THOSE WE LOST  --  A visual concert

In Zeiten globaler Epidemien kommt es immer wieder zu Stigmatisierung bestimmter Gesellschaftsgruppen. Einseitige Berichterstattung und Stimmungsmache nähren Hass, Ausgrenzung und Vorurteile gegenüber der „Anderen“. Inspiriert von Gideon Mendels Fotoband the ward beschäftigt sich Haitzmann in THOSE WE LOST mit den Überlebensstrategien der LGBT-Bewegung in den 80er und 90er Jahren angesichts der damals um sich greifenden AIDS-Krise.​
Ausgehend von der Frage, wie Mut und Zusammenhalt einer vergangenen Bewegung noch heute Impulse im Kampf um gesellschaftliche Gerechtigkeit geben können, zollt dieses performative Solokonzert den Toten Tribut und sucht gleichzeitig nach Inspiration für die Lebenden. Dabei treten Video- und Audioaufnahmen aus der damaligen Zeit in Dialog mit neuen Kompositionen, die dem Ringen um Stolz und Würde in Krisenzeiten eine heutige Stimme geben.
THOSE WE LOST ist gleichzeitig Verbeugung und Kampfansage, ebenso sehr Danksagung wie Aufschrei.​

Matteo Haitzmann ::  Violine, Oktav-Violine, Gesang, Konzept, Komposition
Lukas Froschauer :: Tontechnik

MATTEO HAITZMANN: PORTRAIT IM "FALTER"

Politischer Pop mit Streichquartett
Der österreichische Geiger und Performer Matteo Haitzmann beeindruckt mit seinem Artpop-Solodebüt
GERHARD STÖGER FEUILLETON, FALTER 18/22 VOM 04.05.2022

Matteo Haitzmann scheint ein höflicher Mensch zu sein. Entsprechend peinlich ist dem längst in Wien heimischen Salzburger Musiker, dass er auf den Interviewtermin vergessen hat. Mit dem Rad kommt er angehetzt, seine Entschuldigung zählt aber: Er packt gerade für einen Umzug nach Berlin, an der dortigen Universität der Künste will der 31-Jährige seinen Master im Fach "Solo/Dance/Authorship" machen.

Tanz? Ja, stimmt schon. Haitzmann spielt als studierter Jazz- und Barockgeiger zwar in diversen Ensembles, dem 13-köpfigen Jazz-Flohzirkus Little Rosies Kindergarten etwa oder dem Quintett Alma, das sich traditioneller österreichischer Musik zeitgenössisch nähert. Aber er pflegt noch ein anderes Ausdrucksmittel: Performance und Tanz.
Sein nun als aufwändig gestaltete CD vorliegendes erstes Soloprogramm "Those We Lost" eint beide künstlerischen Bereiche. Inspiriert durch einen Bildband, würdigt Haitzmann in ausschließlich mit Streichern unterlegten und bei aller Zurückhaltung doch eindringlichen englischsprachigen Balladen Aids-Aktivistinnen und -Aktivisten der 1980er und 1990er, die einst gegen Ignoranz, Vorurteile und die Stigmatisierung als "Homosexuellenseuche" kämpften; für medizinische Versorgung, Aufklärung und Identitätsstiftung.

Als schwuler Mann und politisch interessierter Menschen versteht er diese in kunstvollen Pop verpackte Danksagung und Erinnerung keineswegs rein historisch. Der Musiker möchte daraus auch Inspiration für gegenwärtigen Aktivismus ziehen - und liefern.
"Dass sich die Kunst aus der Politik heraushält, geht für mich in bewegten Zeiten nicht", sagt Haitzmann, der zur Thematik von "Those We Lost" auch einen Workshop für Schulen anbietet. "Ich möchte mich nicht hinter dem Ansatz verstecken, dass Musik eine universelle Sprache sei, ich will mich möglichst konkret positionieren. Natürlich muss nicht jede Musik, die man konsumiert, politisch aufgeladen sein. Auch ich liebe es, einfach einmal ein Tanzkonzert zu spielen, bei dem alle ausgelassen feiern und für den Moment die Welt um sich vergessen. Aber ich wünsche mir, dass kunstschaffende Personen klar Stellung beziehen."
Zuletzt arbeitete der Geiger intensiv daran, ein erweitertes Konzertformat zu finden, um seine Botschaft möglichst genau und doch ästhetisch anspruchsvoll zu vermitteln. Auf der Bühne wird "Those We Lost" nun zu einer sinnlichen Multimediashow mit Projektionen, Filmeinspielungen und Licht respektive Dunkelheit als wichtiges Element.
Welches Genre-Mascherl er seiner ersten Soloarbeit verpassen soll, weiß Haitzmann nicht so recht, von Pop hat er kaum eine Ahnung. John Cale, klassisch geschulter Viola-Meister aus Wales mit Artpop-Faible? Nie gehört. Dafür schwärmt er mit ansteckender Begeisterung davon, wie abgefahren Renaissancemusik sei, die er als Hörer bevorzugt konsumiert: "Ich würde gern stärker in den Pop hineinfinden, aber letztlich fehlt mir da doch oft die Originalität."
Die eigene Politisierung habe stark mit seiner Sexualität zu tun, erklärt der Musiker und Performer. Selbstverständlich sei auch 2022 nichts, noch nicht einmal in einer Stadt wie Wien. "Schlendere ich mit meinem Freund Hand in Hand die Straße entlang, geht ein Teil von mir immer davon aus, dass ein blöder Kommentar fällt - und das passiert auch regelmäßig", sagt Haitzmann. Dass er schwul ist, war ihm früh klar, Rolemodels aber fehlten im Salzburger Heimatdorf. "Ich war meine ganze Kindheit lang beim Trachtenverein, Schuhplatteln und so weiter also", erzählt er. "Seit ich zwölf war, lautete die große Frage der vier Dörfer im Umkreis dann: Ist der Matteo jetzt schwul oder nicht? Ich war halt auch leicht lesbar: Fußball hat mich nicht interessiert, die Geige dafür umso mehr."
Haitzmann ging mit 19 in die Stadt, studierte an der Linzer Bruckner-Uni und an der Akademie der bildenden Künste Wien; er modelte und arbeitete mit dem Choreografen Simon Mayer. Den Lebensunterhalt bestreitet er seit frühen Studientagen mit Musik, durchaus auch einmal im Bierzelt - das er, Feingeist hin oder her, privat nach wie vor gern besucht: "Die Runde muss halt passen."
Seinen vorläufigen Abschied aus Wien feierte Haitzmann dann auch mit einem fidelen Stammtisch: "Es wurde ausschließlich Volksmusik gespielt, den ganzen Abend getanzt - und selbst meine Freunde von der Bildenden haben es geliebt."

MATTEO HAITZMANN - ViTA

Geboren und aufgewachsen in Unken (Salzburg Land) spielten Volksmusik und Brauchtum von Anfang an eine große Rolle in seinem Leben. Zuerst passiv, später, als die Geige in sein Leben trat, aktiv. Sowohl musizierend als auch tanzend. Nach dem dörflichen Leben, das alles beinhaltete, was man sich so vorstellt (Trachtenverein, Schuhplatteln, Bierzelte usw.), folgte die Landflucht.
Seit 2009 lebt Haitzmann in Wien, studiert Jazz Geige an der Anton-Bruckner-Privatuniversität-Linz bei Andreas Schreiber, Barock Geige bei Michi Gaigg, und Performance Kunst bei Carola Dertnig an der Akademie für Bildende Kunst Wien.
Weiters ist er Gründungsmitglied des Ensemble ALMA (www.almamusik.at) und dem Improvisation Kollektivs Little Rosies Kindergarden, wirkte bei Produktionen von Anna Mendelssohn und Ursula Reisenberger mit und steht momentan u.a. mit Simon Mayer für das Stück „Sons of Sissy“ auf der Bühne.

otto grünmandl: robinson freitag und das krokodil / tiroler erstaufführung

„Wir leben schon lange auf dieser Insel. Zu zweit. - Zu zweit allein ist nicht dasselbe wie allein zu zweit.“

Grünmandl über das Stück:
„Robinson und Freitag sind die einzigen Menschen auf der Insel im ozeanischen Meer. Jeder von ihnen hat eine der beiden Landzungen zu seinem Territorium erklärt, die zum Meer hin auseinanderklaffen. Auf der Insel selbst befindet sich ein brodelnder, vulkanischer Sumpf, in dem ein schreckliches Krokodil hausen soll. Ihre ausweglose Lage scheint darin zu bestehen, dass sie sich gegenseitig umbringen wollen, aber nicht können. Daher ist ihr Spiel ein kannibalesisches, weil sie sich auf menschenfressende Weise gegenseitig belauern und es aufeinander abgesehen haben, ham ham …

Otto Grünmandl ist zurück. In einem seiner Wohnzimmer, dem Treibhaus, in welchem nicht nur seine Politischen Trotteln und sein Antlitz an der Wand prangen, sondern viele seiner Werke zur Ur- und pausenlos ausverkauften Wiederaufführung gelangten. Wenn es sowas wie sich schließende Kreise gibt, dann mit der nunmehrigen Tiroler Erstaufführung seines überhaupt erst zwei! mal gespielten Theaterstückes „Robinson, Freitag und das Krokodil.“ 
„Ich stehe auf dem Standpunkt: jeder Mensch hat das Recht bei stürmischer See ins offene Meer hinauszuschwimmen. Alles andere wäre Einmischung in die Privatsphäre. Und das lehne ich ab.“
Bei der Uraufführung 1989 an den Münchener Kammerspielen gab Grünmandl selbst den Robinson, sein kongenialer Lebens-Spielpartner Kurt Weinzierl den Freitag. Im Treibhaus versuchen sich Hannes Pendl und Thomas Lackner in die beiden gestrandeten Streithähne zu verwandeln. 
Begleitet werden sie dabei von zwei ehemaligen Wegbegleitern Grünmandls, dem Regisseur Klaus Rohrmoser sowie dem Akkordeonisten und Musiker Siggi Haider. Ob er das Krokodil spielt, überlegt der Treibhausintendant noch. 

„Wir können uns nicht gegenseitig umbringen. Können schon. Aber wir hätten nichts davon. Weil wir es nicht überleben würden.“

Wie erhellend und erheiternd und erschreckend zeitlos das Grünmandlsche Werk sein kann, manifestiert sich in diesem grotesken und kurzweilig aberwitzigen Bühnenstück. Von sich mit physischer und psychischer Kriegsführung bekämpfenden, in der Isolation alleingelassenen Egomanen über ignoranten Schiffskapitänen die vom sinkenden Board gehen und Flüchtenden Zutritt verwehren bis hin zu explodierenden Energiekosten und grantigen Oberkellnern aus Bundeshauptstädten.

„Einer muss den Anfang machen, muss den Teufelskreis durchbrechen. Ich rüste allein ab.“ "...kostet doch Energie und das ist überhaupt das teuerste das es zur Zeit gibt.“

Robinson

Hannes Pendl Schauspielstudium am Max Reinhardt Seminar in Wien bei Klaus Maria Brandauer und Peter Simonischek. Filmarbeit mit Michael Haneke und Iztvan Szabo. Engagements u.a. am Schauspielhaus Wien, Landestheater Tirol, Schauspielhaus Salzburg, Theater der Jugend Wien sowie dem Stadttheater Klagenfurt. Diverse Film- und TV-Produktionen. U.a.: Arbeiten unter der Regie von Ulrich Seidl, Sabine Derflinger, Laura Pleifer und Wolfgang Murnberger sowie in den TV-Serien „Soko Donau“ und „CopStories“.

Freitag

Thomas Lackner
Stimm- und Sprech-Studium an der University oder London. Lehraufträge u.a.: an der Universität Innsbruck und der Hochschule für Musik Würzburg.
Ensemblemitglied u.a.: am Landestheater Coburg sowie von 2006 bis 2012 am Tiroler Landestheater Innsbruck. Zahlreiche freie Produktionen, Soloprogramme, Rezitationen und Regiearbeiten, zuletzt Ilse Aichingers "Spiegel im Spiegel" im Salon des Treibhauses Innsbruck.

Musik

Siggi Haider
Der Axamer Musiker ist als Akkordeonist seit vielen Jahren solistisch und im Duo unterwegs (seit 2011 mit Tochter Juliana). Komponist von zahlreichen Theater- und Hörspielmusiken, Zusammenarbeit u.a.: mit Werner Pirchner, Bert Breit, Felix Mitterer, Tobias Moretti, Martin Sailer, Haimo Wisser. 2004 Mitwirkung bei der Produktion „Die Beichte“ von Felix Mitterer (ausgezeichnet mit dem europäischen Hörspielpreis Prix d`Italia). 2008 - 1. Preis beim Austrian World Music Award mit AkkoSax. Im selben Jahr Schauspieler im mit dem in Locarno mit dem silbernen Leoparden ausgezeichneten Film „März“ von Händl Klaus. Lehrauftrag am Tiroler Landeskonservatorium. 
Lang tingelte Siggi mit Otto Grünmandl als Mountainsinger durch die Kabarettbühnen des Landes.

Regie

Klaus Rohrmoser
Ausbildung am Lee Strasberg Institute in New York, Arbeiten als Regisseur und Schauspieler u.a.: an der Freien Volksbühne Berlin, Schauspielhaus Bochum, Volkstheater Wien, sowie Theater in der Josefstadt. Insgesamt über 100 Inszenierungen, 13 Jahre lang war er Schauspieldirektor am Tiroler Landestheater. Zahlreiche Film- und Fernsehrollen. Stand u.a.: gemeinsam mit Otto Grünmandl, Hans Brenner und Dietmar Schönherr vor der Kamera. 1990 Gewinn des renommierten Max Ophüls Preises. Am 15. September erschien sein Roman „Flüstern“ im danube books Verlag.

Blubbern, Tanzen, Echoen: Seit bald zwei Jahrzehnten begeistern Dub Spencer & Trance Hill mit ihrem einzigartig-virtuosen Mix aus Dub-Reggae und elektronischer Tanzmusik. Nebst einer unverkennbaren Klangästhetik und dem tierischen Groove spielt auch Humor eine essenzielle Rolle. Egal ob Italowestern, Spoken Word oder Goldies: Die vier Schweizer schaffen es mühelos, Einflüsse jeglicher Couleur aufzunehmen und daraus Eigenes zu schaffen.
Hunderte von schweißtreibenden Club- und Festival-Shows sowie die langjährige Partnerschaft mit dem berühmten Dub-Label Echo Beach (Stewart Copeland, Dub Syndicate, Jan Delay) und Mischpult-Meister Umberto Echo formten das Quartett zu einer der stärksten Live-Bands Europas inklusive dem wohl besten Bandnamen der Welt, so eigen wie einzigartig.

Rund 20 Jahre sind Dub Spencer & Trance Hill im Musikbusiness unterwegs und nach wie vor hungrig wie eine Raupe im Blätterwald.
Vermeintlich dominierte dabei stets die Dub-Komponente, egal, ob sie humorvoll- intelligent mit Weihnachtsliedern, Spoken Word oder Italowestern vermischt wurde. Doch spielte immer auch das Elektronische, Psychedelische, der «Trance» eine wichtige Rolle im Schaffen der europaweit bekannten Schweizer Band, was live zu schweißtreibenden Shows der Sonderklasse führte. Nun endlich erhält diese Facette ihren gebührenden Platz auf dem neuen, zwölften Longplayer des Quartetts: «Imago Cells» heißt das Album und markiert eine Metamorphose.

Luiku ist eine spannende World-Beats-Band aus Kiew, derr Hauptstadt der Ukraine. Ihre leidenschaftliche Musik ist inspiriert von mediterranen und ukrainischen Traditionen und von Musikkulturen des Balkans, und wird gespielt mit elektronischer wie auch analoger Perkussion, kraftvollen Blechbläsern, magischen Frauenstimmen, Akkordeon und vielem mehr. Der Bandleader und Songschreiber ist der bekannte ukrainische Musiker und Produzent Dmytro Tsyperdyuk.

Das Projekt Luiku begann zunächst als Soundtrack-Auftrag für einen Dokumentarfilm und entwickelte sich anschließend zu einem vollständigen Konzertprogramm. Der Name "Luiku" bezieht sich auf die Figur des "Loiku Zabara" aus dem berühmten Film "Das Zigeunerlager zieht in den Himmel" und dem westukrainischen Wort für Onkel, "Vuiko". Die Verwendung zahlreicher und vielseitiger ethnischer Motive in Luikus Musik ist das Ergebnis von Dmytros langjähriger Leidenschaft für Weltmusik. Während seiner langen Reisen in die transkarpatischen Regionen nahm er exklusives Musikmaterial auf, und lernte verschiedene einheimische Instrumente zu spielen. Infolgedessen ist Luikus Musik eine bunte Mischung aus verschiedenen Musikstilen, die in der weitläufigen Karpatengegend zu finden sind. Klänge aus der Ukraine, der Türkei, Polen, Ungarn und von Roma und Rumänen, sowie vom ganzen Balkan finden sich wieder. Und diese dynamische Mischung heißer Karpaten-Beats ist vor allem eins: extrem gut tanzbar!

Bon bedeutet in der persischen Sprache Wurzel. Die Musik der Familie Shaari findet ihre Wurzeln in der persischen klassischen Musik und ist von verschiedenen Regionen und Musiktraditionen Persiens beeinflusst. Sie lässt sich jedoch durch geographische Grenzen nicht einschränken, denn die Musik ist eine universelle und grenzenlose Sprache, der sich Künstler bedienen, um auszudrücken, was mit Worten nicht beschrieben werden kann. Mal findet das musikalische Gespräch zwischen den Instrumenten und mal zwischen dem Gesang und den Instrumenten statt. Während sich die tiefe Verbindung der persischen Poesie mit der Musik bemerkbar macht, wird durch das zentrale Element der Improvisation immer wieder Neues im Moment erschaffen. Die Musik der Familie Shaari widerspiegelt ein virtuoses musikalisches Gespräch iranischer Musiker*innen, zwar aufgebaut auf dem Boden der persischen traditionellen Musik, jedoch frei von jeglichem einschränkenden Rahmen.

Massoud Shaari Setar, Komposition 

Der weltweit berühmte Setar-Spieler, Solist und Komponist wurde 1961 in Teheran geboren. Schon in seiner Kindheit machte er sich mit den Instrumenten Santoor und Setar vertraut und im Alter von 20 Jahren begann er die Tar zu spielen. Seine Virtuosität im Bereich der klassischen persischen Musik verdankt Massoud Shaari zahlreichen Künstlern und Lehrern, die ihm nicht nur das Repertoire näherbrachten (Radif), sondern auch das System dieser Musik (Dastgah) bzw. die Kunst des Improvisierens. Zu seinen Wegbegleitern zählen Künstler wie Mohammad Reza Lotfi, Hossein Alizadeh, Ahmad Ebadi u.v.m. Neben seiner musikalischen Karriere als Setar-Spieler und Komponist ist Massoud Shaari Leiter des Musikinstituts Hamsaz, ein Institut welches sich auf das Erlernen der Setar sowie der klassisch persischen Musik spezialisiert hat. Des Weiteren ist er seit 25 Jahren Dozent an der Azad Universität in Teheran und leitet regelmäßig Seminare und Workshops in vielen weiteren Städten. Darüber hinaus war er für zumindest 23 Perioden bei nationalen Festivals fachliches Jurymitglied und ist Mitglied des Vorstands des iranischen Musikhauses. Seine letzte Publikation „The Structure of DASTGAH in Iranian Music“ resultiert aus seiner jahrelangen Vertiefung, Lehrtätigkeit und Auseinandersetzung mit der klassischen persischen Musik. Ein einfaches, aber gründliches Verständnis für das System der persischen Musik wird in dieser Publikation vermittelt. Massoud Shaari hat bereits etliche Alben in den verschiedensten Genres veröffentlicht, was seine Vertrautheit sowohl zur persischen Musik als auch zu anderen Musikrichtungen verdeutlicht. Er ist der Komponist des iranischen Abschnitts des Musikstücks "Peace Anthem for the 3rd Millenium", welches im Juni 2000 den ersten Preis beim internationalen Wettbewerb "Euromusica" gewann. 

Sina Shaari Oud, Gitarre, Komposition 

Sina Shaari wurde 1989 in Teheran geboren und wuchs im Kreise einer sehr musikalischen Familie auf. Bereits in seiner Kindheit war ihm die klassische persische Musik sehr vertraut, so begann er im Alter von 6 Jahren Tombak zu spielen. Mit 8 Jahren begann er die klassische Gitarre zu erlernen und mit 13 Jahren folgte das Instrument Oud. Insbesondere seine Eltern prägten seinen Werdegang und brachte ihm die Feinheiten der klassischen persischen Musik näher, aber auch weitere persische Musiker wie Keyvan Mirhadi, Arjang Kamkar, Bijan Kamkar, Farzad Daneshmand, Babak Amini, Emad Bonakdar und Kamran Omid förderten das Talent des jungen Künstlers. Mit 17 Jahren zog Sina Shaari nach Österreich, wo er sein Studium am Grazer Musikgymnasium sowie am J.J. Fux Konservatorium bei Johann Palier fortsetzte. In den Jahren 2008 und 2009 wurde er mehrmaliger Preisträger nationaler Wettbewerbe. Im Rahmen von „Prima la musica“ erreichte er zwei Jahre in Folge den ersten Platz in den Kategorien Solo Gitarre und Gitarrenquartett, jeweils beim Landes- und Bundeswettbewerb. Nach Abschluss des Musikgymnasiums und des Konservatoriums mit ausgezeichnetem Erfolg setzte er sein Studium an der Universität für Musik und darstellende Kunst Graz (KUG) mit dem Konzertfach Gitarre bei Martin Mysliveček und Lukasz Kuropaczewski fort. Er nahm auch an zusätzlichen Meisterkursen bei Paolo Pegoraro, Hugo Fernando González Zurita, Stefan Fuchs und Raphaella Smits teil. Für seine wissenschaftlichen Abschlussarbeiten beschäftigte er sich am Institut für Ethnomusikologie der KUG mit der klassischen persischen Musik und untersuchte diese Musikkultur auf der Theorie- und Praxisebene. Sein Masterabschluss folgte im Juni des Jahres 2021. Sina Shaari unterrichtet derzeit als Gitarren- und E-Gitarrenlehrer an der Zentralmusikschule Jennersdorf und hat bereits bei vielen Aufnahmen, Produktionen und Alben mitgewirkt, auch für mehrere eigenkomponierte Werke wie „Rohab“ oder „Niavaran“. Er hat bei vielen Konzerten und Produktionen im Rahmen von unterschiedlichen internationalen Festivals musiziert oder als Dozent mitgewirkt. 

Farahnaz Sahebghalam Gesang 

Farahnaz Sahebgahalam (Shaari) wurde im Jahr 1963 in Teheran geboren. Bereits in ihrer Kindheit zeigte sie ein großes Interesse am Singen. Später wurde sie durch ihren Ehemann – Massoud Shaari – vor allem spezifisch für den klassischen persischen Gesang inspiriert und setzte sich mit dieser Gesangstradition und der klassischen persischen Musik (Dastgahi-Musik) auseinander. Zu ihren wichtigsten Wegbegleiterinnen zählen unter anderem die iranischen Sängerinnen Sima Bina und Hengameh Akhavan. Zusätzlich zu ihren Konzert- und Lehrtätigkeiten trat sie im Jahr 2006 Hossein Alizadehs Ensemble Hamnavayan als Sängerin bei. Später gründete sie das Ensemble Hamsaz Banovan, bestehend aus iranischen Musikerinnen und Sängerinnen und trat mit diesem Ensemble an diversen Orten auf. Während sie sich im Laufe der Jahre sehr intensiv mit der persischen Literatur und der persischen Kalligraphie beschäftigte, setzte sie ihr Gesangsstudium beim kürzlich verstorbenen Maestro für den persischen Gesang, Mohammad Reza Shajarian fort. Farahnaz Sahebghalam ist als Sängerin bei vielen Konzerten in verschiedenen Ländern, sowohl im Iran, als auch in anderen Ländern wie den Vereinigten Arabischen Emiraten, Spanien und Österreich aufgetreten. Darüber hinaus hat sie bei vielen Produktionen und Aufnahmen international mitgewirkt, u.a. auch für Kompositionen ihres Ehemannes wie das Album Ghorub. Sie ist seit mehreren Jahren als Gesangslehrerin für den klassischen persischen Gesang tätig und hat bereits diverse Workshops im Iran und in anderen Ländern gehalten. Farahnaz Sahebghalam ist ein dauerhaftes Mitglied des Vereins der iranischen Sänger*innen.

