Covers und neuen Stücken aus dem aktuellen Album Fiesteria freuen. Kumbia Queers schafen es, bei jedem Konzert eine unvergleichliche Beziehung zu Ihrem Publikum aufzubauen, die Konzerte sind ein Geben und Nehmen, ein Moment grosser Befreiung und Freude. In den über 15 Jahren ihres Bestehens tourte die Band ausgiebig durch Lateinamerika, Europa und die USA und spielte auf Festvals wie Rock al Parque (COL), Cosquin Rock (ARG), Lincoln Center NYC (USA), Vive Latno (ESP), Vive Latno (MX), Boomtown (UK), Sumarscene (SWE), Festval Mundial (NL), Poolbar (A), TFF Rudolstadt (GER), Colors of Ostrava (CZ), Antlliaanse Feesten (B), Festval de la cité Lausanne (CH), Fusion Festval (GER) und vielen mehr. ...
Frisch und tanzbar und wie immer mit jeder Menge Herzblut!

JAMILA & THE OTHER HEROES ist eine wilde Band ‘from manywhere‘, die dich mit ihrem Psychedelic Desert Funk zum Fliegen bringt..
Sängerin Jamila Al-Yousef, die die Band nach ihrer palstinensischen Großmutter benannt hat, ist am Tag des Mauerfalls in Berlin geboren und hat die revolutionäre Energie quasi mit der Muttermilch aufgesogen. So komponiert sie mit ihren Helden Songs, die ein transkulturelles Publikum ansprechen, das sich mit den Diaspora-Erzählungen der Band und ihrem musikalischen Kampf gegen Rassismus identifizieren kann. "Als Menschen mit postmigranischen Famliengeschichten in Syrien, Palästina, Italien und Kolumbien erschaffen wir Heimat und zugleich Wanderlust in unserer Musik." 

Jamilas emanzipatorische Botschaft auf Arabisch und Englisch wird von kraftvollen Live-Musikern unterstützt. Lasst euch mitreißen von einem unvergleichlichen Sound aus psychedelischen Gitarrenriffs (Leon Sanchez), die auf einem erdigen Fundament aus warmen Bassläufen (Felix ‚Fema’ Barth) und arabischen Perkussionsklängen (Salam Alhassan) sowie groovigen Afrobeat, Hip Hop und Rock beeinflussten Drumbeats (Pier Ciaccio) vibrieren.

Die Tanzfläche, die JAMILA & THE OTHER HEROES schaffen, ist ein Nährboden, auf dem sich Menschen treffen und Togetherness praktizieren - die Antwort der Musiker auf die Ausgrenzungsmechanismen unserer Zeit. Die Botschaft der Band ist einfach: "Jeder von uns kann ein:e Held:in sein! Lasst uns unsere Superkräfte entdecken und die Welt zu einem besseren Ort machen."

Aus dem Elend Südafrikanischer Townships ist sie aufgestiegen, um auf den Bühnen der Welt zu glänzen. Als Darstellerin der Miriam Makeba im Film "Long Walk to Freedom" hat sie sich in die Musikgeschichte Südafrikas eingetragen.
Mit ihrem neuen Konzertprogramm und einem bemerkenswerten Album kehrt Nomfusi zu ihren südafrikanischen Wurzeln zurück und belebt den musikalischen Geist durch groovige Township-Sounds, Maskandi-Gitarren, Afro-Soul und sagenhaften Balladen.
Angetrieben von dem Wunsch, ihre persönliche Geschichte über das Aufwachsen in der winzigen Hütte ihrer Mutter zu erzählen, spricht das Album von Kindheitserinnerungen, Alltagsgeschichten eines Township-Lebens, das von der Spiritualität ihrer Mutter als Sangoma (einer traditionellen Heilerin) und der harten Realität einer alleinerziehende Mutter mit Kindern. Soziale Ungerechtigkeiten und Gewalt, insbesondere gegenüber Frauen in den Townships, sind wichtige Themen für Nomfusi und finden sich in Liedern wie Nomanhamle und Ayeza wieder.

