Bluesgott Taj Mahal beschreibt Bassekou Kouyaté als “ein Genie und den lebenden Beweis dafür, dass der Blues aus der Region von Segou in Mali kommt”. Der Vater des westafrikanischen Blues, sein Landsmann Ali Farka Toure nannte ihn einst einen “rohen afrikanischen Diamanten” und ließ sich von ihm auf seiner letzten Tour begleiten. Youssou Ndour, Bono oder der britische Popstar Damon Albarn gehören zu seinen Fans. 2007 kürte die BBC ihn zum „Best African Artist of the Year“ und sein Debütalbum “Segu Blue” zum „Best World Music Album of the Year”. Der Independent schrieb nach dem Preisträgerkonzert in der Royal Albert Hall in London: “the Best Rock n’Roll Band in the World“. Mit 4 Ngonis, Calebasse, Perkussion und der Leadsängerin - seiner Frau - Amy Sacko zeigen sie, dass auch der traditionelle Urblues aus der Region von Segou rocken kann. Bassekou Kouyate gilt heute als der bekannteste Botschafter der Ngoni, der afrikanischen Urform der Laute.

BASSEKOU KOUYATE & NGONI BA - MALI:  ALI FARKA TOURE'S ERBE

Sie haben sie durch die Wüste geschleppt, in die Höllenbäuche der Sklavenschiffe und auf Amerikas blutdurchtränkten Boden. Und dort ist sie dann zum Blues geronnen, die Musik Malis. Lange Zeit war das vergessen, doch jetzt kehren Zentralafrikas uralte Lieder zurück und finden in aller Welt Freunde und Bewunderer. Der junge Ngoni-Virtuose Bassekou Kouyate hat davon ganz besonders viele. Taj Mahal schimpft ihn ein Genie, Damon Albarn, Fatboy Slim oder Dee Dee Bridgewater schrieben ihm blumige Lobhudeleien ins Poesiealbum. Der Mann hat sich das verdient. Mit seinem jüngst gegründeten Band Ngoni Ba spielt er sich auf „Segu Blue“ durch eine Wunderwelt der Mythen und Mysterien, steinalter Traditionen und behutsamer Moderne, begleitet von immer leicht hypnotischen Beats und warmherzigen Gesängen. Er macht die Reise seiner gequälten Vorfahren noch einmal, nur diesmal stromaufwärts an die musikalische Quelle, sozusagen. Eine Entdeckungsfahrt von berauschender Schönheit und verwirrender Authentizität. Das ist wie Essen mit den Fingern, stilles Warten auf die Morgensonne, ein Bad im warmen Sand. Das ist der Blues vor dem Blues. Etwa das Paradies? Von dort beschützt sein väterlicher Freund Ali Farka Toure die Karriere seines Schützlings, auf dessen letzten CD‘s er zu hören war. Auch U2-Bono hilft begeistert mit: „Aus der vorzüglichen Mischung feinster musikalischer Zutaten wird ein Eintopf, der die Herzen erwärmt und die Hüften bewegt. Glaubt mir, es schmeckt fantastisch“

Die Ngoni gehört zu den westafrikanischen Lauteninstrumenten. Aus der Griot-Tradition Malis ist sie nicht wegzudenken und hat eine längere Geschichte als nahezu jedes andere afrikanische Instrument. Was aber am wichtigsten ist: Die Ngoni rockt ungemein! Das ist nicht unbedingt eine zwangsläufige Feststellung, dazu bedarf es eines echten Musikfanatikers wie Bassekou Kouyaté. Taj Mahal, den Kouyaté auf einigen Alben begleiten durfte, bezeichnet ihn als „Genie und den lebenden Beweis, dass der Blues aus der Region von Ségou in Mali kommt“. Genau in dieser Gegend wurde Kouyaté in der Tat geboren, im Jahr 1966 in einer der traditionsreichsten Griot-Familien Malis. Die Griots tragen seit Jahrhunderten das westafrikanische Lyrik- und Musikerbe weiter, auch Kouyaté sollte da keine Ausnahme bilden. Er entwickelte sich jedoch im Lauf der Jahrzehnte zu mehr: Er wurde ein Erneuerer.

Wie kaum ein zweiter vor ihm nahm er sich des archaischen Instruments an, variierte die Technik, erfand Rhythmen, verdoppelte und vervierfachte die Zahl der Spieler und schloss schließlich auch noch – Sakrileg! – einen elektrischen Verstärker an den schmalen Korpus. Bob Dylan kann wahrscheinlich nachfühlen, was allein das für einen Aufschrei unter den vermeintlichen Traditionsbewahrern auslöste. Kouyaté war es egal, das machte ihn letztlich zum wirklichen Bewahrer der alten Tradition. Und er verdiente sich damit den anerkennenden Zuspruch von Kollege Taj Mahal. In der Tat tragen die westafrikanischen Rhythmen Kouyatés und seiner Band Ngoni Ba (was so viel wie Ngoni-Kraft bedeutet) sehr viel ursprünglichen, tiefschürfenden Blues in sich. Die tragischen historischen Beziehungen zwischen der westafrikanischen Küste und den amerikanischen Staaten liegen hier roh und offen zu Tage. Dazu kommen in Koubatés Fall noch der leichte, komplexe Rhythmus und der sanfte Zungenschlag des westafrikanischen Griot-Gesangs. Beides zusammen ergibt eine Mischung, die nicht nur Taj Mahal, sondern auch Dutzende andere Kolleginnen und Kollegen ins Schwärmen brachte, von Youssou N`Dour über Bono bis zum britischen Popstar Damon Albarn. Aber vor allem ist Kouyatés Musik eine Musik für das Livepublikum. Einmal auf einer Bühne, kann nichts die losgetretene Energie stoppen, und die sieben Musiker samt vier Ngoni rocken, was das Zeug hält. Mit ihren Distortions, Wah-Wah-Effekten und unerbittlich nach vorn treibenden Rhythmen definieren sie den Afro-Rock komplett neu: wahrhaft, beglückend, selbstbewusst. Seit 2007 sind Kouyaté und seine Band weltweit unterwegs. Die BBC kürte ihn zum „Best African Artist of the Year“ und sein Debütalbum „Segu Blue” 2008 zum „Best World Music Album of the Year”. Der britische Independent ließ sich sogar zu der Feststellung hinreißen, hier habe man „die beste Best Rock-’n’-Roll-Band der Welt“ gehört. Kouyatés neues, viertes Album „Ba Power“ erschien gerade im April 2015 und beweist, dass all diese Lorbeeren absolut verdient sind.

VITA

Bassekou Kouyaté wurde in Garana einem Dorf am Ufer des Niger geboren. Seine Eltern waren bekannte Musiker, die Mutter Preissängerin, der Vater Ngonispieler. Mit 19 Jahren zog er in die Hauptstadt Bamako wo er lange mit dem heute weltbekannten Koraspieler Toumani Diabate und dem Balafonspieler Keletigui Diabate im Trio spielte. Nach Jahren in denen Bassekou Kouyate mit unzähligen Musikern aus der ganzen Welt wie Taj Mahal, Toumani Diabate, Santana, Bela Fleck, Dee Dee Bridgewater oder zuletzt Youssou Ndour zusammenspielte, hat er jetzt seine eigene Formation gegründet: Ngoni ba. Schon die Idee ein Quartett nur mit Ngonis zu machen, ist für Mali revolutionär. So schuf man dafür eigens eine Bassngoni. Das Repertoire besteht aus traditionellen Songs aus Segou, der Heimatregion Bassekous, die der Bandleader für die neue Besetzung arrangiert hat. Die pentatonische Musik der Bambara aus der Region von Segou gilt vielen als Wiege des Blues. So lauscht der Rest der Welt jetzt gebannt einem Instrument, das noch vor einigen Jahren eines der bestgehüteten Geheimnisse des Kontinents war.  Bassekou Kouyaté & Ngoni ba sind bereits mehrfach quer durch Europa getourt und haben auf vielen bedeutenden Festivals gespielt. Auch für einen der begehrten Womex Showcase wurden sie ausgewählt.

Seit über 12 Jahren prägt nun Der Nino Aus Wien, Österreichischer Liedermacher und Literat, die deutschsprachige Musikszene mit seiner ureigenen Form des „Wienerlieds“ und seinem „Hirschstettner Soul“. Als „der beste junge Liedermacher des Landes” und der “Bob Dylan vom Praterstern”, wurde er durch den Falter betitelt. Nino spielt an die 100 Konzerte pro Jahr, quer verteilt im deutschsprachigen Raum, vom Wiener Konzerthaus bis hin zur Hamburger Elbphilharmonie. Er wurde bereits mehr als sieben mal für den Amadeus Austrian Music Award nominiert und 2016 in der Kategorie „Alternative Pop / Rock“ ausgezeichnet. Er erreichte zahlreiche Chartplatzierungen, mehrere Nummer Eins-Hits in den FM4-Charts, schreibt auch Musik fürs Theater und co-kuratierte 2018 das Wiener Popfest. Kooperationen, Freundschaften und gemeinsame Auftritte fanden oder finden statt mit Ernst Molden, Voodoo Jürgens, Wanda, Soap & Skin, Skero, Natalie Ofenböck, Dirk Stermann, Hubert Weinheimer und vielen weiteren. Er beweist regelmäßig hohe Unterhaltungskompetenzen wie im Interview mit André Heller, einer Wien-Exkursion mit Gerda Rogers, oder TV-Auftritten wie Willkommen Österreich oder der legendären Brieflos-Show. Seine Live-Band ist ihm bereits seit 10 Jahren weiterhin treu – dennoch hat er sein nun 11. Album “in einer einzigen Febernacht” Solo aufgenommen. Fast.

Seit einigen Jahren schleicht durch die Hauptstadt ein junger Mann, dem nachgesagt wird, die heimische Musikszene mächtig aufgerüttelt zu haben. Dank ihm feiert das sogenannte „Wienerlied“ nach jahrelanger Abstinenz endlich wieder ein Comeback. Doch hört man die spezifische Volkslied-Gattung diesmal ausnahmsweise nicht in den traditionellen Heurigenlokalen, wo ausschließlich der besoffene Tourist auf die Kosten höchsten Entertainments kommt, nein diesmal präsentiert sich das österreichische Kulturgut in Clubs und Szenebeisln, wo man stehend, mit Tschick in der einen und dem Bier in der anderen Hand auf die Bühne stiert, um nur ihm Aufmerksamkeit zu schenken: Dem Nino aus Wien.

Das Wiener Original, noch mitten im Twen-Alter, wird nicht zufällig gerne mit dem jungen André Heller verglichen. Als Liedermacher und Literat, tritt Nino als wortkarge und reservierte Persönlichkeit zu Tage, von der man kaum zu glauben vermag, das gerade er freiwillig auf eine Bühne tritt. Umso erstaunlicher, dass Nino in seinen Liedern so viele Worte findet, die unterschiedlichsten Themen anschneidet (von „fuaßboi schaun“ bis zum Protestsongcontest Beitrag „Spinatsong“) und gerade mit der tiefgehenden Herzschmerz-Nummer „Du Oasch“ einen Indie-Hit gelandet hat, der ihn weit über die Grenzen Wiens hinaus bekannt gemacht hat. Was nicht wundert, gilt der Song wohl als eine der schönsten Dialektlieder dieses Jahrtausends.

Nino Mandl, wie er mit gebürtigen Namen heißt, ist in Hirschstetten im 22. Bezirk aufgewachsen und hat sich dort mit einer Gitarre von Hofer das Musizieren und Songschreiben selbst beigebracht. Ob der junge Musiker in seiner Jugend tatsächlich so viel Klebstoff geschnüffelt hat, so wie er es auf der Homepage seines Stammlabels Problembär Records geschrieben steht, sei dahingestellt. Es dürften jedenfalls nicht alle Gehirnzellen dabei zu Schaden gekommen sein, sonst wäre ihm zumindest nach der zweiten Platte der kreative Saft ausgegangen. Zum Glück konnte der Nino aus Wien noch ein paar Akkorde aus dem Kopf ziehen, hat nach den zwei Alben „The Ocelot Show“ und „Down in Albern“, die nur innerhalb eines halben Jahren auf den Markt geworfen wurden, sowie einigen Non-Album Singles, nun vor einigen Wochen sein drittes Werk mit dem Titel „Schwunder“ veröffentlicht. Songmaterial für Konzerte im neuen Jahr gibt es also genug. Und sollte dieses aus irgendeinem Grund doch nicht ausreichen, kann der Wiener auf diverse Coverversionen ausweichen, mit denen er uns schon in den letzten Jahren gezeigt hat, dass er es seinem Publikum keineswegs Rechenschaft schudig ist, ausschließlich auf wienerisch zu singen. Gemeinsam mit der nicht minder bekannten und wohl ebenso introvertiert wirkenden Soap & Skin hat Der Nino aus Wien beispielsweise den Bob Dylan Song „It ain’t me babe“ auf sehr interessante und recht eigenwillige Art und Weise beim Popfest 2010 vorgetragen und mit dem Coversong „ Das kleine Beisl“ wird dem im vergangenen Jahr verstorbenen Entertainer Peter Alexander Tribut gezollt. Wenn schon so viele große Künstler erwähnt werden, darf man auch all die anderen nicht vergessen, die das Jungtalent inspiriert haben und denen es in einigen Liedern huldigt, als da wären „Johnny Ramone“ oder das auf James Joyce basierende Werk „Finnegans Wake“, welches auf dem aktuellen Album zu hören ist.

