„Ängste schließen Türen. Die Freiheit öffnet sie.“ Was dieses Zitat von Papst Franziskus mit der Musik des Gitarren-Virtuosen Harri Stojka zu tun hat, ist fast so schnell erklärt, wie die unfassbar präzisen Finger des Künstlers durch Soli fliegen, die augenblicklich ihren Weg mitten ins Herz des Hörers finden: Stojka’s Religion ist die Musik. Und er hat keine Angst vor Neuem. Nimmt sich die Freiheit, unbekannte Türen zu öffnen und Grenzen aufzulösen, weil „Musik keine Endlichkeiten kennt“. Ein Grundgedanke, der sein jüngstes Werk „Other Doors“ nicht nur zu einer Art künstlerischem „Spurwechsel“, sondern auch zu einem weiteren, geradezu erotisch-schönen Juwel in der Schaffenskette des österreichischen Musikers macht.

Oh ja, der heuer 60-Jährige hat seit den 1970ern in vielen Genres Lorbeeren errungen, auf den sich’s durchaus zu ruhen lohnte. Saiten-Meister und Komponist in Personalunion, kreiert Stojka unermüdlich Brücken, die Stile ebenso harmonisch verbinden wie einander sonst scheinbar völlig fremde Kulturen. Bis heute sind seine Rock- und Jazz-Produktionen aus den Achtzigern gefragt. Sein lebenspraller Gipsy-Swing begeistert Fans von Jakarta bis New York City und bringt auch sonst verhaltene Hörer dazu, befreit lachend zu tanzen. Und die musikalische Suche des Wiener Kindes aus Floridsdorf nach den Wurzeln der eigenen Roma-Ahnen mündete in den „India Express“, der mit faszinierenden Kombinationen südasiatischer und europäischer Klänge in zuvor ungekannte, beglückende Welten entführt.

Doch während viele, wie der legendäre französische Schriftsteller Jean Cocteau einst attestierte, gerne bequem und sicher „in den Ruinen ihrer Gewohnheiten ruhen“, sucht Harri Stojka unbeirrt Neues, das besser, schöner, aufregender ist, erkundet Fremdes, um es zu befreunden. Es liegt ihm nicht, zu warten, bis anhaltendes Repetieren „bewährte Türen“ knarren lässt. Lieber schließt er mit unbeschwerter Neugier und der Eleganz großen Könnens Pforten zu Dimensionen voll berauschender Melodien und Rhythmen auf. Der nun eigens für den Abend im Konzerthaus konzipierte Bogen durch Stojka’s Schaffen garantiert Freude pur: Weltoffener Spielgenuss des Gitarren-Maestros mit eigens geladenen „Express“-Kollegen aus Indien und Saitenblicke in Rock- und Gipsy-Sounds bilden den Rahmen fürs neue, rasant gewinnende Werk „Other Doors“, dessen Alternativ-Avantgarde-Jazz Gewohntes durch fast suchtbildende Klangbilder auflöst und erfrischt.
Freiheit, die mitreißt. Musik, die Herz und Hirn von Sorgen sowie festgefahrenen Gedanken kuriert und für das Schöne öffnet. Treten Sie ein!

DIE LANGE NACHT DES HARRI STOJKA:
DAS PROGRAMM / DAS SATTE LINE UP

HARRI STOJKA , Gitarre - Beatles & More

SOLLOGITARRE

OTHER DOORS

Harri Stojka, Gitarre
Claudius Jelinek, Gitarre
Alex Deutsch, Schlagzeug

HARRI STOJKA & INDIAN EXPRESS:

Kutle Khan
Gafur Khan
Aditya Bhasin

HARRI STOJKA EXPRESS

Peter Strutzenberger, Bass
Geri Schuller, Keyboard
Saška Janković, Gesang

HARRI STOJKA

Harri Stojka’s schöpferischer Vielfalt ist es zu danken, dass weder seine eigenen Kompositionen, noch Interpretationen fremder Werke jemals bieder „more of the same“ bieten, sondern stets aufregend-gekonnte Kreationen mit Einflüssen aus Gipsy Jazz, Roma Musik, Reggae, Rock und sogar Metal entstehen.
Im aktuellen Fall ergänzt Stojkas famose Fingerarbeit an der Solo-Gitarre, was die „Fab Four“ zu ihrer Zeit gebaren. Musik und Spielstile blieben indes unangetastet – Bässe klingen, wie sie McCartney spielte, Drums „absolutely“ Ringo Starr, Rhythmus-Gitarren Lennon pur. Eine Hommage – vor allem an George Harrison – die echt empfundene Freude über großartige Musik unüberhörbar macht (sehr passend hier der Titel „I Feel Fine“!). Mag sein, dass sich viele Top-Musiker an Beatles-Songs versuchten, dabei allerdings wenig Großes zu Tage trat. Auf Stojkas CD jedoch geriet jeder der 17 Titel zum persönlichen Kunstwerk, das neu für sich alleine glänzt und sich doch zeitgleich würdevoll vor seinen Ursprüngen verneigt.
Ein „Tribute“, das beweist, dass man auch ohne „Lucy“ Diamanten in den Himmel zaubern (und himmlisch klingen lassen) kann.

Piano Trios gibt es weltweit viele, die klassische Basisformation des Jazz hat in den letzten Jahres ein fulminantes Revival erlebt. Doch wenn man nach der Essenz aller derzeit tourenden Trios dieser Bewegung sucht, sticht, wenn es um die Akzeptanz beim Publikum und den unverwechselbaren, eigenständigen Sound geht, aus internationaler Perspektive das Tingvall Trio hervor.  Konzerte in mehr als 30 Ländern, eine Handvoll Auszeichnungen mit dem ECHO JAZZ als „Ensemble“ und „Live Act“ des Jahres, Jazz Awards in Gold für jedes einzelne ihrer Studioalben, Platz 1 der Jazzcharts, ja sogar hohe Platzierungen in den Pop Charts, die Popularität der drei ist auf dem Niveau aktueller Popbands angekommen. Erfolg, zumindest in in unseren Breiten gelegentlich als Makel von der Jazzpolizei gebrandmarkt, sucht sich seinen Weg zum Publikum, so erfuhr das Tingvall Trio die Ehre, in der neueröffneten Elbphilharmonie zwei Testkonzerte zur Erprobung des Raumsounds zu spielen und wird dort auch im Herbst bis auf den letzten Platz füllen. und das Treibhaus gleich zwei Mal.  

CIRKLAR

Drei Jahre nach dem Erfolgsalbum BEAT erscheint nun der vom Publikum langersehnte Longplayer „Cirklar“. Martin Tingvall, Pianist, Hymnenschreiber und Namensgeber der Band über die neuen Kompositionen: „Am Anfang stehen für uns immer die Songs. Bei diesem Album habe ich versucht, so zu komponieren, dass uns die Musik neue Wege aufzeigt. Wir testen neue Ausdrucksformen, aber möchten gleichzeitig natürlich als Tingvall Trio wiedererkannt werden. Diesmal ist ganz eindeutig die Musik der Chef, nicht das Trio.“  Martin Tingvall komponiert die Songs – aber was am Ende dabei heraus kommt, kann er erst wissen, wenn Omar Rodriguez Calvo (Kontrabass) und Jürgen Spiegel (Schlagzeug) sich mit ihm gemeinsam der Komposition angenähert haben. Jedes Stück: ein Kampf, ein Spiel, ein Drama, das sich in Kreisen (Cirklar) dreht, bis es „fertig“ ist. Es geht um Geschichten, die das Leben schreibt und um die ganz persönliche differenzierte Empfindung des Erlebten je nach Lebensabschnitt. Martin Tingvall: „Seit ich Kinder habe, und das geht ja allen Eltern so, habe ich das Gefühl, eigentlich keine Minute mehr für mich selbst zu haben. Manchmal scheint es, als rinne die Zeit mir zwischen den Fingern davon.“

MARTIN TINGVALL. PIANO.

