Ein schillernder Abend mit drei ungleichen Galionsfiguren, vereint durch die Liebe zur gepflegten Abendunterhaltung.
Denice Bourbon, der aufgehende, lesbische Stern am Stand-up-Himmel
Christiane Rösinger, legendäre Berliner Songwriterin und
Stefanie Sargnagel, Kultpoetin aus der Wiener Vorstadtkneipe, stehen wieder gemeinsam auf einer Bühne.
Jede für sich ein Hit sind sie im Trio eine Naturgewalt!

Die eine macht Witze über Heteros, die zweite schreibt über Katzenbabytreten und die dritte singt darüber, dass Liebe überbewertet ist.
Zusammen sind Denice Bourbon, Stefanie Sargnagel und Christiane Rösinger auf Tour – und bringen als „Legends of Entertainment“ ihre vielfältigen Talente zusammen.

Alle drei Künstlerinnen sprechen oder singen auf die eine oder andere Weise über ihr Leben als Frauen
sie sind dabei laut, derb und vor allem wahnsinnig witzig.
Das und der wunderbar vorgetragene trockene  Humor hält die Show zusammen....

Als Spross einer musikalischen Familie und aufgewachsen in der jüdisch, christlich sowie muslimisch geprägten Stadt Jaffa hat der israelische Trompeter Itamar Borochov nie einen Hehl um die Vielfältigkeit seiner Einflüsse gemacht. Edith Piaf, Weather Report, Nusrat Fateh Ali Khan und Prince haben den Grundstein für seine musikalische Offenheit gelegt. Doch erst mit dem Besuch der Sephardischen Synagoge in seinem Viertel wurde die Mischung komplett: Dort lernte er die auf arabischen Skalen basierende und durch Jahrhunderte alte jüdische Traditionen geformte Sakralmusik kennen. Als er sich später schließlich mit dem Erbe des New Yorker Jazz auseinandersetzte, wurde ihm klar: „Wenn Coltrane von seinem Vater, der Prediger war, inspiriert wurde, dann musste ich das auch so machen. Lee Morgan hat den Gospel mitgebracht und ich bringe die Musik der Sephardischen Synagogen mit.“

Die Kompassnadel dreht vom Nahen Osten nach Nordamerika. Sie dreht nach Osteuropa und weist auch in Richtung Orient. Auf der Bühne im Becher-Saal steht der aus Israel stammende Trompeter Itamar Borochov mit seinem Quartett. Die Musiker schlagen Brücken zwischen den Welten. Sie verweben modernen Mainstream-Jazz mit Musikelementen nahöstlichen Ursprungs. Das tun sie auf ganz dezente Weise. 
Es hat bis in die Gegenwart gedauert, bis Israel den Jazz für sich entdeckte. Erst seit den 90er Jahren gelangen israelische Jazz-Musiker auch international zu Ruhm. Bekannter sind der Trompeter und der Bassist mit dem gleichen Namen Avishai Cohen und die Klarinettistin Anat Cohen. Zu dem gefeierten Kreis gehören auch die Pianisten Shai Maestro und Omer Klein sowie der Schlagzeuger Ziv Ravitz.  Dass sich der Jazz in Israel erst spät entfaltete, liegt vielleicht an der kaum überschaubaren Vielfalt der musikalischen Einflüsse, die dort aufeinandertreffen. Jüdische Einwanderer aus Osteuropa brachten ihre Folklore und den Klezmer mit, hinzu kommen nordafrikanische und orientalische Traditionen sowie Rock und Pop. Mit diesen Klängen ist auch Itamar Borochov aufgewachsen. Aus diesem Schmelztiegel holte er sich Impulse. Das tut er auch heute noch, obwohl er inzwischen in New York lebt.

Borochov streichelt die Ohren. In den sentimentalen Abschnitten spielt er einen weichen, warmen Ton. Auch wenn es leidenschaftlich oder gar temperamentvoll zugeht, braucht er keine schrägen Schärfen. Der Trompeter kann seine Zuhörer rühren. Er versteht sich auf ein einfühlsames, einnehmendes Spiel. Seine Melodien und Rhythmen haben häufig eine arabisch-orientalische Färbung. Die durchweg längeren Stücke sind durch die Klarheit des Modern Jazz und arabisch-afrikanische Musiktraditionen geprägt.
Fazit: Seit Jahrzehnten versuchen sich kreative Köpfe im Gegenwarts-Jazz am Projekt einer universellen Weltmusik. Lange Zeit sah es aus so aus, als bleibe Weltmusik eine kaum erreichbare Zielvorstellung. Itamar Borochov zeigt, dass es anders ist. Mit seinem Quartett macht einen eleganten, beseelten Ethno-Jazz. Der Anspruch wechselt zwischen Kopf und Bauch. Die Musiker zeigen feinsinnig, wie sich Jazz mit anderen Kulturen – zumindest auf regionaler Ebene - verschmelzen lässt. Am Ende entstehen neue, eigenständige Klänge. Das Quartett ist ein weiteres Beispiel für die Offenheit des modernen Jazz, Verbindungen mit viel älteren Traditionen einzugehen. All das kommt beim Publikum gut an. Das klatschte am Ende stehend Beifall. Und das kommt eher selten vor.  

LINE UP:

Itamar Borochov - trumpet
Rob Clearfield - piano/Rhodes
Cedric Raymond - bass
Amir Bar Akiva - drums

Sie taucht auf, wenn in der Dramaturgie eines Clips etwas aus dem Ruder zu laufen droht und jemand nach dem Rechten sehen muss. Und wenn Angela Merkel Sebastian Kurz gönnerhaft die Schulter tätschelt; wenn sie neben Putin oder Trump leidend das Gesicht verzieht – dann geschieht etwas Interessantes. Plötzlich hören wir nicht mehr Männer, die über eine Frau drüber reden. Sondern Männer, die aus einer Frau herausreden. Männer, die in die Haut einer Frau geschlüpft sind, und die Umgebung aus deren Perspektive betrachten. Mit Merkels Augen sehen wir plötzlich die geckenhaften Aufplusterungsrituale der Amtskollegen um sie herum, die Ödnis der immer gleichen Konferenzsäle. Wir spüren, wie seltsam es sich anfühlen muss, alle paar Tage im pastellfarbenen Hosenanzug eine Parade abzuschreiten, und stets die einzige Frau auf dem Gruppenfoto zu sein. Wir leiden mit Merkel mit, und freuen uns über die kleinen Fluchten in die Normalität, die sie manchmal heimlich entdeckt. (Sibylle Hamann)

Wer hierzulande klagt, es gäbe kein gutes politisches Kabarett mehr, hat wohl auf Maschek vergessen – abgesehen davon, dass solche Klagen meist aus dem Mund jener kommen, die gar nicht mehr ins Kabarett gehen. Bei Maschek stehen die Politiker stets im Mittelpunkt des „Drüberredens“, wie man die Kunstform der live synchronisierten Fernsehbilder nennen kann. Dass es nicht als politisches Kabarett durchgeht, wenn man sich einfach über politische Köpfe lustig macht, muss nicht extra betont werden. Doch Maschek schaffen beides: Politiker in Witzfiguren zu verwandeln und gleichzeitig gesellschaftspolitische Satire zu präsentieren.
In ihrem Programm-Special  „Maschek Macht Merkel“  verneigen sich Peter Hörmanseder und Robert Stachel vor ihrer langjährigen Wegbegleiterin und Bilderlieferantin Angela Merkel. Ulrich Salamun, der früher das Maschek-Trio vervollständigte, lebt seit vielen Jahren in Nicaragua als Kaffeebauer und Honorarkonsul: Er kommt nur mehr zu Jubiläumsshows auf die heimischen Kleinkunstbühnen. Solche gab es dieses Jahr bereits, denn Maschek wurden 20 Jahre alt. Außerdem erhalten sie im November den Sonderpreis des Österreichischen Kabarettpreises, der ebenfalls seinen 20. Geburtstag feiert.
Bei so viel Party haben sich Maschek für das aktuelle Programm eine leichtere Aufgabe gestellt: Man nehme ein Best-of der bisherigen Clips und bastle daraus eine neue Geschichte. Das ist bei renommierten Kabarettisten eine beliebte Übung, auch Alfred Dorfer, Josef Hader, Thomas Maurer, und demnächst Martin Puntigam verweben ihre Werkschau in neues Gewand. Der Unterschied bei Maschek: Die Protagonisten altern nicht mit. Die Fernsehbilder einer Angela Merkel als Bundesministerin für Frauen und Jugend aus den 1990er-Jahren versetzen das Publikum wirklich in vergangene Zeiten – und berühren die Zuseher tiefer, ähnlich wie beim Durchblättern alter Familienalben.

Die Konzentration der Videoclips auf Angela Merkel geben dem Kabarettabend einen besonderen Spin: Die Beständigkeit der deutschen Kanzlerin macht umso deutlicher, wie kurzlebig in Österreich das Amt des Kanzlers oft ist. Schüssel, Gusenbauer, Faymann, Kern und Kurz tauchen an ihrer Seite auf, und Maschek kitzeln deren Eigenheiten so präzise heraus, dass ihnen die großen Lacher sicher sind. Als neue Story der alten Bilder gestalten Maschek in der ersten Hälfte eine „Merkel sucht den Traummann“-Serie, weil ihr Ehemann, „der alte Sauer“ nicht mehr zu Gipfeltreffen mitfahren will.

Starkes Statement für den Feminismus

Das Setting erlaubt ein Vorführen aller Arten von männlichem Macht- und Macho-Gehabe, wobei Maschek ein starkes Statement für den Feminismus setzen. Ihr Plädoyer gegen Mansplaining, Manspreading und die Verniedlichung der Weiblichkeit konkretisieren Hörmanseder und Stachel in der Zugabe, in der auch aktuelle Szenen von Schwarzenegger und Greta Thunberg verarbeitet werden. Die zwei Stunden Bühnenshow verfliegen im Nu, fast jeder Clip bringt ein neues lustiges, spannendes oder entlarvendes Thema: von Abhörskandalen bis zur Terrorismus-Bekämpfung. Maschek legt Merkel etwa eine neue Strategie zur Rettung der Welt in den Mund: „Überall, wo die Deutschen Krieg geführt haben, haben wir verbrannte Erde hinterlassen. Aber dort, wo wir als Touristen hinkommen, blüht das Leben.“ Doch wie bringt man jetzt Touristen nach Afghanistan? Deutschland schickt einfach Hartz IV- Empfänger – und Florian Silbereisen, um das Land zu retten. Großer Applaus für die satirischen Archivare der Weltgeschichte

Sie taucht auf, wenn in der Dramaturgie eines Clips etwas aus dem Ruder zu laufen droht und jemand nach dem Rechten sehen muss. Und wenn Angela Merkel Sebastian Kurz gönnerhaft die Schulter tätschelt; wenn sie neben Putin oder Trump leidend das Gesicht verzieht – dann geschieht etwas Interessantes. Plötzlich hören wir nicht mehr Männer, die über eine Frau drüber reden. Sondern Männer, die aus einer Frau herausreden. Männer, die in die Haut einer Frau geschlüpft sind, und die Umgebung aus deren Perspektive betrachten. Mit Merkels Augen sehen wir plötzlich die geckenhaften Aufplusterungsrituale der Amtskollegen um sie herum, die Ödnis der immer gleichen Konferenzsäle. Wir spüren, wie seltsam es sich anfühlen muss, alle paar Tage im pastellfarbenen Hosenanzug eine Parade abzuschreiten, und stets die einzige Frau auf dem Gruppenfoto zu sein. Wir leiden mit Merkel mit, und freuen uns über die kleinen Fluchten in die Normalität, die sie manchmal heimlich entdeckt. (Sibylle Hamann)