Der Nino aus Wien hat sich mit seinem Sound- eingegliedert zwischen Folk, Sing-/Songwriting und Austrop- in die Herzen der Österreicher gesungen und wurde zurecht  schon zweimal für den Amadeus-Award nominiert. Dabei steht außer Frage, dass seine kapriziöse, musikalische Herangehensweise eine wichtige Rolle spielt, ja ihn sogar zu einer regelrechten Institution der österreichischen Musikszene macht. Zugegeben, das größte Stimmwunder scheint in Nino nicht zu stecken, trotz allem kann der Hörer nur staunen, wenn es darum geht  die Textstruktur näher zu begutachten. Literarische Konzepte verweben sich gekonnt mit sinistrer, selbstverfasster Poesie. Ein Hauch Wiener Charme („Du Oasch“, “Immer no Oasch“ featuring Skero) gibt dem Ganzen noch den letzten Schliff und es kann sich nur um wenige Jahrzehnte handeln, bis das Nino-Liedgut in einem x-beliebigen Heurigenlokal, von einem x-beliebigen Alleinunterhalter, vor einer x-beliebigen japanischen Touristengruppe rezitiert wird. Bis es soweit ist, darf man sich aber gerne weiterhin ins verrauchte Beisl begeben und dem Original frönen

PRESSESCHNIPSEL

Der beste junge Liedermacher des Landes” stand auf dem Falter-Cover, das Nino Mandl alias Der Nino aus Wien vor genau einem Jahr zierte. Man hätte den heute 25-Jährigen auch als unberechenbarsten, aufgewecktesten, eigensinnigsten oder originellsten Songwriter der jungen österreichischen Musikszene bezeichnen können. Denn Mandl ist kein klassischer Liedhandwerker, sondern ein famoser Popsongerfinder; einer, der ganz konsequent eigene Wege beschreitet.“
Gerhard Stöger, Falter 2012

“Nino Mandl schlug als „Der Nino aus Wien“ ähnlich außerirdisch in der Wiener Musikszene auf wie der junge Bob Dylan einst in Greenwich Village. Der wahre Nino kommt ideal in grüblerischen Juwelen wie „Es geht immer ums Vollenden“ und „Feuer“ raus, in denen er hart an der Kante von illiteratem Ausbruch und I-Ging-Rätselsprüchen wandelt. Da war es wieder, dieses selige Lächeln eines Knaben, der mit einem kleinen Löffel den Ozean ausschöpft.“
Samir Köck, Die Presse 2009

“Bäume”, das bisherige Meisterstück des Musikers … Näher als hier war der österreichische Pop nie an Bob Dylan dran.“
Gerhard Stöger, Falter 2014

„Der Nino aus Wien lockt mit seinen neuen Alben „Bäume“ und „Träume“ in ein faszinierendes Labyrinth der Schrulligkeiten. .. Ein exzellenter Ohrwurm glückte mit dem Song „Die Hütte vor dem Haus“, der ein wenig an den jungen Wolfgang Ambros erinnert. In seinen Texten schafft er das Kunststück, Tristesse und Ereignislosigkeit zum Abenteuer umzudeuten. Den Zauber seiner Kunst macht auch diese gewisse Gefährdetheit aus, die bei seinen Liveauftritten ins Auge sticht. Nino zählt zu den Künstlern, bei denen Niederlagen interessanter sind als die Erfolge der Kollegen. An seiner spinnerten Parallelwelt prallt der Zwang zur Logik genauso ab wie normierte Verhaltensweisen und jeder Erfolgshunger. „Das Wort Erfolg ist nicht in meinem Sprachgebrauch“, beteuert Nino und geht dennoch im Mai auf große Österreich- und Deutschlandtour. Aus den in seinen Songs behutsam aufgefädelten Sonderbarkeiten, vor allem von seiner Seinsgelassenheit kann jeder lernen.“
Samir Köck, Die Presse 2014

„Der Nino aus Wien“ hat bisher acht Alben aufgenommen, in der Regel tritt er mit seiner vierköpfigen Band auf (mit Raphael Sas voc/guit/piano, pauT bass/voc, David Wukitsvits drum/voc), oft auch mit Partnern wie Ernst Molden oder Sir Tralala. Mit Natalie Ofenböck betreibt er auch das Band-Projekt „Krixi, Kraxi und die Kroxn“

Mit dem Amadeus hat es zwar 2015 wieder nicht geklappt, dafür ist er nun aber mit acht Nominierungen ohne Sieg der alleinige Rekordhalter für nominiert gewesen sein ohne je gewonnen zu haben; auch nicht schlecht!

„Der beste junge Liedermacher des Landes” stand auf dem Falter-Cover, das Nino Mandl alias Der Nino aus Wien vor genau einem Jahr zierte. Man hätte den heute 25-Jährigen auch als unberechenbarsten, aufgewecktesten, eigensinnigsten oder originellsten Songwriter der jungen österreichischen Musikszene bezeichnen können. Denn Mandl ist kein klassischer Liedhandwerker, sondern ein famoser Popsongerfinder; einer, der ganz konsequent eigene Wege beschreitet.“
Gerhard Stöger, Falter 2012

“Nino Mandl schlug als „Der Nino aus Wien“ ähnlich außerirdisch in der Wiener Musikszene auf wie der junge Bob Dylan einst in Greenwich Village. Der wahre Nino kommt ideal in grüblerischen Juwelen wie „Es geht immer ums Vollenden“ und „Feuer“ raus, in denen er hart an der Kante von illiteratem Ausbruch und I-Ging-Rätselsprüchen wandelt. Da war es wieder, dieses selige Lächeln eines Knaben, der mit einem kleinen Löffel den Ozean ausschöpft.“
Samir Köck, Die Presse 2009

“Bäume”, das bisherige Meisterstück des Musikers … Näher als hier war der österreichische Pop nie an Bob Dylan dran.“
Gerhard Stöger, Falter 2014

„Der Nino aus Wien lockt mit seinen neuen Alben „Bäume“ und „Träume“ in ein faszinierendes Labyrinth der Schrulligkeiten. .. Ein exzellenter Ohrwurm glückte mit dem Song „Die Hütte vor dem Haus“, der ein wenig an den jungen Wolfgang Ambros erinnert. In seinen Texten schafft er das Kunststück, Tristesse und Ereignislosigkeit zum Abenteuer umzudeuten. Den Zauber seiner Kunst macht auch diese gewisse Gefährdetheit aus, die bei seinen Liveauftritten ins Auge sticht. Nino zählt zu den Künstlern, bei denen Niederlagen interessanter sind als die Erfolge der Kollegen. An seiner spinnerten Parallelwelt prallt der Zwang zur Logik genauso ab wie normierte Verhaltensweisen und jeder Erfolgshunger. „Das Wort Erfolg ist nicht in meinem Sprachgebrauch“, beteuert Nino und geht dennoch im Mai auf große Österreich- und Deutschlandtour. Aus den in seinen Songs behutsam aufgefädelten Sonderbarkeiten, vor allem von seiner Seinsgelassenheit kann jeder lernen.“
Samir Köck, Die Presse 2014

ISCHGL - Aufstand der Pinguine 

"Herrlich" (Der Standard)
"Ein furioser Bühnenabend" (Rai Südtirol.)
 "...voll mit abgründigem Witz und brillanter Beobachtungsgabe" (Südtiroler Tageszeitung.) 

ISCHGL ist ein Ein Après-Après-Ski-Abend, bei dem Tirol zum Ausgangspunkt einer irrwitzigen Reise wird, die genauso politisch wie persönlich ist. Durch Zeit und Raum, von den 1930ern über die Kreisky-Ära bis heute. Durch zwei Jahre Pandemie, von Wuhan nach Bergamo und zurück nach Ischgl - wo die einen alles richtig gemacht haben und die anderen alles besser wissen. Im zweiten Solo-Programm von Xaver Schumacher (Franz-Xaver Franz) wird Massentourismus zum Massentest, die Corona-Diktatur endlich Wirklichkeit, übernimmt der Tourismusverband die Impfkampagne, proben Pinguine den Aufstand, und beweist Xaver Schumacher, dass ihm alles vergangen ist, nur nicht das Lachen.
"Das Theatersolo entpuppt sich als eine Mischung aus Geschichtsstunde und Polit-Kabarett sowie als bitterböse Abrechnung mit dem Verhältnis von Politik und Boulevard, mit dem österreichischen Hang zur Täter-Opfer-Umkehr, mit selektiver Willkommenskultur, mit Judensternen auf der Brust von Corona-Leugnern und, und, und" (Der Standard)
"Ganz zu fassen kriegt man das Format nie. Von Anfang an mutiert es ständig. Vielleicht ist das ja das Besondere dran." (Tiroler Tageszeitung)
Franz-Xaver Franz (Xaver Schumacher) ist Theatermacher, Autor und Kabarettist. Zudem präsentiert er als Showmaster von "Postmodern Talking" Tirols außergewöhnlichste Talkshow. Meera Theunert ist Regisseurin und Autorin aus Hamburg. ISCHGL ist die vierte Zusammenarbeit der beiden Pinguin Fans.

Von und mit Xaver Schumacher (Franz-Xaver Franz)
Regie: Meera Theunert
Künstlerische Mitarbeit: Lia Sudermann, Martin Fritz, Elias Stabentheiner
Kostüm & Ausstattung: Wiebke Strombeck
Recherche: Sónia Melo
Grafik & Plakat: Matthias Stoll
Eine Postmodern-Talking-Produktion - www.postmoderntalking.com
,,Ischgl: Aufstand der Pinguine" ist ein Projekt der stadt_potenziale 2020

PREMIERENKRITIK TT

Am Anfang war der Mythos. Auch in Ischgl. Dort könnten Pinguine nicht angesiedelt werden, weil sie beim Blick in den Himmel, etwa bei der Annäherung eines Hubschraubers, einfach umfielen. Wie ein Käfer auf dem Rücken kämen sie nicht wieder auf die Beine, hieß es. Das ist natürlich Bullshit – auch wenn ein als Pinguin verkleideter Typ auf der Bühne die missliche Lage der Tierchen so schön veranschaulicht. Der Mythos aber wirkt. Weil eh alles, was aus Ischgl kommt, immer irgendwie unglaubwürdig klingt.
Allen voran das berühmte „Alles richtig gemacht“ der Pandemiefrühzeit, das wusste man schon damals. Vielleicht auch deshalb setzte das Theater-Kabarett „Ischgl. Aufstand der Pinguine“ (Regie: Meera Theunert) hier an. Mit Xaver Schumacher im Solo auf der Bühne ging es nach der Premiere in Brixen nun im Haller Stromboli für eineinhalb Stunden auf eine irrwitzige Reise durch zwei Jahre Pandemie.
Vorbei an der ersten Solidaritätswelle taucht das Stück rein in die Schwurblerdemo. Nicht ohne sich eine Welt mit Entschuldigungspflicht und Teststäbchen voll Kokain zu erträumen. Besser wird Tirol durch die semidokumentarische „Postmodern Talking“-Produktion nicht. Aber im Idealfall aufmerksamer.
Den nicht immer stringenten Schwall an recherchiertem Fakt, bizarrem Fake und klugem Flachs als unterhaltend zu bezeichnen, wäre falsch. Nicht nur einmal bleibt einem das Lachen im Hals stecken. Etwa wenn „DJ Massentest“ poltert, nachdem von Erschießungen im Holocaust die Rede war. Ganz zu fassen kriegt man das Format, das von „stadt_potenziale“ gefördert wurde, nie. Von Anfang an mutiert es ständig. Vielleicht ist das ja das Besondere dran. (bunt)

otto grünmandl: robinson freitag und das krokodil / tiroler erstaufführung

„Wir leben schon lange auf dieser Insel. Zu zweit. - Zu zweit allein ist nicht dasselbe wie allein zu zweit.“

Grünmandl über das Stück:
„Robinson und Freitag sind die einzigen Menschen auf der Insel im ozeanischen Meer. Jeder von ihnen hat eine der beiden Landzungen zu seinem Territorium erklärt, die zum Meer hin auseinanderklaffen. Auf der Insel selbst befindet sich ein brodelnder, vulkanischer Sumpf, in dem ein schreckliches Krokodil hausen soll. Ihre ausweglose Lage scheint darin zu bestehen, dass sie sich gegenseitig umbringen wollen, aber nicht können. Daher ist ihr Spiel ein kannibalesisches, weil sie sich auf menschenfressende Weise gegenseitig belauern und es aufeinander abgesehen haben, ham ham …

Otto Grünmandl ist zurück. In einem seiner Wohnzimmer, dem Treibhaus, in welchem nicht nur seine Politischen Trotteln und sein Antlitz an der Wand prangen, sondern viele seiner Werke zur Ur- und pausenlos ausverkauften Wiederaufführung gelangten. Wenn es sowas wie sich schließende Kreise gibt, dann mit der nunmehrigen Tiroler Erstaufführung seines überhaupt erst zwei! mal gespielten Theaterstückes „Robinson, Freitag und das Krokodil.“ 
„Ich stehe auf dem Standpunkt: jeder Mensch hat das Recht bei stürmischer See ins offene Meer hinauszuschwimmen. Alles andere wäre Einmischung in die Privatsphäre. Und das lehne ich ab.“
Bei der Uraufführung 1989 an den Münchener Kammerspielen gab Grünmandl selbst den Robinson, sein kongenialer Lebens-Spielpartner Kurt Weinzierl den Freitag. Im Treibhaus versuchen sich Hannes Pendl und Thomas Lackner in die beiden gestrandeten Streithähne zu verwandeln. 
Begleitet werden sie dabei von zwei ehemaligen Wegbegleitern Grünmandls, dem Regisseur Klaus Rohrmoser sowie dem Akkordeonisten und Musiker Siggi Haider. Ob er das Krokodil spielt, überlegt der Treibhausintendant noch. 

„Wir können uns nicht gegenseitig umbringen. Können schon. Aber wir hätten nichts davon. Weil wir es nicht überleben würden.“

Wie erhellend und erheiternd und erschreckend zeitlos das Grünmandlsche Werk sein kann, manifestiert sich in diesem grotesken und kurzweilig aberwitzigen Bühnenstück. Von sich mit physischer und psychischer Kriegsführung bekämpfenden, in der Isolation alleingelassenen Egomanen über ignoranten Schiffskapitänen die vom sinkenden Board gehen und Flüchtenden Zutritt verwehren bis hin zu explodierenden Energiekosten und grantigen Oberkellnern aus Bundeshauptstädten.

„Einer muss den Anfang machen, muss den Teufelskreis durchbrechen. Ich rüste allein ab.“ "...kostet doch Energie und das ist überhaupt das teuerste das es zur Zeit gibt.“

Robinson

Hannes Pendl Schauspielstudium am Max Reinhardt Seminar in Wien bei Klaus Maria Brandauer und Peter Simonischek. Filmarbeit mit Michael Haneke und Iztvan Szabo. Engagements u.a. am Schauspielhaus Wien, Landestheater Tirol, Schauspielhaus Salzburg, Theater der Jugend Wien sowie dem Stadttheater Klagenfurt. Diverse Film- und TV-Produktionen. U.a.: Arbeiten unter der Regie von Ulrich Seidl, Sabine Derflinger, Laura Pleifer und Wolfgang Murnberger sowie in den TV-Serien „Soko Donau“ und „CopStories“.

Freitag

Thomas Lackner
Stimm- und Sprech-Studium an der University oder London. Lehraufträge u.a.: an der Universität Innsbruck und der Hochschule für Musik Würzburg.
Ensemblemitglied u.a.: am Landestheater Coburg sowie von 2006 bis 2012 am Tiroler Landestheater Innsbruck. Zahlreiche freie Produktionen, Soloprogramme, Rezitationen und Regiearbeiten, zuletzt Ilse Aichingers "Spiegel im Spiegel" im Salon des Treibhauses Innsbruck.