Udo Lindenberg beschreibt den schwedischen Pianisten und Komponisten schlicht und einfach  als EDWARD GRIEG DES JAZZ. 2015 erscheint, nach zahllosen Trio-CDs und seiner Solo-CD EN NY DAG mit DISTANCE sein zweites Solo-Album. Auch die ZEIT jubelt: "Klavier, nur Klavier, aber wie! Gelebtes Gestern, ersehntes Morgen in Melodien, von denen wir glauben, sie ewig zu kennen. Zwölf Stücke zwischen Lied und Tanz und Traum - innig, verhalten, erfgreifend schön."
"Mit seinem Tingvall Trio wurde er mehrfach ausgezeichnet, aber auch seine Soloalbum "En ny dag" begeistert - und zwar nicht nur Jazz-Fans." Hamburger Morgenpost
„[Tingvalls] Kompositionen, alles starke, sich festsetzende Themen und Melodien, repräsentieren Einflüsse skandinavischer Volksmusik, unüberhörbar aber auch Anklänge an klassische Musik, vorwiegend von Grieg, Bach und Chopin." Jazz'n'More

Piano Trios gibt es weltweit viele, die klassische Basisformation des Jazz hat in den letzten Jahres ein fulminantes Revival erlebt. Doch wenn man nach der Essenz aller derzeit tourenden Trios dieser Bewegung sucht, sticht, wenn es um die Akzeptanz beim Publikum und den unverwechselbaren, eigenständigen Sound geht, aus internationaler Perspektive das Tingvall Trio hervor.  Konzerte in mehr als 30 Ländern, eine Handvoll Auszeichnungen mit dem ECHO JAZZ als „Ensemble“ und „Live Act“ des Jahres, Jazz Awards in Gold für jedes einzelne ihrer Studioalben, Platz 1 der Jazzcharts, ja sogar hohe Platzierungen in den Pop Charts, die Popularität der drei ist auf dem Niveau aktueller Popbands angekommen. Erfolg, zumindest in in unseren Breiten gelegentlich als Makel von der Jazzpolizei gebrandmarkt, sucht sich seinen Weg zum Publikum, so erfuhr das Tingvall Trio die Ehre, in der neueröffneten Elbphilharmonie zwei Testkonzerte zur Erprobung des Raumsounds zu spielen und wird dort auch im Herbst bis auf den letzten Platz füllen. und das Treibhaus gleich zwei Mal.  

CIRKLAR

Drei Jahre nach dem Erfolgsalbum BEAT erscheint nun der vom Publikum langersehnte Longplayer „Cirklar“. Martin Tingvall, Pianist, Hymnenschreiber und Namensgeber der Band über die neuen Kompositionen: „Am Anfang stehen für uns immer die Songs. Bei diesem Album habe ich versucht, so zu komponieren, dass uns die Musik neue Wege aufzeigt. Wir testen neue Ausdrucksformen, aber möchten gleichzeitig natürlich als Tingvall Trio wiedererkannt werden. Diesmal ist ganz eindeutig die Musik der Chef, nicht das Trio.“  Martin Tingvall komponiert die Songs – aber was am Ende dabei heraus kommt, kann er erst wissen, wenn Omar Rodriguez Calvo (Kontrabass) und Jürgen Spiegel (Schlagzeug) sich mit ihm gemeinsam der Komposition angenähert haben. Jedes Stück: ein Kampf, ein Spiel, ein Drama, das sich in Kreisen (Cirklar) dreht, bis es „fertig“ ist. Es geht um Geschichten, die das Leben schreibt und um die ganz persönliche differenzierte Empfindung des Erlebten je nach Lebensabschnitt. Martin Tingvall: „Seit ich Kinder habe, und das geht ja allen Eltern so, habe ich das Gefühl, eigentlich keine Minute mehr für mich selbst zu haben. Manchmal scheint es, als rinne die Zeit mir zwischen den Fingern davon.“

MARTIN TINGVALL. PIANO.

Udo Lindenberg beschreibt den schwedischen Pianisten und Komponisten schlicht und einfach  als EDWARD GRIEG DES JAZZ. 2015 erscheint, nach zahllosen Trio-CDs und seiner Solo-CD EN NY DAG mit DISTANCE sein zweites Solo-Album. Auch die ZEIT jubelt: "Klavier, nur Klavier, aber wie! Gelebtes Gestern, ersehntes Morgen in Melodien, von denen wir glauben, sie ewig zu kennen. Zwölf Stücke zwischen Lied und Tanz und Traum - innig, verhalten, erfgreifend schön."
"Mit seinem Tingvall Trio wurde er mehrfach ausgezeichnet, aber auch seine Soloalbum "En ny dag" begeistert - und zwar nicht nur Jazz-Fans." Hamburger Morgenpost
„[Tingvalls] Kompositionen, alles starke, sich festsetzende Themen und Melodien, repräsentieren Einflüsse skandinavischer Volksmusik, unüberhörbar aber auch Anklänge an klassische Musik, vorwiegend von Grieg, Bach und Chopin." Jazz'n'More

Gemeinsam mit seinem neuen Trio kehrt Renaud Garcia-Fons dem Mittelmeer den Rücken und richtet den Blick auf seine Heimatstadt Paris. Neue Kompositionen laden uns auf eine Traumreise durch den melodischen Charme von damals und dem lebendigen, kosmopolitischen Paris von heute  ein: Walzer, Balladen, Jazz, klassische Musik und zeitgenössischer Groove. Dieser Spaziergang durch die Straßen von Paris wird begleitet von Renauds Bass, David Ventucci am Akkordeon und Stephan Caracci (Percussion), einem Ensemble aus Virtuosen und Poeten gleichermaßen.
Von „Montmartre en courant“ zu „Rue du Dragon“ ist „Revoir Paris“ die perfekte Melange aus Musik, Groove, Poesie und nostalgischen Klängen, die an die Worte von Charles Trenet erinnern.

Revoir Paris
Un petit séjour d´un mois
Revoir Paris
Et me retrouver chez moi
Seul sous la pluie
Parmi la foule des grands boulevards
Quelle joie inouïe
D´aller ainsi au hasard

Renaud García-Fons ist einer der virtuosesten Kontrabassisten der Gegenwart. Der Franzose spanischer Herkunft übertrifft alles, was im Jazz bis dato auf dem Kontrabass möglich schien.
"Ich habe die verschiedensten Arten von Musik studiert, und meine Ausbildung fiel ein bisschen aus dem Rahmen: Klassik, Jazz, orientalische Musik. Das bewirkte, dass ich mich heute auf ganz unterschiedlichen Terrains bewege, auch wenn es eine kontinuierliche Entwicklung gibt. Was mein Spiel auf dem Kontrabass besonders charakterisiert, ist, dass ich häufig den Bogen einsetze. Es hat mich immer sehr fasziniert, den Bass zum Singen zu bringen."
So bescheiden-charmant beschreibt der französische Bassist Renaud Garcia-Fons sich, seine Musik und seine einzigartige Spielweise

RENAUD GARCIA FONS

LA LINEA DEL SUR
Renaud Garcia-Fons  führt uns der imaginären Straße des Südens. entlang "La Linea Del Sur", so die Bezeichnung der Reiseroute, erweist sich als Ort der magischen Begegnungen. Hier trifft die musikalische Tradition Spaniens auf orientalische und französische Klänge. Allgegenwärtig bleibt dabei die Improvisationsfreude und Verspieltheit des Jazz.
Die zeigt sich nicht nur in den atemberaubenden Soli der vier Instrumental-Virtuosen, sie spiegelt sich ebenso in den Kompositionen selbst wieder. Garcia-Fons' Stücke verbinden Melancholie und Sehnsucht mit tiefer Freude und Ausgelassenheit. Sie überraschen durch ungeahnte Wendungen und verzaubern mit ihrer warmen, gefühlvollen Melodik. Um kitschige Einheitspfade macht die Straße des Südens glücklicherweise einen großen Bogen.

Hier treffen zwei Meister ihres Instruments aufeinander: Der sensationelle Schlagzeuger Dave Weckl (Chick Corea, George Benson, Robert Plant), bekannt für sein dynamisches und facettenreiches Spiel und der legendäre Gitarrist Mike Stern (Blood, Sweat & Tears, Miles Davis, David Sanborn) mit seinen ausserordentlichen technischen Fähigkeiten. Mit Bassist Tom Kennedy und Saxofonist Bob Malach sind vier Grössen des Jazz vereint, die zusammen ein unvergessliches Live-Erlebnis bieten.

MIKE STERN

Im Alter von zwölf Jahren startete der „Bebop-Rocker“ seine Laufbahn als Gitarrist. Stern studierte am renommierten Berklee College of Music in Boston, dort entdeckte er seine Liebe zum Jazz. Stern wurde auf Empfehlung von Pat Metheny, bei dem er in Berklee studiert hatte, Mitglied der Jazz-Rock-Formation Blood, Sweat & Tears, mit denen er zwei Alben veröffentlichte. Er spielte eine Zeitlang in der Gruppe des einflussreichen Drummers Billy Cobham. Als Teil der Band um den Jazz-Trompeter Miles Davis ist er auf dessen Live-Album "We Want Miles" zu hören.
Weitere wichtige Musiker mit denen Mike Stern in den 1980er- und 1990er-Jahren zusammen spielte waren: Jaco Pastorius mit seiner Band Word Of Mouth, David Sanborn, John Scofield, Bill Frisell, Dave Weckl, Jack DeJohnette, Dennis Chambers, die Fusioncombo Steps Ahead von Mike Mainieri und Michael Brecker und 1992 die Brecker Brothers.