Wer hierzulande klagt, es gäbe kein gutes politisches Kabarett mehr, hat wohl auf Maschek vergessen – abgesehen davon, dass solche Klagen meist aus dem Mund jener kommen, die gar nicht mehr ins Kabarett gehen. Bei Maschek stehen die Politiker stets im Mittelpunkt des „Drüberredens“, wie man die Kunstform der live synchronisierten Fernsehbilder nennen kann. Dass es nicht als politisches Kabarett durchgeht, wenn man sich einfach über politische Köpfe lustig macht, muss nicht extra betont werden. Doch Maschek schaffen beides: Politiker in Witzfiguren zu verwandeln und gleichzeitig gesellschaftspolitische Satire zu präsentieren.
In ihrem Programm-Special  „Maschek Macht Merkel“  verneigen sich Peter Hörmanseder und Robert Stachel vor ihrer langjährigen Wegbegleiterin und Bilderlieferantin Angela Merkel. Ulrich Salamun, der früher das Maschek-Trio vervollständigte, lebt seit vielen Jahren in Nicaragua als Kaffeebauer und Honorarkonsul: Er kommt nur mehr zu Jubiläumsshows auf die heimischen Kleinkunstbühnen. Solche gab es dieses Jahr bereits, denn Maschek wurden 20 Jahre alt. Außerdem erhalten sie im November den Sonderpreis des Österreichischen Kabarettpreises, der ebenfalls seinen 20. Geburtstag feiert.
Bei so viel Party haben sich Maschek für das aktuelle Programm eine leichtere Aufgabe gestellt: Man nehme ein Best-of der bisherigen Clips und bastle daraus eine neue Geschichte. Das ist bei renommierten Kabarettisten eine beliebte Übung, auch Alfred Dorfer, Josef Hader, Thomas Maurer, und demnächst Martin Puntigam verweben ihre Werkschau in neues Gewand. Der Unterschied bei Maschek: Die Protagonisten altern nicht mit. Die Fernsehbilder einer Angela Merkel als Bundesministerin für Frauen und Jugend aus den 1990er-Jahren versetzen das Publikum wirklich in vergangene Zeiten – und berühren die Zuseher tiefer, ähnlich wie beim Durchblättern alter Familienalben.

Die Konzentration der Videoclips auf Angela Merkel geben dem Kabarettabend einen besonderen Spin: Die Beständigkeit der deutschen Kanzlerin macht umso deutlicher, wie kurzlebig in Österreich das Amt des Kanzlers oft ist. Schüssel, Gusenbauer, Faymann, Kern und Kurz tauchen an ihrer Seite auf, und Maschek kitzeln deren Eigenheiten so präzise heraus, dass ihnen die großen Lacher sicher sind. Als neue Story der alten Bilder gestalten Maschek in der ersten Hälfte eine „Merkel sucht den Traummann“-Serie, weil ihr Ehemann, „der alte Sauer“ nicht mehr zu Gipfeltreffen mitfahren will.

Starkes Statement für den Feminismus

Das Setting erlaubt ein Vorführen aller Arten von männlichem Macht- und Macho-Gehabe, wobei Maschek ein starkes Statement für den Feminismus setzen. Ihr Plädoyer gegen Mansplaining, Manspreading und die Verniedlichung der Weiblichkeit konkretisieren Hörmanseder und Stachel in der Zugabe, in der auch aktuelle Szenen von Schwarzenegger und Greta Thunberg verarbeitet werden. Die zwei Stunden Bühnenshow verfliegen im Nu, fast jeder Clip bringt ein neues lustiges, spannendes oder entlarvendes Thema: von Abhörskandalen bis zur Terrorismus-Bekämpfung. Maschek legt Merkel etwa eine neue Strategie zur Rettung der Welt in den Mund: „Überall, wo die Deutschen Krieg geführt haben, haben wir verbrannte Erde hinterlassen. Aber dort, wo wir als Touristen hinkommen, blüht das Leben.“ Doch wie bringt man jetzt Touristen nach Afghanistan? Deutschland schickt einfach Hartz IV- Empfänger – und Florian Silbereisen, um das Land zu retten. Großer Applaus für die satirischen Archivare der Weltgeschichte

Wenn Onkel Andi zu Besuch kommt, ist allenthalben große Freude und Heiterkeit im Saal. Aber warum??
Rebers ist kein Narr und hasst Clowns. Und wenn man genau hinschaut, erkennt man auch warum. Nachdem die Weisen die Burg verlassen haben, erobern die Narren die Zinnen und überall wird es lustig. Und damit das alles eine coole performance hat, werden wir informativ unterhalten oder unterhaltsam informiert. Hat hier jemand Angst vor der Wahrheit?? Oder sind wir alle schon dem Wahn verfallen?

Neulich konnte man lesen, der Rebers hilft uns die Angst zu nehmen. Vor allem die, vor uns selbst. Und man sah, dass es gut war!
Schon als Kind wurden er und seine vielen Geschwister zur Hilfsbereitschaft erzogen und es hält bis heut. Aber die gute schlesische Mutter hat ihn auch zur Wahrhaftigkeit und zur Bibel verpflichtet. Deshalb hat das Kind seine Diebstähle und kriminellen Taten auch immer zugegeben. Dann bekam er die Prügel, die er verdient hatte und die Mutter sah von der Kollektivstrafe der ganzen Geschwisterschar ab.
Reverend Rebers ist nur ein Arbeiter im Pointenberg des Herrn, aber mit der Wahrheit, vor allem der unbequemen, nimmt er es sehr genau. Denn wenn man Wahrheiten, die einem nicht passen, in den Schrank sperrt, werden sie giftig. Und damit nicht die Falschen den Giftschrank öffnen, macht er es lieber selber und nimmt zur Not auch die Prügel in Kauf. Das führt gelegentlich dazu, dass er die richtigen Fragen zum falschen Zeitpunkt stellt. Deshalb schreibt die NZZ

 „Dieser Mann ist eine Erweckung der Giftklasse A“
Und dieses Programm ist ein Programm über alles, was toxisch ist. Schuldgefühle, faule Kredite, faule Ausreden, Nazismus und Narzissmus. Also ein Programm über uns. Die Moralische Großmacht Deutschland.
Hier wird Volkes Stimme mit Volkes Stimme entlarvt. Und wenn am Ende der Teufelsaustreibung noch etwas auf der Bühne herumliegt, kommt in der Zugabe der Tatortreiniger und beseitigt die restlichen Spuren.

Ein Akkordeon genannt „meine Strapsmaus“, ein Flügel namens „Steinway“, ein Kabarettist mit Namen Andreas Rebers und 100 Minuten Redezeit. Was gibt das unterm Strich? Eine Erweckung der Giftklasse A, eine Entdeckung mit vier Hauben, ein Ereignis erschütternder Natur. Wie wird sich dieser Mann in Zukunft noch steigern können? Zu Rebers’ neuen deutschen Arbeiterliedern ‘ lässt sich Polka tanzen und marschieren. Zu Ikea, Aldi, Tchibo oder zum Baumarkt, dem Sponsor des Abends. (Neue Zürcher Zeitung)

Gegen Wahn und Populismus – hilft nur ein guter Exorzismus.

Ich helfe gern. Wann und wo immer sie wollen!

Geboren 1958, wuchs Andreas Rebers im niedersächsischen Weserbergland auf, wo er mit der Stimmungskapelle „Los Promillos“ auf Schützenfesten, Feuerwehrvergnügen und Vereinsfesten sein erstes musikalisches Betätigungsfeld fand.
Während des späteren Studiums an der Uni Hannover ergaben sich erste Kontakte zur freien Theaterszene und zum Kabarett. 1984–1988 studierte er bei Thomas Aßmus Akkordeon. 1989 wurde er Musikalischer Leiter des Schauspiels am Staatstheater Braunschweig.
Rebers ist Autor von Chansons, Liedern und Kabarettprogrammen, sowie Komponist von Bühnen- und Schauspielmusiken und Buchautor. Engagements führten ihn nach Hannover, Braunschweig, Krefeld, Basel, Zürich und München. Kabarettgastspiele absolvierte er im gesamten deutschsprachigen Raum.
1997–1999 Mitglied der Lach- und Schießgesellschaft.
Deutschlandtourneen, Radiofeatures, Mitwirkung in Roglers Freiheit, Satirefest und Dieter Hildebrandts Scheibenwischer. Gemeinsame Auftritte mit Urban Priol, Bruno Jonas, Josef Hader, Georg Schramm, Matthias Richling, Achim Konejung  u.v.a.
2020 wurde er zum ordentlichen Mitglied (Darstellende Kunst) in die Bayerische Akademie der Schönen Künste gewählt
Andreas Rebers lebt mit seiner Familie in München

Texta melden sich  im Trio mit ihrem wohl persönlichstem, mittlerweile 8. Studioalbum mit 13 neuen Tracks zurück.
Wie ihr euch vorstellen könnt waren die letzten Jahre für die Texta Mitglieder alles andere als Honigschlecken. Huckeys Krankheit und dann Tod musste erst einmal verdaut werden und Fragen wie‚ soll und kann man überhaupt als Texta noch weiter machen‘ oder‚ das wars dann‘ standen im Raum. Aber nach einer Phase der Reflexion und nach vielen Gesprächen und positivem Feedback bei den Konzerten 2019 beschlossen sie wieder ins Studio zu gehen. Rausgekommen ist ein Album das sich hören und mit dem wunderschönen Albumcover auch sehen lassen kann. Aber das bekommt man „mehr oder weniger“ nur zu hören wenn man am 8.10. vorbeikommt ;-)

Texta haben nicht nur österreichische HipHop-Geschichte geschrieben, sie sind österreichische HipHop-Geschichte. Begonnen hat dies alles im Frühjahr 1993 in Linz, als sich die vier Rapper Flip, Huckey, Laima und Skero zusammengetan haben, um einen Rapsong für den Kulturverein KAPU zu schreiben. Ein Jahr später folgen erste Shows, DJ Dan wird in die Band aufgenommen und spätestens seit der Debüt EP "geschmeidig" im Jahr 1995 zählt die Linzer Rap-Crew zu den wichtigsten Vertretern der österreichischen HipHop-Szene.
Acht Studioalben, ein Livealbum mit SK Invitational, diverse EPs, Kollaboalben mit Blumentopf & Total Chaos als Kaleidoskop, mit Blumentopf als T’n’T, den Unsichtbaren, TTR Allstars, unzählige Features, Soloalben, Einzelkooperation mit anderen MCs (Average & Huckey, Laima & Def Ill, Flip & Average), Producer und Instrumentalalben von Flip, das Textabuch 2010, die Textadoku 2012, das seit 1998 betriebenen Label Tontraeger Records, 800 Konzerte rund um den Erdball, Theaterstücke und vieles mehr stehen auf der Habenseite. Die Entwicklung von Mundartrap, Dancehall auf Deutsch und in Mundart, das Wachsen von Linz zur österreichischen HipHop-Hauptstadt der 00er Jahre und etliche kreative wie organisatorische Aktivitäten haben die Musikszene in Österreich maßgeblich mitbeeinflusst. Auch der Ausstieg von Skero 2013 wurde gut verdaut.