Die bemerkenswerte musikalische Vielfalt der Künstlerin wird mit diesem Album besonders deutlich: melodische Maskandi-Gitarren kombiniert mit großen Bläserarrangements, groovigen südafrikanischen Township-Rhythmen, bis hin zu gefühlvollen Balladen mit einem Hauch Gospel und jazziger, tanzbare Afro-Soul und -Pop Songs – alles getragen durch Nomfusi´s überragende Stimme. Als Bewahrerin ihre Muttersprache Xhosa, die durch die speziellen Klickgeräusche bei der Aussprache den Liedern eine exotische Note verleiht, schreibt sie bewusst die Texte zu ihre Songs auf Englisch und Xhosa.

Der Titel des Albums, übersetzt “ Die rote Stufe”, ist eine Anspielung auf die terrassenartige Treppe vor der Hütte ihrer Mutter. Ein Ort, an dem Gespräche mit Freunden und Nachbarn geführt wurden oder man sich einfach in die warme Sonne setzte, um das pulsierende Leben des Townships zu beobachten. Mit „The Red Stoep“ lädt Nomfusi jeden ein, die Geschichten ihres afrikanischen Erbes durch ihre Musik zu erleben.

Nomfusis Lebensgeschichte wurde vom Rolling Stone South Africa als “die Art von Geschichte beschrieben, die Hollywood auf den Kopf stellen wird.”
Sie wurde im Township KwaZakhele im Eastern Cape geboren und von ihrer alleinerziehenden Mutter namens Kwazibani („Wer weiß?“) aufgezogen, während ihr Vater eine 21-jährige Haftstrafe verbüßte. Kwazibani war tagsüber eine Hausangestellte und eine Sangoma (afrikanische Heilerin), mit Liebe und Begabung zur Musik. Nomfusi begleitete ihre Mutter zu den wöchentlichen Sangoma-Ritualen (Intlombe), bei welchen sie ihr Interesse für Musik und ihre eigene künstlerischer Identität durch stundenlanges Tanzen und Singen entdeckte.

Im Alter von nur zwölf Jahren wurde Nomfusi auf tragische Weise zur Waise, denn ihre Mutter starb 1998 an AIDS. Nomfusis Tante nahm sie auf, aber auch sie starb drei Jahre später an derselben Krankheit. Mit bemerkenswerter innerer Stärke kämpfte sich Nomfusi ins Leben zurück und wurde zu einem hell leuchtenden Stern auf Südafrikas Konzertbühnen. Selbstmitleid ist ihr fern, stattdessen übermittelt sie Kindern und Erwachsenen die Botschaft, “dass es im Leben um Entscheidungen geht” und ” zuerst die Armut des Geistes überwunden werden muss”.

Nomfusi engagiert sich an Schulen für gefährdete Kinder in Soweto, Swasiland und Malawi durch Aufklärungsarbeit. Am jährliche Symposium des “The Afrikadey Festival” in Calgary war sie mehrmals Gast der Podiumsdiskussion.
Nomfusi ist durch und durch Südafrikanerin und zugleich eine Frau von Welt. Ihre eigene Lebensgeschichte verbindet sie tief mit ihrer Community und vergißt diese nicht, auch wenn ihr als international gefeierte Sängerin die Welt des Glamours und Erfolges nicht fern ist. In ihrer Hymne gegen Armut “Nontsokolo” setzt sie ein klares Statement: “Denke an deine Schwester, deinen Bruder, deine Mutter und deinen Nachbarn. Lass sie nicht zurück. Geh zurück und mache einen Unterschied.” Sie lebt in Johannesburg, ist verheiratet und Mutter von 2  Kindern