DAVE WECKL

eleganz - perfektion - spohisticated: - Kompositorische Raffinesse, technische Brillanz, klangliche Opulenz und Virtuosität in der Improvisation erreichten in der DAVE WECKL BAND  neue, Schwindel erregende Höhen. Dave Weckl, seit Chick Coreas ELECTRIC BAND  von Schlagzeugern aus aller Welt als Guru des Fusion-Drumming verehrt, knüpftan die legendäre Frühphase der Electric Band an, als die komponierten Teile noch nicht bis auf wenige Freiräume alles zuwucherten, sondern die Funktion von Improvisationsvehikeln hatten wie im Jazz. Dave Weckls Schlagzeugspiel setzt mehr denn je Maßstäbe - in seiner rhythmischen Sophistication, klanglichen Eleganz, technischen Perfektion und mitreißenden Spielfreude ...

bei google-österreich dave weckl eingegeben
und jenen witz an vorderer stelle erhalten
Wieviele Jazz-Drummer braucht man, um eine Frau zu befriedigen?
Drei. Einen, der's tut, und zwei, die sich drüber unterhalten, wie's Dave Weckl gemacht hätte.

MIKE STERN

MILES SMILES. Spätestens seit seinen gefeierten Aufnahmen und Live-Gigs mit Trompeten-Legende Miles Davis, ist der 1954 in Boston geborene Gitarrist Mike Stern ein Star der Szene.
Bach, Blood, Sweat And Tears", Brecker Brothers - die Spanne der musikalischen Einflüsse auf den  amerikanischen Gitarristen und Komponisten Mike Stern ist riesig. Die Sonaten und Partiten für Violine solo von Johann Sebastian Bach inspirieren mich bei meinen Kompositionen immer wieder", sagt Mike Stern, der in Berklee studiert hat; in Verbindung mit den Gitarristen Pat Metheny und Mick Goodrick. Pat Metheny brachte ihn mit der Rockgruppe Blood, Sweat And Tears" zusammen. Auch in der Fusion- und Post-Bop-Band Steps Ahead" war Gitarrist Mike Stern mit dabei. Den ersten Ruhm erwarb er sich an der Seite von Miles Davis, bevor er mit dem Bassisten Jaco Pastorius exzessiv Rockjazz spielte. Sein größtes Vorbild ist jedoch Wes Montgomery. Sterns Gitarrenspiel ist erfüllt von Hard-Bop, Jazzrock, aber auch von weichen Klängen, die an die lyrischen Linien von Pat Metheny erinnern.

Iiro Rantala und Ulf Wakenius, das ist eine nahezu magische Verbindung. Nicht von ungefähr füllt das Duo die wirklich ganz grossen Konzertsäle dieser Welt, finden sich doch bei diesem Zusammenspiel zwei Musiker mit internationalem Ruf, unzähligen Auszeichnungen und einem fast unglaublichen Können! Der aus Helsinki stammende Jazz-Pianist Rantala, ein Tausendsassa, der zwischen E-Musik und variantenreichem Jazz sowie nicht zuletzt zwischen der Rolle des fachkundigen Moderators und unterhaltsamen Spassvogels gewandt wechselt, und sein schwedischer Duopartner Wakenius an der Elektrogitarre, seinerzeit Mitglied des weltberühmten Oskar Peterson Quartetts, garantieren musikalischen Hochgenuss und versprechen die eine oder andere Überraschung. Für die Beiden finden sich Beschreibungen der Superlative: spieltechnisch perfektionistisch, enorm einfühlsam, überaus musikalisches Bauchgefühl, berührend, warmtemperiert, ein Naturereignis an den Tasten und einer der grössten lebenden Gitarristen. 

Am Anfang war Bach. So zumindest für Iiro Rantala. Als der finnische Pianist beispielsweise "my history of jazz" 2012 auf die Silberscheibe bannte, liehen darauf Improvisationen über die Goldbergvariationen dem Repertoire den roten Faden. "Johann Sebastian Bach und seine Musik kamen schon in mein Leben, als ich Sechs war", sagte in einem Interview der aus Helsinki stammende Tausendsassa, der zwischen E-Musik und variantenreichem Jazz sowie nicht zuletzt zwischen der Rolle des fachkundigen Moderators und unterhaltsamen Spaßvogels gewandt wechselte und im  Treibhaus musikalisch immer wieder für eine Überraschung sicher ist. 
Was diesmal alle zusätzöoch in seinen Bann ziehen wird, wird das faszinierende Zusammenspiel zweier  spieltechnisch perfektionistischen Musiker steigern, die aus gänzlich unterschiedlichen Lebensläufen heraus überraschend eng in einem ausgesprochen kammermusikalischen Rahmen zueinander gefunden haben. Überraschend vor allem deshalb, weil es offenbar das allererste gemeinsame Projekt der beiden Musiker ist. 
Für den zwölf Jahre älteren Wakenius stand der Gitarrist John McLaughlin im Ursprung seiner Laufbahn als Jazzmusiker, ohne jedoch seine frühen Vorlieben für Blues- und Rockgitarre aus dem Repertoire zu verdrängen. Danach spielte Wakenius mit den größten Jazzern der Gegenwart, um schließlich von 1997 Mitglied an im weltberühmten Oscar Peterson Quartett zu werden. Ein Kontext, der hier eine wichtige Rolle spielen sollte, ist doch die Kombination aus E-Gitarre und Klavier, wenn keine weiteren Instrumente zur Verfügung stehen, nicht gerade unproblematisch.
Eben nicht so für Rantala und Wakenius, die eine geradezu magische Verbindung eingehen. Beide begeisterten in diesem Sommer mit schönfarbig austarierter Farbbalance und vor allem mit einer enormen Einfühlsamkeit gerade in den Balladen wie etwa "Tears for Esbjörn" oder bluesig im Klassiker "What a wonderful World" das Publikum aller eur opäischen Jazzfestivals. Eine Dramaturgie, die aus einem überaus musikalischen Bauchgefühl kommt und daher auch eine sehr individuelle, persönliche Ausdrucksprägung erfährt. Und die ist in der nordischen Musikkultur immer auch sehr berührend, warmtemperiert und auf eine klar exponierte Melodik fokussiert. Dabei immer in vollkommener Klarheit und Transparenz, mit nur wenigen elektronischen Klanghelfern an der Gitarre.

ULF WAKENIUS

Knapp elf Jahre war Ulf Wakenius Gitarrist im Quartett des legendären Oscar Peterson, bis zu dessen Tod im Jahr 2007, ebenso spielte er jahrelang mit Bassist Niels-Henning Ørsted Pedersen. Seine aktuell sicher wichtigste musikalische Partnerin ist die koreanische Sängerin Youn Sun Nah, mit der er, zumeist im Duo, innerhalb der letzten Jahre hunderte umjubelte Konzerte rund um den Globus spielte. Auf seinen Aufnahmen als Leader zeigt sich der hochvirtuose Gitarrist oft von seiner ruhigen, melodischen Seite, zumeist an der Akustikgitarre – mit Bearbeitungen der Musik von Esbjörn Svensson oder Keith Jarrett ebenso, wie bei seinen stimmungsvollen, oft weltmusikalisch gefärbten Eigenkompositionen.

IiRO RANTALA

Iiro Rantala ist ein „Naturereignis an den Tasten“ (Jazzthing), ein Alleskönner, von dem der New Yorker Pianist und Arrangeur Gil Goldstein völlig zu Recht sagt: „Iiro Rantala ist eine pianistische Sensation und der stärkste mir bekannte Grund, an Reinkarnation zu glauben: Weil seine Technik wie sein musikalischer Sensus aus Tiefen spricht, die unmöglich in einem Leben alleine ergründet sein können.“
Bislang war der Name Rantala vor allem mit dem Trio Töykeät verbunden, einem der wildesten, witzigsten und visionärsten Klaviertrios der internationalen Jazzszene: Da lotete der finnische Pianist alle Möglichkeiten dieser klassischen Besetzung aus, mal als energiegeladener Tastenlöwe, mal als feinfühliger Romantiker, dann wieder als burlesker Spaßvogel. Sein Spiel sprengte zwar alle Stile und war ebenso kompromisslos wie zugleich unterhaltsam, doch wurde es stets von einem magischen Dreieck zusammengehalten: grenzenlose Technik, Sinn für Humor und untrüglicher Geschmack. Qualitäten, die sich Rantala bewahrt hat, auch nachdem er 2006 das Trio Töykeät nach 18 Jahren aufgelöst hatte, um sich auf seine Solokarriere zu konzentrieren.  Diese kam in Schwung als Rantala mit Lost Heroes 2011 sein Debüt als Exklusivkünstler bei ACT gab. Auf dem Soloklavieralbum zollt der Finne seinen musikalischen Helden von Jean Sibelius, Esbjörn Svensson bis hin zu Luciano Pavarotti mit Eigenkompositionen Tribut. Rantala vermeidet dabei jegliche Sentimentalitäten zugunsten einer großen, ehrlichen Geste der Verehrung, und bleibt dabei ganz er selbst: Einer der souveränsten Pianisten des skandinavischen Jazz. 