Als jedoch ihm 1. Mai 2018 Huckey seiner Krebskrankheit erliegt, stehen auf einmal nicht mehr musikalische Pläne im Vordergrund, sondern das in sich gehen, die Trauer verarbeiten, Energien ausloten. Das Bandende in den Raum stellen. Sich ein gutes Jahr nach dem Ableben wieder mal zu dritt als Texta auf die Bühne stellen. Geht da noch was? Fühlt sich noch irgendwie gut an. Sagen auch die Konzertbesucher. Ende 2019 dann noch zwei Konzerte im Wiener Chelsea und kurzfristig in der KAPU ansetzen. Publikum erscheint zahlreichst. Dann geht es also weiter?

Aufregung in Hinterschlapfing! Der ORF dreht eine Folge „Vormittags in Österreich“ im Ort und natürlich wollen sich die BewohnerInnen von Hinterschlapfing dabei von ihrer „besten“ Seite zeigen.
Austromexikaner Gabriel Castañeda schlüpft in seinem 2. Soloprogramm in die Rollen der EinwohnerInnen von Hinterschlapfing und zeigt dabei die schrulligen, kuriosen aber vor allem witzigen Eigenheiten der Landbevölkerung.
So erfahren wir, warum der Bürgermeister einen Kaugummiautomaten eröffnet, der Pfarrer eine Motorsense segnet, der Polizist einen Ministranten verhaftet, es einen Integrationskurs für Deutsche gibt und warum die Bushaltestelle unter Naturschutz steht.
All das und noch viel mehr erklärt Gabriel Castañeda in einem zweistündigen Gagfeuerwerk. Dabei beweist der Frontmann der Tyrol Inn Stones, dass er auch ohne seine Freunde singen und blödeln kann. Ein witziger Abend für all jene die am Land leben, und für alle anderen sowieso. Ähnlichkeiten mit existierenden Gemeinden sind absolut zufällig aber durchaus gewollt.

Der Mexikaner aus Grins, der Prinz der Provinz!

"Wortspiele und Scharfsinn setzt er ebenso ein wie treffsichere und mitunter makabere Pointen.“ - Tiroler Tageszeitung

BIO

Wie so viele, habe ich meinen Weg zur Bühne über etliche Umwege vollzogen. Heute bin ich glücklich und vor allem dankbar, dass ich mit meinem Beruf das Privileg habe, Menschen zu unterhalten. Mit meiner Mischung aus österreichischer Gelassenheit und mexikanischem Feuer, gehe ich mit offenen Augen durch den Alltag, immer auf der Suche nach dem Kuriosen, dem Verrückten und auch nach den Abgründen, die unsere Spezies so einmalig macht. Aus all diesen Eindrücken entsteht meist ein Destillat, das in Form eines Bühnenprogramms seinen Ausdruck findet. Ich genieße die Vielfalt meines Berufs. Wenn ich als Drehbuchautor für Dokus recherchiere und neue Dinge lerne, wenn ich als Sänger tief in Melancholie versinken kann, oder wenn ich als Pveronika schallendes Gelächter in vollen Sälen verbreite. Ich freue mich auf alles was noch kommt. 

Gabriel Castañeda

1979

Gabriel Castañeda kommt als Sohn einer Tirolerin und eines Mexikaners im beschaulichen Grins zur Welt.
 

1979 - 1999

Schon in frühester Kindheit eine „Rampensau“. Kindergarten sowie alle nachfolgenden Schulen im Prinzip als Bühne mit Publikum verstanden. Außer der erfolgreichen Belustigung der Mitschüler sonst keine nennenswerten Erfolge diesbezüglich.

2000 - 2006

Uli Brée beim Ensemble Tirol kennen gelernt. Uli Brée fungiert in den nächsten Jahren als Mentor für Gabriel und unter seinen Fittichen konnte er das Handwerk des Schreibens erlernen. Es folgen viele sehr erfolgreiche Stücke mit dem Ensemble Tirol mit Castañeda als Autor und/oder Darsteller. Besonders erwähnenswert sind hier „HOSSA“ – die ganze bittere Wahrheit über den deutschen Schlager (187 ausverkaufte Vorstellungen!), „Zimt-Stern-Hagel-Voll“ 2006 und 2007, „BUSSI“, oder auch „Bye, bye Bambi“.

2006 - 2010

Gemeinsam mit Brée schreibt Castañeda seit seinem Schritt in die Selbständigkeit 2006 neben Theaterstücken auch Filme. Einige davon absolute Publikumserfolge wie "Live is Life - die Spätzünder", „Meine Tochter, ihr Freund und ich“ oder auch „Die Abstauber“.
Seit 2006 rockt sich Gabriel auch mit seiner Rock’n’Roll Band durch die Bühnen Tirols. Die Jailhouse Rockers spielen Musik aus den 50ern und 60ern und halten den Lifestyle Sex, Drugs und Rock’n’Roll hoch.
Castañeda liefert seit 2009 auch die Drehbücher für Sendung "Hansi Hinterseer", die regelmäßig fünf bis sechs Millionen Zuseher begeistert. Hansi präsentiert in diesem Format jeweils eine der schönsten Region Mitteleuropas und zeigt sich als Naturschützer, sowie Bewahrer von Kunsthandwerk und Brauchtum. Der Nationalpark Berchtesgaden, die hohen Tauern, das Montafon oder das traumhaft schöne Dreiländereck um den Bodensee sind nur ein paar Regionen, die in dieser Sendereihe portraitiert wurden.

2010 - 2013

Es folgt das erste Werk der "Tyrol Inn Stones", der a cappella Gruppe von und mit Gabriel Castañeda. „Gesang auf höchster Braukunst“ trifft den Nerv des Publikums und in kürzester Zeit sind die Tyrol Inn Stones (Gabriel Castañeda, Gernot & Thomas Mungenast, Edgar Ruetz) in aller Munde. Die Mischung aus Gesang, Slapstick und bissigem Humor findet großen Anklang und mittlerweile füllen die Stones regelmäßig Säle mit zwei- bis dreihundert eingefleischten Tyrol Inn Stones Fans.

2014 bis 2017

Im Dezember 2014 feiert Gabriel Premiere mit seinem ersten Soloprogramm „Bös & Artig“, einer bitterbösen Betrachtungen des Alltags. Neben seiner Tätigkeit als Kabarettist moderiert Gabriel auch zahlreiche Veranstaltungen. 2016 folgt eine Folge aus der Reihe "Bergwelten" für Servus TV, neben Drehbuch ist Gabriel auch erstmals für die Regie (gemeinsam mit Klaus Achter) verantwortlich. Im Herbst 2016 kommt auch das heißersehnte, dritte Programm der Tyrol Inn Stones "EverGrins" auf die Bühne und ist wieder ein voller Erfolg. Ende 2016, Anfang 2017 beginnen die Arbeiten an einem Drehbuch zu "Universum" für den ORF mit Hermann Maier, sowie eine neuerliche Auflage von "Hansi Hinterseer", ebenfalls für den ORF. Auch eine Folge "Heimatleuchten" für Servus TV entsteht 2016/2017. Die Tyrol Inn Stones gewinnen im Herbst, in Tux den ersten Tiroler Kabarettpreis (Publikums- und Jurywertung). Im Oktober feiert auch das dritte Kabarettprogramm "Lebhaft“ von Comdygröße Alex Kristan Premiere, das Buch entstand unter Mitarbeit von Gabriel. Elke Winkens und Thomas Weissengruber präsentieren ihr Stück "Wie jetzt?" ebenfalls im Oktober, Gabriel lieferte das Buch dazu. Im Herbst 2017 erfolgt die Ausstrahlung von Hansi Hinterseer - im malerischen Tannheimertal.

Der österreichische Musiker und Komponist Manu Delago präsentiert sein erstes audiovisuelles Soloprogramm mit dem Titel 'Environ Me'.
Nach mehreren internationalen Tourneen in den letzten Jahren mit Björk, Olafur Arnalds, Cinematic Orchestra und Anoushka Shankar und seinem mehrfach preisgekrönten Musik- und Bergfilm 'Parasol Peak' verwandelt sich der bereits für einen Grammy nominierte Künstler in ein One-Man-Orchestra.
Angesiedelt zwischen ambienter Elektronik und Neoklassischer Musik verschmelzen Manu Delago's akustische Percussion Instrumente mit elektronischen Beats und Klängen aus unserer Umwelt. Faszinierende Visualisierungen mit den Sounds von Wasser, Feuer, Fauna, Fortbewegung, Wind und unserer Umgebung beschallen den Konzertsaal und lassen ein Gesamtkunstwerk für Ohren und Augen entstehen.
„Seit sehr vielen Jahren pendle ich zwischen dem urbanen London und den Tiroler Alpen und mit meinem Projekt 'Environ Me' wollte ich mehr Bewusstsein für unsere unmittelbare Umgebung schaffen. Als Musiker gelingt mir das am einfachsten durch Klänge, die ich bei abenteuerlichen Ausflügen in die Natur einspielte und in meine Kompositionen integrierte. Für meine zwei letzten Projekte 'Parasol Peak' und 'Circadian' arbeitete ich mit größeren Ensembles und komplett akustisch. Auf meinem neuen Album 'Environ Me' verschmelzen die Klänge unserer Umwelt mit elektronischer Musik – immer mit höchster Wertschätzung unserer Natur bedacht.“

Internationale Bekanntheit erlangte Manu Delago durch seine Pionierarbeit und Virtuosität am Schweizer Instrument Hang. Das 2007 veröffentlichteVideo zum Track Mono Desire avancierte mit über 5 Millionen Klicks zum Youtube-Hit, wodurch auch Weltstar Björk auf ihn aufmerksam wurde. Mit den Worten, dass „sie selbst für sämtliche Klicks verantwortlich“ sei, engagierte sie ihn kurzerhand als Hang-Spieler und Schlagzeuger für ihre zweijährige Welttournee.

Trotz dieser und weiterer musikalischer Kollaborationen hat Manu Delago seine eigenen Projekte nie aus dem Blick verloren. Der Wahl-Londoner veröffentlichte Alben mit seiner Band Manu Delago Handmade, dem Bassklarinette-Hang-Duo Living Room sowie als Solist des London Symphony Orchestra. Das Handwerkzeug zur Entfaltung seines enormen Kreativpotenzials erlangte er durch die Studien von Schlagwerk am Mozarteum Innsbruck, Jazz-Drums an der Guildhall School of Music und Komposition am Trinity College of Music in London.
Nach dem Erfolg seines 2013 erschienenen Albums Bigger Than Home (internationales Radio-Airplay für die Single A Long Way), bringt Manu Delago seinen unverkennbaren Stil auf Silver Kobalt noch intensiver zum Ausdruck. Sein innerer Kobold kombiniert handgemachte technoide Beats mit indischen Rhythmen, lässt Magnete im Takt surren und bietet akustischen Raritäten wie Fagott und Hang einen Platz auf der Ehrentribüne. Wie auch auf dem Vorgängeralbum pflegt Manu Delago die erfolgreiche Zusammenarbeit mit dem Produzenten Matt Robertson (Björk, The Prodigy, The Streets) und erlesenen Gastsängern.
Das auf dem renommierten englischen Label Tru Thoughts Records erscheinende Album Silver Kobalt wird live vom Quartett Manu Delago Handmade in beeindruckender Manier umgesetzt. Jeder Musiker erfüllt gleich mehrere Rollen, wodurch erfrischend viel Bewegung auf der Bühne entsteht. Mit Klavier, Geige, Fagott, Hang, Schlagzeug, Xylosynth und vielen weiteren Instrumenten groovt die Band in ihrem eigenen Musikkosmos – losgelöst von jeglichen Genregrenzen. Kürzlich begeisterte Manu Delago Handmade auf Festivals in ganz Europa, wie dem Haldern Pop und Reeperbahn Festival in Deutschland, Shambala Festival in England, Green Man Festival in Wales, Eurosonic Festival in Holland und dem Popfest Wien. Und auch in diesem Jahr wird die Band Hörerschaften von intimen Clubs bis zu freiluftigen Festivalbühnen in ihren Bann ziehen.

