das wohl verrückteste & coolste konzert heuer im sommer: beim dolce vita im treibhaus & im zeughaus auch. der funke sprang über, ein musikalischer flächenbrand machte es notwendig, daß die carabinieri vollzählig ausrücken mußten, um die tanzbeine zu zügeln und die wadeln viere zu richten .... wunder-wunder-bar... mit diesem feuer kommt man durch den winter:

LUCA BASSANESE & LA  PICCOLA ORCHESTRA POPOLARE

Luca Bassanese ist zweifellos eine der Hauptfiguren der neuen Generation italienischer Folk-Singer-Songwriter, die mit einer Mischung aus Ironie und Hoffnung auf unsere heutige Welt blicken. Seine Musik erinnert an eine Mischung aus Fabrizio de André, Goran Bregovic und Manu Chao, seine künstlerische Herangehensweise an Federico Fellini. Der Troubadour, Poet, Singer-Songwriter und Umweltaktivist hat eine Mission und wirkt wie ein romantischer Krieger unserer modernen Zeit. 

Er wuchs mit der Musik von Fabrizio de André und der Folklore der beiden Ufer der Adria (italienisch und balkanisch) auf - gelernt ist gelernt: seine Musik wurde zu einem Cocktail aus Poesie und Liebesgeschichten, getränkt mit italienischer Folklore, Tarantellas, Opera Buffa und Balkan Brass. Seine Lieder machen sich über die Torheit der Welt lustig sind aber Lieder die von Liebe und dem Glauben an die Menschheit und die Zukunft handeln, Lieder voller feiner Nadelstiche  und Lieder die zum positiven aufrechten Gang aufrufen. Luca Bassanese gilt als einer der bedeutendsten Vertreter der populären italienischen Folkszene - und zärtlich nennt man ihn den MANU CHAO italiens.

Das neapolitanische Lied ist kein Museumsrelikt, keine Mumie ohne Sauerstoff. Seine Partituren sind keine zu heiligenden Pergamentrollen, sondern ein Testament das gefeiert werden will.Ihr Name bedeutet in etwa „Der Traum vom Gestern“ und bezieht sich auf das gleichnamige Lied   Pino Daniele. Suonno d’Ajere haben sich ganz der Erforschung und zeitgemässen Neubearbeitung des neapolitanischen Liedguts von 1600 bis heute verschrieben. Die Besetzung erinnert an die besonders im 19. Jahrhundert beliebte neapolitanische Tradition der „Posteggia“, Strassenmusikanten deren Darbietungen dem Volk genauso gefielen wie den Herrschenden. Der musikalische Zugang des Trios aber ist deutlich geschliffener.  Suonno d’Ajere wollen die alten Lieder von Kommerz und Kitsch befreien und ihnen ihre Würde und Kraft zurückgeben, und das durchaus mit Erfolg: In Italien hat ihnen die stilistisch rigorose und raffinierte und für Neapel immer schon typische Verbindung von  Volks- und Kunstmusik bereits einen Auftritt bei der Biennale von Venedig für die Filmmusik zum Dokumentarfilm „La Chimera“ und auch  den ersten Preis beim Festival „SanRemoCantaNapoli“ eingebracht.

Die bedeutendste Bühnenshow des italienischen Folk Revivals wird fünfzig Jahre später in einer großartigen Besetzung wieder auf die Bühne gebracht. Die Uraufführung dieses Meilensteins der italienischen Musikgeschichte fand am 21. Juni 1964 beim Festival zweier Welten in Spoleto statt und führte zu wüsten Polemiken. Heute ist BELLA CIAO die Basis der Arbeit all der KünstlerInnen, die mit großem Erfolg die italienische Folk Tradition auf die Bühnen der Welt tragen.

Ein halbes Jahrhundert später haben sich einige der profiliertesten FolkmusikerInnen wie Elena Ledda, Lucilla Galeazzi, Riccardo Tesi und Alessio Lega entschlossen, dieses Erbe wieder aufleben zu lassen und behutsam mit neuen Einflüssen und Erkenntnissen zu füttern. Resultat ist nicht nur eine äußerst erfolgreiche Bühnenshow, sondern auch ein sorgfältig gearbeitetes Album, das locker mit den damaligen Größen wie Caterina Bueno oder Giovanna Marini mithält.

Die alten Partisanen- und Arbeiterinnenlieder haben sich nicht nur ihre Ausdrucksstärke bewahrt, sondern ihre Botschaften von Freiheit, Frieden und Bürgerrechten sind in unserer heutigen globalisierten Welt von ganz neuer und brennender Aktualität. BELLA CIAO ist eine Lektion in Demokratie, die direkt aus dem Volk kommt, ein historischer Roman gewebt aus Musik, Klängen und Texten, getragen von den wichtigsten Stimmen des des sozialen und politischen Liedes im Italien der letzten 30 Jahre.

Besetzung
Lucilla Galeazzi – Gesang
Elena Ledda – Gesang
Luisa Cottifogli – Gesang
Alessio Lega – Gesang, Gitarre
Maurizio Geri – Gitarre, Arrangements
Gigi Biolcati – Perkussion, Gesang
Riccardo Tesi  – Knopfakkordeon, Arrangements, musikalische Leitung

Seit über 20 Jahren hält Riccardo Tesi seine Stellung als einer der einfallsreichsten Interpreten auf dem diatonischen Knopfakkordeon.
Man darf ruhig Riccardo Tesi mit bestem Gewissen als das Epizentrum der italienischen Folk- und World-Music bezeichnen.
Als Ethnomusikologe erforschte er den Liscio, den Walzer seiner Heimat Toskana, süditalienische Tarantelle und Tammurriate, die Traditionen Sardiniens, Südfrankreichs, Großbritanniens, des Balkans, Afrikas, Madagaskars und Indiens, aber auch Jazz und die Musik des Fellini-Komponisten Nino Rota.
All das verschmilzt er mit seiner Banditaliana er zu einer facettenreichen Kunstmusik, die dennoch stark in italienischer Tradition verwurzelt bleibt.
Fabizio di André, Gianluigi Tovesi u.v.a. suchten seine musikalische Gesellschaft. 2002 verlieh man ihm für seine Verdienste für sein Instrument beim internationalen Akkordeonfestival in Castelfidardi den begehrten "Voce d'oro"-Preis, eine Ehre die vor ihm bereits A. Piazzolla, R. Galliano oder Gianni Coscia zuteil wurde.
Tesis Musik ist Tanzmusik, die ihren Charme am besten in den italienischen „ballrooms“ zu Beginn des letzten Jahrhunderts entwickelt. Für uns wird sie mit ihrem Rhythmus südländisches Flair in den Spätherbst zaubern. Sein Credo, Musiker unterschiedlichster musikalischer Herkunft von Klassik, Jazz und Folk zusammenzubringen, dokumentiert seinen kosmopolitischen Geist. Allerdings: die Musiker stammen alle aus der Toscana! Trotzdem sind sie wie ihr spiritus rex immer offen für ein musikalisches Abenteuer.
Line up
Riccardo Tesi – diatonisches Knopfakkordeon
Maurizio Geri– Gitarre, Gesang
Claudio Carboni– Saxophon
Gigi Biolcati – Percussion

Das Quartett um den italienischen Knopfakkordeon-virtuosen spielt in der Topliga der internationalen World Music Szene. Banditaliana verzaubern mit italienischen Liedern und Instrumentalstücken ohne Grenzen, frisch und sonnig, innovativ und gleichzeitig eng mit ihren Wurzeln verbunden; eine breite Synthese aus der toskanischen Tradition, mediterranen Klängen, Jazzimprovisationen und Canzoni d’autore. Originelle Kompositionen, Virtuosität sowie raffinierte Rhythmen und Arrangements kennzeichnen den Stil.
Riccardo Tesi gilt als einer der einfallsreichsten Interpreten auf dem Organetto, dem diatonischen Knopfakkordeon. 2002 verlieh man ihm für die Verdienste um sein Instrument beim internationalen Akkordeonfestival in Castelfidardo den begehrten „Voce d’oro“ Preis, eine Ehre, die vor ihm bereits Astor Piazolla, Richard Galliano oder Gianni Coscia zuteil wurde. Als Ethnomusikologe erforschte er den Liscio, den Walzer seiner Heimat Toskana, die musikalischen Traditionen Süditaliens, des Balkans, Madagaskars, Afrikas oder Indiens ebenso wie den Jazz oder die Filmmusik Nino Rotas. All das verschmilzt  zu einer facettenreichen, fließenden und leicht tanzbaren Kunstmusik, die stark in der italienischen Tradition verwurzelt bleibt.

RUPERT KIRCHMAIR QUARTET / TRAUMZEIT

Rupert Kirchmair - Klavier
Florian Bramböck - Saxofon
Florian Baumgartner - Schlagzeug
Johannes Sigl - Bass
Die musikalische Bandbreite des Kirchmair Quartetts lässt sich schwer in Worte fassen: Mal entspannt swingend, dann wieder energiegeladen rockend oder virtuos jammend manövrieren sich Rupert Kirchmair (Klavier/Keyboard), Florian Bramböck (Saxophon), Florian Baumgartner (Schlagzeug) und Johannes Sigl (Drums) durch ihr vielschichtiges Repertoire. 
Sie wandeln auf Jazz- genauso wie auf Rock- und Popwegen ohne dabei einen Bogen um Haydn oder Mahler zu machen. Doch simpel nachgespielt wird bei den Ausnahmemusikern nichts – vielmehr dienen die Kompositionen als Ausgangsbasis für eigene Improvisationen, die noch lange nachhallen. In Stumm präsentiert das Quartett sein Album Traumzeit, welches die Grenzen zwischen Traum und Wirklichkeit verschwinden lässt.

FÜNFUHRTEE: ein relikt aus alter zeit, als après ski noch eine tanzbare kulturveranstaltung war. selbst joe zawinul hat in seinen jungen jahren in tirol beim fünfuhrtee aufgespielt: in innsbruck im cafe schindler, in seefeld in der kanne. und berichtete mit begeisterung, wie die musiker die skilehrer blöd dreinschaun und schlecht ausschauen haben lassen, bei den hasen...
ein neustart: jeden sonntag spielt tirols angesagteste jazz & swing-combo als treibhaus-winter-house-band:

5-UHR-TEE UM HALBSECHS - Flo's Jazz Casino & GUESTS

Seit den goldenen 20ern sind bald 100 Jahre vergangen. Mode, die geprägt war von endlosen Zigarettenspitzen, dunklen Lippenstiften, Perlenketten, Hosenträgern, Zylindern, glitzernden Flapper-Dresses oder den unvergleichlich wilden „Gatsby-Festen”. Genau auf diese Zeitreise nimmt Flo’s Jazz Casino sein Publikum mit und entführt es in die Clubs und Casinos. Zurück in eine Zeit der 20er, 30er, 40er und 50er Jahre als eine euphorisierte junge Generation in den Speakeasys, Ballrooms und Jazz Clubs der Prohibition trotzte und der elektrisierende Swing Beat die von Rauch- und Leidenschaft geschwängerte Atmosphäre zum Kochen brachte.

