Yasmin Hafedh alias Yasmo zählt wohl zu den bedeutendsten und stimmgewaltigsten Texterinnen hierzulande. Gemeinsam mit ihrer Klangkantine sollte man sie mal auf der Bühne erlebt haben. Ihre Musik bildet eine perfekte Symbiose aus Hip Hop und Jazz, und hinterfragt textlich gleichermaßen clever wie kritisch das Leben und die Entwicklungen unserer Gesellschaft.Die Liebe zum Texten brachte Yasmo, alias Yasmin Hafedh, schon als Teenagerin zum Poetry Slam – zu dessen Leitfiguren sie hierzulande zählt. Die Liebe zum Hip Hop brachte sie ebenso früh zum Rap. Seit gut zwei Jahren umgibt sie sich dazu mit einer neunköpfigen Jazzband und verbindet das alles zu „Yasmo & die Klangkantine“. Sollte man einmal live erlebt haben - oder besser mehrmals.

Yasmin  Hafedh  treibt  sich  seit  Jugendtagen  auf  Bühnen  herum  und  hat  sich  als  YASMO  den  Ruf  als  eine  der  vielschichtigsten  und  interessantesten  female  MCs  des  deutschen  Sprachraums  erarbeitet.  
Die  Liebe  zum  Texten  brachte  sie  schon  als  Teenagerin  zum  Poetry  Slam  –  zu  dessen  Leitfiguren  sie  hierzulande  zählt.  Seit  gut  vier  Jahren  umgibt  sie  sich  dazu  mit  einer  neunköpfigen  Jazzband  und  verbindet  das  alles  zu  Yasmo  &  die  Klangkantine.  Das  selbstbetitelte  Debüt  brachte  der  Band  nicht  nur  österreichweit  mediale  Aufmerksamkeit  und  unzählige  Live-  Auftritte,  sondern  auch  eine  Nominierung  für  den  österreichischen  Musikpreis  „Amadeus“  sowie  einen  umjubelten  Auftritt  bei  ebendiesem.
Yasmo  nimmt  sich  kein  Blatt  vor  den  Mund  und  bringt  auch  die  schwierigsten  –und  oft  notwendigsten  –  Themen  mit  Verve  aufs  Tapet:  Migration,  Feminismus  und  Politik;  aber  auch  die  Licht-  und  Schattenseiten  der  Digitalisierung  und  unser  schleichender  Weg  in  eine  Ich-Gesellschaft.    

Yasmin Hafedh: rap
Ralph Mothwurf: guitar, musical director
Benjamin Daxbacher: alto saxophone, flute
Andreas Lindenbauer: tenor saxophone, bass clarinet
Markus Pechmann: trumpet
Georg Schrattenholzer: trombone
Anna Maurer: piani, keyboards
Tobias Vedovelli: bass
Reinhard Hörschläger: drums

Nie  predigend,  aber  mit  großem  Selbstverständnis;  nie  polemisch,  aber  immer  mit  einer  Portion  Ironie  ausgestattet,  ist  Oberflächlichkeit  hier  fehl  am  Platz.  Mit  Mach,  mach,  mach  veröffentlichen  Yasmo  &  die  Klangkantine  eine  Empowerment  Hymne  und  ersten  Vorboten  zum  2019  erscheinenden  zweiten  Album  der  Band.  Yasmo  ist  kein  Lifestyleplakat,  folgt  keinem  Hype,  sondern  macht  und  rappt  seit  jeher  was  sie  will

VOM LEBM IN DIE BERG

Abseits ausgetrampelter kommerzieller Musikpfade wandelt die Hopfgartner "Rebel Musig"-Crew mit ihrem Mix aus Reggae, Hiphop, Ska und Funk. "Rebel Musig" liegt am Puls der Zeit - und mit seinen hintergründigen Dialekt-Rap-Texten trifft Lead-Sänger "John Dere" ins Herz einer jungen Generation, die mit dem vorgegebenen System nicht mehr zu Recht kommt. "De waxest sound around" bezeichnet Rebel Musig ihren eigenwilligen Sound-Mix. Mit dem selbst produzierten Album "Radio Freie Mittelstation" bietet Rebel Musig etwas vom Besten, das Tirols Independent-Musikszene derzeit zu bieten hat!

Mit bewährtem Mix aus Reggae, Dancehall und Hiphop abseits kommerzieller Pfade hält sich die Rebel Musig Crew als konstante musikalische Widerstands-Combo auf den Bühnen – ob indoor oder open-air bei Festivals. Und sensationell am Puls der Zeit bleibt Texter, Mastermind und MC „John Dizzy“ alias Johannes Daxer am Mic. Das Leben schreibt seine Texte, natürlich im Dialekt – und so bleiben beim „Liftinga aus Hopfgoscht“ Themen wie Toursimus, Stau und die Frage, wohin Küchenpersonal und Skilehrer nach der Saison verschwinden, präsent in der Wortlawine, die da von der Bühne rollt. „I bin gegn 87 % vu fost oim – oba sust is ois easy!“ – und so geht dem kompromisslosen „Berglöwen“ der Stoff auch nie aus, um seine Gesellschaftskritik, gern verpackt mit sarkastischem Humor, mit Wortsalven aufs Publikum loszulassen und damit offenbar Vielen aus der Seele zu sprechen

„Jetzt spielt‘s Granada“ –Charmater Neo-Austropop aus Graz

Frischer Wind aus Graz
Granada, die österreichische Neo-Austropop-Band aus Graz. Vielleicht ist es die fast schon mediterrane Leichtigkeit der Steiermark, die den unverwechselbar ehrlichen Charme der fünfköpfigen Formation prägt. Neben Akkordeonisten Alexander Xidi Christoph sind Granada Gitarrist Luskacz Custos, Thomas Petritsch, Sänger, Multiinstrumentalist und Tausendsassa (Effi), Jürgen Schmidt am Bass und Roland Hanslmeier am Schlagzeug. Es scheint als habe Thomas Petritsch, Gründer von Granada in dieser Konstellation nicht nur sprachlich seine Wurzeln gefunden. Thomas Petritsch dazu gegenüber der Wiener Zeitung: „Von Anfang an war mir klar, dass ein Akkordeon dabei sein muss. Einerseits als urwienerisches Instrument, andererseits ist es ja auch in der steirischen Musik sehr wichtig.

Doch was macht den Erfolg Granada genau aus? Die fünf Musiker vereinen good old Indie à la The Strokes, Vampire Weekend und The Hives mit catchy Gesang und Akkordeon und granteln auf Mundart dabei mit einer guten Dosis Humor. Live holt einen die Band dermaßen ab,  dass man spätestens nach dem zweiten Song laut mitsingt, ohne sich dabei blöd vorzukommen. Nach einem besuchten Konzert schrieben die Nürnberger Nachrichten treffend: „Die Band ist selbstbewusst, aber nicht abgehoben, verschwitzt, aber nicht prollig, intelligent, aber nicht kunstbeflissen, und auf alle Fälle sehr weit weg von Wien.“ Das ist ok, Granada kommen schließlich auch aus Graz.

Der freundschaftliche Spannungsbogen der beiden großen Österreichischen Städte findet sich auch textlich immer wieder. So werden neben klassische Wiener Themen wie das Kretzel „Ottakring“ genauso gefeiert wie „Liebe Grüße aus Graz“ im Stück „Berlin“. Dass österreichisch sein, positives Augenzwinkern Bedeutet spürt man in „Eh Ok“ oder „Palmen am Balkon“. „Man kann österreichischeMusik nicht auf wenige Elemente reduzieren. Wir leben in einem Vielvölkerstaat, einem bunten Schmelztiegel vieler Kulturen, und darauf sind wir stolz“, Lukacz Custos, Gitarrist. Spielerisch schaffen es Granada Einflüsse aus dem Balkan („Ka Faia“) gekonnt neben der rotzigen Attitüde des Wienerliedes („Verwoiten“) zu servieren während man sich im nächsten Augenblick in einer sechstausend einwohnerstarken „Metropole“ am südsteirischen Land („Prada“) wiederfindet. „Einfach und leicht wirkt etwas erst, wenn’s gut gemacht ist“ so Roland Hanslmeier, der Jazzvirtuose am Schlagzeug.

Ausblick aufs neue Album
2020 arbeiteten sie an ihrem dritten Album und nutzten die pandemische Zwangsunterbrechung als unerwartete Einladung sich vertieft mit Produktion, Instrumentalisierung und Texten zu befassen. Bassist Jürgen über die Zeit im Tonstudio: „Wir haben uns den Sommer über gemeinsam eingesperrt-hatten so die Chance uns zusammen noch einmal neu zu erfinden-eine intensive Erfahrung

Die Lust am Tanz der Stöcke über gespannten Fellen und konvexen Metallscheiben wurde früh (mit 13!) geweckt.  Parallel lernte Wolfgang Haffner daneben noch immer Klavier, aber das Schlagzeug spielte eine immer größere Rolle. 1976 zog die Familie nach Rummelsberg bei Nürnberg. Haffner, der auch Unterricht bei dem ebenfalls international bekannten, in Ansbach lebenden Schlagzeuger Evert Fraterman nahm, wurde in der Szene herumgereicht. "Wie Flüsterpost war das", sagt er, "das ging ganz schnell." In sechs, sieben Bands habe er gleichzeitig gespielt, irgendwann ging es dann auch einmal nach München und nach Berlin. Und vor allem, es kam der Anruf von Albert Mangelsdorff. „Als ich siebzehn war, rief Mangelsdorff bei meinen Eltern an, ich konnte es gar nicht glauben.“

Zwanzig Jahre lang spielte Wolfgang Haffner mit Mangelsdorff. Und dieser musikalische Mentor prägte ihn auch menschlich. Ganz früh sagte Mangelsdorff dem gerade am Beginn seines Höhenflugs stehenden Wolfgang Haffner in einem ruhigen Moment in der leisen und freundlichen Art, die viele von dem Posaunisten kannten: "Glaub nicht, dass Du was Besseres bist als der Handwerker nebenan." Das war eine Maxime, die ursprünglich von Mangelsdorffs Vater stammte - und Wolfgang Haffner sagt: "Das habe ich nie vergessen. Das hat mich immens auf dem Boden gehalten."

VOM TRIO BIS ZUR BIGBAND

Bald kam er in die Bigband von Peter Herbolzheimer, mit 28 für zwei Jahre in die Band der großen Sängerin Chaka Khan. Elf Jahre spielte er bei Klaus Doldingers Passport. Vier Jahre bei Konstantin Wecker. Fanta 4 und Xavier Naidoo nennt er selber auch noch - und wenn man bei Musikern herumfragt, dann hört man Antworten wie: "Er ist einer der einfühlsamsten, aber auch kraftvollsten Trommler seines Genres. Er ist in der Lage, sich in unterschiedlichste Stimmungen stilübergreifend hineinzuversetzen." Das sagt Klaus Doldinger über Wolfgang Haffner. Aber der Schlagzeuger spielt nicht nur mit anderen, er ist auch selbst als Bandleader unterschiedlicher Formationen erfolgreich, vom Trio bis zur Bigband, von pulsierenden Electro-Sounds bis hin zu zartem Kammerjazz. Bei einer Ausgabe des Nürnberger Festivals Jazz Ost-West erfüllte er sich seinen Traum, eine Formation mit Trompeter Randy Brecker als Stargast zu präsentieren. Über zehn CDs hat er unter eigenem Namen veröffentlicht und seine aktuelle CD "Kind of Cool" erhielt den German Jazz GOLD Award...

in ganz verschiedenen Genres verwurzelt – Manuela Diem in Jazz, Soul, Gospel und Marie-Theres Stickler in traditioneller, alpiner Musik und Wienerlied. Beide   in unterschiedlichsten Ensembles und kennen und lieben gelernt als „foische Wienerinnen“, treten die Damen nun im Duo auf. „Wie kann weniger mehr sein? – Mehr ist doch mehr!?“ Diese Frage stellt sich trotz oder gerade wegen der minimalistischen Besetzung und der filigranen Arrangements erst gar nicht. 
Ganz natürlich macht DIEM mit nämlich der STICKLER genau die Musik, die beiden am Herzen liegt. Ein Höhenflug mit Basis Wienerlied und Jodler Richtung Jazz und Weltmusik ist gewiss.