Musik

Siggi Haider
Der Axamer Musiker ist als Akkordeonist seit vielen Jahren solistisch und im Duo unterwegs (seit 2011 mit Tochter Juliana). Komponist von zahlreichen Theater- und Hörspielmusiken, Zusammenarbeit u.a.: mit Werner Pirchner, Bert Breit, Felix Mitterer, Tobias Moretti, Martin Sailer, Haimo Wisser. 2004 Mitwirkung bei der Produktion „Die Beichte“ von Felix Mitterer (ausgezeichnet mit dem europäischen Hörspielpreis Prix d`Italia). 2008 - 1. Preis beim Austrian World Music Award mit AkkoSax. Im selben Jahr Schauspieler im mit dem in Locarno mit dem silbernen Leoparden ausgezeichneten Film „März“ von Händl Klaus. Lehrauftrag am Tiroler Landeskonservatorium. 
Lang tingelte Siggi mit Otto Grünmandl als Mountainsinger durch die Kabarettbühnen des Landes.

Regie

Klaus Rohrmoser
Ausbildung am Lee Strasberg Institute in New York, Arbeiten als Regisseur und Schauspieler u.a.: an der Freien Volksbühne Berlin, Schauspielhaus Bochum, Volkstheater Wien, sowie Theater in der Josefstadt. Insgesamt über 100 Inszenierungen, 13 Jahre lang war er Schauspieldirektor am Tiroler Landestheater. Zahlreiche Film- und Fernsehrollen. Stand u.a.: gemeinsam mit Otto Grünmandl, Hans Brenner und Dietmar Schönherr vor der Kamera. 1990 Gewinn des renommierten Max Ophüls Preises. Am 15. September erschien sein Roman „Flüstern“ im danube books Verlag.

Nach den legendären Jahreskonzerten im Treibhaus mit Besonderheiten vom Kinderchor bis Bühnenhaarschnitt, gilt es beim einzigen Bandkonzert von JO STÖCKHOLZER 2022 in Tirol jetzt gemeinsam mehrere WegbegleiterInnen der ersten 10 Schaffensjahre zusammenzubringen und in geballter Konzertmanier ordentlich zu feiern.

Selbstironisch, reduziert und mit sehr viel Schwung präsentieren PICOBELLO ihre neuen Songs, die vor Indie-Pop-Appeal nur so funkeln. Das Projekt rund um Patrick Tilg und Simon Mühlegger hat sich während der Pandemie neu erfunden und dabei nicht nur den Sound neu definiert, sondern mit Katarina Glück und Nora Blöchl auch zwei neue Mitglieder für sich gewonnen. 
Pointiert und nüchtern beschreibt die Band ihr nahes Umfeld und scheut dabei auch nicht davor zurück, in offene Wunden zu greifen. Verpackt in verspielt-charmantem Gitarren-Pop, werden so Alltagsroutinen, genauso wie Modeerscheinungen besungen und subtil hinterfragt. 
Picobello laden live nicht nur zum Tanzen ein, sondern zeichnen ihrem Publikum auch gekonnt ein Schmunzeln auf die Lippen. 

otto grünmandl: robinson freitag und das krokodil / tiroler erstaufführung

„Wir leben schon lange auf dieser Insel. Zu zweit. - Zu zweit allein ist nicht dasselbe wie allein zu zweit.“

Grünmandl über das Stück:
„Robinson und Freitag sind die einzigen Menschen auf der Insel im ozeanischen Meer. Jeder von ihnen hat eine der beiden Landzungen zu seinem Territorium erklärt, die zum Meer hin auseinanderklaffen. Auf der Insel selbst befindet sich ein brodelnder, vulkanischer Sumpf, in dem ein schreckliches Krokodil hausen soll. Ihre ausweglose Lage scheint darin zu bestehen, dass sie sich gegenseitig umbringen wollen, aber nicht können. Daher ist ihr Spiel ein kannibalesisches, weil sie sich auf menschenfressende Weise gegenseitig belauern und es aufeinander abgesehen haben, ham ham …

Otto Grünmandl ist zurück. In einem seiner Wohnzimmer, dem Treibhaus, in welchem nicht nur seine Politischen Trotteln und sein Antlitz an der Wand prangen, sondern viele seiner Werke zur Ur- und pausenlos ausverkauften Wiederaufführung gelangten. Wenn es sowas wie sich schließende Kreise gibt, dann mit der nunmehrigen Tiroler Erstaufführung seines überhaupt erst zwei! mal gespielten Theaterstückes „Robinson, Freitag und das Krokodil.“ 
„Ich stehe auf dem Standpunkt: jeder Mensch hat das Recht bei stürmischer See ins offene Meer hinauszuschwimmen. Alles andere wäre Einmischung in die Privatsphäre. Und das lehne ich ab.“
Bei der Uraufführung 1989 an den Münchener Kammerspielen gab Grünmandl selbst den Robinson, sein kongenialer Lebens-Spielpartner Kurt Weinzierl den Freitag. Im Treibhaus versuchen sich Hannes Pendl und Thomas Lackner in die beiden gestrandeten Streithähne zu verwandeln. 
Begleitet werden sie dabei von zwei ehemaligen Wegbegleitern Grünmandls, dem Regisseur Klaus Rohrmoser sowie dem Akkordeonisten und Musiker Siggi Haider. Ob er das Krokodil spielt, überlegt der Treibhausintendant noch. 

„Wir können uns nicht gegenseitig umbringen. Können schon. Aber wir hätten nichts davon. Weil wir es nicht überleben würden.“

Wie erhellend und erheiternd und erschreckend zeitlos das Grünmandlsche Werk sein kann, manifestiert sich in diesem grotesken und kurzweilig aberwitzigen Bühnenstück. Von sich mit physischer und psychischer Kriegsführung bekämpfenden, in der Isolation alleingelassenen Egomanen über ignoranten Schiffskapitänen die vom sinkenden Board gehen und Flüchtenden Zutritt verwehren bis hin zu explodierenden Energiekosten und grantigen Oberkellnern aus Bundeshauptstädten.

„Einer muss den Anfang machen, muss den Teufelskreis durchbrechen. Ich rüste allein ab.“ "...kostet doch Energie und das ist überhaupt das teuerste das es zur Zeit gibt.“

Robinson

Hannes Pendl Schauspielstudium am Max Reinhardt Seminar in Wien bei Klaus Maria Brandauer und Peter Simonischek. Filmarbeit mit Michael Haneke und Iztvan Szabo. Engagements u.a. am Schauspielhaus Wien, Landestheater Tirol, Schauspielhaus Salzburg, Theater der Jugend Wien sowie dem Stadttheater Klagenfurt. Diverse Film- und TV-Produktionen. U.a.: Arbeiten unter der Regie von Ulrich Seidl, Sabine Derflinger, Laura Pleifer und Wolfgang Murnberger sowie in den TV-Serien „Soko Donau“ und „CopStories“.

Freitag

Thomas Lackner
Stimm- und Sprech-Studium an der University oder London. Lehraufträge u.a.: an der Universität Innsbruck und der Hochschule für Musik Würzburg.
Ensemblemitglied u.a.: am Landestheater Coburg sowie von 2006 bis 2012 am Tiroler Landestheater Innsbruck. Zahlreiche freie Produktionen, Soloprogramme, Rezitationen und Regiearbeiten, zuletzt Ilse Aichingers "Spiegel im Spiegel" im Salon des Treibhauses Innsbruck.

Musik

Siggi Haider
Der Axamer Musiker ist als Akkordeonist seit vielen Jahren solistisch und im Duo unterwegs (seit 2011 mit Tochter Juliana). Komponist von zahlreichen Theater- und Hörspielmusiken, Zusammenarbeit u.a.: mit Werner Pirchner, Bert Breit, Felix Mitterer, Tobias Moretti, Martin Sailer, Haimo Wisser. 2004 Mitwirkung bei der Produktion „Die Beichte“ von Felix Mitterer (ausgezeichnet mit dem europäischen Hörspielpreis Prix d`Italia). 2008 - 1. Preis beim Austrian World Music Award mit AkkoSax. Im selben Jahr Schauspieler im mit dem in Locarno mit dem silbernen Leoparden ausgezeichneten Film „März“ von Händl Klaus. Lehrauftrag am Tiroler Landeskonservatorium. 
Lang tingelte Siggi mit Otto Grünmandl als Mountainsinger durch die Kabarettbühnen des Landes.

Regie

Klaus Rohrmoser
Ausbildung am Lee Strasberg Institute in New York, Arbeiten als Regisseur und Schauspieler u.a.: an der Freien Volksbühne Berlin, Schauspielhaus Bochum, Volkstheater Wien, sowie Theater in der Josefstadt. Insgesamt über 100 Inszenierungen, 13 Jahre lang war er Schauspieldirektor am Tiroler Landestheater. Zahlreiche Film- und Fernsehrollen. Stand u.a.: gemeinsam mit Otto Grünmandl, Hans Brenner und Dietmar Schönherr vor der Kamera. 1990 Gewinn des renommierten Max Ophüls Preises. Am 15. September erschien sein Roman „Flüstern“ im danube books Verlag.

Nach 3 Jahren kommt das wunderbare kubanisch-deutsche PianoTrio   (Bernhard Schüler-piano, Omar Rodrigues-bs., Tobias Schulte-dr.) TRIOSENCE endlich wieder ins Treibhaus und  bringen ihr neues Album „Giulia“ mit. Sie beschwören hier die Schönheit des Lebens in elf farbenreichen Stücken, die vielfältiger, optimistischer und virtuoser kaum sein könnten. Ein inspirierendes Gefühl von „dolce vita“ durchzieht das neue Album, das das deutsch-kubanische Trio in der italienischen Region Friuli Venezia im Juni 2021 aufgenommen hat. Es ist eine Hommage an das Lebensgefühl dieser malerischen italienischen Region, die bis ins Jahr 2001 noch „Friuli Venezia Giulia“ hieß. „Giulia“ ist eine musikalische Befreiung nach der Zwangspause der letzten Monate, voller Zuversicht und Leichtigkeit.

Ob Deutschland oder sonst auf der Welt – überall, wo die drei Musiker von triosence auftreten faszinieren und begeistern sie ihr Publikum. „Der neue Meilenstein in Sachen Jazztrio“, „Ein unter die Haut gehendes Highlight!“ und „Exempel für musikalische Dreieinigkeit“ sind nur einige der Pressestimmen, die das Trio auf internationaler Ebene feiern. Seit ihrem Gründungsjahr 1999 dürfen triosence stolz auf eine beeindruckende Trophäensammlung sein – vom 1. Preis bei Jugend jazzt, über diverse Kultur- und Kompositionspreise bis hin zum besten Neueinstieg in die internationalen Jazzcharts in Deutschland reicht ihr Portfolio. Unverwechselbar ist der Stil, den die Band entwickelt hat und den sie selbst als „songjazz“ bezeichnen. Was die Musik des Trios neben der Gleichberechtigung der Instrumente vor allem auszeichnet sind die Stärke und Klarheit ihrer Melodien. Eine Einfachheit und Klarheit, die niemals banal oder gar einfältig daherkommt, sondern durch diese beeindruckend reduzierte Struktur in die Schönheit und Tiefe der Musik abtauchen lässt, und dem Hörer damit ganz viel Raum für Emotionen, Gedanken, gar zum Träumem schenkt. 
In Kombination mit der stilistischen Bandbreite aus Jazz, Fusion, Folk, Pop und Worldmusic überzeugt dies nicht nur eingefleischte Jazzkenner, sondern auch jene, die mit Jazz bislang eher wenig anzufangen wussten.

Piano & Komposition Bernhard Schüler
Kontrabass Omar Rodriguez Calvo - ja, der vom Tingvall Trio 
Schlagzeug & Perkussion Tobias Schulte

In spannenden Zeiten tut es gut dem Hirn und der Seele einen Regenerationsabend zu gönnen. Die Gschichtln vom Heiligen Abend in Favoriten, vom Motorradrennen im Wienerwald, vom am Glatteis tanzenden Jeep und den ersten langweiligen Stunden am Burgtheater zu neuem Leben erweckt.
Zwei Stunden Unterhaltung pur, ohne Stück und ohne eingelerntem Text, und trotzdem alles nach Plan. Kann es sein, dass sich der Schauspieler dreißig Jahre danach noch an den ungeschriebenen Text von damals erinnert? Genauso wird es sein, demnächst  bei der Treoibhauspremiere des jetzt schon legendären Regenerationsabend 2.0

Kann es denn sein, dass sich ein völlig unvorbereiteter Schauspieler, ohne Stück und eingelerntem Text auf die Bühne stellt, zwei Stunden lang das ausverkaufte Theater unterhält und das Publikum bis zum Schluss davon überzeugt ist, dass hier alles nach Plan läuft?
Kann es sein, dass sich der gleiche Kleinkunstabend unter dem Titel „Regenerationsabend“ dann über zehn Jahre lang wiederholt und das Publikum fallweise bekundet: „Das ist das Beste, dass Sie jemals gemacht haben Herr Düringer!“?
Kann es sein, dass sich der Schauspieler dreißig Jahre danach noch an den ungeschriebenen Text von damals erinnert und die Gschichtln vom Heiligen Abend in Favoriten, Motorradrennen im Wienerwald, vom am Glatteis tanzenden Jeep und den ersten langweiligen Stunden am Burgtheater zu neuem Leben erweckt? Kann es denn auch sein, dass es neue Gschichtln aus Düringers Lebensgeschichte zu erzählen gibt?

Genauso wir es sein, am 23.11. im Treibhaus, denn in spannenden Zeiten tut es gut dem Hirn und der Seele einen Regenerationsabend zu gönnen.
Falls Sie eine Frage an Herrn Düringer haben, bringen Sie sie doch bitte mit, das wäre schon einmal ein guter Beginn.

ANDi TAUSCH & DAS  JULiE iSLAND GUITAR TRiO

Vor einiger Zeit fanden sich die Gitarristen Martin Bayer, Kenji Herbert und Andi Tausch in Wien zusammen. Ihre Absicht war es, die Möglichkeiten ihrer diversen musikalischen Backgrounds auszuloten – und ihre Bemühungen waren nicht umsonst: Das Trio wurde zu einem Dialog der Saiten, von einem gelassen souveränen Ensembleklang geprägt. Die Musik ist eine kaleidoskopische Mischung aus Jazz, nordafrikanischen und orientalischen Einflüssen, die durch die starke Verbundenheit der Musiker und ihre gemeinsame Liebe zur Improvisation vereint werden. Eleganter Kontrapunkt wird mit ungeraden Rhythmen kombiniert, tief verwurzelten Grooves wechseln sich mit feingliedrigen Rubato-Passagen ab, bei denen die Zeit kurz still zu stehen scheint. Dabei werden eine Leichtigkeit und Präzision an den Tag gelegt, die ihresgleichen suchen – und bei aller Einigkeit gibt es doch immer genügend Raum um die individuellen Persönlichkeiten entfalten zu lassen. 
Far out in an unnamed ocean lies a remote speck of land where there are no crowds, no mobile reception, no internet, no duties. Here, the headlong rush of modern life is swept away with the breeze, revealing the beautiful simplicity of existence: the flow of the present, the interconnection of your self with the world around you, the endless wellspring of creativity. The name of this place is Julie Island.