Eine Hommage an den amerikanischen Jazz des frühen 20. Jahrhunderts, der so grandiose Sänger und Entertainer wie Frank Sinatra, Louis Armstrong, Tony Bennett, Dean Martin, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Nat King Cole oder Sammy Davis Jr. hervorbrachte. Flo’s Jazz Casino greift gemeinsam mit Größen der heimischen Jazzszene und dem brillanten Sänger und Trompeter Jack Marsina diesen speziellen Zeitgeist wieder auf, stauben den Sound aber nicht bloß ab, sondern ihr Plan ist, den Staub zu vergolden. Schade ist nur, dass man über die Welt von Flo’s Jazz Casino keinen Sepia-Filter legen kann, denn dann würden diese vier, wie Mafiabosse aussehenden Herren, noch eleganter rüberkommen.

FLO'S JAZZCASINO SIND:

crooner jack marsina  - gesang & trompete
Rob soelkner piano
flo hupfauf kontrabass
leader & drummer:  flo baumgartner.
jeden sonntag laden sie sich zur verstärkung 2 gäste auf die Bühne,

LET'S SWiNG  - an frischer luft mit  SPECIAL GUESTS

25.10. mit Florian Bramböck (sax) und Joseph Seeber (trp)
08.11. mit Stefanie Veit (voc) und Bernd Haas (guit)
15.11. mit Heidi Erler (voc) und Mathias Legner (vibra)
22.11. mit Verena Pötzl (voc) und Chris Kuntner (voc & guit)
29.11. mit Gail Anderson (voc) und Markus Linder (voc)
06.12. mit Bastian Berchtold (voc) und John Arman (guit)
13.12. mit Sara de Blue (voc) und Lito Fontana (trb)
20.12. mit Kimberly Rydell (voc) und Yvonne Moriel (sax)
27.12. mit Florian Bramböck (sax) und Joseph Seeber (trp)

Der Grammy-nominierte Perkussionist und Komponist Manu Delago ist zurück mit einem brandneuen Album und seiner bisher größten Liveshow. Circadian (VÖ: 13.9.2019 / One Little Indian Records) ist eine akustische Reise durch die verschiedenen Schlafzyklen, von REM über Leicht- und Tiefschaf bis zu einem abrupten Erwachen - inspiriert vom zirkadischen Rhythmus des Menschen und Delago's persönlichem Schlafentzug während seiner zahlreichen internationalen Tourneen mit Björk, Olafur Arnalds, Cinematic Orchestra  und Anoushka Shankar.
„Bevor die Arbeiten zu diesem Album begannen, war ich für mehrere Monate intensiv auf Tour und reiste kreuz und quer durch fünf Kontinente. Es fühlte sich so an, als wäre ich mit vier Bands gleichzeitig unterwegs und in meinen Träumen fingen die viele Musik und verschiedenen Crews sich an zu vermischen. Ich fand es extrem spannend, wie mein Gehirn versuchte, im Schlaf diese vielen Ereignisse zu verarbeiten. Während der REM-Phase ist das Gehirn sehr kreativ und ich war  jeder Minute Schlaf dankbar, um diese stressige Zeit besser zu meistern.“

Erst 2018 veröffentlichte Manu Delago seinen mehrfach ausgezeichneten Berg- und Musikfilm Parasol Peak, in dem er und sein Ensemble bei extremen Bedingungen am Berg live performten und gemeinsam mit einer Film- & Audiocrew diese Expedition zu einem Gesamtkunstwerk zusammenfügten. Diese besondere Erfahrung in Sachen Team Spirit und das gemeinsame Musizieren in schwindligen Höhen motivierten Manu Delago, für Circadian ein neues 9-köpfiges Ensemble zusammenzustellen, um das Album und die Live-Show zu einer einzigartigen akustischen Reise zu machen.

Line-up:
Manu Delago – Handpans & Drums
Georg Gratzer – Woodwinds
Pepe Auer – Woodwinds
Alois Eberl – Trombone & Accordion
Bernie Mallinger – Violin
Jenny Ames – Viola
Clemens Rofner – Bass
Charly Mair - Percussion
Chris Norz – Percussion

Der Grammy-nominierte Perkussionist und Komponist Manu Delago ist zurück mit einem brandneuen Album und seiner bisher größten Liveshow. Circadian (VÖ: 13.9.2019 / One Little Indian Records) ist eine akustische Reise durch die verschiedenen Schlafzyklen, von REM über Leicht- und Tiefschaf bis zu einem abrupten Erwachen - inspiriert vom zirkadischen Rhythmus des Menschen und Delago's persönlichem Schlafentzug während seiner zahlreichen internationalen Tourneen mit Björk, Olafur Arnalds, Cinematic Orchestra  und Anoushka Shankar.
„Bevor die Arbeiten zu diesem Album begannen, war ich für mehrere Monate intensiv auf Tour und reiste kreuz und quer durch fünf Kontinente. Es fühlte sich so an, als wäre ich mit vier Bands gleichzeitig unterwegs und in meinen Träumen fingen die viele Musik und verschiedenen Crews sich an zu vermischen. Ich fand es extrem spannend, wie mein Gehirn versuchte, im Schlaf diese vielen Ereignisse zu verarbeiten. Während der REM-Phase ist das Gehirn sehr kreativ und ich war  jeder Minute Schlaf dankbar, um diese stressige Zeit besser zu meistern.“

Erst 2018 veröffentlichte Manu Delago seinen mehrfach ausgezeichneten Berg- und Musikfilm Parasol Peak, in dem er und sein Ensemble bei extremen Bedingungen am Berg live performten und gemeinsam mit einer Film- & Audiocrew diese Expedition zu einem Gesamtkunstwerk zusammenfügten. Diese besondere Erfahrung in Sachen Team Spirit und das gemeinsame Musizieren in schwindligen Höhen motivierten Manu Delago, für Circadian ein neues 9-köpfiges Ensemble zusammenzustellen, um das Album und die Live-Show zu einer einzigartigen akustischen Reise zu machen.

Line-up:
Manu Delago – Handpans & Drums
Georg Gratzer – Woodwinds
Pepe Auer – Woodwinds
Alois Eberl – Trombone & Accordion
Bernie Mallinger – Violin
Jenny Ames – Viola
Clemens Rofner – Bass
Charly Mair - Percussion
Chris Norz – Percussion

Martin Klein (Klavier/Vocals)
Michael Knoll (Gitarre)
Manuel Brunner (Bass)
Andreas Moser (Schlagzeug)

*

Die Einfachheit, sie ist die unterschätzteste aller musikalischen Qualitäten. Und der Liederschreiber, Sänger und Pianist Martin Klein (er spielt auch Cello und Schlagzeug, wenn es ihm einfällt) ist ein Meister des Unter- schätzten.
Ein Klavier ist eine perfekte Maschine, wie geschaffen zum Überladen von Musik mit Ornament, Bombast und Zehnfinger-Akrobatik, aber Martin Klein nähert sich ihr behutsam und widersteht ihr zugleich. Sein Ins- tinkt führt ihn immer zur Reduktion, wie ein sedierter John Cale, der seine Akkorde, anstatt sie zu hämmern, rhythmisch streichelt. So öffnet er weite Räume für seine klare, blonde Bubenstimme, die ein geographisch beinahe neutrales, im Duktus dafür umso emotionaleres Hochdeutsch pflegt, dem man das Aufwachsen in Innsbruck, die Auslandszeit in Utrecht und das Leben in Wien nicht anhört.
„Es kommt ihm so vor / Als wär‘ er der einsamste Mensch der Welt“ singt er gar in „Die Blume“, korrigiert aber gleich diese Note des Selbstmitleids: „Doch er sieht die Blume, der Tag ist erhellt.“ Nicht viele können solche Zeilen schreiben, geschweige denn singen, ohne sich dabei vor der dem Menschen in härteren Zeiten über- lebenswichtig zustehenden Sentimentalität zu fürchten. Martin Klein kann, und gerade deshalb gehören seine v zu den einnehmendsten, die er bisher in die Welt hinausgeschickt hat.
Doch noch weit darüber hinaus sagt es wohl alles über die Kunst seiner Lieder, dass er diese schon geschrie- ben hatte, bevor unsere Welt sich so radikal verändern sollte. Und dass sie trotzdem so klingen, als wären sie eigens gemacht für all die endlosen Nächte, die wir seither durchwacht haben und immer noch durchwachen. Und für die Morgen danach, und für die Tage dazwischen auch.

BIO:

Singer-Songwriter und Pianist Martin Klein scheint sich nicht wirklich etwas aus musikalischen Schubladen und Erwartungshaltungen zu machen.
Mittlerweile hat er schon zwei deutschsprachige, ein englischsprachiges sowie ein experimentell, elektronisches Album veröffentlicht. 2018 erschien die EP Lost Songs, auf der scheinbar verlorengegangene Lieder der letzten Jahre zu hören sind. Die Presse schreibt nur gutes über den eigenwilligen Künstler, so bezeichnete ihn etwa der Falter als “Thom Yorke ohne Kunstrucksack“, der Standard seine Kunst als “sensibel und obsessiv“, das deutsche Fachmagazin Jazzthetik ortete “traumverlorene Meisterwerke“, Bayern 2 eine Art “neuzeitlichen Franz Schubert“ und Radio Fm4 ein “musikalisch beeindruckendes Werk“. Die Tageszeitung die Presse schrieb: “Sein Utopia versucht nichts weniger, als die Entzauberung der Welt rückgängig zu machen.“

Oft einmal denkt, wer „Blaskapelle“ hört, an bierschwangere Frühschoppen mit wenig Eleganz. Daran garantiert unschuldig sind jedenfalls die Herren von Federspiel - die sind nämlich, sagen Sie’s ruhig: eine Blaskapelle- aber eine der Extraklasse, die, elegant wie wenig Sonstiges, Volksmusik aus Österreich, seinen Nachbarländern und darüber hinaus in ihrem Spiel vereint.