PRESSE:  Nomfusi

Gigantische Afrosoul-Stimme aus Südafrika
Nomfusi ist eine mehrfach nominierte Afrosoul-Sängerin aus Südafrika. Wo die zierliche Sängerin das Mikrofon in die Hand nimmt, sind Superlative nicht weit - der Charme, die Stimme, die Energie! Mit ihrem Mix aus groovigen Township-Sounds, Afro-Soul und Afro-Pop, gepaart mit unvergleichlicher Bühnenpräsenz und einer gigantischen Stimme, fesselt die Tochter einer südafrikanischen Sangoma (Heilerin) weltweit das Publikum. 
Mit Leichtigkeit verwebt sie die Essenz Afrikas mit Jazz, Soul und ihrer Xhosa-Kultur, hin zu den Maskandi-Klängen, die von den grünen Hügeln an der Ostküste schwingen. Nomfusi ist ein wahres musikalisches Juwel, das gemeinsam mit ihrer vierköpfigen Band die Herzen im Sturm erobert und eine sagenhafte Energie versprüht. Eine Energie, der man sich nicht entziehen kann und die Lebensfreude wieder neu erweckt.
●      “...ihre Konzerte sind einfach unwiderstehlich…" — Süddeutsche Zeitung
●      “Ihre Stimme ist größer als meine, aber sie ist kleiner als meine Trompete. Das letzte Mal, als wir sie eingeladen haben, hat sie uns die Show gestohlen.“ - Hugh Masekela

AUSZEICHNUNGEN

20 Jahre Demokratie Südafrikas - Ehrenkonzert in Brüssel gemeinsam mit Hugh Masekela
Darstellerin der Miriam Makeba im Film "Long Walk to Freedom"
Eröffnungs-Act für Lionel Richie beim Stimmen Festival 2015
Nominierung für das beste Musikvideo mit Nontsokolo bei SAMAS Südafrika
Feature in Rolling Stone SA
Feature mit Leee John (Imagination) auf „African Day“ Album
SAMA und METRO FM-Nominierungen für „Take me Home“ Album
mehr als 30 internationale Tourneen mit ausverkauften Shows in Brüssel, Helsinki und mehr ...
Bühnenauftritte mit Angelique Kidjo, Dorothy Masuka, Sibongile Khumalo, Lionel Richie, Hugh Masekela:

Manudigital ist Beatmaker, Bassist und gefragter Musikproduzent in der internationalen Reggae/Dub-Szene. Er begann seine Karriere als Bassist in verschiedenen Bands, darunter Babylon Circus. Später konzentrierte er sich auf die Musikproduktion und entwickelte einen hybriden Sound. Dieser Sound vereint Einflüsse aus Reggae und seinen Subgenres mit Elementen aus Electro/Bass Music, die an Jungle oder Drum & Bass erinnern.

Seit seinem Solo-Debüt mit den Alben "Digital Pixel" (2016) und "Bass Attack" (2018) hat er zahlreiche EPs und Kollaborationen mit Künstlern aus aller Welt veröffentlicht, darunter Alborosie, L'Entourloop, Alo Wala, Skarra Mucci, Liam Bailey und Soom T. Mit mehr als 800 Auftritten auf der ganzen Welt ist Manudigital für seine Live-Performances bekannt, bei denen er seine Fähigkeiten als Bassist und Beatmaker zu einem einzigartigen Erlebnis verbindet. Heute gilt er als einer der einflussreichsten Reggae-Produzenten. Seine 2019er Tour gehörte zu den Top 10 der Live Export Awards des Bureau Export.

Als federführender Künstler schuf der französische Produzent die mittlerweile kultige „Digital Session“-Serie, die auf seinem YouTube-Kanal zu sehen ist und mehr als 240.000 Abonnenten und mehr als 75 Millionen Aufrufe verzeichnet. Mit seinem Casio MT40 Keyboard oder dem „Sleng Teng Keyboard“ durchstreift er die Straßen von Kingston, New York und London (neue Staffel folgt), an der Seite legendärer Sängerinnen und Sänger aus dem goldenen Zeitalter des digitalen Reggae. Ob Capleton, Elephant Man, Queen Omega oder Junior Cat – sie alle trafen sich mit Manudigital und seinem tragbaren Keyboard für einen einzigartigen Moment, eine One-Take-Session eines ihrer Klassiker. Diese Sessions erlangten internationale Anerkennung und wurden von Persönlichkeiten der französischen und internationalen Szene wie Diplo, Pete Rock, Farruko, Mokobe, Kalash oder AKH gefeiert.

