Superlative dürfen nicht inflationär verwendet werden, aber wie soll man ohne solche Lou Asril beschreiben? 

2019 brachte den ersten großen Schritt in die Öffentlichkeit samt einer ersten Single-Veröffentlichung – und die Eroberung der Club-Bühnen, auf denen der Groove, die samtene Melancholie und die kräftige Portion Soul bestens aufgehoben sein sollte.

Der junge Mann, als Lukas Riel in Waidhofen an der Ybbs geboren, ist ausgebildeter Musiker. Sieben Jahre Jazz, acht Jahre Klassik. Spielt Klavier und den Judas in "Jesus Christ Superstar", hat aber keine dezidierte Gesangsausbildung gemacht. 
Mit 11 beginnt er eine klassische Klavierausbildung, mit 15 steht er zum ersten Mal mit eigenen Songs auf der Bühne und stellt eine Band zusammen. Mit 17 gewinnt er den Joe Zawinul Award (ein vom Nachlass des legendären Weather Report-Gründers und Miles Davis-Pianisten gestifteten Nachwuchspreis) und bereist die Studios von Los Angeles. 

2019 veröffentlicht er seine erste Single „Divine Goldmine“, die prompt für großes Aufsehen sorgt. Neben prominenten Playlist-Platzierungen folgen Festival-Einladungen und Konzerte, die den ersten Eindruck mehr als bestätigen: Seine Welt aus viel Gefühl und sanftem Groove hat er nicht für sich allein gebaut. Ein Auge auf die Tanzfläche, das andere tief verschlossen für einen Blick nach innen – das trifft den Zeitgeist und wird auf der zweiten Single „Soothing Moving“ genauso hör- und spürbar wie bei seinen erstaunlichen Live-Sets.
Steht auf amerikanischen Rhythm & Blues (Lieblingsinterpretin: Beyoncé), gewinnt mit 17 Jahren den Joe Zawinul Award und bereist Los Angeles. Man konnte ihn aber auch auf der Bühne des Amadeus Music Awards sehen sowie am Karlsplatz beim Popfest Wien. 

"Lernen Sie Lou Asril kennen, bevor er berühmt ist!" mahnte das Szene-Magazin "The Gap".

Ankathie Koi kann die Tanzmaus, die feine Lady und den männermordenden Vamp, und doch geht es ihr nie darum, von einem Geschlechterstereotyp ins nächste zu wechseln. Auch Männer können hier Schwestern sein, zwei davon stehen Ankathie Koi bei ihren Live-Exzessen zur Seite. Postfeminismus? Ja, eh, nur meint der hier halt kein Freilos für ein achselzuckendes Anything Goes. Die liebste Rolle der Vokuhila-Trägerin mit dem Faible für extravagante Outfits ist ohnedies jene der Gender-Trouble-Makerin, wo sie mit keckem Grinsen den Macho aus ihrem Innersten kramt und auf die Bühne stellt. Natürlich ist das offen feministisch, nur halt ohne Dogmen und Regeln. Bis auf eine, sie lautet: Ned deppat sein! – Contemporary Porn Pop ist das Medium, das Maraskino mit seinen schillernden Erinnerungen befüllt, mit seinen Sehnsüchten und deinen Hoffnungen. Abseits klassischer Songstrukturen, soundgewaltig und eindringlich.
Koi Gang united!

Die nicht-männliche Libido wurde über Jahrhunderte hinweg alles andere als prominent gemacht. Dabei ist sie alive and well und durchaus bereit sich auszudrücken. Ankathie Koi perfektioniert auf ihrem zweiten Album PROMINENT LIBIDO ihr Spiel zwischen impliziten und expliziten Erzählungen. Dieses Manöver zieht sich durch – vom Titel, über die Lyrics, bis hin zum Albumcover. Letzteres gleicht einem Wimmelbild für Erwachsene, zeigt 35 Exemplare der Spezies Mensch nackt ineinander verschlungen, und als Krönung dieses Berges an Liebe eine goldene Ankathie Koi, die die Arme breitet.

Ein Blick auf die Tracklist verrät, dass Frauen hier mehr vertreten sind, als die übliche 30%-Quote hoffen lässt. Die Hörer*innen machen Bekanntschaft mit mindestens vier Frauen, die als Personen genauso existieren wie als Metaphern: die toughe Viktoria, die verführerische Adriana, die freiheitsliebende Anna, und die knallharte Business Woman Meilin (SHANGHAI MAZES). Alle davon sind hier als Sinnbilder zu verstehen – ihre Prominenz ist ein Remix aus Ankathies eigener Charakteristika und den Geschichten ihrer Verbündeten. Eine Gang, die sich gegenseitig fördert, sich solidarisch unterstützt und gemeinsam den Bullshit anderer nicht durchgehen lässt.

In einer Inszenierung von Susi Weber lässt das Staatstheater diesem Kaleidoskop des Menschlichen auf der Bühne freien Lauf.

»Österreich lehrt, dass Ideale am ehesten verwirklicht werden, wo kein Programm sie postuliert, dass hoch über dem tierischen Ernst der menschliche Spaß steht, dass Negation ebenso schöpferisch sein kann wie Konstruktion, dass der Traum die Wirklichkeit überwinden, dass Sieg Niederlage und Niederlage Sieg sein, dass Spiel die Welt verändern kann.« (Hans Weigel)

Elisabeth T. Spira schuf mit ihren Alltagsgeschichten eine einzigartige Dokumentation der österreichischen Seele. Ihre erste Alltagsgeschichte »Spiel nicht mit den Gassenkindern« wurde 1985 ausgestrahlt. Die Dokumentarreihe brachte es bis 2006 auf insgesamt 60, zum Teil preisgekrönte Ausgaben, sie erregte die Gemüter, wurde gelobt und kritisiert, viel diskutiert und immer wieder gerne gesehen. Über 20 Jahre blickte Spira dem österreichischen Volk auf die Finger und auf die Zunge, entlockte ihren Gesprächspartnern Intimes und Geheimes, Berührendes und Abstoßendes, Lustiges und Trauriges. Doch immer zutiefst menschlich und mit immer liebevollem Blick.

mit:
Carmen Gratl,
Ute Heidorn,
Johann Nikolussi,
Markus Oberrauch

Regie: Susi Weber
Ausstattung: Esther Frommann

Veeblefetzer passen in keine Schublade, ihr globalisierter Sound besteht aus Zutaten aus aller Welt - vereint von fettem Off-Beat. In Wild-West-Manier reißen sich die vier Musiker die edelsten Styles an sich: Dub-Echos aus den hintersten Ecken von Kingston-Town, puren Rock‘n‘Roll aus der amerikanischen Steppe, knatternde Balkan-Beats aus serbischen Dörfern und brillante Surf-Sounds aus Southern California. Die Gitarren bringen schwebende Klänge von Sinti-Jazz und Reggae, werden gepusht mit fetten Brass-Riffs vom Sousaphon und ordentlich vom Schlagzeug zum Galopp getrieben. Damit passt die Musik der Band ebenso auf eine Beerdigung in New Orleans wie auf eine Hochzeit am Ufer der Donau. 

Der Ausdruck „Veeblefetzer“ entstammt einem amerikanischen Satiremagazin aus den 1950er Jahren und ist ein eher inhaltsloses Füllwort für irgendeine obskure oder komplizierte Sache. Die vier ‚Veeblefetzer‘ aus Rom haben schon ihre erste EP veröffentlicht und sind durch etliche Länder in Europa getourt, dabei standen sie auf großen Festivalbühnen z.B. beim Boomtown Fair (GB), Musikclub Open Air (Österreich), Maui Waui (GB), Ariano Folk Festival (Italien) oder dem Live Rock Festival (Italien). 

Auf ihrem frisch gebackenes Album „More”  haben Veeblefetzer ihren heißen Sound mit treibendem Reggae veredelt, und werden damit auch live ihre Fans zu wilder Begeisterung hinreißen. Denn die packenden Konzerte mit den fünf Römern sind schweißtreibend, aufputschend und ein intensives Erlebnis für die Sinne; so wie bei Brombeeren - die deutsche Übersetzung des Albumtitels!

In einer Inszenierung von Susi Weber lässt das Staatstheater diesem Kaleidoskop des Menschlichen auf der Bühne freien Lauf.

»Österreich lehrt, dass Ideale am ehesten verwirklicht werden, wo kein Programm sie postuliert, dass hoch über dem tierischen Ernst der menschliche Spaß steht, dass Negation ebenso schöpferisch sein kann wie Konstruktion, dass der Traum die Wirklichkeit überwinden, dass Sieg Niederlage und Niederlage Sieg sein, dass Spiel die Welt verändern kann.« (Hans Weigel)

Elisabeth T. Spira schuf mit ihren Alltagsgeschichten eine einzigartige Dokumentation der österreichischen Seele. Ihre erste Alltagsgeschichte »Spiel nicht mit den Gassenkindern« wurde 1985 ausgestrahlt. Die Dokumentarreihe brachte es bis 2006 auf insgesamt 60, zum Teil preisgekrönte Ausgaben, sie erregte die Gemüter, wurde gelobt und kritisiert, viel diskutiert und immer wieder gerne gesehen. Über 20 Jahre blickte Spira dem österreichischen Volk auf die Finger und auf die Zunge, entlockte ihren Gesprächspartnern Intimes und Geheimes, Berührendes und Abstoßendes, Lustiges und Trauriges. Doch immer zutiefst menschlich und mit immer liebevollem Blick.

mit:
Carmen Gratl,
Ute Heidorn,
Johann Nikolussi,
Markus Oberrauch

Regie: Susi Weber
Ausstattung: Esther Frommann

Jane Bunnett: soprano saxophone, flute
Joanna Majoko: vocals, percussion
Mary Paz: conga, vocals, cajón, bata drums
Dánae Olano: piano, vocals
Tailin Marrero: bass, vocals 
Yissy García: drums

Ahoi Frauenpower!
Die kanadische Querflötistin und Sopransaxofonistin Jane Bunnett hat sich mit Maqueque ein Ensemble aus herausragenden kubanischen Musikerinnen zusammengestellt. Was als Mentoring-Projekt begann, hat sich in den letzten fünf Jahren zu einer eigenständigen Band entwickelt: Heute sind Jane Bunnett & Maqueque mit ihrem energetischen Mix aus rhythmusgetriebenem Jazz und afrokubanischen Melodien nicht mehr aus der nordamerikanischen Jazzszene wegzudenken.