MAD ABOUT LEMON

Mad About Lemon ist ein Trio-Projekt der Tiroler Sängerinnen Heidi Erler, Mimi Schmid und Anna Widauer. Das 2020 gegründete Ensemble experimentiert mit dem Wohlklang der dreistimmigen Chorsätze, Improvisationen und Performance-Elementen, wobei die musikalische Ästhetik und die emotionale Botschaft der Songs stets im Fokus stehen.
Mad About Lemon präsentieren Eigenkompositionen in zarten, frischen, minimal instrumentierten Arrangements.

Heidi Erler – Vox, Glockenspiel, Harmonium
Mimi Schmid – Vox, Ukulele, Bass-Ukulele
Anna Widauer – Vox, Mandoline, Harmonium

otto grünmandl: robinson freitag und das krokodil / tiroler erstaufführung

„Wir leben schon lange auf dieser Insel. Zu zweit. - Zu zweit allein ist nicht dasselbe wie allein zu zweit.“

Grünmandl über das Stück:
„Robinson und Freitag sind die einzigen Menschen auf der Insel im ozeanischen Meer. Jeder von ihnen hat eine der beiden Landzungen zu seinem Territorium erklärt, die zum Meer hin auseinanderklaffen. Auf der Insel selbst befindet sich ein brodelnder, vulkanischer Sumpf, in dem ein schreckliches Krokodil hausen soll. Ihre ausweglose Lage scheint darin zu bestehen, dass sie sich gegenseitig umbringen wollen, aber nicht können. Daher ist ihr Spiel ein kannibalesisches, weil sie sich auf menschenfressende Weise gegenseitig belauern und es aufeinander abgesehen haben, ham ham …

Otto Grünmandl ist zurück. In einem seiner Wohnzimmer, dem Treibhaus, in welchem nicht nur seine Politischen Trotteln und sein Antlitz an der Wand prangen, sondern viele seiner Werke zur Ur- und pausenlos ausverkauften Wiederaufführung gelangten. Wenn es sowas wie sich schließende Kreise gibt, dann mit der nunmehrigen Tiroler Erstaufführung seines überhaupt erst zwei! mal gespielten Theaterstückes „Robinson, Freitag und das Krokodil.“ 
„Ich stehe auf dem Standpunkt: jeder Mensch hat das Recht bei stürmischer See ins offene Meer hinauszuschwimmen. Alles andere wäre Einmischung in die Privatsphäre. Und das lehne ich ab.“
Bei der Uraufführung 1989 an den Münchener Kammerspielen gab Grünmandl selbst den Robinson, sein kongenialer Lebens-Spielpartner Kurt Weinzierl den Freitag. Im Treibhaus versuchen sich Hannes Pendl und Thomas Lackner in die beiden gestrandeten Streithähne zu verwandeln. 
Begleitet werden sie dabei von zwei ehemaligen Wegbegleitern Grünmandls, dem Regisseur Klaus Rohrmoser sowie dem Akkordeonisten und Musiker Siggi Haider. Ob er das Krokodil spielt, überlegt der Treibhausintendant noch. 

„Wir können uns nicht gegenseitig umbringen. Können schon. Aber wir hätten nichts davon. Weil wir es nicht überleben würden.“

Wie erhellend und erheiternd und erschreckend zeitlos das Grünmandlsche Werk sein kann, manifestiert sich in diesem grotesken und kurzweilig aberwitzigen Bühnenstück. Von sich mit physischer und psychischer Kriegsführung bekämpfenden, in der Isolation alleingelassenen Egomanen über ignoranten Schiffskapitänen die vom sinkenden Board gehen und Flüchtenden Zutritt verwehren bis hin zu explodierenden Energiekosten und grantigen Oberkellnern aus Bundeshauptstädten.

„Einer muss den Anfang machen, muss den Teufelskreis durchbrechen. Ich rüste allein ab.“ "...kostet doch Energie und das ist überhaupt das teuerste das es zur Zeit gibt.“

Robinson

Hannes Pendl Schauspielstudium am Max Reinhardt Seminar in Wien bei Klaus Maria Brandauer und Peter Simonischek. Filmarbeit mit Michael Haneke und Iztvan Szabo. Engagements u.a. am Schauspielhaus Wien, Landestheater Tirol, Schauspielhaus Salzburg, Theater der Jugend Wien sowie dem Stadttheater Klagenfurt. Diverse Film- und TV-Produktionen. U.a.: Arbeiten unter der Regie von Ulrich Seidl, Sabine Derflinger, Laura Pleifer und Wolfgang Murnberger sowie in den TV-Serien „Soko Donau“ und „CopStories“.

Freitag

Thomas Lackner
Stimm- und Sprech-Studium an der University oder London. Lehraufträge u.a.: an der Universität Innsbruck und der Hochschule für Musik Würzburg.
Ensemblemitglied u.a.: am Landestheater Coburg sowie von 2006 bis 2012 am Tiroler Landestheater Innsbruck. Zahlreiche freie Produktionen, Soloprogramme, Rezitationen und Regiearbeiten, zuletzt Ilse Aichingers "Spiegel im Spiegel" im Salon des Treibhauses Innsbruck.

Musik

Siggi Haider
Der Axamer Musiker ist als Akkordeonist seit vielen Jahren solistisch und im Duo unterwegs (seit 2011 mit Tochter Juliana). Komponist von zahlreichen Theater- und Hörspielmusiken, Zusammenarbeit u.a.: mit Werner Pirchner, Bert Breit, Felix Mitterer, Tobias Moretti, Martin Sailer, Haimo Wisser. 2004 Mitwirkung bei der Produktion „Die Beichte“ von Felix Mitterer (ausgezeichnet mit dem europäischen Hörspielpreis Prix d`Italia). 2008 - 1. Preis beim Austrian World Music Award mit AkkoSax. Im selben Jahr Schauspieler im mit dem in Locarno mit dem silbernen Leoparden ausgezeichneten Film „März“ von Händl Klaus. Lehrauftrag am Tiroler Landeskonservatorium. 
Lang tingelte Siggi mit Otto Grünmandl als Mountainsinger durch die Kabarettbühnen des Landes.

Regie

Klaus Rohrmoser
Ausbildung am Lee Strasberg Institute in New York, Arbeiten als Regisseur und Schauspieler u.a.: an der Freien Volksbühne Berlin, Schauspielhaus Bochum, Volkstheater Wien, sowie Theater in der Josefstadt. Insgesamt über 100 Inszenierungen, 13 Jahre lang war er Schauspieldirektor am Tiroler Landestheater. Zahlreiche Film- und Fernsehrollen. Stand u.a.: gemeinsam mit Otto Grünmandl, Hans Brenner und Dietmar Schönherr vor der Kamera. 1990 Gewinn des renommierten Max Ophüls Preises. Am 15. September erschien sein Roman „Flüstern“ im danube books Verlag.

Eine kleine Nation mit einer großen Jazztradition ist das Land der Fjorde und Trolle. Immer neue, faszinierende Künstler und Acts, die sich mit großer Lust am Spielen und unbändiger Freude am Experimentieren auszeichnen, drängen von Norwegen aus, den Rest der Jazzwelt zu erobern. Dem Helge Lien Trio, das sich in Skandinavien und Japan mit bislang fünf Alben und begeisternden Live-Auftritten bereits einen großen Fankreis erspielt hat, kommt da eine besondere Bedeutung zu. Vermag es doch, wie kaum ein anderes klassisches Piano-Trio, die Balance zwischen den Jazztraditionen und avantgardistisch anmutender Improvisationskunst exzellent zu wahren. 

Helge Lien, der neben seinem eigenen Trioprojekt auch mit anderen norwegischen Acts, wie zuletzt mit Silje Nergaard, unterwegs ist, hat mit seinen Bandkollegen Frode Berg (Bass) und Knut Aalefjær (Drums & Percussion) eine ganz eigene, unverwechselbare Art des Triospiels entwickelt. Mit traumwandlerisch sicherem Zusammenspiel entwickeln die Musiker einen kammermusikalisch anmutenden Jazz, der sich durch harmonisch komplexe Klangfarben auszeichnet. Anknüpfend an Bill Evans’ lyrischer Kraft und dem beschwingt melancholischen Spiel eines Esbjörn Svensson, erzeugt Lien auf 'Hello Troll' Stimmungsbilder, die er im ständigen Dialog mit Berg & Aalefjær mit leichter Hand vorträgt. 

Zweifellos zählt der Pianist Helge Lien, der es gekonnt versteht, sich mit seiner modalen Klavierkunst exzellent in Szene zu setzen, zu den spannendsten jungen Talenten Skandinaviens. Nachdem das ehrwürdige Dagbladet aus Norwegen schon das Vorgänger-Werk 'To The Little Radio' als „Das beste norwegische Piano Trio Album seit langem' bezeichnete, kann man sich auch auf ähnliche Reaktionen zu ihrem neuen Longplayer gefasst machen. Der Erfindungsreichtum des Trios, sich mit klassisch-impressionistischen Mustern und rhythmisch-melodischem Jazz in den Herzen eines beständig wachsenden Zuhörerkreises zu spielen, scheint wahrhaft grenzenlos zu sein.

Der norwegische Pianist Helge Lien hat mit seinem Trio einen ganz eigenen, unverwechselbaren Stil kreiert – vermag es doch kaum ein anderes Piano-Trio, die Balance zwischen den klassischen Jazztraditionen und der avantgardistisch anmutenden Improvisationskunst zu wahren. Mit instinktiver Souveränität haben er und seine Musiker eine eigene Interpretation des Kammerjazz entwickelt, die sich durch harmonisch komplexe, gar traumwandlerische Klangfarben auszeichnet. Aufbauend auf Bill Evans‘ lyrischer Kraft und dem berauschend melancholischen Spiel von Esbjörn Svensson erzeugt Helge Lien vielseitige Stimmungsbilder, die er im stetigen Dialog mit Johannes Eick (Bass) & Knut Aalefjær (Schlagzeug) mit leichter Hand vorträgt und die ihre Anziehungskraft sowohl in Aufnahmen als auch in den Live-Settings vollends entfacht. Seit dem Durchbruch mit „Hello Troll“ im Jahr 2008 konzentriert sich Helge Lien auf seine eigenen Kompositionen und lässt dabei dem unverwechselbaren Charakter seiner Bandmitglieder viel Raum – der Einfallsreichtum dieses Trios scheint bis heute wahrlich keine Grenzen zu kennen. Helge Lien, der neben seinem eigenen Trio-Projekt auch mit anderen Künstler:innen, wie Silje Nergaard oder Adam Bałdych unterwegs ist, feierte in 2019 bereits das 20-jährige Jubiläum seines Trios – geprägt von der Veröffentlichung des Doppelalbums „10“, das zugleich sein zehntes Trio-Album war. Und nun geht es weiter: Am 04. März 2022 steht die Veröffentlichung eines neuen, nun dann 11. Albums mit dem Titel 'Revisited' an (Ozella Music).

Das Helge Lien Trio erhielt bereits den norwegischen „Grammy“ Award (Spellemannprisen) für das Album Hello Troll (2008) und wurde 2002 mit dem Album Spiral Circle, 2011 mit Natsukashii und 2017 mit Guzuguzu nominiert. Sie haben zahlreiche Konzerte in Japan, Korea, Kanada, Deutschland, Belgien, Russland, Luxemburg, Rumänien, Polen, Schweden und Dänemark sowie in Norwegen gespielt – und jetzt (nach der unweigerlichen Zeit von Corona) sind sie erneut auf Tour und freuen sich darauf wieder Grenzen zu überschreiten. Photo © CF Wesenberg

„Helge Lien zelebriert einzig die Kraft der ästhetischen Vollkommenheit.“ 
Jazzthing

Helge Lien – grand piano
Johannes Eick – double bass
Knut Aalefjær - drums

HELGE LIEN / POPKORAL // Improvisation im Quadrat

Jazz ist die Kunst des Improvisierens. Genau davon kündet “Revisited”. Die neun darauf enthaltenen Helge-Lien-Klassiker wurden nämlich unter erhöhtem Schwierigkeitsgrad eingespielt: Nach dem Abschied von seinen langjährigen Weggefährten Frode Berg (nach “Guzuguzu”) und Per Oddvar Johansen (nach “10”) musste Lien während der Pandemie live und im Studio die Formation komplett neu aufbauen – Improvisation im Quadrat sozusagen. Beim Einproben und Performen des Repertoires entstanden so Interpretationen zwischen Rückblick und Aufbruch – keine Revolution, sondern leidenschaftliches Musizieren unter dem Mikroskop. “Revisited” ist ein Hybrid: Aus Studio- und Konzert-Aufnahmen, die zu einem eigenständigen, fünfzigminütigen Werk verschmelzen. Doch das Publikum hört man gar nicht, und die Studio-Aufnahmen klingen bei aller akustischen Brillanz so lebendig, als seien sie auf der Bühne entstanden. Bevor sie ihr Konzert beim Anjazz Festival im Oktober 2020 mitschnitten, hatten sich die Musiker bereits im März in die Toyen Kirche in Oslo für intime Sessions zurückgezogen. So entsteht ein spannender Diskurs nicht nur zwischen der neuen Besetzung und der alten – sondern auch die Dokumentation eines Trios, das in sehr kurzer Zeit zueinander finden musste.

Gelungen ist es aber, und zwar sicherlich auch deshalb, weil nur Bassist Johannes Eick einen waschechten Neuzugang darstellt. Knut Aalefjær hingegen saß bereits in der ersten Version des Trios in den frühen 2000ern hinter dem Schlagzeug. Es ist, als sei er nie weg gewesen: “Gamut Warning”, bei dem Lien fließende Pianokaskaden über einen federnden Drum’n’Bass-Groove ausschüttet, kommt sogar noch eine Spur runder und weicher daher als auf “Hello Troll”. Und auf “Jasmine”, der zentralen Komposition auf “Guzuguzu”, beackern die neuen Begleiter zwar vertraute Gefilde, erweitern dabei aber spürbar die dynamische Palette.

Das alles passt zu Helge Liens aktuellem Improvisationsansatz. Während er 2001 beispielsweise Miles Davis‘ “So What” auf seinem Debüt “What are you Doing the Rest of your Life” noch gnadenlos umdeutete, richtet sich sein Fokus gerade in den letzten Jahren vornehmlich auf einen atmosphärischen, präzise eingetakteten Gruppenklang, aus dem heraus er scheinbar beiläufig seine gleißenden Klavierläufe entwickelt. Einen doppelten Boden gibt es hier nicht, denn Improvisation findet stets am Rande des Scheiterns statt. Und genau damit kennt sich Lien in jeder Hinsicht bestens aus.

Besetzung:
Querflöte (Sascha Rathey)
Horn (Tanja Schwarz)
Viola (Hans Martin Gehmacher)
Der Schauspieler Thomas Lackner wird den Text einerseits erzählen, andererseits aber auch immer wieder Szenen, gemeinsam mit den drei MusikerInnen, spielen.