Spaziert man durch die terrassenförmig angelegten Weinberge der Wachau, wähnt man sich manchmal auf Grund der nahezu mediterranen Hitze im viel weiter südlich gelegenen Europa. Unter diesen klimatisch besonderen Bedingungen reift der Wein genauso gut wie die Marillen und sogar das orientalisch anmutende Edelgewürz Safran entwickelt dort ihre Blüte. Von Dort aus – musikalisch und biographisch verwurzelt – projizieren sich sieben junge Musiker in die Welt, bestechen durch ihre künstlerische Weitsicht und innovative Tonsprache. Ihr Publikum entführen sie in Skandinavische Sagenwelten, Alpenländische Bergketten oder ins Metropolitan Museum, tanzen filigran beschuht auf Ballettbühnen oder mit zusammengebunden Waden auf brachialen Innviertler Tanzböden. Entlang verwunschener Klangpfade schreitet das siebenköpfige Bläserensemble dann voran, geleitet durch akustische Berg- und Tallandschaften, ohne an musikalische oder ethnographische Grenzen zu stoßen.
Seit seiner Gründung 2004 stetig musikalisch gereift, entwickelt Federspiel – zunächst aus Rücksicht auf sein einziges Holzblasinstrument – eine transparentere, klanglich vielschichtigere Tonsprache als so manch andere Brass-Band. Als künstlerisches Schwergewicht mit federleichten Kompositionen im Gepäck bespielt das Ensemble längst die etabliertesten Konzertbühnen weltweit, darunter der Goldene Saal des Wiener Musikvereins, die Berliner Philharmonie, die Hamburger Elbphilharmonie, das Vancouver Island Music Festival oder die Stanford University.
Pioniergeistig und dennoch stets voller Respekt begibt sich Federspiel in traditionelle Gefilde, verwebt Anklänge aus der ungarischen oder mexikanischen Musiktradition mit alpenländischem Repertoire, perkussive Spielweisen mit elektronischen Klängen, um etwas Neues zu kreieren – zeitgenössische Musik, die sich ebenso ehrfürchtig vor ihrer Vergangenheit verneigt, wie sie sich mutig in die Zukunft entwirft

Ayac Iuan Jimenez-Salvador: Trompete, Flügelhorn, Gesang
Frédéric Alvarado-Dupuy: Klarinette, Gesang
Matthias Werner: Posaune, Gesang
Philip Haas: Trompete, Flügelhorn, Gesang
Roland Eitzinger: Tuba, Gesang
Simon Zöchbauer: Trompete, Flügelhorn, Zither, Gesang
Thomas Winalek: Posaune, Basstrompete, Gesang

Blasmusik losgelöst von Erwartungshaltungen. Ohne Berührungsängste verbindet die siebenköpfige Bläsergruppe heimische Volksmusiktraditionen und weltmusikalische Elemente mit ihrer Experimentierfreude. FEDERSPIELs Signatur sind ihre Eigenkompositionen. Diese nehmen großteils Bezug auf die musikalischen und biographischen Wurzeln der 7 Musiker und reizen das Spannungsfeld aus Tradition und Moderne aus. Die Lust am Neuen, am Persönlichen und Unverwechselbaren, kombiniert mit ihrer für das Publikum so spürbaren grenzenlosen Spiellust, macht FEDERSPIEL zu einem der innovativsten und interessantesten Klangkörper der europäischen Blasmusikszene.

Apropos Herz:
Der Landler. Die Urform der österreichischen Volksmusik. Darin verpackt befindet sich der Herzschlag. Das ist kein schlechter Scherz, sondern die reinste Wahrheit: Die Betonungen in dieser dreivierteltaktigen Gattung liegen auf den Taktzeiten eins und drei. Daraus ergibt sich ein Rhythmus, der einem gesunden, pumpenden Herzmuskel ähnelt: bumm-bumm. bumm-bumm. bumm-bumm. Schlussfolgerung: 
ALMA spielen nicht nur Seelenmusik, 
es geht noch näher: Herzensmusik!

Almas Musik löst Emotionen aus, sie kommt direkt aus der Seele und möchte Menschen dort erreichen, wo deren eigene Wurzeln schlummern. Seit 2011 verbindet Alma volksmusikalische Bodenständigkeit spielerisch mit komplexen Arrangements und tourt damit durch die Weltgeschichte. Weil ganz selbstverständlich Klassik und Volksmusik, Ländler und Polka, Jodler und Walzer, Bourrée und Musette Seite an Seite erklingen, weil alles, ob Freude, Glück oder Melancholie, echt ist, weil hier jeder Ton mit großem Respekt gesetzt und der Inspiration immer genügend Raum gelassen wird, sprengt Almas Musik Grenzen ohne mit musikalischen Traditionen zu brechen.

Eine Band, die sich dem traditionellen Musizieren und dessen Überschreitung verschrieben hat, ist ALMA. Auf der Suche nach seinen musikalischen Wurzeln, gräbt das Ensemble stets im tieferen Erdreich und entdeckt dort längst vergessenes und altbekanntes Wurzelwerk gleichermaßen.
In ALMAs Musik wird aber nicht nur die Auseinandersetzung mit der Tradition erlebbar gemacht, sondern auch deren Transfer in die Gegenwart. Behutsam, mit archäologischem Fingerspitzengefühl widmen sich die in Wien beheimateten fünf Musikerinnen und Musiker allem, was ihnen lieb und teuer erscheint. Inspiration für ihre Kompositionen und Bearbeitungen holt sich die Band unter anderem auf ihren zahlreichen Konzertreisen, dies sie bereits von Wien über Skandinavien bis nach Peru geführt haben.
Weil ganz selbstverständlich Klassik und Volksmusik, Ländler und Polka, Jodler und Walzer, Komposition und Improvisation Seite an Seite erklingen, weil alles, ob Freude, Glück oder Melancholie, echt ist, weil hier jeder Ton mit großem Respekt gesetzt und der Inspiration immer genügend Raum gelassen wird, sprengt Almas Musik Grenzen, ohne mit musikalischen Traditionen zu brechen.

2013 erschien ihr Debütalbum Nativa auf dem Label col legno, ihr zweites Album Transalpin folgte im Mai 2015. Das dritte Album mit dem dadaistischen Titel Oeo folgt 2017 und ist dem Esperanto der alpenländischen Musik gewidmet. Die Welthilfssprache, die der internationalen Kommunikation dient, hat im Alpenraum eine Schwesternsprache, die auf den ersten Blick nicht danach aussieht. Wie kann das sein? Ganz einfach: Die wohlklingende Sprachmelodie des Jodelns kann Botschaften weiterleiten, denen die Hochsprache nie nachkommt: Gefühlstimmungen ausdrücken, die Zeit überdauern oder einfach glücklich machen.

ALMA sind
Julia Lacherstorfer – Geige, Gesang | OÖ
Evelyn Mair – Geige, Gesang | Südtirol
Matteo Haitzmann – Geige, Gesang| SBG
Marie-Theres Stickler – Diat. Harmonika, Shruti Box, Gesang | NÖ
Marlene Lacherstorfer – Kontrabass, Harmonium, Gesang | OÖ

FRYE

Grenzenlose Freiheit, in musikalischem Einverständnis.

ALMA ist eine Band, die sich dem traditionellen Musizieren und dessen Überschreitung verschrieben hat. Auf der Suche nach seinen musikalischen Wurzeln, gräbt das Ensemble stets im tieferen Erdreich und entdeckt dort längst vergessenes und altbekanntes Wurzelwerk gleichermaßen.
In ALMAs Musik wird aber nicht nur die Auseinandersetzung mit der Tradition erlebbar gemacht, sondern auch deren Transfer in die Gegenwart. Behutsam, mit archäologischem Fingerspitzengefühl widmen sich die in Wien beheimateten fünf Musikerinnen und Musiker allem, was ihnen lieb und teuer erscheint.
Inspiration für ihre Kompositionen und Bearbeitungen holt sich die Band unter anderem auf ihren zahlreichen Konzertreisen, die sie bereits von Wien über Skandinavien bis nach Peru geführt haben.
Musikalische Bewegungsfreiheit ist für ALMA der Quell ihrer Inspiration, und zugleich die größte Herausforderung: Sich immer wieder neu zu finden und zu erfinden, aus der Quelle der Tradition zu schöpfen und mit der eigenen Kreativität zu verbinden, das Eigene und das Andere zu einem großen Ganzen zu verbinden. 

Weil ganz selbstverständlich Klassik und Volksmusik, Ländler und Polka, Jodler und Walzer, Komposition und Improvisation Seite an Seite erklingen, weil alles, ob Freude, Glück oder Melancholie, echt ist, weil hier jeder Ton mit großem Respekt gesetzt und der Inspiration immer genug Raum gelassen wird, sprengt Almas Musik Grenzen, ohne mit musikalischen Traditionen zu brechen und erfindet sich doch immer wieder auf’s Neue neu.

Thomas Jarmer wagt sich mehr als früher aus der Reserve; seine oft lyrischen Metaphern sind geradezu zu inneren Parolen für den geplagten, modernen Menschen geworden. Er betrachtet das Große im Kleinen und das Kleine im Großen gleichermaßen und lässt die Hörerinnen ein Album lang die Frage stellen: Was tut dieser seltsame Weltzustand mit seinen absurden Auswirkungen mit mir im Inneren? Man fühlt sich erwischt, erkannt, angesprochen. Der täglich steigenden Ungewissheit, was die Zukunft alles mit sich bringen wird, lässt sich trotz düsterer Prognosen, Vorzeichen und Symbole nur mit Schritten nach vorn begegnen. In diesem Sinne: Komm schwarzer Kater.

Für das mittlerweile siebte Studioalbum haben GARISH in vielerlei Hinsicht ihre Komfortzone verlassen. Gerade nach den Erfolgen der letzten Platten „Wenn dir das meine Liebe nicht beweist“ (2010) und „Trumpf“ (2014) war es ein Anliegen, die Zeit nicht stillstehen zu lassen, sondern das Glück und sich selbst noch einmal herauszufordern.Die Veränderung dabei positiv zu besetzen und die sich daraus ergebenden Möglichkeiten aktiv und selbst in die Hand zu nehmen und zu gestalten, ist auf diese Art und Weise ein Leitthema für die Gruppe geworden, das zutiefst persönlich und allgemeingültig interpretiert werden kann.

So klingt Garish 2017 aus mehreren Blickwinkeln erstaunlich anders. Der vertrauten Cselley Mühle wurde diesmal ein kleines Studio in Wien vorgezogen; erstmals saß Stefan Deisenberger mit der Band am Produktionshebel. Es wurde reichlich mit neuem Instrumentarium, neuen Einflüssen und Mustern experimentiert. Der Rohheit der letzten Platten stehen diesmal filigrane und vielfältige Strukturen gegenüber. All das, ohne den Boden einer über zwei Jahrzehnte geformten Band-Identität dabei zu verlassen.

Jazzknödel & Blueskraut

Die vier Musiker/Innen aus Tirol bereiten einen Ohrenschmaus aus jazzig/bluesigen Eigenkompositionen mit Außerferner Texten. Wer sich überzeugen möchte, dass der Außerferner Dialekt durchaus auf der Zunge zergehen kann, ist herzlich willkommen! Die Musik stammt aus der Feder vom Reuttener Pianisten Andreas Kopeinig, der Innsbrucker Bassistin Jessi Kreuz und der Sängerin Iris Schmid aus Ehrwald, die auch für die originellen Texte verantwortlich ist. Am Schlagzeug komplettiert der junge Innsbrucker Lukas Laimer die Band.

Iris Schmid, voc
Andreas Kopeinig, p
Jessi Kreuz, b
Lukas Laimer, dr

Der Kunstschlurf und Liedermacher Voodoo Jürgens ist seit 2015 auf Erfolgskurs mit seinen schwarzhumorigen Texten im schwersten Wiener Dialekt. Sein Album "Ansa woar" mit dem Hit "Heite grob ma Tote aus" war und ist noch immer die Revolution in Sachen österreichische Musik. Der Text kann dank seiner schludrigen Vorlagen selbst von Leuten mitgesungen werden, die überhaupt nicht singen können. Man nennt das wohl Publikumsnähe. Das macht auch den Erfolg von Voodoo Jürgens aus, er porträtiert Außenseiter, Gestrauchelte und zwielichtige Gestalten zwischen Größenwahn, Schnaps und Gosse. Er wirkt mit seinem Strizzi-Outfit aus den frühen 70igern und dem dazu wie die Faust aufs Auge passende Vokuhila wie "Ein echter Wiener geht nicht unter" – oder doch eher steil bergauf?