Gerade in der Musik spielt nationale Zugehörigkeit keine Rolle, könnte man meinen. Bei Jane Bunnett aber ist das Gegenteil der Fall. Dass die Saxofonistin aus Toronto kommt, ist karriereentscheidend. Denn als Kanadierin kann sie das Embargo der USA gegen Kuba umgehen. Seit den 1990ern reist Jane Bunnett in einer Häufigkeit nach Kuba, die ihren nordamerikanischen Kolleginnen und Kollegen nicht möglich ist. Die afrokubanische Musik fliesst intensiv ins Werk der Sopransaxofonistin und Flötistin ein.
Rhythmusgetriebener, melodieverliebter Jazz, der Jane Bunnett mehrere Grammy-Nominationen eingebracht hat. Gleichzeitig ist sie auch Vermittlerin, indem sie kubanische Volksmusik und Jazz in die Vereinigten Staaten brachte. Gesellschaftspolitische Aussagen macht die 62jährige Musikerin bis heute: mit Plattentiteln wie «Radio Guantanamo» oder ihrer bewussten Entscheidung, kubanische Musikerinnen zu fördern.

Die fünffache Juno-Award-Gewinnerin Jane Bunnett vereint in ihren Bands die grössten musikalischen Talente aus Kanada, Amerika und Kuba. Sie wurde für drei Grammy-Awards nominiert, erhielt den “Order of Canada”, die “Queen’s Diamond Jubilee Medal” und kürzlich den “Premier’s Award for Excellence”. Mit Maqueque erschuf Jane etwas völlig neues und phänomenales in der Welt des Jazz. Was vor fünf Jahren als Projekt, mit jungen, brillianten Musikerinnen aus Kuba Aufnahmen zu machen begann, hat sich zu einer der Top-Gruppen der nordamerikanischen Jazzszene entwickelt. Allein im letzten Jahr spielten sie an grossen Jazzfestivals wie Newport oder Monterey, wurden mit ihrem neusten Album “Oddara” für einen Grammy nominiert und vom DownBeat “Critics poll “zu einer der 10 besten Jazz-Gruppen erkoren. Jane Bunnett ist als international anerkannte Musikern bekannt für ihre kreative Integrität sowie für ihren Mut zur Improvisation. Ihre Erforschung afro-kubanischer Melodien zeigt die Universalität von Musik auf und Jane’s Fähigkeit die Rhythmen und die Kultur von Kuba nicht nur zu integrieren, sondern in den Vordergrund zu rücken ist bahnbrechend. Auf ihren weltweiten Tourneen brachte Jane ihren eigenen, speziellen Sound an zahlreiche Jazzfestivals und präsentierte dort ihre Vielseitigkeit als Flötistin, Saxophonistin und Pianistin dem Publikum. Es existieren zwei Dokumentarfilme über Jane’s Arbeit: “Spirits of Havans” des National Film Boards wurde international an zahlreichen Filmfestivals, im Fernsehen und in Europa gezeigt. Ein aktuellerer Film – “Embracing Voices” - wurde an diversen Filmfestivals aufgeführt und wartet derzeit auf ein kommerzielles Veröffentlichungsdatum. 16.04.-20.04.2019 Jane Bunnett & MaquequeOb als Musikerin, Lehrerin oder auch als Sozialaktivistin – Jane Bunnett hat keine Angst davor, auf ihrer Suche nach Perfektion neue Gebiete zu erkunden.

Die erste Assoziation der meisten Menschen, wenn sie an kubanische Musik denken, ist etwas, das man als avancierte Folklore bezeichnen könnte – und das seinen perfekten Ausdruck in den retrospektiven Aufnahmen des Buena Vista Social Club fand. Roberto Fonseca, 1975 in Havanna geboren, studierte Komposition und machte früh als Jazzmusiker von sich hören. Beim Buena Vista Social Club vertrat er ab 2001 den Pianisten Rubén Gonzáles und begleitete Ibrahim Ferrer, Omara Portoundo und andere Legenden kubanischer Musik am Klavier. Aber wie die kubanische Musik nicht auf traditionelle nationale Rhythmen wie Rumba, Mambo oder Son beschränkt ist, deckt auch Fonseca eine Menge musikalischer Stile ab: Jazz und Funk gehören ebenso zu seinem Repertoire wie Prog Rock oder Klassik. So bereitet er auch auf seinem neuen Album, dem neunten, wieder diverse Genres auf. Den stärksten Bezug nimmt er dabei auf die Siebzigerjahre. Herbie Hancock, mit dem er schon auf der Bühne stand, Wayne Shorter und Weather Report, aber insbesondere kubanische Avantgardisten jener Jahre wie Los Van Van oder Irakere dienen ihm als historische Bezugspunkte auf Songs wie »Motown«, »Stone of Hope« oder »Cadenas« (mit der Rapperin Danay Suarez). Auch »La Llamada«, »Vivo« oder »Ocha« beziehen sich ganz stark auf den Fusion-Jazz der Siebziger. Die Das die CD abschließende »Clave« beginnt archetypisch mit einem kurzen evokativen Part, kippt aber dann sogleich in ein für die Epoche typisches Prog-Rock-Stück. »Kachucha« mit dem französisch-libanesischen Trompeter Ibrahim Maalouf, ein Latin-Arab-Hybrid, erinnert stilistisch an den 2008 verstorbenen jüdisch-algerischen Maestro Lili Boniche. Roberto Fonseca arbeitet auf »Yesun« souverän die mannigfaltigen Strömungen kubanischer Musikgeschichte ab.

Er wird als «Wunderkind» und legitimer Nachfolger von Rubén González bezeichnet – und ist doch weit mehr: Der kubanische Pianist Roberto Fonseca  war gerade einmal 23 Jahre alt, als der große Ibrahim Ferrer ihn 2001 als Nachfolger des verstorbenen Maestro González in den «Buena Vista Social Club» einlud. Und erwies sich rasch als Musiker von magischer Kraft, der noch im selben Jahr beim Montreux Jazz Festival die Weltöffentlichkeit entzückte und mit Wayne Shorter, Michael Brecker und  Brian Blade zusammenarbeitete. Fonseca gilt  als der bedeutendste Pianist seiner Generation. Er flirtet mit Jungle, Drum’n’Bass, Klassik und Soul; dabei hat der Pianist die Wurzeln der kubanischen Musik sehr präzise studiert. Er liebt das percussive Element, bringt das Afro-Kubanische ins Spiel, und nebenbei entlockt er seinem Synthesizer ein flirrendes Steel-Drum-Solo. Es ist nicht allein das musikalische Können, das sein Spiel von auszeichnet, es ist auch das Studium der an Zitaten reichen kubanischen Musik, ihrer vielfältigen Einflüsse und das Wissen um all jene Erkundungen, die geradewegs in die Zukunft führen

Tastengenie Roberto Fonseca ist einer der Wortführer einer neuen, jungen kubanischen Kultur, die Isolation ablehnt, die weltläufig ist und neugierig, aber auch stolz auf karibisches Leben. Fonseca selbst hat seinerseits schon viel für diese ureigene kubanische Kultur getan. Mit gerade mal Mitte Dreißig gilt er schon jetzt als wohl größter Pianist des Landes, mit dem Zeug, der alten Tradition karibischer Musik seinen persönlichen Stempel aufzudrücken.
Als 2001 Rubén Gonzáles seinen Rückzug aus der Allstar-Formation des Orchesters Ibrahim Ferrers bekannt gab, da erschien eine Nachfolgeregelung ähnlich schwierig wie die Wahl eines neuen Papstes. Denn Gonzáles repräsentierte immerhin über 50 Jahre Musiktradition. Doch dann, das Land erstarrte in Schrecken und Freude, präsentierte man einen 26jährigen Jungspund, der eher aussah wie ein amerikanischer Rapper, als neuen König. Auftritt Roberto Fonseca. Das sollte einmal bei einer Papstwahl passieren.
Fonseca selbst nahm die Bürde mit gelassener Grandezza, wozu er auch allen Grund hatte, denn schon vor diesem Erlebnis war er beileibe kein Niemand. Mit 15 war er schon beim International Jazz Plaza Festival aufgetreten und hatte Publikum wie auch Fachkollegen begeistert, was ihn würdigen Gonzáles-Nachfolger und Begleiter der Buena-Vista-Stars qualifizierte. Er spielte mehr als 400 Shows mit Ferrer und Omara Portuondo, und produzierte auch Ferrers letztes Album, die legendären „Mi Sueños, das seitdem wie ein großer Orden an seiner Brust hängt. Doch ansonsten ist er ganz er selbst, sucht sich seinen eigenen Weg, greift vom perkussiven afrokubanischen Son über auf Jazz, Jungle, Drum’n’Bass und Soul, und hat dabei ungeheuren Spaß. Manchmal scheint Keith Jarrett neben ihm zu sitzen, wenn er – wenngleich weitaus rhythmischer als dieser – während des Spiels fast in das Klavier kriecht und jeden Klang begeistert mitsummt. Da lacht das Leben.