MANUELA DIEM Stimme, Percussion
MARIE-THERES STICKER Diatonische Harmonika, Schrammelharmonika, Stimme

1988 geboren und aufgewachsen im niederösterreichischen Schneebergebiet, begann Marie-Theres Stickler im Alter von sechs Jahren autodidaktisch das Harmonikaspiel. Es folgten Jahre mit vielen Musikveranstaltungen und Harmonikatreffen – die ersten Lehrmeister sind im „Wirtshaus“ anzutreffen. 2006-2013 studierte sie Instrumentalpädagogik „Volksmusikinstrumente“, Hauptfach Diatonische Harmonika am Mozarteum Salzburg, fast zeitgleich kommt der Einstieg ins Ensemble „Die Tanzgeiger“ in Wien. Seit einigen Jahren beschäftigt sich Marie mit Akkordeons vieler Art: Diatonisch – die Steirische Harmonika, chromatisch – die Wiener Schrammelharmonika oder auch eine Mischung aus beiden – die Chemnitzer Konzertina, der Vorläufer des Bandoneon

Mit unverkennbarem Gitarrenstil beschreitet Keziah Jones seit den 90ern einen eigenen musikalischen Weg. Bis heute entwickelt er seinen Blufunk stetig weiter. Als Superheld Captain Rugged beschallte er zuletzt nicht nur die Straßen seiner nigerianischen Heimatstadt Lagos, sondern die ganze Welt. Doch dieses Alter Ego ist nur eine von den vielen Seiten des Unikums Keziah Jones. Als Straßenmusiker in Londoner U-Bahnschächten entwickelte er, beeinflusst von unter anderem Fela Kuti, Jimi Hendrix und Miles Davis, einst seinen ureigenen Stil: Blues, Funk, Rock, Reggae und Yoruba-Rhythmen mixte er zu dem, was er selbst Blufunk nennt. Zum Poolbar Festival reist Jones in kleiner Besetzung an.

Captain Rugged aus Nigeria – befreit als Superheld Afrika mit nigerianischen Yoruba-Rhythmen & seinem charakteristischen Blufunk.
Afrika bekommt einen neuen Superhelden: Fünf Jahre nach „Nigerian Wood“ ist der begnadete Sänger und Gitarrist Keziah Jones als „Captain Rugged“ zurückgekehrt – ein politisches und persönliches Projekt, für das sich der Sohn des Yoruba-Häuptlings in einen afrikanischen Superhelden verwandelt, der sein ureigenes, sozial streitbares Alterego verkörpert. Geboren zwischen den Ghettos und Wolkenkratzern der hektischen Hauptstadt Lagos, fliegt er in seinem Cape über die Stadt und lässt sie mit seinen wütenden Beats erzittern: „Here I come, an Afro Superhero, Captain Rugged”, dazu gibt es den charakteristischen Blufunk, gekreuzt mit traditionellen nigerianischen Yoruba-Rhythmen und durchzogen von einer psychedelischen Dimension, die Keziah Jones zusammenfasst als „George Clinton, der sich mit Fela Kuti einen Joint teilt.“Keziah Jones ist der Repräsentant eines modernen Afrika und seiner urbanen Bewegungen. Der Afro-New-Wave auf dem Album „Captain Rugged“ ist Ausdruck seiner Rebellion: Nigerianisch, afropolitisch, universell.

Keziah Olufemi Sanyaolu ist der Sohn eines nigerianischen Häuptlings vom Stamm der Yoruba. Gleichzeitig ein erfolgreicher Industrieller, möchte der Vater den Kleinen Filius schon früh darauf trimmen, in die Fußstapfen seines Erzeugers zu treten. Will heißen, im Alter von acht Jahren wird er ins weit entfernte London geschickt, um eine anständige Schulausbildung zu erhalten.
Zur Schule ging klein Keziah zwar, aber seine Interessen schweifen ab. Erst bringt er sich selbst das Klavierspielen bei, wechselt dann mit 16 an die Gitarre. Die Schule ist im immer meh schnuppe. Zwar mnogelt er sich noch durvch die Prüfungen, aber anstatt das Erbe der Familie fortzuführen, begibt sich Keziah auf die Flucht. Keziahs Credo lautet damals: "I had to find a way out of all that bullshit, and music was it!" Von diesem Zeitpunkt an gibt Jones in der Londoner U-Bahn seine Lieder zum Besten und geht dabei den Verwandten und der Polizei aus dem Weg.

Die Ochsentour durch englische Clubs formt Jones' ureigenes musikalisches Profil. Charakteristisch für seinen Sound ist das druckvolle, geslappte Gitarrenspiel und eine Begleitband, die eine fast schon erschreckende Intensität verbreitet. Der Jones'sche Stilmix liegt irgendwo zwischen knackigem Funk, rauhem Blues und einer Prise traditioneller afrikanischer Musik. Dabei gelingt ihm das, was viele Künstler immer vergeblich versuchen: Keziah Jones klingt immer wieder neu.

Ihre Musik vereint Einflüsse aus RnB, Jazz, Hip-Hop, Pop und Elemente aus orientalischer Musik, das Duo will sich musikalisch aber in keiner Hinsicht limitieren lassen.
Beats im unteren Tempobereich, atmosphärische Sounds, die aus dem Laptop oder der E-Gitarre kommen. Oben drüber: sanfte Vocals mit einer eindringlichen Message. Das Erfolgsrezept von Aze hat uns längst überzeugt. Mit »Laundry Room« – Song und Video – lotet das Duo nun die Gleichzeitigkeit von Unsicherheit und Selbstvertrauen aus.(THE GAP)

Getrennt sind sie Beyza und Ezgi und zusammen ergeben sie Aze. Sie sind gemeinsam aufgewachsen und machen seit über 10 Jahren miteinander Musik. Und man sagt ja, je mehr Zeit man miteinander verbringt, desto mehr färbt man aneinander ab. Also formten sich über die Jahre parallel komplett unterschiedliche Persönlichkeiten, die im Kern aber trotzdem nahezu gleich sind - mit der goldenen Mitte in der Musik. Aze entsteht in der nahtlosen Kollaboration zwischen zwei Künstlerinnen, die jede für sich, mit ihren eigenen Vorlieben und Erfahrungen, das Duo möglich macht.

Somit spricht Aze viel mehr als nur ein einziges Genre an. Es spiegeln sich die Vorliebe der Bandmitgliederinnen zu vor allem RnB, Jazz, Hip-Hop, Pop und Elemente aus orientalischer Musik auch in ihren Songs wieder. Aus diesem Grund wollen sich die Beiden in keiner Hinsicht limitieren, da in jedem Genre, jedem Instrument und jeder Sprache eine neue Möglichkeit steckt, Klang und Gefühl zu erzeugen. Die Musik bietet „Raum“, zu fühlen, auszusprechen und zu verarbeiten. Oft geht es um die hoffnungslose Liebe und das zeitweise komplexe Gefühl selbstbestimmt zu handeln, mal um die Schwierigkeiten mit türkisch/kurdischem Migrationshintergrund der zweiten Generation aufzuwachsen, oder auch einfach um Konflikt- oder Glücksmomente im Leben.

Also nach einem Jahr musikalischer Selbstfindung und harter Arbeit präsentiert das Duo Aze nun ihre erste EP – Dead Heat. Darauf sind fünf Songs zu hören. Die Texte dazu wurden von Ezgi verfasst, während Beyza für die Musik und Produktion zuständig war. Drei Nummern wurden in Zusammenarbeit mit Jakob Herber (Flut, Culk, Anger) aufgenommen und produziert. Gemixt wurde die EP ebenso von Jakob Herber. Das Mastering hat Martin Scheer übernommen.

Beyza:
Beyza ist umgeben von Hip-Hop und RnB aufgewachsen. Nachdem sie 2011 ihre erste E- Gitarre bekam, fing sie an, ohne je eine Stunde Unterricht erhalten zu haben, ihre eigenen Stücke zu komponieren, Die Musiktheorie auswendig zu lernen war für Beyza noch nie erstrangig, da ihre Musik vor allem aus Gehör und Gefühl entsteht. Ganz wichtig ist hierbei, dass sie sich in keiner Hinsicht limitieren lassen will, da in jedem Genre und jedem Instrument eine neue Möglichkeit steckt, Klang zu erzeugen.

Ezgi:
Ezgi - Melodie, Harmonie, Klang. Als MusikerIn könnte man sich wohl kaum eine bessere Bedeutung des eigenen Namens wünschen. So wie der Name also bereits prophezeit, spielt die Musik in Ezgis Leben eine sehr wichtige Rolle. Wenn man alte VHC Tapes durchst6bern würde, fände man bestimmt den einen oder anderen Clip von ihr, wie sie in die Kamera singt. Musik, und vor allem das Singen, war immer schon ein wichtiger Teil ihres Lebens. Hauptsachlich lasst sich Ezgi von RnB, Jazz und Blues inspirieren, aber auch der Touch von orientalischer Musik darf nicht fehlen.

Gerardo di Giusto – piano
Aska Kaneko – Violine
Carlos “el tero” Buschini – Bass, Kontrabass
Tomohiro Yahiro – Schlagzeug

Die Intensität und Heissblütigkeit argentinischer Musik gemeinsam mit der Raffinesse der musikalischen Tradition Japans bilden das Rohmaterial dieses aussergewöhnlichen Quartetts. Alles begann mit der Begegnung von zwei emblematischen Figuren der japanischen Jazzszene mit zwei innovativen argentinischen Jazzmusikern, die sich bereits in Europa einen Namen gemacht hatten.

Mirjam Jessa auf ÖS - spielräume:
Ein Quartett wie vom anderen Stern. Exzellenz bei größtmöglicher Freiheit, diese intensive Subtilität, raffiniert, elegant, dabei ohne Falsch, mystisch und klar.
Es zählt zu den erfolgreichsten Jazz-World-Groups, wer es einmal gehört hat, vergisst dieses Quartett nicht nur nie mehr, er will auch immer mehr von ihm hören. Denn diese Exzellenz bei größtmöglicher Freiheit, diese intensive Subtilität, raffiniert, elegant, dabei ohne Falsch, mystisch und klar. Kein Wunder, dass die Balance der Gegensätze Gaia Cuatro bestimmt, treffen hier doch zwei Länder aufeinander, die augenscheinlich nichts verbindet: Japan und Argentinien. 
Die Geigerin und Sängerin Aska Kaneko, Perkussionist Tomohiro Yahiro, Carlos Buschini am Bass, der Pianist Gerardo di Giusto - auch auf ihrem fünften Album "Lucrecia" werden sie ihrem audiophilen Kultstatus gerecht, verstärkt durch den italienischen Meistertrompeter Paolo Fresu. Und der Eindruck entsteht, dass wir sie jetzt mit unserer pandemiebedingten Dünnhäutigkeit noch intensiver wahrnehmen, dass sie uns aus der Seele sprechen und unter die Haut gehen.

Die Intensität und Heissblütigkeit argentinischer Musik gemeinsam mit der Raffinesse der musikalischen Tradition Japans bilden das Rohmaterial des aussergewöhnlichen Quartetts Gaia Cuatro. Alles begann mit der Begegnung von zwei emblematischen Figuren der japanischen Jazzszene mit zwei innovativen argentinischen Jazzmusikern, die sich bereits in Europa einen Namen gemacht hatten.
Die atemberaubende Virtuosität der Violinistin Aska Kaneko – in ihrer Heimat seit langem ein Star – findet ihre ideale Basis in den feinsinnigen und doch feurigen Kompositionen Gerardo di Giustos, und durch das perfekte Gleichgewicht und die subtile Rhythmik des Dialogs zwischen dem Bassisten Carlos „el tero“ Buschini und dem Perkussionisten Yahiro Tomohiro fügt sich alles zu einem überraschenden Ganzen.
Vier MusikerInnen die die Kunst der Improvisation zur höchsten Perfektion bringen, sich fröhlich über etablierte Konventionen hinwegsetzen und wie nebenbei eine vollkommen neuartige Musik schaffen, deren Natürlichkeit und Eleganz sie in unseren Ohren doch wieder seltsam vertraut klingen lässt.

Der vielbeschäftigte italienische Startrompeter Paolo Fresu war von dem Projekt so angetan, dass es sich spontan zu gemeinsamen Aufnahmen und Auftritten bereit erklärte. „Ein wahrlich zeitgenössisches Ensemble … kohärent, mutig, innovativ“ (Paolo Fresu)

https://www.youtube.com/watch?v=aLOQLr1bgwY

„Ein Quartett wie vom anderen Stern. Exzellenz bei größtmöglicher Freiheit, diese intensive Subtilität, raffiniert, elegant, dabei ohne Falsch, mystisch und klar.“
ORF Ö1 Spielräume, AT
„Ein Quartett das man einfach lieben muss, sowohl für seinen instinktiven Rebellionsgeist als für seinen kreativen Schwung.“
Roma in Jazz, IT
„Musik von unglaublicher visueller Kraft, die komplex und intensiv und gleichzeitig sehr eingängig ist – Lebensfreude pur!“
Libertà, IT
„Die argentinisch- japanische Formation mit ihrer vollkommen neuartigen musikalischen Fusion war sicher der originellste Beitrag zur aktuellen Saison von Charleville Action Jazz.“
L’Ardennais, FR

das wohl verrückteste & coolste konzert  im sommer 2020: beim dolce vita im treibhaus & im zeughaus auch. der funke sprang über, ein musikalischer flächenbrand machte es notwendig, daß die carabinieri vollzählig ausrücken mußten, um die tanzbeine zu zügeln und die wadeln viere zu richten .... wunder-wunder-bar... 