Rebekka Bakken zählt ohne Zweifel zu den markantesten weiblichen Stimmen Europas. Ihr Stil umfasst mehrere Genres und „nur“ mit Jazz ist es bei ihr nicht getan: es kann bei Bakken auch ruhig mal soulig, tief eintauchend in einen erdigen Blues –sogar folkig oder Country-nah klingen. Über drei Oktaven kann die Norwegerin singen, aber Virtuosität steht bei ihr nicht im Mittelpunkt. Vielmehr ist für Bakken ihre Stimmbreite nur ein Werkzeug um ihre Geschichten zu vermitteln.
Als Singer-Songwriterin spielen ihre Texte eine genauso so große Rolle wie ihre Musik. Einer ihrer wirklich großen Stärken ist die Einzigartigkeit mit der sie Emotionen rüber bringen, und auf ihren Konzerten das Publikum jedes Mal aufs Neue in einem magischen Bann versetzen kann. Mal friedlich sanft und gleich im nächsten Moment rau und voller Wucht singt sie melancholisch oder gelassen cool über die wichtigen Themen im Leben. 

Schon seit ihren Anfängen begeistert Bakken Kritiker und Publikum, für ihr Debütalbum „The Art of How to Fall“ bekam sie 2003 sogleich zwei goldenen Schallplatten in Deutschland und Österreich. Seit dem brillanten Karriereeinstieg ist Bakken erfolgreich geblieben. U.a. hat die Norwegerin in ihrer Karriere zwei weitere goldene Schallplatten in Deutschland, mehrere ECHO Jazz Nominierungen und den Amadeus Award, den wichtigsten österreichischen Musikpreis, gewonnen. 
Die Norwegerin hat sich über die Jahre ohne Zweifel eine treue Fangemeinde aufgebaut –und genau die Fans können sich dieses Jahr besonders freuen: am 1. Juli 2016 bringt Universal Music ein „Best-of“ Album raus –aber, aufgepasst: als Bonus enthält die Platte noch fünf bisher unveröffentlichte Songs!

REBEKKA BAKKEN MIT PIPPO POLLINA //  E laggiù le lampare

REBEKKA BAKKEN

Eine Sirene. Wer sie hört, ist verloren

"Rebekka ist eine ungewöhnliche Künstlerin" schwärmt Wolfgang Muthspiel. Der Tages-Anzeiger formuliert es zielbewusster und aussagekräftiger: "Sie hat eine schöne, außergewöhnlich reine, modulationsfähige Stimme, die man schnell zu kennen glaubt und die dann doch immer wieder andere, neue Facetten zeigt: wenn sie plötzlich warm wird, wenn die jungmädchenhafte Naivität sich als doppelter Boden erweist, wenn sie schnell einmal ein bisschen wie eine Rockröhre loslegt."
“Das Sinnlichste, was weiblicher Jazz zu bieten hat” schrieb PRINZ, und die Welt erkannte “die Aura hat einen Namen: Rebekka Bakken”. Der Konzertkritiker der FAZ schwärmte von der “bis unter die Haarspitzen erotischen Frau” als “Schöne der Nacht und größte Entdeckung”, und nicht zuletzt in der Süddeutschen Zeitung war zu lesen: “Dass einem Rebekka Bakkens Stimme die Sprache verschlägt, hat sich herumgesprochen”.

Rebekka Bakken zählt ohne Zweifel zu den markantesten weiblichen Stimmen Europas. Ihr Stil umfasst mehrere Genres und „nur“ mit Jazz ist es bei ihr nicht getan: es kann bei Bakken auch ruhig mal soulig, tief eintauchend in einen erdigen Blues –sogar folkig oder Country-nah klingen. Über drei Oktaven kann die Norwegerin singen, aber Virtuosität steht bei ihr nicht im Mittelpunkt. Vielmehr ist für Bakken ihre Stimmbreite nur ein Werkzeug um ihre Geschichten zu vermitteln.
Als Singer-Songwriterin spielen ihre Texte eine genauso so große Rolle wie ihre Musik. Einer ihrer wirklich großen Stärken ist die Einzigartigkeit mit der sie Emotionen rüber bringen, und auf ihren Konzerten das Publikum jedes Mal aufs Neue in einem magischen Bann versetzen kann. Mal friedlich sanft und gleich im nächsten Moment rau und voller Wucht singt sie melancholisch oder gelassen cool über die wichtigen Themen im Leben. 

Schon seit ihren Anfängen begeistert Bakken Kritiker und Publikum, für ihr Debütalbum „The Art of How to Fall“ bekam sie 2003 sogleich zwei goldenen Schallplatten in Deutschland und Österreich. Seit dem brillanten Karriereeinstieg ist Bakken erfolgreich geblieben. U.a. hat die Norwegerin in ihrer Karriere zwei weitere goldene Schallplatten in Deutschland, mehrere ECHO Jazz Nominierungen und den Amadeus Award, den wichtigsten österreichischen Musikpreis, gewonnen. 
Die Norwegerin hat sich über die Jahre ohne Zweifel eine treue Fangemeinde aufgebaut –und genau die Fans können sich dieses Jahr besonders freuen: am 1. Juli 2016 bringt Universal Music ein „Best-of“ Album raus –aber, aufgepasst: als Bonus enthält die Platte noch fünf bisher unveröffentlichte Songs!

REBEKKA BAKKEN MIT PIPPO POLLINA //  E laggiù le lampare

REBEKKA BAKKEN

Eine Sirene. Wer sie hört, ist verloren

"Rebekka ist eine ungewöhnliche Künstlerin" schwärmt Wolfgang Muthspiel. Der Tages-Anzeiger formuliert es zielbewusster und aussagekräftiger: "Sie hat eine schöne, außergewöhnlich reine, modulationsfähige Stimme, die man schnell zu kennen glaubt und die dann doch immer wieder andere, neue Facetten zeigt: wenn sie plötzlich warm wird, wenn die jungmädchenhafte Naivität sich als doppelter Boden erweist, wenn sie schnell einmal ein bisschen wie eine Rockröhre loslegt."
“Das Sinnlichste, was weiblicher Jazz zu bieten hat” schrieb PRINZ, und die Welt erkannte “die Aura hat einen Namen: Rebekka Bakken”. Der Konzertkritiker der FAZ schwärmte von der “bis unter die Haarspitzen erotischen Frau” als “Schöne der Nacht und größte Entdeckung”, und nicht zuletzt in der Süddeutschen Zeitung war zu lesen: “Dass einem Rebekka Bakkens Stimme die Sprache verschlägt, hat sich herumgesprochen”.

Sein Name ist Synonym für funky Musik, sein Stammbaum ist makellos und seine Band ist das tighteste kleine Funk Orchester der Welt. MACEO PARKER ist eine Legende. Bei dem 74 -jährigen Star-Saxofonisten und Sänger weiß man eben, was man bekommt: Schwärzer geht es nicht als bei den Konzerten des einstigen Oberzeremonienmeisters von James Brown. Was er mit Kumpels wie Pee Wee Ellis beim "Godfather Of Soul" auf die harte Tour gelernt hat und später in Diensten von Stars wie George Clinton, Prince, Ray Charles, Rod Steward oder De La Soul in Szene setzte, lässt er mit eigener Band kompromisslos krachen: Meist gute drei Stunden lang wird das Publikum gegen die Wand geblasen, von slappendem Bass, wirbelnder Gitarre, wabernder Hammond, hartem Schlagzeug, bissigen Bläsersätzen - und natürlich den grellen Altsaxofon-Linien und Sing-and-Shout-Vokalisen des Meisters selbst.
Einst wollte er spielen wie sein Namensvetter Charlie, dachte sich dann aber doch: "Wie wäre es statt ,Maceo Parker spielt Charlie Parker' mit ,Maceo Parker spielt Maceo Parker'" und prägte den unverwechselbaren "Maceo-Sound". Jetzt wieder zu erleben - natürlich im Treibhaus, eines seiner Wohnzimmer in Europa!

und ein Dkument aus der Urgeschichte des Funk: Maceo bei James Brown!