Die Inn Seit’n Big Band der Musikschule der Stadt Innsbruck wurde im Schuljahr 2008/09 von Christian Wegscheider und Thomas Steinbrucker gegründet.
Neben den zahlreichen Ensembles und Orchestern des Hauses, steht damit den SchülerInnen auch ein großer Klangkörper in der Sparte Jazz- und Popularmusik zur Verfügung. Christian Wegscheider formte in den ersten Jahren des Bestehens – damals noch unter dem Namen Big Band Innsbruck Youngsters – die jungen Mitglieder zu einem Team. Seit 2013 steht Thomas Steinbrucker der Band voran.
Die Inn Seit’n Big Band kann auf eine Vielzahl an Konzerten und Auftritten in Tirol und Deutschland zurückblicken. Fixpunkte im Schuljahr sind die Weihnachtskonzerte bei den Christkindlmärkten, das Hauptkonzert im Ursulinensaal, die Abendgestaltung beim Sommerfest im Hofgartencafé.
Geplant ist auch ein Tanzprogramm der Inn Seit’n Big Band, um auch auf Bällen oder anderen Tanzveranstaltungen für Stimmung zu sorgen.

Und manchmal testen sie auch die Pizza im Treibhaus-

Ida Kristine Nielsen alias Bassida oder auch Ida Funkhouser, wurde durch ihre Zusammenarbeit mit Prince bekannt. Als Bassistin, Musikerin und Eyecatcher sorgte die dänische Schönheit ab dem Jahre 2010 in den Backing Bands des Meisters „The New Power Generation“ und „3rdeyegirl“ für die tiefen Töne.
Doch bis in die heiligen Hallen der Paisley Park Studios war es ein weiter Weg. Von 1993 bis 1998 studierte sie an der „The Royal Danish Academy of Music“, diplomierte am E-Bass, spielte in den Bands Zap Mama, MLTR, schrieb Songs und veröffentlichte 2007 ein Solo-Album Namens Marmelade, das sie unter dem Künstlernamen Bassida veröffentlichte. 3 Jahre später wurde sie zum „Purple Pick of …“, also zu etwas vom Meister auserkorenen.
Ida hat bisher 2  funkige Alben veröffentlicht! Bis zum Tode von Prince hat Ida an ihrem dritten Album gearbeitet, das wegen der Verabschiedung des Meisters kurzzeitig auf Eis gelegt wurde. Nun aber ist „Turnitup“ im Handel erhältlich und groovt sich mit einer Mischung aus Oldschool Funk, HipHop, Reggae, Weltmusik und einem nicht zu überhörenden Schuss Prince in die Ohren der Fans.

Ida Nielsens Stern am Bass-Himmel ging auf, als ein gewisser Prince sie 2010 in seine Formation NPG und später dann in 3rdEyeGirl einlud. Und das aus gutem Grund, denn die Dänin hat den Funk gepachtet, mit allem, die man dafür braucht: Slap, Fingerstyle, Improvisation, Sound und Bühnen-Präsenz – immer unter dem gemeinsamen Nenner: Funk mit fettem F! So fett wie ihr typischer Bass-Sound, den sie mit ihrem Sandberg Signature Bass und einer TC-Bassanlage produziert.
Doch es würde der Musikalität Ida Nielsens nicht gerecht werden, sie nur auf Zeit mit 3rdEyeGirl zu reduzieren, denn sie spielt seit Jahren nicht nur in vielen verschiedenen Formationen, sondern ist auch mit ihrem eigenen Projekt unterwegs. 2016 erschien das aktuelle Solo-Album ‚turnitup’, auf dem sie nicht nur Bass, sondern mit Ausnahme der Live-Drums alle anderen Instrumente selbst spielt.

Ida Nielsen: Bass + vocals
Mika Vandborg: Guitar + vocals
Patrick Dorcean: Drums
Kuku Agami: Rap/Spoken word (TBC)

Sie wolle immer wieder raus aus ihrer Komfortzone, sagt die Sängerin und Performerin Erika Stucky. Und – wagt nun den Sprung von ihrer schweizerischen Jodel-Vergangenheit hin zu ihren amerikanischen Blues-Wurzeln. Zurück zum einfachen Song, zur ursprünglichen Emotion ohne Zuckerguss:  The Lady  sings the Blues.!
Geboren in den Sechziger Jahren in San Francisco erlebte sie die Hippie-Zeit, den Summer of Love, die Happenings und die Konzerte im Golden Gate Park. In den Siebzigern kehrte sie mit der Familie in die Heimat ihrer Eltern zurück: ins Oberwallis, wo die Erwachsenen nicht mit bunten Jupes und farbigen indischen Kettchen rumliefen, sondern mit Schaufeln und Rechen, Wollsocken und Kappen.
Die Anspielung auf Billie Holidays Meilenstein „Lady Sings the Blues“ kommt nicht von ungefähr. Wie bei Billie Holiday schreibt Erika Stucky mit ihrem neuen Projekt ihre Biographie fort. „Die Musik, mit der man aufwächst, die hat man in sich, das ist der Fundus, aus dem man schöpft. Was man als Kind musikalisch ‘gegessen’ hat, dünstet man als Erwachsener aus“, sagt Erika Stucky. 

Über ihre Biographie versucht sie nun, eine Brücke von Blues zum Jodel zu bauen, ihren eigenen Swiss Blues zu finden.
„Blues ist für mich ein Urgefühl, SEHR nahe beim Jodeln, beim urigen Zäuerli“, beschreibt Erika Stucky den Sprung von der einen zur anderen musikalischen Welt.

Das Projekt ist noch in Entwicklung. Wie es klingen wird, wird man  im Frühjahr erfahren. Zu erwarten ist, dass Erika Stucky Puristen wieder vor den Kopf stossen wird, wie schon als sie den Jodel aus den traditionellen Fesseln befreite und mit komplexen Rhythmen und mit schrägen Geschichten verband. Neben ihren eigenen neuen Songs holt sie sich Hilfe bei Bob Dylan, den Stones, Charlie Mingus, Howling Wolf und Henry Purcell.
Einen wichtigen Schritt raus aus der klassischen Blues-Welt macht Erika Stucky in ihrem neuen Projekt schon mit der Besetzung ihrer Band. Es ist keine Standard-Formation mit Gitarre, Bass und Schlagzeug. Sie begnügt sich mit zwei Gitarristen. Aber welchen: den beiden hochkarätigen Briten Terry Edwards und Paul Cuddeford. 

Terry Edwards
begleitete Erika Stucky schon in frühen Projekten. Er spielt als Multiinstrumentalist auch Saxophon, Trompete, Bass und Melodica, bringt also all die Farben mit, die Erika Stuckys Musik ausmachen. Seine musikalischen Erfahrungen holte er sich u.a. bei Madness, Tindersticks, PJ Harvey, Nick Cave, The Jesus and the Mary Chain, Tom Waits und anderen mehr. 

Paul Cuddeford’s
musikalische Vita wiederum liest sich wie das Who is Who der britischen Musikszene: Bob Geldof, Sir Tom Jones, Ian Hunter (Mott The Hoople), Steve Harley & Cockney Rebel, The Pogues, Holy Holy (featuring Tony Visconti, Woody Woodmansey and Glenn Gregory), Marti Pellow, Robin Gibb, Pete Wylie (The Mighty Wah), Steve Norman (Spandau Ballet), Daphne Guinness, Mark Nevin (Fairground Attraction), Reeves Gabrels (David Bowie, The Cure) and Lisa Ronson.

Sie wolle immer wieder raus aus ihrer Komfortzone, sagt die Sängerin und Performerin Erika Stucky. Und – wagt nun den Sprung von ihrer schweizerischen Jodel-Vergangenheit hin zu ihren amerikanischen Blues-Wurzeln. Zurück zum einfachen Song, zur ursprünglichen Emotion ohne Zuckerguss:  The Lady  sings the Blues.!
Geboren in den Sechziger Jahren in San Francisco erlebte sie die Hippie-Zeit, den Summer of Love, die Happenings und die Konzerte im Golden Gate Park. In den Siebzigern kehrte sie mit der Familie in die Heimat ihrer Eltern zurück: ins Oberwallis, wo die Erwachsenen nicht mit bunten Jupes und farbigen indischen Kettchen rumliefen, sondern mit Schaufeln und Rechen, Wollsocken und Kappen.
Die Anspielung auf Billie Holidays Meilenstein „Lady Sings the Blues“ kommt nicht von ungefähr. Wie bei Billie Holiday schreibt Erika Stucky mit ihrem neuen Projekt ihre Biographie fort. „Die Musik, mit der man aufwächst, die hat man in sich, das ist der Fundus, aus dem man schöpft. Was man als Kind musikalisch ‘gegessen’ hat, dünstet man als Erwachsener aus“, sagt Erika Stucky. 

Über ihre Biographie versucht sie nun, eine Brücke von Blues zum Jodel zu bauen, ihren eigenen Swiss Blues zu finden.
„Blues ist für mich ein Urgefühl, SEHR nahe beim Jodeln, beim urigen Zäuerli“, beschreibt Erika Stucky den Sprung von der einen zur anderen musikalischen Welt.