Besetzung:
Querflöte (Sascha Rathey)
Horn (Tanja Schwarz)
Viola (Hans Martin Gehmacher)
Der Schauspieler Thomas Lackner wird den Text einerseits erzählen, andererseits aber auch immer wieder Szenen, gemeinsam mit den drei MusikerInnen, spielen.

Mit unserer Fassung der „Zauberflöte, kurz und knackig“ wollen wir diese Oper von Wolfgang Amadeus Mozart einem jungen Publikum live und, vor allem, unterhaltsam zugänglich machen. Sozusagen Oper zum Angreifen. Die Figuren der Handlung erinnern an ein Märchen. Mit dem Prinzen Tamino, der Prinzessin Tamina und dem Vogelfänger Papageno lässt Mozart wunderbare Identifikationsfiguren für Kinder auftreten. 
Es erübrigt sich fast zu erwähnen, dass die einzelnen Musiknummern nicht nur weltberühmt sind, sondern sie wegen ihrer eingängigen Melodik Kinder besonders ansprechen. 
Wir haben eine komprimierte Fassung erstellt, die die wichtigsten Handlungsstränge der Oper und vor allem die Musik den Kindern und den Eltern gleichermaßen näher bringen. 
Die Musik wurde für drei Instrumente arrangiert, nämlich Querflöte (Sascha Rathey), Horn (Tanja Schwarz) und Viola (Hans Martin Gehmacher). Der Schauspieler Thomas Lackner wird den Text einerseits erzählen, andererseits aber auch immer wieder Szenen, gemeinsam mit den drei MusikerInnen, spielen. Somit wird es den Reiz dieser Fassung ausmachen, dass musikalische, dramatische und erzählerische Elemente miteinander verschmelzen.
Sicherlich auch spannend, in so exponierter Rolle recht selten zu hörende Instrumente Waldhorn und Viola virtuos zu erleben ...

ISCHGL - Aufstand der Pinguine 

"Herrlich" (Der Standard)
"Ein furioser Bühnenabend" (Rai Südtirol.)
 "...voll mit abgründigem Witz und brillanter Beobachtungsgabe" (Südtiroler Tageszeitung.) 

ISCHGL ist ein Ein Après-Après-Ski-Abend, bei dem Tirol zum Ausgangspunkt einer irrwitzigen Reise wird, die genauso politisch wie persönlich ist. Durch Zeit und Raum, von den 1930ern über die Kreisky-Ära bis heute. Durch zwei Jahre Pandemie, von Wuhan nach Bergamo und zurück nach Ischgl - wo die einen alles richtig gemacht haben und die anderen alles besser wissen. Im zweiten Solo-Programm von Xaver Schumacher (Franz-Xaver Franz) wird Massentourismus zum Massentest, die Corona-Diktatur endlich Wirklichkeit, übernimmt der Tourismusverband die Impfkampagne, proben Pinguine den Aufstand, und beweist Xaver Schumacher, dass ihm alles vergangen ist, nur nicht das Lachen.
"Das Theatersolo entpuppt sich als eine Mischung aus Geschichtsstunde und Polit-Kabarett sowie als bitterböse Abrechnung mit dem Verhältnis von Politik und Boulevard, mit dem österreichischen Hang zur Täter-Opfer-Umkehr, mit selektiver Willkommenskultur, mit Judensternen auf der Brust von Corona-Leugnern und, und, und" (Der Standard)
"Ganz zu fassen kriegt man das Format nie. Von Anfang an mutiert es ständig. Vielleicht ist das ja das Besondere dran." (Tiroler Tageszeitung)
Franz-Xaver Franz (Xaver Schumacher) ist Theatermacher, Autor und Kabarettist. Zudem präsentiert er als Showmaster von "Postmodern Talking" Tirols außergewöhnlichste Talkshow. Meera Theunert ist Regisseurin und Autorin aus Hamburg. ISCHGL ist die vierte Zusammenarbeit der beiden Pinguin Fans.

Von und mit Xaver Schumacher (Franz-Xaver Franz)
Regie: Meera Theunert
Künstlerische Mitarbeit: Lia Sudermann, Martin Fritz, Elias Stabentheiner
Kostüm & Ausstattung: Wiebke Strombeck
Recherche: Sónia Melo
Grafik & Plakat: Matthias Stoll
Eine Postmodern-Talking-Produktion - www.postmoderntalking.com
,,Ischgl: Aufstand der Pinguine" ist ein Projekt der stadt_potenziale 2020

PREMIERENKRITIK TT

Am Anfang war der Mythos. Auch in Ischgl. Dort könnten Pinguine nicht angesiedelt werden, weil sie beim Blick in den Himmel, etwa bei der Annäherung eines Hubschraubers, einfach umfielen. Wie ein Käfer auf dem Rücken kämen sie nicht wieder auf die Beine, hieß es. Das ist natürlich Bullshit – auch wenn ein als Pinguin verkleideter Typ auf der Bühne die missliche Lage der Tierchen so schön veranschaulicht. Der Mythos aber wirkt. Weil eh alles, was aus Ischgl kommt, immer irgendwie unglaubwürdig klingt.
Allen voran das berühmte „Alles richtig gemacht“ der Pandemiefrühzeit, das wusste man schon damals. Vielleicht auch deshalb setzte das Theater-Kabarett „Ischgl. Aufstand der Pinguine“ (Regie: Meera Theunert) hier an. Mit Xaver Schumacher im Solo auf der Bühne ging es nach der Premiere in Brixen nun im Haller Stromboli für eineinhalb Stunden auf eine irrwitzige Reise durch zwei Jahre Pandemie.
Vorbei an der ersten Solidaritätswelle taucht das Stück rein in die Schwurblerdemo. Nicht ohne sich eine Welt mit Entschuldigungspflicht und Teststäbchen voll Kokain zu erträumen. Besser wird Tirol durch die semidokumentarische „Postmodern Talking“-Produktion nicht. Aber im Idealfall aufmerksamer.
Den nicht immer stringenten Schwall an recherchiertem Fakt, bizarrem Fake und klugem Flachs als unterhaltend zu bezeichnen, wäre falsch. Nicht nur einmal bleibt einem das Lachen im Hals stecken. Etwa wenn „DJ Massentest“ poltert, nachdem von Erschießungen im Holocaust die Rede war. Ganz zu fassen kriegt man das Format, das von „stadt_potenziale“ gefördert wurde, nie. Von Anfang an mutiert es ständig. Vielleicht ist das ja das Besondere dran. (bunt)

115 Tage hat Werner Kräutler im heurigen Sommer gebraucht, um von Rietz im Tiroler Oberland nach Finisterre am Ende der Welt zu spazieren. Was andere pilgern nennen war für ihn vor allem eine Fußreise durch die Kulturgeschichte Europas. Er hatte die Via Podiensis in Frankreich und den Camino Francès in Spanien früher schon absolviert und wurde nun Zeuge der teils tiefgreifenden Veränderungen an den Wegen. 

Kräutler wird am 6. Dezember ab 20 Uhr im Treibhaus Innsbruck von seinen Erlebnissen und Beobachtungen in Bild & Ton & Gschichtln berichten. Die dazugehörige Vernissage von Fotos der Reise findet 2 Tage später im Kooio in der Mariahilfstraße 40 statt.

Aus den rund 2.000 Fotos meines 'Kulturspazierganges ans Ende der Welt' die besten herauszusuchen, um mit ihnen Vortrag & Ausstellung zu gestalten, ist eine Herkulesaufgabe. Hier einige Kostproben.

Am Ende der Welt: die letzten Meter.

Die 15. und letzte Woche meines Spazierganges wird mich Schritt für Schritt meinem eigentlichen Ziel näherbringen. Santiago lasse ich hinter mir (nicht ohne denen eins hineinzusemmeln - siehe unten) und lustwandle 4 Etappen lang durch uraltes neolithisch-keltisches Land, Galizien genannt. Der ‚Camino Fisterra‘ führt von Santiago aus dorthin, wo die Welt zu Ende ist. Und dieses Ende verorte ich vor allem in einer unfassbar attraktiven Bar in Finisterre, die ‚A Galeria’ genannt wird. Erst hier ist’s für wahre Kulturspazierer und Freunde gepflegter Welten-Wanderungen quasi aus und vorbei.
Während mich die Verfechtersleute der Flacherde immer wieder vor dem jäh auftretenden Weltenende warnen, wage ich mich trotzdem todesmutig an deren alleräussersten Rand. Dorthin, wo Stürme toben und grausame Seeungeheuer ihr Unwesen treiben und der Ozean plötzlich im Nichts versinkt. Dorthin, wo zuerst Bronzezeitler, dann Kelten und Römer zogen und heute Vögel wie ich inne halten um in die Weiten des Atlantik zu blicken.
Nur eine aussergewöhnliche Institution bietet umfassenden Schutz vor dem Sturz über die Welten-Scheibe. Es ist die Bar ‚A Galeria’ In Fisterra. In der schönsten Bar der Welt muss ich mehrere Tage verweilen um mich gegen die drohenden Gefahren zu immunisieren. Das erfolgt unter Einnahme grandioser Swing-Musik, galizischer Geheimsäfte und genialer Tappas.
Der solcherart gestärkte Didier d‘Autriche darf erst dann an die eigentliche, höchst gefahrvolle Schlussaufgabe herangehen, den absoluten Nullpunkt des Sternenweges aufzusuchen. Der Erfolg dieser haarsträubend lebensgefährlichen Expedition sollte anschliessend in der Leuchtturm-Bar am Kap Fisterra mit einem ordentlichen Drum Laphroaig begossen werden. Dieses (schottisch-keltische) Trankl vertreibt Seeungeheuer gleichermassen wie übel gesinnte Flacherdler. Darüber wird noch in einem Abschlussbericht zu lesen sein.
Aber nun noch einige Worte zu Santiago, das ich kürzlich passieren durfte. Es sind 2 Dinge, die ich los werden will:
1. Wenn es Kirche und/oder Stadt für notwendig erachten, den Obradoiro-Platz mit einem weiss-kitschigen, pfeifenden „Bummelbär-Zug“ quasi zu entweihen und Luxuskarossen der Hotelgäste der Nobelherberge ‚Parador’ mit ihren Millionenschlitten den historischen Platz zu einem schnöden Parkplatz machen dürfen ist‘s nicht mehr ‚mein‘ Obradoiro, nicht mehr ‚mein Santiago‘. Hier haben sich Pilgersleute jahrhundertelang nach ihrem langen Spaziergang niedergesetzt, Tränen der Freude vergossen und ihre neu gewonnenen Pilgerfreunde umarmt. Von hier aus sind sie dann über die Treppen zur ‚Pórtica da Gloria’ hoch gestiegen, um die Kathedrale zu betreten. Dieser Zugang ist jetzt auch für Pilgersleute verriegelt, das Prachtportal unsichtbar. Die Beliebigkeit hat also selbst an diesem historischen Platz wieder einmal über die Geschichte, die Schönheit und Ausgeglichenheit gesiegt. Walt Disney würde jubeln.
2. Wenn die Kirche glaubt, den Botafumeiro (das ist das riesige Weihrauchfass, das einst die feinen Nasen der Priesterkaste mit Wolken aus wohlriechendem Harz vor den Ausdünstungen der gemeinen Pilger schützen sollte) nur noch dann schwingen zu wollen wenn jemand 450 € dafür löhnt, dann verzichtet sie grob fahrlässig auf kultisches Brauchtum. Weihrauch dokumentiert höchste Feierlichkeit und wird in sog. Hochämtern eingesetzt. Damit verkommen Pilgermessen zu normalen Messen wie sie täglich auch in Hintertupfingen gelesen werden. Eine gröbere Missachtung der vielen Pilgersleute, die hunderte, wenn nicht sogar tausende Kilometer weit hierher geeilt sind gibt‘s eigentlich gar nicht. Aber: Die Kirche macht wieder einmal auf bettelarm. Offenbar um ihren unermesslichen Reichtum zu kaschieren. Ein tägliches Schäufelchen Weihrauch würde die Kirche sicher nicht in den Bankrott führen.
Von den Security-Guards in der Kathedrale red ich jetzt gar nicht. Die gehören offenbar auch zur Inszenierung.
Zusammengefasst: Santiago ist zu einem Ort verkommen, in dem die Händler den Tempel übernommen haben und verkommene Beliebigkeit fröhliche Urständ feiert. Aber das hätte ich ahnen können. Auch deshalb rate ich allen potentiellen Pilgersleuten, Finisterre und die Bar A Galeria als eigentliches Abschlussziel zu wählen.

TUMULTI

Tumulti kann man nicht schmecken. Nicht riechen. Nicht greifen. Schwer fassen. Tumulti ist groß. Tumulti ist klein. Manchmal laut. Manchmal leise.Tumulti siehst du nicht. Musikalisch, textlich und kreativ bewegt sich die Band - wie die Herkunft der 6 Musiker - auf einem Dreiländereck. Alpin-urbaner Alternative mit Akkordeonsound und Dialekttexten. Eine Reise in neue alte Geschichten.
kurz: multi tumulti ...

Coco Woolf

Elektropop Märchen. Eine Erzählung mit bunten Klängen. Popsongs die ebenso ausgefallen wie sonderbar familiär anmuten. Durchringende Transparenz, elegantes
Chaos. Brilliant und verspielt.
Besetzung:
Heidi Erler: Gesang Electronics und Vocoda
Isobel Cope : Gesang, Electronics, Trompete, Gitarre und mehr
Chris Norz : Drums und Electronics
Maurice Schotman: Bass und Electronics

https://www.youtube.com/watch?v=e7ixhvIbJtw

Wenige Jazz-Pianisten haben die Kunst des Solo-Spiels so intensiv und konsequent ausgelotet, wie Iiro Rantala. Nun bringt er einige Best-Of Stücke seiner bisherigen Solo-Alben „Lost Heroes“, „My Working Class Hero“ und „My Finnish Calendar“ live auf die Bühne. Darunter sind Eigenkompositionen wie „Tears for Esbjörn“, „Pekka Pohjola“ oder „November“ und Song-Klassiker wie John Lennons „Woman“ oder „Imagine“. Was alles verbindet, sind Iiro Rantalas große pianistische Virtuosität, die leidenschaftliche Art der Interpretation und ein enormes stilistisches Ausdrucksspektrum zwischen Jazz, Klassik und Pop. Live überzeugt Iiro Rantala mit seiner starken Bühnenpräsenz und die für ihn so typischen, humorvollen Geschichten zwischen den Stücken.

*

Woran erkennt man den finnischen Sommer? Der Regen wird wärmer!“. Pianist Iiro Rantala widmet sein drittes Soloprojekt auf ACT ganz seinem Heimatland Finnland und der Mentalität seiner Bewohner*innen, ihrer Melancholie, ihrem Humor und dem einzigartigen finnischen Geist. Iiro Rantala erzählt diese Geschichte anhand von zwölf Kompositionen – einer für jeden Monat. Mit Virtuosität, Elan und Witz – und vielen Anekdoten über die finnische Seele, wie sie nur von Iiro Rantala in seiner schelmischen Art stammen können.

Iiro Rantala ist ein Chamäleon des Jazz. Der finnische Pianist liebt es, in verschiedene Rollen zu schlüpfen und überrascht immer wieder mit ausgefallenen Albumkonzepten. Das gilt besonders für seine Solo-Projekte. Mit „My Finnish Calendar“ schlägt er ein neues Kapitel improvisierter Programmmusik auf: Aus seiner ganz persönlichen, finnischen Sicht vertont er den Jahreslauf seines Heimatlandes. Mit der für ihn typischen Mischung aus melodischem Erfindergeist, Melancholie und Humor, mit der gewohnten technischen Finesse und der über die Jahre erworbenen Souveränität, auf die Kraft des Wesentlichen zu vertrauen.

Jeder Monat, jedes Stück dieses Albums führt ein künstlerisches Eigenleben. Und was sich nicht direkt aus dem Klang erschließt, das erläutert Rantala in den humorvollen Anekdoten seiner Linernotes. Wie stark die Inspiration sprudelte wird gleich zum Jahresauftakt deutlich: „January“ eröffnet den Reigen als wuchtig-schwermütige Hymne in Moll, getreu Rantalas Einschätzung als „Monat der Reue“: „Die Finnen bereuen, an Weihnachten und Neujahr zu viel ausgegeben, gegessen und getrunken zu haben. Viele reinigen ihr System und legen einen alkoholfreien Monat ein – was sie nicht glücklicher macht.“ Das glatte Gegenteil erklingt dann im Februar: Ein fröhlicher, sehr flotter Stakkato-Wirbel fegt über einen hinweg, sind die Finnen doch nun „in Bestform, wenn der Schnee kommt. Alle Arten von Wintersport machen sie glücklich.“ Doch schon im März ist es lange genug kalt und dunkel; die Finnen sind vom Winter gelangweilt, und so erklingt Rantalas „March“ als perlender, leicht melancholischer Chanson – träumen doch viele „von einem Trip nach Paris, wo der Frühling schon nah ist“.

Für jeden Monat findet Rantala eine treffende musikalische Erklärung. Von der mit abgedämpften Klaviersaiten immer dynamischer werdenden „Planung des kurzen Sommers“ im Mai über den „Käsekuu“, den „Sommermonat“ Juni, der in Wahrheit noch kalt und regnerisch ist und so eine fast kabarettistische Melodie-Entsprechung findet, bis zum Reisemonat Juli und dem wettertechnisch besten Sommermonat August, in dem aber alle schon wieder zur Schule gehen und arbeiten müssen – was Rantala in einer strengen, fast klassischen Fuge auffängt. Von der sentimentalen, mit grandioser Steigerung dahinließenden Romantik des herbstlichen Septembers und dem stürmischen Oktober bis zum Dunkel des Novembers, das Rantala als sehr zum finnischen Wesen passend mit einer wohligen Ballade interpretiert. Hin schließlich zum bis zur Erschöpfung arbeitsreichen Dezember – „in dem alles angelegt ist, was die Finnen im Januar bereuen“, wie Rantala sagt und spielend zum Ausdruck bringt. Womit der Reigen auf das Neue losgehen kann, und tatsächlich möchte man diesen finnischen Kalender sofort noch einmal hören.

„My Finnish Calendar“ ist das nunmehr dritte Soloalbum von Rantala. Damit führt er sein künstlerisches Credo konsequent fort, das er auch bei seinen beiden vorangegangenen Einspielungen verfolgt hat: „Jazz braucht Melodien. Er braucht etwas, an das die Leute andocken können“. Auf seinem ACT-Debüt „Lost Heroes“ (2011) bewies Rantala seine herausragende Fähigkeit, großen Vorgängern und Vorbildern von Bill Evans, Erroll Garner und Art Tatum bis zu Esbjörn Svensson, Michel Petrucciani oder gar Luciano Pavarotti ein Denkmal zu setzen - ohne sie zu kopieren, sondern mit einer eigenen Handschrift. Und 2015 nahm er dann sein Publikum mit der Interpretation der Musik John Lennons gefangen: Auf unerhört feinsinnige Art und im echten Jazz-Spirit gelang Rantala mit „My Working Class Hero“ eine Hymne auf den großen Pop-Revolutionär. Und nun erweist er sich also als jazzmusikalischer Erforscher der finnischen Jahreszeiten...

Peter Alexander, nicht der berühmte, sondern der wegen seines Namens oft genervte Anfang 50er, wartet in der „08/15-Bar“ auf das Ergebnis eines Ausbildungs-Zulassungsgespräches.  Er erzählt, warum ihm Menschen, besonders in Gruppen, immer schon ein Gräuel waren. Zeit seines Lebens hat er versucht, gegen seine Misanthropie anzukämpfen, scheiterte aber mit all seinen Bemühungen bereits im Kindergarten, bei diversen Vereinen und Arbeitsstellen. Ähnlich erging es ihm in Beziehungen. Er ist weder moralisch noch unmoralisch, weder gut noch böse und auf gar keinen Fall korrumpierbar, nicht von den sogenannten Bösen, aber auch nicht von den sogenannten Guten – kurz, es gibt wohl nur Wenige, die er im Laufe seines Lebens nicht mit seinen Wahrheiten vor den Kopf gestoßen hat.
Jetzt mit Anfang 50 will er es noch ein letztes Mal wissen. Er startet noch einmal einen Versuch, in seinem Leben Fuß zu fassen. 
Eine neue Ausbildung scheint wie gemacht für ihn. Ein dreijähriges Bachelor-Studium zum „Contract-Killer“ auf einer Privatuni mit Ausbildungscamp auf über 2.500 Metern mitten in den Tiroler Alpen.
Werden wir Zeugen wie ein durchschnittlicher Lebensentwurf mitten in unserer degenerierten Wohlstands-Gesellschaft frischen und lebensbejahenden Aufwind bekommt. 
Zum Wohl!

Frei im Theater 26
Die Geburtsstunde eines Soloabends 
Kolumne "Frei im Theater" von Christine Frei

Es war eine Premiere der besonderen Art vergangenen Samstag. Einen Tag nach der leider verregneten Eröffnungsshow von Theater unter Sternen präsentierte Multitalent Thomas Gassner dort seinen ersten Soloabend. 
Die Lebensgeschichte eines ebenso scharfsinnigen wie scharfzüngigen Tiroler Misanthropen, was ja per se jedem empirischen Befund widerspricht. Nicht die Menschenfeindlichkeit oder Menschenverachtung, sondern der intellektuelle Durchblick gepaart mit einer fast schon pathologischen Unkorrumpierbarkeit. 
Denn Gassners Figur will im Gegensatz zum klassischen Vereinsmeier und Gruppen- und Community-Junkie unserer Tage seit frühester Kindheit nirgends dazugehören. Schon da nimmt er jedwedes Fehlverhalten der anderen auf sich, um sich in der Abstellkammer zu absentieren Was sich möglicherweise durch die fehlgeleitete Namensgebung erklären lässt.

Als Peter Alexander ist er definitiv der inkorporierte Etikettenschwindel. Denn er macht sich die Welt keinesfalls lustiger, als sie je war. Ganz im Gegenteil, diagnostiziert er uns Menschen doch als tickende Zeitbomben, als Affen mit Gendefekt und autoaggressiver Grundhaltung. Für ihn ist klar: Allein schon für die Umwelt müssen wir verschwinden. Je eher, desto besser, befinden wir uns doch ohnehin in der „Letzten Runde der Menschheit“ - so auch der Titel des Abends. 
Folglich erscheint ein Studium zum Contract Killer an der Andreas-Hofer-Privatuniversität als folgerichtiger Abschluss seiner konsequenten Antikarriere. Thomas Gassners erster Soloabend ist vieles: klug, kompromisslos, strange, verquer – und gerade in seiner radikalen Ehrlichkeit grandios komisch. 
Bin schon sehr gespannt auf Fortsetzung und Weiterentwicklung …

Thomas Gassner

Thomas Gassner (* ca. 1500 in Bludenz; † 13. Februar 1548 in Lindau) war ein reformierter Theologe und Reformator. Über seine Herkunft ist nichts bekannt. Eine akademische Bildung hat er nicht gehabt. Zuerst wird er als Kaplan beim Vogt von Bregenz in Hohenems genannt. Wegen seiner evangelischen Gesinnung musste er 1524 fliehen und kam nach Lindau, wo er gern aufgenommen wurde und bald der führende Prädikant war. Im März 1525 feierte er dort das erste evangelische Abendmahl. Der Bauernkrieg wirkte hemmend ein. Gassner war ein „seufzender Zuschauer“. 
Er riet der Obrigkeit zu milden Maßnahmen. Bald wurden unter seinem Einfluss sittliche Reformen in der Stadt durchgeführt. War er zuerst stark von Martin Luthers Schriften beeindruckt, so geriet er allmählich unter Schweizer Einfluss. Durch die Berner Disputation bestärkt, ließ er endgültig die Messe abschaffen, Stifte und Klöster schließen. Schon 1528 wurden teilweise, 1530 allgemein die Bilder beseitigt. Dieses Jahr bedeutete einen tiefen Einschnitt: Lindau unterschrieb die Confessio Tetrapolitana und näherte sich den Straßburgern. 
Nun begann Gassners innerkirchliche Wirksamkeit. Von ihm, der 1530 die vorgesehene Äbtissin Katharina von Ramschwag heiratete und von den Bürgern sehr geliebt wurde, rührt die Lindauer Zuchtordnung von 1533 her (Einfluss des Zürcher Ehegerichts und der Konstanzer Zuchtordnung). Gassner trat auch für die Wittenberger Konkordie ein, ohne selbst dabei gewesen zu sein. Martin Bucer brachte die Beziehung zustande. Obwohl er das gesamte Lindauer Kirchenwesen leitete, ordnete Gassner sich dem Rat unter. Im Alter trat seine Neigung zum Luthertum deutlicher hervor.