LUCA BASSANESE & LA  PICCOLA ORCHESTRA POPOLARE

so piccola ists nimmer - das trio ist auf ein stolzes sextett angeschwollen.
große freude. wir müssen euch leider fußfesseln anlegen ...

Luca Bassanese – lead vocals, tammorra, guitar, bass drum
Stefano Florio – guitars, bouzouki, effects, vocals
Tommaso Maddalena – drums
Elodie Lebigre – vocals, dance
Domenico de Nichilo – trumpet
Lorenzo Stella – bass, vocals

Luca Bassanese ist zweifellos eine der Hauptfiguren der neuen Generation italienischer Folk-Singer-Songwriter, die mit einer Mischung aus Ironie und Hoffnung auf unsere heutige Welt blicken. Seine Musik erinnert an eine Mischung aus Fabrizio de André, Goran Bregovic und Manu Chao, seine künstlerische Herangehensweise an Federico Fellini. Der Troubadour, Poet, Singer-Songwriter und Umweltaktivist hat eine Mission und wirkt wie ein romantischer Krieger unserer modernen Zeit. 

Er wuchs mit der Musik von Fabrizio de André und der Folklore der beiden Ufer der Adria (italienisch und balkanisch) auf - gelernt ist gelernt: seine Musik wurde zu einem Cocktail aus Poesie und Liebesgeschichten, getränkt mit italienischer Folklore, Tarantellas, Opera Buffa und Balkan Brass. Seine Lieder machen sich über die Torheit der Welt lustig sind aber Lieder die von Liebe und dem Glauben an die Menschheit und die Zukunft handeln, Lieder voller feiner Nadelstiche  und Lieder die zum positiven aufrechten Gang aufrufen. Luca Bassanese gilt als einer der bedeutendsten Vertreter der populären italienischen Folkszene - und zärtlich nennt man ihn den MANU CHAO italiens.

Das neapolitanische Lied ist kein Museumsrelikt, keine Mumie ohne Sauerstoff. Seine Partituren sind keine zu heiligenden Pergamentrollen, sondern ein Testament das gefeiert werden will.Ihr Name bedeutet in etwa „Der Traum vom Gestern“ und bezieht sich auf das gleichnamige Lied   Pino Daniele. Suonno d’Ajere haben sich ganz der Erforschung und zeitgemässen Neubearbeitung des neapolitanischen Liedguts von 1600 bis heute verschrieben. Die Besetzung erinnert an die besonders im 19. Jahrhundert beliebte neapolitanische Tradition der „Posteggia“, Strassenmusikanten deren Darbietungen dem Volk genauso gefielen wie den Herrschenden. Der musikalische Zugang des Trios aber ist deutlich geschliffener.  Suonno d’Ajere wollen die alten Lieder von Kommerz und Kitsch befreien und ihnen ihre Würde und Kraft zurückgeben, und das durchaus mit Erfolg: In Italien hat ihnen die stilistisch rigorose und raffinierte und für Neapel immer schon typische Verbindung von  Volks- und Kunstmusik bereits einen Auftritt bei der Biennale von Venedig für die Filmmusik zum Dokumentarfilm „La Chimera“ und auch  den ersten Preis beim Festival „SanRemoCantaNapoli“ eingebracht.

Jelena Popržan: viola, vocals
Ljubinka Jokić: guitar, vocals
Emily Smejkal: bass
Maria Petrova: drums, percussion

SPECZIAL: MADAME BAHEUX - WITH HORNS:

Christoph Pepe Auer: clarinet, alto saxophone
Martin Eberle: trumpet
Phil Yaeger: trombone

«Frauen-Power» wäre eine Untertreibung in Anbetracht dieses neuen femininen Balkanquartetts. Jelena Popržan aus Serbien, Ljubinka Jokić aus Bosnien, Maria Petrova aus Bulgarien und Lina Neuner aus Wien: vier Stimmen, fünfzehn Saiten, zwei Bögen plus Percussion und Drums. Witzig, spritzig, schräg und groovy! Jung, feminin und frech! Mitreißende Folk-Songs aus Bulgarien, Serbien, Bosnien und Mazedonien in innovativen Arrangements, smarte Eigenkompositionen der Bandmitglieder und Lieder von Ewan MacColl, Bertolt Brecht, Georg Kreisler sowie ein Lied über ungastliche Wiener und ihre ausländischen Gäste in experimentellem Fiktiv-Wienerisch.
Obwohl die Musikerinnen ihre Wurzeln in Südosteuropa haben (außer «Gastarbajterka» aus Kloster Neuburg Lina Neuner) und ein Teil ihres Repertoires sich dazu bekennt, weist das Quartett sowohl in seinem Repertoire als auch in seinem künstlerischen Ausdruck weit darüber hinaus. Nach allen Richtungen offen zeigt es sich, Jazz, Rock, kritisches Lied … in, Serbokroatisch, Bulgarisch, Englisch und «Weanarisch» … Madame Baheux bringen etwas Neues auf die Bühne, das mitreißt, verführt, zum Lachen reizt, in Hirn, Herz und Beine geht …

MADAME BAHEUX & HORNS // EINE FEIERSTUNDE ODER ZWEI

Madame Baheux, Power-Quartett aus Wien mit balkanischer Herkunft und intergalaktischem Anspruch (von wegen World-Music ...) feiern die ersten zehn Jahre ihres Bestehens. 
In vielen stilistischen Farben funkelt die Welt von Madame Baheux (eine »Französisierung« übrigens des Wiener Slangworts »Bahö« = Tohuwabohu), mehr als nur eine Synthese von Popržans vielen darstellerischen und musikalischen Talenten, Jokićs erdiger 70ies-Gitarre und Soulstimme, Neuners Jazzsensibilität und Maria Petrovas rhythmischer Finesse formt diese Welt. Madame Baheux haben ein dynamisches Konzept entwickelt, das sowohl bei fast allen Genres andocken als auch von allen ausgeschlossen werden kann. Was ist das also? Art-Rock? Jazz? Dark Cabaret? Fempop? World? Balkan? Agitprop? Kunstmusik zwischen Punk und Klassik? ...
Die musikjournalistischen Schubladen knirschten und barsten jedenfalls bei jedem Madame-Baheux-Konzert. Madame Baheux sind sich in der beglückenden Verwirrung von genreformatierten Erwartungen treu geblieben. Und dem Porgy & Bess, wo sie immer wieder fulminante Auftritte hinlegten.
​Lina Neuner ging in Mutterpause, Emily Smejkal steigt für sie mit großem Enthusiasmus ein, Dee Linde (Netnakisum), die einige Zeit das Frauenquartett zu einem Frauenquintett machte, kehrt zurück. Und mit Christoph Pepe Auer, Markus Pechmann und Phil Yaeger haben sich die Mesdames drei der hierzulande arriviertesten Jazzinstrumentalisten zu spannenden Arrangements auf die Bühne geholt.  Greatest Hits in altem und neuem Gewand, einiges Neues, und unverminderte Spielfreude, damit ziehen sie ihre Bilanz und zünden zugleich die Lunte für ein weiteres Jahrzehnt musikalischer Überraschungen.

»... Zappa-Level ...« Sydswenskan

„In the quartet’s music there might be more influences from around the world than into a regualar musical atlas fit“
Harald Justin (FOLKER)

„Madame Baheux is one of the most notable groups of the last time. Powerful music, rhythmic energy, twisted and tightly played in an ongoing perpetual motion of vitality.“
Mattie Poels (Music Frames/NL)

„Exzentrisch gab sich auch die Wiener Frauenkombo Madame Baheux. Die famose Sängerin Jelena Poprzan lockt in balkanische Schluchten ebenso wie auf die weinbewachsenen Wiener Hausberge. Georg Kreislers „Meine Freiheit, deine Freiheit“, als altösterreichischer Rap angekündigt, begeisterte wie das hypnotische, gitarrengetriebene „Ljubi’s Song“. Highlight aber war „Das Schawapeanzara-Lied“, das die Konflikte zwischen Hiesigen und „Zuagrasten“ pointenreich abhandelte. Wie Poprzan da das imaginäre Experimentalwienerisch des Komponisten Richard Schuberth zungentechnisch bewältigte, das hatte wahrhaft Artistisches.“
Samir H. Köck  (Die Presse)

 “Vermutlich DAS Weltmusikalbum des Jahres aus Österreich! Das Erstaunliche und zugleich Schöne an der ganzen Sache ist, dass trotz all der musikalischen Vielfalt und der großen Zahl an Einflüssen, alles seine Richtung hat und sich nicht im Überambitionierten verliert. Das, was das serbisch-bosnisch-bulgarisch-österreichische Quartett mit unbeschreiblichen Spielwitz auf den Weg bringt, hat alles Hand und Fuß: die hochenergetisch, verrückt-virtuos gespielten Passagen, die fast schon Gänsehaut erzeugenden gefühlvollen elegischen Momente, die wunderbaren, sich unaufhörlich bis zum Höhepunkt steigernden Instrumentalteile. Das Debütalbum von Madame Baheux ist, auf den Punkt gebracht, die musikalische Lebendigkeit pur. Mitreißend, berührend, originell, eigenständig, unterhaltend und fordernd. Ein wirklich starker erster Auftritt, dem hoffentlich noch einige folgen werden.”
Michael Ternai – Dort wo es keine stilistischen Grenzen mehr gibt – MADAME BAHEUX

Jelena Popržan (Viola, Gesang)
Allroundkünstlerin aus der Vojvodina mit außergewöhnlichem Stimmvermögen, Charisma, komödiantischem Talent und Experimentierfreude. Hat an der Musikuni Graz studiert, zunächst durch Projekte mit Alegre Corrêa und Mathias Rüegg auf sich aufmerksam gemacht, dann mit ihrem Duo Catch-Pop String-Strong (mit Rina Kacinari) und dem persisch-serbischen Trio Sormeh neuen Wind in die World-Music-Szene gebracht. Bringt zudem klassische Erfahrung, die Möglichkeiten elektronischer Loops, kritisches Engagement sowie viel Schmäh in die Band.

 Ljubinka Jokić (Gesang, Gitarre, E-Gitarre)
Der spielerfahrenen Bosnierin verdankt sich der hemmungslose Rock ’n’ Roll-Spirit der Band. Und einige ihrer ausgefuchstesten Kompositionen. Legendär waren ihre Sessions mit Otto Lechner und Konsorten in ihrem Pomali-Grill am Gaußplatz, ebenso wie die energiegeladenen Performances mit ihrer YOK!-Band. Unübliche Melodiösität des Gitarrenspiels, die nichts an Groove verschenkt, und ein expressiver Soul in der Stimme, in dem der Jugorock der 80er-Jahre, bosnische Sevdalinka und russischer wie balkanischer Roma-Melos nachhallen.

Lina Neuner (Kontrabass)
Nach allen Richtungen hin neugierige Meisterbassistin und solider Backbone des Quartetts. Nach ihrem Studium an der Universität für Musik und darstellende Kunst gefragte Instrumentalistin der Wiener Szene (Tini Trampler und die Dreckige Combo, Pom Pom Pommegranate, Christina Zurbrügg u. a.), mit großer Empathie für balkanische und orientalische Melodik (wie bei der österreichisch-türkisch-kurdischen Band Roja). Steuert dem Quartett eine seiner jazzigsten und komplexesten Kompositionen bei.

Maria Petrova (Drums, Percussion)
Seit über einem Jahrzehnt rhythmischer Puls und jugendliche Auffrischungsimpfung der Wiener Tschuschenkapelle und darüber hinaus äußerst gefragte Drummerin und Percussionistin der Wiener Szenen (Rondo Vienna, Katrin Weber, Steve Nick, Celia Mara, Wladigeroff Brothers, Susana la Gitana Rubia, Hans Salomon, Marianne Mendt, Loukia Agapiou u. a.), deren Fertigkeit, wie ihr Kollegen attestieren, auch in jedem Blindtest Bewunderung fände. Wie Lina Neuner Absolventin der Universität für Musik und darstellende Kunst. Entfaltet beim Quartett ihr gesamtes rhythmisches Œuvre an Drums, Darbuka, Cajón und der riesigen balkanischen Rahmentrommel Tupan.