Unter den Millionen Fans der „Digital Sessions“ war einer, der sich entschied, Manudigital über die sozialen Medien zu kontaktieren: der französische Sänger Bazbaz. Es folgten einige Chats zwischen den beiden Künstlern, bis der Sänger Manudigital vorschlug, einen Song aufzunehmen. Schließlich entstand eine ganze EP mit dem Titel #LOVEBORDEL, die während der Pandemie 2022 veröffentlicht wurde und auf einer Tournee live gespielt wurde. Der französische Musiksuperstar Mathieu Chedid (-M-) verliebte sich in die EP und bot dem Duo an, ihn bei einigen Konzerten seiner Zenith-Tournee zu begleiten.

Im Jahr 2023 ist Manudigital mit einer neuen Formel zurück, die es auf den Punkt bringt. Im Frühjahr veröffentlichte er den Track „Step Up Ft. Joseph Cotton & Bellyman“ aus seinem gleichnamigen Album, auf dem er die Verschmelzung von Reggae und Bass-Musik weiter vorantreibt, mit neuen Beats und Rhythmen wie Afrobeat oder Baile Funk, immer mit der Meisterschaft, für die er bekannt ist. Mit der Erforschung neuer musikalischer Genres tut Manudigital das, was er am liebsten tut: Zusammenarbeit. Kein Wunder, dass der „internationalste französische Riddim-Macher“ nicht weniger als 17 Künstler aus allen Genres eingeladen hat (Alborosie, Alo Wala, Liam Bailey, Skarra Mucci, Dynamq, Afu-Ra, Million Stylez...), die ihre Stimmen den gewagten Produktionen des französischen Produzenten leihen und ein Album erschaffen, das Gold wert ist.

2025 wird ein weiteres denkwürdiges Jahr für Manudigital, der mit seinem MC Dapatch die „Next Step Tour“ startet.

Nicht selten sucht man bei Konzerten von Cobario nach dem Orchester - es sind tatsächlich nur die drei Musiker, Herwig Schaffner (Violine), Peter Weiss (Gitarre) und Georg Aichberger (Gitarre), welche die Bühne zum Beben bringen und dabei ein musikalisches Feuerwerk der Extraklasse zünden. Die Gitarrensaiten glühen, der Geiger verzaubert mit atemberaubender Virtuosität auf der Violine: Mit der Energie ihrer Kompositionen zieht das Wiener Trio jedes Publikum in seinen Bann. Nicht ohne Grund waren sie oft bei internationalen Musik-Festivals und namhaften Konzerthäusern zu Gast. 

Das mehrfach ausgezeichnete Trio startete 2006 in Barcelona als Straßenmusikanten. Schon bald wurden Cobario auf Festivals und dann in die Konzerthäuser Europas, Nordamerikas und Asiens eingeladen. Mittlerweile haben die Wiener Musiker in über 30 Ländern konzertiert und das Publikum von New York bis Hong Kong begeistert.​​. Oft genügen schon ein paar Takte in der ungewöhnlichen Besetzung aus Geige und zwei Gitarren, um eine wahre Explosion von Bildern im Kopf auszulösen.

Die Musik des Dreiergespanns ist eine stilistisch sehr vielschichtige und vereint Einflüsse aus den verschiedensten Klangtraditionen. So findet sich in den Stücken von Cobario – das konzerttechnisch mittlerweile in ganz Europa herumgekommen ist – eine ebenso starke Hinwendung zur spanischen Folklore wie auch zur irischen, orientalischen und slawischen. Garniert mit Elementen aus der Klassik entwickeln die Kompositionen des Trios eine ganz eigene lyrische Schwingung, die auf angenehmste Weise dazu einlädt, sich einfach zurückzulehnen und dem Dargebotenen zu lauschen.

So finden sich in den Stücken von Cobario – das konzerttechnisch mittlerweile in ganz Europa herumgekommen ist – eine ebenso starke Hinwendung zur spanischen Folklore wie auch zur irischen, orientalischen und slawischen. Garniert mit Elementen aus der Klassik entwickeln die Kompositionen des Trios eine ganz eigene lyrische Schwingung, die auf angenehmste Weise dazu einlädt, sich einfach zurückzulehnen und dem Dargebotenen zu lauschen. 