"Eine Kernschmelze von Bigband-Sound mit House und Techno-Musik.“ (Süddeutsche Zeitung)
 Mit im Schnitt 120 Konzerten im Jahr ist die Jazzrausch Bigband eine der meist beschäftigten Big Bands Europas, auf ihren Konzerten in Europa, Amerika, Asien und Afrika bringt sie mit „Klanggewalt, Groove und enormer Bühnenpräsenz“ (FAZ) Jazzfans und Tanzwütige zusammen, wie wohl aktuell kein vergleichbares Ensemble. Groove mit Köpfchen, Elektro mit Gebläse, Jazz im Rausch. 

 

Die treibenden Köpfe hinter dem Projekt sind der Münchner Posaunist und Musikmanager Roman Sladek und der ebenfalls in München lebende Gitarrist und Komponist Leonhard Kuhn. Keimzelle und Ausgangspunkt der musikalischen Reise ist eine Münchner Institution: das „Harry Klein“, einer der renommiertesten Elektro Clubs Europas. Im Jahr 2015, nur ein Jahr nach ihrer Gründung, wird die Jazzrausch Bigband Artist in Residence im „Harry“ und das junge Münchner Publikum flippt aus. Eine Big Band im Techno Club. Wirklich einmalig. Für München und die Welt. Schnell werden die Bühnen größer, die Band füllt sowohl Rock-Venues wie die Muffathalle, als auch Hochkultur-Tempel wie die Münchner Philharmonie und gastiert auf namhaften Festivals in ganz Deutschland. Die Kreise, die die Band zieht, werden weiter: Konzertreisen führen sie unter anderem ins Lincoln Center nach New York, zum JZ Festival nach Shanghai, zum Safaricom International Jazzfestival nach Nairobi, der Ural Music Night in Yekaterinburg und zum SXSW Music Festival nach Austin.
 
So ist es nicht übertrieben, die Band ein Phänomen zu nennen. Eines, das auf ganz eigene Art zeigt, was lange es schon brodelt und arbeitet in dieser Musik, die sich „Jazz“ nennt: Sie ist heute mehr denn je die Schublade für das, was sonst in keine Schublade passt. Und alle, die Musiker wie das Publikum, haben Spaß am lustvollen Einreißen von Grenzen. Die Musik der Jazzrausch Bigband, so scheint es, erfüllt in diesem Zusammenhang mehrerlei Hinsicht Sehnsüchte: Die der Clubgänger nach mehr Echtem, Handgemachtem, Frischem, Originellem. Und die der Jazz- und Klassik-Hörer nach mehr Wumms, Entertainment, nach großem Sound und fettem Groove.

STILL! STILL! STILL!

Da Überraschung jedoch ein Markenzeichen der Jazzrausch Bigband ist, können die Damen und Herren um Bandleader Roman Sladek und Komponist Leonhard Kuhn auch ganz andere Saiten aufziehen und im klassischen Bigband-Stil Weihnachten feiern. „Das Weihnachtsprogramm war unser erstes Konzertprogramm überhaupt“, erklärt Sladek. „Nach unserer Gründung 2014 haben wir es jedes Jahr liebevoll weiterentwickelt. Es ist für uns in der Adventszeit der perfekte Ausgleich zu all den aufregenden Technoshows.“ Von Leonhard Kuhn vielschichtig orchestriert, breiten die 18 Musikerinnen und Musiker auf „Still! Still! Still!“ in Form der bekanntesten deutschen Weihnachtslieder das ganze Repertoire der Bigband-Geschichte aus, wobei sie den Ausrufezeichen im Albumtitel alle Ehre machen. Gleich zum Einstieg etwa, wenn „Leise rieselt der Schnee“ im Stile Count Basies mit extensivem Swing und extremer Dynamik überzogen wird, „Engel auf den Feldern singen“ wie von Herb Alpert beschleunigt daherkommt oder „Fröhliche Weihnacht überall“ im charakteristischen Kenton-Sound erklingt. „Was bei unserem Technoprogramm der Rhythmus ist, sind beim Weihnachtsprogramm die Melodien“, sagt Sladek. „Das Schöne an ‚Still! Still! Still!’ ist, dass jeder die Stücke kennt. So haben das Publikum und wir eine gemeinsame musikalische Basis, auf der wir Menschen für Jazz begeistern können, die sonst eher selten mit ihm in Berührung kommen“, - zugleich die perfekte Erklärung für das Phänomen Jazzrausch Bigband: Schon lange brodelt und arbeitet es in dieser Musik, die sich „Jazz“ nennt: Mehr denn je ist sie heute die Schublade für das, was sonst in keine Schublade passt. Konsequent und lustvoll reißt die Jazzrausch Bigband musikalische Grenzen ein und sorgt dafür, dass Musiker wie Publikum gleichermaßen riesigen Spaß haben können.

"Heiliger Bimbam, what a band! Wie die Jazzrausch Bigband durch grandios arrangierte, heimische Christmas-Klassiker swingt, ist ganz großes Kino. […] Keine Parodie, sondern ein fabelhaftes Geschenk, das jeden mitreißend in weihnachtlichen Jazzrausch versetz." – Fono Forum
„Weihnachtsmelodien im schmissigen Breitwand-Sound.“ – Chrismon
„Weihnachtslieder im Stil von Count Basie? Ja unbedingt! Was für eine Überraschung, was für ein Spaß! So haben Sie bekannten Weihnachtsweisen unter Garantie noch nie gehört.“ – Fidelity
„Überraschend erfrischend, überraschend klassisch, überraschend anders.“ – Forte
„Arrangements, die das gesamte Stilrepertoire der Jazz-Bigband ausschöpfen – von Count Basie und Duke Ellington bis Bert Kaempfert.“ – Image Hifi
„Ein humorvolles Rendenz-Vous ans ur-amerikanischer, schwarzer Tanzmusik und populären Volks- und Weihnachtsliedern.“ – MDR Kultur
„Verjazzte Weihnachtssongs, die zu viel Besinnlichkeit wegblasen.“ – Sächsische Zeitung
“Still! Still! Still! versetzt mitreißend in weihnachtlichen Jazzrausch.“ – Stereo
„Der perfekte Festtags-Soundtrack: Unkitschig swingend.“ – Zitty
„Ein Vergnügen!“ – Concerto
„Klanggewalt, Groove und enorme Bühnenpräsenz.“ – Frankfurter Allgemeine Zeitung
„Die Jazzrausch Bigband spielt grenzübergreifend vom Techno-Club bis zum Opernhaus und ist so eine integrative Kraft, die Menschen zusammen bringt und Neues erleben lässt.“ – Jazzthetik
„Die Jazzrausch Bigband polarisiert, begeistert, reist stilistische Mauern ein und eilt von Erfolg zu Erfolg." – Jazz thing
„Mit der Jazzrausch Bigband ist Jazz wieder sexy.“ – BR 2
„Die Jazzrausch Bigband widerlegt die Unkenrufe, der Jazz sei nur etwas für ergraute Räte. So wie hier, macht er Spaß und hat etwas sehr jugendlich Konkretes" – stereoplay
„Sie sind wild, sie sind innovativ und sie sind viele: Die Musiker der 'Jazzrausch Bigband' aus München - aktuell eine der erfolgreichsten Bigbands der Welt.“ – Bayrisches Fernsehen
„Eine feste Größe – nicht nur in München und Umgebung.“ – SWR 2
„Kein Jazzorchester klingt aktueller als die Jazzrausch Bigband.“ – Kulturnews
"Still! Still! Still“ demonstrates that Jazzrausch Bigband masters the basics of big band swing. Album of the week." – Le Monde (FR)

Episoden aus der Nachbarschaft dienen als Fenster zur Welt und erlauben auch den Blick in eine Zukunft, in der Idealisten endgültig als nützliche Idioten begriffen werden.
 Virtuos agiert Alfred Dorfer in den von ihm erdachten Parallelwelten, spielt mit Rollen und Perspektiven und präsentiert ein temporeiches und inhaltlich sehr komplexes Ein-Mann-Theater. (ORF / KULTUR/ Mittagsjournal)

UND...?

Wie wird es jetzt weitergehen, fragt er sich? Der rätselhafte Stückauftrag eines Theaterdirektors hat Bewegung in das Leben von Alfred Dorfers Bühnenfigur gebracht. Und: Jetzt steht der Umzug bevor. Ein Mann, ein Raum, zwei Bananenkisten. Ein leerer Raum, voller Erinnerungen. Was kommt jetzt? Im besten Fall die Spedition. Jene Kraft, die fürs Erste Veränderung schafft. Und daran glaubt Dorfers Protagonist: an die positive Kraft der Veränderung. Wenn „umziehen“ Veränderung bedeutet, ist dann jede Veränderung gleichzeitig ein Umzug für sich selbst?

Zurück bleiben die Nachbarn. Unterschiedliche Menschen, von Beziehungsunfug und anderen Torheiten gebeutelt, durch grandioses Scheitern und die Suche nach einem Ausweg aus der Banalität zur Karikatur ihrer selbst verkommen.
Alfred Dorfer zeigt in seinem neuen Soloprogramm Momentaufnahmen vom Aufbrechen und Ankommen. Episoden aus der Nachbarschaft dienen als Fenster zur Welt und erlauben auch den Blick in eine Zukunft, in der Idealisten endgültig als nützliche Idioten begriffen werden.
Virtuos agiert Alfred Dorfer in den von ihm erdachten Parallelwelten, spielt mit Rollen und Perspektiven und präsentiert ein temporeiches und inhaltlich sehr komplexes Ein-Mann-Theater.
Alfred Dorfer zählt zu den wichtigsten Satirikern und Autoren im deutschen Sprachraum, den er als seine Bühne begreift. Ausgezeichnet wurde Dorfer u.a. mit dem deutschen Kleinkunstpreis, dem Deutschen Kabarettpreis, dem Bayerischen Kabarettpreis und dem Schweizer Cornichon.

Jurybegründung Deutscher Kabarett-Preis 2016:

Alfred Dorfer  entzieht sich souverän und spielerisch allen Etikettierungsversuchen. Seine Themen sind politisch und gehen gleichzeitig weit über die Tagesaktualität hinaus. Der Erzählbogen wird bewusst und präzise weit gespannt. Dorfer präsentiert seine philosophischen Betrachtungen auf der Bühne fast beiläufig und federleicht. Ihre volle Wirkung entwickeln seine Kabarett-Programme oft erst ein wenig zeitversetzt - dann aber umso intensiver." (Jurybegründung Deutscher Kabarett-Preis 2016)

Nach dem Gold zertifizierten Nummer Eins-Debütalbum„Ansa Woar“ (2016) und dem bei den Amadeus Austrian MusicAwards als Album des Jahres ausgezeichneten Meisterwerk „`s klane Glücksspiel“ (2019) sowie einem erfolgreichen Soundtrack-Ausflug („Sargnagel – Der Film“), der ihm eine Nominierung für den österreichischen Filmpreis einbrachte, ist Voodoo Jürgens nun zurück mit seinem bisherigen Opus Magnum. 
Lyrisch war er nie präziser, die Musik changiert dabei gekonnt. Mal ist sie zart und anrührend, dann wieder feurig mitreißend; seine Band die Ansa Panier ist längst als beste Live-Band im ganzen Land bekannt, swingt, twisted und jazzed sich unmucker-haft, geschmackvoll und immer mit einer Leidenschaft als ginge es um ihr Leben durch ein Panoptikum allerschönster Klänge, während Voodoo seine Geschichten erzählt. Geschichten von Außenseitern, Gaunern, Verlierern und abgehängten Antihelden. Ihnen gibt Voodoo eine Stimme. Soweit so bekannt. Neu ist, dass Voodoo diesmal mehr als früher persönliches preisgibt und uns durch sein lyrisches ich hier auch immer wieder von seinen eigenen Kämpfen erzählt, uns an seinem Seelenleben teilhaben lässt. 
„Wie die nocht noch jung wor“ zeigt einen Künstler auf einem ersten Zenit. Es ist zeitlos, mutig, selbstbewusst und voll rauer Emotion. Das ist kein Austropop. Das ist Wiener Soul.

Der Kunstschlurf und Liedermacher Voodoo Jürgens ist seit 2015 auf Erfolgskurs mit seinen schwarzhumorigen Texten im schwersten Wiener Dialekt. Sein Album "Ansa woar" mit dem Hit "Heite grob ma Tote aus" war und ist noch immer die Revolution in Sachen österreichische Musik. Der Text kann dank seiner schludrigen Vorlagen selbst von Leuten mitgesungen werden, die überhaupt nicht singen können. Man nennt das wohl Publikumsnähe. Das macht auch den Erfolg von Voodoo Jürgens aus, er porträtiert Außenseiter, Gestrauchelte und zwielichtige Gestalten zwischen Größenwahn, Schnaps und Gosse. Er wirkt mit seinem Strizzi-Outfit aus den frühen 70igern und dem dazu wie die Faust aufs Auge passende Vokuhila wie "Ein echter Wiener geht nicht unter" – oder doch eher steil bergauf?

„der Austro-Pop-Hype der Stunde!“ - Musikexpress
„Voodoo Jürgens gilt als besonders heiße Aktie der heimischen Popmusik“ - ORF
„Er bringt alles mit was man als künftiger Fixstern am Austropop-Himmel braucht.“ – WIENER

Per Mund-(und bald auch Medien-)Propaganda als "Next Best Thing"- Hype von und in Wien vor etwas mehr als einem Jahr gestartet, hat sich Voodoo Jürgens gleich mit seinem nun vorliegenden Debüt-Album von der einengenden, wenn nicht gar tödlichen Umarmung der "Checker" emanzipiert und ein substanzielles, ein wahrhaftiges und vor allen Dingen ein berührendes Erstlingswerk abgeliefert. Und demnächst folgt sein nexter Streich.

Voodoo Jürgens springt auch nicht auf einen Austropop-Hype-Zug oder dergleichen auf; er singt in der Sprache in der er spricht, denkt, träumt und Dinge erlebt. Die Vorbilder für seinen Zugang zu Musik sind der erwähnte Dylan, Leonard Cohen, Tom Waits und durchaus auch krachigere, spätere Sachen wir The Libertines (mit deren Pete Doherty ihn eine auf wechselseitigen künstlerischem Respekt beruhende Freundschaft verbindet). Es sind aber auch die Beat-Poeten der Fünfziger. Gewiss: Respekt für Ambros, Danzer und Ludwig Hirsch ist vorhanden, genauso wie Freundschaften zu einigen Protagonisten des heutigen Wiener Pop-Wunders (Wanda, Der Nino aus Wien; auch Ja, Panik, die quasi als seine Backingband bei "Heite grob ma Tote aus" fungieren), und auch ein HC Artmann, ein Qualtinger, ein Kottan werden Spuren in Voodoo hinterlassen haben; aber genauso waren/sind die eben Genannten im Geiste Verbündete der Ur-Beatniks und der genannten internationalen Referenzen und keine Vertreter eines simpel gestrickten Austro-Provinzialismus, der seit je her den Epigonen vorbehalten ist.
Voodoo Jürgens hat sich also einen Fahrschein für jene Bim (= Straßenbahn) gekauft, die in die erste Liga österreichischen Pops fährt, ohne dabei Fendrich, Gabalier oder "tiafen Schmäh"-Pop im Sinn zu haben..

Episoden aus der Nachbarschaft dienen als Fenster zur Welt und erlauben auch den Blick in eine Zukunft, in der Idealisten endgültig als nützliche Idioten begriffen werden.
 Virtuos agiert Alfred Dorfer in den von ihm erdachten Parallelwelten, spielt mit Rollen und Perspektiven und präsentiert ein temporeiches und inhaltlich sehr komplexes Ein-Mann-Theater. (ORF / KULTUR/ Mittagsjournal)

UND...?

Wie wird es jetzt weitergehen, fragt er sich? Der rätselhafte Stückauftrag eines Theaterdirektors hat Bewegung in das Leben von Alfred Dorfers Bühnenfigur gebracht. Und: Jetzt steht der Umzug bevor. Ein Mann, ein Raum, zwei Bananenkisten. Ein leerer Raum, voller Erinnerungen. Was kommt jetzt? Im besten Fall die Spedition. Jene Kraft, die fürs Erste Veränderung schafft. Und daran glaubt Dorfers Protagonist: an die positive Kraft der Veränderung. Wenn „umziehen“ Veränderung bedeutet, ist dann jede Veränderung gleichzeitig ein Umzug für sich selbst?

Zurück bleiben die Nachbarn. Unterschiedliche Menschen, von Beziehungsunfug und anderen Torheiten gebeutelt, durch grandioses Scheitern und die Suche nach einem Ausweg aus der Banalität zur Karikatur ihrer selbst verkommen.
Alfred Dorfer zeigt in seinem neuen Soloprogramm Momentaufnahmen vom Aufbrechen und Ankommen. Episoden aus der Nachbarschaft dienen als Fenster zur Welt und erlauben auch den Blick in eine Zukunft, in der Idealisten endgültig als nützliche Idioten begriffen werden.
Virtuos agiert Alfred Dorfer in den von ihm erdachten Parallelwelten, spielt mit Rollen und Perspektiven und präsentiert ein temporeiches und inhaltlich sehr komplexes Ein-Mann-Theater.
Alfred Dorfer zählt zu den wichtigsten Satirikern und Autoren im deutschen Sprachraum, den er als seine Bühne begreift. Ausgezeichnet wurde Dorfer u.a. mit dem deutschen Kleinkunstpreis, dem Deutschen Kabarettpreis, dem Bayerischen Kabarettpreis und dem Schweizer Cornichon.

Jurybegründung Deutscher Kabarett-Preis 2016:

Alfred Dorfer  entzieht sich souverän und spielerisch allen Etikettierungsversuchen. Seine Themen sind politisch und gehen gleichzeitig weit über die Tagesaktualität hinaus. Der Erzählbogen wird bewusst und präzise weit gespannt. Dorfer präsentiert seine philosophischen Betrachtungen auf der Bühne fast beiläufig und federleicht. Ihre volle Wirkung entwickeln seine Kabarett-Programme oft erst ein wenig zeitversetzt - dann aber umso intensiver." (Jurybegründung Deutscher Kabarett-Preis 2016)

Nach dem Gold zertifizierten Nummer Eins-Debütalbum„Ansa Woar“ (2016) und dem bei den Amadeus Austrian MusicAwards als Album des Jahres ausgezeichneten Meisterwerk „`s klane Glücksspiel“ (2019) sowie einem erfolgreichen Soundtrack-Ausflug („Sargnagel – Der Film“), der ihm eine Nominierung für den österreichischen Filmpreis einbrachte, ist Voodoo Jürgens nun zurück mit seinem bisherigen Opus Magnum. 
Lyrisch war er nie präziser, die Musik changiert dabei gekonnt. Mal ist sie zart und anrührend, dann wieder feurig mitreißend; seine Band die Ansa Panier ist längst als beste Live-Band im ganzen Land bekannt, swingt, twisted und jazzed sich unmucker-haft, geschmackvoll und immer mit einer Leidenschaft als ginge es um ihr Leben durch ein Panoptikum allerschönster Klänge, während Voodoo seine Geschichten erzählt. Geschichten von Außenseitern, Gaunern, Verlierern und abgehängten Antihelden. Ihnen gibt Voodoo eine Stimme. Soweit so bekannt. Neu ist, dass Voodoo diesmal mehr als früher persönliches preisgibt und uns durch sein lyrisches ich hier auch immer wieder von seinen eigenen Kämpfen erzählt, uns an seinem Seelenleben teilhaben lässt. 
„Wie die nocht noch jung wor“ zeigt einen Künstler auf einem ersten Zenit. Es ist zeitlos, mutig, selbstbewusst und voll rauer Emotion. Das ist kein Austropop. Das ist Wiener Soul.

Der Kunstschlurf und Liedermacher Voodoo Jürgens ist seit 2015 auf Erfolgskurs mit seinen schwarzhumorigen Texten im schwersten Wiener Dialekt. Sein Album "Ansa woar" mit dem Hit "Heite grob ma Tote aus" war und ist noch immer die Revolution in Sachen österreichische Musik. Der Text kann dank seiner schludrigen Vorlagen selbst von Leuten mitgesungen werden, die überhaupt nicht singen können. Man nennt das wohl Publikumsnähe. Das macht auch den Erfolg von Voodoo Jürgens aus, er porträtiert Außenseiter, Gestrauchelte und zwielichtige Gestalten zwischen Größenwahn, Schnaps und Gosse. Er wirkt mit seinem Strizzi-Outfit aus den frühen 70igern und dem dazu wie die Faust aufs Auge passende Vokuhila wie "Ein echter Wiener geht nicht unter" – oder doch eher steil bergauf?

„der Austro-Pop-Hype der Stunde!“ - Musikexpress
„Voodoo Jürgens gilt als besonders heiße Aktie der heimischen Popmusik“ - ORF
„Er bringt alles mit was man als künftiger Fixstern am Austropop-Himmel braucht.“ – WIENER

Per Mund-(und bald auch Medien-)Propaganda als "Next Best Thing"- Hype von und in Wien vor etwas mehr als einem Jahr gestartet, hat sich Voodoo Jürgens gleich mit seinem nun vorliegenden Debüt-Album von der einengenden, wenn nicht gar tödlichen Umarmung der "Checker" emanzipiert und ein substanzielles, ein wahrhaftiges und vor allen Dingen ein berührendes Erstlingswerk abgeliefert. Und demnächst folgt sein nexter Streich.

Voodoo Jürgens springt auch nicht auf einen Austropop-Hype-Zug oder dergleichen auf; er singt in der Sprache in der er spricht, denkt, träumt und Dinge erlebt. Die Vorbilder für seinen Zugang zu Musik sind der erwähnte Dylan, Leonard Cohen, Tom Waits und durchaus auch krachigere, spätere Sachen wir The Libertines (mit deren Pete Doherty ihn eine auf wechselseitigen künstlerischem Respekt beruhende Freundschaft verbindet). Es sind aber auch die Beat-Poeten der Fünfziger. Gewiss: Respekt für Ambros, Danzer und Ludwig Hirsch ist vorhanden, genauso wie Freundschaften zu einigen Protagonisten des heutigen Wiener Pop-Wunders (Wanda, Der Nino aus Wien; auch Ja, Panik, die quasi als seine Backingband bei "Heite grob ma Tote aus" fungieren), und auch ein HC Artmann, ein Qualtinger, ein Kottan werden Spuren in Voodoo hinterlassen haben; aber genauso waren/sind die eben Genannten im Geiste Verbündete der Ur-Beatniks und der genannten internationalen Referenzen und keine Vertreter eines simpel gestrickten Austro-Provinzialismus, der seit je her den Epigonen vorbehalten ist.
Voodoo Jürgens hat sich also einen Fahrschein für jene Bim (= Straßenbahn) gekauft, die in die erste Liga österreichischen Pops fährt, ohne dabei Fendrich, Gabalier oder "tiafen Schmäh"-Pop im Sinn zu haben..