Die Supergroup aus Skandinavien

Rymden kennen keine Genres. Pop, Rock, Club-Sounds und sogar Klassik fließen in  den Sound dieses zumeist akustischen Trios ein, Synthesizer und Electronics werden nur subtil eingesetzt.
Was Jamie Cullum einst über e.s.t. sagte, gilt künftig auch für Rymden: „Ich kann auch Freunde, die mit Jazz nichts am Hut haben, zu ihren Konzerten mitnehmen. Nicht etwa deshalb, weil sie einfach konsumierbar oder wenig experimentell wären. Sondern weil ihr improvisatorischer Ansatz voller aufregender und zeitgemäßer Ideen ist.“

Drei Veteranen des nordischen Jazz, elf akustisch-elektronische Kompositionen, eine brandneue Band: Bugge Wesseltoft, Magnus Öström und Dan Berglund sind Rymden!
Sie setzten neue Maßstäbe im europäischen Jazz: das schwedische Trio e.s.t. (esbjörn svensson trio), formiert 1993, und die kurz darauf im norwegischen Oslo von Pianist Bugge Wesseltoft gegründete New Conception Of Jazz. Beide Bands verbanden die Sounds und Rhythmen der Club- und Pop-Kultur mit Jazzimprovisationen. Ein junges Publikum in Berlin, Paris und London entdeckte ein ganz neues Genre für sich, und Alteingesessene merkten bald: authentischer Jazz muss nicht zwangsläufig aus den USA kommen.
e.s.t. füllten größte Konzerthallen und waren bis zum tragischen Unfalltod von Pianist Esbjörn Svensson das wohl mächtigste europäische Jazztrio. Wesseltoft prägt mit eigenem Label Jazzland Recordings und stetig wechselnden musikalischen Partnern bis heute eine innovative Sprache des Jazz: zwischen Elektronik, Kammermusik, Folklore und World Beats.

Zehn Jahre nach dem Tod von Svensson haben sich die verbleibenden e.s.t.-Mitglieder Magnus Öström (Drums) und Dan Berglund (Bass) nun mit Wesseltoft zu einer skandinavischen Supergroup zusammengeschlossen: Rymden. Die Musik dieses Trios, dessen Name zu Deutsch „Raum“ bedeutet, basiert auf drei Komponenten: treibenden Rhythmen, melancholisch-atmosphärischem Songwriting und virtuos gespieltem Jazz.
„Ich wollte schon seit langem ein Piano-Trio gründen, fand aber nie die richtigen Leute dafür“, sagt Wesseltoft. „Dann spielte ich auf dem Album ‚Trialogue‘ zusammen mit Henrik Schwarz und Dan Berglund. Dank Dan musste ich an seine Arbeit mit Magnus und e.s.t. denken – ich habe die Band schon immer für ihre Hingabe und ihre harte Arbeit bewundert.“
Rymden kennen keine Genres. Pop, Rock, Club-Sounds und sogar Klassik fließen in den Sound dieses zumeist akustischen Trios ein, Synthesizer und Electronics werden nur subtil eingesetzt. Was Jamie Cullum einst über e.s.t. sagte, gilt künftig auch für Rymden: „Ich kann auch Freunde, die mit Jazz nichts am Hut haben, zu ihren Konzerten mitnehmen. Nicht etwa deshalb, weil sie einfach konsumierbar oder wenig experimentell wären. Sondern weil ihr improvisatorischer Ansatz voller aufregender und zeitgemäßer Ideen ist."

Reflections & Odysseys

Nordische Klänge der neuen Superjazzgroup Rymden
Veröffentlicht am 21.02.2019 - DIE WELT
Das nächste jazzmusikalische Großereignis steht in der Elbphilharmonie an – die Geschichte dazu geht zurück in den November 2006 und beginnt in der klangschönen Laeiszhalle: Hier gelingt der legendäre Konzertmitschnitt des weltweit gefeierten Esbjörn Svensson Trios (e.s.t.), den die Londoner „Times“ später zum Jazzalbum des Jahrzehnts kürt. Nur zwei Jahre darauf stirbt der schwedische Pianist Esbjörn Svensson tragisch bei einem Tauchunfall; im Mai 2014 erinnerten seine Landsleute Dan Berglund (Bass) und Magnus Öström (Drums) mit einer „e.s.t. Symphony“ beim hiesigen Internationalen Musikfest an ihren Bandleader – erneut in der Laeiszhalle, im Zusammenspiel mit den Hamburger Symphonikern.

Nun wollen Berglund und Öström die Klanggefilde der Elbphilharmonie durchschreiten – zurück in Trioformation, als skandinavische Supergroup mit einem Neuen in der Mitte: Der Norweger Bugge Wesseltoft sitzt an Klavier, Fender Rhodes und Elektronik. Deren klangliche Verschmelzung ist sein Metier; seine befreite Jazzästhetik erschließt einen weiten Raum zwischen clubtauglichen Beats und weltmusikalischer Folklore und hat ihm, sowohl solo wie auch in unzähligen Kollaborationen, bereits Weltruhm beschert.
Unter dem Namen Rymden (Raum) haben die nordlichternden Veteranen ein erstes gemeinsames Album vorgelegt – auf dem Cover ein von Kinderhand gemalter Raketenstart. Und so virtuos verspielt, rotzig rockig und knarzig funky klingt es auch; man hat Spaß an schrägen Rhythmen und frickeligen Improvisationen. Richtig groß wird es aber, wenn Öströms Schlegel hypnotisch repetieren, Berglund den Bass mit dem Bogen streicht und Wesseltoft die Harmonien nur so herunterregnen lässt. Auf diese Momente darf man sich am Freitag, den 22. Februar, freuen, sie sollten sich im Großen Saal klangmächtig entfalten können – eine gelungene Verstärkung und Beschallung vorausgesetzt.

Rymden kennen keine Genres. Pop, Rock, Club-Sounds und sogar Klassik fließen in  den Sound dieses zumeist akustischen Trios ein, Synthesizer und Electronics werden nur subtil eingesetzt.
Was Jamie Cullum einst über e.s.t. sagte, gilt künftig auch für Rymden: „Ich kann auch Freunde, die mit Jazz nichts am Hut haben, zu ihren Konzerten mitnehmen. Nicht etwa deshalb, weil sie einfach konsumierbar oder wenig experimentell wären. Sondern weil ihr improvisatorischer Ansatz voller aufregender und zeitgemäßer Ideen ist.“

Der etwas andere Bläsersound
Der Zufall schreibt die schönsten Geschichten: Albert Wieder sprang 2015 als Karenzvertretung bei Mnozil Brass ein. Gemeinsam mit Thomas Gansch und Leonhard Paul begann man irgendwann damit, am Ende jeder Mnozil-Brass-Show eine Zugabe zu spielen. Auf jeder Tour eine Neue. Ins Blaue hinein, sehr spontan und nicht bis kaum geprobt, stellte man sich auf die Bühne und tat das, worum es beim Musizieren geht – kommunizieren. So entwickelte sich im Laufe der Zeit ein ganzes Konzertprogramm; mit Songs aus allen Ecken und Enden ihrer drei Universen: George Michael, The Beatles, Chuck Mangione, Johann Strauß, Toots Thielemans, Elvis Costello, Georg Danzer, Junior Mance und und und. Bass, Melodie und Harmonie. Mehr braucht man nicht.

Thomas Gansch: Trompete, Flügelhorn; 
Leonhard Paul: Posaune, Basstrompete; 
Albert Wieder: Tuba

Hinter dem Namen Danças Ocultas verbergen sich vier Akkordeonisten aus Agueda in der Nähe von Porto, die zu den innovativsten und spannendsten Vertretern zeitgenössischer Klänge aus Portugal gehören. Seit einigen Jahren erobern sie die internationalen Bühnen mit einem beim ersten Hinhören unspektakulären Konzept: ruhig, lyrisch, mehr oder minder traditionell, mit nur vier diatonischen Akkordeons.

Der Name des Quartetts hat nichts mit esoterischen Welten zu tun sondern weist darauf hin, dass die vier Musik für Tänze spielen, die erst noch erfunden werden müssen. Der berühmte Fado spielt eine untergeordnete Rolle, eher nehmen sie die traditionelle dörfliche Musik, Tango Nuevo und die Kammermusik z.B. des russischen Terem Quartetts als Basis für ihre Erkundungen. Sie halten weder akkordeonistische Schnelligkeitswettbewerbe ab noch spielen sie reine Volksmusik. Am ehesten lässt sich ihre zeitlose Kunstmusik wohl als impressionistischer Folk bezeichnen: minimalistische, tiefgründige Klanggemälde voll unerwarteter Wendungen und erhabener Melancholie. Sehr spezielle Musik, in die man gar nicht anders kann als hineinzukippen.

Die Band wurde gefördert von Gabriel Gomes, dem Akkordeonisten der portugiesischen Kultformation  Madredeus. Er hat sie motiviert, ihre eigene Klangwelt auszuschöpfen. Die Zusammenarbeit mit dem Choreographen Paulo Ribeiro, Auftritte bei zahlreichen internationalen Festivals sowie ein umjubelter Showcase bei der Womex 2010 in Kopenhagen haben Danças Ocultas mittlerweile weit über Portugal hinaus bekannt gemacht.

PRESSE

Nicht nur wegen des brillanten Zusammenspiels der vier Akkordeonisten, sondern auch wegen der phänomenalen Arrangements von Jacques Morelenbaum ist das Album ein absolutes Muss für jeden Folkliebhaber!“
Rootstime, Dentro Desse Mar, BE 

„Magisch und tiefgründig, lyrisch und beseelt. (…) Musik vom Rande Europas, bei der einem das Herz aufgeht! (…) eine betörende Welt inspirierter Interaktion, emotionaler Momente und ausgelassener Tänze.“
Bayerischer Rundfunk, Susanne Schmerda über Dentro Desse Mar, DE

„Das Quartett Danças Ocultas hat es längst geschafft, aus dem Kreis der Liebhaber des Akkordeons zu schlüpfen und die grosse Bühne zu bespielen. Dafür ist ‘Amplitude’ das beste Beispiel.”
JazzThing, DE, Amplitude

„Amplitude“ ist ein gewaltiges Album, bei dem einem das Herz aufgeht.“
Sound&Image, DE, Amplitude

„Das Quartett aus der Nähe von Porto zelebriert portugiesische Melancholie. … Sie lassen mit ihren feinen und leisen, präzisen bis schwelgerischen Arrangements Bilder entstehen, die die Zuhörer mit auf eine Reise zu Landschaften im Morgennebel und leichtfüssig tanzenden Gestalten nehmen … auf eine Reise jedenfalls in die eigene, inspirierte Gedankenwelt. Danças Ocultas richten sich mit ihren Kompositionen an ein Publikum, das auserlesene Kammermusik liebt.“
Akkordeonmagazin, DE

Bass. Gesang. Trompete. Posaune. Saxofon. Drums. Gitarre. Piano. Das alles fügt sich bei Botticelli Baby zu einer Mischung aus posaunengoldglänzender Jazzhochkultur und „auf die Fresse“, wie es Marlon Bösherz einmal in einem Radiointerview recht anschaulich formulierte. Die Musik hat Druck, schiebt an, überrascht, entfaltet Sog, reißt mit. Wer sich Youtube-Videos diverser Auftritte aus den vergangenen Jahren ansieht, kommt nicht umhin, zu bemerken, dass das zumeist junge Publikum zu diesem Jazz-Punk nicht nur tanzt, sondern regelmäßig ausrastet. Das ist auch der Plan. „Mein Ziel ist es, dass die Leute hinterher nicht mehr wissen, wo oben und unten ist. Dass sie nicht mehr klarkommen“,-: „Das muss nicht eskalieren. Man sieht es den Leuten im Publikum aber an, wenn es anfängt, zu rumoren. Schönes Gefühl!“ 

Die Liste an Musikstilen und Musikern, mit denen Botticelli Baby verglichen wird, ist lang. Gypsy Jazz. Hot Jazz. Balkan-Sound. Swing. Django Reinhardt. Tom Waits. Nick Cave. Große Namen. Sogar The Doors werden bemüht, um die Band einzuordnen. Alle Versuche, Relevanz mithilfe von Referenz herzustellen, sind im Falle von Botticelli Baby aber leider ziemlich hilflos. Die Energie, die die Band wie eine Lawine loszutreten imstande ist, lässt sich weder in Stilschubladen wegsortieren noch mit Namedropping andeuten. Vielleicht hilft ja der Versuch eines Vergleichs mit der Autowelt: Wenn klassischer Big-Band-Jazz der scheckheftgepflegte, filigrane Aston Martin DB5 Baujahr 1956 ist, dann ist Botticelli Baby das böse 70er-Jahre US-Muscle-Car: der pechschwarze Dodge Charger mit brüllendem V8-Motor, grotesk großem Hubraum und 285er-Reifen. Eine Karre, die lustvoll niederwalzt, was ihr unter die Haube kommt. „Wir werden mit den Jahren immer schneller“, konstatiert Alex. Frühere Songs spielen sie mittlerweile doppelt so schnell.

Bam bambambam bam bambambam bam… etabliert sich zunächst ein Rhythmus, ganz zärtlich ein Puls und auf der Bühne beginnen Hüften, zu Kreisen zu werden und die Köpfe senken sich zur Ruhe vor dem Sturm und dann ballern sechs Menschen an ihren Instrumenten los… Dann reißen alle im Saal die Augen auf und die Münder klappen runter… Geil. Diese Musik, diese Gefühle, diese Authentizität, diese Geschichten, die dann folgen, stammen aus der Feder der Band Botticelli Baby, die in entfesselter Melancholie und höchster Ehrlichkeit bis zur Schweißesnässe eine Performance par excellence servieren. 