„der Austro-Pop-Hype der Stunde!“ - Musikexpress
„Voodoo Jürgens gilt als besonders heiße Aktie der heimischen Popmusik“ - ORF
„Er bringt alles mit was man als künftiger Fixstern am Austropop-Himmel braucht.“ – WIENER

Per Mund-(und bald auch Medien-)Propaganda als "Next Best Thing"- Hype von und in Wien vor etwas mehr als einem Jahr gestartet, hat sich Voodoo Jürgens gleich mit seinem nun vorliegenden Debüt-Album von der einengenden, wenn nicht gar tödlichen Umarmung der "Checker" emanzipiert und ein substanzielles, ein wahrhaftiges und vor allen Dingen ein berührendes Erstlingswerk abgeliefert. Und demnächst folgt sein nexter Streich.

Voodoo Jürgens springt auch nicht auf einen Austropop-Hype-Zug oder dergleichen auf; er singt in der Sprache in der er spricht, denkt, träumt und Dinge erlebt. Die Vorbilder für seinen Zugang zu Musik sind der erwähnte Dylan, Leonard Cohen, Tom Waits und durchaus auch krachigere, spätere Sachen wir The Libertines (mit deren Pete Doherty ihn eine auf wechselseitigen künstlerischem Respekt beruhende Freundschaft verbindet). Es sind aber auch die Beat-Poeten der Fünfziger. Gewiss: Respekt für Ambros, Danzer und Ludwig Hirsch ist vorhanden, genauso wie Freundschaften zu einigen Protagonisten des heutigen Wiener Pop-Wunders (Wanda, Der Nino aus Wien; auch Ja, Panik, die quasi als seine Backingband bei "Heite grob ma Tote aus" fungieren), und auch ein HC Artmann, ein Qualtinger, ein Kottan werden Spuren in Voodoo hinterlassen haben; aber genauso waren/sind die eben Genannten im Geiste Verbündete der Ur-Beatniks und der genannten internationalen Referenzen und keine Vertreter eines simpel gestrickten Austro-Provinzialismus, der seit je her den Epigonen vorbehalten ist.
Voodoo Jürgens hat sich also einen Fahrschein für jene Bim (= Straßenbahn) gekauft, die in die erste Liga österreichischen Pops fährt, ohne dabei Fendrich, Gabalier oder "tiafen Schmäh"-Pop im Sinn zu haben..

Tiroler Tageszeitung - vor einem jahr:

Voodoo Jürgens: Spritzer Tschigg und, Extrageld

Zuletzt hat er die „Omama“ zu Grabe getragen. Vor ziemlich genau einem Jahr gab Voodoo Jürgens noch den Ludwig Hirsch. Auf einer Tribute-Tour gedachte der Wienerlied-Neuerfinder eines seiner unmittelbaren Musikvorfahren. Das passte wie das Weizenbier zur Leberknödelsuppe.
Jetzt kehrt der 35-jährige Voodoo mit neuer Musik zurück und gibt darin wieder den alten Jürgens – mit Suderei, Schmäh und Wiener Grind. Das gefällt Tirol, in Innsbruck gastieren er, der mit richtigem Namen David Öllerer heißt, und seine Backingband Ansa Panier gleich zweimal - im Treibhaus. Mit im Gepäck hat er das Album „’S klane Glücksspiel“, eines, mit dem sich Voodoo Jürgens Zeit gelassen hat. Und eines, das verspricht, an alte Erfolge anzuschließen. Bereits mit „Ansa Woar“ (2016) erspielte sich der Tullner Liedermacher eine Nische, die zwischen Autotune und High-End-Pop eigentlich längst totgesagt war.
Für die neue Platte kramt er sie aber wieder hervor, die schrägen Gestalten seiner Unterschichtsdramen: den Taxler, der „weiß, was si abspüt in da Nocht“, oder den „Horstl“ mit dem gezückten Butterflymesser in der Tasche. Schon auf dem Cover legt der Beisl-Poet die Karten auf den Tisch: Bei warmen Spritzern nebst übervollen Aschenbechern verzockt man die letzten Groschen vom Arbeitslosengeld. Keine Angst, in eine Früher-war-alles-besser-Nostalgie verfällt Voodoo Jürgens nie.
Auf gewisse Weise sei seine Musik zwar ein „Romantisieren des tiefen Lebens“, erzählte Voodoo Jürgens in aktuellen Interviews. Ums Beschönigen gehe es dem Musiker aber nicht. Er ist dem schön-schlechten Geschmack treu geblieben: Gleich im titelgebenden Opener schlurft er mit seinen zerdehnten Dialektzeilen und dem Tschigg im Mund daher – auch Rotzbremse und Voku­hila ist er nicht entwachsen.
Und beschönigt wird im dazugehörigen Video ebenso kaum: Dort teilt sich Voodoo Jürgens nach ausgiebigem Entleeren eines Glücksspielautomaten das Bett mit Jazz Gitti – schöner kann es in den Siebzigern nicht gewesen sein. Dass da aber auch reichlich Tristesse mitschwingt, wird nicht erst klar, als der einarmige Bandit auch unter flehendem „Gibt’s ja ned“ kein Extrageld mehr zum Wegfeiern ausschüttet.
Mit reichlich morbidem Humor wird Voodoo Jürgens in fast allen seinen Milieuschilderungen zum Protagonisten, zum Taxler, zum Horstl und vielen mehr. Er ist Erzähler seiner Songs, die an vielen Stellen zu Hörspielen auswachsen. So etwa in „Kumma ned“, wo das Ich – immer noch ein Spieler – ein aberwitziges Gezänk um fällige Rückstände mit Jazzer Louie Austen ausficht. Frei nach dem Motto „Spielschulden san Ehrenschulden“.
Spielerisch balanciert Voodoo Jürgens im neuen Album zwischen fiktiver „Ein echter Wiener geht nicht unter“-Manier und echtem Musiker; das lyrische Ich und der Musiker (bzw. dessen Kunstfigur) scheinen fast durchgehend deckungsgleich. Deshalb wirken seine großen Geschichten vom kleinen Leben auch derart authentisch. Man kauft ihm ab, wenn er vom Abend in der Eislaufdisco erzählt („Eislaufplotz“) oder mit Gemeindebau-Chor im Rücken nachfragt: „Wem gheard des Mensch?“
Seine Backingband bietet die perfekte Unterlage: Die Ansa Panier schrammelt – nicht immer trittsicher – gegen die Mär vom ewig kultigen Wiener Beisl- volk an; mit Quetschn, Kontrabass und sanfter Percussion. Der Sound der Gosse hat mehrere Geschmäcker, mal riecht’s nach Balkanparty („Kumma ned“), mal nach Abschluss-Set im Jazzkeller („Taxler“). Nach hinten hinaus verliert das Album leider seinen Drive, Ballade beherrscht Voodoo Jürgens nicht überzeugend.
Auffallend ernsthaft ist „Angst haums“, das die soziale Kälte der Gegenwart bespricht; natürlich in gewohnt zotigen Botschaften, die sich normalerweise die Nachbarn von Balkon zu Balkon zurufen. Die Ehrlichkeit lässt aber aufhorchen und ist kurzes Innehalten, bevor wieder fröhlich weitergesudert wird.

Wolfgang Puschnig, alto sax, flute
Asja Valcic, cello
Jon Sass, tuba
Reinhardt Winkler, drums

Die Idee für FULSOME X entstand vor langer Zeit durch die Rhythmsection von „Alpine Aspects“ mit Bass, Tuba und Drums und aus meinem langjährigen gemeinsamen Musizieren mit meinen Freunden aus Philadelphia Jamaaladeen Tacuma und Rick Iannacone. Sie sind mir in einigen Bands zur Seite gestanden. Nun hatte ich die Möglichkeit nach einiger Zeit wieder einmal Rick Iannacone einzuladen, einen Gitarristen der besonderen Art. Er kommt aus der Tradition des Funk, Ornette Colemans Harmolodic System und der freien experimentellen Szene in Philly (Philadelphia) und war auch viele Jahre mit Grammygewinner Billy Paul unterwegs, sowie mit einigen Bands von Jamaaladeen Tacuma, der im Moment durch Verpflichtungen mit den „Last Poets“ und diverser anderer Umstände leider verhindert ist. Ich freue mich jedoch sehr auf das Zusammenspiel mit Rick und Jon Sass an der Tuba, sowie Reini Winkler an den Drums – zwei langjährige Begleiter von mir und Musiker der Extraklasse. Und dann noch Asja Valcic…. Es wird ein wirklich spezieller Sound… (Wolfgang Puschnig)
der corona schaß läßt allerdings Rick Iannacone nicht reisen. 

„Verwandelt sich der Jazz unaufhaltsam in eine zweite Version der klassischen Musik - in anerkanntes Kulturgut, das aus einem Repertoire überwiegend toter Stile besteht, die von Künstlern - darunter ein paar junge - live für ein wohlsituiertes Mittelschichtpublikum aus Schwarzen und Weißen mittleren Alters und für japanische Touristen dargeboten werden? Wird der Jazz für sein potentielles Massenpublikum erneut vor allem durch Radio und Tonträger zugänglich sein, wie in Europa vor fünfzig Jahren? Wer heute Jazzsendern lauscht, fühlt sich zurückversetzt in die esoterische Welt derer, die den wahren Glauben haben, und in der drei Tage, die man ausschließlich beispielsweise den Aufnahmen von Clifford Brown widmet, als drei sinvolle Tage gelten.
Wird der Jazz endgültig zum Fossil? Es ist jedenfalls nicht auszuschließen. Wenn der Jazz so endet, wird es nur ein schwacher Trost sein, daß Clint Eastwood Bird in einem Zelluloidmausoleum bestattet hat und daß jeder Friseur und jede Kosmetikerin Aufnahmen von Billy Holiday hört. Allerdings hat der Jazz im Inneren einer nicht für ihn gemachten Gesellschaft, die ihn auch nicht verdient, eine außerordentliche Fähigkeit zur Selbsterhaltung und - erneuerung gezeigt. Es ist zu früh für den Schluß, seine Möglichkeiten seien erschöpft. Und warum nicht einfach zuhören und die Zukunft sich selbst überlassen? “
( Eric Hobsbawm )

WOLFGANG PUSCHNIG / BIOGRAFIE

Individualität", "Vielseitigkeit", "Experimentierfreude", und "Offenheit Neuem gegenüber"sind wohl neben der Selbstverständlichkeit, sein Instrument unfallfrei bedienen zu können,diejenigen Eigenschaften, die man sich idealtypischer Weise von einem Jazzmusiker wünscht. Selbst bei jemandem wie Wolfgang Puschnig, der stets nach neuen Herausforderungen sucht, scheinbar inkompatible Stile zusammenführt und regelmäßig mit eindrucksvoller Experimentierfreude aufzuzeigen weiß, ist es aber undenkbar, nach derartigen Kriterien eine Qualitäts- oder Wichtigkeits-Hierarchie erstellen zu wollen, ist es am Ende doch immer bloß ein beim Hörer hinterlassenes Gefühl, das die Faszination an der Musik ausmacht. Gerade dieses Gefühl ist es aber, warum Wolfgang Puschnig hier als einer der wohl besten, einflussreichsten und wichtigsten Jazzer - Europas im Allgemeinen und Österreichs im Besonderen - vorgestellt wird.