Mit unserer Fassung der „Zauberflöte, kurz und knackig“ wollen wir diese Oper von Wolfgang Amadeus Mozart einem jungen Publikum live und, vor allem, unterhaltsam zugänglich machen. Sozusagen Oper zum Angreifen. Die Figuren der Handlung erinnern an ein Märchen. Mit dem Prinzen Tamino, der Prinzessin Tamina und dem Vogelfänger Papageno lässt Mozart wunderbare Identifikationsfiguren für Kinder auftreten. 
Es erübrigt sich fast zu erwähnen, dass die einzelnen Musiknummern nicht nur weltberühmt sind, sondern sie wegen ihrer eingängigen Melodik Kinder besonders ansprechen. 
Wir haben eine komprimierte Fassung erstellt, die die wichtigsten Handlungsstränge der Oper und vor allem die Musik den Kindern und den Eltern gleichermaßen näher bringen. 
Die Musik wurde für drei Instrumente arrangiert, nämlich Querflöte (Sascha Rathey), Horn (Tanja Schwarz) und Viola (Hans Martin Gehmacher). Der Schauspieler Thomas Lackner wird den Text einerseits erzählen, andererseits aber auch immer wieder Szenen, gemeinsam mit den drei MusikerInnen, spielen. Somit wird es den Reiz dieser Fassung ausmachen, dass musikalische, dramatische und erzählerische Elemente miteinander verschmelzen.
Sicherlich auch spannend, in so exponierter Rolle recht selten zu hörende Instrumente Waldhorn und Viola virtuos zu erleben ...

Das international phänomenale Psych-Rock-(ehem.)Trio Mother’s Cake gibt sich auf seinem fünften Album passend:sky high, far out und trotzdem erdig. Über ein Jahr vorbereitet, an mehreren schlafentzogenen72-Stunden-Sessions produziert, konzentrieren sich Mother’sCake in den zwölf neuen Tracks von „CYBERFUNK!“ auf das Wesentliche: sie bündeln ihre roughe Live-Energie zu einem dynamisch dichten und immer wieder überraschenden Album, das nach Vintage-Wahnsinn klingt und voll in den Moment passt. „CYBERFUNK!“ entstand, dem Albumtitel zum Trotz, nahezu klassisch, zu dritt in einem Raum, immer gleich so wie es klingen soll, mit deutlich weniger Overdubs, mehr echtem Bandsound und der Magie des gemeinsamen Band-recording. Dass dabei die Vocals von Yves Krismer mehr ins Mark treffen und in den Vordergrund treten, spricht für die Entwicklung der Band. Es gibt schließlich keinen Weg, so weiß es der Postkartenlyriker, der nicht irgendwann nach Hause führt. Am besten natürlich im übertragenen Sinne –zu sich. Der Weg von Mother‘s Cake hat die Band über hunderte von Konzerten zwischen Manchester, Melbourne und Mumbai, Auftritten mit Wolfmother, Iggy & The Stooges, Omar Rodriguez Lopez, Alice In Chains oder Limp Bizkit, dazu drei erfolgreiche Studioalben und ihr megalomanisches „Live at Pompeji“-Tribut auf der Ski-Schanze von Bergisl direkt zurück zu den eigenen Wurzeln geleitet, aber nun halt zu viert! Denn Raphael Neikes der CYBERFUNK! mit produziert hat, macht das Quartett komplett. Man darf gespannt sein....

musikreviews.de schreibt:

„Cyberfunk“ rockt. Von der ersten Minute an. Es beginnt mit dumpfen Tönen aus dem Keller, die ohne Umschweife zu einem beherzt groovenden Rockstück mutieren, das zudem noch ziemlich gut klingt. 
„Crystals In The Sky“ lotet den weiten Raum zwischen den BEATLES und WOLFMOTHER aus, scheut sich nicht ein Schweinegitarrensolo einzubauen, um dann mit psychedelischer Wucht auszuklingen. Die „I’m Your President“ umgehend aufnimmt, kraftvoller Funkrock mit verzerrten Extravaganzen verbandelt, der natürlich ein Statement zur herrschenden Zeit abgibt (mittlerweile dürfte der kürbisköpfige Schandfleck von Potus ein Ex- sein). „Love Your Smell“ beginnt als Ballade, wird zu einer Art Soundtrack für einen ausgeflippten Actionfilm und nimmt sich anschließend Zeit für ein bisschen schamanisches Chillen. Aber nicht für lang.

Denn „The Operator“ kommt ums Eck, eine kernige Mixtur aus Nu-Metal und rot-pfeffrigem Funk, der eindrücklich durchs Haus tanzt. „Cybernova“ beginnt mit John Carpenter-Gedächtnis-Elektronik, die mit perlendem E-Piano á la DOORS garniert wird und nach vier Minuten bruchlos zu knallendem Psycho-Disco-Funk überschwenkt. Und weil es so schön ist, wird im folgenden „Lonely Rider“ Robert Plants kleiner Bruder in die gleiche Diskothek geschickt. Große Kunst ganz eigener Art.

Im letzten Drittel begegnen wir wieder den BEATLES, die jungen PINK FLOYD schauen kurz vorbei, um ein wenig „Helter Skelter Under The Bridge“ darzubringen. „Desire“ schließt das kleine Wunderwerk mit stoischem E-Piano, plötzlichen Eruptionen, kurzen Ruhephasen und quietschiger Gitarre ab. Störgeräusche. MARS VOLTA beim Krämer Torium. Fein, sehr fein. 

FAZIT: Tirol hat musikalisch weit mehr zu bieten als DJ ÖTZI und Blasmusik. MOTHER’S CAKE überzeugen auf ganzer Linie mit ihrer Rundreise durch Rock, Funk, Prog, Metal, Psych und verwandte Areale. Knallbunter Hüttenzauber par excellence.

otto grünmandl: robinson freitag und das krokodil / tiroler erstaufführung

„Wir leben schon lange auf dieser Insel. Zu zweit. - Zu zweit allein ist nicht dasselbe wie allein zu zweit.“

Grünmandl über das Stück:
„Robinson und Freitag sind die einzigen Menschen auf der Insel im ozeanischen Meer. Jeder von ihnen hat eine der beiden Landzungen zu seinem Territorium erklärt, die zum Meer hin auseinanderklaffen. Auf der Insel selbst befindet sich ein brodelnder, vulkanischer Sumpf, in dem ein schreckliches Krokodil hausen soll. Ihre ausweglose Lage scheint darin zu bestehen, dass sie sich gegenseitig umbringen wollen, aber nicht können. Daher ist ihr Spiel ein kannibalesisches, weil sie sich auf menschenfressende Weise gegenseitig belauern und es aufeinander abgesehen haben, ham ham …

Otto Grünmandl ist zurück. In einem seiner Wohnzimmer, dem Treibhaus, in welchem nicht nur seine Politischen Trotteln und sein Antlitz an der Wand prangen, sondern viele seiner Werke zur Ur- und pausenlos ausverkauften Wiederaufführung gelangten. Wenn es sowas wie sich schließende Kreise gibt, dann mit der nunmehrigen Tiroler Erstaufführung seines überhaupt erst zwei! mal gespielten Theaterstückes „Robinson, Freitag und das Krokodil.“ 
„Ich stehe auf dem Standpunkt: jeder Mensch hat das Recht bei stürmischer See ins offene Meer hinauszuschwimmen. Alles andere wäre Einmischung in die Privatsphäre. Und das lehne ich ab.“
Bei der Uraufführung 1989 an den Münchener Kammerspielen gab Grünmandl selbst den Robinson, sein kongenialer Lebens-Spielpartner Kurt Weinzierl den Freitag. Im Treibhaus versuchen sich Hannes Pendl und Thomas Lackner in die beiden gestrandeten Streithähne zu verwandeln. 
Begleitet werden sie dabei von zwei ehemaligen Wegbegleitern Grünmandls, dem Regisseur Klaus Rohrmoser sowie dem Akkordeonisten und Musiker Siggi Haider. Ob er das Krokodil spielt, überlegt der Treibhausintendant noch. 

„Wir können uns nicht gegenseitig umbringen. Können schon. Aber wir hätten nichts davon. Weil wir es nicht überleben würden.“

Wie erhellend und erheiternd und erschreckend zeitlos das Grünmandlsche Werk sein kann, manifestiert sich in diesem grotesken und kurzweilig aberwitzigen Bühnenstück. Von sich mit physischer und psychischer Kriegsführung bekämpfenden, in der Isolation alleingelassenen Egomanen über ignoranten Schiffskapitänen die vom sinkenden Board gehen und Flüchtenden Zutritt verwehren bis hin zu explodierenden Energiekosten und grantigen Oberkellnern aus Bundeshauptstädten.

„Einer muss den Anfang machen, muss den Teufelskreis durchbrechen. Ich rüste allein ab.“ "...kostet doch Energie und das ist überhaupt das teuerste das es zur Zeit gibt.“

Robinson

Hannes Pendl Schauspielstudium am Max Reinhardt Seminar in Wien bei Klaus Maria Brandauer und Peter Simonischek. Filmarbeit mit Michael Haneke und Iztvan Szabo. Engagements u.a. am Schauspielhaus Wien, Landestheater Tirol, Schauspielhaus Salzburg, Theater der Jugend Wien sowie dem Stadttheater Klagenfurt. Diverse Film- und TV-Produktionen. U.a.: Arbeiten unter der Regie von Ulrich Seidl, Sabine Derflinger, Laura Pleifer und Wolfgang Murnberger sowie in den TV-Serien „Soko Donau“ und „CopStories“.

Freitag

Thomas Lackner
Stimm- und Sprech-Studium an der University oder London. Lehraufträge u.a.: an der Universität Innsbruck und der Hochschule für Musik Würzburg.
Ensemblemitglied u.a.: am Landestheater Coburg sowie von 2006 bis 2012 am Tiroler Landestheater Innsbruck. Zahlreiche freie Produktionen, Soloprogramme, Rezitationen und Regiearbeiten, zuletzt Ilse Aichingers "Spiegel im Spiegel" im Salon des Treibhauses Innsbruck.

Musik

Siggi Haider
Der Axamer Musiker ist als Akkordeonist seit vielen Jahren solistisch und im Duo unterwegs (seit 2011 mit Tochter Juliana). Komponist von zahlreichen Theater- und Hörspielmusiken, Zusammenarbeit u.a.: mit Werner Pirchner, Bert Breit, Felix Mitterer, Tobias Moretti, Martin Sailer, Haimo Wisser. 2004 Mitwirkung bei der Produktion „Die Beichte“ von Felix Mitterer (ausgezeichnet mit dem europäischen Hörspielpreis Prix d`Italia). 2008 - 1. Preis beim Austrian World Music Award mit AkkoSax. Im selben Jahr Schauspieler im mit dem in Locarno mit dem silbernen Leoparden ausgezeichneten Film „März“ von Händl Klaus. Lehrauftrag am Tiroler Landeskonservatorium. 
Lang tingelte Siggi mit Otto Grünmandl als Mountainsinger durch die Kabarettbühnen des Landes.

Regie

Klaus Rohrmoser
Ausbildung am Lee Strasberg Institute in New York, Arbeiten als Regisseur und Schauspieler u.a.: an der Freien Volksbühne Berlin, Schauspielhaus Bochum, Volkstheater Wien, sowie Theater in der Josefstadt. Insgesamt über 100 Inszenierungen, 13 Jahre lang war er Schauspieldirektor am Tiroler Landestheater. Zahlreiche Film- und Fernsehrollen. Stand u.a.: gemeinsam mit Otto Grünmandl, Hans Brenner und Dietmar Schönherr vor der Kamera. 1990 Gewinn des renommierten Max Ophüls Preises. Am 15. September erschien sein Roman „Flüstern“ im danube books Verlag.

Die Rapmusik entstand aus dem Bedürfnis, Geschichten zu erzählen. Kraft ihres Ursprungs war dabei zentral, den Finger am Puls der Zeit oder auch in den Wunden der Gesellschaft zu haben. Und das brauchte viel mehr Luft und Platz für Text als der obligate Pop-Dreiminüter. Yasmo stand schon mit 15 Jahren bei Poetry Slams auf der Bühne und irgendwie war sie für die Slammer schon immer die Rapperin (und für die Rapper die Slammerin). Seit mehr als zehn Jahren ist das längst auch amtlich besiegelt – mit zwei Solo-Alben und mit dem nunmehr dritten Album, das sie gemeinsam mit „ihrer“ Klangkantine aufgenommen hat: „LAUT UND LOST“.

Ihr Status als eine der klügsten und originellsten Texterinnen des deutschen Sprachraums ist umfangreich dokumentiert, sie längst umfangreich dekoriert. Yasmo wird engagiert und zeigt Engagement; ist lautstarke, intersektionale Feministin und kuratiert Festivals (u.a. Kultursommer Wien), ist Gastgeberin der deutschsprachigen Poetry Slam Meisterschaft im Wiener Burgtheater und obendrauf die österreichische Stimme von Lisa Simpson. 

„Laut“ ist das alles natürlich, das versteht sich von selbst. Aber „lost“? Yasmo wirft einen laserscharfen, (selbst)kritischen Blick auf das junge Erwachsensein, das Ausbrechen aus klischeehaften Erwartungen auf dem Weg dorthin, die Gratwanderung zur Selbstermächtigung und Unabhängigkeit. Sie spricht schonungslos über die Seltsamkeiten und Herausforderungen, die Zeit und Zeitgeist dabei aufwerfen und beschäftigt sich ungeschminkt mit der lauter (sic!) werdenden Frage nach den versteckten „Kosten“ und dem eigentlichen Ziel der Reise: Man hat geschuftet und lange genug nach den Regeln des neoliberalen Kapitalismus gespielt; man ist vielleicht jetzt „jemand“. Aber ist man das wirklich selbst? Oder hat man dabei komplett auf das eigentliche Ich vergessen und ist völlig ausgebrannt ein kaputtes Etwas geworden, das man kaum im Spiegel erkennt? Nicht zuletzt hat die Pandemie mit all ihren Randerscheinungen mentale Gesundheit als prägendes Leitthema in ein breiteres Bewusstsein gerückt. 

„LAUT UND LOST“ ist das nach dem selbstbetitelten Debüt „Yasmo & die Klangkantine“ (2017) und „Prekariat und Karat“ (2019)das dritte Album dieser ungewöhnlichen Werkgemeinschaft. Seither und gerade mit diesem Album sind deren wesentliche Figuren näher aneinandergerückt und haben sich gleichzeitig voneinander emanzipiert: Ralph Mothwurf lotet abseits dieser Zusammenarbeit mit dem nach ihm benannten Orchester – einem üppigen, 22köpfigen Ensemble – die Grenze des mit diesem Format Machbaren aus und schickt sich an, dem Genre einen völlig neuen Spin zu verpassen. 2021 wurde er ob seiner außergewöhnlichen Fähigkeiten mit einem Staatsstipendium für Komposition ausgestattet. Tobias Vedovelli, der Tausendsassa am Bass, hat während der Pandemie gleich sein eigenes Festival für Kollaborationen und Kompositionen mit den Spielarten des Jazz und der Neuen Musik – das vielbeachtete onQ Festival – erfunden. 