Botticelli Baby laufen unter dem Prädikat:  „… die musst du einfach live gesehen haben… der Sound ist breit und fett und anders… lass dich einfach wegpusten…“ 
Lasst euch von dieser höchstcharmanten Sexiness, dieser Souveränität, Bühnensäue und sehr besonderen Musikschmelze auf der Bühne wegballern, verzaubern, mitreißen! Genießt den Anblick und den Klang.

Presse

„Die Band ist auf dem besten Weg, zu einer größeren Persönlichkeit im Musikbetrieb zu werden“
– Die Welt, DE

„Die Nacht gehört Botticelli Baby – sieben junge Wilden aus dem Ruhrpott, die derzeit die Republik mit ihrer rotzfrechen Mischung aus Jazz, Gypsy-Swing, Balkan-Beat und Punk aufmischen.“
– Stadtradio Göttingen, DE

„Bass. Gesang. Trompete. Posaune. Saxofon. Drums. Gitarre. Piano. Das alles fügt sich bei Botticelli Baby zu einer Mischung aus posaunengoldglänzender Jazzhochkultur und „auf die Fresse“ […] Wenn klassischer Big-Band-Jazz der scheckheftgepflegte, filigrane Aston Martin DB5 Baujahr 1956 ist, dann ist Botticelli Baby das böse 70er-Jahre US-Muscle-Car: der pechschwarze Dodge Charger mit brüllendem V8-Motor, grotesk großem Hubraum und 285er-Reifen. Eine Karre, die lustvoll niederwalzt, was ihr unter die Haube kommt.“
– Die Welt, DE

„Wer bisher der Meinung war, dass Jazz ausschließlich der ernsten Muse zuzurechnen ist, wird von dieser Band garantiert eindrucksvoll eines Besseren belehrt.“
– Rheinpfalz, DE

A SUD DI BELLA CIAO / DAS NEUE PROGRAMM WANDERT IN DEN SÜDEN ITALIENS

Riccardo Tesi: Organetto (diatonisches Knopfakkordeon), musikalische Leitung
Elena Ledda : Gesan
Lucilla Galeazzi : Gesang
Alessio Lega : Gesang, Gitarre
Nando Citarella: Gesang, Tamburin, chitarra battente
Maurizio Geri : Gesang, Gitarre
Gigi Biolcati: Perkussion, Gesang
Claudio Carboni : Sax

Von den Balkonen auf die Piazza: Bella Ciao ist die Hymne der sozialen Gerechtigkeit, von Freiheit, Frieden, Hoffnung und Geschwisterlichkeit.
Wir hören sie auf den Plätzen unserer Dörfer, bei den Demonstrationen für Bürgerrechte, gegen Unterdrückung und Tyrannei, sie erklang von den Balkonen und Fenstern unserer Städte, als wir uns von einem Tag auf den anderen in Quarantäne begeben mussten.
Wir nehmen also diese neue Reise von Bella Ciao auf, mit neuen Liedern und Arrangements, die deutlich nach Süden weisen: A Sud di BELLA CIAO.

Das Debut von Bella Ciao 1964 beim Festival der Zwei Welten in Spoleto markiert den Beginn des italienischen Folk Revivals. Im Gegensatz zur landläufigen Meinung war das kein rein politisches Programm sondern ein musikalisches Gemälde der Welt des Volkes mit Momenten des Feierns, von Liebe, Arbeit, Religion, Protest und Widerstand. Die große Kraft bestand im Aufzeigen einer anderen Geschichte Italiens, einer anderen, mündlichen Art von Kulturverständnis. Trotz allem war das Programm stark nach Norden ausgerichtet, da sich die PionierInnen der Volksmusikforschung jener Tage kaum mit dem ungemein reichen Repertoire des italienischen Südens beschäftigt hatten.  

Zwei Jahre später präsentierte Dario Fo seine Produktion  „Ci Ragiono e Canto“ unter Mitwirkung der sizilianischen Sängerin Rosa Balistreri und des sardischen Chores Galletto di Gallura, und es begann die Renaissance der Volksmusik aus dem Süden. In den folgenden Jahren eroberten Ensembles und KünstlerInnen wie La Nuova Compagnia di Canto Popolare, Maria Carta oder die Tenöre von Orgosolo und Bitti die internationalen Bühnen, gefolgt von Cantautori wie Domenico di Modugno, Matteo Salvatore oder Enzo del Re. Und heute tanzt alle Welt zur Tarantella aus dem Salento, ein flächendeckendes Phänomen das von den legendären Canzoniere Grecanico Salentino begründet wurde. Die Musik des Südens hat sich ihre Revanche geholt und dominiert die italienische Folkszene von heute.

Grund genug, das Programm Bella Ciao zu überarbeiten, das seit seiner Premiere 2014, genau fünfzig Jahre nach der Uraufführung von Spoleto, mit großem Erfolg durch ganz Europa tourt. 
Die Grenzen dieses Freskos der italienischen Volksmusik werden erweitert durch alte Lieder die Richtung Süden, „A Sud di Bella Ciao“,  weisen und deren roter Faden wiederum die Liebe, die Arbeit und die Revolte sind, alle gesungen aus der Perspektive des Südens.
Diese Lieder werden getragen von mediterranen Rhythmen wie Tammuriata, Ballo Tondo und Pizzica, von der lyrischen Poesie der Liebeslieder und dem rauheren Klang der Protestgesänge – sie beinhalten alle Widersprüche des Südens und helfen uns, unsere Gegenwart besser zu verstehen und zu entschlüsseln.   
„A Sud di Bella Ciao“ richtet den Blick auf einen lange vergessenen Schatz, 
wo Geschichte sich mit Magie und Legende vermischt, wo das Rituelle die bäuerliche Welt veredelt, wo Sinnlichkeit auf Mühsal trifft.  

Die alten Partisanen- und Arbeiterlieder haben sich nicht nur ihre Ausdrucksstärke bewahrt, sondern ihre Botschaften von Freiheit, Frieden und Bürgerrechten sind lebendig wie eh und je. Bella Ciao ist eine Lektion in Demokratie, die direkt aus dem Volk kommt, ein historischer Roman gewebt aus Musik, Klängen und Texten, getragen von den wichtigsten Stimmen des sozialen & politischen Liedes im Italien der letzten 30 Jahre. Die Uraufführung dieses Meilensteins der italienischen Musikgeschichte fand am 21. Juni 1964 beim Festival zweier Welten in Spoleto statt und führte zu wüsten Polemiken. Ein halbes Jahrhundert später haben sich einige der profiliertesten italienischen Cantautores & Volksmusikanten zusammengetan, um dieses Erbe wieder aufleben zu lassen, es behutsam mit neuen Einflüssen und Erkenntnissen zu füttern. 
Resultat ist eine neue Begegnung mit all den italienischen Liedern, die jedes Lagerfeuer warm gehalten haben - die Begegnungen verlaufen enthusiastisch.

"Es hat viele Vorteile, wenn die sechs Musikanten, die eine Band starten, sich schon lange kennen und nicht etwa gecastet worden sind. Vor allen Dingen musiziert es sich einfach leichter gemeinsam. Man kennt den Sound der Kollegen, kann erahnen, welche Phrasierung der andere gleich wählen wird und hat sofort ein Gefühl dafür, wie man sich am besten in den Gesamtklang der Gruppe einfügen kann.
Wahrscheinlich war genau deshalb schon die erste Wirtshaustour der kurz zuvor gegründeten „Kapelle So&So“ im Jahr 2017 ein voller Erfolg: Ausverkaufte Gaststuben und begeisterte Zuhörer in Bayern wie in Österreich. Der erdige, energiegeladene Sound gepaart mit musikantischer Lässigkeit und messerscharfem Zusammenspiel war nichts weniger als eine Offenbarung. Das bei dieser Tour entstandene Live-Album ist jetzt schon Kult.
Der Großteil des Programms besteht aus Eigenkompositionen, doch auch ein paar geschickt arrangierte Klassiker fehlen nicht. Dabei kennt die Kapelle So&So keine Genregrenzen. Polka, Walzer, Marsch – eh klar – trifft da zum Beispiel auf Reggae, Anleihen aus der Wiener Klassik (!) und bayerischen Blechbläserchanson, den es so wohl noch nicht gegeben hat. Geblasen und gezupft wird laut und mit Emotion.


 

Wer druckt, zupft, blost...

Hansi Auer, Ziach
Wenn man den Nachnamen „Auer“ hört und man nur im entferntesten etwas mit alpenländischer Volksmusik zu tun hat, werden die zuständigen Synapsen im Gehirn einen 3-fachen Felgaufschwung mit Telemarklandung turnen. Als gelernter Instrumentenbauer für Tasten- und Knopfinstrumente, Musiklehrer für diatonische Harmonika, studierter Tontechniker und diesem Familiennamen sind wir uns sicher, dass er wesentlich erfolgreicher wäre, hätte er den Weg der Solokarriere eingeschlagen.
Aber das sagen wir ihm nicht...

Michi Graf, Gitarre
Was soll man über Vaddi sagen?
Der Nachname ist ja sehr aristokratisch, aber das war`s dann auch schon. Der Herr Graf selbst fällt eher in die Kategorie „Sollen sie doch Kuchen essen, wenn sie kein Brot mehr haben“. Die Symbiose aus Schickeria und Gigolo hat ähnlich viele Lebensunterhaltsmaßnahmen wie der Hansi, nämlich Wirt, Gondoliere, Gartenpfleger, Vespahändler, Skilehrer, Caterer und Rodellehrer, nur leider mit mäßigem Erfolg. Deshalb haben wir uns entschieden, den liebenswerten alten Mann in unserer coolen Gang aufzunehmen und ihm einen möglichst angenehmen Lebensabend zu bescheren.

Korbi Weber, Flügelhorn
Da wir den Pöbel schon abgearbeitet haben, kommen wir nun zur intellektuellen Elite unserer Truppe.
Prof. Prof. h. c. Dr. med. Dr. h. c. Dr. h. c. Dr. h. c. Dr. h. c. Dr. h. c. Weber hievt den Universitätsabschlussdurchschnitt (Anm. der Redaktion: wtf, was ist das für ein unglaublich langes Wort) vom Keller ins zweite Untergeschoss. Von ihm stammt der bekannte Satz: „Die maximalen Volumina subterraner Agrarprodukte stehen in reziprogem Relativum zur intellektuellen Kapazität ihrer Produzenten.“ 
Keine Ahnung was er genau damit meint, irgendwas mit Bauern und Kartoffeln oder so. 
Typisch Klerus, immer schön nach unten treten.

Wasti Höglauer, Flügelhorn
König Ludwig II. sagte einst über Wasti`s Geburtsort Anger, dass es wohl das schönste Dorf Bayerns sei. Es gibt zwei Möglichkeiten sich von der Richtigkeit dieses Satzes zu überzeugen: Entweder man googelt den Luftkurort im wunderschönen Berchtesgadener Land und bestaunt den seit 1882 komplett unveränderten Dorfplatz, oder man unternimmt einen Ausflug dort hin und befragt die wenigen verbliebenen Zeitzeugen selbst, die vor Ort graumeliert den Dorfanger schmücken. Ansonsten führt Wasti ein relativ tristes Leben im Keller seines Elternhauses, wo er hauptsächlich mit roter Birne hohe Trompetentöne übt. Aber fragen sie ihn selbst wenn sie ihn treffen, das mag er....

Manu Haitzmann, Basstrompete

Danke Kohl, Danke Schengen!
Euch haben wir ihn zu verdanken. Kaum wurde 1997 die Grenze vom strukturschwachen österreichischen Pinzgau ins gelobte Land Oberbayern geöffnet, schon hatten wir ihn an der Backe und jetzt kriegen wir ihn nicht mehr los. Aber mal im Vertrauen:
Der Manu is schon ein netter Kerl, so ist es nicht. Das Problem liegt eher bei uns. Da er spielt wie ein junger Gott und dabei noch aussieht, als hätten Kaiserin Sissi und Richard Lugner ein gemeinsames Tête-à-Tête in einer Besenkammer in der Wiener Hofburg gehabt, stellt er uns halt musikalisch und optisch dermaßen in den Schatten, dass man schon eher von einer Sonnenfinsternis sprechen muss.
Da Neid is a Sau!

Stefan Huber, Tuba
Wie sagt man so schön: Das Schlimmste kommt zum Schluss. Und damit meinen wir nicht nur das Instrument (Anm. der Redaktion: Ist das überhaupt eins?). Der Huaba kam zur Tuba wie alle jungen Musikanten, die die riesengroße Ehre haben, ein unhandliches Stück Etwas im Sommer bei 40 Grad Celsius, solierend vor einer leeren Ehrentribüne beim örtlichen Gaufest, 10km durch die Metropolen Bayerns zu schleppen:
Er war ein dickes, unbeliebtes Kind. Und jetzt?Nun ja, ein Kind ist er keins mehr..