Das Projekt ist noch in Entwicklung. Wie es klingen wird, wird man  im Frühjahr erfahren. Zu erwarten ist, dass Erika Stucky Puristen wieder vor den Kopf stossen wird, wie schon als sie den Jodel aus den traditionellen Fesseln befreite und mit komplexen Rhythmen und mit schrägen Geschichten verband. Neben ihren eigenen neuen Songs holt sie sich Hilfe bei Bob Dylan, den Stones, Charlie Mingus, Howling Wolf und Henry Purcell.
Einen wichtigen Schritt raus aus der klassischen Blues-Welt macht Erika Stucky in ihrem neuen Projekt schon mit der Besetzung ihrer Band. Es ist keine Standard-Formation mit Gitarre, Bass und Schlagzeug. Sie begnügt sich mit zwei Gitarristen. Aber welchen: den beiden hochkarätigen Briten Terry Edwards und Paul Cuddeford. 

Terry Edwards
begleitete Erika Stucky schon in frühen Projekten. Er spielt als Multiinstrumentalist auch Saxophon, Trompete, Bass und Melodica, bringt also all die Farben mit, die Erika Stuckys Musik ausmachen. Seine musikalischen Erfahrungen holte er sich u.a. bei Madness, Tindersticks, PJ Harvey, Nick Cave, The Jesus and the Mary Chain, Tom Waits und anderen mehr. 

Paul Cuddeford’s
musikalische Vita wiederum liest sich wie das Who is Who der britischen Musikszene: Bob Geldof, Sir Tom Jones, Ian Hunter (Mott The Hoople), Steve Harley & Cockney Rebel, The Pogues, Holy Holy (featuring Tony Visconti, Woody Woodmansey and Glenn Gregory), Marti Pellow, Robin Gibb, Pete Wylie (The Mighty Wah), Steve Norman (Spandau Ballet), Daphne Guinness, Mark Nevin (Fairground Attraction), Reeves Gabrels (David Bowie, The Cure) and Lisa Ronson.

Als Verfechter des orchestralen Folk-Pop mit kinematografischem Unterton etabliert das Duo Tel Aviv als eine Hochburg der Coolness, angetan von Landau’s überirdischen Melodien und Cohen’s unwiderstehlicher und samtweicher Stimme, kühn und zeitlos zugleich. Ihre ersten Songs „Sirens“ und „You‘re Mine“ übertrafen alle Erwartungen und verzeichneten über 7 Millionen Streams auf Spotify. Nun legen sie mit ihrem Debüt-Album „Remember Roses“ nach. Die Musik von Lola Marsh ist ein lebendiger und beschwingter Folk-Pop, in dem Leichtigkeit und Traurigkeit perfekt miteinander harmonieren

Das Duo Lola Marsh aus Tel Aviv gehört zu den vielversprechendsten Newcomern des Jahres. Ihre ersten Songs „Sirens“ und „You’re Mine“ übertrafen alle Erwartungen und verzeichneten über 7 Millionen Streams auf Spotify. Nun legen sie mit ihrem Debüt-Album „Remember Roses“ am 09. Juni 2017 nach und möchten an ihren bisherigen Erfolgen anschließen. Die Musik von Lola Marsh ist ein lebendiger und beschwingter Folk-Pop, in dem Leichtigkeit und Traurigkeit perfekt miteinander harmonieren.
Mit „Remember Roses“, gelingt es Yael Shoshana Cohen und Gil Landau, reifer und inspirierter zu klingen, als auf ihrer ersten EP „You’re Mine“. „Was unsere Musik betrifft, versuchen wir uns auf die schönen Dinge im Leben zu fokussieren. Wir wollen Menschen mit unserer Musik glücklich machen und Emotionen bei ihnen erzeugen“, erklärt Gitarrist Gil Landau. Entstanden ist so der perfekte Soundtrack für den beginnenden Sommer. Schon der Titel ist ein Trip in die eigene Vergangenheit, denn diese Rosen entstammen aus dem Garten, den es früher im Elternhaus der Sängerin gab. Auf den elf Songs des Albums geht es immer wieder um die Freundschaft, um die Liebe oder auch um die eigenen Ängste, die es beim Heranwachsen zu bezwingen gibt.

YEAH -5/8erl in Ehr‘n gehören zu den besten Live-Bands des Landes. Und da sprechen wir nicht von Videowalls, Pyrotechnik, Dixi-Klos und grölenden Männern. Bei ihrem „Wiener Soul“ geht‘s um die Feinheiten des Lebens. Ein kleiner Fingerschnipp und es groovt. Cucina Mamma statt McDonalds. YEAH –die neuen Songs enthüllen unbekannte Seiten der Band. Wenn 5/8erl eine Power-Ballade hinschmettern, Hawaii-Sounds herzaubern, ob sie ein hochromantisches Kunstlied intonieren, oder ihrem All-Time Klassiker `Siasse Tschick ́ ein Roots-Reggae Softwareupdate verpassen: die Band klingt frischer denn je. Zeitlose Weltklasse. YEAH -Wer den Stil der Band kennt, der wird dem Albumtitel folgend euphorisch zustimmen: Zuhören statt Polemik, komisch ohne peinlich (sic!), Entschleunigung statt Vollgas. YEAH YEAH YEAH –eine LP der Beatles heißt genauso. 5/8erl in Ehr ́n gibt es noch. Eine dieser beiden legendären Bands können sie noch LIVE erleben. Jetzt liegt ́s an Ihnen!

Süße Fremdscham: Wer kennt sie nicht? Die glorios peinlichen und umso amüsanteren Tagebuch-Ergüsse aus Teenagerzeiten, Reisetagebüchern oder einfach nur von damals? Wir haben sie! 
Eine peinlich-lustige Zeitreise in die Abgründe der eigenen und fremden Pubertät. Ehrlich, berührend, schonungslos, betrübt, übertrieben, sehnsüchtig, haltlos und unverstanden. So waren und sind sie, unsere Schul- und Jugendjahre. Und so sind unsere Tagebucheinträge aus dieser wilden und unberechenbaren Zeit des Erwachsenwerdens. Es lesen live 4 Laien aus ihren alten Tagebüchern. 
Das gibt es im Wiener TAG seit 2013 und im Oktober 2014, waren auch 5 Folgen in DIE.Nacht in ORF 1 zu sehen. 
Seit Sommer 2015 werden die Bundesländer erobert. 
Das Publikum entscheidet über die Sieger*in des Abends, die sich über einen Taschengeld Zuschuss (1000 Schilling Gutschein) freuen kann. 
Und auch für alle anderen gibt es Preise, denn jede*r, der die Pubertät unbeschadet überstanden hat, ist ein*e Sieger*in. Eine Reality-Show der etwas anderen Art – mit Sicherheit der persönlichste aller Slams, denn die schönsten Geschichten schreibt das Leben. Überzeugt euch selbst, kommt vorbei oder noch besser macht selbst mit! 

„Pubertät kann wirklich erheiternd sein, wenn

man darüber hinweg ist.“ DER STANDARD

Teilnehemer*innen gesucht -
es scheint es gibt viel zu verbergen in den Bergen ... 
Es werden 4 Leute am Start sein, d.h. immer 2 gegen einander lesen, dann gibt es einen Applausbattle und eine zweite Runde bzw. das Finale. Jede*r braucht zwei Beiträge (können auch mehrere kürzere Einträge sein) von maximal 5 Minuten, weil Vor- und Finalrunde. Bitte keinen aktuellen Beiträge, sollten vor 2014 sein! Originaltagebücher mitbringen und ansonsten einfach Spaß haben. 
Anmeldungen und Fragen bitte an: diana@liebestagebuch.at 

Durch den Abend führt: Diana Köhle 

Erster Tagebucheintrag am 23. September 1989, denn das Leben war hart in den Bergen. Nach längerer Abstinenz schreibt sie nun wieder täglich Tagebuch, denn sie muss ja weiterhin fleißig für „Lesestoff“ sorgen. Neben dem Tagebuch schreiben, schlägt ihr Herz für Poetry Slams. Seit 2004 moderiert und organisiert sie Poetry Slams (monatlich Slam B im Literaturhaus Wien) und seit 2013 auch den erfolgreichen TAGebuch Slam im TAG in Wien. Der war im Herbst 2014, mit 5 Folgen auch in DIE.Nacht in ORF 1 zu sehen (Liebes Tagebuch, ...). Sie war ein Landkind (aufgewachsen in Nassereith) und ist nun eine Stadterwachsene (Studium in Innsbruck, lebt seit 2003 in Wien).

In einer Inszenierung von Susi Weber lässt das Staatstheater diesem Kaleidoskop des Menschlichen auf der Bühne freien Lauf.

»Österreich lehrt, dass Ideale am ehesten verwirklicht werden, wo kein Programm sie postuliert, dass hoch über dem tierischen Ernst der menschliche Spaß steht, dass Negation ebenso schöpferisch sein kann wie Konstruktion, dass der Traum die Wirklichkeit überwinden, dass Sieg Niederlage und Niederlage Sieg sein, dass Spiel die Welt verändern kann.« (Hans Weigel)

Elisabeth T. Spira schuf mit ihren Alltagsgeschichten eine einzigartige Dokumentation der österreichischen Seele. Ihre erste Alltagsgeschichte »Spiel nicht mit den Gassenkindern« wurde 1985 ausgestrahlt. Die Dokumentarreihe brachte es bis 2006 auf insgesamt 60, zum Teil preisgekrönte Ausgaben, sie erregte die Gemüter, wurde gelobt und kritisiert, viel diskutiert und immer wieder gerne gesehen. Über 20 Jahre blickte Spira dem österreichischen Volk auf die Finger und auf die Zunge, entlockte ihren Gesprächspartnern Intimes und Geheimes, Berührendes und Abstoßendes, Lustiges und Trauriges. Doch immer zutiefst menschlich und mit immer liebevollem Blick.

mit:
Carmen Gratl,
Ute Heidorn,
Johann Nikolussi,
Markus Oberrauch

Regie: Susi Weber
Ausstattung: Esther Frommann

GAGS GAGS GAGS

Im Treibhaus erprobt fegen die zwei liebenswürdigsten FernsehAnarchos mit ihrem neuen Kabarettprogramm  über die Kabarettbühnen des Landes. GAGS GAGS GAGS, live, jeden abend neu und mit wunderbaren Gästen.
Gewohnt erstklassig (?) flitzen die beiden, die „eigentlich zu gut für’s Fernsehen“ (John Cleese) sind, durch den selbst gesteckten Gag-Slalom.
Beide, auch der Deutsche (Stermann), verirren sich aber nie ins kabarettistisch Ressentimentale oder langweilen mit öden sozialdemokratischen Pointen. Keine Sekunde mit Stermann und Grissemann ist Zeitverschwendung. „Gags, Gags, Gags!“
"Ein Höhepunkt mitteleuropäischer Humorartistik" (Sir Peter Ustinov, noch zu Lebzeiten)
"Das Schlechteste nicht" (Jon Stewart)
"Wer?" (Bundeskanzler Christian Kern)

 mit wunderbaren Gäster. ARMIN WOLF zum beispiel.