Entlang des gemeinsamen Weges den Spaß an der Freud’ zu erhalten, mag dabei eine der größeren Herausforderungen für das in seinen Grundeigenschaften so unterschiedliche Gespann sein. Zusammen hat man aber beschlossen, dass der beste Weg dazu ist, neue, spannende Einflüsse zuzulassen und aufzusaugen. Das Resultat ist ein erstaunlich am Puls der Zeit schlagendes Mosaik, das nur so strotzt vor augenzwinkernden, popkulturellen Referenzen. Sie beziehen sich auf die Sozialisierungsphase der an die Macht drängenden, jungen Generation. Und sie schließen auch den Kreis für die Mitwirkenden. Dass diese zusammenprallenden Welten der Hochbegabten letztlich so viel Sinn ergeben, liegt bei „LAUT UND LOST“ wohl auch am klugen und stückweisen Hinzunehmen weiterer Kollaborateure: Etwa Mirac, eines der stillen Wunder der Wiener Producer-Bubble, langjähriger Weggefährte und Beat-Bauer schon für Yasmos seinerzeitige Solo-Alben; oder Luca Pivetz, einer der lautstark aus der nächsten Generation anklopfenden, kommenden, jungen Kräfte ebendort. Die über die Notwendigkeit einer Vorstellung erhabene Wiener Musikheilige Mira Lu Kovacs („100k“) spendet der Platte gleich zu ihrem Auftakt eine Extra-Dosis Grandezza. Und W1ZE, die wie Yasmo ein waschechtes 90er-Kind und befreundete Stilikone ist, steuert nicht nur Stimme, sondern insgesamt einen richtigen Ohrwurm bei. All das sind wunderbare Beiträge, die die seit jeher wilde Ehe aus Jazz und HipHop auch noch lange nach den Flitterwochen frisch und spannend halten. 

Yasmin Hafedh alias Yasmo zählt wohl zu den bedeutendsten und stimmgewaltigsten Texterinnen hierzulande. Gemeinsam mit ihrer Klangkantine sollte man sie mal auf der Bühne erlebt haben. Ihre Musik bildet eine perfekte Symbiose aus Hip Hop und Jazz, und hinterfragt textlich gleichermaßen clever wie kritisch das Leben und die Entwicklungen unserer Gesellschaft.Die Liebe zum Texten brachte Yasmo, alias Yasmin Hafedh, schon als Teenagerin zum Poetry Slam – zu dessen Leitfiguren sie hierzulande zählt. Die Liebe zum Hip Hop brachte sie ebenso früh zum Rap. Seit gut zwei Jahren umgibt sie sich dazu mit einer neunköpfigen Jazzband und verbindet das alles zu „Yasmo & die Klangkantine“. Sollte man einmal live erlebt haben - oder besser mehrmals.

Yasmin  Hafedh  treibt  sich  seit  Jugendtagen  auf  Bühnen  herum  und  hat  sich  als  YASMO  den  Ruf  als  eine  der  vielschichtigsten  und  interessantesten  female  MCs  des  deutschen  Sprachraums  erarbeitet.  
Die  Liebe  zum  Texten  brachte  sie  schon  als  Teenagerin  zum  Poetry  Slam  –  zu  dessen  Leitfiguren  sie  hierzulande  zählt.  Seit  gut  vier  Jahren  umgibt  sie  sich  dazu  mit  einer  neunköpfigen  Jazzband  und  verbindet  das  alles  zu  Yasmo  &  die  Klangkantine.  Das  selbstbetitelte  Debüt  brachte  der  Band  nicht  nur  österreichweit  mediale  Aufmerksamkeit  und  unzählige  Live-  Auftritte,  sondern  auch  eine  Nominierung  für  den  österreichischen  Musikpreis  „Amadeus“  sowie  einen  umjubelten  Auftritt  bei  ebendiesem.
Yasmo  nimmt  sich  kein  Blatt  vor  den  Mund  und  bringt  auch  die  schwierigsten  –und  oft  notwendigsten  –  Themen  mit  Verve  aufs  Tapet:  Migration,  Feminismus  und  Politik;  aber  auch  die  Licht-  und  Schattenseiten  der  Digitalisierung  und  unser  schleichender  Weg  in  eine  Ich-Gesellschaft.    

Yasmin Hafedh: rap
Ralph Mothwurf: guitar, musical director
Benjamin Daxbacher: alto saxophone, flute
Andreas Lindenbauer: tenor saxophone, bass clarinet
Markus Pechmann: trumpet
Georg Schrattenholzer: trombone
Anna Maurer: piani, keyboards
Tobias Vedovelli: bass
Reinhard Hörschläger: drums

Nie  predigend,  aber  mit  großem  Selbstverständnis;  nie  polemisch,  aber  immer  mit  einer  Portion  Ironie  ausgestattet,  ist  Oberflächlichkeit  hier  fehl  am  Platz.  Mit  Mach,  mach,  mach  veröffentlichen  Yasmo  &  die  Klangkantine  eine  Empowerment  Hymne  und  ersten  Vorboten  zum  2019  erscheinenden  zweiten  Album  der  Band.  Yasmo  ist  kein  Lifestyleplakat,  folgt  keinem  Hype,  sondern  macht  und  rappt  seit  jeher  was  sie  will

„Jetzt spielt‘s Granada“ – Charmamter Neo-Austropop aus Graz

Granada, die österreichische Neo-Austropop-Band aus Graz. Vielleicht ist es die fast schon mediterrane Leichtigkeit der Steiermark, die den unverwechselbar ehrlichen Charme der fünfköpfigen Formation prägt. Neben Akkordeonisten Alexander Xidi Christoph sind Granada Gitarrist Luskacz Custos, Thomas Petritsch, Sänger, Multiinstrumentalist und Tausendsassa (Effi), Jürgen Schmidt am Bass und Roland Hanslmeier am Schlagzeug. Es scheint als habe Thomas Petritsch, Gründer von Granada in dieser Konstellation nicht nur sprachlich seine Wurzeln gefunden. Thomas Petritsch dazu gegenüber der Wiener Zeitung: „Von Anfang an war mir klar, dass ein Akkordeon dabei sein muss. Einerseits als urwienerisches Instrument, andererseits ist es ja auch in der steirischen Musik sehr wichtig.

Frischer Wind aus Graz

Doch was macht den Erfolg Granada genau aus? Die fünf Musiker vereinen good old Indie à la The Strokes, Vampire Weekend und The Hives mit catchy Gesang und Akkordeon und granteln auf Mundart dabei mit einer guten Dosis Humor. Live holt einen die Band dermaßen ab,  dass man spätestens nach dem zweiten Song laut mitsingt, ohne sich dabei blöd vorzukommen. Nach einem besuchten Konzert schrieben die Nürnberger Nachrichten treffend: „Die Band ist selbstbewusst, aber nicht abgehoben, verschwitzt, aber nicht prollig, intelligent, aber nicht kunstbeflissen, und auf alle Fälle sehr weit weg von Wien.“ Das ist ok, Granada kommen schließlich auch aus Graz.

Der freundschaftliche Spannungsbogen der beiden großen Österreichischen Städte findet sich auch textlich immer wieder. So werden neben klassische Wiener Themen wie das Kretzel „Ottakring“ genauso gefeiert wie „Liebe Grüße aus Graz“ im Stück „Berlin“. Dass österreichisch sein, positives Augenzwinkern Bedeutet spürt man in „Eh Ok“ oder „Palmen am Balkon“. „Man kann österreichischeMusik nicht auf wenige Elemente reduzieren. Wir leben in einem Vielvölkerstaat, einem bunten Schmelztiegel vieler Kulturen, und darauf sind wir stolz“, Lukacz Custos, Gitarrist. Spielerisch schaffen es Granada Einflüsse aus dem Balkan („Ka Faia“) gekonnt neben der rotzigen Attitüde des Wienerliedes („Verwoiten“) zu servieren während man sich im nächsten Augenblick in einer sechstausend einwohnerstarken „Metropole“ am südsteirischen Land („Prada“) wiederfindet. „Einfach und leicht wirkt etwas erst, wenn’s gut gemacht ist“ so Roland Hanslmeier, der Jazzvirtuose am Schlagzeug.

Ausblick aufs neue Album
2020 arbeiteten sie an ihrem dritten Album und nutzten die pandemische Zwangsunterbrechung als unerwartete Einladung sich vertieft mit Produktion, Instrumentalisierung und Texten zu befassen. Bassist Jürgen über die Zeit im Tonstudio: „Wir haben uns den Sommer über gemeinsam eingesperrt-hatten so die Chance uns zusammen noch einmal neu zu erfinden-eine intensive Erfahrung

Yemen Blues steht für das moderne und weltoffene Israel und zeigt, dass es jenseits der engstirnigen Politik im Land ein kulturelles Miteinander vieler verschiedener Kulturen gibt. Der charismatische Sänger Ravid Kahalani ist jemenitischer Abstammung und hat erstklassige Musiker mit Wurzeln aus allen Teilen der Welt um sich geschart. Das Ensemble spielt live eine mitreißende Musik, die jedes Publikum begeistert; eine großartige, moderne Mischung aus der Tradition des Orients und Funk, Blues, Rock und Soul.

„Ein kreatives Feuerwerk, gespeist aus Pop und Soul, westafrikanischen und afrokubanischen Rhythmen, Klassik, Jazz und Funk sowie jemenitischen Gesängen. [...] Jeder Musiker ist für sich ein Ausnahmeartist, im Kollektiv entsteht ein völlig neuer Sound, nicht zuletzt durch die unglaubliche Energie, mit der alle bei der Sache sind. Kein Wunder, dass die Band weltweit gefeiert wird[...]"
Berliner Morgenpost

LINE-UP

Ravid Kahalani voc, gimbri,
Shanir Blumenkranz b, oud
Rony Iwryn dr
Dan Mayo drums

RAVID KAHALANI

Die Musik von Yemen Blues um den jemenitischen Sänger Ravid Kahalani lässt sich nicht einfach kategorisieren. Ihr Kern liegt in Afrika, aber sie macht dort nicht halt, sondern zieht einer Karawane gleich durch Latin, Blues, Jazz, Funk und Soul. Kahalani ist eine fesselnde Erscheinung mit einer faszinierenden Stimme. Sein kosmopolitisches Ensemble, aus New York und Israel stammend, begeistert mit seiner grandiosen Spielfreude.
Die jemenitische ist eine der urwüchsigsten Roots der israelischen Musikszene, und die Kindheit des Bandgründers war geprägt von einer Tradition und von Legenden, die nach Südarabien und zurück bis in salomonische Zeiten führen. Sein Projekt „Yemen Blues“ wurzelt aber auch ganz im Hier und Jetzt der global vernetzten israelischen Kultur.

Eine schillernde Oasen-Begegnung feiert im Treibhaus Österreich-premiere. Kosmopolitischer geht's nicht. Im Zentrum: ein jemenitischer Jude mit einer faszinierenden Stimme. Um ihn herum: israelische Streicher und Posaune. Aus New York kommen Oud, Bass, Flöte und Trompete.
In der Rhythmussektion treffen Latin- und Nahost-Perkussion aufeinander. All das sorgt dann für den schillernden Sound von Yemen Blues. Das neunköpfige Ensemble um Ravid Kahalani reitet mit der Karawane durch die Sahara, begegnet Tuareg, Nubiern und Gnawa, dockt bei afro-amerikanischem Blues an, spielt mit Jazz, Funk und Soul. Diese zündende Oasen-Begegnung ist schon jetzt eine der Entdeckungen des Jahres 2010. Und nachdem man gerade erst ganz Marseille beim "Babel Med"-Festival zum Tanzen gebracht hat, sind beim Österreich-Debüt von Yemen Blues ähnliche Reaktionen garantiert!
Ravid Kahalani kommt aus einer jüdischen jemenitischen Familie, zu der stimmgewaltige Kantoren gehörten. Er selbst fing auch in der Synagoge an zu singen. Heute ist für ihn „Musik meine Religion“, denn ihn haben dann auch die Gesänge der orthodoxen serbischen Kirche beeinflusst – ebenso wie das ganz säkulare Studium als Countertenor.
Als Kahalani den Wüstenblues für sich entdeckte und fast zur selben Zeit die palästinensischen Musiktraditionen, war die Basis für Yemen Blues gelegt, seine gemeinsame Gruppe mit dem Kontrabass-Virtuosen und Oud-Spieler Omer Avital. Die elfköpfige Band bringt mit traditionellen Instrumenten aus dem Jemen und groovender Bläser- und Percussions-Sektion arabische Klänge ebenso wie Variationen von jüdischen Gebetsmelodien. Der volle Tourkalender macht Yemen Blues zu Kulturbotschaftern einer imaginierten jemenitischen Heimat, in der der arabische Frühling versucht durchzubrechen.

Auditory Message

Auditory Message ist eine junge Alternative Rock Band aus Tirol, Österreich. Im August 2017 gründeten die Mitglieder Jakob Ruetz, Simon Lerchbaumer, Marius Haid und Lorenz Polak nach mehreren erfolgreichen Jam-Sessions die nun seit vier Jahren bestehende Gruppe. Seitdem schreiben die vier Jungs ihre eigenen Lieder und sind bereits in verschiedenen Locations quer durch Tirol aufgetreten, stets gefolgt von ihrer treuen Fanbase. Als bisheriger Höhepunkt dürfte mit Sicherheit die Veröffentlichung der Debüt-EP “Reach for More” im November 2019 gesehen werden. Seit 2020 arbeitet man auch fleißig am ersten "Full-Length" Album. Ein signifikantes Merkmal der Band: Dynamische Songs, die sich von schweren Riffs bis zu ruhigen akustischen Tönen erstrecken. Ziel der Band ist es nicht nur zu ermutigen, wieder mehr auf Live-Konzerte zu gehen. Mit selbstgeschriebenen Texten möchte man auch die Leute erreichen und zum Nachdenken anregen. Spread the message!

MR. ROBBERY

MR. ROBBERY ist ein musikalischer Storyteller der in Innsbruck lebt. Als Rap-Musiker und Producer verewigt er seine Gedanken und Gefühle. Das Ergebnis ist zeitlose Kunst zwischen persönlichen Sinnkrisen und sozialkritischen Analysen der modernen Welt mit all ihren dunklen Facetten. Die Chance zur Selbsttherapie. Die Pflicht im Kampf für eine bessere Welt. #LiveMC

*Mit im Gepäck und auf der Bühne begleiten wird:

JAMAL JUICE

der ist ein vielversprechender Rapkünstler aus Innsbruck.
Mit seiner Musik vereint er Technik, Gefühl, Authentizität und den gewissen "Juice". Bei zahlreichen Freestylejams und Live-Auftritten bewies er sein Talent, sich auf
alles einen Reim zu machen. Somit ist Jamal Juice durch die Kombination von Lyrik und eingängigen Melodien zu Trapbeats die perfekte Mischung aus Old- und Newschool.