Alone Together – Liebe, Verve, Melancholie & das „Great American Songbook“ 
Karl Ratzer: Gitarre, Stimme Ed Neumeister: Posaune 

Karl Ratzer & Ed Neumeister spielen seit 10 Jahren in diversen Ensembles des Gitarristen zusammen und haben sich nunmehr auch als Duo gefunden. Ihr brandneues Programm „Alone Together“ erweist dem „Great American Songbook of Jazz“ seine Reverenz (CD/LP erscheinen im Herbst 2021 bei ENJA Records). 
In den Reigen der Jazz-Klassiker Body & Soul, I Thought About You oder Alone Together fügen sich die zwei Eigenkompositionen (Sabah El Nur & Señor Lopez) von Karl Ratzer stimmig ein. Alles mit unnachahmlicher Verve & Kreativität gespielt und mit einem sicheren Gefühl für die Songs (Lyrics inklusive), auch wenn es sich (fast) ausschließlich um instrumentale Versionen handelt; I’m Old Fashioned, der einzige, von Karl Ratzer gesungene Song, erinnert an Chet Baker, mit dem der Gitarrist auch auf Tournee war. 

Dieses Duo der Superlative, in der eher seltenen Besetzung von Gitarre & Posaune, beweist durch seine Interpretation dieser Songs eindrücklich, daß Jazz-Standards nicht altmodisch oder aus der Zeit gefallen sind und daß deren Essenz etwas Ewig-Gültiges, Zeitloses hat, das jung und alt heute genauso berührt wie es dies damals auch getan hat. Die unverwechselbare Atmosphäre der 20er & 30er Jahre im New York des vergangenen Jahrhunderts erwacht auf der CD/LP „Alone Together“ zu neuem pulsierendem Leben. 

Karl Ratzer spielte seit Anfang der 1960er Jahre in diversen (eigenen) Rock-, Funk- & Soulbands, in den 70ern ging er in die USA (Zusammenarbeit mit Jeremy Steig, Joe Chambers, Dan Wall, Chaka Khan, Chet Baker, u.a.), nach seiner Rückkehr nach Wien in den 80ern begann er sich mehr und mehr dem Modern Jazz zuzuwenden, ohne die funkigen Grooves zu vernachlässigen. Ein wichtiger musikalischer und spiritueller Einfluß für ihn war und ist der Pianist Fritz Pauer, der ihn mit Musikern zusammenbrachte, die an der Musikuniversität Graz unterrichteten, wie Howard Curtis und Ed Neumeister, die dann auch Teil des Karl Ratzer Quintetts mit Johannes Enders und Peter Herbert wurden, mit sehr erfolgreichen Auftritten in Österreich und Europa. In der Folge entstand daneben auch ein Trio (mit P. Herbert & H. Curtis) und kam es auch zur Zusammenarbeit mit Franz Koglmann (tp, flh). CD-Produktionen wie „Tears“, „My Time“, Underground System“ belegen eindrücklich die Vitalität der Musik dieser Ensembles, die nach wie vor aktiv sind. 

Ed Neumeister stammt aus den USA (West Coast), begleitete Stars wie Frank Sinatra, Nancy Wilson und Sarah Vaughan, spielte ab 1980 in New York in den Bigbands von Lionel Hampton, Buddy Rich & Gerry Mulligan, danach über 15 Jahre im Duke Ellington Orchestra (Posaune & Arrangements) und parallel dazu im Mel Lewis Orchestra (mit Joe Lovano & Tom Harrell). Neben seinen Jazz- Aktivitäten spielte er auch in Sinfonie-Orchestern in San Francisco und New York. Anfang der 2000er Jahre zog er nach Graz, wo er 17 Jahre an der Musikuniversität unterrichtete. Er gründete mehrere eigene Ensembles (u.a. mit Fritz Pauer, Piano und Jay Clayton, Vocals) in Österreich, Los Angeles und New York, wohin er 2017 zurückkehrte. Während seiner Zeit in Österreich holte ihn Karl Ratzer in sein 2012 gegründetes Quintett, das nach wie vor besteht (Konzerte zu Silvester & Neujahr im Porgy & Bess in Wien werden seit Jahren traditionell von Karl Ratzer Ensembles mit Ed Neumeister bestritten). 

„Alone Together“ ist ein Konzentrat und Destillat aller gemachten Erfahrungen der Interpreten mit dem Repertoire des „Great American Songbook“. 
Eine melancholische und respektvolle Liebeserklärung an eine Zeit, die unwiederbringlich vergangen ist, von Karl Ratzer und Ed Neumeister jedoch wieder zu neuem Leben erweckt wird!

KARL RATZER

Es gibt nicht viele österreichische Musiker, die von sich behaupten können, einen auch international hervorragenden Ruf zu genießen. Der Jazzgitarrist Karl Ratzer ist einer davon. Egal ob in Amerika oder hierzulande, überall wird der Wiener wegen seines außergewöhnlichen Gitarrenspiel geschätzt. 
Ratzers Karriere begann im zarten Alter von 15. Jahren. Als Mitglied der legendären Band Gypsy Love, bei der er neben Jano Stojka, Kurt Hauenstein und Peter Wolf spielte, machte er sich bereits in frühen Jahren einen Namen. Anfang der 70er Jahre zog es den Ausnahmemusiker in die USA, wo es ihm innerhalb kürzester Zeit gelang, Fuß zu fassen. Die Liste der Namen mit denen Karl Ratzer zusammenarbeitete, liest sich wie das "Who is who" der jüngeren Musikgeschichte.
So war er gleich in ein Projekt mit dem Namen "High Voltage" involviert, in dem er sich gemeinsam mit der heute weltberühmten Chaka Khan die ersten Sporen verdient hat. Gefolgt von zahlreichen Kooperationen mit internationalen Größen wie Jeremy Steig, Art Farmer, Clark Terry, Lee Konitz oder Steve Grossman, kehrte Ratzer schließlich 1980 in seine Heimatstadt Wien zurück. Seither war er als Gastprofessor an diversen Hochschulen für Musik und darstellende Kunst tätig.
​Einem Europäer unüblich, besitzt Karl Ratzer die Gabe, seinem Blues jene Tiefe zu verleihen, die dem Zuhörer das Gefühl vermittelt, als stamme der Musiker selbst aus dem Mississippi-Delta. Wie alle großen seines Genres beherrscht der Wiener "Enttäuschungen genießbar zu machen, das Widrige und Niedrige nicht bloß auszuhalten, sondern es musikalisch zu vergolden."

Karl Ratzer kam 1950 in Wien zur Welt. Eine Stadt, in welcher der überstandene Krieg noch sichtbar war. Seine Familie hatte unter der Nazi-Diktatur besonders zu leiden und der Start ins Leben schien schwierig. Doch Karl Ratzer war die Musik in die Wiege gelegt. Von einem Wunderkind kann man nur deswegen nicht sprechen, da die äußeren Umstände nicht geeignet waren, ein so begabtes Kind zu fördern. Er begann schon sehr früh sich selbst das Gitarre spielen beizubringen. Fast noch im Kindesalter wurde er Mitglied der Vienna Beatles, eine der besten Livebands im damaligen Wien und schon mit 15 Jahren hatte er als Gitarrist und Sänger der Band Slaves einen Tournee-Vertrag durch die Schweiz und Deutschland in der Tasche. 

Als er Wien 1972 verließ, um in die USA zu gehen, war er ein Rockstar, der von seinen Fans kultartige Verehrung genoss.
In den Staaten konnte er sich sofort in der Szene etablieren. Er wirkte bei der Band High Voltage mit. Diese Formation wurde später unter Rufus & Chaka Khan berühmt. Aber auch viele andere bekannte Musiker luden ihn zur Zusammenarbeit ein. Karl Ratzer sog die amerikanische Musik auf wie ein Schwamm. Schnell war er in den verschiedensten Stilen beheimatet. Funk, Soul, Jazz und über all dem, der Blues, so wie er zwischen dem Süden und NYC gewachsen ist. Keine Schule, keine Universität sondern das Leben in den Clubs, erst in Atlanta dann in NY, ließen ihn zu einem der weltbesten Gitarristen reifen. 1977 erfolgte die erste Bandgründung mit Jeremy Steig, Dan Wall, Eddie Gomez, Joe Chambers und Ray Mantilla. Die erste LP mit dieser Band kam dann 1978 bei Vanguard heraus. Genre: Blues, Funk / Soul, Jazz.

Neben seiner virtuosen Technik, war es vor allem die Stilsicherheit im Sound, die er sich in den Amerikajahren aneignete. Seine Gitarre klingt immer authentisch, egal ob er Rock, Blues oder Jazz spielt.

JAZZ, JAZZ, JAZZ ....

1980 brachte ihn eine Tournee mit Chet Baker nach Europa. Er kehrte schließlich nach Auftritten in Italien, Frankreich und der Schweiz nach Wien zurück. Den Live Mitschnitt aus Paris im Gepäck konnte er gleich wieder in die Wiener Szene einsteigen. Er spielte mit allen Größen des heimischen Jazz und traf auf unzählige internationale Stars, die in Wien Station machten. Nun war er es, der die verschiedenen Projekte initiierte und leitete. Seine Kompromisslosigkeit in Sachen musikalische Qualität, machte es seinen Partnern nicht immer leicht. Für seine Musik aber wurde er von den Musikern verehrt und vom Publikum geliebt. In diesen Jahren begann auch seine Lehrtätigkeit an verschieden Schulen und Instituten. Er entwickelte eine eigene praxisbezogene Unterrichtsmethode für Gitarristen verschiedener Reifestufen. Von 1999 bis 2003 war er als Gastprofessor an der Kunstuni Graz. 2004 wechselte er an das Vienna Music Institute und das Vienna Konservatorium, wo er bis Dato als Dozent tätig ist.

Dieser musikalische Lebensabschnitt spiegelt sich in einem Zitat von Karl Ratzer selbst wider: "Ich spiele nicht mehr Gitarre, sondern ich mache Musik."

Die sprunghafte Zeit des Suchens und Experimentierens ist vorbei. Gegenwärtig arbeitet Karl Ratzer an einigen wenigen Projekten. Er möchte sein Wissen, sein Können und seine Erfahrung vor sich Ausbreiten und daraus die notwendigen Elemente nehmen um sie mit höchster Präzision in diesen Projekten zusammenzufügen. Seine Kompositionen erhalten Arrangements und seine Bands Bläsersätze. In diesem Rahmen lässt Karl Ratzer seine Gitarre klingen wie es nur wenige vermögen und sein Gesang berührt das Publikum.

„Ich verbrachte wunderbare Jahre in den USA und hatte geniale Lehrer wie Joe Chambers, Eddie Gomez oder Jeremy Steig, die meine Musik bis heute prägen. Bedauerlich ist, dass diese talentierten Musiker in ihrer Heimat kaum Anerkennung oder Jobs finden und oft nach Europa kommen, um überleben zu können. Dabei denke ich mir manchmal, Österreich ist ein Operettenland, da muss doch auch für uns Jazzer Platz sein und die Möglichkeit bestehen, mit unserer Musik Geld zu verdienen.“ 

TOI. MITTEN AUS DEM LEBEN. MITTEN AUS DEM PITZTAL

Alexander Goidinger (keys,vox)
Philipp Hager (dr,vox)
Wolfgang Henn (b,vox)
Stephan Mathoi (guit,vox)

TOI zeichnen sich zum eine durch einen unverkennbaren Band-Sound aus, zum anderen durch die Texte.  Diese sind in einem Dialekt aus dem Tiroler Oberland gehalten.  Für den TOI-Texter Stephan Mathoi stellt das Schreiben im Dialekt die ehrlichste Art des Liedermachens dar.  
Mit viel Wortgewandtheit, Kritik, aber auch Humor widmen sich die Texte dem Alltäglichen, welches sich mittlerweile über etliche Grenzen hinweg immer mehr ähnelt.  Auch wenn es sein mag, dass nicht jedes einzelne Wort verstanden wird, so ist der Sinnzusammenhang für Aufgeschlossene auch im weiten Umkreis des Tiroler Oberlandes zu ergründen.

Neben dem Dialekt ist der einzigartige Bandsound ein wichtiges Element der Band TOI – dieser ist mit Drums, Kontrabass, Fender Rhodes und akustischer Gitarre erfrischend unkonventionell.  Dazu gesellt sich mehrstimmiger Gesang.      
Aber auch die musikalischen Zutaten tragen zur Wiedererkennbarkeit von TOI bei.  Die vier Musiker verstehen es, viele stilistische Quellen anzuzapfen und alles zu einer schlüssigen Mischung zu verschmelzen.  Dadurch wird gewährleistet, dass die Vielfalt der Texte sich auch in der Musik niederschlagen kann.  Jeder Song ist ein Erlebnis für sich und doch ist alles eins.  Mit verspielter Freude und Intensität widmen sich TOI Improvisationen.  Somit wird jedes TOI-Konzert aus sich heraus schon zu etwas Einzigartigem.