Monica Weinzettl und Gerold Rudle, Schauspieler und Kabarettisten, bringen Texte bekannter Autoren aber auch lustiges Treibgut aus dem Internet. Immer dreht es sich um Weihnachten, seine heiteren Auswüchse und die lustigsten Pannen.

Die Rede wird sein vom Christkind, von Geschenken, die man gerne umtauschen möchte, von Überraschungen, über die sich nur die anderen freuen und von Menschen, die alles, aber auch alles tun, um in Weihnachtsstimmung zu kommen. Massenhaft Schnee wird rieseln, Kraftwerke werden explodieren und getrunken wird natürlich auch zu viel. Aber dafür haben Weinzettl & Rudle alles im Gepäck dabei, damit die Firmenweihnachtsfeier (k)eine Katastrophe wird.

*

Weihnachten!
Stille Nacht, Heilige Nacht.
Leise rieselt der Schnee, still und starr ruht der See.
Aber Menschen sind weder still noch heilig und leise, sondern laut, hektisch, höllisch genervt und teuflisch gestresst.
Lächeln und Gelassenheit kommen abhanden. Man schenkt einander Duftlampen und Socken.
Ach du heilige …

Was man jetzt braucht, ist befreiendes Lachen!
Zwei Stunden Urlaub mit einem sonnigen Gemüt und Unterhaltung auf höchstem Niveau.
Sie werden lachen! Und Sie werden sich auf Weihnachten freuen, wie Sie es das letzte Mal als Kind getan haben!
Lassen Sie sich bezaubern.

***

der Dienstag gehörte im Treibhaus der heimsichen Szene. und soll ihr wieder gehören.
Über Jahrzehnte war der Jammin Tuesday der wöchentliche Treff der Taroler Musiker -  mit sich, mit der Welt & mit dem Publikum.
Jeden 2.Dienstag im Monat: die große Session. Mit Opener, RhythmusGruppe & Special Guest.

Stefan Hantel und sein Bucovina Club Orkestar machen paneuropäische Popmusik zum Tanzen und das so universell, dass sie von Finnland bis in die Türkei Erfolge feiern. Shantel und Orkestar predigen Multikulti nicht, sondern machen Multikultie. Lustvoll. Raumgreifend. In-die-Beine-fahrend.

In den 90ern war er der deutsche König des Downbeat, frisierte ab 2000 Balkan Polka mit Electro Beats auf und lud zur hedonistischen Abfahrt in die „Disko Partizani“. Nun vollzieht der unermüdliche Soundforscher vom „Planeten Paprika“ seine nächste Häutung: Auf seinem neuen Album „Anarchy & Romance“ überträgt Shantel erstmals organischen, dreckigen Garage-Band-Sound mit Sixties Flavour in seinen unverwechselbaren Klangkosmos. Denn sich auf dem Lorbeer des Erfolges ausruhen, das war nie die Sache des Stefan Hantel. Nur dank hartnäckiger Basisarbeit und dem Ignorieren von Erwartungshaltungen konnte er seinen Sonderstatus erreichen, der ihn in viele europäische Charts, mehrmals um die ganze Welt und – als ersten deutschen Künstler überhaupt – sogar nach Glastonbury sowie auf ziemlich alle anderen wichtigen internationalen Festivals brachte.

„Ein Diamant gibt mir nichts, nur in einem Misthaufen gedeihen wundersame Geschöpfe“, bekennt Shantel und stellt auf „Anarchy & Romance“ konservative Rock- und Pop-Klischees auf den Kopf, ohne dabei in die Hipness-Falle zu tappen. Auf unsere hyperbeschleunigte, globalisierte Welt antwortet der  Frankfurter mit einem zwischen Vintage und Zukunft swingendem Stil-Chaos. Getrieben von der Live-Energie seines Bucovina Club Orkestars treffen auf dem Album, wie Shantel sagt, „Songs, Balladen & Party-Burner auf den Sound der wilden Sixties, Rock’n’Roll und Future-Funk, meine geliebten Rickenbacker-Gitarren, ein krachendes Schlagzeug und ein Fender-Rhodes-Piano rocken mit den Blechbläsern meiner Band, als ob es der letzte Tag der Menschheitsgeschichte wäre…“.

Allesamt explosive Zutaten also, die Konzertsäle zum Bersten bringen könnten. Wenn da nicht Shantel selbst wäre, der – einem Dompteur gleich – das Publikum stets im Griff hat. 
„Es gibt keinen anderen deutschen Musiker, der von einer Metropole in Griechenland, Italien oder Frankreich bis hin zum englischen Mega-Rock-Festival à la Glastonbury oder dem dänischen Roskilde-Festival die Menschen auf diese Art in seinen Bann ziehen kann. Zu den krassen Klängen von Shantel tanzt jeder – und zwar sofort!“.

SHANTOLOGY 30 Jahre Club Guerilla

Shantel versteht es, einen Club, das Konzerthaus, den staubigen Boden vor einer Festivalbühne oder eine Mehrzweckhalle in eine temporäre autonome Zone zu verwandeln; in einen Ort, an dem Integration nicht sinnlos diskutiert werden muss, sondern immer wieder Realität wird: Hier wird gemeinsam getanzt!Mehrere weltweit ausgezeichnete Alben, die ein weites Spektrum von Stilen abdecken, hunderte von Konzertauftritten, Festivals und Partys, die er mit seinem einzigartigen eklektischen Sound befeuerte, Hymnen wie „Bucovina“, „Disko Partizani“, „Disko Boy“ oder „Citizen of Planet Paprika“ - all das kann sich der Musiker Shantel auf die Fahnen schreiben. Ein „deutsches Phänomen“ (Vogue) machte sich in Windeseile von Europa ausgehend bekannt (die Türkei, wo Shantel eine Popikone ist, zählen wir gerne dazu), inspirierte zahllose Künstler von Finnland bis nach Buenos Aires oder Ex-Jugoslawien (Dauerrotation auf MTV Balkanika).

Shantels Vision ist es eine paneuropäische Popmusik zu schaffen, die überall auf der Welt verstanden werden kann. Es scheint ihm tatsächlich zu gelingen. Eine Schlüsselszene aus Fatih Akins Film „Soul Kitchen“ wurde mit Shantels Musik vertont. Auch auf der Milano Fashion Week ist er zu Hause, wo er den Soundtrack für die Jean-Charles de Castelbajac Iceberg Show gestaltete. Models und Presse jubelten. Der Terminkalender ist bis weit ins Jahr 2011 voll. Die wenige restliche freie Zeit sperrt er sich ins Studio ein, um mit geschätzten Kollegen seinen nächsten Streich vorzubereiten .

Shantel hat seine einzigartige Karriere in den 80ern gestartet. 80er? Da war doch was? Diese Musik, die gerne auf Themenpartys verhandelt wird… Nein, ganz anders! Die 80er sind hier die Chiffre für das, was alles zu diesem Zeitpunkt möglich war. Punk hatte den Mief des immer inhaltsleereren Glamrock und seine Stereotypen weggefegt und die Köpfe freigemacht. In den frühen 80ern hielt diese frische Brise noch an, bevor es mit dem kommerziellen Ausverkauf der DIY-Ideale sich wieder schloss, der Pop synthetisch wurde und die MTV-Culture übernahm.
Einer, der das Spiel schon damals nicht mitmachen wollte, war ebenjener Shantel. Aktiv im Untergrund des Bauchnabels Deutschlands, Frankfurt am Main, betrieb er dort im heute ultra-hippen Bahnhofsviertel einen illegalen Underground-Club, in dem musikalisch alles möglich war und heftig experimentiert wurde. Hier traf sich eine international bunt gemischte Szene aus Kunststudenten, Bohemiens, Langzeitakademikern, jungen Musikern, Immigranten, Schwulen und Lesben und gestrandete Freaks aus aller Herren Länder. Im 3. Stock eines Gründerzeithauses gelegen, zog der Club mit seinem eklektische Ansatz Massen von ebenso abenteuerlustigen Nachtschwärmern und Clubgängern an wie das Licht die Motten. Der Andrang war so groß, dass die Schlange der Wartenden oft bis zum nächsten Häuserblock reichte. Und das, obwohl das Bahnhofsviertel auf Platz eins der deutschen Kriminalitätsstatistik lag. Shantels Devise war: „Vorwärts in alle Richtungen, lasst uns experimentieren und demonstrieren.“ Eine Demo gab es in der Demo-Hauptstadt Deutschlands jeden Samstag. Sounds des Widerstandes und der Vielfalt schallten aus den Lautsprecherwagen: Roots-, Dub-Reggae und Arab-Pop.
Dub-Reggae, ein Musikstil, der Shantel sehr beeinflussen sollte, brasilianische Musik, Oriental- und Arab-Pop ebenso. Aber wollen wir hier Stil-Erbsen zählen? Wichtig ist doch viel mehr das, was sich für Shantel aus der Rezeption verschiedenster musikalischer Genres ergab. Er realisierte, dass wann immer ein neuer Stil seine Nase zeigte, er früher oder später statisch wurde und damit langweilig. Man nehme nur das Beispiel Techno – kaum einer weiß heute, dass Frankfurt am Main die Geburtsstube dessen deutscher Ausformung war. Aber auch Techno war nur bedingt ShantelsDing. Also selber machen, was Neues anfangen, wieder und wieder und wieder.

Ab 1986 sahen wir Shantel mit einem griechisch-türkischen Underground-Projekt auf der Bühne. Sie spielten für die griechisch-türkischen Communities in ganz Deutschland den damals schwer angesagten griechischen Outlaw-Blues Rembetiko, und Shantel lieferte die Beats dazu. In seinem Bahnhofsviertel-Club Lissania Essay drehte Shantel die Turntables und mixte Rhythmen sowie Soundfetzen aus dem Sampler dazu. Nordafrika, Brasilien, Jamaika, Elektrobeats, Trip Hop und Jazz in the mix. Ein Song, eine Struktur, ein Rhythmus erreichte die Tanzenden so intensiv, dass ihre Arme hochgingen und die Kehlen Glücksgeheul ausstießen – das war der Ansporn, diesen Moment zu verlängern und das Spaceship Lissania zum Abheben zu bringen. Und bis heute ist es nicht gelandet, denn bis zum heutigen Tag gibt es nicht ein Konzert, nicht eine DJ-Session, die nicht von dem Gefühl befeuert waren, alles zu geben, mit dem Publikum zu verschmelzen und Glückseligkeit in die Gesichter zu zaubern. Kaum einer versteht den Dancefloor besser und findet intuitiv immer die richtige Antwort als Shantel – egal ob mit seinem Bucovina Club Orkestar oder ganz alleine als DJ.

 
Das Lissania und später der Bucovina Club waren einige der sehr raren Gelegenheiten, bei denen sich unterschiedliche Szenen und Altersgruppen trafen. Sie verband eines: Sie waren neugierig und bereit, sich unerhörten Klängen hinzugeben. Und Shantel war es wichtig, neue Ideen, Verrücktes, Unbekanntes via Musik in diese verkrustete Stadt zu tragen: Ideen, Visionen, die ganz woanders herkamen - Paris, Thessaloniki, Tel Aviv, Istanbul. Kurz gesagt Shantel und die Szene, die sich um ihn formierte, war kosmopolitisch und am Austausch interessiert. Er war als einer der deutschen Pioniere des sogenannten Freestyle-Clubbing bald weltweit gefragt, spielte an der Seite von MC Solaar, Kruder & Dorfmeister, Gilles Peterson, Massive Attack, Björk und Howie B. Doch war ihm das genug? Er stellte irgendwann fest, dass auch diese Szene dabei war, sich zu verkrusten bzw. leerzulaufen. Auf einer K7-Labelnacht im New Yorker Limelight Club ließ er frenetische Blechmusik südosteuropäischer Hochzeiten aus den Boxen knallen, was auf dem Tanzboden zu Verwirrung führte. Shantel wäre nicht Shantel, wenn er nicht versucht hätte, diese Situation zu retten und - die Platte noch einmal von vorne zu spielen. Langsam sahen die Partygänger ein, dass sie keine andere Kost serviert bekämen und ließen sich treiben. Schlussendlich: Stampede auf der Tanzfläche.

Shantel entschied sich, auf eine große Reise in seine eigene Familiengeschichte zu gehen, die ihn in die Bucovina, Grenzland zwischen Ukraine und Rumänien brachte. Dort fand er die Musik, die tief in seiner eigenen DNA schlummerte und begann mit ihr zu experimentieren, ging mit den Großen des Genre ins Studio, um seine Vision von einem zeitgenössischen paneuropäischen Sound zu kreieren. Das Schauspiel Frankfurt gab diesem neuen Sound, der sich wie ein Lauffeuer um die ganze Welt verbreitete, eine Bühne. Dass gerade Frankfurt den perfekten Spielboden für seinen Bucovina Club abgab, ist sicher kein Wunder, denn der Hotspot am Main war und ist seit vielen Jahrzehnten die multinationale Metropole der Republik. Interkulturelles Leben und Arbeiten ist hier mit allen Brüchen, Verwerfungen und Schwierigkeiten längst zum prägenden Aspekt des Alltags geworden. Aber auch hier und jetzt bleibt Shantel nicht stehen und räumt mit dem großen Missverständnis auf, er sei der „König des Balkan-Pop“ und er wolle es gar sein, was er in einem Interview mit der BBC anlässlich der Verleihung des BBC-Worldmusic-Awards klarstellte: „Ich habe mit dieser Balkanmusik und diesem Hype eigentlich nichts am Hut. Mir ging es um meine Selbstverwirklichung als Musiker, als Künstler. Deshalb interessieren mich viele Sounds, nicht nur der des Balkans.“
 
Mit diesem kreativen Ansatz ist Shantel das hörbare Gesicht eines anderen Deutschlands, ist er doch der erste, der der hiesigen Popkultur einen kosmopolitischen Sound einimpfte. Bei ihm ist Migration hör- und tanzbar. Musikalische Preziosen aus Südosteuropa, dem nahen Osten oder vom Mittelmeer erscheinen in einem neuen, vielschichtigen Kontext, damit wird auch die Kultur, aus der sie entstammen, intuitiv erfahrbar. Seine Methode ist kulturelles Mixing und Sampling: Dinge aus dem Zusammenhang reißen und in einen neuen überführen. Clubkultur als Konzept, das sich permanent weiterentwickelt und nicht als Museum, in dem das ewig Gleiche repetiert wird – wie in Berlin, wo tausende von Touristen vor dem Berghain warten, um das Vorhersehbare erleben zu dürfen.

Eine junge Frau heuert eine ruchlose Truppe aus Gesetzlosen an, um einen Zug voller Gold zu überfallen. Das Gold gehört einem kaltblütigen Großgrundbesitzer, mit dem sie noch eine Rechnung offen hat. Die schon etwas in die Jahre gekommene Bande trifft sich in einer aufgelassenen Remise – mitten im Nirgendwo – und schmiedet einen waghalsigen Plan.

Wir begleiten einen verrückten Haufen aus Outlaws und HeldInnen in den staubigen und dreckigen Wilden Westen. Dort kämpfen sie ums Überleben und sind auf der Suche nach Reichtum, Rache, Glück und: Natürlich Liebe. Dass dieses Abenteuer kein Adventkranzbinden wird und nichts für kleine Kinder ist, versteht sich von selbst….
Mit viel Witz und Hingabe erzählen das Staatstheater und das Feinripp Ensemble unter der Regie von Gerald Votava und in der Ausstattung von Esther Frommann einen außergewöhnlichen Western in einer außergewöhnlichen Location. (no na!)

Regie: Gerald Votava
Ausstattung: Esther Frommann

mit
Thomas Gassner
Carmen Gratl,
Ute Heidorn
Lisa Hörtnagl
Markus Oberrauch,
Bernhard Wolf

PREMIERENKRITIK

JOACHIM LEITNER - tiroler tageszeitung
 „Tennessee Blend“ ist ein Theaterereignis. Kein bierernstes, versteht sich. Ein pralles, derbes, bisweilen saublödes und doch hochdramatisches Ereignis. Eines also, das es auch aushält, ernst genommen zu werden...
Schon der Spielort für das Westernstück, das am Samstagabend uraufgeführt wurde, verspricht Spektakel...

Doch weiß man sich bei „Tennessee Blend“ sofort in besten Händen: Ein Bürgerkriegsveteran (Thomas Gassner) fordert mehr Differenzierung in identitätspolitischen Debatten und schießt – alter, weißer Mann bleibt alter, weißer Mann – eine Sexarbeiterin (Bernhard Wolf) über den Haufen. Der Western ist ein grausames Genre, zynisch, sexistisch und rassistisch. Wer heute Western spielt, muss das mitdenken. „Tennessee Blend“ macht sich da keine Illusionen. Thomas Gassner, Bernhard Wolf und Markus Oberrauch vom Feinripp Ensemble haben das Stück geschrieben, zusammengebastelt aus tausendundeinem Film, mit Schenkelklopfern angereichert und in ein von dunklen Vorahnungen und irrwitzigen Rückblenden gut getaktetes Korsett mit Twist und Doppeltwist gesteckt.

Für die Illusionen sind Regisseur Gerald Votava und Staatstheater-Ausstatterin Esther Fromann zuständig. „Tennessee Blend“ fühlt sich wie Film an, wie großes Kino: mit fettem Soundtrack, Nebel, schönstem Technicolor-Rot, dazu Colts, Kautabak und kunstvoll abgetragene Kostüme. Das schönste trägt Carmen Gratl, die eine bigotte Betschwester mit Präzisionsgewehr spielt. Mit ihrer eher am Diesseitigen interessierten Schwester (Ute Heidorn) ist sie Teil einer Truppe versehrter Tunichtgute. Sie werden von einem rätselhaftes Rehäuglein (Daniela Bjelobradić) und ihrem Kompagnon (Markus Oberrauch) für einen Überfall angeheuert. Das ist aber nur die halbe Wahrheit. Genau genommen sogar nur die Hälfte der Hälfte.
Gespielt ist „Tennessee Blend“ hervorragend: manchmal parodistisch breit, dann wieder mit feinem Fokus auf die ganz großen Erschütterungen, die nur kleine Gesten brauchen. Kurzum: ein Spektakel. (jole)

Ob als Beatle oder in seinem Solowerk, ob als Künstler oder als Humanist - er bleibt einer der einflussreichsten und inspirierendsten Menschen seiner, unserer und einer künftigen Zeit. Seine Musik empfinden wir als unvergänglich, seine Träume und Anliegen als unerfüllt und seinen Verlust beinahe als jenen einer vertrauten Person.
Das Tribute-Projekt In My Life möchte einen neuen Blick auf John Lennons Schaffen richten, die zeitlose Schönheit seiner Songs durchmessen und einer ständig wachsenden Schar an Künstler*innen ihrer Liebe zu Lennons Musik einen ganz persönlichen Ausdruck zu verleihen.

INNSBRUCK LINE UP

Andy Baum
Erik Trauner (MojoBluesBand)
Dominik Plangger,
Ramona Kasheer
Louie Austen
John Gillard
Lina
Arnulf Lindner
und extra für’s Treibhaus noch mit Hubert Dorigatti aus Südtirol

THE BAND

 Robin Gillard, Martin Payr, Ramona Kasheer, Alex Gantz, Jürgen Mitterlehner, Arnulf Lindner

We are better without Lametta, yes we are!

Noch vor Neujahr und Kaspar, Melchior, Balthasar
föhnt FLOWERAGE euch das Engelshaar.
Richtet eure Christ-tollen und lasst euch die Frohlock’n Rolln.
Die Kultparty verwöhnt eure Ohren mit einem BEST-OF Programm aus den 60ern, 70ern und 80ern. 
Feierst du noch, oder tanzt du schon?
Schüttel weg den Weihnachtsspeck, wir geben euch die Weihnachtskugel!

Es spielen:

Linja Meller (vox)
Stephan Mathoi (vox)
Valerie Meller (vox)
Kathrin Eberharter (vox)
Gregor Degasperi (guit)
Vincent Meller (guit)
Daniel Düsi Lenz (keys, vox)
Hans Hauser (bass)
Lucas Lurz Geiler (drums)

Besetzung:
Querflöte (Sascha Rathey)
Horn (Tanja Schwarz)
Viola (Hans Martin Gehmacher)
Der Schauspieler Thomas Lackner wird den Text einerseits erzählen, andererseits aber auch immer wieder Szenen, gemeinsam mit den drei MusikerInnen, spielen.

Mit unserer Fassung der „Zauberflöte, kurz und knackig“ wollen wir diese Oper von Wolfgang Amadeus Mozart einem jungen Publikum live und, vor allem, unterhaltsam zugänglich machen. Sozusagen Oper zum Angreifen. Die Figuren der Handlung erinnern an ein Märchen. Mit dem Prinzen Tamino, der Prinzessin Tamina und dem Vogelfänger Papageno lässt Mozart wunderbare Identifikationsfiguren für Kinder auftreten. 
Es erübrigt sich fast zu erwähnen, dass die einzelnen Musiknummern nicht nur weltberühmt sind, sondern sie wegen ihrer eingängigen Melodik Kinder besonders ansprechen. 
Wir haben eine komprimierte Fassung erstellt, die die wichtigsten Handlungsstränge der Oper und vor allem die Musik den Kindern und den Eltern gleichermaßen näher bringen. 
Die Musik wurde für drei Instrumente arrangiert, nämlich Querflöte (Sascha Rathey), Horn (Tanja Schwarz) und Viola (Hans Martin Gehmacher). Der Schauspieler Thomas Lackner wird den Text einerseits erzählen, andererseits aber auch immer wieder Szenen, gemeinsam mit den drei MusikerInnen, spielen. Somit wird es den Reiz dieser Fassung ausmachen, dass musikalische, dramatische und erzählerische Elemente miteinander verschmelzen.
Sicherlich auch spannend, in so exponierter Rolle recht selten zu hörende Instrumente Waldhorn und Viola virtuos zu erleben ...

JOHN BLOW

‚John Blow’ ist ein kompakter 7-köpfiger Luftdruckreiniger für die Ohren.
Schnell, Mittel, Langsam. Sehr Laut, Laut und Mittelleise.
Wahlweise mit Trompeten-, Posaunen- oder Saxophonsoli gewürzt.
Das Menü beinhält alte und neue Klassiker und solche, die es werden wollen.
Und das genreübergreifend, im Marching-Band-Format
(3x Blech, 2x Holz, 2x Schlagzeug),
ohne Strom, ohne Stühle, ohne Notenständer.
Alles zum Mitnehmen, auch mit Lieferservice.
Jede Veranstaltung, die etwas auf sich hält, hat eine mobile Kleinblaskapelle vorzuweisen,
die Anzug- und Lederhosen sich von Bankett- und Bierbänken erheben lässt.

2seedsleft

Im Rahmen ihres 10-jährigen Jubiläums präsentiert die bescheidene Erfolgsband 2seedsleft gleich zwei Alben: HOMESICK – die lockdownbedingt zuhause aufgenommene Acoustic-EP – und FOOLS – das dreckige Gegenstück, welches sich mit typischen Sinnfragen von Tiroler Endzwanzigern auseinandersetzt.
Als hätte Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band ein paar Semester am Mozarteum studiert, aber keine einzige Prüfung abgelegt. Stattdessen hat die Band feinsten Single Malt
getrunken und dabei alte Blues- und Jazzplatten gehört. Ein musikalischer Spaziergang von  der Abbey Road über die Beale-Street bis in den Cotton Club und nie wieder zurück.

LINE UP:
Andreas T.J. Steiner – vox, guitars
Sebastian Schweiger – vox, keys
Benjamin Lampert – bass
Jakob Köhle – vox, drums

Mira Lu Kovacs & Clemens Wenger 'Sad Songs To Cry To'

Mira Lu Kovacs (5K HD, My Ugly Clementine) und Clemens Wenger (5/8erl in Ehr´n, JazzWerkstatt Wien) widmen sich vollends der Traurigkeit. Gibt es was Sehnlicheres, Verlangenderes als sad songs, in die man sich hineinlegt, in denen man schwimmt und untergeht? Lieder in denen man sich suhlt bis die Traurigkeit Einen ganz in sich aufnimmt, damit sie bekommt was sie so unerbittlich fordert um dann schlussendlich, endlich von Einem zu lassen. Tür auf, Monster rein. Monster wütet, Monster geht. 