Der österreichische Musiker und Komponist Manu Delago präsentiert sein erstes audiovisuelles Soloprogramm mit dem Titel 'Environ Me'.
Nach mehreren internationalen Tourneen in den letzten Jahren mit Björk, Olafur Arnalds, Cinematic Orchestra und Anoushka Shankar und seinem mehrfach preisgekrönten Musik- und Bergfilm 'Parasol Peak' verwandelt sich der bereits für einen Grammy nominierte Künstler in ein One-Man-Orchestra.
Angesiedelt zwischen ambienter Elektronik und Neoklassischer Musik verschmelzen Manu Delago's akustische Percussion Instrumente mit elektronischen Beats und Klängen aus unserer Umwelt. Faszinierende Visualisierungen mit den Sounds von Wasser, Feuer, Fauna, Fortbewegung, Wind und unserer Umgebung beschallen den Konzertsaal und lassen ein Gesamtkunstwerk für Ohren und Augen entstehen.
„Seit sehr vielen Jahren pendle ich zwischen dem urbanen London und den Tiroler Alpen und mit meinem Projekt 'Environ Me' wollte ich mehr Bewusstsein für unsere unmittelbare Umgebung schaffen. Als Musiker gelingt mir das am einfachsten durch Klänge, die ich bei abenteuerlichen Ausflügen in die Natur einspielte und in meine Kompositionen integrierte. Für meine zwei letzten Projekte 'Parasol Peak' und 'Circadian' arbeitete ich mit größeren Ensembles und komplett akustisch. Auf meinem neuen Album 'Environ Me' verschmelzen die Klänge unserer Umwelt mit elektronischer Musik – immer mit höchster Wertschätzung unserer Natur bedacht.“

Internationale Bekanntheit erlangte Manu Delago durch seine Pionierarbeit und Virtuosität am Schweizer Instrument Hang. Das 2007 veröffentlichteVideo zum Track Mono Desire avancierte mit über 5 Millionen Klicks zum Youtube-Hit, wodurch auch Weltstar Björk auf ihn aufmerksam wurde. Mit den Worten, dass „sie selbst für sämtliche Klicks verantwortlich“ sei, engagierte sie ihn kurzerhand als Hang-Spieler und Schlagzeuger für ihre zweijährige Welttournee.

Trotz dieser und weiterer musikalischer Kollaborationen hat Manu Delago seine eigenen Projekte nie aus dem Blick verloren. Der Wahl-Londoner veröffentlichte Alben mit seiner Band Manu Delago Handmade, dem Bassklarinette-Hang-Duo Living Room sowie als Solist des London Symphony Orchestra. Das Handwerkzeug zur Entfaltung seines enormen Kreativpotenzials erlangte er durch die Studien von Schlagwerk am Mozarteum Innsbruck, Jazz-Drums an der Guildhall School of Music und Komposition am Trinity College of Music in London.
Nach dem Erfolg seines 2013 erschienenen Albums Bigger Than Home (internationales Radio-Airplay für die Single A Long Way), bringt Manu Delago seinen unverkennbaren Stil auf Silver Kobalt noch intensiver zum Ausdruck. Sein innerer Kobold kombiniert handgemachte technoide Beats mit indischen Rhythmen, lässt Magnete im Takt surren und bietet akustischen Raritäten wie Fagott und Hang einen Platz auf der Ehrentribüne. Wie auch auf dem Vorgängeralbum pflegt Manu Delago die erfolgreiche Zusammenarbeit mit dem Produzenten Matt Robertson (Björk, The Prodigy, The Streets) und erlesenen Gastsängern.
Das auf dem renommierten englischen Label Tru Thoughts Records erscheinende Album Silver Kobalt wird live vom Quartett Manu Delago Handmade in beeindruckender Manier umgesetzt. Jeder Musiker erfüllt gleich mehrere Rollen, wodurch erfrischend viel Bewegung auf der Bühne entsteht. Mit Klavier, Geige, Fagott, Hang, Schlagzeug, Xylosynth und vielen weiteren Instrumenten groovt die Band in ihrem eigenen Musikkosmos – losgelöst von jeglichen Genregrenzen. Kürzlich begeisterte Manu Delago Handmade auf Festivals in ganz Europa, wie dem Haldern Pop und Reeperbahn Festival in Deutschland, Shambala Festival in England, Green Man Festival in Wales, Eurosonic Festival in Holland und dem Popfest Wien. Und auch in diesem Jahr wird die Band Hörerschaften von intimen Clubs bis zu freiluftigen Festivalbühnen in ihren Bann ziehen.

LE TRIO JOUBRAN: THE LONG MARCH

SAMIR JOUBRAN Oud
WISSAM JOUBRAN Oud
ADNAN JOUBRAN Oud

GUESTS:

VALENTIN MUSSOU Violoncello
YOUSSEF HBEISCH Percussion
HABIB MEFTAH BOUSHEHRI Percussion

Drei Brüder, drei Ouds. Samir, Wissam und Adnan Joubran bereisen als Trio mit einer Mischung aus traditionellen Maqams, spanisch-arabischer Musik und vom Jazz inspirierten Improvisationen seit Jahren die Welt. Auf der Bühne und im Studio kommen ihre Instrumente zusammen wie drei Solisten, die eine einzige Stimme bilden. Die Oud, die arabische Laute, gilt als “Fürstin der Musikinstrumente” und ist die Stimme ihrer Seelen geworden.
Die Brüder stammen aus einer musikalischen Familie, Wissam führt den Instrumentenbau seines Vaters in nun vierter Generation fort. Zusammen sind sie das erste Trio aus Oud-Spielern. “Das war eine große kulturelle Herausforderung”, so Adnan. “In Palästina ist das Leiden mit Händen zu greifen. Hier zu musizieren bedeutet auch, ein wenig Freude zu bringen.” Seit 2002 ist ihr Ruf stetig gewachsen: Von den ersten Proben im elterlichen Wohnzimmer in Palästina bis ins Pariser Olympia ist es dem Trio Joubran gelungen, mit seiner palästinensischen Identität zu glänzen und den Zauber der arabischen Musik zum Leben zu erwecken. Samir, Meister der klassischen arabischen Musik, Adnan mit seiner Vorliebe für Flamenco und Jazz sowie Wissam mit seinem Faible für indische Musik bilden “eine Balance, die die Identität des Trios ausmacht, geprägt durch die Offenheit für alles, was uns umgibt” (Adnan Joubran).

In ihren Kompositionen trägt jeder seinen Teil bei, ohne die anderen beiden jemals zu überschatten. Für sie hat die Musik nur als Trio einen Sinn. Beim Trio Joubran weicht die Virtuosität nicht der Demonstration. Für diese aus Nazareth stammenden Geigenbauer geht es um die Fortführung einer Tradition. Eine Tradition, die sie auch durch ihre Innovation auf der Oud, diesem Soloinstrument, das sie als Ensemble so wunderbar vereinen, zutiefst erneuert haben. Auch ihr sechstes Album »The Long March« handelt von der Sehnsucht nach einer besseren Zukunft. Der 2008 verstorbene palästinensische Dichter Mahmud Darwish leiht seinen Gedichten als Zuspielung seine immens eindrucksvolle Stimme, die von rauher Schönheit ist.

Dem Trio Joubran zuzuhören bedeutet, in die Seele eines Volkes einzutauchen. Ägypten hatte Oum Kalthoum. Der Libanon hat Fayrouz. Palästina hat jetzt das Trio Joubran.

Presse

“Heiligen drei Könige der Oud”
– Libération

“Das Trio Joubran ist eine Ausnahmeerscheinung. Und das nicht nur, weil es aus drei Brüdern besteht. Sondern auch, weil es sich aus drei Virtuosen an der Laute zusammensetzt. Bislang war die arabische Oud nämlich vor allem als Solo-Instrument bekannt. Das Trio aus Nazareth beherrscht die Kunst des Oud-Spiels in all ihren Facetten.”
– Deutsche Welle

“Nicht selten wehte der Geist der legendären ‘Friday night at San Francisco’-Scheibe über dem Konzertauftritt des Trio Joubran. […] Die drei palästinensischen Brüder spielten zwar nicht wie Di Meola, McLaughlin und De Lucia die Gitarre, sondern den Oud, aber die Motive und Phrasen flogen mit ganz ähnlicher Wirkung, explosiv und hochvirtuos zwischen den Instrumenten hin und her. Rasante Solo-Läufe, so wie die Spielchen, die man von Meola & Co. noch im Ohr hat: Das Dialogisieren und gegenseitige Zuwerfen hochtouriger Phrasen, wirbelnder Staccatoläufe, die in rasante Unisoni und spektakulär krachende Akkorde einmünden. Solche furiosen Klanggewitter, wie sie das Brüder-Trio hier intonierte, hat der Oud in seiner 4.800 Jahre alten Geschichte sicher noch nicht erlebt.”
– Rhein-Neckar-Zeitung

Drei Brüder spielen die Oud, eine traditionelle arabische Laute, die in ihrer Heimat als „Fürstin der Musikinstrumente“ geehrt wird. Die Klänge der drei Soloinstrumente verschmelzen zu einer gemeinsamen Stimme, die das musikalische Erbe mit der Gegenwart versöhnt und mit einer Mischung aus traditionellen Maqams, spanisch-arabischer Musik und vom Jazz inspirierten Improvisationen gleichzeitig poetisch in die Zukunft schaut. Le Trio Joubran – das sind die Brüder Samir, Wissam und Adnan. Ihr Weg führte die drei Musiker aus Nazareth seit 2002 auf große internationale Bühnen wie die Carnegie Hall New York oder das Olympia in Paris. Mit ihrer jüngsten Platte „The Long March“ landeten sie einen weiteren großen Erfolg. Damit unterstreicht das improvisationsfreudige Trio seine Klasse, die musikalische Tradition ihrer Heimat mit Kreativität und Mut zur Erneuerung ins frühe 21. Jahrhundert zu transportieren. Le Trio Joubran hat sich eine besondere Stellung als musikalisches Aushängeschild Palästinas erspielt. Ägypten hat Oum Kalthoum, der Libanon hat Fayrouz. Und Palästina hat Le Trio Joubran

LE TRIO JOUBRAN _ FESTE FAMILIENBANDE

Bei den Joubrans sorgen feste Familienbande und die Verankerung in der eigenen Kultur dafür, dass die Resultate des gemeinsamen Musizierens niemals ins Beliebige abrutschen. »Wir lebten früher im gleichen Haus, reisten zusammen, aßen das Gleiche, hörten den gleichen Lärm, sahen die gleiche Welt – natürlich können wir in der Persönlichkeit des anderen lesen. Auch bei der musikalischen Fortbildung gingen wir anfangs ähnliche Wege. So entwickelten wir ein großes Verständnis füreinander, Instinktsicherheit und ein Gefühl für unseren Herzschlag«, erzählt Adnan. »Heute ist unsere Beziehung genug gefestigt, dass wir in verschiedenen Städten leben können, unsere eigenen Familien haben und uns doch auf Anhieb verstehen, wenn wir zu Konzerten oder im Aufnahmestudio zusammenkommen.«