Zu den Personen
Bekannt wurden Christoph Grissemann und Dirk Stermann durch ihre wöchentliche Radiosendung "Salon Helga", die ab 1989 zunächst auf Ö3 und von 1995 bis 2014 auf FM4 zu hören war. Hinzu kommen Bühnen-Auftritte im gesamten deutschsprachigen Raum, Buchveröffentlichungen, DVDs und CDs. Seit Mai 2007 führen Stermann & Grissemann durch die wöchentliche Late Night Show „Willkommen Österreich“ - Dienstag Nacht auf ORF eins.
1999 feierten Christoph Grissemann und Dirk Stermann „Das Ende zweier Entertainer“ mit ihrem ersten Kabarettprogramm, um schließlich mit „Die Karawane des Grauens“ (2000) wieder aufzuerstehen. „Willkommen in der Ohrfeigenanstalt“ (2002) und „Harte Hasen“ (2005) gingen dem Programm „Die Deutsche Kochschau“ voraus, das von 2007 bis 2011 für volle Hallen und Begeisterung sorgte. Derzeit sind Stermann & Grissemann mit ihrem Kabarettprogramm "Stermann" auf den Bühnen zu sehen. Seit Anfang 2016 mimen die beiden im neu interpretierten Broadwayklassiker "Sonny Boys" ein alterndes exzentrisches Komikerduo. Im Herbst 2016 folgt mit "Das Ei ist hart!" ein neuer Loriot-Bühnenabend.
Internet-Clips wie „Die Deutsche Kochschau“, „Alpenzoo“, „Club 2“ oder „Andi & Alex“, „Die Fischers“ ließen ihren Bekanntheitsgrad binnen kürzester Zeit in die Höhe schnellen. Hunderttausend Fans verfolgen den Alltag der beiden Komiker auch via Facebook.
Um es mit der Süddeutschen Zeitung zu halten:
„Gegen die beiden wirkt Chef-Zyniker Harald Schmidt wie ein braver Nachrichtensprecher, die Titanic-Redaktion wie ein Haufen verschüchterter Zögerlinge und Nonsense-König Helge Schneider wie ein rückwärtsgewandter, angepasster Super-Spießer.“

PREMIERENKRITIK

(kurier)

Stermann und Grissemann bringen mit „Gags, Gags, Gags“ ihre wöchentliche Late-Night-Show auf ORFeins,  „Willkommen Österreich“,  auf die Bühne. Was Besseres sei ihnen nicht eingefallen. Das neue Programm entstand, wie Grissemann im KURIER-Interview zugibt, ausschließlich aus Mangel an anderen Ideen. Das Ziel sei „so zu tun, als ob. Also man macht in Wahrheit Kammermusik und tut so, als wäre es Jazz.“
Und so findet sich das Publikum bei der Premiere im ausverkauften Globe Wien im erweiterten und nachgebauten „Willkommen Österreich“-Studio wieder, wo die  beiden Komiker vor ihrer 1165 Sendung stehen. Bevor diese beginnt, wird das Publikum auf die Sendung vorbereitet – „Appläuse“ werden geübt, Lacher geprobt und Pointen getestet. In Ping-Pong-Manier stellen sich der gebürtige Tiroler und der Deutsche gegenseitig vor. Grissemann über Stermann:  „Darf ich vorstellen, die bizarre Mischung aus Richard Gere und Johannes Heesters“. Stermann kontert mit "Karfiolfrisur" und im Tonfall eines Märchenonkels: „An meiner Seite, das offizielle Gesicht zur Mondlandung: Christoph Maria Grissemann“. Der von einer "Altersakne" geplagte Grissemann ist aber nicht lange beleidigt, sondern erzählt, dass er in Internetforen als erstes österreichisches HD-Opfer bezeichnet wird. Gelächter.
Im zweiten Teil durchforsten Stermann und Grissemann ihr Handy nach halbwegs erträglichen Studiogästen: André Heller? Der hat Besseres vor. Tobias Moretti? Keine Zeit. „Scheiß auf die Stars!“, schreit Grissemann frustriert. Danach wird die Sendung aus Erfolglosigkeit abgebrochen. Die Karriere ist beendet. Ein ORF-Mitarbeiter baut das Studio ab. Es geht Beckett-mäßig zur Sache – abgründiger und feiner Humor.  
Das bereits im Vorfeld angekündigte Sammelsurium "aus feiner Beschimpfung, Sinnsabotage und Selbstdemontage, Nonsens, bizarrer Parodie, Persiflage und Polemik" wird bei der Premiere auch geliefert. Ganz nach dem Motto: Man muss dem Publikum geben, was es verlangt – auch wenn es am Ende die Wiederholung vom Immergleichen ist.

GAGS GAGS GAGS

Im Treibhaus erprobt fegen die zwei liebenswürdigsten FernsehAnarchos mit ihrem neuen Kabarettprogramm  über die Kabarettbühnen des Landes. GAGS GAGS GAGS, live, jeden abend neu und mit wunderbaren Gästen.
Gewohnt erstklassig (?) flitzen die beiden, die „eigentlich zu gut für’s Fernsehen“ (John Cleese) sind, durch den selbst gesteckten Gag-Slalom.
Beide, auch der Deutsche (Stermann), verirren sich aber nie ins kabarettistisch Ressentimentale oder langweilen mit öden sozialdemokratischen Pointen. Keine Sekunde mit Stermann und Grissemann ist Zeitverschwendung. „Gags, Gags, Gags!“
"Ein Höhepunkt mitteleuropäischer Humorartistik" (Sir Peter Ustinov, noch zu Lebzeiten)
"Das Schlechteste nicht" (Jon Stewart)
"Wer?" (Bundeskanzler Christian Kern)

 mit wunderbaren Gäster. ARMIN WOLF zum beispiel.

Zu den Personen
Bekannt wurden Christoph Grissemann und Dirk Stermann durch ihre wöchentliche Radiosendung "Salon Helga", die ab 1989 zunächst auf Ö3 und von 1995 bis 2014 auf FM4 zu hören war. Hinzu kommen Bühnen-Auftritte im gesamten deutschsprachigen Raum, Buchveröffentlichungen, DVDs und CDs. Seit Mai 2007 führen Stermann & Grissemann durch die wöchentliche Late Night Show „Willkommen Österreich“ - Dienstag Nacht auf ORF eins.
1999 feierten Christoph Grissemann und Dirk Stermann „Das Ende zweier Entertainer“ mit ihrem ersten Kabarettprogramm, um schließlich mit „Die Karawane des Grauens“ (2000) wieder aufzuerstehen. „Willkommen in der Ohrfeigenanstalt“ (2002) und „Harte Hasen“ (2005) gingen dem Programm „Die Deutsche Kochschau“ voraus, das von 2007 bis 2011 für volle Hallen und Begeisterung sorgte. Derzeit sind Stermann & Grissemann mit ihrem Kabarettprogramm "Stermann" auf den Bühnen zu sehen. Seit Anfang 2016 mimen die beiden im neu interpretierten Broadwayklassiker "Sonny Boys" ein alterndes exzentrisches Komikerduo. Im Herbst 2016 folgt mit "Das Ei ist hart!" ein neuer Loriot-Bühnenabend.
Internet-Clips wie „Die Deutsche Kochschau“, „Alpenzoo“, „Club 2“ oder „Andi & Alex“, „Die Fischers“ ließen ihren Bekanntheitsgrad binnen kürzester Zeit in die Höhe schnellen. Hunderttausend Fans verfolgen den Alltag der beiden Komiker auch via Facebook.
Um es mit der Süddeutschen Zeitung zu halten:
„Gegen die beiden wirkt Chef-Zyniker Harald Schmidt wie ein braver Nachrichtensprecher, die Titanic-Redaktion wie ein Haufen verschüchterter Zögerlinge und Nonsense-König Helge Schneider wie ein rückwärtsgewandter, angepasster Super-Spießer.“

PREMIERENKRITIK

(kurier)