Neben einigen Eigenkompositionen bearbeitet das Duo eine Auswahl aus bekannten Liedern der Popgeschichte, von “Get Lucky” (Daft Punk) über melancholische Jazzklassiker à la Chet Baker wie “I´m Old Fashioned” bis zu deutschsprachigen Liedern wie “Halt dich an deiner Liebe fest” (Rio Reiser). (Pressetext)

Mira Lu Kovacs gehört zu einer Generation österreichischer Musiker:innen, die eine neue Qualität in die heimische (Pop-)Musik gebracht haben. Das ist einerseits wohl dem musikalischen Hintergrund Mira Lu Kovacs’, die in Klassik, Jazz und Elektronik ausgebildet wurde, zu verdanken, andererseits aber vor allem auch dem freien Geist der Sängerin. Virtuosität und Intuition an Instrument und Stimme, konterkariert von mitunter bis zum Anschlag ausgereizter Direktheit in den Lyrics, trifft bei ihr auf den Mut, mit einer gewissen Schrägheit den vorhandenen Pop-Appeal in die Zukunft zu ziehen. In den vergangenen Jahren hat sich die Musikerin auf und abseits der Bühne ein üppiges Häuschen mit Garten im Gedächtnis der musikinteressierten Öffentlichkeit eingerichtet. 

Clemens Wenger hat mit 40 Jahren eine dicht gefüllte Musikgeschichte als Gründer und Leiter der JazzWerkstatt Wien, als ein Kopf der Wiener Soul-Band 5/8erl in Ehr'n und als gefragter Komponist und Musiker in Projekten rund um zeitgenössischen Jazz, Pop und elektronische Musik. Er beschäftigt sich sowohl mit traditioneller Komposition und Instrumentierung akustischer Instrumente als auch mit progressivem digitalem Sounddesign. Mira Lu Kovacs verbindet mit Clemens Wenger eine langjährige Zusammenarbeit. Nun sind sie mit »Sad Songs To Cry To« gemeinsam auf der Bühne zu erleben. 

MARTIN PTAK & MARTIN EBERLE: MOMENTUM

ein gemeinsames Abenteuer von Martin Eberle (tromb) und Martin Ptak(p): das Klavier beflügelt die Posaune zu ruhiger, durchdachter Kammermusik, die durch die Leichtigkeit ihrer Einfachheit beseligt.
Das gemeinsame Abenteuer von Martin Eberle und Martin Ptak begann 2012, als sie sich bei der Wienerlied Formation »Die Stottern & Blech« kennengelernt haben. Seit Jahren sind sie fixer Bestandteil diverser Bands und Projekte, wie dem Velvet Elevator Orchester, der Jazzwerkstatt Wien, 5KHD oder dem Ensemble von Soap&Skin.
2018 nahmen Martin Ptak und Martin Eberle am Projekt »Ganymed Nature« im Kunsthistorischen Museum teil. Unter dem Titel »Twilight Train« vertonten sie Pieter Bruegels Gemälde »Der düstere Tag«. Durch die Atmosphäre dieser besonderen Performance beflügelt und aufgrund des positiven Feedbacks des Publikums führten sie die begonnene Arbeit fort.
Momentum ist das Ergebnis dieses gemeinsamen Prozesses. Während die Stücke »Appassionata«, »Hymn«, »Momentum« und »Juno« von beiden Musikern gemeinsam komponiert wurden, stammen »Rain Song«, »Ringo« und »Earth« aus der Feder von Martin Ptak, respektive »pARaMios« und »Anfang« von Martin Eberle.

Über Martin Ptak

Martin Ptak studierte Posaune, Klavier und Komposition in Wien. Seit seiner Kindheit interessiert er sich für Filmmusik und komponierte Stücke für Orchester, Bigband, Bläserensembles und Filme. Martin Ptak ist Mitbegründer der Bands »Takon Orchester« & »Velvet Elevator«, spielte mit Steve Bernstein, Elliot Sharp, Jim Thirlwell, Jack Walrath, Bill Reichenbach´s Trombones L.A.“, NÖ Tonkünstlerorchester, Janus Ensemble, Scott Kinsey, Upper Austrian Jazzorchestra, Willi Resetarits, Count Basic, Tyler, Frank London, Ensemble Spitzbergen, Renald Deppe, Martin Grubinger, Julian le Play, Axel Wolph, 5/8 in Ehren, die Strottern, Soap&Skin und andere.

Über Martin Eberle

Eberle absolvierte von 2004 bis 2006 eine klassische Ausbildung als Trompeter am Vorarlberger Landeskonservatorium. Er spielte in diversen symphonischen Orchestern, wie dem Symphonieorchester Vorarlberg, dem Berner Symphonieorchester, den Wiener Sinfonikern und bei Pro Brass sowie Stella Brass, bevor er sich dem Jazz und der improvisierten Musik anschloss. 
Zwischen 2004 und 2006 vertiefte er seine Kenntnisse in einem Studium an der Swiss Jazz School. In dieser Zeit beabsichtigte er mit Martin Franz das Jazzorchester Vorarlberg, um heimischen Musikern ein Podium zu bieten. 2006 zog er nach Wien, wo er als freischaffender Musiker wirkte und 2010 an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien sein Masterstudium in Kulturmanagement absolvierte.
Eberle gründete 2009 die Band kompost3, mit der mehreren Alben entstanden, und das schweiz-österreichische Trio Rom|Schaerer|Eberle (Please Don’t Feed the Model, 2009). Daneben begleitet er das Duo „Die Strottern“ und hat sich der Jazzwerkstatt Wien angeschlossen. Außerdem hat er mit Uri Caine, Alegre Corrêa, Ana Paula da Silva, Peter Herbert, Lucas Niggli, Christian Mühlbacher, Colin Vallon, Demian Kappenstein, Lukas Kranzelbinder, Jon Sass, Christoph Cech, Gerd Hermann Ortler, Velvet Elevator und HK Gruber zusammen. Er ist auch auf Aufnahmen mit Clemens Wenger, Fatima Spar, 5/8erl in Ehr'n, Schmieds Puls, Soap&Skin, Studio Dan, Maja Osojnik, Clemens Salesny Electric Band, Falb Fiction, the flow, Die Pilze, Flip Philipp & Ed Partyka Dectett, Hannes Löschel, Martin Philadelphy zu hören. Außerdem ist er Mitglied der Band 5K HD um die Sängerin Mira Lu Kovacs.

»Er ist ein Vogel und ich möcht, dass er fliegt«

hat sich Hubert von Goisern für den Tiroler Musikanten Jesse Grande gewünscht. Seither breitet genau der seine Flügel aus und zieht immer weitere Kreise – gemeinsam mit seiner Band, die sich schlicht als JESSE anrufen lässt.
JESSE ist waghalsig und laut – eine futuristische Mischung aus Weltraumblues und Dialekt Pop – eine Band, wie sie zuvor noch kein Auge gesehen und noch kein Ohr gehört hat.. Die Band kam 2019 mit einer ungewöhnlichen Besetzung an. Skurrile Gitarrenparts über einer wummernden Tuba und soliden Schlagzeug-Grooves. Die Texte, sofern man sie überhaupt versteht, bedürfen einer
sorgfältigen Auslegung.
Im August 2020 wurde Bandleader Jesse Grande für seinen extravaganten Kompositionsstil mit dem Hubert von Goisern Kulturpreis ausgezeichnet. Anno 2021 gewannen JESSE den Euregio-Musikwettbewerb Upload Sounds, kurz bevor sie zu Weihnachten in einem ausverkauften Innsbrucker Treibhaus ihr Debütalbum »Uno« vorstellten. Neben Tonträgern verkauft die Band auch ureigene Textilien.

DIE BANDE DES PROHETEN

Drums ¦ David Lenz
Gitarre ¦ Thomas Hackl
Tuba ¦ Andreas Hechenberger
Gesang & Gitarre ¦ Jesse Grande

Valerie Costa & Danny Ziemann

Valerie: Ich bin ursprünglich aus Lans und lebe derzeit in Graz, wo ich auch Jazzgesang studiere, unterrichte und mich meinen Projekten widme. Neben der tiroler Szene bewege ich mich auch immer mehr in der Ostösterreichischen Jazz Szene. 
Danny Ziemann ist ein Jazz-Kontrabassist aus Buffalo, NY, er lebt momentan in Wien. Im Rahmen seiner Karriere hatte er bereits die Gelegenheit mit einigen der "Ganz Großen" zu spielen....

Valerie Costa und Danny Ziemann haben sich in Graz als Duo zgefunden und werden Ende des Jahres ihr erstes Duo-Album "And that would be..." veröffentlichen. Sie haben dafür Jazzstandards für diese besondere Besetzung arrangiert und neu interpretiert. 

In many ways, a bass and voice album is the distillation of music to two fundamental ingredients: harmony and melody. One of the beautiful outcomes of this sparse setting is how effectively it highlights the elegance, strength, and story of these timeless songs. 
Of course, there are still the same considerations every musician must deal with in any situation: how to interpret the song, the aesthetics of sound, phrasing, pacing, rhythmic choices, etc. But a duo provides an abundance of space and opportunity like no other situation… and therein lies the challenge.To make the most of this setting — to really serve the song and serve each other musically — there must be a high level of empathy, listening, and musical trust. Otherwise the musical freedom and opportunity becomes daunting — or worse, wasted. While creating this record we wished to recognize the greats before us who contributed in this setting — Sheila Jordan, Cameron Brown, Harvie S, Rebecca Martin, and Larry Grenadier to name a few — while also exploring our own way of communicating each song, reveling in the space, and supporting one another.

Sam Siefert Ensemble

Das Sam Siefert Ensemble Project ist ein Jazz-Kollektiv aus Innsbruck, welches sich durch zeitgenössischen Jazz mit hohem Groove Einfluss musikalisch auszeichnet. Die Besetzung variiert zwischen 10 und 11 MusikerInnen. Mit ihrer neuen EP „Perspectives I“ fokussiert sich das Ensemble stärker auf das intuitive Zusammenspiel, welches in ekstatischen Improvisationen resultieren kann. Jedem Mitglied steht die Freiheit offen, die jeweilige Solo-Improvisation individuell in Klangfarbe, Ästhetik und Dynamik zu bestimmen, sodass eine möglichst breite Fläche gegeben wird, die individuellen Emotionen in einen persönlichen musikalischen Rahmen zu übersetzen. Die Themen sind oftmals kontrapunktisch komponiert und schaffen ein harmonisches Konzept durch melodische Überlagerung der einzelnen Stimmen. Textlich setzt sich der Sound mit soziopolitischen Problemen auseinander, hinterfragt Dogmen und folgt einem universalistischen Menschheitsideal, welches die Gemeinsamkeiten durch Unterschiede als hoffnungstragendes Element unseres menschlichen Zusammenlebens imaginiert. Die Hoffnung auf eine friedliche und bessere Zukunft soll geweckt werden. Das Zusammenspiel der unterschiedlichen Individuen in einer Vision allumfassenden Zusammenhalts reflektiert unser Dasein und folgt dem Ideal der menschlichen Gleichheit, genährt durch individuelle Differenzen.

Gesang – Mimi Schmid
Trompete – tba
Posaune – Lukas Bamesreiter
Altsaxophon – Simon Strobl
Tenorsaxophon – Thomas Greiderer
Gitarre – Christoph Kuntner
Gitarre – Christian Hauser
Bass – Anna Reisigl
Keyboards – Christian Larese
Percussion – Christoph Pfister
Schlagzeug – Sam Siefert

Das Jahr kann erst wirklich abgeschlossen werden, wenn es herzhaft ausgelacht wurde. Markus Koschuh führte wieder penibel Buch über Geschehenes & Passiertes und ruft in Erinnerung, was bitteschön gleich wieder vergessen werden soll. Weil: So arg wie dieses Jahr war noch keines zuvor. Wie gut, dass Koschuh die Ereignisse des Jahres durcheinander würfelt, aus Chats liest, die es gab und aus Chats liest, die noch gar nicht abgehört wurden – aber ganz sicher so stattgefunden hätten. Ach ja: Die eine oder andere Wahl will gruppentherapeutisch verarbeitet werden, ein Landespapa will kabarettistisch gebührend in die Pension verabschiedet werden, und und und.
Mit dabei wie immer das Kasperltheater, die „Charade des Todes“, Rubriken wie die High- und Lowlights des Jahres und und und.
Jahrmarkt der Heiterkeiten 2022 - der listig-lustige Jahresrückblick mit lokalem Einschlag und regionaler Note.

Das Jahr kann erst wirklich abgeschlossen werden, wenn es herzhaft ausgelacht wurde. Markus Koschuh führte wieder penibel Buch über Geschehenes & Passiertes und ruft in Erinnerung, was bitteschön gleich wieder vergessen werden soll. Weil: So arg wie dieses Jahr war noch keines zuvor. Wie gut, dass Koschuh die Ereignisse des Jahres durcheinander würfelt, aus Chats liest, die es gab und aus Chats liest, die noch gar nicht abgehört wurden – aber ganz sicher so stattgefunden hätten. Ach ja: Die eine oder andere Wahl will gruppentherapeutisch verarbeitet werden, ein Landespapa will kabarettistisch gebührend in die Pension verabschiedet werden, und und und.
Mit dabei wie immer das Kasperltheater, die „Charade des Todes“, Rubriken wie die High- und Lowlights des Jahres und und und.
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Das Jahr kann erst wirklich abgeschlossen werden, wenn es herzhaft ausgelacht wurde. Markus Koschuh führte wieder penibel Buch über Geschehenes & Passiertes und ruft in Erinnerung, was bitteschön gleich wieder vergessen werden soll. Weil: So arg wie dieses Jahr war noch keines zuvor. Wie gut, dass Koschuh die Ereignisse des Jahres durcheinander würfelt, aus Chats liest, die es gab und aus Chats liest, die noch gar nicht abgehört wurden – aber ganz sicher so stattgefunden hätten. Ach ja: Die eine oder andere Wahl will gruppentherapeutisch verarbeitet werden, ein Landespapa will kabarettistisch gebührend in die Pension verabschiedet werden, und und und.
Mit dabei wie immer das Kasperltheater, die „Charade des Todes“, Rubriken wie die High- und Lowlights des Jahres und und und.
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THE DOORS EXPERIENCE aus Österreich genießen seit über 10 Jahren den Ruf der besten Doors- Tributeband aller Zeiten. Dafür ist vor allem die Bühnenpräsenz und die verblüffende Ähnlichkeit von Bandgründer Jason Boiler mit Jim Morrison verantwortlich, aber auch die musikalische Genialität seiner 3 Bandkollegen.
Jim Morrison ist der im Jahre 1971 frühzeitig verstorbene und damit zur unsterblichen Legende gewordene Leadsängers der genialsten US-amerikanischen Band der 1960er The Doors. Bandleader Jason Boiler besticht durch Ähnlichkeit in Look, Gestik, Charisma und vor allem in der Stimme, ohne dabei Morrisons Einzigartigkeit in Frage zu stellen.

Klaus Bergmaier, Mastermind an den Tasten, der virtuose Spitzengitarrist René Galik (an seiner original Gibson SG) und der psycedelisch-rockende Drummer Christoph Zauchinger (an seinem mühevoll selbst restaurierten Premier Set aus den frühen 1960ern) – gemeinsam entfache THE DOORS EXPERIENCE auf der Bühne genau jenes einzigartige musikalische Feuerwerk samt der unvergleichlichen Mystik, mit welcher auch The Doors ihr Publikum in den späten 1960ern in andere Sphären eintauchen ließen.

Engagements als Headliner bei riesigen Festivals in ganz Europa, die Fananzahl auf Facebook sowie die millionenfachen Zugriffszahlen auf youtube und myspace sowie eine ausführliche TV-Dokumentation (arte, ZDF) sind der eindeutig Beweis dafür, dass die Doors-Fangemeinde aus aller Welt THE DOORS EXPERIENCE zu ihren absoluten Favoriten unter den Doors-Tributes gewählt hat.
Seit dem Gründungsjahr 2001 kann die Band auf äußerst erfolgreiche Tour-Jahre quer durch Europa zurückblicken, in denen sie mithilfe eines Bassgitarristen den Studio-Sound der Doors perfekt auf die Bühne brachte und damit zigtausende Konzertbesucher begeistern konnte. Ab der Tour 2012 verlagert die Band den Schwerpunkt ihrer Liveperformances fast ausschließlich auf den unverkennbaren Live-Sound der Doors. THE DOORS EXPERIENCE spielen ab sofort nur mehr in der Doors-Originalbesetzung zu viert und verzichtet auf den E-Bassisten. Organist Klaus Bergmaier - der als einziger in der Band neben Jason Boiler von Anbeginn an mit dabei war – meistert von nun an die Basslines mit seiner linken Hand genauso wie damals Doors-Organist Ray Manzarek auf einem Basskeyboard. Hierfür verwendet er ausschließlich Originalklänge der Gibson- und Vox- Orgeln sowie das legendäre Fender Bass Piano, die auch Ray einsetzte.

Das mit über 45 Songs bestückte Repertoire von THE DOORS EXPERIENCE kann mit zeitlosen Klassikern wie Light My Fire, Riders On The Storm, People Are Strange, Alabama Song, Break On Through, L.A. Woman, Roadhouse Blues, The End, Soul Kitchen, When The Music’s Over, Hello I Love You, Touch Me und vielen anderen Gustostückerl aus dem reichhaltigen Fundus an Doors-Songs aufwarten.

Ein Konzert von THE DOORS EXPERIENCE ist eine einzigartige musikalische Zeitreise in die späten 1960er bzw. frühen 70er, die man nie mehr vergißt – mit Worten de facto nicht zu beschreiben, man muss es selbst erlebt haben. 
das treibhaus gibt alle Jahre wieder Gelegenheit dazu: beim

last concert of the year....

Das Jahr kann erst wirklich abgeschlossen werden, wenn es herzhaft ausgelacht wurde. Markus Koschuh führte wieder penibel Buch über Geschehenes & Passiertes und ruft in Erinnerung, was bitteschön gleich wieder vergessen werden soll. Weil: So arg wie dieses Jahr war noch keines zuvor. Wie gut, dass Koschuh die Ereignisse des Jahres durcheinander würfelt, aus Chats liest, die es gab und aus Chats liest, die noch gar nicht abgehört wurden – aber ganz sicher so stattgefunden hätten. Ach ja: Die eine oder andere Wahl will gruppentherapeutisch verarbeitet werden, ein Landespapa will kabarettistisch gebührend in die Pension verabschiedet werden, und und und.
Mit dabei wie immer das Kasperltheater, die „Charade des Todes“, Rubriken wie die High- und Lowlights des Jahres und und und.
Jahrmarkt der Heiterkeiten 2022 - der listig-lustige Jahresrückblick mit lokalem Einschlag und regionaler Note.

BAiBA

Sorry, not sorry! BAIBA spielt selbst-produzierten Elektro-Pop und erobert mutig die Bühne ganz allein. In ihren Texten scheut sie keine emotionalen Tiefen, keine Ehrlichkeit, in ihren Arrangements nie das Neue. In den letzten Jahren hat sich BAIBA immer weiter von der Singer-Songwriter Ecke entfernt und ist ihrer Neugierde zur elektronischen Musik gefolgt. BAIBA experimentiert mit ambient sounds und tiefen Bässen. Mysteriöse, dunkle Texte kombiniert sie mit tanzbaren Rythmen. BAIBA probiert sich definitiv gerne aus und zeigt sich facettenreich. Kurzweilig, stimmungsvoll und intensiv sind auch ihre Live-Auftritte.

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Nachdem sie 2017 und 2021 zwei Alben veröffentlicht hat, arbeitet sie derzeit an einer neuen EP "Compulsive", die im Frühjahr 2023 erscheinen wird. ``Compulsive" wird ein energischer und satirischer Ausbruch ihrer größten Besessenheiten, Ängste und Paranoia
sein. Die selbstheilende und kraftvolle Kunst, in der sie sich auf ihrer neuen EP bewegt, hat sich auch in ihren Live-Auftritten manifestiert - die einst schüchterne Singer-Songwriterin erzeugt nun eine Dynamik, die einen mit auf eine ekstatische Reise nimmt.
Die erste Single der EP, "Perfect", war in der täglichen Rotation und den Charts eines von FM4.

LiTTLE ELEMENT

Die sanfte Rebellion und die Musik, die dazu passt..
Flut und Ebbe, Feuer und Wasser, die Berge und das Meer, Yin und Yang, Abreisen und Ankommen – in diesen Gegensätzen oder irgendwo dazwischen passiert die Musik von LITTLE ELEMENT. Die innsbrucker Musikerin und Produzentin lässt elektronische mit organischen Elementen verschmelzen und erschafft dabei eklatische Soundwelten zwischen ethno angehauchten Trip-Hop und california geblendeten Indie-Pop. Mit Schimmernden Surf-Gitarren, trippigen Sitar Klängen und nostalgischen Melodien verzaubert LITTLE ELEMENT vor allem mit einem: GOOD VIBES!

"Ihr elektronisch angehauchter Folk-Pop mit Hippie Drift ist super sommertauglich, doch durchaus drauf angelegt, ein Ganzjahres Burner zu werden. (Volume)"
Seit der viel beachteten EP „Water“ (2017) und der Kür zum Radio FM4 ,,Soundpark Act des Monats" im Juli 2017, hört man die Musik von LITTLE ELEMENT in internationalen Radiostationen sowie in sämtlichen all Genre iTunes Charts. Ihre Hit-Single „Tel Aviv“ (Futures Future, 2019 ) verzeichnet über eine Million Streams auf Spotify und wurde schon davor zum Lieblingslied vieler Fans. Gigs in Österreich, Italien, Portugal, Luxemburg und auf diversen Festivals, unter anderem als „European Ines Talent 2019“  zeigen, wie
sich Little Element solo und seit 2020 auch mit ihrer begleitenden live Band auf der Bühne entfaltet.

"Little Element konzipiert ihr Konzert als Gesamtkunstwerk" (Tiroler Tageszeitung)

Irgendwann im Jahr 1995: Zwei bartlose Buben namens Christoph und Lollo nehmen zum Spaß das Lied „Lebkuchenherz“ auf, eine Ballade über den tschechischen Skispringer František Jež. Sie schicken das Lied an Christoph Grissemann und Dirk Stermann, die im gerade erst gegründeten Radiosender FM4 den „Salon Helga“ moderieren. Die beiden sind begeistert und spielen das Lied so oft, bis es ein Hit ist. „Schreibt doch noch ein paar traurige Lieder über Skispringer“, meint Stermann bei einem persönlichen Treffen. Die Ära der Schispringerlieder beginnt.

In den folgenden Jahren veröffentlichen Christoph & Lollo drei legendäre Alben mit Liedern über Skispringer. Kazuyoshi Funaki, die Hautamäki-Brüder, Espen Bredesen, Ari-Pekka Nikkola und viele andere sind die Protagonisten des seltsamsten Liedergenres, nach dem jemals niemand gefragt hat. Die Lieder laufen im Radio und bei Sportübertragungen, werden gecovert, geremixt und auf unzähligen Konzerten lauthals mitgesungen. Andi Goldberger, Toni Innauer und andere kommen zu den Auftritten, Kazuyoshi Funaki klaut die CDs von einem Ski-Wachsler, Christoph & Lollo spielen beim FM4-Fest und auf dem Frequency. Die Schispringerlieder sind Kult.
Dann ein harter Schnitt: Christoph & Lollo beginnen, über andere Themen zu singen – Zivildienst, Pfingsten, Karl-Heinz, Parteihymnen. Der Mythos Schispringerlieder wird wieder zu Insiderwissen. Christoph & Lollo werden erfolgreicher, erobern die Kleinkunstbühnen, bekommen Kabarettpreise. Bei ihren Konzerten ruft trotzdem noch ab und zu jemand „Funaki“ oder „Eddie“ – meist vergeblich. Die Schispringerlieder sind Geschichte.