»In Palästina ist das Leid mit Händen zu greifen. Hier zu musizieren bedeutet auch, ein wenig Freude zu bringen«

Formuliert wird diese Botschaft von der Poesie des palästinensischen Dichters Mahmud Darwisch (1941–2008), der die Titel der Kompositionen zitathaft entnommen wurden. Laut Adnan wollte Darwisch mit seinen Gedichten »dieser Welt der Industrie und der Macht sagen, dass wir Menschen sind und unsere Menschlichkeit bestehen bleiben sollte«. Eines der Stücke etwa, »Carry the Earth«, ist vier Kindern gewidmet, die bei einem Fußballspiel am Gaza-Strand von israelischen Streitkräften erschossen wurden. Die Klangwelt von »The Long March« ist ebenfalls eher elegisch und verhalten, aber doch nicht düster oder trostlos: »In Palästina ist das Leiden mit Händen zu greifen. Hier zu musizieren bedeutet auch, ein wenig Freude zu bringen.«

Auf die Frage, ob das Trio als international bekannte Gruppe auch politischen Einfluss habe, entgegnet Adnan: »Wir gehören keiner politischen Partei oder Position an. Die Situation in Palästina ist eine menschliche Katastrophe. Und wir sind die Stimme dieser Katastrophe – lauter als die Stimme jener, die dort ungehört schreien. Es liegt an denen, die sich unsere Geschichten anhören, Position zu beziehen oder Maßnahmen zu ergreifen … und wir hoffen, dass es menschliche Positionen und Maßnahmen sein werden.«
Text: Marcus A. Woelfle, Elbphilharmonie Magazin

YEAH -5/8erl in Ehr‘n gehören zu den besten Live-Bands des Landes. Und da sprechen wir nicht von Videowalls, Pyrotechnik, Dixi-Klos und grölenden Männern. Bei ihrem „Wiener Soul“ geht‘s um die Feinheiten des Lebens. Ein kleiner Fingerschnipp und es groovt. Cucina Mamma statt McDonalds. YEAH – die neuen Songs enthüllen unbekannte Seiten der Band. Wenn 5/8erl eine Power-Ballade hinschmettern, Hawaii-Sounds herzaubern, ob sie ein hochromantisches Kunstlied intonieren, oder ihrem All-Time Klassiker `Siasse Tschick ́ ein Roots-Reggae Softwareupdate verpassen: die Band klingt frischer denn je. Zeitlose Weltklasse. YEAH -Wer den Stil der Band kennt, der wird dem Albumtitel folgend euphorisch zustimmen: Zuhören statt Polemik, komisch ohne peinlich (sic!), Entschleunigung statt Vollgas. YEAH YEAH YEAH –eine LP der Beatles heißt genauso. 5/8erl in Ehr ́n gibt es noch. Eine dieser beiden legendären Bands können sie noch LIVE erleben. Jetzt liegt ́s an Ihnen!

5/8 erl in Ehr'n // WIENER SOUL

eine grantelnde Wiener Band, die österreichische Musik macht und dabei die Welt umarmt.
5/8erl in Ehr’n - Bitte schön! Die Szenerie zeigt vergilbte Fracks, Binokel, Schnurrbärte wie zu Kaiser Franz Josef’s Zeiten. Bitte schön. Ein Juwel der Musikgeschichte? Eine Weiterführung von etwas Wunderbarem? Auf jeden Fall eine Affäre mit dem Wienerlied und eine Einladung ins 21. Jahrhundert.Die Atmosphäre ist getränkt vom Wien der Jetztzeit. Das Gestern spielt eine Nebenrolle. Bitte schön. Eine Disco Bass Linie im 3/4 Takt? Ein Heurigentisch, der Fragen stellt? Auf jeden Fall Lieder aus Wien & eigener Feder und das Bekenntnis aus der Geschichte zu lernen, sie nicht zu wiederholen. Die Affäre mit dem Wienerlied – zeigen einmal mehr, dass 5/8erl in Ehr’n mit der Tradition sehr wohl liebäugeln, musikalisch und thematisch aber im Jetzt leben.
Es ist nicht möglich, das Quintett - Kontrabass, Gitarre, Akkordeon und zwei Männerstimmen – in eine bestimmte Schublade zu stecken. Am Nächsten kommt wohl noch die Bezeichnung „Wiener Soul“. Da wird g’sudert, g’schimpft, g’litt’n, g’liebt, g’feiert, g’fragt und g’roovt – mit Herz und Seele.

SONNTAG 3.OKTOBER: ab 16uhr

tag der offenen tür.

spaziert durch den turm
schaut den 5/8erl in ehrn beim soundcheck als kiebitze zu
ab 17uhr bläst das

STREETNOISE ORCHESTRA

im treibhausgarten der politik den marsch
wir räumen. müssen platz schaffen.
das machen wir beim

WINTERSCHLUSSVERKAUF der ein FLOHMARKT ist

alles muß raus 
alles was uns an die zwei mißratenen winter in innsbruck erinnert
all unsere liebgewordenen requisiten.
es gibt russische fellmützen zu hauf
pelzmäntel von väterchen frost, 
150 wärmflaschen, hinternisolierungen, heizdecken
sonneschrirme und regendächer
und und und
und  die musi spielt dazu...
kommt vorbei, spaziert durchs haus 
studiert das jubelprogramm und die liste mit all den künstlern, die kommen werden
die allesamt eine geschichte mit dem treibhaus haben.
klopft uns auf die schultern. 
wir brauchen euch

JAZZ ERST RECHT

*

when the music is over, turn off the lights.
last concert 2021 30.12.
und der letzte macht die türe zu.

DIE FESTE FEIERN WIE SIE FALLEN

"das treibhaus ist ein luftkurort. alle veranstaltungen finden an der frischen luft im TreibhausGarten statt.
der turm bleibt so lange geschlossen, bis alle freiheiten wieder da sind! " -  
das ist/war teil unseres covid-hygienekonzeptes, das wir mit all unserer phantasie und witz samt weihrauch und schluckipfung gelebt haben. 
wie cool und herzerwärmend das im letzten winter war können alle bestätigen, die sich an den feuertonnen und der dargebotenen musik erwärmt haben.
am 2. november 2020 hat der virus zugeschlagen und unseren 3.innsbrucker winterspielen ein jähes ende bereitet.
heuer zum jubiläumsprogramm 40 jahre treibhaus etc wollten wir den verlorenen winter wiederbeleben.
aber wir haben die rechnung ohne den bürokratie-virus und den pseudourbanen kleingeisterei bazillen gemacht:
am 3.oktober ist schluß mit lustig, veranstaltungen im treibhausgarten sind untersagt, nachtruhe den ganzen tag wurde verordnet,
und schluß mit lustig.
gegen bürokratie und politische gleichgültigkeit sind wir nicht geimpft.
gegen die verordnete depression helfen uns unsere künstler und unser publikum.
das treibhaus feiert: 
- 45 jahre kulturarbeit im gebirge / 40 jahre treibhaus / 35 jahre theater im turm 
man muß die feste feiern wie sie fallen.
mit biermanns ermutigung, 
du laß dich nicht verhärten...
das wolln sie doch bezwecken, daß wir die waffen strecken ...
all unsere lärm-erregenden komplizen aus nah und fern kommen - um mit uns zu feiern.
und die da oben auszulachen. 
wir ziehen uns dazu mit kind und kegel in den turm zurück. ins herz des treibhauses
in jenen turm, der seit 12.3. 2020! versperrt & einsam ist und eifersüchtig auf den garten.
der turm freut sich auf euch. freut sich auf die alten gäste
die jung geblieben sind 
und auf die neue studentengeneration
die noch keinen hörsaal von innen gesehen
und auch nicht den treibhaus.turm innen drinnen
die noch gar nicht wissen, was für ein wunder dieses achteckige theater ist.
wie wandlungsfähig ... ihr werdet staunen.
der turm macht sich luftig & schmückt sich. spielt garten & paßt auf uns auf.
kommt am sonntag ab 16uhr und spaziert durch den turm, schaut, wie er sich aufgeputzt hat
und garten spielt. 
freut euch auf den turm. fürchtet euch nicht:
überzeugt euch 

Einer für alle – Alle für keinen“ fasst das momentane Weltbild ganz gut zusammen. Denn wie sonst nennt man eine Welt, in der ein Mädchen gegen den Klimawandel kämpft und dafür von erwachsenen Menschen angefeindet wird, deren Klimaziele erreicht sind sobald sie sich einen Furz (bair. Schoaß, politisch korrekt Darmwind) verdrücken. Wie sonst nennt man eine Welt, in der sich jeder wegen der kleinsten Kleinigkeit diskriminiert fühlt. Sei es ein Mann aufgrund von Frauenparkplätzen oder ein Mädchen, das nicht im Knabenchor singen darf. Aber verständlich, Martin wollte früher auch immer Mitglied im Frauenbund werden, dann hat ihm seine Mutter die Krampfader gezeigt und gesagt: „Ohne die geht es nicht!“, dann war die Sache für ihn erledigt.

In seinem dritten Soloprogramm spitzt Martin Frank über die Baumkronen seines Bayerwaldes und sinniert gewohnt frech, hintersinnig und bitterböse über unser teils absurdes Leben auf dieser Erde. Die fahren wir sowieso bald mit voller Geschwindigkeit gegen die Wand, wenn wir uns nicht endlich wieder den wirklich wichtigen Themen widmen und dabei eines nicht vergessen: Die Liebe!
Dabei braucht man weder Kitsch noch schmachtendes Sehnsüchteln oder gar Esofirlefanz zu fürchten. Schließlich stammt Martin Frank aus dem emotional eher zurückhaltenden Niederbayern. Da bleibt auch die Liebe bodenständig. Selbst wenn noch mehr Arien von der Bühne geschmettert werden – er kann halt nicht anders. Aber das wusste die Oma schon: „Ohne Liab, is na koana oid woan!“

Der Traum aus Lecce - sie erfinden süditalienischen Pizzica Musik- und Tanztraditionen für ein globales Publikum neu
Sie sind  vom südlichsten Zipfel des Stiefels & seit 40 Jahren! das traditionelle Musikensemble Italiens schlechthin. Obwohl sie die «New York Times» ganz zurecht als einen «Wirbelsturm » bezeichnet hat, sind die  Canzoniere  ein Fels in der Brandung der aktuellen Weltmusikszene.

2015 feierte die Formation ihr 40jähriges Bestehen; die Leitung ging 2007 mit Mauro Durante bereits in die zweite Generation über. Die sieben Musikerinnen und Musiker distanzieren sich jedoch streng von jeglicher Nostalgie. Und wer sie einmal live erlebt hat, kann bezeugen, dass es sich um das pure Gegenteil einer musealen Erscheinung handelt, auch wenn die Musik, die sie spielen, auf eine jahrhundertelange Tradition zurückgeht. In ihrer Heimat, der Provinz Salento am südlichsten Absatz des italienischen Stiefels, in der es als Relikt aus dem Mittelalter noch einige griechische Sprachinseln gibt, ist die Pizzica beheimatet, ein furioser, immer schneller werdender Tanz. Er soll einem alten Heilungsbrauch entspringen, bei dem die von einer Spinne gebissene («pizzicato») Person derart wild tanzt, dass sie die Gifte aus dem Körper vertreibt. Unbestritten ist, dass die Pizzica bis heute das Publikum in einen wahren Taumel versetzt!