In vielen Tiroler Wörtern wird ein Laut verwendet, der klanglich irgendwo zwischen a und o zu Hause ist.  Um ihn aufzuschreiben wird ein kleines Ringlein über einem konventionellen a verwendet – also das å.  Vom Klang her ist das Tiroler å vergleichbar mit so manchem a im Englischen.  Zum Beispiel all, ball, fall, call, tall,
Bei Wörtern wie röide (=reden) kommt die Buchstabenkombination öi vor.  Gesprochen wird es wie e-i.  Wenn man aber e-i schreiben würde, verwechselt man es stets mit dem ei (gesprochen: ai).  Die Schreibweise mit öi ist also eine Annäherung, da die Buchstabenkombination des tatsächlich Klingenden im Hochdeutschen schon vergeben ist und gänzlich anders ausgesprochen wird.  Wenn man wieder Englische Vergleiche zur Aussprache des öi ziehen möchte, würden sich die Wörter say, stay, day, may usw. anbieten.  Das Ei bleibt auch in Tirol das Ei! Lei! Lei! Diese drei Wörter sind wohl jene, die man im Wennerischen am öftesten hört.  Sie werden als Füllwörter benutzt und können - vor allem das it - mannigfaltige Bedeutungen haben.  Um all diese Facetten auszuloten bräuchte es noch mal eine komplette Seite in dieser Broschüre.  Am besten ab ins Pitztal oder zum TOI-Konzert ins Treibhaus

Lukas Lauermann, 1985 in Wien geboren, arbeitet als Live- und Studiomusiker, Arrangeur und Komponist mit Bands und KünstlerInnen wie Donauwellenreiter, Ritornell, Soap&Skin, ALASAC, Mimu Merz und Der Nino aus Wien zusammen. Theater- und Performanceprojekte mit Gelatin, Saint Genet, u.a. gehören ebenso zu seinen Tätigkeitsfeldern, wie Musikproduktionen für Hörspiel und Film. Über 40 Veröffentlichungen sind im Zuge von Kollaborationen bereits entstanden.

Das zweite Soloalbum  des Cellisten und Komponisten Lukas Lauermann, viel gefragter Gast überall dort in der zeitgenössischen Musik, wo es experimentell zugeht und sich trotzdem niemand die Ohren zuhalten muss. Das Opus trägt den Titel „I N“ und beschreibt einen besonderen Zustand: Jemand geht IN sich und bekommt im selben Augenblick INput von außen. Beim Durchschreiten der 12 Halbtöne der Musik erklingen neben dem Cello auch Stimmgabeln, Synthesizer und Klavier. Manchmal werden diese Klänge elektronisch verändert, manchmal aber auch durch das Cello gehört, wodurch das altehrwürdige Instrument in einer maximalen Erweiterung der Spieltechniken zum Klangkörper für andere Tonquellen wird.

„Cello-Töne aus einer fernen Welt, ein Konzentrat aus dem Schönstmöglichen.“ (Falter Jahrescharts)

Elektronisch erweiterte, barrierefrei – modern – klassische Kompositionen, die Herz und Hirn erfüllen. Lukas Lauermann, 1985 in Wien geboren, arbeitet als Live- und Studiomusiker, Arrangeur und Komponist mit Bands und KünstlerInnen wie Donauwellenreiter, Alicia Edelweiss, Soap&Skin, Der Nino aus Wien, Mira Lu Kovacs und Ritornell zusammen. Letzte Arbeiten als Studiomusiker für Wanda, André Heller und Tocotronic. Theater- und Performanceprojekte mit Gelatin, Saint Genet, u.a. gehören ebenso zu seinen Tätigkeitsfeldern, wie Musikproduktionen für Hörspiel und Film. Über 40 Veröffentlichungen sind im
Zuge von Kollaborationen bereits entstanden. Seit einiger Zeit ist der „wohl vielseitigste und produktivste Cellist des Landes“ (Der Standard). Konzertreisen bringen Lukas Lauermann regelmäßig in bekannte Spielstätten auf der ganzen Welt, zum Beispiel La Cigale Paris, Royal Festival Hall London, National Concert Hall Taipeh, Burgtheater Wien, Philharmonie Köln, auch Festivals in Kasachstan, Malaysia und Kanada standen bereits auf seinen Tourplänen.

DENK feiert 20+1 Jahre Bphnenjubiläum und 50 Jahre Birgit Denk -
​im Treibhaus // Dialektmusik, seit mehr als 20 Jahren.

Birgit DENK und ihre Mannen kommen endlich wieder einmal nach Innsbruck.
Alexander Horstmann, Ludwig Ebner, Mag. Harald Wiesinger, Philipp Mayer und Birgit “die Denk” spielen an diesem Abend ihre Band “Hits”, inclusive Backstage Geschichten der letzten 20 Jahre. Ein Abend voller Spielfreude, Unterhaltung und Nähe im perfekten Rahmen.
Seit 2000 neben dem Trend, neben dem Zeitgeist, kein “Hit”, der österreichweite Durchbruch immer verschoben. Objektiv betrachtet 20 Jahre “Komplett out”, wie sie schon vor Jahren in einem Lied bekannten. Die Band ist ehrlich zu sich, ihrer Musik und dem Publikum. Selbstbewusst neben der Spur, aufrecht dem eigenen Anspruch verpflichtet, herzlich, und musikalisch wie menschlich “zamm ghatzt” wie der Wiener sagt. Das wird geschätzt und ist der Grund, warum sie noch immer da sind.
Das wird ein lauschiger Abend im Garten des Treibhauses.
Ein Abend zum Entdecken und wiedersehen.

Geht es nach dem Umfang ihres Wikipedia-Eintrags, ist Birgit Denk nicht in der A-Liga des heimischen Musikgeschehens zu finden. Hier wird gerade einmal vermerkt, sie wäre Sängerin und Texterin, 1971 in Hainburg geboren, hätte eine nach ihr benannte Band und sei Moderatorin der ORF III-Sendung "Denk... mit Kultur".
Aber der Eintrag - und damit der Eindruck - täuscht. Birgit Denk ist eine der wichtigsten weiblichen Vertreterinnen der aktuellen österreichischen Populärmusik-Szene. Erste Gehversuche unternahm sie im Umfeld der Ostbahn Kurti-Crew; Texter Günter Brödl schrieb auch für sie einige Songtexte, Denk stand mit Willi Resetarits im Studio und auf der Bühne. Ihre erste eigene Band hieß Hertz und spielte brachialen Metal. Anno 2000 entstand die Formation Denk, bis dato hat sie acht Alben veröffentlicht. Mit ihr setzt Birgit Denk auf deutschsprachige, aus dem Leben gegriffene Mundart-Texte und selbstbewussten Rock'n'Roll mit Lokalkolorit.

Aber auch mit ihrem Kabarett-Seitenprojekt Birgit Denk & die Novaks und unzähligen Kollaborationen machte sie sich nachhaltig bemerkbar. Zudem ist sie als TV-Host, Radiomoderatorin, Kolumnistin, Jurorin und engagierte Lobbyistin in Sachen österreichischer Musik seit Jahrzehnten höchst aktiv. Mit der Formation Denk hat sich die Namensgeberin ein treues Publikum erspielt, zur Renaissance des Dialekts im lokalen Popgeschehen und der Wiederkehr des Austropop und Wienerlieds im modernen Gewand hat Birgit Denk ihr Scherflein beigetragen. Was eventuell noch fehlt, ist ein nachhaltiger Charts-Hit - bei der Ernsthaftigkeit und Energie unserer Protagonisten aber wohl nur eine Frage der Zeit

Virtuosität und Zauber an Instrument und Stimme, konterkariert von mitunter bis zum Anschlag ausgereizter Direktheit in den Erzählungen; der Mut mit einer gewissen Schrägheit den vorhandenen Pop-Appeal in die Zukunft zu ziehen, gekoppelt mit selbstbewusstem Auftreten und klarer Botschaft: MIRA LU KOVACS hat sich auf ihren Aufnahmen, auf und abseits der Bühne ein üppiges Häuschen mit Garten im Gedächtnis der musikinteressierten Öffentlichkeit eingerichtet.
2021 erscheint mit “What Else Can Break” zum ersten Mal ein Album unter ihrem eigenen Namen.

Unter dem Namen Schmieds Puls veröffentlicht sie 2013 (“Play Dead”) das erste von drei außergewöhnlichen Alben im Trio-Format. Es folgen “I Care A Little Less About Everything Now” (2015), das mit dem Amadeus Award ausgezeichnet wird, und das betörende “Manic Acid Love” (2018).
Die Bandbreite von Miras Schaffen wird dabei beständig erweitert – zuletzt durch die Zusammenarbeit mit Clemens Wenger (Jazzwerkstatt Wien, 5/8erl in Ehr’n), mit dem sie für “The Urge Of Night” ihre Stücke für ein eigens zusammengestelltes, zehnköpfiges Ensemble neu in Szene setzt. Jeder erreichte Meilenstein gilt als Ausgangspunkt für die nächste Entwicklungsstufe; neue Stücke, neue Formen, neue Möglichkeiten.
Nicht umsonst kollaboriert Mira Lu Kovacs auch leidenschaftlich mit Kollegen – etwa in der aufregenden Experimental-Pop-Formation 5K HD. Sie spielt in ungewöhnlichen Theaterproduktionen (“Ganymed in Love”), eröffnet die Wiener Festwochen (2018), kuratiert das Wiener Popfest (2019), verstärkt die ‘Supergroup’ My Ugly Clementine an der Gitarre und setzt das Belvedere Museum akustisch in Szene (2019) und ist wiederum berührender Teil der grandiosen Eröffnung der Wiener Festwochen 2021.
Die gebürtige Burgenländerin hat nach drei Trio-Alben als SCHMIEDS PULS nun erstmals in Bedroom-Recording-Sessions im Alleingang ihre Vocals und ihre Gitarrenspuren aufgenommen. Eigentlich wäre sie als Kind ja gerne Schlagzeugerin geworden, von ihren Eltern bekam sie allerdings eine Gitarre geschenkt. Und die Gitarre führte zu einem Gitarrenlehrer, der sie zum Singen ermunterte. Und ihre selbstkomponierten Songs führten sie mittlerweile schon um die halbe Welt. Auch in kosmopolitischen Kollektiven wie MY UGLY CLEMENTINE oder 5K HD weiß sie ihre Stimme und ihr Melodie- und Melancholie-Gespür gezielt einzusetzen. Wie schlagkräftig introspektive Töne sein können, das beweist sie nun auch wieder mit der aktuellen Veröffentlichung „What Else Can Break“, auf der sich auch ein fast zwanzig Jahre altes Stück wiederfindet

Der Output und die Vielseitigkeit von Mira Lu Kovacs sind jenseitig. Nicht alle zwei Jahre ein Album, eher zwei Alben pro Jahr plus x Kooperationen. 2013 erschien die vielfach preisgekrönte Sängerin, Singersongwriterin und Komponistin als Mastermind des Trios Schmieds Pulsauf der Bildfläche, mit Balladen, zielgenau und treffsicher wie ein sauberer Schussins Schwarze. Niemand kommt vor KovacsLiedern ungeschoren davon. Als Stimme der avantgardistischen Supergroup 5K HDexperimentiert sie mit Effekten und Verfremdungen, bei den Grunge Pop Senkrechtstarter*innen My Ugly Clementinespielt sie als Sidewoman Gitarre, mit Clemens Wenger transformierte sie ihre Lieder in Arrangements für ein 10köpfiges Ensemble, dem Wiener Belvedere Museum komponierte sie das Corporate Design –Mira Lu Kovacs wechselt fliegend dieRollen auf dem breiten Spektrum zwischen Pop, Hochkultur, Experimenteller und Elektronischer Musik.Mit What Else Can Breakpräsentiert die Ausnahmemusikerin das erste Album explizit unter ihrem Namen, ein wunderschönes Überlebensalbum, ein musikalischer Unterschlupf, abgrundtief und geborgen.„Ich empfinde eine so große Liebe für dieses Album, weil es so schonungslos leidend und ehrlich ist und sich damit befasst! Es läuft nicht weg, es ist sehr mutig.“Mira Lu Kovacsmacht für das postpatriarchale Zeitalter klar: Gefühle zu zeigen ermächtigt. Radical Softness ist das Werkzeug der Rebellion. „Die extremste Form gewisse Dinge zum Ausdruck zu bringen ist, sie leise zu tun.“Von Stuckbis Stay A Little Longerzieht Mira Lu Kovacsaus ihren Liedern einen Schmerz, der uns spüren lässt, dass es sich in dieser Scheiß-Welt zu leben lohnt. Off you go: Düster, leichtfüßig, beruhigend, trauernd, augenzwinkernd, beschwingt. „Wäre Corona nicht gewesen, hätte ich 1000 Sachen gleichzeitig gemacht, aber nicht dieses Album geschrieben. Ich hätte nicht die Zeit gehabt, so viel emotional zu hinterfragen, so viele Stunden mit mir selbst zu verbringen und so detailliert an jedem einzelnen Sound zu arbeiten.