Versprochen ist - neben all ihren Hits: aus den Vier Jahreszeiten von Antonio Vivaldi: der Sommer!.
und wenn nach dem sommerlichen Presto auch noch das herbstliche bäuerliche Trinklied "aufgegeigt" wird: spätestens da steht der ganze Turm Kopf! - wetten!
"Das Wiener Instrumentaltrio Cobario trifft auf den Großmeister des Barock. Vivaldis wohl bekanntestes Werk wird vom international erfolgreichen Ensemble rund um den Ausnahmegeiger Herwig Schaffner neu interpretiert und mit frischem Wind auf die Bühne gebracht. Mit der Klangkraft von zwei Gitarren werden Vivaldis revolutionäre Violinkonzerte vereint. Wie kein anderer Komponist schafft es Vivaldi in den Vier Jahreszeiten Effekte und Emotionen zu verbinden: sanfte Winde, heftige Stürme und Gewitter sind Elemente, die in allen vier Konzerten auftreten. Mit dem Ziel der musikalischen Abbildung von Naturphänomenen demonstriert der Venezianer hier das ganze Spektrum seiner Kunst. ---  das ist mal eine Ansage:   Cobario bietet eine Symbiose aus grandiosem Zusammenspiel und einer individuellen Meisterleistung Herwig Schaffners auf der Violine, die zutiefst berührt und begeistert. Die drei Musiker holen den Sound des Barock in die Gegenwart – und sorgen für ein musikalisches Feuerwerk."
Eine perfekte Vorlage für die drei Ausnahmemusiker von Cobario, die in ihren eigenen Kompositionen von den Eindrücken ihrer Konzertreisen um die ganze Welt erzählen.​

Herwig Schaffner, Violine

begann mit acht Jahren Geige und Klavier zu lernen und wurde schon mit 16 Jahren am Salzburger Mozarteum aufgenommen. Er spielte u.a. im „European Youth Orchestra“ und unter Dirigenten wie Yehudi Menuhin und Sandor Vegh. Ausgedehnte Orchestertourneen führten ihn durch Europa und Asien.​

Georg Aichberger, Gitarre

begann mit 14 Jahren Gitarre zu spielen. Seine Jugendjahre waren geprägt von autodidaktischem Lernen sowie einer Vielzahl an Bandprojekten. Er studierte anschließend Gitarre an der Musikuniversität Wien und am Sydney Conservatorium of Music. Seine musikalische Karriere brachte ihn in die verschiedensten Länder wie Spanien, Frankreich, England, Ungarn und Kroatien.

Peter Weiss, Gitarre

erlernte das Gitarrespielen im Alter von 13 Jahren. Es folgte ein Studium an der Universität für Musik und darstellende Kunst in Wien. Zu seinen Lehrern zählten Wolfgang Pointner, Martin Kelner und Gonzalo Manrique-Vallier, sowie der klassische Gitarrist und Komponist Nejc Kuhar. 2020 inskribierte er an der „ESML Lisboa“ in Portugal und studierte dort beim Jazz-Gitarristen Afonso Pais. Nach seiner Rückkehr spielte er in Wien mit mehreren lokalen Bands, Orchesterprojekten und Theaterproduktionen.

Dub Princess ist eine genreübergreifende Naturgewalt, welche Reggae, Dub, Soul und elektronische Grooves mit ihrem hypnotisierenden Gesang und ihrer magnetischen Bühnenpräsenz nahtlos miteinander verschmelzen lässt. Ihre Musik ist grenzüberschreitend und findet bei Zuhörern auf der ganzen Welt Anklang, denn sie vermittelt Botschaften der Einheit, des Empowerments und der Freude. Von intimen Veranstaltungsorten bis hin zu den größten Festivalbühnen wie Glastonbury, Rototom Sunsplash und Boomtown zieht Dub Princess das Publikum in ihren Bann.
Mit über 150 Millionen Plays und Streams ihrer Songs hat sich Dub Princess in einem Slalom aus Kollaborationen mit einigen der angesehensten Künstler der Underground-Hip-Hop-, Dub/Reggae- und elektronischen Musikszene (Charlie 2na von Jurassic 5, OKA, Dub FX, Okuli und Isaac Chambers) entwickelt und hat legendäre Gruppen wie Black Uhuru unterstützt.