Die Konzertreihe „Echos der Vielfalt – Musik der Welten in Tirol“ versteht sich als Beitrag zur Integration von ethnischen, sprachlichen und kulturellen Minderheiten in Tirol und als offene Plattform für kulturelle Vielfalt. Musik wird als grundlegendes, verbindendes und bereicherndes Element in jeder Kultur verstanden. Sie ist Teil der Identität von Menschen, vermittelt „Heimat“ und wird in vielen Lebenszusammenhängen „gebraucht“.
Die Konzertreihe entstand infolge einer musikalischen Feldforschung zum Thema „Musik der Minderheiten in Tirol“, in den Sommersemestern 2004 und 2005 durchgeführt von der Universität Mozarteum (Dr. Thomas Nußbaumer) und der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien (Dr. Ursula Hemetek / Prof. Dr. Gerlinde Haid). Für die Planung und Organisation verantwortlich sind Dr. Thomas Nußbaumer, Mag.aMagdalena Modler-El Abdaoui (Haus der Begegnung) und Michael Haupt (Initiative Minderheiten)

Filmpräsentation & Live-Konzert im Zeichen der orientalischen Langhalslaute Saz
Die Langhalslaute Saz zählt zu den verbreitetsten Musikinstrumenten zwischen Balkan und Afghanistan.
Eng verbunden mit der kollektiven Erinnerung der Menschen von Bosnien über die Türkei bis in den Iran, werden mit der Saz seit fast 2.000 Jahren zahlreiche Volkslieder und mündliche Geschichtsüberlieferung von Generation zu Generation weitergegeben.
Mit dem Dokumentarfilm im ersten Teil des Abends, SAZ. Die Geheimnisse eines legendären Instruments von Berlin bis nach Khorassan, möchten wir uns an diesem Abend in die Welt begeben, um im anschließenden Konzert die Welt in Tirol zu erleben: Drei in Tirol lebende Musiker werden Musik aus unterschiedlichen Saz- und verwandten Traditionen spielen.
Filmvorführung SAZ. Die Geheimnisse eines legendären Instruments von Berlin bis nach Khorassan (D, 2018), ein Film von Stephan Talneau mit Petra Nachtmanova (ca. 55 min.)

Hünkar Karsak

… stammt aus Adana/Türkei und lebt mit seiner Familie in Jenbach. Er absolvierte ein Musikstudium an der Ege Universtität für Türkische Musik/Fachgebiet Gesang und Bağlama (Saz), auch wirkte er als Chorleiter, Saz-Lehrer und Leiter einer von ihm gegründeten Musikschule in der Gemeinde Aliaga/Izmir und in Istanbul. In Tirol bietet er Saz-Unterricht in türkischen Vereinen an und verfolgt die Vision, den hohen Stellenwert der Bağlama im Sinne der alevitischen Lehre bekannt zu machen. Er will das Instrument besonders Kindern vermitteln. Beruflich ist er in einer Tischlerei beschäftigt, daneben spielte er in Tirol bereits zahlreiche Konzerte, unter anderem auch schon in der Reihe der „Echos“-Konzerte.

Hozan Temburwan

… präsentiert seinem Publikum eindringliche Musik für die anatolische Langhalslaute Bağlama und Gesang. Kurdische Liebeslieder kombiniert er mit jazzigen Einflüssen und markanter Rhythmik. Hozan Temburwan ist Gründungsmitglied mehrerer Worldmusic-Ensembles (in Tirol u.a. Orient Okzident Express und LatinOriente, die schon bei den „Echos“-Konzerten zu hören waren), Solist und Kulturschaffender. Zudem ist er Träger der Ehrenamtsnadel des Landes Tirol sowie Integrationspreisträger der Gemeinde Telfs. Zuletzt absolvierte er ein Bachelor-Musikstudium an der Popakademie Baden-Württemberg in Mannheim (Studiengang „Weltmusik“).

Hassan Ibrahim Berzencî

… ist ein Musiker und Künstler, den es aus Syrien nach Tirol verschlug. Er spielt die Tambur, eine alte orientalische Laute, und ist mit der kurdischen Musik in Syrien aufgewachsen, wo in jedem Haushalt das Instrument an der Wand hängt. Er bezieht seine Melodien aus alter kurdischer Volksmusik, um sie in freier Improvisation zu verändern und weiterzuentwickeln. Hassan Ibrahim Berzencî ist Mitglied der Tiroler Gruppe Radio Diwanistan und spielt gelegentlich auch in anderen Ensembles. Als Bandmusiker trat er bereits mehrmals bei den „Echos“-Konzerten auf, als Solist ist er erstmals zu erleben.

Kroke ist das jiddische Wort für Krakau – jene Stadt Polens, die sich als Metropole osteuropäisch-jüdischer Kultur wiederentdeckt. Die Band wurde 1992 von den drei Absolventen der Krakauer Musikhochschule Jerzy Bawoł (Akkordeon), Tomasz Kukurba (Bratsche) und Tomasz Lato (Kontrabass) gegründet.
KROKE sprengen den Rahmen traditioneller Klezmer-Musik mit einer Leidenschaft und Spielfreude, die sich unmittelbar auf den Hörer überträgt! Ihre musikalische Identität liegt in der jiddischen Folklore-Tradition. Zusätzlich bauen sie Jazz- und Klassik-Elemente ein, ohne jedoch ihre Wurzeln zu verlieren. Ihre Stücke sind Zuhör- und Ereignismusik - wer lauscht, dem werden Geschichten erzählt!
Anfangs spielten Kroke nur in Clubs und Galerien des Krakauer Stadtteils Kazimierz. Während der Dreharbeiten zum Film „Schindler’s Liste“ wurde Steven Spielberg auf die Band aufmerksam und lud Kroke spontan zu einem Konzert nach Israel ein. Inzwischen traten Kroke bei Musikfestspielen in ganz Europa, u. a. neben Ravi Shankar, Bustan Abraham, The Klezmatics, Van Morrison und Giora Feidman, auf.

Mittlerweile haben Kroke 13 Alben herausgebracht und auf namhaften Festivals, wie unter anderen dem "North Sea Jazz Festival" und dem "Womad" gespielt. Aufsehenerregende Kooperationen mit Künstlern wie Nigel Kennedy oder Peter Gabriel und Auszeichnungen wie der „Preis der deutschen Schallplattenkritik“ (2000) verschafften Kroke vor allem in Deutschland und Polen eine enorme Popularität.
"Traveler" ist Krokes 13.Album. Es honoriert die 25-jährige musikalische Reise der Gruppe und die dabei gewonnenen Erfahrungen, die verschiedenen Einflüsse und Veränderungen. Wie immer kann man gespannt sein, welchen Twist Kroke dem Klezmer diesmal verleihen.

Alune Wade : lead-vocal, eclectic-bass (Sénégal)
Leo Genovese ou Leo Montana : pi. & kb (Argentine - Brooklyn)
Renaud Gensane : trompette (Madagascar)
Daniel Blake ou Ricardo Izquierdo : saxophone (Brooklyn)
Reda Samba : drums (Maroc & France)
Adriano Tenoriodd : percussions (Brésil)

Paris ist zum wichtigsten Ort für viele aus Afrika stammenden Musiker geworden. Ich habe mehr Verbindungen mit afrikanischen Musikern in Paris geknüpft als damals Afrika. Egal, aus welchem Staat Afrikas meine Kollegen kommen, hier in der französischen Metropole wird große afrikanische Musik gemacht! So spricht der aus dem Senegal stammende Alune Wade. Er, der sich auf die Traditionen der Griots gerufen kann und dort auch seine musikalischen Wurzeln zu finden sind, ist in einem sehr westlich orientierten musikalischen Umfeld aufgewachsen. War doch sein Vater als Offizier auch Leiter eines symphonischen Orchesters in Dakar. Er ermunterte seinen Sohn schon früh zum Experimentieren. Rock, Jazz, Klassik, alles war einfach da. Sein Spiel am E- Bass machte Alune in der kochenden, brodelnden Fusion & World-Szene von Paris schnell bekannt, hier traf er auch auf seine Mitmusiker, mit denen er auch heute noch intensiv zusammenarbeitet.

Seine Neugierde und Weltoffenheit brachte ihn schnell mit großartigen Musikern auf die Bühnen der Welt, unter anderem mit Marcus Miller, Salif Keita, oder Bobby Mc Ferrin, So verwundert es nicht, dass auch der Großmeister an den Keys und Erfinder der World Music Joe Zawinul auf Alune Wade aufmerksam wurde und ihn in seine Band aufnahm. Neben seinem unverwechselbaren, sehr lebendigen Spiel am E-Bass ist es seine Stimme, welche gleich den westafrikanischen Griots Geschichten zu erzählen weiß, mit viel Gefühl und voller bunter Rhythmen.

Mit "African fast food" geht Alune Wade seinen Weg weiter: Er verbindet Afro-Fusion, afro-kubanische und freie Jazz-Sounds dank einer sehr weltoffenen Besetzung zu einem spannenden, kochenden Mix: Bühne frei für African fast food! ( Und lasst bitte die Klappstühle zu Hause)

Alune Wade wurde am 9. Juni 1978 in Dakar, Senegal geboren. Sein Vater, in Paris als klassischer Msuiekr ausgebildet, leitete das Symphonieorchester der senegalesischen Armee. “In meinem Elternhaus habe ich viel unterschiedliche Musik gehört. Mein Vater, von der Klassik beeinflusst, liebte die Sonaten von Bach. Meine Mutter lies mit anderen Frauen aus der Nachbarschaft im Haus afrikanische Chansons und Soul erklingen. Und meine Schweester hat mich in den Pop eingeführt, amerikanischen und europäischen.” Mit 7 Jahren begann Alune Wade Unterreicht am Klavier und in Musiktheorie, Einige Jahre später wechselte er zum Schlagzeug und nach einem familiären Veto zur Gitarre. Schließlich hat ihn dann der Bass vollkommen gefangen genommen – Bass in jeder Form, E-Bass, Kontrabass. Das Instrument mit den 4 Saiten erscheint ihm als natürliche Verbindung zu Afrika. “Ich bin vollkommen fasziniert vom Bass, ein sehr afrikanisches Instrument mit faszinierenden rythmischen Möglichkeiten. Er repräsentiert das Rückgrad des Orchesters, die wichtige Verbindung zwischen dem Rythmus und den Harmonieinstrumenten.”

“Jazz ist für mich eine Musik die Ursprünge aus verschiedenen Kontinenten vereint. Der Jazz hat seinen Ursprung in den USA aber um seine Geschichte zu illustrieren vergleiche ich ihn gerne mit einem Baum. Die Wurzeln kommen aus Afrika, der Stamm steht auf amerikanischer Erde und die Blätter und Blüten sind in Europe gewachsen.”