Stermann und Grissemann bringen mit „Gags, Gags, Gags“ ihre wöchentliche Late-Night-Show auf ORFeins,  „Willkommen Österreich“,  auf die Bühne. Was Besseres sei ihnen nicht eingefallen. Das neue Programm entstand, wie Grissemann im KURIER-Interview zugibt, ausschließlich aus Mangel an anderen Ideen. Das Ziel sei „so zu tun, als ob. Also man macht in Wahrheit Kammermusik und tut so, als wäre es Jazz.“
Und so findet sich das Publikum bei der Premiere im ausverkauften Globe Wien im erweiterten und nachgebauten „Willkommen Österreich“-Studio wieder, wo die  beiden Komiker vor ihrer 1165 Sendung stehen. Bevor diese beginnt, wird das Publikum auf die Sendung vorbereitet – „Appläuse“ werden geübt, Lacher geprobt und Pointen getestet. In Ping-Pong-Manier stellen sich der gebürtige Tiroler und der Deutsche gegenseitig vor. Grissemann über Stermann:  „Darf ich vorstellen, die bizarre Mischung aus Richard Gere und Johannes Heesters“. Stermann kontert mit "Karfiolfrisur" und im Tonfall eines Märchenonkels: „An meiner Seite, das offizielle Gesicht zur Mondlandung: Christoph Maria Grissemann“. Der von einer "Altersakne" geplagte Grissemann ist aber nicht lange beleidigt, sondern erzählt, dass er in Internetforen als erstes österreichisches HD-Opfer bezeichnet wird. Gelächter.
Im zweiten Teil durchforsten Stermann und Grissemann ihr Handy nach halbwegs erträglichen Studiogästen: André Heller? Der hat Besseres vor. Tobias Moretti? Keine Zeit. „Scheiß auf die Stars!“, schreit Grissemann frustriert. Danach wird die Sendung aus Erfolglosigkeit abgebrochen. Die Karriere ist beendet. Ein ORF-Mitarbeiter baut das Studio ab. Es geht Beckett-mäßig zur Sache – abgründiger und feiner Humor.  
Das bereits im Vorfeld angekündigte Sammelsurium "aus feiner Beschimpfung, Sinnsabotage und Selbstdemontage, Nonsens, bizarrer Parodie, Persiflage und Polemik" wird bei der Premiere auch geliefert. Ganz nach dem Motto: Man muss dem Publikum geben, was es verlangt – auch wenn es am Ende die Wiederholung vom Immergleichen ist.

GAGS GAGS GAGS

Im Treibhaus erprobt fegen die zwei liebenswürdigsten FernsehAnarchos mit ihrem neuen Kabarettprogramm  über die Kabarettbühnen des Landes. GAGS GAGS GAGS, live, jeden abend neu und mit wunderbaren Gästen.
Gewohnt erstklassig (?) flitzen die beiden, die „eigentlich zu gut für’s Fernsehen“ (John Cleese) sind, durch den selbst gesteckten Gag-Slalom.
Beide, auch der Deutsche (Stermann), verirren sich aber nie ins kabarettistisch Ressentimentale oder langweilen mit öden sozialdemokratischen Pointen. Keine Sekunde mit Stermann und Grissemann ist Zeitverschwendung. „Gags, Gags, Gags!“
"Ein Höhepunkt mitteleuropäischer Humorartistik" (Sir Peter Ustinov, noch zu Lebzeiten)
"Das Schlechteste nicht" (Jon Stewart)
"Wer?" (Bundeskanzler Christian Kern)

 mit wunderbaren Gäster. ARMIN WOLF zum beispiel.

Zu den Personen
Bekannt wurden Christoph Grissemann und Dirk Stermann durch ihre wöchentliche Radiosendung "Salon Helga", die ab 1989 zunächst auf Ö3 und von 1995 bis 2014 auf FM4 zu hören war. Hinzu kommen Bühnen-Auftritte im gesamten deutschsprachigen Raum, Buchveröffentlichungen, DVDs und CDs. Seit Mai 2007 führen Stermann & Grissemann durch die wöchentliche Late Night Show „Willkommen Österreich“ - Dienstag Nacht auf ORF eins.
1999 feierten Christoph Grissemann und Dirk Stermann „Das Ende zweier Entertainer“ mit ihrem ersten Kabarettprogramm, um schließlich mit „Die Karawane des Grauens“ (2000) wieder aufzuerstehen. „Willkommen in der Ohrfeigenanstalt“ (2002) und „Harte Hasen“ (2005) gingen dem Programm „Die Deutsche Kochschau“ voraus, das von 2007 bis 2011 für volle Hallen und Begeisterung sorgte. Derzeit sind Stermann & Grissemann mit ihrem Kabarettprogramm "Stermann" auf den Bühnen zu sehen. Seit Anfang 2016 mimen die beiden im neu interpretierten Broadwayklassiker "Sonny Boys" ein alterndes exzentrisches Komikerduo. Im Herbst 2016 folgt mit "Das Ei ist hart!" ein neuer Loriot-Bühnenabend.
Internet-Clips wie „Die Deutsche Kochschau“, „Alpenzoo“, „Club 2“ oder „Andi & Alex“, „Die Fischers“ ließen ihren Bekanntheitsgrad binnen kürzester Zeit in die Höhe schnellen. Hunderttausend Fans verfolgen den Alltag der beiden Komiker auch via Facebook.
Um es mit der Süddeutschen Zeitung zu halten:
„Gegen die beiden wirkt Chef-Zyniker Harald Schmidt wie ein braver Nachrichtensprecher, die Titanic-Redaktion wie ein Haufen verschüchterter Zögerlinge und Nonsense-König Helge Schneider wie ein rückwärtsgewandter, angepasster Super-Spießer.“

PREMIERENKRITIK

(kurier)

Stermann und Grissemann bringen mit „Gags, Gags, Gags“ ihre wöchentliche Late-Night-Show auf ORFeins,  „Willkommen Österreich“,  auf die Bühne. Was Besseres sei ihnen nicht eingefallen. Das neue Programm entstand, wie Grissemann im KURIER-Interview zugibt, ausschließlich aus Mangel an anderen Ideen. Das Ziel sei „so zu tun, als ob. Also man macht in Wahrheit Kammermusik und tut so, als wäre es Jazz.“
Und so findet sich das Publikum bei der Premiere im ausverkauften Globe Wien im erweiterten und nachgebauten „Willkommen Österreich“-Studio wieder, wo die  beiden Komiker vor ihrer 1165 Sendung stehen. Bevor diese beginnt, wird das Publikum auf die Sendung vorbereitet – „Appläuse“ werden geübt, Lacher geprobt und Pointen getestet. In Ping-Pong-Manier stellen sich der gebürtige Tiroler und der Deutsche gegenseitig vor. Grissemann über Stermann:  „Darf ich vorstellen, die bizarre Mischung aus Richard Gere und Johannes Heesters“. Stermann kontert mit "Karfiolfrisur" und im Tonfall eines Märchenonkels: „An meiner Seite, das offizielle Gesicht zur Mondlandung: Christoph Maria Grissemann“. Der von einer "Altersakne" geplagte Grissemann ist aber nicht lange beleidigt, sondern erzählt, dass er in Internetforen als erstes österreichisches HD-Opfer bezeichnet wird. Gelächter.
Im zweiten Teil durchforsten Stermann und Grissemann ihr Handy nach halbwegs erträglichen Studiogästen: André Heller? Der hat Besseres vor. Tobias Moretti? Keine Zeit. „Scheiß auf die Stars!“, schreit Grissemann frustriert. Danach wird die Sendung aus Erfolglosigkeit abgebrochen. Die Karriere ist beendet. Ein ORF-Mitarbeiter baut das Studio ab. Es geht Beckett-mäßig zur Sache – abgründiger und feiner Humor.  
Das bereits im Vorfeld angekündigte Sammelsurium "aus feiner Beschimpfung, Sinnsabotage und Selbstdemontage, Nonsens, bizarrer Parodie, Persiflage und Polemik" wird bei der Premiere auch geliefert. Ganz nach dem Motto: Man muss dem Publikum geben, was es verlangt – auch wenn es am Ende die Wiederholung vom Immergleichen ist.

Die aus „South Jamaica" ( Queens, NY. ) stammende Gruppe Onyx ist mittlerweile fast drei Dekaden im Game, doch wer geglaubt hat, dass Sticky Fingaz und Fredro Starr genug von den Bühnen dieser Welt haben, der hat sich gewaltig getäuscht! Abnutzungserscheinungen gibt es praktisch keine bei beiden, aktuell haben sie mit „Black Rock" ein neues Album am Start, der Sound hat sich dabei natürlich genauso wenig geändert wie der Reim Stil der beiden Hardcore Rapper aus dem Big Apple! Wo auch immer die beiden in den letzten Jahren auftauchten, wurden Stages in Schutt und Asche gelegt, kurz vor dem Auftritt sollte man den energiegeladenen MC´s besser aus dem Weg gehen, denn schon kurz vor Showbeginn sind sie auf einer extrem hohen Betriebstemperatur! Und wenn jemand weiß, wie man heiße Lava ins Publikum spuckt und das Fieberthermometer zum schmelzen bringt, dann sind es genau diese zwei, die eine klare Message an ihre Fans haben: „Onyx is here to wild the F*** out with all of you!
Bereits im Jahr 1993 schafften die Jungs aus Queens mit ihrem Debutalbum „Bacdafucup" den weltweiten Durchbruch. Tracks wie „Slam", „Shiftee" oder „Throw Ya Gunz" braucht man nicht näher vorstellen.
Jeder der ONYX bereits einmal live erleben durfte, versteht wohl warum es sich hier um eine der energiegeladensten Rap Shows überhaupt handelt.
In diesem Sinne : „move back – the ONYX is here"!