Jetzt hat sich Dub princess mit der dynamischen 7-köpfigen Band Hotsteppas aus Bristol zusammengetan. Hotsteppas, die für ihre Zusammenarbeit mit Errol Dunkley, Ashanti Selah, Donovan Kingjay und Blackout JA bekannt sind, bringen ihre eigene Note in den Mix. Zusammen mit Dub Princess haben sie einen neuen Sound kreiert, welcher die Musikszene von Bristol in seinen Bann gezogen hat. In den letzten Jahren hat Dub Princess neue Melodien und Texte zu den Instrumenten von Hotsteppas geschrieben und ihr eigenes Feuer in das Live-Set eingebracht.
Mit vereinten Kräften liefern sie eine mitreißende und stimmungsvolle Live-Performance mit einer Mischung aus Reggae, Ska und Jazz. Mit ihrer Musik bringen sie ihre Entschlossenheit zum Ausdruck, sich gegen die Missstände in der Gesellschaft und gegen Rassendiskriminierung zu wehren. Sie sprechen Themen wie Klimawandel, Armut, politische Korruption und die ungleiche Verteilung von Reichtum an, senden eine positive Botschaft an die Welt und kämpfen auf diese Weise mit Hilfe ihrer Kunst für eine bessere Zukunft.

DUB PRINCESS

Vom Straßenmusikanten bis hin zum Star auf den Bühnen der Welt
Dub Princess hat die wie eine musikalische Alchemistin die Köpfe verdreht und Genres verändert. Geboren im Norden Englands,  hat sie sich von der  Straßenmusikantin in Neuseeland, Australien und Großbritannien zu einer Underground-Ikone verwandelt, das war mehr als explosiv. Mit einer ebenso gefühlvollen wie gewagten Stimme  hat sie die Ohren von über 100 Millionen Hörern auf YouTube, Spotify und SoundCloud nach vorne gerichtet. Diese genreübergreifende Sirene hat sich mit Künstlern wie Charlie 2na, Dub FX, Grouch, Hypho, Truth und Mad Professor zusammengetan und damit ihren Platz als eine der gefragtesten Künstlern in den Bereichen Underground-Hip-Hop, Dub und Elektronik gefestigt !!!! 

Das Sam Siefert Ensemble Project, ein 11-köpfiges Jazzkollektiv aus Innsbruck präsentiert sich 2025 im Rahmen der „Realization Tour“ erneut auf internationalen Bühnen live. Mit dabei ist nicht nur eine neue, frische Instrumentierung, sondern auch ihr aktuelles Album „Realization“, welches am 01. September 2025 veröffentlicht wird.
Nach einem Jahr Schaffenspause kehrt das energiegeladenste large Ensemble aus Innsbruck auf die Bühnen des deutschsprachigen Raums zurück. Eine ausgiebige Tour mit über 15 Konzerten in Deutschland, Österreich und Italien ist lange geplant worden. Einen wichtigen Grund gibt es natürlich: Das neue Album des Sam Siefert Ensemble Projects wird am 01. September 2025 veröffentlicht und live präsentiert. „Realization“, so der Titel des Albums, welches 10 brandneue Songs des Ensembles beinhält. Während die Kompositionen bei den drei Vorgängern von dem Bandleader Sam Siefert im Alleingang geschrieben wurden, hat er sich den Gitarristen Christian Hauser und die Bassistin und Sängerin Mimi Schmid mit an Bord geholt, um den Sound und Charakter der Band zu erweitern. Wie schon des Öfteren wurde die Besetzung des Ensembles erweitert. Neben dem Baritonsaxophon, welches den Bläsersatz auf fünf Instrumente erweitert, hat auch ein zweites Schlagzeug die vorherige Percussion ersetzt. „Somit kann noch mehr Energie freigesetzt werden und die Emotion und Ekstase steht dadurch eindeutiger im Zentrum der Shows“, urteilt Siefert. Bereits beim TAT Festival for contemporary Jazz im Oktober 2024 hat die Band Auszüge dieses neuen Sounds präsentiert und das Publikum war begeistert. Ein tanzbarer Sound, der ausgewogen zwischen instrumentaler und vokaler Musik balanciert, aufgrund der vielen Einflüsse diverser Genres (Afrobeat, Rock, Hip Hop, etc.) immer spannend bleibt und von den energetischen Soli der Band geprägt ist. Ein Erlebnis, das nicht verpasst werden sollte!