Die Musik des Quartetts ist geprägt von der ganz persönlichen Handschrift der beiden Hauptkomponisten der Band: Rupert Kirchmair und Florian Bramböck.
Florian Bramböck  wurde als Komponist zeitgenössischer Musik sowie für seine Kompositionen im Bereich des Jazz mehrfach ausgezeichnet. Auch durch sein Wirken in verschiedenen Formationen wie etwa dem „Vienna Art Orchestra“ oder „Saxofour“ ist er als virtuoser und überaus kreativer Saxofonist bis weit hinaus über die Grenzen Österreichs hinaus bekannt.
​Rupert Kirchmair hat sich durch seine Zusammenarbeit mit Künstlern wie Riccardo Moreno („ Riccardo Moreno Band“) oder Loomis Green („Jan Delay“) einen nicht minder individuellen Zugang zum Jazz erarbeitet.
Komplettiert wird die Besetzung durch eine der begehrtesten Rhythmusgruppen Westösterreichs: Florian Baumgartner (Flo´s Jazz Casino) an den Drums und Johannes Sigl am Bass.​ Percussion: Jonas Zink!

Das Quartett beschäftigt sich neben Eigenkompositionen mit der Adaption von Musik die normalerweise nicht mit Jazz in Verbindung gebracht wird. Die Kompositionen von etwa Gustav Mahler oder Josef Haydn werden dabei natürlich nicht nachgespielt sondern dienen als Ausgangsbasis für eigene Improvisationen. Auch Repertoire aus der neueren Rock- und Popmusik, oder Standards des „Great American Songbook“ macht sich das KIRCHMAIR QUARTETT auf diese Weise zu eigen und verleiht dieser Musik somit gänzlich neue und unerwartete Facetten. Auch rhythmisch geht die Band eigene Wege. Neben den gängigen Vierer- und Dreiertakten wird häufig in ungeraden Taktarten sogenannten „Odd Meters“ musiziert. Heraus kommt eine Band die trotz aller stilistischen Spagate und komplexen rhythmischen Konzepten nie auf gemeinsame Spielfreude vergisst und Musik spontan und intuitiv entstehen lässt.

Rupert Kirchmair

der Bandleader: ​geboren 7.1.78 in Innsbruck 1994- 2000 Musikgymnasium Innsbruck 2000- 2004 Jazzpiano Studium an der Bruckneruni Linz 2004- 2013 freischaffender Musiker und Lehrer in Berlin 2013- 2016 Leitung der Jazzabteilung an der Musikschule Reutte.- Außerfern 2016- 2017 Lehrpraxisdozent für das Konservatorium Feldkirch 2016- 2017 Lehrer für Oberstufen-Theoriekurs für das Musikschulwerk Vorarlberg seit 2016 hauptamtliche Lehrverpflichtung an der Musikschule Bregenz ​ Credits Porgy & Bess, Outreach Music Festival, Eremitage Schwaz, Freiraum Jenbach, Stromboli Hall, Alte Gerberei, Altes Kino Landeck, Treibhaus Innsbruck, B- Flat Berlin, A- Trane Berlin Jazzclub Lindau und vielen anderen Veranstaltungsorten ​ Musiker mit denen ich bereits gearbeitet habe: Florian Bramböck, Matthias und Andreas Pichler, Bachner Robert, Singer Walter, Riccardo Moreno, Bernd Haas, Florian Baumgartner, Oliver Karbus, Stefan Preyer, Johannes Gschlössl, Loomis Green, Peter und Christian Kronreif, Martin Ohrwalder, Charly Fischer, Herbert Walser, Tobias Steingräber, Judith Keller und vielen mehr.

GiNA DUEñAS  

Kubanische Musik, aber nicht nur … Die kubanische Sängerin Gina Dueñas macht die Menschen mit ihrer Stimme und ihre ganz eigene Art glücklich.Gina Duenas ist seit 12 Jahren fixer Bestandteil der Tiroler Musikszene und singt in mehreren Projekten wie „Los Seis del Son“ und „La Banda del Sol“, mit denen sie auch in Deutschland und Italien bekannt ist. Mit Leidenschaft und einer sprühenden Ausstrahlung geht sie an jeden Auftritt heran. Und Metamorphose ist für sie ein wichtiges Stichwort. Alles, was sie singt, wird durch ihre eigene Art Musik zu machen, beeinflusst, verändert. Thema ist alles, was mit Seele, Liebe und Gefühlen zu tun hat..

INN ECHO (Canada)

Die Concertina-Expertin Gormalaith Maynes (aus Drogheda/Irland), Geigerin/Cellistin Tuli Porcher (aus Victoria/British Columbia), Geiger Karson McKeown (Ottawa/Ontario) und Gitarrist Tom Gammons (Bute/Montana) schaffen einen sensationellen Spagat zwischen Irish/Scottish/Canadian/American roots music.

CASSIE & MAGGIE MacDONALD (Canada) 

Die beiden Spitzen-Musikerinnen aus NOVA SCOTIA/Canada kommen aus der musikalischen Tradition der im Zuge der „Highland Clearances” (ca 1790 -1890) von den Engländern an die Ostküste Kanadas deportierten schottischen Einwanderer (Nova Scotia = Neu-Schottland).Mit ihren unvergleichlichen, druckvollen Konzerten haben sie in den letzten Jahren weltweit auf großen Festivals und in renommierten Theatern und Clubs tausende Leute begeistert. Das aktuelle Album „The Willow Collection” erregte in allen Fach-Medien großes Aufsehen und wurde vielfach ausgezeichnet.
Cassie & Maggie wurden 2012 als „Young Performers Of The Year” bei den Canadian Folk Music Awards nominiert, die Sensation war allerdings die Nominierung ihres Debut-Albums „Fresh Heirs” bei den East Coast Music Awards 2012 (der kanadische GRAMMY).

Clemens Maria Schreiner ist Kabarettist, Erzähler, Moderator, Schauspieler: ein Bühnenmensch aus der Steiermark mit großer Leidenschaft, Talent und Witz. Mit perfekt gesetzten Pointen aus genauen Alltagsbeobachtungen, sympathischer Lockerheit, enormer Bühnenpräsenz und großer schauspielerischer Wandelbarkeit überzeugt er Publikum und Presse. 

KRISENFEST

Man muss die Krisen feiern, wie sie fallen. So lautet das Credo des Radikaloptimisten Clemens Maria Schreiner. Gönnen Sie sich also eine kurze Pause von den langen Gesichtern, sehen Sie die Nachteile positiv und die Dinge entspannt. Denn aus Gelassenheit folgt Ausgelassenheit. Wenn das Glas trotzdem noch halb leer erscheint, dann fehlen einfach die Eiswürfel. Aufs Warten müssen Torten folgen. Schreiner stellt also das Freibier kalt, stachelt den Käse-Igel an und lädt sein Publikum zum kathartischen Krisenfest. Er hängt nicht länger schwarzen Gedanken nach, sondern lieber bunte Girlanden auf. Positiv gepolt und harmonisch gestimmt, findet er mehr Lösungen als Probleme und nirgends ein Haar in der Suppe. Statt Trübsal bläst er zum Angriff – aber heute fliegen nicht die Fetzen, sondern nur das Konfetti. Also: hereinspaziert! Schuhe gerne anbehalten und Mitbringsel da drüben zu den anderen, bitte. Lassen wir gemeinsam die Krise hinter uns – und freuen uns auf die nächste.
Es ist bei weitem nicht alles gut – aber beizeiten wird alles besser.

REGIE: LEO LUKAS

Vier Gestalten sitzen auf einer Bank, stieren ins Leere und blasen recht ausgefallene Mundharmonikas. Das Quartett Sväng – bestehend aus Eero Turkka, Eero Grundström, Jouko Kyhälä und Pasi Leini – hat es auf diesen für Finnland zwar typischen, nicht jedoch häufig genutzten Instrumenten zu solcher Meisterschaft gebracht, dass man ihren Polkas und Tangos nur ebenso gebannt wie verzückt lauschen kann. Obwohl die meist traditionellen Motive tief in der finnischen Kultur verwurzelt liegen, drängeln sich doch auch beständig slawischer Frohsinn, schwedischer Hambo, Ragtime und – freilich auch das – amerikanischer Blues nach vorne.
Dieses Debüt macht Lust auf mehr und lässt vermuten, dass live bei Sväng die Post abgeht. Denn der vierkehlige Chor aus tiefer Bass-, Akkord- und zwei Sopran-Mundharmonikas (diatonische ebenso wie chromatische Modelle) swingt zauberhaft und spieltechnisch höchst kompetent: ein Hör-Erlebnis der besonderen Art

SVÄNG fand sich 2003 am Folkdepartment der Sibelius-Akademie. Was als 30-minütige praktische Abschlussarbeit gedacht war, bereitete den Bandmitgliedern Spaß und bald schon war der Entschluss gefasst, dem verkannten Instrument der Mundharmonika zu mehr Ansehen zu verhelfen! Bereits die erste CD, einfach SVÄNG betitelt, erlangte internationale Beachtung, im Jahr 2007 spielte die Band einen offiziellen showcase auf der womex in Sevilla.  In den darauffolgenden Jahren haben die vier charmanten Finnen neue Standards für das Ensemblespiel auf der Mundharmonika gesetzt – und das sowohl im Hinblick auf Repertoire als auch Spieltechnik. Mit einem ebenso anspruchsvollen, wie unterhaltsamen Programm aus Eigenkompositionen überzeugen die Mundharmonika-Visionäre mittlerweile Publikum und Fachwelt rund um den Globus von den unbegrenzten Möglichkeiten dieses kleinen Instruments und sind ein gern gesehener Gast auf Festivals, in Konzerthäusern und Kleinkunstbühnen, im November 2016 tourte Sväng erstmals durch 14 Konzert- und Opernhäuser in China. 

Im Juli 2018 erschien ihre neue, bereits achte CD: "Sväng plays Tango", die sich ausschließlich dem finnischen Tango widmet. Die Bandmitglieder haben eine subjektive Auswahl der in Finnland sehr populären Tangos des 20.Jahrhunderts getroffen, diese ihrer Texte entkleidet und liebevoll neu arrangiert. Nur mit ihren Mundharmonikas vermitteln Sväng die Atmosphäre eines samstäglichen "Lavantassi" (Tanz auf dem Bretterboden) in einem finnischen Tanzsaal. Ergänzt wird das Album durch Tango-Neukompositionen der Bandmitglieder im traditionellen Stil. 
Vom britischen Songlines-Magazin mit dem Attribut des „Mundharmonika-Pendants zum Kronos-Quartet“ geadelt, spielen SVÄNG zeitgenössische Mundharmonikamusik, die derzeit wohl kein zweites Mal in dieser Kompaktheit und Virtuosität zu finden ist. Drei der Bandmitglieder entstammen der renommierten Sibelius Akademie und verkörpern dennoch das hundertprozentige Gegenteil von Akademismus. Und mit Pasi Leino haben SVÄNG einen Vertreter der berühmten finnischen Mundharmonika-Orchester-Tradition in ihren Reihen. Jouko Kyhälä beschreibt die Musik des fulminanten Quartetts folgendermaßen: „Unser Background liegt in der Geschichte. Finnland liegt zwischen Ost und West. Sowohl die melancholischen Russen als auch die fröhlichen Schweden beherrschten phasenweise das Land. Also gibt es beide Seiten in der finnischen Mentalität und auch Musik. In uns ist eine tiefe Liebe zum Moll, zur Schwermut. Aber in uns ist auch viel Lebensfreude.“SVÄNG tourten neben zahlreichen Konzerten in Finnland intensiv durch Frankreich, Großbritannien, Deutschland, Japan, Österreich, Italien und viele weitere Länder. In Jools Holland´s legendärer Silvestershow auf BBC 2 begeisterten Sväng am 31.12.2008 ein Millionenpublikum vor den Bildschirmen.