MACEO PARKER

74 und kein bißchen leise, 98 % Funk, der Rest ist Soul plus einer Prise Jazz....
Der Ton aus seinem Saxophon kommt äußerst präzise und scharf. Er bläst mit so viel Attack an, dass man fast den Eindruck bekommt, es sei ein Perkussionsinstrument zu hören. Die Riffs sind dementsprechend rhythmusorientiert. So ergänzt sein Spiel, vor allem wenn er begleitet, die synkopierten Arrangements der Rhythmusgruppe. Das ist Maceo Parkers Art, in einer Funk band Saxophon zu spielen. Damit wird er berühmt und dies begeistert auch die Funkdinosaurier James Brown und George Clinton viele Jahre während er bei ihnen Bandmitglied ist.
Der Aufstieg des 1943 geborenen Maceo  Parker,  begann vor fünfizg Jahren in der Band von James Brown, lang war er dessen Bandleader, Bereits früh liess Parker auch mit eigenen  Projekten aufhorchen; weitere wichtige Stationen seiner Karriere waren die Zusammenarbeit mit  Ray Charles, George Clinton, Bootsy Collins, Prince... 
Sein Sound ist unverwechselbar. Klar, kühn, mit einem gospelartigen Rhythmus. Er gilt als der Inbegriff des Funk. Sein Saxophonspiel ist unverkennbar, seine Band das knackigste kleine Funk-Orchester der Welt. Man kann gar nicht sagen, was zuerst kam, Funk oder Maceo Parker. Seit den 60ern prägt er die Szene und spielte mit allem, was Rang und Namen hat, von James Brown bis Ray Charles, George Clinton, Bootsy Collins, Prince und vielen mehr. Als „zwei Prozent Jazz und 98 Prozent funky“, bezeichnet Parker seine Musik.

Sofa Surfers - 20 Jahre Tour

631152000 Sekunden. Das sind 175320 Stunden. Oder 7305 Tage. So lange ist es her, dass die Sofa Surfers ihr erstes Werk veröffentlicht haben. Als darken Appetizer für das im Herbst erscheinende Jubiläumsalbum 20 sendet die Band mit See The Light ein Rework ihres Songs aus dem Jahr 2002: Strahlend schwarz und voller atmosphärischer Irritationen ist es geworden - die Feierlichkeiten mögen hiermit elegant eröffnet sein.

SOFA SURF - Geschichtsforschung

Eigentlich hatten die vier Wiener Wolfgang Frisch, Markus Kienzl, Michael Holzgruber und Wolfgang Schloegl gar keine Lust, eine Popband zu werden. Jeder von ihnen hatte genug mit eigenen Projekten zu tun. Kruder & Dorfmeister vom ebenfalls aus Wien stammenden Remix-Duo mussten die vier der Legende nach erst mühselig überreden. Fest steht, dass Richard Dorfmeister den Sofa Surfers mit einem Remix von "Sofa Rockers" erste Starthilfe bei den Medien gab.
Da geht was: Club-Rocken mit den Sofa Surfers oder Blut, Schweiß und Tränen fühlen mit Psychopunch. Wers weniger dreckig mag, lausche der neuen deutschen Rock-Hoffnung Monochrome, himmle Cardigans-Sängerin Nina Persson an, entfliehe der Welt mit Nada Surf und lehne sich mit Home Of The Lame zurück. Später machen die vier Soundtüftler sich einen Namen und gelten mit K&D als Hauptprotagonisten eines sogenannten "Vienna Sounds".
Das 1997er Album "Transit" mit den beiden Singleauskopplungen "The Plan" und "Sofa Rockers" erregte bereits Aufsehen in der europäischen Dub- und Techno-Szene, die anschließende Tour erntete Begeisterungsstürme.

SOFA SURFERS

Scrambles, Anthems and Odysseys
Musik für Zeiten des Umbruchs / Dunkle Welten vs. Emotionen
Mit ihrem neuen Album Scrambles, Anthems and Odysseys errichten die Sofa Surfers eine teils dystopische, teils hoffnungsvoll mutige Parallelwelt. Dabei gelangen sie an musikalische Orte, die sich zwar von Beginn ihrer Karriere an am Horizont abgezeichnet haben, die aber bislang selten noch derart kompromisslos erreicht wurden: Ohne Hemmungen gehen hier dunkle Drohnen und SciFi-Synths mit packenden Kompositionen und exzellenten Vocals Allianzen ein; mehr denn je erlaubt sich die Band Gefühle – und die dürfen durchaus auch mal groß sein. 
Massive Trap- und Electrobeats treffen auf Rave-Referenzen sowie auf dezente Anleihen aus den 1980er-Jahren – und auf Mani Obeyas mitreißend klare, bei Bedarf wunderschöne Stimme, die den erzählerischen Bogen mühelos zu spannen vermag. Mit Soulcat E-Phife wurde für ein paar Songs ein kongenialer Gegenpart gefunden: Die Wiener Rapperin treibt das Tempo voran und unterstützt den für die Sofa Surfers ungewohnt emotionellen Ansatz. 
Denn das ist wohl das Erstaunlichste auf dem achten regulären Studioalbum der Band: der Mut zur Melodie, das Bekenntnis zur Emotion. Das hat man von den Sofa Surfers so kompromisslos noch nicht gehört. Ungewöhnlich? Ja – und es ist verdammt gut so.

"Pferde sind die rhythmusorientiertesten Tiere, die es gibt. Es ist unmöglich, dass Menschen, die viel Zeit in der Gesellschaft von Pferden zubringen, ihr Gespür für Rhythmus NICHT absorbieren." 
Die Mitglieder von Huun Huur Tu haben offenbar ihr halbes Leben in der Gesellschaft von Pferden zugebracht. Die übrige Zeit über befinden sie sich auf Tour, um den Rest der Welt mit dem musikalischen Erbe ihrer Heimat zu beglücken: In der autonomen russischen Republik Tuva, im Nirgendwo an der sibirisch-mongolischen Grenze, pflegt man die traditionelle Kunst des Obertongesangs seit Hunderten von Jahren.
Huun Huur Tu, das Stimmwunder aus Tuva, gelten als beste Obertonsänger der Welt. Ihre Musik fasziniert die Leue rund um den Globus seit mehr als 20 Jahren.

HUUN HUUR TU

obertoene aus sibirien - "Mother Earth - Father Sky"

Kaigal-ool Khovalyg, voc, Igil
Anatoli Kuular, voc, Byzaanchi, Khomuz
Sayan Bapa, voc, git
Alexei Saryglar, voc, Tuyug, Tungur
 
Huun-Huur-Tu sind zwar nur zu viert, aber mit Unter- und Ober-Tönen erzeugen sie einen ganzen Kosmos voller mythischer Töne. Traditionelle Gesangstechniken ihrer zentralasiatischen Heimat machen es möglich.
Huun-Huur-Tu stammen aus Tuwa, einer abgeschiedenen Republik zwischen Süd-Sibirien und der chinesischen Mongolei. Nur Himmel, Wind und Wasser haben dort über Jahrtausende die Landschaft geprägt - und die Musik.
Huun-Huur-Tu ist tuwinisch und bedeutet soviel wie Sonnen-Propeller: Ein Bild für die Licht-Strahlen, die der Zentralkörper unseres Planetensystems bei Sonnenauf- und Untergang aussendet. Die vier Musiker verstehen die Licht-Brechungen, die die Strahlen erzeugen, als Analogie zur Brechung der Klänge, wie sie beim Kehlkopf- und Obertongesang entsteht.
Die vier Virtuosen von Huun-Huur-Tu, die sich auf traditionellen Instrumenten der mongolischen Hirtenkultur begleiten, waren u. a. für Frank Zappa, Johnny ‚Guitar' Watson, Ry Cooder und das Kronos Quartet tätig. Ihre mystische Gesangskunst ruft weltweit Begeisterung hervor.