Geboren 1956 am Koordinatenpunkt 46° 27' N / 14° 18' O, oder wie der Laie sagt, "Klagenfurt", war für Wolfgang Puschnig Kärnten, als Schnittpunk und Schmelztiegel von germanischer, slawischer und romanischer Kultur und Sprache, von Beginn an "Sozialisations-Urgrund" und das "Substrat des musikantischen Denkens und Empfindens". Hier stand er auch bereits von Jugend an in ständigem Kontakt mit Volksliedern, aber auch Jazz und vielen anderen Stilrichtungen. Nach ersten instrumentalen Gehversuchen mit Blockflöte und Geige und später an der Querflöte in der Folk-Jazz-Band "Sokrates Sixtinic Bongoloids" hat sich Puschnig dann aber schon kurz nach der Matura in die Bundeshauptstadt aufgemacht, um dort unter dem Einfluss Säulenheiliger wie Charlie Parker, John Coltrane oder Miles Davis ("Damals machte ich einen Ferialjob in einer Joghurtfabrik in Deutschland und hörte "Bitches Brew" Tag und Nacht.") seine musikalischen Entfaltungsmöglichkeiten zu suchen.

Gefunden hat er diese, nach einem kurzen und fruchtlosen Abstecher an die Hochschule für Musik zwecks Flöten-Studiums, in der Jazz-Abteilung des Konservatoriums, aber vor allem auch als umtriebiger Saxofonist in der Wiener Jazz-Szene. Eines dieser Konzerte, das er ursprünglich gemeinsam im Duo mit dem Pianisten Mathias Rüegg bestreiten sollte, kulminierte unversehens in einem vielköpfigen Ensemble, das fortan unter dem Namen "Vienna Art Orchestra" (VAO) Ruhm und Ehre erlangen sollte. Mit über 800 Konzerten in 50 Ländern und mehr als 35 veröffentlichten Tonträgern ist das VAO heute zweifelsfrei eines der führenden europäischen Ensembles des modernen kreativen Jazz und darüber hinaus offizieller Kulturbotschafter Österreichs.

Den Durchbruch schaffte diese Big Band, die anfangs noch stark von anarchistisch- fluxusartigen Einflüssen geprägt war, mit der Aufnahme der 1979er Platte "Tango From Obango" sowie den ersten großen Auftritten bei ausländischen Festivals in den darauf folgenden beiden Jahren. Hierbei katapultierte sich Puschnig mit jeder Menge Witz, Spielfreude und Ausdruckstärke an seinem Instrument auf die Position des führenden Saxofonisten des Orchesters, die er in Folge als zentraler Part von Mathias Rüeggs komponierten bzw. arrangierten Programmen mit Bravour auszufüllen wusste. Darunter waren auch mittlerweile legendäre Stücke wie etwa "Concerto Piccolo"(1980), "From No Time To Rag Time"(1982), "The Minimalism of Erik Satie" (1984) oder auch "Lonely Nightride of a Saxophone Player" (1985). Gekrönt wurde diese Schaffensperiode des Vienna Art Orchestras durch zwei Siege im Critics Poll des US-Jazzmagazins Down Beat, seines Zeichens dasjenige genrespezifische Periodikum mit der weltweit höchsten Auflage.

Zeitgleich zur Tätigkeit in der Big Band hat Wolfgang Puschnig mit einigen ihrer Mitglieder aber auch in diversen kleineren Formationen aufhorchen lassen, ganz nach dem Motto, "wenn man denn schon mal an der Quelle vielfältiger Kreativität sitzt, sollte man sich ihrer so ausgiebig wie möglich bedienen". So fand der Saxofonist also gemeinsam mit Herbort Joos, Uli Scherer, Jürgen Wuchner und Wolfgang Reisinger eine weitere Möglichkeit, die Jazzwelt aufhorchen zu lassen und das nicht bloß vor diversen Bühnen, sondern dank zweier Platteneinspielungen auch in vielen Wohnzimmern. Ein weiteres hörenswertes Projekt dieser Zeit entstammt der Zusammenarbeit eines Quartetts, bestehend aus Wolfgang Puschnig, Lauren Newton, Woody Schabata und Mathias Rüegg mit dem Laut-Poeten Ernst Jandl, dessen Sprech- und Lautexperimenten auf diese Weise eine zusätzliche Dimension verliehen wurde. Insgesamt gingen aus dieser bis 1991 andauernden Kollaboration drei Alben hervor: "Bist Eulen?", "Vom Vom Zum Zum" und "Lieber ein Saxophon".

Vor allem die Zusammenarbeit mit Wolfgang Reisinger etablierte sich als Fixpunkt und kreativer Nährboden in Puschnigs Mitt-Achtziger Schaffen. So überzeugten sie, gemeinsam mit Linda Sharrock und Wolfgang Mitterer, im Ensemble "Pat Brothers" wie auch im Quartett mit Harry Pepl und Mike Richmond. Ganz in den Fußstapfen des Jugend-Idols John Coltrane widmete sich Puschnig in diesem Jahrzehnt auch erfolgreich diversen Duo-Formationen. Nach der frühen 70er-Jahre-Zusammenarbeit mit dem langjährigen VAO-Pianisten Uli Scherer, konnte man ab 1981 unzähligen Improvisations-Zusammentreffen Puschnigs mit Hans Koller, einer der Leitfiguren des österreichischen und europäischen Jazz, beiwohnen. Eine andere Duo-Kooperation mit Wolfgang Mitterer gipfelte dann 1986 in der experimentellen, elektroakustischen Platte "Obsooderso". Die Experimentierfreude war schließlich wohl auch ausschlaggebend dafür, dass Wolfgang Puschnig sein Engagement im Vienna Art Orchestra zugunsten der Erforschung neuer Möglichkeiten ruhend gestellt hat. Weiterhin treu geblieben ist er allerdings der Duo-Performance, der er sich auf seinem 1988 erschienen Solo-Debüt "Pieces of a Dream" ausgiebig widmet. Unter anderem finden sich hierauf musikalische Dialoge mit Carla Bley, Ex-Ornette-Coleman-Bassist Jamaaladeen Tacuma, Hans Koller, Linda Sharrock, Hiram Bullock und Harry Pepl. Neben diesem internationalen Anstrich stellt die erste eigene Platte aber auch das Faible für volksmusikalische Ansätze in den Vordergrund. Besonders eindrucksvoll zu hören bei seinem friedlich-melancholischen Arrangement der "heimlichen Landeshymne Kärntens", "Is schon still uman See". Puschnig war es letztendlich auch, der in weiterer Folge eine Vielzahl anderer österreichischer (Jazz-)Musiker dazu inspirierte, sich selbst, auf ihre Weise, mit dem eigenen regionalen Umfeld musikalisch auseinander zu setzen.

Wolfgang Puschnigs Faszination für Volksmusik äußerst sich jedoch nicht bloß ausschließlich in der Bearbeitung konkreter musikalischer Vorlagen, sondern ist eigentlich stets in seinem gesamten Schaffen präsent. "Ende der 70er Jahre kam dieses Element ganz von selbst an die Oberfläche, wobei es genau genommen keine Elemente gibt, die ich systematisch verwende, sondern es sich mehr um die Transformation eines Gefühls auf eine andere musikalische Ebene handelt. Ich bin mit dieser Musik aufgewachsen. Sie ist Teil meiner Geschichte und damit Teil meines musikalischen Universums. Größtenteils handelt es sich dabei um vokale Musik, die durch den slawischen Einfluss einen gewissen Hang zur Melancholie hat. Man könnte sagen, das Charakteristische an dieser Grenzregion ist eine ganz eigenartige Mischung - etwas dem Dunklen und Schwermütigen zugeneigt, ohne aber das Lebensbejahende aufzugeben."

Ein weiteres einschlägig Volksmusik-geprägtes Werk wurde kurz nach der Debüt-Platte, im Jahr 1991, mit dem Album "Alpine Aspects" veröffentlicht, auf dem Puschnig die Amstettner Blasmusikkapelle mit dem Funk-Bassisten Jamaaladeen Tacuma zusammen treffen ließ. Zusammen nahm man sich der alten und oftmals auch traurigen Lieder der Heimat des Bandleaders an, die mit viel Ernst, Herz und Witz einen modernen Anstrich verpasst bekommen haben - gerade Marschtakte treffen hierbei auf schräge Jazzrhythmen. Bis heute gilt das Ergebnis dieser Aufnahmen als eine der bedeutendsten und originellsten österreichischen Jazzproduktionen überhaupt. "Die Lieder sprechen von ihrer Stimmung her ganz bestimmte grundlegende Themen an: die Liebe, die Sehnsucht, den Abschied oder das Wiederfinden. Es gibt nichts Neues zu sagen, sondern nur die essentiellen Dinge auf immer neue Art und Weise", so Puschnig über seine Volksmusik-Bearbeitungen. "Ich möchte diese traditionelle Musik weder benutzen noch persiflieren, sondern vielmehr ihre Stimmung vermitteln, um auch anderen einen neuen Zugang zu ermöglichen. Wenn auch in manchen Stücken eine gewisse ironische Komponente durchscheint, so war dies auf keinen Fall der primäre Beweggrund meiner Arbeit. Ironie hat ja immer auch mit Abstand zu tun und genau das wollte ich ja eigentlich nicht - ganz im Gegenteil."

Das bislang letzte auf Tonträger veröffentlichte Projekt mit explizitem Volksmusik-Bezug stammt aus dem Jahr 2002 und hört auf den Namen "3 & 4 Ob'n Unt'n / Austrian Songs". Zur Realisierung hat sich Wolfgang Puschnig einmal mehr langjährige Weggefährten mit ins Boot geholt, wie etwa den Saxofonisten und Klarinettisten Klaus Dickbauer (Saxofour), den Trompeter und Flügelhornisten Herbert Joos (VAO, Part of Art) und den aus Paris stammenden Tuba-Spieler Michel Godard, mit dem er auch bereits das 1997er Album "Dream Weavers" eingespielt hat. "Ich habe diese Musiker gewählt, weil ich auf ihr intuitives Verständnis absolut vertrauen kann. Michel und Herbert sind zudem im Vergleich zu Klaus und mir völlig unbelastet und können das Grundgefühl dieser Musik ganz frei interpretieren, was mir auch zeigt, wie stark die Essenz dieser Lieder immer noch ist.". Neben der Bearbeitung dieser alten traditionellen Stücke, hat sich Wolfgang Puschnig im Rahmen seiner Solo-Karriere aber auch etlichen anderen Projekten und Kooperationen zugewandt. So wurden etwa mit dem Resetarits-Puschnig-Quintett "RP5" jegliche Barrieren zwischen den Stilen Jazz und Pop zu bloßen Fußnoten der Musikgeschichte degradiert und mit dem koreanischen Trommlerensemble "Samul Nori", gemeinsam mit Linda Sharrock als "Red Sun Group", sowohl Publikum als auch Kritiker gleichermaßen begeistert.