Für den Entstehungsprozess war das eine Traumsituation.“Alle Vocals hat Mira Lu Kovacsalleine mit sich im „Corona-Bedroom-Studio“ eingesungen. Jeder Song ist von dieser Nähe und Intimität durchdrungen. What Else Can Breakist das unprätentiöseste ihrer bisherigen Alben, close to home. Auf dem Track Zufriedenheithören wir das erste Riff, das Kovacsin ihrem Leben geschrieben hat, als Kind, das einfach macht, was sich richtig anfühlt. Statt astrein das Virtuose zu verfolgen, stößt What Else Can Breakauf eben diesen Kern, der alles ausmacht: Ein paar Akkorde und die Wahrheit.Es ist verwunderlich, wie wohltuend dieses Schmerz-Album klingt. Man ist gut gelaunt, wenn sich Mira Lu Kovacsin Humanihrer irdischen Hülle entledigen will (finally free), in Most Beautiful Boymaximal verloren schmachtet, in Want You das ewige Hin und Her in einen Dance-Ohrwurm verwandelt.Viele Songs auf What Else Can Breakfungieren wie entwaffnende Traumfrequenzen, ziehen von einem Gefühlsdestillat ins nächste: Nicht weinen zu können (Stuck), ein vererbtes Trauma in sich zu tragen (84), sich aus einer toxischen Beziehung herausziehen zu müssen (Pull Away), angeklagt werden zu wollen (Hold Me Responsible), das Grauen in ihrem Gesicht zu sehen (Bad Deal), den eigenen Schatten als zu guten Freund zu haben (All The Time), sich nicht umzubringen (Stay A Little Longer).Als Protagonistinnnen treten Mira Lu Kovacs' Stimme und Gitarren auf, hinzu kommen –nicht bei allen Nummer und in wechselnder Zusammensetzung –Alex Kerblam Schlagzeug, Beate Wiesingeram Bass und Mona Matbou Riahi an der Klarinette.„Es war für mich das Natürlichste der Welt, dieses neue Kapitel aufzumachen. Nicht mehr einen Bandsound mit einer feststehenden Besetzung zu verfolgen, sondern mich soundmässig komplett zu befreien und mit jedem Song alles neu entscheiden zu können.“Abgesehen von den beiden Nummern Stuck(mit Marco Kleebauer-Leyya, Bilderbuch, Oehl) und Pull Away (mit Grammy-Nominee Yakob) hat Mira Lu Kovacseinen Großteil des Albums gemeinsam mit Sophie Lindinger(Leyya,My Ugly Clementine) produziert.
„Sophie muss man als Genie deklarieren. Sie ist im Gegensatz zu mir komplette Autodidaktin, gleichzeitig können wir uns in musikalischen Entscheidungen sehr gut nachvollziehen. Gerade weil sie selbst singt, Lieder schreibt, Gitarre und Bass spielt, kann sie sich in so viele Dinge hineinversetzen. Wir haben uns in der Produktion perfekt ergänzt.“

Caecilie Norby – vocal 
Lars Danielsson – cello/bass  
Ulf Wakenius - guitar

Cæcilie Norby ist die grande dame des skandinavischen Gesangs: Gleich ihr Debut in Sachen Jazz wurde Album des Jahres in ihrer Heimat, von da an ging es stetig nach oben. Sie sang bei Ray Brown und Dianne Reeves, den Brecker Brothers und John Scofield – von wegen »Queen of bad excuses«, so der Titel einer ihrer besten CDs. Schließlich lernte sie den Bassisten und Produzenten Lars Danielsson kennen, mittlerweile haben sie eine 19-jährige Tochter.
Danielsson gehört zu den gefragtesten Bassisten Europas und ist ein herausragender Komponist. Auch eine Duo-CD haben die beiden veröffentlicht: Ihre leicht angerauchte Stimme und sein knurrige Kontrabass passen wunderbar zusammen. Ergänzt wird dieses Jazz-Traumpaar von dem famosen Gitarristen Ulf Wakenius, der vor drei Jahren mit Iiro Rantala ein unvergessliches Konzert im Treibhaus gespielt hat.

LARS DANIELSSON

Kunstvoll und mit unübertrefflicher Leichtigkeit formt Lars Danielsson  farbenreiche Klänge zu fantasievollen atmosphärisch dichten Kompositionen. Lars Danielsson geht es um Gefühl und Tiefe. Er will nicht denken, sondern spüren und so den Hörer eindringlich empfinden lassen. Für Lars Danielsson, den Meister des Wohlklangs an Bass und Cello, liegt die Kraft der Musik in der Melodie. Sie ist der Keim, das Energiezentrum, aus dem sich alles entfaltet. Für diese Spielhaltung steht „Liberetto“ auch zum dritten Mal ein.
Seine Musik  ist der Keim, das Energiezentrum, aus dem sich alles entfaltet.  Liberetto: Danielssons Wortschöpfung wird endgültig zum Synonym seiner Kunst: Steckt darin doch mit „Libretto“ der Verweis auf die abendländische Kunstmusik als Quelle für seine Kompositionen und den ihnen innewohnenden lyrischen, sanglichen Charakter. Dann verbirgt sich darin aber ebenfalls das lateinische Adjektiv „liber“ (frei), das für die Improvisation, für die individuelle Anpassung der Formen und Vorgaben, vor allem aber für das grenzenlose Musikverständnis von Danielsson steht.

Parisini wuchs, unterbrochen von einem einjährigen Aufenthalt in Sydney, in Wien-Alsergrund auf, wo sie 2005 auch ihr Studium der Philosophie und der Theaterwissenschaft mit einer Diplomarbeit über Gilles Deleuze und Jim Jarmusch abschloss.
„Der Mensch strebt nicht nach Glück, nur der Engländer tut das“ polemisierte Philosoph Friedrich Nietzsche 1889 in „Götzendämmerung oder Wie man mit dem Hammer philosophiert“ gegen einen Impetus, der im Zeitalter des Neoliberalismus breitflächig unter Verdacht gekommen ist. Das Wohlfühlen, das Glücklichsein ist heute oft nur noch eine Art Utopie. Violetta Parisini, studierte Philosophin und originäre Singer/ Songwriterin verlacht diese Gefahr: „Wirklich glücksbegabt war Nietzsche nun wirklich nicht. Heutzutage ist es schwer, weil wir auf Perfektion getrimmt werden. Wir müssen alle toll ausschauen, funktionieren, gesellschaftsfähig und im Idealfall auch glücklich sein. Ich weiß, mich macht Musik glücklich. Trauer, Depression und Wut muß ich ausdrücken, bevor es wieder gut wird. Mit Musik geht das am besten.“ philosophiert Violetta Parisini

Violetta Parisini - Gesang / Rhodes
Emily Stewart - Geige
Peter Rom - Gitarre
Hanibal Scheutz - Bass
Alex Pohn - Schlagzeug

Nichts ist schöner, als sich in einem Kunstwerk wiederzufinden, sich verstanden zu fühlen. Die Lieder von Violetta Parisini machen genau das. Die hörbare Verletzlichkeit und gleichzeitige Lebensfreude erzeugen Resonanz, auch bei ihren Konzerten, die von einer unaufgeregten Emotionalität geprägt sind. Violetta Parisini teilt sowohl ihre Zweifel, als auch ihre Zuversicht mit uns, und wir erkennen uns darin wieder.

Seit ihrem Philosophie-Studium in den 00er-Jahren schreibt und singt Violetta Parisini, zuerst als singende DJ, später mehr und mehr als Songwriter ihrer eigenen Lieder. Im Jahr 2010 wurde ihr erstes Album „Giving You My Heart To Mend“ auf Universal Music veröffentlicht und in der österreichischen Medienlandschaft begeistert aufgenommen. Gemeinsam mit dem Produzenten und Songwriter Florian Cojocaru veröffentlichte sie zwei Jahre später auch ihr zweites Album, „Open Secrets“. Die Songs auf den zwei Alben bewegen sich zwischen Pop und Singer-Songwriter-Musik, und bleiben im Ohr – und im Herzen.

Man muss nicht unverwundbar sein, um stark zu sein. Ganz im Gegenteil.

Im Laufe der Jahre auf der Bühne hat Violetta Parisini ihre Stärken geschärft: der authentische Ausdruck von allzu menschlichen, manchmal widersprüchlich scheinenden Gefühlen und Gedanken, Mut zur Verletzlichkeit und Texte, mit denen viele sich identifizieren können, weil sie der verwirrenden Komplexität des Lebens Rechnung tragen.

Ihr nächstes Album „Alles Bleibt“ wird im Februar 2020 auf dem von ihr und dem Produzenten Sixtus Preiss gegründeten Label „Else Records“ veröffentlicht. Es ist erstmals in ihrer Muttersprache getextet.
Das hängt auch damit zusammen, dass Violetta Parisini seit ihrem zweiten Album zwei mal Mutter geworden ist. Das Eltern-Werden stellt so manches Leben auf den Kopf, und bringt ganz neue Themen und Erfahrungen mit sich: das Hadern mit gesellschaftlichen Erwartungen an Mütter, die alles in den Schatten stellende Liebe zu einem Kind, der Schmerz, den große Veränderungen manchmal mit sich bringen. Violetta Parisini thematisiert diese scheinbar widersprüchlichen Gefühle, sie haben nebeneinander gut Platz in einem Leben, das vielleicht verwirrend, aber ganz und gar lebenswert ist. Das wird in ihren Liedern manifest, mit liebevoller Selbstironie, und wir singen fröhlich mit, ein paar Tränen im Augenwinkel.

Dass bei Bluatschink ein Ehepaar auf der Bühne sitzt, ist in der Musik-Szene ja doch etwas ganz Besonderes. Toni Knittel: „Margit stammt aus dem Unteren Lechtal und ich komme aus dem Oberen Lechtal.  Daher kann man schon sagen, dass wir eine multikulturelle Ehe führen. Aber beim Dialekt sind wir uns zum Glück einig – wir singen Oberlechtalerisch! Wer uns erlebt, der weiß: Dies ist die Liedermacher-Variante von DIE SCHÖNE UND DAS BIEST! Manche sagen auch DER  SCHÖNE UND DAS BIEST – aber das sind die mit den ganz dicken Brillen!“  Wir würden hier noch ergänzen: Wer die beiden auf der Bühne erlebt, der spürt vom ersten Ton, dass die Leidenschaft für die Musik die beiden intensiv verbindet und ihr zweistimmiger Gesang und der unverwechselbare Lechtaler Dialekt lassen da eine Magie entstehen, die absolute  Authentizität ausstrahlt.

Beim neuen Programm erwartet die Konzertbesucher ein Mix aus alten „Schinken“ die in Österreich schon wahre Gassenhauer geworden sind wie „A Schalele Kaffee“, „I han di gera“ oder „Funka fliaga“ – aber es werden auch viele neue Songs zu hören sein. Und der Titelsong  „BEI MIR UMS EGG“ bringt auf den Punkt, was dem Musik-Duo ein Anliegen ist: Besinnung auf Regionalität und Originalität – auch in kultureller Hinsicht! In einer Zeit, in der Musik immer 
mehr von Computern produziert wird, in der Künstler aus Finnland und Musiker aus den USA nicht mehr von einander zu unterscheiden sind, legt Bluatschink großen Wert auf Unverwechselbarkeit. Es werden in den Liedern und in den Zwischentexten Geschichten erzählt, in denen sich die Konzert-Besucher wiedererkennen. Die urige Naturlandschaft ihrer Lechtaler Heimat spiegelt sich in ihrem Dialekt und in ihren Liedern immer wieder aufs Neue! Rainhard Mey, Fredl Fesl oder Konstantin Wecker - Toni Knittel stellt eine Mischung aus diesen drei Künstlern dar. Er betrachtet die Welt mit einem verschmitzten Lächeln, blödelt liebend gerne 
mit seinem Publikum und so hat der Bluatschink mit seinen Liedern nicht gerade die Welt  verändert, aber immerhin seinen geliebten Lech-Fluss vor der Verbauung gerettet!  Zwei Jahrzehnte ist Toni Knittel nun schon als Songwriter maßgeblich dafür verantwortlich, dass  die Musik dieser Band die Hitparaden der Alpenrepublik gestürmt hat. Und egal, mit welchem  Programm der kreative Glatzkopf aus dem Lechtal auch unterwegs ist, es wird jedem  Konzertbesucher schnell klar werden, dass man es hier mit einem Liedermacher der guten alten Schule zu tun hat. 
Die Texte sind kritisch, ohne dass mit dem Zeigefinger gefuchtelt wird. Es wird nach Herzenslust  geblödelt und trotzdem ist das Zeltfest in weiter Ferne. Und es werden berührende Geschichten erzählt, die das Leben geschrieben hat und in denen sich das Publikum wiederfindet.