The biggest pop star of the West African nation of Mali. (Rolling Stone)
His reputation as a guitar player has become almost mythical, combining rock and classical techniques with Malian tunings that make the guitar sound like a kora or ngoni. (New York Times)
Habib Koité ist ein Phänomen: Der Sänger und Gitarrist aus Mali verbindet Virtuosität mit einer weise anmutenden Form der Gelassenheit. Das ist Malis goldene Stimme. (Stadt-Anzeiger)

Habib Koité / lead vocal, guitar,
Abdoul Wahab Berhé / bass, kamalé ngoni
Issa Koné / guitar, banjo, backing vocals
Charly Coulibaly / keyboard, backing vocals
Mama Koné / percussions, backing vocals
Mahamadou Koné / tamani (talking drums), barra

HABIB KOITE

Habib Koité ist ein begnadeter Geschichtenerzähler und Komponist und seine Melodien bleiben gerne im Ohr. Seit den späten 80er Jahren ist er auf allen Kontinenten zu hören - aber Koité hat sich bewusst für ein Leben in Mali entschieden, das ihm trotz der Widrigkeiten sinnvoller und glücklicher erscheint als die Entwurzelung. Sein Glück liegt also in den Wurzeln.  Die New York Times schreibt über ihn: “Seine Reputation als Gitarrist ist schon beinahe mytisch, er kombiniert Rock – und Klassiktechniken mit Stimmungen aus Mali, die die Gitarre wie eine Kora oder N’Goni klingen lassen.” “Koité ist über 20 Jahre lang leise seinem Instinkt gefolgt und hat dabei nie auch nur die leiseste Konzession an das “Weltmusik” Geschäft gemacht”. So ist er einer der wichtigsten afrikanische Sänger des 21.Jahrhunderts geworden - neben Youssou N‘Dour und Lokua Kanza: Der Malier Habib Koité hat das Bild der Sahel-Musik für immer verändert - als Brückenbauer zwischen Singer-Songwriter und Griot, zwischen Savannen-Traditionen und Rock, zwischen afrikanischem Selbstbewusstsein und vielfältigen Berührungen mit Europa. Auch für Habib ist das Treibhaus ein Stück Heimat geworden: Sein liebstes Wohnzimmer - immer und jedes Mal wenn er nach Europa kommt... Wassiyé!

METROMONK

Es ist jetzt nicht so, dass man Manu Delago nicht zugetraut hätte, ein wahres Meisterstück abzuliefern. Dass der Hang- und Percussion-Spieler im Dienste der Pop-Ikone Björk sein Handwerk versteht und die hohe Kunst des Musikmachens exzellent beherrscht, weiß man spätestens seit seinem letzten Album „Silver Kobalt“ aus dem Jahr 2015. Doch das, was der gebürtige Tiroler auf „Metromonk“ vom Stapel lässt – alle Achtung. Einen solch großen Wurf hat man vielleicht erhoffen, aber definitiv nicht erwarten können.
Manu Delago zeigt sich auf seinem neuen Album als ein Künstler, der aus seinem Instrument wirklich das Maximum herausholen will. Man hört den Nummern an, wie sehr er sich mit ihnen beschäftigt hat, wie intensiv er mit einer ungemeinen Liebe zum Detail an ihnen herumgebastelt hat. Kein Ton, keine Melodie wirkt fehl am Platz, kein Arrangement, kein Aufbau irgendwie unüberlegt, keines der zusätzlichen Instrumente (u. a. Trompete, Piano) ohne Bedacht gewählt.

Und obwohl sich alles so ausgeklügelt darstellt, besitzt seine Musik eine Seele. Manu Delagos Nummern leben, sie atmen Emotionen, sie malen Bilder und entwickeln eine Atmosphäre der Geborgenheit, eine Stimmung, in die man sich – wie in ein weiches Bett – einfach nur hineinfallen lassen will. Schon der Opener „A Step feat. Pete Josef“ offenbart sich als ein echtes Glanzstück, das so richtig tief unter die Haut geht. Die träumerische und fragile Klangkulisse des in London lebenden Tirolers in Kombination mit der eindringlich sanften Stimme des britischen Sängers sorgt gleich zu Beginn für einen ersten intensiven Gefühlsschauer.

Line up: 
Manu Delago - Hang, Drums, FX
Isa Kurz - Piano, Violin, Vocals
Chris Norz - Beats, Timpani

MANU DELAGO

MANU DELAGO: SILVER KOBALT

Bei Musikgrößen wie Björk, Anoushka Shankar und Cinematic Orchestra ist Manu Delago essentieller Bestandteil der Band. Jetzt präsentiert der Tiroler Musiker und Komponist sein neues Album Silver Kobalt, auf dem seine unbändige Schaffenskraft das nächste Level erreicht. Der „Master Hang Drummer“ bietet auf der bevorstehenden Europa-Tour ein famoses Wechselspiel von experimentellem Pop, detailverliebter Elektronik und verrockter Kammermusik. 

LINE UP:

Manu Delago - Hang & Electronics

Isa Kurz - Gesang, Klavier & Geige

Christof Dienz - Fagott & Synths

Chris Norz - Beats & Percussion

METROMONK

Es ist jetzt nicht so, dass man Manu Delago nicht zugetraut hätte, ein wahres Meisterstück abzuliefern. Dass der Hang- und Percussion-Spieler im Dienste der Pop-Ikone Björk sein Handwerk versteht und die hohe Kunst des Musikmachens exzellent beherrscht, weiß man spätestens seit seinem letzten Album „Silver Kobalt“ aus dem Jahr 2015. Doch das, was der gebürtige Tiroler auf „Metromonk“ vom Stapel lässt – alle Achtung. Einen solch großen Wurf hat man vielleicht erhoffen, aber definitiv nicht erwarten können.
Manu Delago zeigt sich auf seinem neuen Album als ein Künstler, der aus seinem Instrument wirklich das Maximum herausholen will. Man hört den Nummern an, wie sehr er sich mit ihnen beschäftigt hat, wie intensiv er mit einer ungemeinen Liebe zum Detail an ihnen herumgebastelt hat. Kein Ton, keine Melodie wirkt fehl am Platz, kein Arrangement, kein Aufbau irgendwie unüberlegt, keines der zusätzlichen Instrumente (u. a. Trompete, Piano) ohne Bedacht gewählt.

Und obwohl sich alles so ausgeklügelt darstellt, besitzt seine Musik eine Seele. Manu Delagos Nummern leben, sie atmen Emotionen, sie malen Bilder und entwickeln eine Atmosphäre der Geborgenheit, eine Stimmung, in die man sich – wie in ein weiches Bett – einfach nur hineinfallen lassen will. Schon der Opener „A Step feat. Pete Josef“ offenbart sich als ein echtes Glanzstück, das so richtig tief unter die Haut geht. Die träumerische und fragile Klangkulisse des in London lebenden Tirolers in Kombination mit der eindringlich sanften Stimme des britischen Sängers sorgt gleich zu Beginn für einen ersten intensiven Gefühlsschauer.

Line up: 
Manu Delago - Hang, Drums, FX
Isa Kurz - Piano, Violin, Vocals
Chris Norz - Beats, Timpani

MANU DELAGO

MANU DELAGO: SILVER KOBALT

Bei Musikgrößen wie Björk, Anoushka Shankar und Cinematic Orchestra ist Manu Delago essentieller Bestandteil der Band. Jetzt präsentiert der Tiroler Musiker und Komponist sein neues Album Silver Kobalt, auf dem seine unbändige Schaffenskraft das nächste Level erreicht. Der „Master Hang Drummer“ bietet auf der bevorstehenden Europa-Tour ein famoses Wechselspiel von experimentellem Pop, detailverliebter Elektronik und verrockter Kammermusik. 

LINE UP:

Manu Delago - Hang & Electronics

Isa Kurz - Gesang, Klavier & Geige

Christof Dienz - Fagott & Synths

Chris Norz - Beats & Percussion

Dominik Plangger legt mit trans/alplantisch sein viertes Album vor: 11 neue Songs, die vor allem wieder eines sind: zutiefst bewegend. Das Album ist eine musikalische Reise durch die Alpen und weit darüber hinaus. Obwohl – oder vielleicht gerade weil – der Singer-Songwriter Dominik Plangger schon lange nicht mehr dort lebt, ist seine Heimat doch ein großes Thema. Aufgewachsen in einem kleinen Bergdorf in Südtirol, kennt er die manchmal durchaus liebenswerten Ecken und Kanten der dort beheimateten Berg- und Talbewohner nur zu gut, und in den Sommermonaten zieht es ihn jedes Jahr für einige Monate in die Einsamkeit der Berge. 

So manche alpenländische Melodie schleicht sich denn auch in zwei, drei Songs ein und gibt ihnen gemeinsam mit den Anleihen aus der Folk/Country-Ecke und Weltmusik eine behagliche Patina. Neben den vier Titeln im Dialekt reiht sich ein italienisches Lied ganz nonchalant an die weiteren Songs in deutscher Sprache. Die Vielfalt der Sprachen im Alpenraum und der Kulturen im Allgemeinen sind für Dominik Plangger immer wieder ein Thema, mit dem er sich intensiv auseinandersetzt.  Dominik Plangger zeigt sich als ein wacher Beobachter unserer Welt, ein Poet, der Gedanken zu Papier bringt und in seine eigene Musik verpackt, so als könnte dieses Lied nie anders klingen.