OPEN

Sein siebtes Studioalbum OPEN - sein viertes für das Universal/Decca-Imprint Mercury KX - besteht aus 15 prägnanten Instrumentalstücken und ist die intuitive und persönliche Antwort des in Hamburg geborenen und derzeit in Berlin lebenden Komponisten/Multi-Instrumentalisten auf den ersten Lockdown im Frühjahr 2020. Eine ebenso ruhige wie unruhige Reise, in deren Mittelpunkt das Klavier steht und die sich nahtlos zwischen improvisiertem Jazz, Klassik und filmischem Ambiente bewegt. OPEN / Offenheit ist auch ein Schlüssel zum Verständnis dieser eigenwilligen, rätselhaften und verspielten Figur, die nie ohne ihre gehörnte Maske zu sehen ist.
"Als Teenager hatte ich Schwierigkeiten, Kontakte zu knüpfen, also habe ich mich der Musik zugewandt", erklärt er. "Und obwohl es mir besser ging, fühlte ich mich immer noch unnahbar. Aber der Einschluss war eine erzwungene Situation, also ist OPEN eine Art Nostalgie nach mehr sozialer Interaktion."

Vor fünf Jahren trat Lambert zum ersten Mal in Erscheinung oder besser: er ließ von sich hören. Die Person hinter der sardischen Stiermaske bleibt bis heute unerkannt. Gerüchte darüber, wer und was sich hinter dieser Maske verbergen könnte, gibt es zuhauf. Nicht zuletzt deshalb, weil Lamberts Spiel auch international bekannt und gefragt ist. Namhafte Künstler wie zum Beispiel José González, Deichkind und Moderat fragten Reworks ihrer Tracks an und bekamen einzigartige Neuinterpretationen zurück. In den besagten fünf Jahren veröffentlichte Lambert vier Solo-Alben und tourte über den halben Kontinent. Und nachdem er 2018 zwei Alben, eines in Kollaboration mit dem Elektronik-Produzenten Stimming und eines mit dem Chicagoer Folk-Sänger Brooklyn Dekker veröffentlichte, erklang im Mai diesen Jahres nun wieder Lambert in Reinform: alleine und maskiert am Klavier.

Busy days, busy years – so sehr, dass man schon mehr als eine Persönlichkeit hinter diesem Pseudonym vermutete. Gerüchte und Namen sind für Lambert aber nicht mehr als inspirierender Schall und Rauch. Das, was zählt, ist das, was wirklich dahinter steckt: Ein neues Lambert-Album wird diese Geschichte im Herbst 2019 weiterschreiben und tiefer verorten.

Die Klassifizierung des Künstlers und Phänomens namens Lambert in ein enges Genre-Korsett wird durch die genannte Vielseitigkeit nahezu untragbar. Dennoch, der Name fällt oftmals in neoklassischen Zusammenhängen. Möglicherweise weil seine ersten Liveauftritte gemeinsam mit Nils Frahm und Ólafur Arnalds stattfanden. Dabei sprechen Lamberts Harmonien auch eine deutliche, andere Sprache: Melodien zwischen den Beatles und diesem Chopin treffen auf rhythmische Strukturen und mitreissende Bewegungen, die moderne elektronische Tanzmusik referenzieren. Lambert scheint demnach nicht viel darauf zu geben, pop- oder hochkulturell verortet zu werden. Es tut schließlich auch nichts zur Sache, ist es doch so oberflächlich und trügend wie jede Äußerlichkeit.

Festzuhalten bleibt aber, dass Lambert im Gegensatz zur Neoklassik, ihrer Ambienthaftigkeit sowie der konzentrierten Rolle von Fläche und diatonischer Harmonie, sich musikalisch deutlich vielseitiger versteht. Auch schimmert immer wieder ein klares und technisch versiertes Interesse an Musik bis hin zu einem Nerdtum bei ihm durch: Bach und Chopin sind dabei genauso Thema wie Bill Evans, Keith Jarrett und Brad Mehldau. Große Helden, die man nicht hinter jedem seiner Stücke vermuten würde. Denn die im Gegensatz dazu auch zu spürende Eingängigkeit popkultureller Traditionen und Inspirationen machen Lambert zu einem bunten Phänomen, einem gehörnten Pop-Trüffelschweinchen im Matsch der Neoklassik.

Aber die nächsten Arbeiten von Lambert werden die Welt sicher wieder eines Besseren belehren. Denn genauso wie viele Persönlichkeiten hinter dieser Maske stecken könnten, kann ein einziges Genre gewiss nicht genug für diesen Klangkosmos sein. Vielleicht ist dies damit auch die beste Verortung für das versteckt spielende Klavier: überall und nirgends, aber immer genau da.

LAMBERT präsentiert im Treibhaus vor zwei Jahren  sein Album „Stay in the Dark“, das er tatsächlich ausschließlich in der Dunkelheit der Nacht aufgenommen hat. Und so wurde es eine Liebeserklärung an ebensolche – wunderschönes, forschendes Klavierwerk zwischen klassischer Romantik, modernem Minimalismus, modalem Jazz und einer gewissen, Opulenz immer nur andeutenden «Coldplayhaftigkeit». Aus der Not wurde eine Tugend, mit großartigem Ergebnis: LAMBERT fand nur nachts die Zeit, an neuer, eigener Musik zu arbeiten. Weil er tagsüber mit Arbeiten an Film-Soundtracks oder Piano-Re-Works von Deichkind über die Beatsteaks bis Boy beschäftigt war. Oder mit dem Einkauf. Oder Aufräumen. Oder Schlafen…
Schließlich beschloss LAMBERT, fortan nur noch nachts zu komponieren. Damit die Stücke tatsächlich aus einer Stimmung heraus, in einem festgelegten Ambiente, entstehen konnten. Und weil man in der nächtlichen Stadt von einer beinahe wundersamen Stille umgeben ist, in der man als Musiker von kaum einem anderen Sinn abgelenkt ist. Eine Stille und Ruhe, die LAMBERT offenbar vertont hat. Und schon schließt sich der Kreis wieder – zu den ruhelosen Mitt-Dreißigern auf der Suche nach dem richtigen Soundtrack zum Runterkommen. Im Dunkeln oder im Hellen.
Noch vor seinem Solo-Debüt «Lambert» hat der Wahl-Berliner bereits im Hintergrund auf sich aufmerksam gemacht — durch seine minimalen Neuarbeitungen für Bands wie Bonaparte, Ja Panik, Boy oder Me and My Drummer. Sein erstes Album erschien 2014 auf dem Berliner Label Staatsakt und wurde von Nils Frahm gemischt und gemastert. 2015 erschien „Stay in the Dark“

Die Musiker von Jaakko Laitinen & Väärä Raha kommen aus Lappland, genauer aus den Dörfern Inari, Salla und aus der Stadt Rovaniemi. Die Musik der Band ist eine ganz eigenwillige und einzigartige Melange. Fast sämtliche Lieder sind selbst geschrieben, und alle sind inspiriert aus diesen Hauptzutaten: alte und neue Roma-Lieder vom Balkan, russische Romanzen sowie finnische Humppa-Musik. Mit Trompete, Bouzouki, Akkordeon, Kontrabass und vor allem dem schmissigen Gesang von Bandleader Jaakko Laitinen versprühen die fünf Finnen die entfesselnde Kraft glühender Emotionen auf der Bühne. Ihre reizvollen Lieder und Tänze handeln von Liebe, bitterer Schönheit, der Endlichkeit des Seins, von Erinnerungen, Hoffnung, Enttäuschungen und der Sehnsucht nach endlosem Glück. Freude und Schmerz scheinen gleichzeitig durch die Melodien und Texte, wie sie auch im Leben meist zusammen gehen. 

Jaakko Laitinen & Väärä Raha wurde 2009 gegründet, haben seitdem drei Alben veröffentlicht und mit ihrem aufsehenerregenden Stil viel Anerkennung und Hochachtung erfahren. In ihrer finnischen Heimat gelten sie zu Recht als der wildeste Live-Act weit und breit! Über 80-mal beweisen sie das pro Jahr auf rauschenden Konzerten in den Dörfern im nördlichsten Lappland ebenso wie in den angesagtesten Clubs in Helsinki. Internationalen Erfolg hatte die Band bisher in ganz Europa und Asien - in Deutschland, Italien, Skandinavien, Mazedonien, Türkei, Kasachstan, Ukraine oder Russland brachten sie die Massen zum Toben. 

2015 haben Jaakko Laitinen & Väärä Raha die Musik zu dem finnischen Dokumentarfilm 'Kihniö' von dem renommierten Filmemacher Saija Mäki-Nevala beigesteuert. Außerdem schrieben sie zusammen mit ihren Freunden von Django 3000 die Musik zu deren Hit „Bonaparty“, und standen ein paarmal zusammen zu unvergesslichen Gigs auf der Bühne in Finnland, Deutschland und Russland. Und die verrückten Abenteuer der Band gehen weiter!
Im Frühjahr 2021 veröffentlichen Jaakko Laitinen & Väärä Raha das Live-Album "Suomi Disco", welches ausschließlich als Tonträger (LP+CD-Paket) erhältlich ist.

FEJKÁ
 
Als ich im Alter von 17 Jahren anfing, Musik zu machen, fragte ich mich, welche Art von Musik ich produzieren wollte. Ich war immer der Typ, der sich nicht zwischen zwei Dingen entscheiden konnte. Was die Musik angeht, war es die große Spaltung zwischen verträumter und sanfter Ambient-Musik, und harter, druckvoller Techno-Musik. 
Die Atmosphäre der Ambient-Musik war für mich ein Pool der Ruhe und tiefe Gedanken, etwas, bei dem man einfach abschalten und über sein Leben nachdenken kann. Andererseits, als ich zum ersten Mal mit Technomusik in Berührung kam, spürte ich die einzigartige Stimmung, das Gefühl, wie die Musik deinen Körper in Bewegung bringt und dich alles vergessen lässt, das Gefühl, dass die Menge in einem großen Regen von Ekstase zusammenschmilzt. 
Ich wollte nie Musik machen, die nur ein bestimmtes Spektrum an Stimmungen oder Menschen anspricht, ich versuche immer, diesen einen absoluten Sound zu erreichen, der Musik, zu der man gleichzeitig tanzen und träumen kann. Mit meiner EP Twilight möchte ich den Entwicklungsprozess von Traummusik zu Tanzmusik zeigen. Während die ersten beiden Songs sehr chillig und langsam sind,
Moonlight und Ghostlight repräsentieren einen bestimmten Zustand von Hypnose und Trance. Tag/Nacht, Traum/Tanz, langsam/schnell, Musik
war für mich immer in zwei Welten aufgeteilt. Der Schlüsselsong Twilight, mein persönlicher Favorit, ist eine einzigartige und seltene Kombination von beiden Welten und für mich sehr wichtig, weil er meinen Musikgeschmack perfekt beschreibt. Es hat lange gedauert, aber ich bin sehr glücklich, dass ich diesen einen Song gefunden habe, der alles zu einer absoluten Reinheit der musikalischen Wahrnehmung vereint.

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REY&KJAVIK
 
Rey&Kjavik hat eine Vorliebe für mystische und spirituelle Klanglandschaften in einem elektronischen Musikkontext.
Sein Debütalbum Rkadash, das 2017 erschien, unterstrich den Geisteszustand des Künstlers und übertrug die Kreativität dieses bedeutenden Kapitels in seinem Leben auf die Tanzfläche. Doch so wie die Zeit voranschreitet, so schreiten auch die Menschen voran, und so hat der Produzent die letzten Monate genutzt, um seine neu gewonnenen Eindrücke zu verarbeiten, was in seinem zweiten Studioalbum Mountiri resultiert, das im Dezember 2018 auf seinem eigenen Label RKJVK erscheinen wird. Musikalisch ist der Künstler sich selbst treu geblieben und hat dennoch ein fortschrittliches, spirituelles und mystisches Kunstwerk geschaffen, das seine Vielseitigkeit unterstreicht, indem es auf orientalische Vibes und wüstenhafte Rhythmen zurückgreift. Mit seinem zweiten Album überschreitet Rey&Kjavik die Grenzen einer sichtbaren Realität, die sich in eine auditive Erfahrung verwandelt und im musikalisch erlebten Moment eins wird.

Da ist er wieder! Der Jäger des verloren geglaubten Humors, der Prinz der Stand-Up-Comedy … es kommt  wieder Bewegung in die Zwerchfelle. Es darf gelacht werden …Zwei Stunden prügelt er mit einem Stakkato an Pointen auf die mehrheitlich im Publikum vorhandenen Ü40er ein. Es gibt kein Entrinnen - ein furioser  Jäger. Was für ein Spaß. .....
Texte: Maxim Leo & Jochen Gutsch
Fassung, Beiträge: Edi Jäger

Pubertät ist schlimm. Klar. Aber nicht so schlimm wie: Alterspubertät!  Alterspubertiere lieben die Ruhe, das Wandern, das Wort »früher« und bestuhlte Pop-Konzerte. Männliche Alterspubertiere zwängen den runden Ü40-Körper in Neoprenanzüge und beginnen einen Kitesurf-Lehrgang. Oder streben eine Marathonkarriere an. Weibliche Alterspubertierende flüchten sich gern in die Spiritualität und wollen »sich neu entdecken«. Sie laufen in Yogakurse und über den Jakobsweg, sie wollen ihr Sexleben aufpeppen oder Marmelade einkochen. Klingt erschreckend? Ist es auch. Aber vor allem sehr, sehr lustig ... 
Ein kleiner Trost: Alterspubertierende sind die größte Bevölkerungsgruppe in Europa.
Du bist nicht allein.