 So geht es nicht weiter. Das weiß jedes Kind. Die Großen wissen es auch. Und reden sich raus. Am besten geht das mit Witzen. Da kommt der Ratschiller ins Spiel. Seine Spezialität ist das "Einetheatern". Das ist Österreichisch und heißt, er steigert sich in Sachen hinein. Und heute war wieder einiges los. Der Sex wurde erfunden und abgeschafft. Der Sozialstaat wurde erfunden und abgeschafft. Ein Brot wurde in einen Igel verwandelt. Und über all das wollen wir abends lachen. Dann können wir besser schlafen. So einfach ist das. Geht doch eh. 
Regie: Petra Dobetsberger

Pressestimmen: 

"Kabarett mit doppeltem Boden und feinem Humor" (Kurier) 
"Ein Abend mit Hosea Ratschiller ist besser als im Swingerclub" (Süddeutsche Zeitun
"Es zahlt sich aus" (Die Presse) 
"Stand Up Satire vom Allerfeinsten" (Kronen Zeitung) 
"Der Humor ist von schwärzester Sorte, erfrischend quer und von glitzernden Assoziationsgirlanden geschmückt" (AZ München) 
"Man fühlt sich gut und erschöpfend unterhalten" (DerStandard) 
"Beweist eindrucksvoll, dass sich Stand Up und intelligente Gesellschaftskritik bestens vertragen“ (kabarett.at)

Vita Hosea Ratschiller 

*1981 in Klagenfurt. Komiker. Schauspieler. Moderator. Autor. Seit der Geburt der ersten Tochter gerne Wiener. 

Die humoristische Laufbahn beginnt 1998 mit der satirischen Wochenrevue „Club Karate“ beim freien Radiosender Orange 94.0. Ratschiller wird 2003 österreichischer Meister im Poetry Slam und bald darauf und bis heute mit Martin Puntigam der Autor des „FM4 Ombudsmann“, verkörpert von Hosea Ratschiller – mit bisher über zweitausend Ausgaben die langlebigste tägliche ORF Satire-Sendung. 

2009 erstes Soloprogramm im Kabarett Niedermair. 
2012 bekommt Hosea Ratschiller der Förderpreis zum Österreichischen Kabarettpreises verliehen sowie auch Das Kleine Scharfrichterbeil, Passau. Beide Auszeichnungen nimmt er dankend an. Erleichtert tourt er von nun an mit seinen Programmen („Das gehört nicht hierher“, „Heute“, „Doppelleben“, „Der allerletzte Tag der Menschheit“…) durch Österreich, Deutschland und die Schweiz. 
2015 erscheint die vom ORF produzierte Hör-CD zu seinem Programm „Der allerletzte Tag der Menschheit (Jetzt ist wirklich Schluss!). 
2016 wird Hosea Ratschiller für sein Programm „Der allerletzte Tag der Menschheit (Jetzt ist wirklich Schluss!)“- musikalisch begleitet von Radeschnig – erneut mit dem Österreichischen Kabarettpreis ausgezeichnet. 
2017 erhält er für dieses Programm den Salzburger Stier. Das gleichnamige Buch des prämierten Stücks erscheint im gleichen Jahr im Holzbaum Verlag mit Cartoons von Stefanie Sargnagel. 
Seit 2017 ist er als Gastgeber der Mixed Show „Pratersterne“ auf ORF 1 zu sehen und ist - zusammen mit Severin Groebner und Stefanie Sargnagel –ebenfalls Gastgeber der „Letzten Wiener Lesebühne“. 
2017 gab er sein Debut als Schauspieler in der Kärntner Stadtkomödie „Harri Pinter Drecksau“ an der Seite von Jürgen Maurer und Julia Cencig. 
2019 ist es Zeit für ein neues Soloprogramm - Ein neuer mensch. (Premiere 24.9.2019 im Kabarett Niedermair, Wien).

Gehören Sie zu denen, die ihre sieben Zwetschgen beisammen haben und bei denen der Lift eh bis ganz nach oben fährt? Oder eher zu denen, die irgendwann noch einmal ihren Kopf vergessen werden, weil sie echt nicht mehr wissen wo ihnen der Hut steht, weil ihnen irgendwie gerade alles über den Schädel wächst?
Wenn ja, warum?
Und wenn nein: Sind Sie sicher?
In jedem Fall: Willkommen in der Zielgruppe von WOSWASI.

*

Was kommt heraus, wenn „der mutmaßlich lustigste Mann Österreichs“ (Falter) ein neues Soloprogramm präsentiert?
Eher „ein bereichernder Abend“? (Die Presse) Oder doch „Kabarett mit Mehrwert“ (Salzburger Nachrichten)?
Freuen darf man sich jedenfalls auf folgendes:
„Man bekommt in diesem Soloprogramm gleich drei Maurer zum Preis von einem.“ (Neues Volksblatt)
Und darauf: „Dem Geistesarbeiter Maurer beim Hackln zuzuschauen, ist so spaßig wie er sympathisch.“ (Mottingers Meinung)
Mit anderen Worten:
„Woswasi“ ist ein satirisches Denkstück und wohl nicht nur einmal einen Besuch wert“ (Falter)

"Es hilft, wenn ma selber a bissl deppat ist." Thomas Maurer

In seinem neuen Solo "Woswasi" assistieren Thomas Maurer zwei Denksysteme, Fredl und Alfred. Diese leitet der Kabarettist aus dem Buch "Schnelles Denken, langsames Denken" des israelischen Psychologen Daniel Kahnemann ab, das die Inspirationsquelle des Abends ist. Es geht um unterschiedliche Formen des Denkens. Fredl ist für die simplen Gehirnvorgänge zuständig, Alfred für die komplexen. Dazwischen steht Maurer als Jongleur seiner eigenen Gedanken. Aus klugen Reflexionen über menschenmögliches Wissen springt er in witzige Nebenhandlungen, um sich sodann einen Bleistift in den Mund zu stecken. Das macht dem Gehirn gute Laune. "Woswasi" ist ein satirisches Denkstück und wohl nicht nur einmal einen Besuch wert. (FALTER)

Der Denkprozess, sofern er sich über simple Reflexe erhebt, ist ein merkwürdiges Phänomen. Thomas Maurer erforscht es in seinem Solo „Woswasi“. Und wer dem Kabarettisten zuhört, der kann die „Ehrfurcht vor der Kraft des menschlichen Geistes“ leicht verlieren. Und mit Blick auf viele alltägliche Ereignisse sogar verzweifeln.Denn recht fehleranfällig ist das biologische Betriebssystem, das keineswegs immer logische Verhaltensweisen initiiert, sondern oft Fehler durch Selbsttäuschung verursacht. So stellt sich gleich zu Beginn die Frage: „Warum bin ich eigentlich so deppert?“ (Kurier)

In einer Inszenierung von Susi Weber lässt das Staatstheater diesem Kaleidoskop des Menschlichen auf der Bühne freien Lauf.

»Österreich lehrt, dass Ideale am ehesten verwirklicht werden, wo kein Programm sie postuliert, dass hoch über dem tierischen Ernst der menschliche Spaß steht, dass Negation ebenso schöpferisch sein kann wie Konstruktion, dass der Traum die Wirklichkeit überwinden, dass Sieg Niederlage und Niederlage Sieg sein, dass Spiel die Welt verändern kann.« (Hans Weigel)

Elisabeth T. Spira schuf mit ihren Alltagsgeschichten eine einzigartige Dokumentation der österreichischen Seele. Ihre erste Alltagsgeschichte »Spiel nicht mit den Gassenkindern« wurde 1985 ausgestrahlt. Die Dokumentarreihe brachte es bis 2006 auf insgesamt 60, zum Teil preisgekrönte Ausgaben, sie erregte die Gemüter, wurde gelobt und kritisiert, viel diskutiert und immer wieder gerne gesehen. Über 20 Jahre blickte Spira dem österreichischen Volk auf die Finger und auf die Zunge, entlockte ihren Gesprächspartnern Intimes und Geheimes, Berührendes und Abstoßendes, Lustiges und Trauriges. Doch immer zutiefst menschlich und mit immer liebevollem Blick.

mit:
Carmen Gratl,
Ute Heidorn,
Johann Nikolussi,
Markus Oberrauch

Regie: Susi Weber
Ausstattung: Esther Frommann

Gehören Sie zu denen, die ihre sieben Zwetschgen beisammen haben und bei denen der Lift eh bis ganz nach oben fährt? Oder eher zu denen, die irgendwann noch einmal ihren Kopf vergessen werden, weil sie echt nicht mehr wissen wo ihnen der Hut steht, weil ihnen irgendwie gerade alles über den Schädel wächst?
Wenn ja, warum?
Und wenn nein: Sind Sie sicher?
In jedem Fall: Willkommen in der Zielgruppe von WOSWASI.