DOMINIK PLANGGER

Dominik Plangger ist im Südtiroler Vinschgau geboren und aufgewachsen und macht seit frühester Jugend Musik. Er zählt Bob Dylan, Arlo Guthrie, Townes Van Zandt und Konstantin Wecker, aber auch Liedermacher wie Reinhard Mey und Hannes Wader zu seinen Einflüssen und singt in deutscher Sprache.
War Dominik Plangger zu Beginn noch Frontman einer Rockgruppe, wandte er sich in späteren Jahren der Akustik-Gitarre zu und definiert seine Musik dementsprechend selbst als Indie-Folk. 2008 erschien die erste CD »Gestern noch«. Es folgte eine Reihe von vielbeachteten Auftritten, unter anderem in Bayern, beim Festival »Songs an einem Sommerabend«. Dort wurde im Jahr 2009 Konstantin Wecker auf ihn aufmerksam, mit dem er seither einige Male gemeinsam auf der Bühne gestanden ist.
Das 2010 erschienene zweite Album »Am Fenster« zeigt Dominik Plangger als gereiften Songwriter, der sich für seine künstlerische Entwicklung Zeit gelassen hat. So spielte er in Irland, aber auch in anderen europäischen Ländern als Straßenmusiker. In seinen Liedtexten erhebt er kritisch seine Stimme gegen Krieg, Rassismus und Faschismus und singt für Freiheit und Revolution: »Ich kann da einfach nicht zusehen / wie die Mauern zerbröckeln, diese Welt zusammenbricht / ich will was bewegen, ich seh‘s als meine Pflicht«.
Am 4. Oktober 2013 ist Dominik Planggers drittes Album. ‘Hoffnungsstur’ unter Konstantin Weckers Label ‘Sturm & Klang’ erschienen

Stefan Hantel und sein Bucovina Club Orkestar machen paneuropäische Popmusik zum Tanzen und das so universell, dass sie von Finnland bis in die Türkei Erfolge feiern. Shantel und Orkestar predigen Multikulti nicht, sondern machen Multikultie. Lustvoll. Raumgreifend. In-die-Beine-fahrend.

In den 90ern war er der deutsche König des Downbeat, frisierte ab 2000 Balkan Polka mit Electro Beats auf und lud zur hedonistischen Abfahrt in die „Disko Partizani“. Nun vollzieht der unermüdliche Soundforscher vom „Planeten Paprika“ seine nächste Häutung: Auf seinem neuen Album „Anarchy & Romance“ überträgt Shantel erstmals organischen, dreckigen Garage-Band-Sound mit Sixties Flavour in seinen unverwechselbaren Klangkosmos. Denn sich auf dem Lorbeer des Erfolges ausruhen, das war nie die Sache des Stefan Hantel. Nur dank hartnäckiger Basisarbeit und dem Ignorieren von Erwartungshaltungen konnte er seinen Sonderstatus erreichen, der ihn in viele europäische Charts, mehrmals um die ganze Welt und – als ersten deutschen Künstler überhaupt – sogar nach Glastonbury sowie auf ziemlich alle anderen wichtigen internationalen Festivals brachte.

„Ein Diamant gibt mir nichts, nur in einem Misthaufen gedeihen wundersame Geschöpfe“, bekennt Shantel und stellt auf „Anarchy & Romance“ konservative Rock- und Pop-Klischees auf den Kopf, ohne dabei in die Hipness-Falle zu tappen. Auf unsere hyperbeschleunigte, globalisierte Welt antwortet der  Frankfurter mit einem zwischen Vintage und Zukunft swingendem Stil-Chaos. Getrieben von der Live-Energie seines Bucovina Club Orkestars treffen auf dem Album, wie Shantel sagt, „Songs, Balladen & Party-Burner auf den Sound der wilden Sixties, Rock’n’Roll und Future-Funk, meine geliebten Rickenbacker-Gitarren, ein krachendes Schlagzeug und ein Fender-Rhodes-Piano rocken mit den Blechbläsern meiner Band, als ob es der letzte Tag der Menschheitsgeschichte wäre…“.

Allesamt explosive Zutaten also, die Konzertsäle zum Bersten bringen könnten. Wenn da nicht Shantel selbst wäre, der – einem Dompteur gleich – das Publikum stets im Griff hat. 
„Es gibt keinen anderen deutschen Musiker, der von einer Metropole in Griechenland, Italien oder Frankreich bis hin zum englischen Mega-Rock-Festival à la Glastonbury oder dem dänischen Roskilde-Festival die Menschen auf diese Art in seinen Bann ziehen kann. Zu den krassen Klängen von Shantel tanzt jeder – und zwar sofort!“.

SHANTOLOGY 30 Jahre Club Guerilla TOUR 2017

Shantel versteht es, einen Club, das Konzerthaus, den staubigen Boden vor einer Festivalbühne oder eine Mehrzweckhalle in eine temporäre autonome Zone zu verwandeln; in einen Ort, an dem Integration nicht sinnlos diskutiert werden muss, sondern immer wieder Realität wird: Hier wird gemeinsam getanzt!Mehrere weltweit ausgezeichnete Alben, die ein weites Spektrum von Stilen abdecken, hunderte von Konzertauftritten, Festivals und Partys, die er mit seinem einzigartigen eklektischen Sound befeuerte, Hymnen wie „Bucovina“, „Disko Partizani“, „Disko Boy“ oder „Citizen of Planet Paprika“ - all das kann sich der Musiker Shantel auf die Fahnen schreiben. Ein „deutsches Phänomen“ (Vogue) machte sich in Windeseile von Europa ausgehend bekannt (die Türkei, wo Shantel eine Popikone ist, zählen wir gerne dazu), inspirierte zahllose Künstler von Finnland bis nach Buenos Aires oder Ex-Jugoslawien (Dauerrotation auf MTV Balkanika).

Shantels Vision ist es eine paneuropäische Popmusik zu schaffen, die überall auf der Welt verstanden werden kann. Es scheint ihm tatsächlich zu gelingen. Eine Schlüsselszene aus Fatih Akins Film „Soul Kitchen“ wurde mit Shantels Musik vertont. Auch auf der Milano Fashion Week ist er zu Hause, wo er den Soundtrack für die Jean-Charles de Castelbajac Iceberg Show gestaltete. Models und Presse jubelten. Der Terminkalender ist bis weit ins Jahr 2011 voll. Die wenige restliche freie Zeit sperrt er sich ins Studio ein, um mit geschätzten Kollegen seinen nächsten Streich vorzubereiten .

Shantel hat seine einzigartige Karriere in den 80ern gestartet. 80er? Da war doch was? Diese Musik, die gerne auf Themenpartys verhandelt wird… Nein, ganz anders! Die 80er sind hier die Chiffre für das, was alles zu diesem Zeitpunkt möglich war. Punk hatte den Mief des immer inhaltsleereren Glamrock und seine Stereotypen weggefegt und die Köpfe freigemacht. In den frühen 80ern hielt diese frische Brise noch an, bevor es mit dem kommerziellen Ausverkauf der DIY-Ideale sich wieder schloss, der Pop synthetisch wurde und die MTV-Culture übernahm.
Einer, der das Spiel schon damals nicht mitmachen wollte, war ebenjener Shantel. Aktiv im Untergrund des Bauchnabels Deutschlands, Frankfurt am Main, betrieb er dort im heute ultra-hippen Bahnhofsviertel einen illegalen Underground-Club, in dem musikalisch alles möglich war und heftig experimentiert wurde. Hier traf sich eine international bunt gemischte Szene aus Kunststudenten, Bohemiens, Langzeitakademikern, jungen Musikern, Immigranten, Schwulen und Lesben und gestrandete Freaks aus aller Herren Länder. Im 3. Stock eines Gründerzeithauses gelegen, zog der Club mit seinem eklektische Ansatz Massen von ebenso abenteuerlustigen Nachtschwärmern und Clubgängern an wie das Licht die Motten. Der Andrang war so groß, dass die Schlange der Wartenden oft bis zum nächsten Häuserblock reichte. Und das, obwohl das Bahnhofsviertel auf Platz eins der deutschen Kriminalitätsstatistik lag. Shantels Devise war: „Vorwärts in alle Richtungen, lasst uns experimentieren und demonstrieren.“ Eine Demo gab es in der Demo-Hauptstadt Deutschlands jeden Samstag. Sounds des Widerstandes und der Vielfalt schallten aus den Lautsprecherwagen: Roots-, Dub-Reggae und Arab-Pop.
Dub-Reggae, ein Musikstil, der Shantel sehr beeinflussen sollte, brasilianische Musik, Oriental- und Arab-Pop ebenso. Aber wollen wir hier Stil-Erbsen zählen? Wichtig ist doch viel mehr das, was sich für Shantel aus der Rezeption verschiedenster musikalischer Genres ergab. Er realisierte, dass wann immer ein neuer Stil seine Nase zeigte, er früher oder später statisch wurde und damit langweilig. Man nehme nur das Beispiel Techno – kaum einer weiß heute, dass Frankfurt am Main die Geburtsstube dessen deutscher Ausformung war. Aber auch Techno war nur bedingt ShantelsDing. Also selber machen, was Neues anfangen, wieder und wieder und wieder.
 