2022 aber geschieht, womit niemand gerechnet hat: Der Mythos kehrt zurück! Auf einer einmaligen Tournee singen Christoph & Lollo wieder Schispringerlieder. Kein „Karl-Heinz“, keine Wahlkampfhymne, kein „Seit ich ein Kind hab“. Nur Janne Ahonen, Stanisław Bobak, Kazuki Nishishita & Co. Es wird groß. Es wird legendär. Wer damals dabei war, ist heute ein Stückchen älter. Wer damals nicht dabei war, bekommt jetzt eine letzte Chance. Leute werden „Funaki“ rufen und sie werden bekommen, was sie wollen. Die Schispringerlieder sind wieder da, die ganze Skisprungsaison 2022/23 hindurch. Damit hat niemand gerechnet. Das wird es nie wieder geben. Das ist der Telemark.

Stimmen zu den Schispringerliedern

„So lustig wie ein Holmenkollenspringen.“ (Wolfgang Kralicek, Falter 8/1999)
„Ich hoffe, dass die Sportler diese Platte nie hören.“ (Toni Innauer, profil, 22.2.1999)
„Hier geht es ans Eingemachte. Hier geht es um Leben und Tod.“ (Karl Fluch, Der Standard, 11.1.2001)
„Wie weiland mit ihren Skispringerweisen sind sie hierzulande auch mit ihren gesellschaftskritischen, politsatirischen, selbstironischen und trocken bis schwarz gewitzten Liedern eine Klasse für sich.“ (Falter, 21.11.2018)

MITTEN INS HERZ

Wie ist eigentlich die aktuelle Lage auf unserem Lieblingsplaneten Erde? Christoph & Lollo haben sich das genau angeschaut und wenig Grund für gute Laune gefunden: Umweltkatastrophen, fortschreitende Verblödung, bösartige Internetdeppen, von der Politik durchgefütterte Boulevardmedien, überall dumme alte Männer an der Macht, durchgeknallte Verschwörungstheorien, giftige Zimmerpflanzen, Fenchelrohkost – es ist wirklich furchtbar. Aber deswegen den Humor verlieren? Sicher nicht. Christoph & Lollo machen daraus lieber neue Lieder und gehen auf Tour. Rotzfreche Abende, skurrile Dialoge, hoher Improvisationsgrad und sehr böse, sehr lustige Lieder mit Inhalt. Dargeboten mit Gitarre, Klavier und der nötigen Portion Respektlosigkeit. Ohne Genierer. Mitten ins Hirn.

Für ihr im Oktober 2018 erschienenes  Album „Mitten ins Hirn“ haben sich Christoph & Lollo in der Welt umgesehen und wenig Grund für gute Laune, aber viel Anlass für Humor gefunden: das Versagen der Politik, Verschwörungstheorien, ahnungslose Hipster, die Folgen der Bologna-Reformen für das Bildungswesen, das Problem Mann und wütende Emojis. Sie richten ihren Blick in schallgedämpfte Keller, in leere Kinderzimmer und in die Twitteraccounts der Rechtschaffenen.

Die Lieder von Christoph & Lollo zielen nie aufs Herz oder auf den Bauch. Ihre Lieder sorgen nie dafür, dass der Hörer sich entspannt zurückgelehnt berieseln lässt. Getanzt wird hier selten. Geschmust nie. Christoph & Lollo wenden sich immer direkt an den Intellekt ihrer Hörerschaft, manchmal klug und ernst, dann eher spöttisch und ein bisserl blöd, aber immer mit Blick auf das eine Ziel: Die Wirklichkeit durch Überzeichnung kenntlich zu machen. Darum haben sie ihr neues Album auch „Mitten ins Hirn“ genannt.

Die Texte von Christoph & Lollos Liedern sind länger als jene von Gangsterrappern, sie sind härter und böser. Die beiden Unruhestifter aus Wien nehmen nichts ernst außer dem Recht ihres Publikums auf würdevolle Unterhaltung. Darin sind sie einzigartig. Oder kennen Sie andere Musiker, deren Texte vom Anwalt von Karl-Heinz Grasser vor Gericht vorgelesen werden? Kennen Sie andere Bands, die aus sperrigen Themen wie „politische Inserate in Boulevardmedien“ Internethits mit Hunderttausenden Klicks macht? Gibt es eigentlich sonst wen im Musik- oder Humorbereich, der seit Jahren jedem, der es verdient, mit dem salzbestreuten Finger in die Wunde fährt und dabei immer beim Thema bleibt, ohne Rücksicht auf Verluste, zum Gaudium des Publikums und zum Entsetzen der Betroffenen? Na? Eben. Für ihre unverkennbare Art, inhaltlich stets am Punkt zu sein und mit giftigem Spott den Nagel derart auf den Kopf zu prügeln, dass er beim ersten Refrain versenkt ist, wurden Christoph & Lollo mit dem begehrten Salzburger Stier ausgezeichnet.

PRESSE

„Absurd, politisch, bitterböse und liebenswert-charmant.“ (Passauer Neue Presse)
„Kaum jemand beherrscht die spontane Zusammenführung von tragisch-komischen Geschichten, abgründigem Humor und Protestliedern so perfekt.“  (Jurybegründung Salzburger Stier)
„Des is ma ollas zu intellektuell“ (Peter Rapp)

Das Jahr kann erst wirklich abgeschlossen werden, wenn es herzhaft ausgelacht wurde. Markus Koschuh führte wieder penibel Buch über Geschehenes & Passiertes und ruft in Erinnerung, was bitteschön gleich wieder vergessen werden soll. Weil: So arg wie dieses Jahr war noch keines zuvor. Wie gut, dass Koschuh die Ereignisse des Jahres durcheinander würfelt, aus Chats liest, die es gab und aus Chats liest, die noch gar nicht abgehört wurden – aber ganz sicher so stattgefunden hätten. Ach ja: Die eine oder andere Wahl will gruppentherapeutisch verarbeitet werden, ein Landespapa will kabarettistisch gebührend in die Pension verabschiedet werden, und und und.
Mit dabei wie immer das Kasperltheater, die „Charade des Todes“, Rubriken wie die High- und Lowlights des Jahres und und und.
Jahrmarkt der Heiterkeiten 2022 - der listig-lustige Jahresrückblick mit lokalem Einschlag und regionaler Note.

Das Jahr kann erst wirklich abgeschlossen werden, wenn es herzhaft ausgelacht wurde. Markus Koschuh führte wieder penibel Buch über Geschehenes & Passiertes und ruft in Erinnerung, was bitteschön gleich wieder vergessen werden soll. Weil: So arg wie dieses Jahr war noch keines zuvor. Wie gut, dass Koschuh die Ereignisse des Jahres durcheinander würfelt, aus Chats liest, die es gab und aus Chats liest, die noch gar nicht abgehört wurden – aber ganz sicher so stattgefunden hätten. Ach ja: Die eine oder andere Wahl will gruppentherapeutisch verarbeitet werden, ein Landespapa will kabarettistisch gebührend in die Pension verabschiedet werden, und und und.
Mit dabei wie immer das Kasperltheater, die „Charade des Todes“, Rubriken wie die High- und Lowlights des Jahres und und und.
Jahrmarkt der Heiterkeiten 2022 - der listig-lustige Jahresrückblick mit lokalem Einschlag und regionaler Note.

Thomas Gansch - Trompete, Flügelhorn
Herbert Pixner - Steirische Harmonika, Klarinette, Flügelhorn
Manu Delago - Percussion
Lukas Kranzelbinder - Kontrabass
radio.string.quartet
Bernie Mallinger - Violine
Igmar Jenner - Violine
Cynthia Liao - Viola
Sophie Abraham - Cello

Alpenländische Volksmusik und Jazz – zwei Stilrichtungen, die auf den ersten Blick weit voneinander entfernt zu sein scheinen. Assoziiert man mit Volksmusik doch schnell mit Berglandschaften und alpenländischer Idylle, denkt man bei Jazz an afroamerikanisch geprägte, hochkomplexe Musik mit ausufernden, virtuosen Solos. Mit dem Projekt Alpen & Glühen zeigen die beiden herausragenden Musikerpersönlichkeiten Herbert Pixner und Thomas Gansch, dass diese beiden Genres wundervoll miteinander harmonieren und interagieren. Die beiden Musiker sind im selben Jahr geboren und unabhängig voneinander durch die alpenländische Volksmusiktradition sozialisiert und nachhaltig geprägt worden. In den vergangenen Jahren sind sie als umtriebige Allrounder aus der heimischen Musiklandschaft nicht mehr wegzudenken. Zum einen Herbert Pixner, der durch seine Einbeziehung von Jazz, Rock und Weltmusik maßgeblich eine Renaissance der Volksmusik bewirkt hat. Zum anderen Thomas Gansch, der als international gefeierter Trompeter mit Projekten wie Mnozil Brass Ähnliches im Bereich der Blasmusik geleistet hat.

Mit Alpen & Glühen finden sie nun für ein gemeinsames Projekt zusammen, um sich auf ihre musikalischen Wurzeln zu besinnen. Dabei zeigen sie auf vielfältige Weise, welch immense Qualität und Schönheit dieser Musik innewohnt. Sie bewegen sich auf Pfaden fernab des verklärten Images von Apres-Ski und Schlager, das Volksmusik oftmals anhaftet. Erzählt werden musikalische Geschichten, mal fröhlich, mal melancholisch, mal mit Drive, aber immer von einnehmender Schönheit. Trotz der Virtuosität der beiden Musiker wird auf lange Solopassagen verzichtet – der Fokus liegt ganz auf dem gesamtmusikalischen Eindruck. Dazu passend haben sie sich mit Manu Delago, Lukas Kranzelbinder und dem radio.string.quartet Mitmusiker ins Boot geholt, die diese ästhetische Grundausrichtung optimal ergänzen. Alpen & Glühen bietet im intimen Rahmen Einblicke in die musikalische Prägung der Musiker und in ihr bisheriges Schaffen – ganz gemäß dem Namen des Projekts

JAMARAM, der seit Gründung um die Jahrtausendwende als unsinkbar geltende Reggae-Achter, mit tausenden live Shows auf dem Tacho, ist noch lange nicht platt!
Stemmt euch mit Jamaram live & direct gegen Club- und Festivalsterben, gegen die Balz auf dem Handy und Stubenhockertum mit Stoff und Schnaps und Netflix.
#Die Band steht für Frieden, Weltoffenheit und Respekt, gegen Krieg, Intoleranz und Abschottung. Ohne Grenzen und Mauern - bunte Vielfalt und Lebensfreude, im echten Leben wie in der Musik.
#Der Wanderzirkus in Sachen Reggae & Rock‘n‘Roll, seit 23 Jahren auf den Bühnen Europas, Afrikas und Südamerikas unterwegs, fährt auf der Genre-Achterbahn, ohne je beliebig zu werden.
#Die wie gewohnt umwerfende Live-Show bietet bassheavy Modern Roots, Dubvise, Afrobeat, HipHop und Urban Grooves, es geht massiv in die Beine, Sauna & Eskalation garantiert. Für die Birne und zur Erholung gibt's dann noch die ein oder andere heartbreaking Ballade und intelligentes Songwriter-Storytelling.

Benedikt Anton Aufschnaiter war ein Kitzbühler Barockkomponist, der von Kitzbühel über Wien nach Passau kam und dort am bischöflichen Hof als Kapellmeister und Hofkomponist wirkte. Seine Ehe verlief unglücklich, sodass seine Frau, Maria Barbara von Salla, einen Brief an den Bischof schrieb mit der Bitte die Ehe zu annullieren, allerdings vergeblich. Das Leben Aufschnaiters und die Beziehung zu seiner Frau ist Inhalt eines musikalischen Dokudramas, das Christof Dienz, ebenfalls aus Kitzbühel und Komponist, verton hat. Christof Dienz hat eine Art Mashup aus seiner Musik und der von Aufschnaiter produziert. Die barocke Musik Aufschnaiters und die Musik von Dienz, gespielt vom Ensemble Die Knoedel, vermengt sich zu einem Ganzen, sie stehen sich gegenüber, sie werden überlagert, es gibt harte Brüche und ineinander fliessende Momente. Dargestellt wird Aufschnaiter vom Tiroler Schauspieler, Harald Windisch, wohlbekannt aus Film und Fernsehen. Aufschnaiters Frau, von Salla, wird von Anna Hauf verkörpert, eine Sängerin aus Wien, die sich vor allem in der zeitgenössischen Musik einen Namen gemacht hat. Das Libretto stammt vom Tiroler Lyriker und Schriftsteller Christoph W. Bauer, Regie führt Thomas Gassner, ebenfalls Tiroler und mit seinem Ensemble Feinripp weit über die Landesgrenzen bekannt. Die Idee zu dieser Produktion stammt vom Aufschnaiter-Experten und -Forscher Hans Gasteiger.

Mitwirkende:
„Knödel, Nocken, Nudeln, Plenten, das sind die vier Tiroler Elementen“

Benedikt Anton Aufschnaiter – Harald Windisch
Maria Barbara von Salla – Anna Hauf
Musik – Christof Dienz
Libretto – Christoph W. Bauer
Regie – Thomas Gassner
Idee – Hans Gasteiger
Ensemble Die Knoedel:
Catherine Aglibut – Violine
Margret Köll – Tripelharfe
Alexandra Dienz – Kontrabass
Walter Seebacher – Klarinette, Hackbrett
Andreas Lackner – Trompete, Glockenspiel
Michael Öttl – Gitarre
Charlie Fischer –Pauken, Haimophon
Christof Dienz – Komposition, Fagott, Zither

Die Knödel / Knoedel

Ein urtümlich tirolerisches Instrumentarium für eine erfrischend freche Musikwelt. Aufgewachsen mit der altbewährten Volksliedform bewegen sich die acht MusikerInnen kompromisslos in den verschiedenen Musikstilen unseres Jahrhunderts. Die hauptsächlich vom Fagottisten Christof Dienz komponierten Stücke liegen so quer und genau im Trend der zeitgemässen Volksmusik, dass ein Weghören schier unmöglich wird.
Ob Die Knödel nun nach Bauer-Jazz im Rokokosaal oder nach Stravinsky im Wiener Kaffeehaus klingen, eines ist gewiss: Nicht radikal, doch deutlich, manchmal bodenständig, manchmal utopistisch, aber immer voller Spielfreude zersetzen sie die Tiroler Volksmusik mit lieblichen und avantgardistischen Einfällen und einem professionellen Gespür für den Erfolg zu einer Hommage an den pfiffigen Humor des Bauern in der Grossstadt.

OAME SÖÖ (= „Arme Seele") handelt von Sagen und Mythen, vom Rosengarten des König Laurin, vom gefährlichen Basilisken in Wien und von Wassermännern, die in jedem Löschteich lauern können. Die Songs schrieb der Wiener Liedermacher, Autor und Dramaturg Ernst Molden. Mit an Bord sind Schauspielerin und Sängerin Ursula Strauss, Multiinstrumentalist, Komponist und Galionsfigur der neuen progressiven Volksmusik, Herbert Pixner, außerdem Schlagzeugerin Maria Petrova und „Teufels-Gitarrist" Manuel Randi. In Moldens Melodien verlieren die Sagen ihre Örtlichkeit, vor allem aber auch ihre belehrende Sprache, in der sie einst aufgeschrieben wurden.

ERNST MOLDEN  - Gesang, akustische Gitarren
URSULA STRAUSS  - Gesang 
HERBERT PIXNER - Diatonische Harmonika, Klarinette, Saxophon, Trompete, Percussion 
MARIA PETROVA  - Drums, Percussion 
MANUEL RANDI  - Elektrische Gitarren
MARLENE LACHERSTORFER - Bass

ANJA LECHNER

Bei Andras Schiff ausgebildet zeichnet sich Anja durch ihre einfühlsamen Interpretationen, Improvisationen und ihren klaren Ton auf ihrem Instrument aus. Neben ihren Solo-Projekten pflegt sie zahlreiche langjährige Kollaborationen, etwa mit dem argentinischen Bandoneon-Meister Dino Saluzzi, mit dem Gitarristen Pablo Márquez sowie mit dem Tarkovsky Quartet und davon losgelöst mit dessen Pianisten François Couturier.

Vadim Neselovskyi

Vadim Neselovskyi war der jüngste jemals vom Odesaer* Konservatorium aufgenommene Student. Noch während seines Studiums übersiedelte seie Familie mit ihm nach Deutschland, wo er sein Studium abschloss. Gleichzeitig begann er sich für die Improvisation und den Jazz zu interessieren und studierte weiter in Boston am Berklee College of Music, wo er seinen künftigen Mentor Gary Burton kennenlernte. Heute unterrichtet Vadim Neselovskyi in Berklee und in Maastricht. Im vergangenen Sommer veröffentlichte er sein Solo-Album „Odesa Suite“, eine Hommage an seine Heimatstadt am Schwarzen Meer. 

DAS DUO NESELOVSKYI / LECHNER

Mit Anja Lechner arbeitet Vadilm Neselovskyi an einem Programm nebst spontanen Improvisationen mit Vadim’s eigenen Kompositionen sowie Werken des ukrainischen Komponisten Valentin Silvestrov, der mit dem Ausbruch des Krieges nach Berlin geflohen ist und dem verstorbenen Pianisten und Gründer des Moscow Art Trios, Mikhail Alperin, der vor allem auf Vadim Neselovskyi grossen Einfluss hatte und mit dem auch Anja Lechner für ECM-Produktionen zusammen gearbeitet hat. 

Projiziert. Synchronisiert. Improvisiert. Peter Hörmanseder und Robert Stachel synchronisieren das Jahr 2002,das eigentlich das letzte war.  Maschek blicken zurück, sie drehen wie immer den Wichtigen des Landes den Ton ab und reden drüber. Mit den besten Clips aus "Willkommen Österreich" – teils im Original, teils remixed, teils extended. 

"Original-Bilder in origineller Deutung. Der Spaß an dem Fake liegt nicht nur in der Erfindung absurdester Dialoge und Ansprachen, sondern auch in der Interpretation von Mimik und Nachdenkpausen. Man kann es nicht nacherzählen, man muss es erleben!" (Wiener Zeitung)
"Ein raffiniert und abwechslungsreich verschachteltes Szenario, das Medienspott, Sozialkritik, Politsatire und puren Nonsens zu einem grotesk-schrägen und dabei hochintelligent-gewitzten Spaß vereint." (Kabarett.at)
"Blöde Witze und große Satire" (Kleine Zeitung)
“Ein raffiniert und abwechslungsreich verschachteltes Szenario, das Medienspott, Sozialkritik, Politsatire und puren Nonsens zu einem grotesk-schrägen und dabei hochintelligent-gewitzten Spaß vereint.”
(Peter Blau)

Projiziert. Synchronisiert. Improvisiert. Peter Hörmanseder und Robert Stachel synchronisieren das Jahr 2002,das eigentlich das letzte war.  Maschek blicken zurück, sie drehen wie immer den Wichtigen des Landes den Ton ab und reden drüber. Mit den besten Clips aus "Willkommen Österreich" – teils im Original, teils remixed, teils extended. 

"Original-Bilder in origineller Deutung. Der Spaß an dem Fake liegt nicht nur in der Erfindung absurdester Dialoge und Ansprachen, sondern auch in der Interpretation von Mimik und Nachdenkpausen. Man kann es nicht nacherzählen, man muss es erleben!" (Wiener Zeitung)
"Ein raffiniert und abwechslungsreich verschachteltes Szenario, das Medienspott, Sozialkritik, Politsatire und puren Nonsens zu einem grotesk-schrägen und dabei hochintelligent-gewitzten Spaß vereint." (Kabarett.at)
"Blöde Witze und große Satire" (Kleine Zeitung)
“Ein raffiniert und abwechslungsreich verschachteltes Szenario, das Medienspott, Sozialkritik, Politsatire und puren Nonsens zu einem grotesk-schrägen und dabei hochintelligent-gewitzten Spaß vereint.”
(Peter Blau)

Dub Tribe Rising - Mitten im Gestrüpp der Berge wächst und pulsiert aktuell Lower Austrias wahrscheinlich most vibrant und most sprudeliges Sound-Labor seit langem. Chefmagier Monsieur Knabberdub (bereits auf Tour als Support von AC/DC, The Prodigy, Volbeat, u.v.m.) rührt dort an seinen Zaubertöpfen ohne Berührungsängste aus diversen Ingredienzien völlig eigenständige Beats und Soundbilder an den Grenzen von Dub, TripHop, HipHop, Electronic, Reggae, Big Beats, Chill Out aber auch Stoner und Post Rock…
Mit Sabina Thompson findet sich an seiner Seite eine außergewöhnliche Sängerin, schenkt den Songs Wärme, eine tiefe Dichte und wunderbare Melodien.

Kein geringerer als Lee “Scratch” Perry (Bob Marley Produzent, Dub-Pionier wenn nicht Erfinder und Grammy Winner) deklarierte sich als großer Fan der beiden und produzierte mit ihnen in Folge kurz vor seinem Tod ihren gemeinsamen Song “No Mud No Lotus”.
Ab 2022 erweitert sich der magic circle um Tombo, seines Zeichens kategoriensprengender Sprachakrobat, Sänger und im Vorleben deutschsprachiger Reggae Pionier der ersten Stunde (“Mehrdimensionale Lyrics wie bei Tombo sind Mangelware“ (Riddim Magazin)).

​Dub Tribe Rising – sowas von!

Mit Bassport Kontrolle ist die erste dreisame Single gedropt und fast wöchentlich entstehen zur Zeit neue völlig überraschende Soundzauberwerke. Sowohl im Studio als auch live mit an Bord sind außerdem Bassgewalt, sowie Mix&Mastering Wizard Korbi aka The Red Korbinian, Beat-Bollwerk Notorious Sartorius und El Schwalliatschi – His Royal Tightness – an der Trompete. Unter dem Dach des hauseigenen Labels Log A Fire Records wird hier kompromisslos DIY highest grade unique sound für die Liebe und das Leben und ganz konkret auch für das in Bälde aufschlagende Debüt Album handgefertigt.

Projiziert. Synchronisiert. Improvisiert. Peter Hörmanseder und Robert Stachel synchronisieren das Jahr 2002,das eigentlich das letzte war.  Maschek blicken zurück, sie drehen wie immer den Wichtigen des Landes den Ton ab und reden drüber. Mit den besten Clips aus "Willkommen Österreich" – teils im Original, teils remixed, teils extended. 

"Original-Bilder in origineller Deutung. Der Spaß an dem Fake liegt nicht nur in der Erfindung absurdester Dialoge und Ansprachen, sondern auch in der Interpretation von Mimik und Nachdenkpausen. Man kann es nicht nacherzählen, man muss es erleben!" (Wiener Zeitung)
"Ein raffiniert und abwechslungsreich verschachteltes Szenario, das Medienspott, Sozialkritik, Politsatire und puren Nonsens zu einem grotesk-schrägen und dabei hochintelligent-gewitzten Spaß vereint." (Kabarett.at)
"Blöde Witze und große Satire" (Kleine Zeitung)
“Ein raffiniert und abwechslungsreich verschachteltes Szenario, das Medienspott, Sozialkritik, Politsatire und puren Nonsens zu einem grotesk-schrägen und dabei hochintelligent-gewitzten Spaß vereint.”
(Peter Blau)

Episoden aus der Nachbarschaft dienen als Fenster zur Welt und erlauben auch den Blick in eine Zukunft, in der Idealisten endgültig als nützliche Idioten begriffen werden.
 Virtuos agiert Alfred Dorfer in den von ihm erdachten Parallelwelten, spielt mit Rollen und Perspektiven und präsentiert ein temporeiches und inhaltlich sehr komplexes Ein-Mann-Theater. (ORF / KULTUR/ Mittagsjournal)

UND...?