Besetzung:

Mimi Schmid – Vocals & Bass
Xaver Schutti – Trompete
Benni Buchberger – Posaune
Maria Pixner – Altsaxophon
Thomas Greiderer – Tenorsaxophon
Simon Strobl – Baritonsaxophon
Christian Hauser – Gitarre
Christoph Kuntner – Baritongitarre
Christian Larese – Keyboards
Max Schrott – Schlagzeug
Sam Siefert – Schlagzeug

Seit ihrer aufsehenerregenden Debütsingle im vergangenen Jahr, hat die 21-jährige österreichische Musikerin UCHE YARA eine mächtige Tour de Force hingelegt. Ihre inspirierende, genreübergreifende Klangwelt kennt keine Grenzen und präsentiert UCHEs unverblümtes, experimentelles Gespür in Höchstform. Mit Einflüssen von Tierra Whack, James Blake und Tyler, the Creator bis hin zu Bilderbuch und Alex The Flipper sowie ihrem Drang, sich eine eigene Nische zu schaffen, hat sie in den letzten acht Monaten einen bemerkenswert frischen und doch unverwechselbaren Sound entwickelt. Und präsentiert diesen jetzt auf ihrer ersten Fünf-Track-EP „GOLDEN DAYS“. „GOLDEN DAYS“, eine vielfältige und mutige Kollektion von Titeln, die sie von der naiven Jugend bis zum jungen Erwachsenenalter schrieb, repräsentiert ihre reichhaltigen Erfahrungen und Einflüsse. Mit Songs geprägt von einem warmen, jugendlichen Glanz, hofft die Wahlberlinerin, dass die Hörer*innen diese EP als eine aufmunternde Geschicht begreifen, als Mut machenden Ausblick auf eine bessere Zukunft. Alles ist möglich, Kunst kennt keine Grenzen und alle Gefühle sind berechtigt."Ich fände es großartig, wenn die Leute sich inspiriert fühlen, das Leben zu umarmen und einfach eine gute Zeit zu haben", erklärt sie.

Der Opener "ZUU (zoo)" spielt mit der Kreativität und dem Einfallsreichtum, die so sehr zum Synonym für UCHE YARA geworden sind. Hier verkörpert sie die Rolle einer Zoowärterin und erzählt spielerisch Anekdoten aus ihrem Alltag im Zoo, während sie mit unterschiedlichen, sprunghaften Taktsignaturen spielt. „SASHA (wake up!)", aufgenommen an ihrem 19. Geburtstag, strotzt vor Aufregung und einem Gefühl des Selbstbewusstseins. UCHE erzählt, dass die ursprüngliche Idee für den Track beim Experimentieren mit einer verstimmten, kaputten Saz in einem Berliner Studio und beim Spielen mit einem Drumloop von Alex The Flipper entstanden ist: "Ursprünglich wollten wir mit diesem Material einen Trap Beat für einen anderen Künstler machen", erinnert sie sich, "aber alles daran hat mich so tief berührt, dass ich innerhalb von 30 Minuten die Songstruktur, die Gitarren- und Basslinie und die Hook entwickelt habe. Wenn ich mir die Aufnahme anhöre, umgibt mich eine Mischung aus Leidenschaft, Fernweh und einem einzigartigen Gefühl der Ermächtigung." Den ältesten Song der EP, „Lazy Sundayz", schrieb UCHE im Alter von nur 18 Jahren. In dieser Phase ihres Lebens wurde sie stark von Künstlern wie D'Angelo und James Blake beeinflusst. Hier entdeckte sie, wie humorvoll Musik sein kann, "besonders deutlich in der zweiten Strophe, wie ich finde". Der Titeltrack „GOLDEN DAYS“ steht für Freiheit und den Beginn des Sommers. Das Stück verfasste UCHE nach ihrem Schulabschluss, es wird von ihr liebevoll als ihr "Abschlusslied" bezeichnet. Als ewige Optimistin bemerkt sie, dass Abschiede etwas Schönes sind; sie markieren immer neue Anfänge, was bedeutet, dass "man sich mit einem breiten Grinsen verabschieden kann". Der trügerisch sonnige EP-Abschlusssong „I <3 Rome“ wurde in der Tat nicht im Hochsommer geschrieben, sondern während einer Weihnachtsreise nach Rom mit einer ihrer engsten und liebsten Freund*innen. UCHE YARAs Ziel ist es, dass sich die Zuhörer inspiriert, ermutigt und verstanden fühlen. Mit hrer Debüt-EP „GOLDEN DAYS“, die so farbenfroh, elektrisch und einzigartig ist, wird ihr das zweifellos gelingen!