Ab 1986 sahen wir Shantel mit einem griechisch-türkischen Underground-Projekt auf der Bühne. Sie spielten für die griechisch-türkischen Communities in ganz Deutschland den damals schwer angesagten griechischen Outlaw-Blues Rembetiko, und Shantel lieferte die Beats dazu. In seinem Bahnhofsviertel-Club Lissania Essay drehte Shantel die Turntables und mixte Rhythmen sowie Soundfetzen aus dem Sampler dazu. Nordafrika, Brasilien, Jamaika, Elektrobeats, Trip Hop und Jazz in the mix. Ein Song, eine Struktur, ein Rhythmus erreichte die Tanzenden so intensiv, dass ihre Arme hochgingen und die Kehlen Glücksgeheul ausstießen – das war der Ansporn, diesen Moment zu verlängern und das Spaceship Lissania zum Abheben zu bringen. Und bis heute ist es nicht gelandet, denn bis zum heutigen Tag gibt es nicht ein Konzert, nicht eine DJ-Session, die nicht von dem Gefühl befeuert waren, alles zu geben, mit dem Publikum zu verschmelzen und Glückseligkeit in die Gesichter zu zaubern. Kaum einer versteht den Dancefloor besser und findet intuitiv immer die richtige Antwort als Shantel – egal ob mit seinem Bucovina Club Orkestar oder ganz alleine als DJ.

 
Das Lissania und später der Bucovina Club waren einige der sehr raren Gelegenheiten, bei denen sich unterschiedliche Szenen und Altersgruppen trafen. Sie verband eines: Sie waren neugierig und bereit, sich unerhörten Klängen hinzugeben. Und Shantel war es wichtig, neue Ideen, Verrücktes, Unbekanntes via Musik in diese verkrustete Stadt zu tragen: Ideen, Visionen, die ganz woanders herkamen - Paris, Thessaloniki, Tel Aviv, Istanbul. Kurz gesagt Shantel und die Szene, die sich um ihn formierte, war kosmopolitisch und am Austausch interessiert. Er war als einer der deutschen Pioniere des sogenannten Freestyle-Clubbing bald weltweit gefragt, spielte an der Seite von MC Solaar, Kruder & Dorfmeister, Gilles Peterson, Massive Attack, Björk und Howie B. Doch war ihm das genug? Er stellte irgendwann fest, dass auch diese Szene dabei war, sich zu verkrusten bzw. leerzulaufen. Auf einer K7-Labelnacht im New Yorker Limelight Club ließ er frenetische Blechmusik südosteuropäischer Hochzeiten aus den Boxen knallen, was auf dem Tanzboden zu Verwirrung führte. Shantel wäre nicht Shantel, wenn er nicht versucht hätte, diese Situation zu retten und - die Platte noch einmal von vorne zu spielen. Langsam sahen die Partygänger ein, dass sie keine andere Kost serviert bekämen und ließen sich treiben. Schlussendlich: Stampede auf der Tanzfläche.
 
Shantel entschied sich, auf eine große Reise in seine eigene Familiengeschichte zu gehen, die ihn in die Bucovina, Grenzland zwischen Ukraine und Rumänien brachte. Dort fand er die Musik, die tief in seiner eigenen DNA schlummerte und begann mit ihr zu experimentieren, ging mit den Großen des Genre ins Studio, um seine Vision von einem zeitgenössischen paneuropäischen Sound zu kreieren. Das Schauspiel Frankfurt gab diesem neuen Sound, der sich wie ein Lauffeuer um die ganze Welt verbreitete, eine Bühne. Dass gerade Frankfurt den perfekten Spielboden für seinen Bucovina Club abgab, ist sicher kein Wunder, denn der Hotspot am Main war und ist seit vielen Jahrzehnten die multinationale Metropole der Republik. Interkulturelles Leben und Arbeiten ist hier mit allen Brüchen, Verwerfungen und Schwierigkeiten längst zum prägenden Aspekt des Alltags geworden. Aber auch hier und jetzt bleibt Shantel nicht stehen und räumt mit dem großen Missverständnis auf, er sei der „König des Balkan-Pop“ und er wolle es gar sein, was er in einem Interview mit der BBC anlässlich der Verleihung des BBC-Worldmusic-Awards klarstellte: „Ich habe mit dieser Balkanmusik und diesem Hype eigentlich nichts am Hut. Mir ging es um meine Selbstverwirklichung als Musiker, als Künstler. Deshalb interessieren mich viele Sounds, nicht nur der des Balkans.“
 
Mit diesem kreativen Ansatz ist Shantel das hörbare Gesicht eines anderen Deutschlands, ist er doch der erste, der der hiesigen Popkultur einen kosmopolitischen Sound einimpfte. Bei ihm ist Migration hör- und tanzbar. Musikalische Preziosen aus Südosteuropa, dem nahen Osten oder vom Mittelmeer erscheinen in einem neuen, vielschichtigen Kontext, damit wird auch die Kultur, aus der sie entstammen, intuitiv erfahrbar. Seine Methode ist kulturelles Mixing und Sampling: Dinge aus dem Zusammenhang reißen und in einen neuen überführen. Clubkultur als Konzept, das sich permanent weiterentwickelt und nicht als Museum, in dem das ewig Gleiche repetiert wird – wie in Berlin, wo tausende von Touristen vor dem Berghain warten, um das Vorhersehbare erleben zu dürfen.
 
Nun schlägt Shantel mit 30 Jahre Club Guerilla ein neues Kapitel seiner never ending Tour unter dem Motto „Shantology // 30 Years of Club Guerilla“ auf.

SHANTEL & BUCOVINA CLUB ORKESTRA

Disko Patrtizani Tour - Eine Bauernhochzeit auf dem Balkan

Shantel, alias Stefan Hantel, ist  Musiker und Produzent mit vielen Facetten. Dem “König des Balkan Dancefloor” (Mondomix) gelang es als erstem deutschen Künstler den BBC World Music Award (2006) zu gewinnen und sich an die Spitze der europäischen Weltmusikcharts zu setzen. Sein  Album „Bucovina Club “ wurde vom englischen Magazin Songlines zur besten Produktion des Jahres gekürt und in der internationalen Presse (u.a. im NME & Rolling Stone) gefeiert. Für seinen berauschenden Mix aus Balkan Beats, Gypsy Grooves, Freestyle Electronica und Russen-Disko ist er weltweit renommiert und gefragt. Shantel hat die wildesten Sounds Osteuropas in die Clubwelt gebracht. Seine „Style-Revolution“ begann unmittelbar nach einer Reise in die Bucovina, einer Grenzregion zwischen Rumänien und der Ukraine, Heimat seiner Familie mütterlicherseits. Shantel hat mit seiner Revolution eine völlig neue Welle in der Pop- und Musikkultur ausgelöst, die die energiegeladenen Klänge des Ostens bar üblicher Klischees, ethnologischen Ballasts oder volkstümelnder Traditionalismen einem neuen Publikum präsentiert. Dieser neue Sound hat sich mitt-lerweile fest etabliert und ist ein unvergleichlicher Mix aus Romantik, Leidenschaft, Feuer und Anarchie. Seine Partys schließen dort an, wo die ekstatischen Raves der House- und Technogeneration aufhörten.  Speziell: Shantel kommt nicht nur mit seinem Konserven-Köfferchen, er nimmt ein ganzes Live-Orkestar ins Treibhaus mit.

THE DOORS EXPERIENCE

Tribute To Jim Morrison & The Doors: Live fast, love hard, die young...

2007 jährt sich zum vierzigsten Mal das Erscheinen des wohl bedeutendsten Doors-Albums, das zugleich eines der innovativsten der Rockgeschichte ist. 1967 veröffentlichten The Doors ihr gleichnamiges Album, das Kult-Songs wie Light My Fire, Break On Through, The End und den Alabama Song enthielt. Diese und über 40 andere Songs aus dem reichen Doors-Repertoire sind auf den Konzerten originalgetreu zu hören. Die Formation um Bandgründer und Frontman Jason "Jim" Boiler existiert seit 2001. Sie tourt mit großem Erfolg regelmäßig durch Österreich und andere europäische Staaten. Unter Kennern genießen THE DOORS EXPERIENCE den Ruf der besten Doors Tribute Band Europas. Dafür ist neben hoher musikalischer Qualität und einer packenden Bühnenperformance die täuschende Ähnlichkeit von Jason "Jim" Boiler mit Jim Morrison verantwortlich. Jason besticht durch Ähnlichkeit in Look, Gestik, Charisma und vor allem in der Stimme, ohne Morrisons Einzigartigkeit je in Frage zu stellen.