Linda Sharrocks prägnante Lyrics sollten dann auch wichtiger Bestandteil eines Puschnig-Albums jüngerer Bauart werden. Das 2001er-Werk "Chants" glänzt dabei anstatt durch ausufernde Improvisationen mit präzise fokussierten Kompositionen. Der Titel bezieht sich auf die ursprüngliche Bezeichnung der Lieder der Schwarzen Amerikas, die Wolfgang Puschnig zu langsamen aber dennoch zwingenden Grooves von Schlagzeug, Kontrabass und sparsamer Perkussion inspiriert haben, über denen majestätisch Vibraphon-Klänge dahin schweben. Aufkommende Assoziationen mit Siebziger Jahre Motown- und Philly-Grooves sind hier wohl nicht ganz unbeabsichtigt gewesen.

Eine andere, bis heute bestehende Formation, die in einer Übersicht zum Schaffen von Wolfgang Puschnig keinesfalls fehlen darf, ist mit Sicherheit das im Jahr 1991 anlässlich der Austria Jazz Tage Vöcklabruck gegründete Saxofonquartett mit dem bezeichnenden Namen "Saxofour", bei dem neben der Hauptfigur dieses Porträts mit Florian Bramböck, Klaus Dickbauer und Christian Maurer drei weitere exzellente Musiker ihre Lungen in diverse Blechblasinstrumente entleeren. Unter Zuhilfenahme von Saxofonen, Klarinetten und einer Querflöte (Puschnig) lädt dieses Quartett bei jedem Auftritt zu einer musikalischen Entdeckungsreise, vornehmlich in die Gefilde des Experimentellen Jazz und der Neuen Improvisationsmusik. Weiter reichende Bekanntheit erreichte das Bläser-Ensemble zudem durch Kooperation mit der Portugiesin Maria João, einer der wohl  größten und signifikantesten Jazzstimmen Europas.

Das heißeste Eisen, das Wolfgang Puschnig momentan im Feuer hat, ist aber mit Sicherheit sein neues Projekt "Room", das erstmals beim Jazzfestival Saalfelden 2009 der Öffentlichkeit vorgestellt wurde. Einmal mehr stellt der vielseitige Musiker hier unter Beweis, dass ihm nichts ferner liegt, als sich in festgelegte und unverrückbare Kategorien einzuordnen. Vielmehr öffnet er sich hier abermals unterschiedlichsten Stilrichtungen, die er in gewohnter Manier perfekt in ein buntes und vielfältiges Hörerlebnis zusammen zu führen weiß, wie auch bereits die aktuelle "Room"-Besetzung, die "Raumausstattung" sozusagen, unterstreicht. So zählen zu Puschnigs Mitmusikern diesmal neben dem international renommierten Vokalakrobaten Eric Mingus auch der Austropop-Gitarrist Hannes Wildner sowie die Rock-Schlagzeugerin Cathie Priemer. Für Freunde ruhigerer Klänge sei an dieser Stelle aber noch angemerkt, dass es bei "Room" wieder etwas heftiger rumpelt, als noch bei den vorhergehenden Puschnig-Projekten der letzten Jahre. Nach all diesen Jahren des Musikschaffens auf höchstem Niveau war es freilich nur eine Frage der Zeit, bis auch die ersten Auszeichnungen auf den Kaminsims gestellt werden konnten, wie etwa der Hans-Koller-Preis für den "Jazzmusiker des Jahres" 1998 sowie der Würdigungspreis des Landes Kärnten aus dem Jahr 2003. Zudem wurde Wolfgang Puschnig 2004, als erstem Musiker überhaupt, die Ehrendoktorwürde der Alpen-Adria-Universität Klagenfurt verliehen. Daraus lässt sich wohl auch der Schluss ableiten, dass sich der Stellenwert des Jazz in Österreich über die vergangenen Jahrzehnte verändert hat, was auch Wolfgang Puschnig zu bestätigen weiß. "'Es ist alles Orsch, aber eigentlich sind wir sehr leiwand' - das war lange das geheime Motto des Jazz in Österreich. Tatsache ist, dass es noch nie so viele junge gute Spieler gab wie jetzt. Der Jazz als Undergroundphänomen ist längst in die Mitte der Gesellschaft gerückt."

Dass der Jazz-Nachwuchs heute derart gut aufgestellt ist, ist wohl aber nicht zuletzt auch Wolfgang Puschnig selbst zu verdanken, der zum einen mit seinen eigenen Ensembles stets neue musikalische Pfade erschließen und damit eine Art Vorbildstellung einnehmen konnte, zum anderen aber auch als Universitätsprofessor für Saxofon an der Musikuniversität Wien (deren Institut für Popularmusik er auch vorsteht) neue Entfaltungsmöglichkeiten aufzeigen kann. Dass man aber letztendlich einen eigenen, individuellen Weg beschreiten muss, weiß wohl niemand besser als Wolfgang Puschnig selbst.

Michael Masen

Woran erkennt man den finnischen Sommer? Der Regen wird wärmer!“. Pianist Iiro Rantala widmet sein drittes Soloprojekt auf ACT ganz seinem Heimatland Finnland und der Mentalität seiner Bewohner*innen, ihrer Melancholie, ihrem Humor und dem einzigartigen finnischen Geist. Iiro Rantala erzählt diese Geschichte anhand von zwölf Kompositionen – einer für jeden Monat. Mit Virtuosität, Elan und Witz – und vielen Anekdoten über die finnische Seele, wie sie nur von Iiro Rantala in seiner schelmischen Art stammen können.

Iiro Rantala ist ein Chamäleon des Jazz. Der finnische Pianist liebt es, in verschiedene Rollen zu schlüpfen und überrascht immer wieder mit ausgefallenen Albumkonzepten. Das gilt besonders für seine Solo-Projekte. Mit „My Finnish Calendar“ schlägt er ein neues Kapitel improvisierter Programmmusik auf: Aus seiner ganz persönlichen, finnischen Sicht vertont er den Jahreslauf seines Heimatlandes. Mit der für ihn typischen Mischung aus melodischem Erfindergeist, Melancholie und Humor, mit der gewohnten technischen Finesse und der über die Jahre erworbenen Souveränität, auf die Kraft des Wesentlichen zu vertrauen.

Jeder Monat, jedes Stück dieses Albums führt ein künstlerisches Eigenleben. Und was sich nicht direkt aus dem Klang erschließt, das erläutert Rantala in den humorvollen Anekdoten seiner Linernotes. Wie stark die Inspiration sprudelte wird gleich zum Jahresauftakt deutlich: „January“ eröffnet den Reigen als wuchtig-schwermütige Hymne in Moll, getreu Rantalas Einschätzung als „Monat der Reue“: „Die Finnen bereuen, an Weihnachten und Neujahr zu viel ausgegeben, gegessen und getrunken zu haben. Viele reinigen ihr System und legen einen alkoholfreien Monat ein – was sie nicht glücklicher macht.“ Das glatte Gegenteil erklingt dann im Februar: Ein fröhlicher, sehr flotter Stakkato-Wirbel fegt über einen hinweg, sind die Finnen doch nun „in Bestform, wenn der Schnee kommt. Alle Arten von Wintersport machen sie glücklich.“ Doch schon im März ist es lange genug kalt und dunkel; die Finnen sind vom Winter gelangweilt, und so erklingt Rantalas „March“ als perlender, leicht melancholischer Chanson – träumen doch viele „von einem Trip nach Paris, wo der Frühling schon nah ist“.

Für jeden Monat findet Rantala eine treffende musikalische Erklärung. Von der mit abgedämpften Klaviersaiten immer dynamischer werdenden „Planung des kurzen Sommers“ im Mai über den „Käsekuu“, den „Sommermonat“ Juni, der in Wahrheit noch kalt und regnerisch ist und so eine fast kabarettistische Melodie-Entsprechung findet, bis zum Reisemonat Juli und dem wettertechnisch besten Sommermonat August, in dem aber alle schon wieder zur Schule gehen und arbeiten müssen – was Rantala in einer strengen, fast klassischen Fuge auffängt. Von der sentimentalen, mit grandioser Steigerung dahinließenden Romantik des herbstlichen Septembers und dem stürmischen Oktober bis zum Dunkel des Novembers, das Rantala als sehr zum finnischen Wesen passend mit einer wohligen Ballade interpretiert. Hin schließlich zum bis zur Erschöpfung arbeitsreichen Dezember – „in dem alles angelegt ist, was die Finnen im Januar bereuen“, wie Rantala sagt und spielend zum Ausdruck bringt. Womit der Reigen auf das Neue losgehen kann, und tatsächlich möchte man diesen finnischen Kalender sofort noch einmal hören.

„My Finnish Calendar“ ist das nunmehr dritte Soloalbum von Rantala. Damit führt er sein künstlerisches Credo konsequent fort, das er auch bei seinen beiden vorangegangenen Einspielungen verfolgt hat: „Jazz braucht Melodien. Er braucht etwas, an das die Leute andocken können“. Auf seinem ACT-Debüt „Lost Heroes“ (2011) bewies Rantala seine herausragende Fähigkeit, großen Vorgängern und Vorbildern von Bill Evans, Erroll Garner und Art Tatum bis zu Esbjörn Svensson, Michel Petrucciani oder gar Luciano Pavarotti ein Denkmal zu setzen - ohne sie zu kopieren, sondern mit einer eigenen Handschrift. Und 2015 nahm er dann sein Publikum mit der Interpretation der Musik John Lennons gefangen: Auf unerhört feinsinnige Art und im echten Jazz-Spirit gelang Rantala mit „My Working Class Hero“ eine Hymne auf den großen Pop-Revolutionär. Und nun erweist er sich also als jazzmusikalischer Erforscher der finnischen Jahreszeiten...

Aufregung in Hinterschlapfing! Der ORF dreht eine Folge „Vormittags in Österreich“ im Ort und natürlich wollen sich die BewohnerInnen von Hinterschlapfing dabei von ihrer „besten“ Seite zeigen.
Austromexikaner Gabriel Castañeda schlüpft in seinem 2. Soloprogramm in die Rollen der EinwohnerInnen von Hinterschlapfing und zeigt dabei die schrulligen, kuriosen aber vor allem witzigen Eigenheiten der Landbevölkerung.
So erfahren wir, warum der Bürgermeister einen Kaugummiautomaten eröffnet, der Pfarrer eine Motorsense segnet, der Polizist einen Ministranten verhaftet, es einen Integrationskurs für Deutsche gibt und warum die Bushaltestelle unter Naturschutz steht.
All das und noch viel mehr erklärt Gabriel Castañeda in einem zweistündigen Gagfeuerwerk. Dabei beweist der Frontmann der Tyrol Inn Stones, dass er auch ohne seine Freunde singen und blödeln kann. Ein witziger Abend für all jene die am Land leben, und für alle anderen sowieso. Ähnlichkeiten mit existierenden Gemeinden sind absolut zufällig aber durchaus gewollt.