Wie wird es jetzt weitergehen, fragt er sich? Der rätselhafte Stückauftrag eines Theaterdirektors hat Bewegung in das Leben von Alfred Dorfers Bühnenfigur gebracht. Und: Jetzt steht der Umzug bevor. Ein Mann, ein Raum, zwei Bananenkisten. Ein leerer Raum, voller Erinnerungen. Was kommt jetzt? Im besten Fall die Spedition. Jene Kraft, die fürs Erste Veränderung schafft. Und daran glaubt Dorfers Protagonist: an die positive Kraft der Veränderung. Wenn „umziehen“ Veränderung bedeutet, ist dann jede Veränderung gleichzeitig ein Umzug für sich selbst?

Zurück bleiben die Nachbarn. Unterschiedliche Menschen, von Beziehungsunfug und anderen Torheiten gebeutelt, durch grandioses Scheitern und die Suche nach einem Ausweg aus der Banalität zur Karikatur ihrer selbst verkommen.
Alfred Dorfer zeigt in seinem neuen Soloprogramm Momentaufnahmen vom Aufbrechen und Ankommen. Episoden aus der Nachbarschaft dienen als Fenster zur Welt und erlauben auch den Blick in eine Zukunft, in der Idealisten endgültig als nützliche Idioten begriffen werden.
Virtuos agiert Alfred Dorfer in den von ihm erdachten Parallelwelten, spielt mit Rollen und Perspektiven und präsentiert ein temporeiches und inhaltlich sehr komplexes Ein-Mann-Theater.
Alfred Dorfer zählt zu den wichtigsten Satirikern und Autoren im deutschen Sprachraum, den er als seine Bühne begreift. Ausgezeichnet wurde Dorfer u.a. mit dem deutschen Kleinkunstpreis, dem Deutschen Kabarettpreis, dem Bayerischen Kabarettpreis und dem Schweizer Cornichon.

Jurybegründung Deutscher Kabarett-Preis 2016:

Alfred Dorfer  entzieht sich souverän und spielerisch allen Etikettierungsversuchen. Seine Themen sind politisch und gehen gleichzeitig weit über die Tagesaktualität hinaus. Der Erzählbogen wird bewusst und präzise weit gespannt. Dorfer präsentiert seine philosophischen Betrachtungen auf der Bühne fast beiläufig und federleicht. Ihre volle Wirkung entwickeln seine Kabarett-Programme oft erst ein wenig zeitversetzt - dann aber umso intensiver." (Jurybegründung Deutscher Kabarett-Preis 2016)

Episoden aus der Nachbarschaft dienen als Fenster zur Welt und erlauben auch den Blick in eine Zukunft, in der Idealisten endgültig als nützliche Idioten begriffen werden.
 Virtuos agiert Alfred Dorfer in den von ihm erdachten Parallelwelten, spielt mit Rollen und Perspektiven und präsentiert ein temporeiches und inhaltlich sehr komplexes Ein-Mann-Theater. (ORF / KULTUR/ Mittagsjournal)

UND...?

Wie wird es jetzt weitergehen, fragt er sich? Der rätselhafte Stückauftrag eines Theaterdirektors hat Bewegung in das Leben von Alfred Dorfers Bühnenfigur gebracht. Und: Jetzt steht der Umzug bevor. Ein Mann, ein Raum, zwei Bananenkisten. Ein leerer Raum, voller Erinnerungen. Was kommt jetzt? Im besten Fall die Spedition. Jene Kraft, die fürs Erste Veränderung schafft. Und daran glaubt Dorfers Protagonist: an die positive Kraft der Veränderung. Wenn „umziehen“ Veränderung bedeutet, ist dann jede Veränderung gleichzeitig ein Umzug für sich selbst?

Zurück bleiben die Nachbarn. Unterschiedliche Menschen, von Beziehungsunfug und anderen Torheiten gebeutelt, durch grandioses Scheitern und die Suche nach einem Ausweg aus der Banalität zur Karikatur ihrer selbst verkommen.
Alfred Dorfer zeigt in seinem neuen Soloprogramm Momentaufnahmen vom Aufbrechen und Ankommen. Episoden aus der Nachbarschaft dienen als Fenster zur Welt und erlauben auch den Blick in eine Zukunft, in der Idealisten endgültig als nützliche Idioten begriffen werden.
Virtuos agiert Alfred Dorfer in den von ihm erdachten Parallelwelten, spielt mit Rollen und Perspektiven und präsentiert ein temporeiches und inhaltlich sehr komplexes Ein-Mann-Theater.
Alfred Dorfer zählt zu den wichtigsten Satirikern und Autoren im deutschen Sprachraum, den er als seine Bühne begreift. Ausgezeichnet wurde Dorfer u.a. mit dem deutschen Kleinkunstpreis, dem Deutschen Kabarettpreis, dem Bayerischen Kabarettpreis und dem Schweizer Cornichon.

Jurybegründung Deutscher Kabarett-Preis 2016:

Alfred Dorfer  entzieht sich souverän und spielerisch allen Etikettierungsversuchen. Seine Themen sind politisch und gehen gleichzeitig weit über die Tagesaktualität hinaus. Der Erzählbogen wird bewusst und präzise weit gespannt. Dorfer präsentiert seine philosophischen Betrachtungen auf der Bühne fast beiläufig und federleicht. Ihre volle Wirkung entwickeln seine Kabarett-Programme oft erst ein wenig zeitversetzt - dann aber umso intensiver." (Jurybegründung Deutscher Kabarett-Preis 2016)

Echte Djangos brauchen keinen Strom! Ein in ihrer Heimat Staudach-Egerndach längst legendär Kult gewordenes Konzertformat, welches Besucher aus der gesamten Nation seit Jahren für eine Woche ins beschauliche Alpenvorland im Chiemgau lockt, geht auf Reisen. Mit haarsträubenden Anekdoten aus dem Leben einer bayerischen Gypsyband und jeder Menge Rhythmus im Blut kommt der Django3000 Caravan in intimer Atmosphäre völlig ohne Verstärker, dafür mit glühender Gipsy-Leidenschaft hautnah ins Treibhaus! Django 3000 Unplugged, das ist ein so intimes wie mitreißendes Konzerthighlight ohne Netz und doppelten Boden. Die Funken fliegen, der Boden bebt, die Stimmung knistert, wenn die legendär gewordene Heidi zum Greifen nah ums Lagerfeuer tanzt! Gipsy Soul, wie Gott sie geschaffen hat: pur und unvermittelt! Echtes Herzblut braucht eben keine Steckdose.

Die bayerischen Gypsys von Django 3000 rocken seit nunmehr zehn Jahren auf sämtlichen Bühnen der Welt. Ihr unverwechselbarer Gypsysound bringt von Indien über Russland bis Südkorea jeden zum Tanzen, der nicht gerade an einer Hüftdysplasie leidet.
Die vier Babos, vier undurchschaubare Gschäfltmacher, sind unter dem Motto „scheiß da nix, dann feid da nix“ wieder unterwegs und feiern das Leben. Auf den Konzerten von Django3000 wird man aus dem Alltag gerissen und findet sich mit den vier Gypsybajuwaren am Lagerfeuer wieder. Hier darf man sich ausleben – ohne Grenzen, ohne Scham, einfach nur „wuid und laut“.
Mit dem Song „Heidi“ gelang den Djangos der Durchbruch und sie wurden weit über die Landesgrenzen hinaus bekannt. Jetzt, mit „AliBabo“, bekommt die „Heidi“ ihren langersehnten, tanzwütigen Partner. „Er schüttelt si, bringt an Bodn zum Bebn, zittert wia a Schlang, ko mit de Fiaß ‚High five‘ gebn. Des is da Ali, AliBabo“. – Ein ungleiches Paar, das ein gemeinsames Motto verfolgt: „Danz di frei!“

Back to the roots – beschreibt das neue Album „AliBabo“ ganz wunderbar. Die vier musikalischen Strizzis besinnen sich knallhart auf ihre Anfänge. Mit treibenden Balkan-Beats, erdigem Gitarren-Rock’n’Roll, lässigem Gypsy-Swing und teuflisch-melodischen Gegensoli spürt man regelrecht das Brennen unter den Zehennägeln.

„I schoit mei Hirn aus, foig meim Gfui, träum vo da Ruah vom blädn Spui“ heißt es im Song „Mashalla“ – und das darf ernst genommen werden. 
„Aufm Fensterplatz durch d’Höll“ trifft zielsicher den neuen alten Kurs und reiht sich ein in die Morbidität von „Da Wuide und da Deife“. Es riecht nach Gitanes ohne Filter und klingt nach verwegenen ungarischen Straßenmusikern in bester Manier. 
Dabei gibt Sänger Kamil Müller mit seiner whiskygetränkten slowakobayerischen Reibeisenstimme den letzten Schliff und befeuert sein Publikum auf der Tanzfläche.
Im Song „I kimm vorbei“ brettern die Gypsyrocker einmal um die Welt und schauen, was es alles zu tun gibt, bevor sie sich endgültig ihrer großen Liebe widmen: „I kimm vorbei, aber ewig ko i ned bleibn, i mua weida, hob an Plan für uns zwoa“ heißt es da. Eine vielversprechende Liebeserklärung – obwohl man sich bei diesen musikalischen Stenzen nie ganz sicher sein kann. Schließlich ist die ganze Welt ihr Zuhause – und genetisch sind die Jungs nicht gerade weit vom jungen Monaco Franze entfernt: chronisch abenteuerlustig durchs Leben strawanzend, unstet, nicht ganz ungefährlich, aber verteufelt charmant.
Das Album „AliBabo“ erschien Anfang 2022 und feiert mit zehn neuen Songs das zehnjährige Bestehen einer turbulenten Bandgeschichte.

Laut, schnell und nochmals laut heizen FIREAGE Songs der alt-ehrwürdigen und größten Rockband aller Zeiten: •  AC/DC
Mit 20 000 Watt föhnt Fireage jede Frisur in die Horizontale.
Garantiert!
Party, Groove, geballte Power :  that's the way we wanna rock `n roll !!

FIREAGE is:

Gert Königsrainer (vox)
Vinc Obwegeser (guit)
Gregor Degasperi (guit)
Hans Hauser (bass)
Lucas Lurz Geiler (drums)

Volare, oh oh... 
Cantare, ohohoho... 
Nel blu dipinto di blu 
Felice di stare lassù...

Spiel es schräg und spiel es laut! 
Musikalisch angesiedelt zwischen süditalienischer Beerdigungsmusik, Morricone, Tarantino und Celentano mixt die Italoconnection eine wilde Mischung aus Jestofunk, Zawinul und Rimini-Disco. Es wird improvisiert bis zum Abwinken. Es wird getanzt. Es wird heiß. Und es wird heftig!
„Die Band hat Soul, Rhythmus und Herz. Vor allem aber eine Leichtigkeit die ansteckend ist. Und eine Kraft, die jedem Kritiker den Kugelschreiber verbiegt.“ (salto.bz)
„Herbert Pixner lässt seine Zuhörer beinahe atemlos zurück“ (Süddeutsche Zeitung)

"Spiel mir das Lied vom Alpenjazzrock - aber spiel es herrlich schwarz und schräg: Zwei Stunden Programm am Stück bieten der Südtiroler Komponist und seine Truppe auf, drei Italiener, zwei Ladiner und zwei Deutschsprachige. Einer der letzteren bringt als Conferencier und Saxophonist die Halle zum Lachen und Mitmachen, der andere wechselt im Minutentakt zwischen Klarinette, Flügelhorn und der diatonisch gestimmten, steirischen Harmonika...  Wieder ein anderer tauscht rapido die FlamencoGitarre mit der Fender Stratocaste. Bossa, Volare oder Breaking Bad? Es geht alles! Vor allem schnell, und immer irgendwie anders als eben noch. An Wechseln ist der Abend reich, hier werden mit viel Spaß und Profession Stücke und Stile durch den Kakao gezogen und neu umgearbeitet, stehen Bass, Schlagzeug und Percussion gleichberechtigt neben Keyboard, Gitarre und den erwähnten Instrumenten. Schalkhaft und behände zugleich ziehen Herbert Pixner und seine Italo Connection alle Register ihres Könnens, und das sind dann doch einige..."

Auf der Bühne: Das "Who is Who" der Südtiroler Musikszene

Herbert Pixner: Diatonische Harmonika, Klarinette, Trompete, Percussion
Manuel Randi: Diverse Gitarren
Alex Trebo: Keyboards, Piano
Max Castlunger: Percussions
Martl Resch: Saxophon, Vocal
Mario Punzi: Drums
Marco Stagni: Bass

drei Italiener, zwei Ladiner und zwei Deutschsprachige...

"Manchmal ist die Musik kräftig, manchmal verhalten, manchmal schaut sie auf die Erde, manchmal in die Sterne. Töne, die leuchten!" (Herbert Pixner)
Ich wollte wieder einmal etwas Lautes, etwas Dreckiges machen, wo wir volle Kanne spielen“, sagt Pixner.
So ist es, volle Kanne.

Volare, oh oh... 
Cantare, ohohoho... 
Nel blu dipinto di blu 
Felice di stare lassù...

Spiel es schräg und spiel es laut! 
Musikalisch angesiedelt zwischen süditalienischer Beerdigungsmusik, Morricone, Tarantino und Celentano mixt die Italoconnection eine wilde Mischung aus Jestofunk, Zawinul und Rimini-Disco. Es wird improvisiert bis zum Abwinken. Es wird getanzt. Es wird heiß. Und es wird heftig!
„Die Band hat Soul, Rhythmus und Herz. Vor allem aber eine Leichtigkeit die ansteckend ist. Und eine Kraft, die jedem Kritiker den Kugelschreiber verbiegt.“ (salto.bz)
„Herbert Pixner lässt seine Zuhörer beinahe atemlos zurück“ (Süddeutsche Zeitung)

"Spiel mir das Lied vom Alpenjazzrock - aber spiel es herrlich schwarz und schräg: Zwei Stunden Programm am Stück bieten der Südtiroler Komponist und seine Truppe auf, drei Italiener, zwei Ladiner und zwei Deutschsprachige. Und Martl Resch bringt als Conferencier und Saxophonist die Halle zum Lachen und Mitmachen, der andere wechselt im Minutentakt zwischen Klarinette, Flügelhorn und der diatonisch gestimmten, steirischen Harmonika... Wieder ein anderer tauscht rapido die FlamencoGitarre mit der Fender Stratocaste.  Bossa, Volare oder Breaking Bad? Es geht alles! Vor allem schnell, und immer irgendwie anders als eben noch. An Wechseln ist der Abend reich, hier werden mit viel Spaß und Profession Stücke und Stile durch den Kakao gezogen und neu umgearbeitet, stehen Bass, Schlagzeug und Percussion gleichberechtigt neben Keyboard, Gitarre und den erwähnten Instrumenten. Schalkhaft und behände zugleich ziehen Herbert Pixner und seine Italo Connection alle Register ihres Könnens, und das sind dann doch einige..."

Auf der Bühne: Das "Who is Who" der Südtiroler Musikszene

Herbert Pixner: Diatonische Harmonika, Klarinette, Trompete, Percussion
Manuel Randi: Diverse Gitarren
Alex Trebo: Keyboards, Piano
Max Castlunger: Percussions
Martl Resch: Saxophon, Vocal
Mario Punzi: Drums
Marco Stagni: Bass

drei Italiener, zwei Ladiner und zwei Deutschsprachige

"Manchmal ist die Musik kräftig, manchmal verhalten, manchmal schaut sie auf die Erde, manchmal in die Sterne. Töne, die leuchten!" (Herbert Pixner)
Ich wollte wieder einmal etwas Lautes, etwas Dreckiges machen, wo wir volle Kanne spielen“, sagt Pixner.
So ist es, volle Kanne.

DiRK STERMANN: ZUSAMMENBRAUT

Die PremierenKiritik von Stefan Weiss, 13.10.2022, Standard.

Auf der Bühne des Wiener Rabenhoftheaters ist eine Hochzeitstafel gedeckt. Turmtorte mit Pärchenfigur obenauf, Herzerldeko, Stielgläser in allen Variationen, alles da, nur Gäste gibt es keine, selbst das Brautpaar fehlt.
Ein reiferer Herr mit Leslie-Nielsen-Haar betritt den Festraum, im feinsten Zwirn, souveräne Coolness ausstrahlend. Es ist der Brautvater, der vor dieser angeblich schönsten Sause im Leben seiner Tochter noch schnell die Festrede einstudiert. Das denkt man zumindest, und das sagt der feine Herr auch. Doch die Fassade wird in den nächsten zwei Stunden noch zu bröckeln beginnen.

Der Brautvater, der sich hier traut, zum ersten Mal ein selbstverfasstes Solokabarett zu bestreiten, ist Dirk Stermann. Der gebürtige Duisburger gilt zwar als Lieblingsdeutscher aller Österreicher, sein Vorname liege bei den beliebtesten Bubennamen dennoch nur "auf dem letzten Platz, drei Plätze hinter Adolf", wie Stermann sagt.

Kabarettistenehe seit 30 Jahren

Neben seinen literarischen Erzeugnissen, die übrigens durchwegs Lob ernten, kannte man Stermann bisher nur als mildere Ergänzung zur gut und gerne hart über die Stränge schlagenden Rampensau Christoph Grissemann. Zusammen funktioniert diese Kabarettistenehe seit über 30 (!) Jahren zumindest nach außen hin 1A. Zweifel sind also angebracht: Geht das auch solo?

Ja, es geht. Und wie! Okay, über den unnötig verklausulierten Titel des Stücks, Zusammenbraut, hätte man vielleicht noch ein paar Nächte schlafen sollen, ansonsten aber hat Stermanns Solo alles, was man sich erhoffen durfte: zündende Pointen, hohen wie tiefen Schmäh, selbstironische Entblößung bei Wahrung eines Mindestmaßes an Menschenwürde, und einfach eine gute Story mit Hand, Fuß und Hirn.

Der Brautvater, den Stermann gibt, ist nämlich keine glückliche Gestalt. Er ist zynisch, selbstmitleidig, lange Jahre nach der gescheiterten Ehe mit der Brautmutter ist er aber auch ehrlich einsichtig, dass er einen ausgesprochen tüchtigen Rabenvater abgegeben hat.
Heute, bei seinem spätgeborenen Zweiten, schiebt er zwar den Kinderwagen, was praktisch ist, "weil man ihn zugleich als Gehhilfe verwenden kann". Bei seiner erwachsene Tochter aber, die auf den originellen Namen Kina hört und nun einen dem Papa nicht recht schmeckenden amerikanischen Jazz-Klarinettisten namens Wilson ("der Volleyball") ehelicht, hat er, man muss es so sagen: ausgeschissen.

Natürlich denkt man dabei an Maren Ades fantastische Vater-Tochter-Tragikomödie Toni Erdmann, und das Motiv der Hochzeit mag als Verhandlungsort für existenzielle (Melancholia) bis superstupide Fragen (American Pie) gut durchdekliniert sein. Trotzdem schafft es Stermann, dem Genre Hochzeitkomödie viel eigenes hinzuzufügen. Allein schon sein Cover von Leonard Cohen, zu dem er stimmlich erstaunlich tief hinunterkommt, ist einen Besuch wert.
Für Stermanns Kabarettistenzukunft gilt:

Emanzipation gelungen, offene Ehe erlaubt. 

KRiTiKEN

Dass die Braut sich traut, den Vater zu versetzen, hat sich lange zusammengebraut - das wird bei diesem ersten eigenen Kabarettprogramm des aus Duisburg stammenden 56-jährigen Wahlösterreichers rasch klar. Wie auch in seinen Büchern (zuletzt: "Maksym", das im zweiten Teil kurz angespielt und beworben wird) vermischt er gekonnt Fakten und Fiktion zu einer Lebensgeschichte, die wahr sein könnte, jedenfalls aber Wahrheiten enthält, in denen sich große Teile seines Publikums wiedererkennen. Sein langjähriger Bühnenpartner Christoph Grissemann, mit dem er in der Sendung "Willkommen Österreich" am Vorabend den frisch gebackenen Nobelpreisträger Anton Zeilinger begrüßen konnte, bekommt jedenfalls durchaus sein Fett weg.

Doch ansonsten überrascht das bewusst immer wieder zwischen selbstverliebt und selbstkritisch wechselnde Programm, dessen Premiere gestern im Wiener Gemeindebautheater heftig akklamiert wurde, mit zweierlei: Es ist - zumal vor der Pause - wirklich witzig und kann sich viele Lacher holen, und es ist keineswegs als Nummernkabarett angelegt, in dem sich Pointen und Anekdoten aneinander reihen, sondern ist klug gebaut, fast so etwas wie ein monologisches Minidrama, und erhält gegen Ende so viel Tiefgang, dass zynische Munterkeit in lethargische Melancholie umzuschlagen droht.

Gags, Gags, Gags - die gibt es auch in "Zusammenbraut", allerdings selbst geschrieben, versichert Stermann, da die "Willkommen Österreich"-Autoren ihm zu teuer seien. Er komme zwar nicht von Homer und Cervantes, sondern mehr von Homer Simpson und Cerveza, meint Dirk, der gerne Selfies als "Dirk-Pics" verschickt, dessen Vorname aber in der heimischen Beliebtheitsskala den letzten Platz belegt hat, "drei Plätze hinter Adolf". In seiner Hochzeitsrede, die er umständehalber ohne die eigentlichen Adressaten hält, vermischen sich einige tatsächlich sehr gute Witze mit elegischen Rückschauen auf seine Zeit als Vater, der nie zuhause, sondern ständig auf Tournee war.

Seine späte zweite Vaterschaft (die in "Maksym" die Hauptrolle spielt) eröffne immerhin die Synergie, den Kinderwagen auch als Gehhilfe zu verwenden, erzählt Stermann und bekennt, sich einst "als Mann, gefangen im Körper einer Frau" empfunden zu haben - vor seiner Geburt nämlich. Singen und Klavierspielen kann er weniger gut - macht es aber mit der Grandezza eines alternden Alleinunterhalters, die momentweise eine Stimmung wie in Ulrich Seidls "Rimini" aufkommen lässt. Am Ende ist man dann doch ganz schön gebeutelt worden. Und das ist sehr gut so. (Vorarlberger Nachrichten)

Erstes Soloprogramm: Dirk Stermann tanzt allein, aber das sehr gut 
Absurder und bitterer Witz: In seinem ersten Soloprogramm "Zusammenbraut" hält Dirk Stermann eine Rede für Abwesende. Dirk Stermann tanzt bis zum Ende der Liebe.  "Bitte hinterlassen Sie nach dem Piepton eine kurze Rechtfertigung des existenziellen Dilemmas in der heutigen Zeit, ich rufe Sie dann zurück." (SN)

VOM LEBM IN DIE BERG

Abseits ausgetrampelter kommerzieller Musikpfade wandelt die Hopfgartner "Rebel Musig"-Crew mit ihrem Mix aus Reggae, Hiphop, Ska und Funk. "Rebel Musig" liegt am Puls der Zeit - und mit seinen hintergründigen Dialekt-Rap-Texten trifft Lead-Sänger "John Dere" ins Herz einer jungen Generation, die mit dem vorgegebenen System nicht mehr zu Recht kommt. "De waxest sound around" bezeichnet Rebel Musig ihren eigenwilligen Sound-Mix. Mit dem selbst produzierten Album "Radio Freie Mittelstation" bietet Rebel Musig etwas vom Besten, das Tirols Independent-Musikszene derzeit zu bieten hat!