Ibiza-Affäre. BVT-Skandal. Postenschacher. Mitglieder der Parteispitze, die als Beschuldigte geführt werden. Die türkise „Familie“ ist in eine lange Liste an Skandalen involviert. Doch es sind keine isolierten Geschehnisse, sondern Symptome eines Projekts, das seit Jahren im Hintergrund läuft: der schleichende Umbau der Republik Österreich nach Orbánschem Vorbild.
Peter Pilz blickt hinter die Kulissen von Sebastian Kurzˊ Zirkel der Macht und zeichnet ein besorgniserregendes Bild einer politischen Elite, die es sich zum Ziel gemacht hat, von den Medien bis zur Justiz alle „auf Linie“ zu bringen – und dabei Grundpfeiler von Rechtsstaat und Demokratie beschädigt.
„Von Immobilieninvestoren und Zeitungsverlegern bis zu Großbanken und ÖVP Landesparteien erwarten alle von Kurz dasselbe: Erfolg. Je größer die Macht ist, desto größer wird auch die Unterstützung. Schwarze Landeshauptleute schwenken ihre türkise Fahnen nur, um den eigenen Vorteil aus dem Regime „Kurz“ zu feiern. Sie beobachten mit Sorge, wie aus dem Durchmarsch der Jahre 2016 bis 2020 ein Wettlauf mit der Zeit geworden ist.“

Der Ex-Grüne, Gründer der Liste Jetzt und nunmehrige Chef des Online-Mediums Zack.Zack formuliert gewohnt spitz und kurzweilig, sein Stil ist und bleibt aber nicht jedermanns Sache.
Ein breites und uneingeschränktes Interesse verdient aber, was Peter Pilz über das Innenleben des Sicherheits- und Justiz-Apparats zu Papier bringt. Hochspannend und brisant malt Pilz minutiös das Bild eines Zusammenspiels zwischen der Hochbürokratie von Polizei und Justiz, das alles im Sinn hat, nur nicht die Aufklärung von politischen Missständen.
Josef Votzi, Trend

Das Buch ist trotzdem lesenswert und auch wichtig, weil Pilz sowohl ein guter Analytiker ist als auch die bisherigen Aufdeckungsergebnisse diverser Herkunft gut aufbereitet sind. 
Hans Rauscher, Der Standard 

Pilz, der heute die Online-Plattform „ZackZack“ betreibt, arbeitet sich in seinem Buch am „Regime Kurz“ ab. Detailreich und gespickt mit zahlreichen internen Informationen wird dessen Übernahme der ÖVP, die Planung von Wahlen, das Generieren von Parteispenden und das Einsetzen von Vertrauten in Ämtern nachgezeichnet. Dabei spart er nicht mit Polemik und scharfen Angriffen auf den Kanzler.
Christina Traar, Kleine Zeitung

RON CARTER

Ron Carter zu erleben und sein ausdrucksstarkes, von einem dezenten grauen Backenbart gerahmtes Gesicht zu beobachten, wenn er den Bass spielt, seine Hände und sein Fingerspiel zu betrachten: ist nicht nur musikalisch ein Ereignis. Häufig hat der 80-Jährige die Augen geschlossen, die Lippen sind halb geöffnet, so als halte er dauernde Zwiesprache mit dem Instrument. Sein Gesichtsausdruck offenbart höchste Konzentration, ja, Versenkung. Wenn er auf dem Griffbrett einen Ton, einen Akkord greift, dann scheint es so, als erforsche und liebkose er behutsam die Saiten, bevor er dem Instrument feine, fast schwebende Bassläufe entlockt. Ron Carter, der große Bassist des legendären Miles Davis Quintets, der als "Gentleman des Jazz" apostrophierte Musiker kommt  am 20.9. 2021 noch einmal ins  Treibhaus - er hat es sich gewünscht!

Ron Carter,  geboren  am 4. Mai 1937  ist eine der letzten lebenden Legenden des Jazz
Man stelle sich vor, es gäbe keinen Ron Carter. Dann gäbe es so viel weniger Kunst auf dieser Welt -  bekannte Stanley Clarke. Der „Fuchs“, wie ihn Nat Adderley genannt hat, ist ein Solist von hohen Graden und wird als Sideman zum ruhenden Pol jedweder Besetzung. Ron Carter: „Der Bassist als Stütze der Gruppe ist verantwortlich für Time, Rhythmus, Harmonik und Linien.“ Seine riskaten Drops sind unnachahmliche Äußerungen rhythmischer Souveränität und seine abgeschliffenen, auf den Kern reduzierten und doch nicht abstrakten Basslinien, wie er sie Mitte der 1960er Jahre bei Miles Davis erstmals einem breiteren Publikum vorgestellt hat, stecken voller melodischer Abenteuer.

Als Ron Carter acht Jahre alt ist, lernt er Cello und profiliert sich als künftiger Orchestermusiker, wählt dann aber den Jazz, konzentriert sich dabei jedoch auf akustische Instrumente, darunter auch auf den Piccolo Bass, der in seinem feineren Klang einem Cello ähnelt. Erste Erfahrungen sammelt Carter mit Jazz-Größen wie Chico Hamilton, Eric Dolphy, Thelonious Monk and Cannonball Adderley. International bekannt wird er, das Ausnahmetalent aus Michigan, 1961 mit "Out of the cool" von Gil Evans, vor allem aber in den Jahren von 1963 bis 1968 als Bassist im Quintett von Miles Davis. Gespielt hat Carter im Laufe der Jahre mit allen Berühmtheiten des Jazz - Antônio Carlos Jobim, Quincy Jones, Stan Getz, Herbie Hancock, Billy Cobham. In seiner Zeit mit Miles Davis entstehen Alben wie "Seven Steps to Heaven", "My Funny Valentine" und andere Aufnahmen auch mit eigenen Kompositionen. Als Bandleader spielt Ron Carter mehr als 50 eigene Alben ein. Titel wie "Orfeu" sowie "Jazz and Bossa" zeigen, dass er sich mit Leidenschaft auch der lateinamerikanischen Musik widmet. Auf der vor 35 Jahren erschienenen LP "First Take" gibt er der wunderbaren Jazzsängerin Roberta Flack ein einzigartiges Fundament aus filigranen Rhythmusfiguren.  

Der 84 jährige hat jazzgeschichte geschrieben. sein einzigartiges spiel ist auf rund 3.000 alben zu hören, etwa 50 davon nahm er als leader auf - er ist quasi der meist aufgenommene bassist in der geschichte des jazz. 
Being Ron Carter – das heißt, die „Jazz-Neuzeit entschieden mitgeprägt zu haben. Die Funktion des Basses, vom reinen Akkompagnement zum rhythmischen, harmonischen Gestalter, reformiert zu haben. Die Emanzipation zum ensemblerelevanten Soloinstrument voran gebracht zu haben. Jene seinerzeitigen Avantgarde-Entwicklungen gehören heute zum jazzidiomatischen Fundus und Carter ist eine der, trotz seines fortgeschrittenen Alters, noch aktiven Größen des musikalischen Jahrhundertphänomens Jazz, die die jetzt als „klassizistisch“ geltende Lesart aus der Schnittmenge zeitgenössischer Bebop-Facon und einer relativ freizügigen Modalkonzept, auf höchstem Niveau zelebriert und ohne Firlefanz, rein einem echten künstlerischen Beweggrund zugetan, sogenanntem Jazz-Mainstream, ein Begriff der im Fall von Carters Haltung zu kurz greift, auf nicht zu hinterfragende Weise im Hier & Jetzt positioniert.

Seit den goldenen 20ern sind bald 100 Jahre vergangen. Mode, die geprägt war von endlosen Zigarettenspitzen, dunklen Lippenstiften, Perlenketten, Hosenträgern, Zylindern, glitzernden Flapper-Dresses oder den unvergleichlich wilden „Gatsby-Festen”. Genau auf diese Zeitreise nimmt Flo’s Jazz Casino sein Publikum mit und entführt es in die Clubs und Casinos. Zurück in eine Zeit der 20er, 30er, 40er und 50er Jahre als eine euphorisierte junge Generation in den Speakeasys, Ballrooms und Jazz Clubs der Prohibition trotzte und der elektrisierende Swing Beat die von Rauch- und Leidenschaft geschwängerte Atmosphäre zum Kochen brachte.

Eine Hommage an den amerikanischen Jazz des frühen 20. Jahrhunderts, der so grandiose Sänger und Entertainer wie Frank Sinatra, Louis Armstrong, Tony Bennett, Dean Martin, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Nat King Cole oder Sammy Davis Jr. hervorbrachte. Flo’s Jazz Casino greift gemeinsam mit Größen der heimischen Jazzszene und dem brillanten Sänger und Trompeter Jack Marsina diesen speziellen Zeitgeist wieder auf, stauben den Sound aber nicht bloß ab, sondern ihr Plan ist, den Staub zu vergolden. Schade ist nur, dass man über die Welt von Flo’s Jazz Casino keinen Sepia-Filter legen kann, denn dann würden diese vier, wie Mafiabosse aussehenden Herren, noch eleganter rüberkommen.

FLO'S JAZZCASINO - LINE UP::

crooner jack marsina  - gesang & trompete
Rob soelkner piano
flo hupfauf kontrabass
leader & drummer:  flo baumgartner.

DIE GÄSTE:

Peter Tuscher (Trompete und Flügelhorn)
Florian Bramböck (Saxophon)
Mathias Legner (Vibraphon)

&

Kimberly Rydell (Gesang)

Seit den goldenen 20ern sind bald 100 Jahre vergangen. Mode, die geprägt war von endlosen Zigarettenspitzen, dunklen Lippenstiften, Perlenketten, Hosenträgern, Zylindern, glitzernden Flapper-Dresses oder den unvergleichlich wilden „Gatsby-Festen”. Genau auf diese Zeitreise nimmt Flo’s Jazz Casino sein Publikum mit und entführt es in die Clubs und Casinos. Zurück in eine Zeit der 20er, 30er, 40er und 50er Jahre als eine euphorisierte junge Generation in den Speakeasys, Ballrooms und Jazz Clubs der Prohibition trotzte und der elektrisierende Swing Beat die von Rauch- und Leidenschaft geschwängerte Atmosphäre zum Kochen brachte.

Eine Hommage an den amerikanischen Jazz des frühen 20. Jahrhunderts, der so grandiose Sänger und Entertainer wie Frank Sinatra, Louis Armstrong, Tony Bennett, Dean Martin, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Nat King Cole oder Sammy Davis Jr. hervorbrachte. Flo’s Jazz Casino greift gemeinsam mit Größen der heimischen Jazzszene und dem brillanten Sänger und Trompeter Jack Marsina diesen speziellen Zeitgeist wieder auf, stauben den Sound aber nicht bloß ab, sondern ihr Plan ist, den Staub zu vergolden. Schade ist nur, dass man über die Welt von Flo’s Jazz Casino keinen Sepia-Filter legen kann, denn dann würden diese vier, wie Mafiabosse aussehenden Herren, noch eleganter rüberkommen.

FLO'S JAZZCASINO - LINE UP::

crooner jack marsina  - gesang & trompete
Rob soelkner piano
flo hupfauf kontrabass
leader & drummer:  flo baumgartner.

DIE GÄSTE:

Peter Tuscher (Trompete und Flügelhorn)
Florian Bramböck (Saxophon)
Mathias Legner (Vibraphon)

&

Kimberly Rydell (Gesang)