Der Mexikaner aus Grins, der Prinz der Provinz!

"Wortspiele und Scharfsinn setzt er ebenso ein wie treffsichere und mitunter makabere Pointen.“ - Tiroler Tageszeitung

BIO

Wie so viele, habe ich meinen Weg zur Bühne über etliche Umwege vollzogen. Heute bin ich glücklich und vor allem dankbar, dass ich mit meinem Beruf das Privileg habe, Menschen zu unterhalten. Mit meiner Mischung aus österreichischer Gelassenheit und mexikanischem Feuer, gehe ich mit offenen Augen durch den Alltag, immer auf der Suche nach dem Kuriosen, dem Verrückten und auch nach den Abgründen, die unsere Spezies so einmalig macht. Aus all diesen Eindrücken entsteht meist ein Destillat, das in Form eines Bühnenprogramms seinen Ausdruck findet. Ich genieße die Vielfalt meines Berufs. Wenn ich als Drehbuchautor für Dokus recherchiere und neue Dinge lerne, wenn ich als Sänger tief in Melancholie versinken kann, oder wenn ich als Pveronika schallendes Gelächter in vollen Sälen verbreite. Ich freue mich auf alles was noch kommt. 

Gabriel Castañeda

1979

Gabriel Castañeda kommt als Sohn einer Tirolerin und eines Mexikaners im beschaulichen Grins zur Welt.
 

1979 - 1999

Schon in frühester Kindheit eine „Rampensau“. Kindergarten sowie alle nachfolgenden Schulen im Prinzip als Bühne mit Publikum verstanden. Außer der erfolgreichen Belustigung der Mitschüler sonst keine nennenswerten Erfolge diesbezüglich.

2000 - 2006

Uli Brée beim Ensemble Tirol kennen gelernt. Uli Brée fungiert in den nächsten Jahren als Mentor für Gabriel und unter seinen Fittichen konnte er das Handwerk des Schreibens erlernen. Es folgen viele sehr erfolgreiche Stücke mit dem Ensemble Tirol mit Castañeda als Autor und/oder Darsteller. Besonders erwähnenswert sind hier „HOSSA“ – die ganze bittere Wahrheit über den deutschen Schlager (187 ausverkaufte Vorstellungen!), „Zimt-Stern-Hagel-Voll“ 2006 und 2007, „BUSSI“, oder auch „Bye, bye Bambi“.

2006 - 2010

Gemeinsam mit Brée schreibt Castañeda seit seinem Schritt in die Selbständigkeit 2006 neben Theaterstücken auch Filme. Einige davon absolute Publikumserfolge wie "Live is Life - die Spätzünder", „Meine Tochter, ihr Freund und ich“ oder auch „Die Abstauber“.
Seit 2006 rockt sich Gabriel auch mit seiner Rock’n’Roll Band durch die Bühnen Tirols. Die Jailhouse Rockers spielen Musik aus den 50ern und 60ern und halten den Lifestyle Sex, Drugs und Rock’n’Roll hoch.
Castañeda liefert seit 2009 auch die Drehbücher für Sendung "Hansi Hinterseer", die regelmäßig fünf bis sechs Millionen Zuseher begeistert. Hansi präsentiert in diesem Format jeweils eine der schönsten Region Mitteleuropas und zeigt sich als Naturschützer, sowie Bewahrer von Kunsthandwerk und Brauchtum. Der Nationalpark Berchtesgaden, die hohen Tauern, das Montafon oder das traumhaft schöne Dreiländereck um den Bodensee sind nur ein paar Regionen, die in dieser Sendereihe portraitiert wurden.

2010 - 2013

Es folgt das erste Werk der "Tyrol Inn Stones", der a cappella Gruppe von und mit Gabriel Castañeda. „Gesang auf höchster Braukunst“ trifft den Nerv des Publikums und in kürzester Zeit sind die Tyrol Inn Stones (Gabriel Castañeda, Gernot & Thomas Mungenast, Edgar Ruetz) in aller Munde. Die Mischung aus Gesang, Slapstick und bissigem Humor findet großen Anklang und mittlerweile füllen die Stones regelmäßig Säle mit zwei- bis dreihundert eingefleischten Tyrol Inn Stones Fans.

2014 bis 2017

Im Dezember 2014 feiert Gabriel Premiere mit seinem ersten Soloprogramm „Bös & Artig“, einer bitterbösen Betrachtungen des Alltags. Neben seiner Tätigkeit als Kabarettist moderiert Gabriel auch zahlreiche Veranstaltungen. 2016 folgt eine Folge aus der Reihe "Bergwelten" für Servus TV, neben Drehbuch ist Gabriel auch erstmals für die Regie (gemeinsam mit Klaus Achter) verantwortlich. Im Herbst 2016 kommt auch das heißersehnte, dritte Programm der Tyrol Inn Stones "EverGrins" auf die Bühne und ist wieder ein voller Erfolg. Ende 2016, Anfang 2017 beginnen die Arbeiten an einem Drehbuch zu "Universum" für den ORF mit Hermann Maier, sowie eine neuerliche Auflage von "Hansi Hinterseer", ebenfalls für den ORF. Auch eine Folge "Heimatleuchten" für Servus TV entsteht 2016/2017. Die Tyrol Inn Stones gewinnen im Herbst, in Tux den ersten Tiroler Kabarettpreis (Publikums- und Jurywertung). Im Oktober feiert auch das dritte Kabarettprogramm "Lebhaft“ von Comdygröße Alex Kristan Premiere, das Buch entstand unter Mitarbeit von Gabriel. Elke Winkens und Thomas Weissengruber präsentieren ihr Stück "Wie jetzt?" ebenfalls im Oktober, Gabriel lieferte das Buch dazu. Im Herbst 2017 erfolgt die Ausstrahlung von Hansi Hinterseer - im malerischen Tannheimertal.

2018 bis heute

2018 präsentiert Gabriel ein 2. Soloprogramm „Der Prinz der Provinz“, das bis heute für volle Häuser sorgt und Begeisterungsstürme auslöst. Auch eine weitere Folge Hansi Hinterseer wird 2018 produziert

Aufregung in Hinterschlapfing! Der ORF dreht eine Folge „Vormittags in Österreich“ im Ort und natürlich wollen sich die BewohnerInnen von Hinterschlapfing dabei von ihrer „besten“ Seite zeigen.
Austromexikaner Gabriel Castañeda schlüpft in seinem 2. Soloprogramm in die Rollen der EinwohnerInnen von Hinterschlapfing und zeigt dabei die schrulligen, kuriosen aber vor allem witzigen Eigenheiten der Landbevölkerung.
So erfahren wir, warum der Bürgermeister einen Kaugummiautomaten eröffnet, der Pfarrer eine Motorsense segnet, der Polizist einen Ministranten verhaftet, es einen Integrationskurs für Deutsche gibt und warum die Bushaltestelle unter Naturschutz steht.
All das und noch viel mehr erklärt Gabriel Castañeda in einem zweistündigen Gagfeuerwerk. Dabei beweist der Frontmann der Tyrol Inn Stones, dass er auch ohne seine Freunde singen und blödeln kann. Ein witziger Abend für all jene die am Land leben, und für alle anderen sowieso. Ähnlichkeiten mit existierenden Gemeinden sind absolut zufällig aber durchaus gewollt.

Der Mexikaner aus Grins, der Prinz der Provinz!

"Wortspiele und Scharfsinn setzt er ebenso ein wie treffsichere und mitunter makabere Pointen.“ - Tiroler Tageszeitung

BIO

Wie so viele, habe ich meinen Weg zur Bühne über etliche Umwege vollzogen. Heute bin ich glücklich und vor allem dankbar, dass ich mit meinem Beruf das Privileg habe, Menschen zu unterhalten. Mit meiner Mischung aus österreichischer Gelassenheit und mexikanischem Feuer, gehe ich mit offenen Augen durch den Alltag, immer auf der Suche nach dem Kuriosen, dem Verrückten und auch nach den Abgründen, die unsere Spezies so einmalig macht. Aus all diesen Eindrücken entsteht meist ein Destillat, das in Form eines Bühnenprogramms seinen Ausdruck findet. Ich genieße die Vielfalt meines Berufs. Wenn ich als Drehbuchautor für Dokus recherchiere und neue Dinge lerne, wenn ich als Sänger tief in Melancholie versinken kann, oder wenn ich als Pveronika schallendes Gelächter in vollen Sälen verbreite. Ich freue mich auf alles was noch kommt. 

Gabriel Castañeda

1979

Gabriel Castañeda kommt als Sohn einer Tirolerin und eines Mexikaners im beschaulichen Grins zur Welt.
 

1979 - 1999

Schon in frühester Kindheit eine „Rampensau“. Kindergarten sowie alle nachfolgenden Schulen im Prinzip als Bühne mit Publikum verstanden. Außer der erfolgreichen Belustigung der Mitschüler sonst keine nennenswerten Erfolge diesbezüglich.

2000 - 2006

Uli Brée beim Ensemble Tirol kennen gelernt. Uli Brée fungiert in den nächsten Jahren als Mentor für Gabriel und unter seinen Fittichen konnte er das Handwerk des Schreibens erlernen. Es folgen viele sehr erfolgreiche Stücke mit dem Ensemble Tirol mit Castañeda als Autor und/oder Darsteller. Besonders erwähnenswert sind hier „HOSSA“ – die ganze bittere Wahrheit über den deutschen Schlager (187 ausverkaufte Vorstellungen!), „Zimt-Stern-Hagel-Voll“ 2006 und 2007, „BUSSI“, oder auch „Bye, bye Bambi“.

2006 - 2010

Gemeinsam mit Brée schreibt Castañeda seit seinem Schritt in die Selbständigkeit 2006 neben Theaterstücken auch Filme. Einige davon absolute Publikumserfolge wie "Live is Life - die Spätzünder", „Meine Tochter, ihr Freund und ich“ oder auch „Die Abstauber“.
Seit 2006 rockt sich Gabriel auch mit seiner Rock’n’Roll Band durch die Bühnen Tirols. Die Jailhouse Rockers spielen Musik aus den 50ern und 60ern und halten den Lifestyle Sex, Drugs und Rock’n’Roll hoch.
Castañeda liefert seit 2009 auch die Drehbücher für Sendung "Hansi Hinterseer", die regelmäßig fünf bis sechs Millionen Zuseher begeistert. Hansi präsentiert in diesem Format jeweils eine der schönsten Region Mitteleuropas und zeigt sich als Naturschützer, sowie Bewahrer von Kunsthandwerk und Brauchtum. Der Nationalpark Berchtesgaden, die hohen Tauern, das Montafon oder das traumhaft schöne Dreiländereck um den Bodensee sind nur ein paar Regionen, die in dieser Sendereihe portraitiert wurden.