PremierenKritik

... und erlebten einen völlig entfesselten Edi Jäger in Höchstform. In „Es ist nur eine Phase, Hase“ gibt es keine ruhige Minute. … Jäger feuert eine humorvolle Situation nach der anderen ins Auditorium, die Pointen stapeln sich zeitweise übereinander, weil nacheinander kein Platz mehr ist. Der völlig überforderte Veteran, der im Pyjama versucht, einer zu lauten Party Herr zu werden. Der Mid Ager, der im türkischen Hamam zum Spielball des knetenden Bademeisters wird. Der wellnessgenötigte Ehemann, der im Thai-Massage-Kabuff in Erwartung der jungen und zierlichen Pom stattdessen Opfer des elefantösen und gewaltbereiten Tom wird. 
Einmal mehr ist es Jägers Triumvirat der Talente Mimik – Gestik – Sprache, die die Geschichten und ach so fiktiven Erlebnisse des Torschlussmannes dermaßen bildhaft beschreiben, dass man Acht geben musste, um nicht vor Lachen am Sitz zu kollabieren, wenngleich im Publikum da und dort schon erste Anzeichen von Hyperventilation hörbar wurden. Ein großartiger Edi Jäger … einen wortwörtlich atemberaubenden Abend und man kann mit Fug und Recht behaupten, dass sich davor noch kein Publikum kollektiv so in die Hose gemacht hat. Quod erat demonstrandum! (KUNSTBOX.AT Nachlese, Markus Walch, 28.02.2022 )

Publikumsstimmen

… selten habe ich so viele Leute so herzlich lachen gehört!
… es war im positiven Sinn der Wahnsinn, mein Mann und ich hatten 2 fröhliche Stunden und heute einen Muskelkater vom Lachen. (Zuschauerin)      
… die Premiere von Phase, Hase war großartig und Edi Jäger einfach umwerfend.
Ein absoluter Brüller. Dem preisgekrönten Bestsellerduo Maxim Leo & Jochen Gutsch ist mit Es ist nur eine Phase, Hase aus meiner Sicht ein kleines Meisterwerk gelungen.   
… scharf beobachtet, und genauso scharf vorgetragen.
Es ist nur eine Phase, Hase ist für mich eines der lustigsten Programme des Jahres
Es war ein grandios lustiger Abend. Es gab unglaublich viel positives Feedback. (Veranstalter Chiemsee)

Besetzung:
Querflöte (Sascha Rathey)
Horn (Tanja Schwarz)
Viola (Hans Martin Gehmacher)
Der Schauspieler Thomas Lackner wird den Text einerseits erzählen, andererseits aber auch immer wieder Szenen, gemeinsam mit den drei MusikerInnen, spielen.

Mit unserer Fassung der „Zauberflöte, kurz und knackig“ wollen wir diese Oper von Wolfgang Amadeus Mozart einem jungen Publikum live und, vor allem, unterhaltsam zugänglich machen. Sozusagen Oper zum Angreifen. Die Figuren der Handlung erinnern an ein Märchen. Mit dem Prinzen Tamino, der Prinzessin Tamina und dem Vogelfänger Papageno lässt Mozart wunderbare Identifikationsfiguren für Kinder auftreten. 
Es erübrigt sich fast zu erwähnen, dass die einzelnen Musiknummern nicht nur weltberühmt sind, sondern sie wegen ihrer eingängigen Melodik Kinder besonders ansprechen. 
Wir haben eine komprimierte Fassung erstellt, die die wichtigsten Handlungsstränge der Oper und vor allem die Musik den Kindern und den Eltern gleichermaßen näher bringen. 
Die Musik wurde für drei Instrumente arrangiert, nämlich Querflöte (Sascha Rathey), Horn (Tanja Schwarz) und Viola (Hans Martin Gehmacher). Der Schauspieler Thomas Lackner wird den Text einerseits erzählen, andererseits aber auch immer wieder Szenen, gemeinsam mit den drei MusikerInnen, spielen. Somit wird es den Reiz dieser Fassung ausmachen, dass musikalische, dramatische und erzählerische Elemente miteinander verschmelzen.
Sicherlich auch spannend, in so exponierter Rolle recht selten zu hörende Instrumente Waldhorn und Viola virtuos zu erleben ...

Aufgewachsen im Mostviertel, erwachsen geworden in Wien. Sigrid Horn ist nirgendwo zu Hause, macht es sich aber schnell bequem. Sowohl räumlich als auch künstlerisch pendelt sie zwischen Land und Stadt, nimmt Einflüsse von beidem in ihre Musik auf und singt in nicht zuordenbarem Dialekt. Auf Initiative von Ernst Molden und Charlie Bader erschien im Oktober 2018 ihr Debutalbum “sog i bin weg” bei bader molden recordings. Mit ihrem Lied “baun“ über die Zersiedelung von Landschaften, Klimawandel und Fluchtbewegungen gewann sie 2019 den FM4-Protestsongcontest. Im März 2020 erschien ihr zweites Album „i bleib do“. Sigrid Horn schlägt damit ein neues Kapitel auf, versöhnt sich ein Stück weit mit der Welt, bleibt aber anklagend. Die Themen ihrer Songs sind nach wie vor vielschichtig, persönlich und politisch. Sie wühlt in der eigenen Familiengeschichte und setzt diese in einen zeitgeschichtlichen Kontext. Sie seziert ihr eigenes seelisches Innenleben und berührt ihre Zuhörer*innen damit an Stellen, von denen diese nicht einmal gewusst haben, dass es sie gibt.
Das Album i bleib do wurde vom Falter zu einem der 50 wichtigsten Austropop-Platten zwischen 1970-2020 gewählt.  (Juli 2020)

„Die zehn Songs auf „I bleib do“ sind mehrfach konzentrierte Kunstwerke, niemals eindeutig aber immer klar. Es sind Berichte aus der innersten Mitte des Lebens, gesungen mit der äußersten Entschlossenheit, keinen einzigen Moment dieses Lebens nur mit halber Kraft anzugehen. Die Berichte handeln von Wasser und Luft, von Hingabe und Sinnlichkeit, von Vorfahren und Kindern, von Naturgewalten und dem alten Land zwischen Wachen und Träumen. Die Musik hat sich gegenüber dem Vorgängeralbum subtil und organisch verändert, aus den fragilen, schönen und manchmal fremden Folk-Skeletten des Erstlings sind berauschend arrangierte Songlandschaften geworden.“ Ernst Molden, Wien, März 2020

Besetzung:
Sigrid Horn: Stimme, Ukulele
Sarah Metzler: Harfe, Stimme
Bernhard Scheiblauer: Concertina, Banjolele, Stimme

Am 27. November 2022 hätte James Marshall „Jimi“ Hendrix seinen 80. Geburtstag gefeiert. Eine schönes Gedankenspiel, sich auszumalen, wie Hendrix diesen begehen würde – mit der E-Gitarre umgehängt?-, hätte dieser begnadete, große Musiker nicht tragischerweise schon 1970 „ausgecheckt“. Sein Gitarren-Ton, die Essenz seiner wilden, freien, psychedelischen und zugleich zärtlichen Musik, weit über solche Genre-Grenzen hinausreicht.
Dabei ist seine Musik so lebendig wie eh und je, und wird immer wieder von neuen Generationen entdeckt, verfehlt ihre inspirierende Wirkung dabei nie. 
Es ist eine so reine wie universelle Musik.

Ein Gitarrist, der wie Hendrix immer Musik als solche im Sinn hat, sich Stilen von Jazz über Rock und „Gipsysoul“ bis world music meisterlich annähert, um Emotionen zu kommunizieren, das Verbindende in unser aller human experience aufzuspüren und auszudrücken, ist der 1957 geborene Harri Stojka. 
Die Musik des in Wien lebenden und arbeitenden Musikers ist so vielfältig wie hochklassig. Längst ist sein Ausnahme-Können auf der Gitarre von Publikum und Kritik weit über Österreich hinaus anerkannt und geschätzt. Hendrix war dabei ein starker Impulse liefernder Baustein auf dem Weg zu Stojkas komplexer wie schöner eigenen musikalischen Welt, die da wie dort mit einer vom Vater geschenkten Gitarre begann.
So macht es absoluten Sinn, dass Harri Stojka als Sänger und Gitarrist mit Sigi Meier an den Drums und Bassist Peter Strutzenberger diesen Herbst und Winter Jimi Hendrix zu dessen 80. Geburtstag live Tribut zollt, wie er es schon 2020 mit dem Album „Salut To Jimi Hendrix“ und den umjubelten Konzerten zu dessen Veröffentlichung getan hat. Abermals wird das Trio die bestmögliche Verbeugung vor der Kunst des großen Saiten-Meisters Hendrix liefern, indem es dessen Musik nicht nachspielt, sondern lebt und im Moment, auf der Bühne lebendig werden lässt. Drei begnadete Musiker, die Songs aus dem reichhaltigen Repertoire von Hendrix so spielen, wie sie eben ihre Musikalität, ihre Leseart des Materials und nicht zuletzt die Dynamik zwischen ihnen, diese empfinden und spielen lässt. Dazu passen zwingend Eigenkompositionen Stojkas, die aus einem ähnlichen Spirit, einer vergleichbaren unveräußerlichen Haltung und bedingungslosen Liebe zur Musik schöpfen, die einst Jimi Hendrix aus sich und seinem Instrument sprechen ließ.
LINE UP: Harri Stojka: Gitarre Peter Strutzenberger: Bass Sigi Meier: Schlagzeug



Vom Rockjazz weiter zum Bebop, zu Modern Jazz und Gipsy-Sound – und retour: Harri Stojka, österreichischer Gitarren-Virtuose mit legendärer stilistischer Bandbreite, dreht jetzt mit Verve am Rad der Zeit und befeuert seine frühe Phase mit neuer Energie. Harri Stojka ist in verschiedenen musikalischen Genres beheimatet. Harri Stojka der niemals ausgrenzt, sondern seine Musik zu einem von allen Seiten „runden“ Klangerlebnis ergänzt. Harri Stojka – wird bei seinen aufregenden Kompositionen durch die Dynamik langer, schneller Läufe an der Gitarre und lustvoll-kreativen Improvisationen bereichert. Rockjazz, „modern“ wie nie. Harri Stojka schließt quasi einen Kreis, dessen Ausgangspunkt (genau genommen) lang vor der Geburt des Meister-Gitarristen liegt: Es war Anfang der 1940er Jahre, als Bebop den Swing als Hauptrichtung des Jazz ablöste, mehr rhythmische Freiheit, schnelle Tempi, komplexe Harmonien und Improvisationen auf langen, formalen Strecken zuließ. Ein Stil, der den 1957 in Wien geborenen Musiker Harri Stojka vor allem zwischen 1980 und 1990 ungeheuer faszinierte, ehe er – inzwischen längst auch mit Rock-Produktionen bekannt – den Sinti Swing (auch „Gipsy Jazz“) für sich entdeckte und sich nun wieder mehr dem Rockjazz Gitarrensound widmet. Stojkas erste Rockjazz Produktion (die LP „off the bone“, bei Warner Music) erschien 1980. Jetzt, genau 40 Jahre später, beweist der Künstler wie intensiv und superb ein musikalischer Ausflug „zurück in die Zukunft“ ausfallen kann. Harri Stojka „rockt“ den Jazz: Eine glitzernde, virtuose Zeitreise mit Blick nach vorn, die Genre-Grenzen bricht und Musik-Liebhaber ebenso wie Kenner in ihren Bann schlägt. Harri Stojka veröffentlichte vor einem Jahr sein neues Album „psycho guitar“ - Jazzrock mit rhythmischer Freiheit, highspeed Tempi, komplexe Harmonien, Improvisationen auf langen, formalen Strecken, verrückte Solistik, die aus der 12-Tonmusik kommt, gespielt auf seiner legendären Gibson Les Paul Goldtop Bj. 1969. Wuchtig bis atonal und stets phänomenal virtuos. (Werner Rosenberger)

Schon sein „Tribute to The Beatles“ geriet zur exquisiten Hommage an musikalische Genies, denen der österreichische Gitarren-Virtuose damit auf elegante, erfrischend neue Art Respekt zollte. Denn Kopien und bloße Cover-Versionen sind seine Sache nicht: Harri Stojka, selbst international gefragter Meister seines Instruments, würdigt die Helden seiner Jugend lieber in persönlichen, fantasievoll glitzernden Tönen. Jetzt ist es Jimi Hendrix, dem der 1957 in Wien geborene Künstler ein neues Werk widmet. Eines, das sich gekonnt und höchst emotional vorm exzentrischen Spiel des „Gitarren-Gottes“ aus den USA verneigt – mit der CD „Salute to Jimi“, die einmal mehr Stojkas eigenes, außergewöhnliches Können demonstriert. Als Harri Stojka zum ersten Mal Hendrix hörte, war er gerade mal zehn Jahre alt. Nur drei Jahre später begeisterte er selbst bereits ein rasant wachsendes Publikum. Die beeindruckende Karriere des einer Lovara-Rom-Dynastie entstammenden Ausnahme-Künstlers begann just im selben Jahr, in dem der Mann, der ihn mit „Hey Joe“ zutiefst beeindruckt hatte, in einem Londoner Hotel verstarb. „Jimi Hendrix ist der Erfinder der Psychedelic Acid Rock Gitarre. Ich war sofort fasziniert von seinem expressiven Spiel“, schildert Stojka heute. Und er betont: „Das Trio Jimi Hendrix, Noel Redding und Mitch Mitchell schrieb Musikgeschichte. Jimi entlockte der Gitarre nie zuvor gehörte Töne. Die Musik als Ganzes ist und war für mich immer eine Reflexion der Großstadt und ihrer Hektik. Hendrix‘ laszive Stimme und ihre unglaubliche Coolness bringen jedoch überraschende Ruhe in dieses, Hexengebräu‘ – dies beweist, dass auch die unruhigste Musik Ruhe ausstrahlen kann“.

Eine Tatsache, die sich auch mit vielen von Stojkas eigenen Kompositionen perfekt belegen lässt. Wenn auch in unterschiedlichsten Stilen – von JazzRock, Modern Jazz und Gipsy-Sound bis Weltmusik – erfolgreich: Wie früher Hendrix, bleibt sich Harri Stojka mit jeder Note treu. Lässt mit virtuoser Kraft und Spielfreude die Saiten exakt jene Töne hervorbringen, die Tempo und Rhythmus seiner musikalischen Gefühlswelt spiegeln. Entsprechend liefert auch „Salute to Jimi“ famos mitreißenden Hörgenuss, der erinnert, ehrt – und trotzdem zeitgleich „absolutely Harri Stojka“ ist. Denn was Stojka ausmacht, ist nicht allein sein grandioses Spiel. Es ist das Herz des Vollblut-Musikers, das jeden Ton auf seine ganz spezielle Art befeuert.Nur logisch also, dass auch Stojkas kraftvolle Verneigung vor Jimi Hendrix in keinem Punkt Kopie-Verdacht erweckt. Der inzwischen mehrfach live präsentierte, kleine Vorgeschmack in Form von Harri Stojkas Version des Hendrix-Titels „Voodoo Child“ stieß auf begeistere Publikumsreaktionen. Die neue CD verspricht nicht minder aufregenden Sound. Wie auch die Live-Konzerte. Wobei, bei allem Respekt vorm großen Jimi: Auf die Idee, seine geliebte Gibson Les Paul Goldtop (Baujahr 1968) auf der Bühne zu verbrennen, käme Harri Stojka nie. Das Ekstatische seiner Auftritte tritt ausschließlich durch Musik zutage. Ohne Zerstörung, dafür aber zur Freude seines Publikums.