Nach einer kurzen kreativen Pause melden sich Thomas D & The KBCS mit brandneuer Musik zurück und gehen 2025 wieder auf Tour. „Aus dem Studio direkt auf die Bühne. Ich kann nur so viel sagen: Wir werden eine neue Platte im Gepäck haben“, verrät Thomas D voller Vorfreude. „Die ersten Konzerte nach langer Pause sind immer etwas ganz Besonderes. Ich freue mich, mein Solo-Publikum mit etwas Neuem zu überraschen.“ Thomas D & The KBCS verbindet eine besondere musikalische Partnerschaft, die seit 2018 mit der Veröffentlichung des Albums „The M.A.R.S. Sessions“ stetig gewachsen ist. Mit den Alben „M.A.R.S. Sessions II“ und dem Live-Album „Little Big Beat Studio Sessions“, beide 2024 erschienen, haben sie nicht nur ihre künstlerische Vision weiter verfeinert, sondern auch eindrucksvoll unter Beweis gestellt, wie vielseitig und emotional ihre Musik sein kann. Die kommende Tour wird diese musikalische Reise fortsetzen – mit Songs aus den bisherigen Alben und neuem Material, das live eine besondere Energie entfaltet. „Es sind jedes Mal sehr emotionale Konzerte, wenn Thomas D & The KBCS zusammenkommen. Und dieses Mal haben wir noch eine extra Überraschung dabei“, betont Thomas D.

Thomas D zählt zu den prägenden Persönlichkeiten des deutschsprachigen Hip-Hop. Seit der Gründung der Fantastischen Vier im Jahr 1989 gehört er zu einer Gruppe, die das Genre in Deutschland mitbegründet und nachhaltig geprägt hat. Mit Hits wie „Die da!?“ oder „Sie ist weg“ erreichten die Fantastischen Vier ein breites Publikum und etablierten sich als feste Größe in der Musiklandschaft. Auch mehr als 35 Jahre nach ihrer Gründung gehören sie zu den erfolgreichsten deutschen Musikacts. Das bislang letzte Album der Band, „Long Player“, erschien im Oktober 2024. Thomas D von Fanta 4: Soloprojekte als kreative Ergänzung zur Bandkarriere Bereits seit 1997 verfolgt Thomas D neben seiner Arbeit mit den Fantastischen Vier auch eine Solokarriere. Dabei veröffentlichte er Alben wie „Solo“ oder „Lektionen in Demut“, die seine persönliche Handschrift und stilistische Vielfalt zeigen. Seine Soloprojekte erlauben dem 56-Jährigen, sich unabhängig von Bandstrukturen musikalisch auszuprobieren und Themen aufzugreifen, die ihm besonders am Herzen liegen. Ein aktuelles musikalisches Projekt von Thomas D ist die Zusammenarbeit mit der Instrumental-Soul-Band The KBCS. Gemeinsam mit der Hamburger Formation bewegt er sich laut Eigendarstellung stilistisch zwischen tanzbaren Grooves, atmosphärischem Soul und meditativem Flow. Die Songs entstehen in enger kreativer Kooperation und zeichnen sich demnach durch ihre genreübergreifende Offenheit aus.
(Kölner Stadt Anzeiger)