Mit bewährtem Mix aus Reggae, Dancehall und Hiphop abseits kommerzieller Pfade hält sich die Rebel Musig Crew als konstante musikalische Widerstands-Combo auf den Bühnen – ob indoor oder open-air bei Festivals. Und sensationell am Puls der Zeit bleibt Texter, Mastermind und MC „John Dizzy“ alias Johannes Daxer am Mic. Das Leben schreibt seine Texte, natürlich im Dialekt – und so bleiben beim „Liftinga aus Hopfgoscht“ Themen wie Toursimus, Stau und die Frage, wohin Küchenpersonal und Skilehrer nach der Saison verschwinden, präsent in der Wortlawine, die da von der Bühne rollt. „I bin gegn 87 % vu fost oim – oba sust is ois easy!“ – und so geht dem kompromisslosen „Berglöwen“ der Stoff auch nie aus, um seine Gesellschaftskritik, gern verpackt mit sarkastischem Humor, mit Wortsalven aufs Publikum loszulassen und damit offenbar Vielen aus der Seele zu sprechen

Zwischen Bach, Soul, Jazz und Pop bis hin zu Piazzolla und eigenen Kompositionen bewegt sich das Duoprojekt der in Wien geborenen Cellistin und Singer Songwriterin Marie Spaemann und des österreichischen Akkordeonisten und Komponisten Christian Bakanic. Seit rund drei Jahren musizieren die beiden zusammen und mit Metamorphosis erschien im Dezember 2020 nun ihr Debütalbum, welches nicht nur vom BR-Klassik als Album des Monats enthusiastisch aufgenommen wurde. Auf ihm verwandeln Spaemann und Bakanic ihre unterschiedlichen Einflüsse zu einer tiefgründigen Einheit. Beide brachten Stücke mit, zu denen sie gemeinsam neue Arrangements entwickelten.
„Wie die Musik befand sich auch unser Zusammenspiel in den ersten Jahren in einem ständigen Prozess der Veränderung. Unsere vielen Einflüsse verschmelzen nach und nach zu etwas Gemeinsamen, gleichzeitig bleibt alles in sich wandelbar. Unsere musikalische Entdeckungsreise, weg von den ursprünglichen Schubladen hin zu unserem eigenen Stil, ist noch nicht zu Ende.“
Das virtuose Duo beherrscht seine Instrumente meisterhaft und lässt deren lange, weit verästelte Geschichte in Details aufleuchten. Wesentlich für die Musik von Marie Spaemann und Christian Bakanic ist jedoch, wie elegant und gleichzeitig entschlossen sie verschiedene Traditionen als Sprungbrett für eigene Ideen nutzen. Ihre individuelle Stilfusion trägt einerseits wunderbar feinsinnige kammermusikalische Züge. Andererseits bietet sie mit klaren Melodien, ansteckenden Rhythmen und dem Soul in Spaemanns variabler Stimme Anknüpfungspunkte für Pop-Fans. Wenn dann noch Spielarten von klassischer Moderne, Ideen des Tango Nuevo, des europäischen Folk und Jazz hinzukommen, entsteht eine beeindruckend unkonventionelle, poetische Klangsprache.

„Wir möchten einfach sämtliche Möglichkeiten unserer Instrumente nutzen und dabei die akustische Ästhetik bewahren“ Die Intimität des natürlichen, klaren Sounds bezaubert – und ist genauso auch live umsetzbar. Von atmosphärischen Klangfarben bis zu groovigen Basslines und perkussiven Elementen loten Spaemann und Bakanic die Möglichkeiten ihrer Instrumente immer wieder aufs Neue aus. Vielfalt und Virtuosität, die Grenzen sprengt, musikalische Räume öffnet und mit Gesang und Text erstklassig erfüllt. Oder eben mit Akkordeon –welches seine speziellen Klangmomente und Facetten kongenial einfädelt, bisweilen zum Protagonisten avanciert, um schließlich Spaemann wiederum den Vorhang zu öffnen.

„Eins plus eins ist drei!“

Spaemann und Bakanic klingen nur selten wie ein Duo, sondern meist mehr- und vielstimmig. Durch breite, einflussreiche Musiklandschaften hindurch lassen sie während ihren musikalischen Achterbahnfahrten sämtliche Stereotypen ihrer Instrumente hinter sich.

Marie Spaemann zaubert ebenso zarte wie harsche Töne aus dem Cello und wechselt von obertonreichen Passagen bis zu fast schon rockigen Stakkati, während Christian Bakanic brilliert mit mäandernden Linien und weiten Assoziationen. Bisweilen werden diese von „Beats“ durch Schläge auf das Holz des Cellos oder auf eine Cajon ergänzt. Über allem schwebt Spaemanns volltönender Gesang, der sich mühelos auch in höhere Register schrauben kann und der zwischen zurückhaltender Erzählhaltung, rhythmischen Phrasierungen und insistierenden Zuspitzungen changiert. Souverän und beseelt kreieren Marie Spaemann und Christian Bakanic auf Metamorphosis einen persönlichen Musikklang, der ein großes Publikum erreichen und berühren kann.

MARIE SPAEMANN

Der musikalische Weg der in Wien geborenen Cellistin und Singer Songwriterin Marie Spaemann wurde schon früh von Konzertauftritten und Wettbewerbserfolgen einerseits und ihrer Faszination und Neugierde für die Vielfältigkeit kreativer Arbeit andererseits geprägt. Mehrfach trat Spaemann im Konzerthaus Wien sowie (unter dessen Ägide) in Manhattan auf, ebenso beim Sommerfestival Dubrovnik, bei Puplinge Classique (Genf) und dem südkoreanischen Festival Classic Garden. Andererseits arbeitete sie als Sängerin mit dem österreichischen Elektroswing-Produzenten Dunkelbunt, ging 2016 mit dessen Band sowie als deren Solo-Support auf Tournee. Parallel dazu spielte sie rund zwei Jahre bis 2017 Cello bei dem Jazz-Querdenker Christoph Pepe Auer, wo sie Christian Bakanic begegnete. Zuletzt war Marie Spaemann Solistin in der Bühnenproduktion The World Of Hans Zimmer.

Christian Bakanic

Christian Bakanic  wuchs mit Volksmusik bei Feuerwehr- und anderen Festen auf, schon sein Großvater spielte Akkordeon. Mit 14 kam er nach Graz; davor hatte Bakanic bereits begonnen zu improvisieren und aus traditionellen Walzern und Polkas eigene Stücke zu kreieren. Er studierte u.a. an der Kunstuniversität Graz und spielte in den folgenden Jahren in eigenen Formationen (Folksmilch, Beefolk, Trio Infernal u.a.) sowie an der Seite namhafter Jazzer wie Wolfgang Muthspiel, Heinrich von Kalnein, Gwylim Simcock, Jon Sass u.a. Seit zehn Jahren lebt er in Wien und erhält auch Kompositionsaufträge für diverse Theaterproduktionen.
Sein Zugang zur Musik verbindet die komplexe Spontaneität des Jazz, die temperamentvolle Leidenschaft des Tango Nuevo, das disziplinierte Moment der Klassik mit vielschichtigen Traditionen europäischer Volksmusik. Die Quintessenz der Arbeit des österreichischen Akkordeonisten und Komponisten ist die stete Bewegung, der immerwährende Austausch und nicht zuletzt die spannende Suche nach neuen Möglichkeiten. Bakanics Fähigkeit, seine musikalischen Zugänge und Erfahrungen auf subtile Weise in seinen Kompositionen zu vermischen, machten ihn schon früh zu einem der gefragtesten Musiker Österreichs.

"Wenn die Seele Gänsehaut bekommt…"

Rondo Magazin

Fado ist ihr Leben, und kaum eine andere Sängerin verleiht dieser portugiesischen Form des Liedes so viel Kraft, Leidenschaft und Tiefe wie CARMINHO.  Indem sie sich ganz diesem tiefsinnigen sowie traditionellem Genre widmet kreiert sie brandneue traditionelle Fados denen sie mühelos ihren eigenen Stempel einprägt. CARMINHO ist eine der anerkanntesten Künstlerinnen Portugals, nicht nur im Fado-Genre, sondern auch als großartige Stimme Portugals innerhalb und außerhalb der Grenzen. Die Komponistin, Autorin und Interpretin CARMINHO ist die Erbin der Fado-Tradition und prägt die Genregeschichte mit ihrem eigenen Fado-Repertoire. Nur eine Künstlerin, die die Essenz dieser einzigartigen Musikrichtung kennt, kann sie so tiefgreifend und meisterlich weiterführen wie sie.

Carminho verwirklicht ihre eigene Erzähweise auf der Bühne auf und zeigt dem Publikum gleichzeitig das zeitgenössische Bild der ikonischen Portugiesin. Zur Zeit ist sie mit der Produktion ihres neuen Albums beschäftigt, das im Februar 2023 veröffentlicht werden soll, und unternimmt dabei eine Reise in die wahre Bedeutung des Fados, die Gänsehaut in unseren Seelen verursacht.
So wurde die Fado-Sängerin wegen ihrer Glaubwürdigkeit und ihrem Erfolg ein musikalisches Vorbild für junge KünstlerInnen wie Rosalía.

Nach ihrem großen Erfolg mit dem Album Carminho Canta Jobim (2016), auf dem sie sich respektvoll und leidenschaftlich vor dem brasilianischen Songwriter Antonio Carlos (Tom) Jobim verbeugte und sich einmal mehr als eine der besten portugiesischen Interpretinnen bewies, kehrt sie 2019 mit ihrem Album Maria zurück. Ihr fünftes Album ist ihr bisher persönlichstes, denn sie schrieb nicht nur den Großteil der Songs, sondern produzierte es auch selbst. Darüber hinaus war sie auch als ausführende Produzentin neben João Pedro Ruela, Diogo Alves, Marta Pelágio und Ruela Music aktiv an der Entstehung von Maria beteiligt. Fast alle Songs wurden im Bela-Flôr-Studio von Artur David mit Assistenz von Daniel Silva aufgenommen. Gemischt wurde Maria von Artur David und CARMINHO selbst, das Mastering wurde von Fernando Nunes im Estúdio Pé de Vento vorgenommen.

Auch für Maria konnte CARMINHO auf die musikalische Unterstützung hochkarätiger Musiker bauen, darunter Bernardo Couto auf der Guitarra Portuguesa bei den Songs „O Menino e a Cidade“, „A Mulher Vento“ und „Se Vieres“. Der Gitarrist José Manuel Neto arbeitete auf „O Começo“ und „Quero Um Cavalo De Várias Cores“ mit ihr zusammen, und Luis Guerreiro spielt auf „Sete Saias“, „Poeta“ und „Pop Fado“.
Weiterhin ist Flávio César Cardoso auf der traditionellen Viola de Fado zu hören und José Marino de Freitasam akustischen Bass. João Paulo Esteves da Silva begleitet sie am Piano und Cunha Monteiro spielt Pedal Steel- und E-Gitarre. CARMINHO selbst präsentiert sich auf „Estrela“ an der E-Gitarre.

Bereits 2005 wurde Carminho von der Stiftung Amália Rodriguez als bester Newcomer geehrt, und sie ist dem Erbe dieser Fadoikone treu geblieben. Denn auch wenn Carminho dem Fado musikalisch einen frischen Wind beschert, bleibt ihre Musik untrennbar verbunden mit der Sonne, dem Meer, der Liebe und der Sehnsucht.

Es ist diese tiefe Verbundenheit mit der Musik die bereits Carminhos Debütalbum ‚Fado‘ so besonders machen. Schon kurz nach der Veröffentlichung galt es als „das beeindruckendste Fado-Debüt in Jahrzehnten“ (Time Out Magazine) und erreichte innerhalb kürzester Zeit Platin Status in Portugal. Ihre herzergreifenden Songs sind dabei musikalisch virtuos vorgetragen und mit ihrer kräftigen und dennoch glasklaren Stimme gelingt es Carminho, selbst die kleinsten Dynamikunterschiede fein nuanciert auszudrücken und so für ihre Hörer erfahrbar zu machen. Mit dem Nachfolger ‚Alma‘ kam dann auch der internationale Durchbruch: Nach einem Platz 1 in den portugiesischen Albumcharts, in denen es sich volle zwei Jahre hielt, und einer Top-5-Platzierung in den spanischen iTunes-Charts trat Carminho ihre Reise nach Brasilien an, wo die Portugiesin auf offene Ohren traf und stürmisch gefeiert wurde. Caetano Veloso nannte sie “ein Wunder”, und Chico Buarque und Milton Nascimento luden sie zu Gastauftritten und gemeinsamen Aufnahmen ein.

Auch ihr Album ‚Canto‘ eroberte in Carminhos portugiesischer Heimat Platz 1 und erreichte Gold-Status. Das Album nahm Carminho erneut mit ihrem Stammproduzenten Diogo Clemente auf, als Gäste wirken unter anderem die brasilianischen Musiker Nana Vasconcelos (Percussion), Jaques Morelenbaum (Cello) und Multiinstrumentalist Carlinhos Brown mit sowie der spanische Gitarrist Javier Limón. Caetano Veloso schrieb für Carminho den Text zu "O sol, Eu e Tu" und die brasilianische Starsängerin Marisa Monte übergab ihr ihren neuen Song "Chuva No Mar", auf dem die beiden außergewöhnlichen Stimmen im Duett zu hören sind.

In Portugal gilt sie unter Fans und Kritikern gleichermaßen als eine der größten Stimme unserer Zeit und auch auf den internationalen Bühnen werden die sensationellen Auftritte der jungen Fadista als musikalische Offenbarung gefeiert.

Mehrere extensive Touren durch Deutschland führten sie in große Säle wie die Philharmonie Köln, das Konzerthaus Wien und die Elbphilharmonie Hamburg, womit sie endgültig auf dem obersten Level der Konzerthäuser angekommen ist. Aber nach wie vor auch im Treibhaus singt. 

Pressestimmen

«Fado als Genre zelebriert den Moment, die Liebe, die Trauer und – die Lebenserfahrung.»
«Diese «Wind-Frau» klingt wie eine mutige, eigenwillige Freundin für alle Lebenslagen, auch in den rauen Krisenzeiten der portugiesischen Wirtschaft, die so viele dazu getrieben haben, ihr Land zu verlassen.»
taz

«Traumwandlerische Sicherheit
Ein bisschen klingt «Maria» so, als ginge man auf eine lange Wanderung, entlang einer Steilküste, geführt von einer Stimme, die eigentlich in eine Kirche gehört und der die Gitarren den Weg ebnen, sie locken und stützen – bis man dann oben auf dem Berg in Jubel ausbricht. Carminhos Stimme, ein rauer Alt, öffnet sich manchmal in einer Tiefe, die eine Reife zeigt, ihrem Alter weit voraus; heute hört man eine traumwandlerische Sicherheit in Nuancen, die fast erschreckt.»
taz

«Carminho beherrscht alle Register. Ein gelungener Fado klingt wie eine Naturgewalt: Da bleibt kein Platz für Zweifel an der Echtheit dieses Moments. Carminho hätte schon mit 24 Jahren berühmt werden können. Aber damals ergriff sie die Flucht: «Ich hatte noch gar nichts zu sagen – nichts, worüber ich singen konnte mit ganzem Herzen. Also bin ich auf Weltreise gegangen. In Indien, in einem Hospiz, habe ich einen Tanz zwischen Leben und Tod erlebt, der mich aufgeweckt hat. Ich wollte meine Grenzen austesten und habe festgestellt: Es gibt gar keine Grenzen! Der Moment, der Augenblick ist die Grenze, sonst nichts.»
taz

DIe BEGRÜNDUNG DER JURY ZUM KLEINKUNSTPREIS SALZBURGER STiER AN MALARINA

Malarina, die als Kabarettistin erst seit 2019 aktiv ist, begeistere "mit einem listigen wie pointenreichen Mix aus angewandter Völkerkunde, politischer Satire und komödiantischer Aufarbeitung des von Stolz und Vorurteilen geprägten Verhältnisses zwischen Österreich und Serbien", heißt es in der Mitteilung. In ihrem ersten Solo "Serben sterben langsam" verhandle sie die große europäische Geschichte aus serbischer Perspektive. Zusätzlich biete Malarina, deren Eltern als Gastarbeiter nach Tirol kamen, "unterhaltsame Einblicke in Sitten und Gebräuche des Balkans und startet den ambitionierten Versuch, mit Kabarett zur Völkerverständigung beizutragen".

Wie integrieren wir uns, die Serben, eine Nation deren Image seit Kaisermord und Srebrenica schwer in Mitleidenschaft gezogen wurde, in einem Land wie Österreich, dessen Geschichtslehrer von ebendiesem Kaisermord mit nicht nachlassender Erschütterung berichten?
Malarina lädt zu einer Geschichtsstunde von Sarajewo nach Ibiza und verarbeitet in „Serben sterben langsam“ dem schmerzhaften Verlust HC Straches. Der Weg der serbischen Gastarbeiter führte über Integration Classic hin zu Assimilation 1.0 aus Angst vor Haider. Aus Liebe zu HC Strache kam das Upgrade auf Assimilation 2.0 – Edition inklusive Xenophobie und Islamophobie extended Version.
Doch wie soll es für uns Serben ohne HC Strache weitergehen?  

Pressestimmen:
„Eine außergewöhnliche Mischung aus politsatirischer Geschichtsstunde und Ethnocomedy“ – Der Falter
„Malarina arbeitet sich charmant-scharfzüngig durch die größten Verletzungen der serbisch-österreichischen Bromance“ – Die Presse 
„Malarina zählt mit ihrer Rolle als rechtsaffine Austroserbin zu den interessantesten Kabarettaufsteigern des Landes“ – Der Standard
„Klug und hochgradig amüsant“ – profil  

Weitere unabhängige Stimmen:
„Die macht das nur, um andere anzupatzen.“ – Sebastian Kurz
„Na, das hat’s im Dritten Reich nicht gegeben.“  – Jörg Haider
„Ich kenne keine Malarina, ich liebe Phillipa, hören Sie endlich auf mich anzurufen!“ – Heinz Christian Strache

Austroserbin Malarina: Mit dem Oberschwabo auf drei letzte Bier

Wenn Malarina serbisch-österreichische Völkerverbindung demonstrieren will, dann geht sie auf den Wiener Zentralfriedhof. Im Tod sind alle gleich, nur manche sind sich dort gleicher. Morbidität und Melancholie, Jenseits- und Aberglaube, das ist in beiderlei Welten oberstes Kulturgut. Malarina ist blond und schlank, sie spricht akzentuiertes Deutsch ohne Umlaute, trotz "iben, iben, iben", wie sie sagt. Sie schwört auf ihren Pelzmantel sowie aschenbechergroße Jetset-Sonnenbrillen. Beweint wird dahinter der tiefe Fall des einzigen Oberschwabos, der sie je verstanden hat: H.-C. Strache. Auch Kurz ist nunmehr eine Träne wert.

Malarina ist die Kunstfigur von Marina Lacković. Die 31-Jährige zählt mit ihrer Rolle als rechtsaffine Austroserbin zu den interessantesten Kabarettaufsteigern des Landes. Ihr Debütprogramm Serben sterben langsam hatte ironischerweise am Tag des allerersten Corona-Lockdowns Premiere, durchstarten kann es erst jetzt. Und geht es nach dem Zuspruch von Kritik und Publikum, wird die Kleinbühne bald nicht mehr reichen. Denn Malarina ist keine Figur, die zu einer eng gefassten Minderheit spricht, sie hat gerade der Mehrheitsgesellschaft viel zu sagen.
Vom Schuss von Sarajewo über die Gastarbeiter bis zum Fall Peter Handke werden Geschichte und Gegenwart, Gemeinsamkeiten und Unterschiede, kollektive Neurosen, Opfer- und Täterkomplexe durch die Balkanbrille betrachtet aufs Korn genommen. "Wir haben nur verloren in der Geschichte, und sie wird trotzdem glorifiziert. Es ist wie mit Andreas Hofer und den Tirolern", heißt es da.
Marina Lacković wirkt beeindruckend abgebrüht, als sie DER STANDARD nach ihrem Auftritt im Kabarett Niedermair zum Gespräch trifft. Ihr Akzent ist imitiert, abseits der Bühne keine Spur davon, auch Nervosität ist keine zu spüren, dabei habe sie immer noch das "Hochstaplersyndrom", wie sie sagt. Kein Wunder, denn Lackovićs Erfolg kommt völlig aus dem Nichts. Sie hatte keinerlei Bühnenerfahrung, nicht einmal besondere Affinität zum Kabarett, nur die Lust am Schreiben war vorhanden. Zufällig landete sie 2019 beim Politically Correct Comedy Club (PCCC) im Wiener Wuk. Die Ermunterung, sich selbst auf die Bühne zu stellen, kam von der queeren Stand-up-Comedienne Denice Bourbon, ihrer "Mentorin". Zur Kunstfigur Malarina inspirierten sie aber die legendären ORF-Sozialreportagen von Elizabeth T. Spira.

Dass "politisch korrekt" nicht gerade nach Spaß klingt, sieht sie als Missverständnis. Verschrieben hat sich der PCCC bloß der Devise, "nicht nach unten, sondern nach oben zu treten". Das hält auch Lacković so. Wenn sie sich über ihre rechten Landsleute mokiert, dann erzählt sie immer die politischen Bedingungen mit, die zu deren Verhalten geführt haben: nichtaufgearbeitete historische Wunden, die von Populisten in Serbien wie Österreich dankbar ausgeschlachtet werden.

Geboren wurde Lacković 1990 in einem serbischen Dorf. Ihre Großmutter war die Erste, die als Gastarbeiterin nach Tirol ging. Sie selbst kam als Kindergartenkind. Die Mutter arbeitete in der Hotellerie, der Vater am Bau. Angst hatte man vor Jörg Haider: "Mein Vater ist oft von der Arbeit nach Hause gekommen und hat gesagt, wir müssen packen, bald müssen wir zurück." Willkommenskultur, Integrationsmaßnahmen? "Das gab es alles nicht." Strache schließlich habe es verstanden, die Islamophobie der Serben sowie das kollektive und teils verständliche Gefühl, wegen des Jugoslawienkriegs moralisch härter als andere beurteilt zu werden, auszunützen.
Zum Studium der vergleichenden Literaturwissenschaft zog es Lacković schließlich nach Wien. Die Tiroler Enge, das von Bergen eingekesselte Innsbruck, die harte Bergbauernmentalität, das war alles nicht ihr Fall. Noch arbeitet sie Teilzeit beim ORF, aber daneben entsteht schon ihr zweites Bühnenprogramm. Darin wird sich Malarina u. a. Gedanken zum serbischen Frauenbild machen.

Stilistisch bekommt Lacković öfter den Vergleich mit Lisa Eckhart zu hören. "Na wenn die wüsste, dass sie mit einer Tschuschin verglichen wird!", sagt sie lachend. Ist "Tschusch" nicht tabu? "Es kommt auf den Kontext an und wer es sagt. Wir Ex-Jugoslawen sagen es öfter spaßhaft zueinander, aber es ist schon klar, dass es von Anfang an als Schimpfwort gemeint war." "Jugo" oder "Ex-Jugo" hingegen hätte nie negativ konnotiert werden müssen, findet sie: "Allzu oft werden Wörter zu schnell aufgegeben, wenn Rechte sie besetzen." So hält Lacković auch das Wort Asylant für nicht anrüchig, erst die Rechten hätten es verunglimpft.
Im Gegensatz zu Eckhart legt Lacković bei all diesen Fragen wert auf eine Trennung zwischen ihrer Person und der Kunstfigur. Das findet sie wichtig, schon allein um Missverständnisse auszuschließen.
Was sie mit ihrer Kunst letztlich erreichen will? "Fairness – Fairness für alle."
(Stefan Weiss, Standard 13.10.2021)

SHANTI POWA: Das ist die Zeit der Träumer!

Wenn verschiedene Musikgenres, deutsche, italienische und englische Texte aufeinandertreffen, dann hat das in Südtirol seit langem einen Namen 
-  SHANTI POWA.
 
Heute hat sich die 2010 gegründete Band auch außerhalb ihrer Heimat einen Namen gemacht. Ihre Songs sind in über 160 Ländern im Radio zu hören. Die 10 Musiker performen auf den Bühnen der größten Musikfestivals Europas. 
Im Dezember 2022 auch in Übersee: Die Sieger des Anti Corruption Award sind nach Washington geladen!

Bei Ihren umjubelten Liveshows treffen Fans unterschiedlichen Alters und Musikgeschmacks aufeinander. Mit Elementen aus Reggae, Funk, Rap, Dub, Dancehall, Rock und -oder Ska, hat Shanti Powa seinen unverkennbaren eigenen Style! Get sorted.

So bleiben sie sich auch im neuesten, ihrem vierten Album Dreamer , produziert von Gaudi (UK) treu, und präsentieren es „inna Shanti way“ full of light and peace!