2010 - 2013

Es folgt das erste Werk der "Tyrol Inn Stones", der a cappella Gruppe von und mit Gabriel Castañeda. „Gesang auf höchster Braukunst“ trifft den Nerv des Publikums und in kürzester Zeit sind die Tyrol Inn Stones (Gabriel Castañeda, Gernot & Thomas Mungenast, Edgar Ruetz) in aller Munde. Die Mischung aus Gesang, Slapstick und bissigem Humor findet großen Anklang und mittlerweile füllen die Stones regelmäßig Säle mit zwei- bis dreihundert eingefleischten Tyrol Inn Stones Fans.

2014 bis 2017

Im Dezember 2014 feiert Gabriel Premiere mit seinem ersten Soloprogramm „Bös & Artig“, einer bitterbösen Betrachtungen des Alltags. Neben seiner Tätigkeit als Kabarettist moderiert Gabriel auch zahlreiche Veranstaltungen. 2016 folgt eine Folge aus der Reihe "Bergwelten" für Servus TV, neben Drehbuch ist Gabriel auch erstmals für die Regie (gemeinsam mit Klaus Achter) verantwortlich. Im Herbst 2016 kommt auch das heißersehnte, dritte Programm der Tyrol Inn Stones "EverGrins" auf die Bühne und ist wieder ein voller Erfolg. Ende 2016, Anfang 2017 beginnen die Arbeiten an einem Drehbuch zu "Universum" für den ORF mit Hermann Maier, sowie eine neuerliche Auflage von "Hansi Hinterseer", ebenfalls für den ORF. Auch eine Folge "Heimatleuchten" für Servus TV entsteht 2016/2017. Die Tyrol Inn Stones gewinnen im Herbst, in Tux den ersten Tiroler Kabarettpreis (Publikums- und Jurywertung). Im Oktober feiert auch das dritte Kabarettprogramm "Lebhaft“ von Comdygröße Alex Kristan Premiere, das Buch entstand unter Mitarbeit von Gabriel. Elke Winkens und Thomas Weissengruber präsentieren ihr Stück "Wie jetzt?" ebenfalls im Oktober, Gabriel lieferte das Buch dazu. Im Herbst 2017 erfolgt die Ausstrahlung von Hansi Hinterseer - im malerischen Tannheimertal.

2018 bis heute

2018 präsentiert Gabriel ein 2. Soloprogramm „Der Prinz der Provinz“, das bis heute für volle Häuser sorgt und Begeisterungsstürme auslöst. Auch eine weitere Folge Hansi Hinterseer wird 2018 produziert

„Rausch verursachendes Edelmetall, Schmelzpunkt bei 1064,18 °C,
Chemische Bezeichnung AU, Ordnungszahl 79.
Meistens vorzufinden an Ringfingern, Zähnen und Olympionikinnenhälsen, häufig in Blattform, seltener als Schallplatte und vereinzelt angeblich sogar im Wienerherz.
Und nicht zuletzt eben auch auf Blechblasinstrumenten.

Mnozil Brass schenkt sich und dem Publikum deshalb zum 28. Geburtstag eine Definitive Best Of Anthology Greatest Superhits Celebration Show, kurz:      „Gold“

Wer dieses verrückte Septett jemals live erlebt hat, der weiß, dass Mnozil Brass, deren schräger Name sich einer Alt-Wiener Beiz verdankt, in der Musikwelt eine ureigene, unvergleichliche Kategorie darstellt. Angeführt von dem genial-virtuosen Trompeter Thomas Gansch, der als Einheizer samt akrobatischer Einlagen für tosende Party-Stimmung sorgt, jagen die österreichischen Blech-Artisten mit geradezu irrsinnigem Spielwitz durch die Musikgeschichte. Und verschonen dabei nichts und niemand mit ihrem Humor, der aufs Herrlichste stupende Handwerkskunst mit komödiantischer Bühnenpräsenz und grotesker Schauspielerei paart. Keine Frage, die luftstarken Berserker von Mnozil Brass sind die klanggewordene Antwort auf "Monty Python" - mitreißend dynamisch und zum Schreien komisch, einfach goldig. 
angewandte Blechmusik, grundsätzlich ohne Noten gespielt, geeignet für alle Lebenslagen: Schlager, Jazz und Popmusik, Oper und Operette. Blasmusik auch.  Ohne Furcht, Tadel und Vorbehalte, mit  Schmäh und raffiniert..

Was für ein Traum: : der französische Percussionist Mino Cinelu - mit Wurzeln in Martinique - und der norwegische Trompeter Nils Petter Molvaer trafen sich häufiger auf den Festivals der Welt und planten immer wieder eine Zusammenarbeit. Im letzten Jahr haben sie ihre Pläne in die Realität umgesetzt.  Ihr gemeinsames Album »SulaMediana« spiegelt die unterschiedlichen Erfahrungen wider, die sie in den Jahrzehnten angesammelt haben.
Cinelu brachte seine Einflüsse von Miles Davis, Dizzy Gillespie, Sting oder Kate Bush mit in die Zusammenarbeit ein und Molvaer wiederum seine norwegischen Wurzeln, die in den letzten Jahren mit vielfältigen Kooperationen wie z.B. mit Moritz von Oswald oder Sly & Robbie stets erweitert wurden. 
So entstand ein vielschichtiges und höchst unterhaltsames Werk, das viel mehr beinhaltet als »Sula« = die Insel, auf der Molvaer aufwuchs und »Madiana«, was ein anderes Wort für »Martinique« ist.  

Nils Petter Molvær & Mino Cinelu: Sula Madiana

„SulaMadiana“ ist Fusion par excellence. Von Nils Petter Molvær und Mino Cinelu so luftig gespielt, wie das im Genre kaum je üblich ist. Mino Cinelu hat Connece, wie man so schön sagt. Und wenn Ihnen der Name nichts sagt: der Franzose hat schon für Sting und Santana gefuhrwerkt und gewirbelt. In der Jazz-Szene kennt man ihn ohnehin, Cinelu spielte Percussion auf Platten von Weather Report, und vor allem: bei Miles Davis. Der Über-Trompeter ist auch im Leben von Nils Petter Molvær eine feste Größe; ohne Miles hätte Molvær wohl nicht zu seinem melancholisch-spacigen Trompetenton gefunden.
Nun erscheint das Duett „SulaMadiana“. Der Titel spielt auf die norwegische Insel Sula und das karibische Eiland Martinique an, wo Molvær respektive Cinelu ihre Wurzeln haben. Das ist Fusion par excellence, so luftig gespielt, wie das im Genre kaum je üblich ist. „Rose of Jericho“ hat Dub-Anleihen, „O Xingu“ eine südostasiatische Trance-Stimmung. Und Duke Ellingtons „A-Train“? Nur noch vage am Basslauf erkennbar. Brillant der Titelsong: ein lässiges Latin-Meisterwerk mit Funk-Gitarren, lautmalerischen Vocals und Molværs schönstem Electro-Trumpet-Sound.

NILS PETTER MOLVAER

Nils Petter Molvær ((* 18. September 1960) wurde an der norwegischen Westküste auf der kleinen Insel Sula geboren. Zu seinen musikalischen Vorbildern gehören Miles Davis, Don Cherry, Billie Holiday, Brian Eno, Jon Hassell, Joni Mitchell und Bill Laswell. Er wird als Pionier der Fusion von Jazz und elektronischer Musik betrachtet. 
Zu Beginn seiner Karriere spielte Nils Petter Molvær in der von Jon Balke geleiteten Formation Oslo 13. Einem breiten Publikum wurde er durch sein Debüt-Album Khmer (das 1997 beim Münchner Label ECM erschien) bekannt, auf dem Molvær sein ätherisches Spiel und seinen fiebrigen, heiseren Trompetenton wuchtigen elektronischen Beats gegenüberstellt. Khmer erhielt sehr viel Beachtung und hervorragende Kritiken; so bekam Molvær z. B. den Preis der Deutschen Schallplattenkritik und die amerikanische Zeitung L.A. Weekly ernannte Khmer zum Jazzalbum des Jahres 1998.
Es folgten im Jahr 2000 das Album Solid Ether und im darauf folgenden Jahr das reine Remix-Album Recoloured, auf dem verschiedene Gastmusiker und DJs mitwirkten, darunter Bill Laswell und Funkstörung. 2002 wurde das Album NP3 und im Sommer 2004 Streamer veröffentlicht. Streamer erschien auf Molværs eigenem, neu gegründeten Label Sula. 2005 brachte Molvær dann mit ER ein weiteres Studioalbum heraus, auf dem neben ihm vor allem die Sängerinnen Sidsel Endresen und Elin Rosseland, aber auch Gitarrist Eivind Aarset und Pianist Magne Furuholmen (ehemals a-ha) wesentliche Akzente setzten.

MINO CINELU

Wer MINO CINELU sagt, muss auch Miles Davis sagen. Denn kein Geringerer als der Prinz der Dunkelheit war es, bei dem der Perkussionist als Senkrechtstarter seine internationale Karriere begann. Drei gewonnene Grammies sind ja kein Pappenstiel. Gewissermaßen nebenberuflich war der aus Martinique stammende Ausnahmemusiker zu der Zeit noch als Schlagzeuger in Diensten der Rockjazz-Legende von „Weather Report“, wo er sogar in die Gitarrensaiten griff.
Der außergewöhnliche Meister-Percussionist/ Komponist/ Sänger/ Produzent/ Multi-Instrumentalist MINO CINELU wurde durch Tourneen und Aufnahmen mit den großen Stars des Jazz und Pop bekannt, wie Sting, Cassandra Wilson, Lou Reed, Geri Allen, David Sanborn, Dizzy Gillespie, Pat Metheny, Herbie Hancock, Kenny Barron, Branford Marsalis, Tori Amos, Bruce Springsteen, Christian McBride, Tracy Chapman, Stevie Wonder, und Bonnie Raitt. 
Zwanzig Jahre, in denen MINO CINELU immer wieder musikalische Grenzen überschritten hat und den Alben anderer Künstler einen Hauch von Exotik verpasst hat. Etwa 1981 Miles' fulminantem Live-Album „We Want Miles“ (für viele eines der besten Davis-Alben aller Zeiten), aber auch 1984 Weather Reports „A Sporting Life“ oder 1987 Stings „Nothing Like The Sun“. Mit dem Kameruner Bassisten Richard Bona, der in diesem Jahr ebenfalls bei den Jazztagen dabei ist, spielte er seine erste Solo-CD ein. CINELU´S Musik ist ein pan-eklektischer World Music Mix aus Jazz, Blues, Afro-Pop, karibischen, mittelöstlichen und asiatischen Einflüssen. MINO baut auf sein französisch-karibisches Erbe, singt kreolisch und schöpft aus der Chouval Boa Musiktradition Martiniques mit einem kühnen musikalischen Weitblick.