*

Was kommt heraus, wenn „der mutmaßlich lustigste Mann Österreichs“ (Falter) ein neues Soloprogramm präsentiert?
Eher „ein bereichernder Abend“? (Die Presse) Oder doch „Kabarett mit Mehrwert“ (Salzburger Nachrichten)?
Freuen darf man sich jedenfalls auf folgendes:
„Man bekommt in diesem Soloprogramm gleich drei Maurer zum Preis von einem.“ (Neues Volksblatt)
Und darauf: „Dem Geistesarbeiter Maurer beim Hackln zuzuschauen, ist so spaßig wie er sympathisch.“ (Mottingers Meinung)
Mit anderen Worten:
„Woswasi“ ist ein satirisches Denkstück und wohl nicht nur einmal einen Besuch wert“ (Falter)

"Es hilft, wenn ma selber a bissl deppat ist." Thomas Maurer

In seinem neuen Solo "Woswasi" assistieren Thomas Maurer zwei Denksysteme, Fredl und Alfred. Diese leitet der Kabarettist aus dem Buch "Schnelles Denken, langsames Denken" des israelischen Psychologen Daniel Kahnemann ab, das die Inspirationsquelle des Abends ist. Es geht um unterschiedliche Formen des Denkens. Fredl ist für die simplen Gehirnvorgänge zuständig, Alfred für die komplexen. Dazwischen steht Maurer als Jongleur seiner eigenen Gedanken. Aus klugen Reflexionen über menschenmögliches Wissen springt er in witzige Nebenhandlungen, um sich sodann einen Bleistift in den Mund zu stecken. Das macht dem Gehirn gute Laune. "Woswasi" ist ein satirisches Denkstück und wohl nicht nur einmal einen Besuch wert. (FALTER)

Der Denkprozess, sofern er sich über simple Reflexe erhebt, ist ein merkwürdiges Phänomen. Thomas Maurer erforscht es in seinem Solo „Woswasi“. Und wer dem Kabarettisten zuhört, der kann die „Ehrfurcht vor der Kraft des menschlichen Geistes“ leicht verlieren. Und mit Blick auf viele alltägliche Ereignisse sogar verzweifeln.Denn recht fehleranfällig ist das biologische Betriebssystem, das keineswegs immer logische Verhaltensweisen initiiert, sondern oft Fehler durch Selbsttäuschung verursacht. So stellt sich gleich zu Beginn die Frage: „Warum bin ich eigentlich so deppert?“ (Kurier)

Treibende Trommeln, feuchter Boden, Charangos und bunte Stoffmasken. In ihren Performances bedienen sich die drei Chilenen Vicho, Spec und Loli der rhythmischen Analogie, die sie zwischen kosmopolitischem Tech-House-Sound und der stampfenden Folklore der Mapuche-Indianer verortet haben. Matanza spiegelt die Musik einer Stammesgemeinschaft wieder, die bis heute in Chile und Argentinien erbittert um ihre Rechte und gesellschaftliche Anerkennung ringt. Die traditionellen Melodien fusionieren in den Liedern mit stilistischen Vorbildern der europäischen Techno-Szene der 90er Jahre und prägen doch etwas konsequent Neues: Tribal Tech House.

2009 wurde Matanza von den drei Musikern Luis Galvez, Vicente Vasquez und Rodrigo Gallardo aus der chilenischen Hauptstadt Santiago gegründet. Irgendwo im Definitionsspielraum zwischen Band und DJ-Projekt verbinden die drei Chilenen elektronische Klänge mit Akustikmusik. Auf der Bühne tauchen dabei neben Turntables, Synthesizern und Drum Machines wie selbstverständlich andine Instrumente auf - zum Beispiel die Quena, eine hölzerne Kerbflöte, oder der Charango, ein Zupfinstrument mit fünf Doppelsaiten, das man von Weitem schnell mit einer Ukulele verwechselt. Statt Samples zu benutzen, spielen die Mitglieder von Matanza viele ihrer Sounds live ein. Nach dem vor fünf Jahren veröffentlichten Album 'Dubamerica' gab es dieses Jahr eine neue Veröffentlichung unter dem schlichten Namen 'Matanza'. Diese Alben gibt es allerdings nirgends zu kaufen - die Chilenen haben sich dazu entschieden, ihre Musik frei über das Internet zu verbreiten und sich stattdessen Auftritten in Clubs und auf Festivals zu widmen. Einzige Ausnahme ist die 2017 erschienene EP 'El Origen', die aus Kompositionen von Bandmitglied Gallardo und deren Remixes von Nicola Cruz besteht. Neben der elektronischen Musik aus Deutschland, die Matanza zu ihren Einflüssen zählt, spielen die Klassiker ihres Heimatlandes Chile eine große Rolle: Die Strömung der 'Nueva Canción' der 50er und 60er Jahre würdigten sie mit Reinterpretationen der nationalen Ikonen Violeta Parra und Víctor Jara.

»Literatur ins Face«

Vertreter_innen der internationalen HipHop-Szene interpretieren aktuelle Werke und jene von Vergessenen der Rap-Geschichte literarisch neu.
Aktuelles, Altes, Skurriles – auf Englisch, Deutsch oder selbst übersetzt – generiert unerwartete Momente der Komik und Tiefsinnigkeit. Einzige Vorgabe: nichts Eigenes.

#RLR trennt Rap von der Musik und lenkt den Fokus auf das geschriebene Wort. So entsteht Freiraum für neue Lyrik, die in diesem unkonventionellen Rahmen oftmals erst zur ihrer inhaltlichen Höchstform aufläuft.

Im Stil einer Late-Night-Show sind bis zu 5 Gäste bei Heinrich Himalaya und David Scheid, u. a. "Dave" Hauptrolle für ORF1 DIE.NACHT, geladen. Anstelle einer klassischen Show-Band sorgen DJs und Live-Acts für das musikalische Ambiente. Zuerst wird gescherzt, geplaudert, performt - dann gelesen. Gemeinsam mit dem RLR-Team inszenieren die Vortragenden einen Lyrik-Abend der besonderen Art: abwechslungsreich, und mit hohem Unterhaltungswert!

mit: Johnny Messer / Spilif / Da Kessl / Chrisfader &Testa

* Die Unmöglichkeit, HipHop auf den Beat und die Tanzbarkeit für das Publikum zu reduzieren, wird durch die lyrische Interpretation der Texte klar. Findet der Text hinter den starken Beats und fetten Reimen kein Gehör, verliert er aber niemals
seinen Sinn. Es braucht oft nur Ideen wie die Lesungen der Jungs von 'Rapper lesen Rapper', um auf die Metaebene des HipHop aufmerksam zu machen.
(Der Standard, 28.05.2016)

* Ganz im Sinne Marcel Reich-Ranickis ist man bei 'Rapper lesen Rapper' auch an einer etymologischen Auseinandersetzung mit den Texten interessiert.
(Radio Ö1, 03.05.2017)

* [...] ein von Klischees und Floskeln befreiter Blick auf die vielleicht einflussreichste Jugendkultur dieser Zeit.
(Süddeutsche Zeitung, 23.05.2019

Die Franco-Marokkanerin mit den jüdischen Wurzeln  Sapho steht wie keine andere Sängerin für die vielen Wege, die das französische Chanson in den letzten 40 Jahren abgeschritten hat. In ihrer grossen Karriere war sie schon Rockerin, orientalische Grand Dame wie auch eine geachtete Schriftstellerin. Ihre bewegte Biografie zwischen Marrakesch, Paris und New York widerspiegelt sich heute in einer Stimme, die an Ausdrucksstärke kaum zu überbieten ist.

„Misias Stimme ist mehr als nur eine Stimme.
Sie ist ein wunderbares Instrument, mit dem sie dem Zuschauer alle Gefühlsnuancen auf einem unsichtbaren Fluss zutreiben lässt.”
Literatur-Nobelpreisträger José Saramago

MÍSIA ist aktuell die portugiesische Sängerin, die den Kult der zeitlosen und universellen Gefühle in ihrer Muttersprache und auch in vielen anderen Sprachen zelebriert. Nobelpreisträger José Saramago schrieb für sie, der französische Regisseur Patrice Leconte hat ein Video (Duas Luas 2001) für sie gemacht und John Turturro wählte sie für seinen Film "Passione" (2010) aus. William Christie nahm sie ins Programm der La Cité de la Musique in Paris auf (2004). Unzählige Preise und Auszeichnungen sowie mehrere hunderttausend verkaufte CDs weltweit spiegeln die Bedeutung dieser Künstlerin in der Geschichte des Fado und der portugiesischen Musik im Gesamten wieder.

Misia ist ohne Zweifel eine der schillerndsten und interessantesten Fado Sängerinnen, die es auch mit ihrem 14. Album „Pura Vida“ schafft, stilistische Grenzen zu überschreiten. „Die letzten beiden Jahre meines Lebens waren im schlechtesten Sinne ein essenzieller Lernprozess von entscheidender Wichtigkeit. Ich bin immer noch dieselbe, aber anders. Es hat sich für mich tatsächlich alles verändert. Speziell für meine Arbeit, die ich selbst bin, gibt es keine Grenzen“. „Pura Vida“ ist der Soundtrack dieses Lebensabschnitts, in dem es Himmel und Hölle, Härte und Leidenschaft, Fados mit bitterer Sehnsucht, Songs über Herz und Knochen, schwarze Rosen, Abwesenheit, Tränen und Wiedergeburt gab. Die Musik auf „Pura Vida“ sind reine musikalische Notizesn, befreit von allen Regeln, da ich nach allem, was ich erlebt habe, weder zu einem Genre noch einem Stamm gehören muss“, erklärt die Musikerin. 

Im Treibhaus präsentiert die Sängerin die ganze Grammatik der Emotionen: Die Liebe und den Kuss, den Körper, das Schicksal und die Ecken und Kanten, das Glück, den Schrei, das Meer und die Saudade, das Ganze oder auch das Nichts. Das Leben in seinen puren Zuständen.

Süße Fremdscham: Wer kennt sie nicht? Die glorios peinlichen und umso amüsanteren Tagebuch-Ergüsse aus Teenagerzeiten, Reisetagebüchern oder einfach nur von damals? Wir haben sie!
Eine peinlich-lustige Zeitreise in die Abgründe der eigenen und fremden Pubertät und Kindheit. Ehrlich, berührend, schonungslos, betrübt, übertrieben, sehnsüchtig, haltlos und unverstanden. So waren und sind sie, unsere Schul- und Jugendjahre. Und so sind unsere Tagebucheinträge aus dieser wilden und unberechenbaren Zeit des Erwachsenwerdens.
Es lesen Laien live aus ihren alten Tagebüchern. Das gibt es im Wiener TAG seit 2 Jahren und letztes Jahr waren im Oktober, auch 5 Folgen in DIE.Nacht in ORF 1 zu sehen. Nun werden die Bundesländer erobert. Das Publikum entscheidet über die Siegerin/den Sieger des Abends, die/der sich über einen Taschengeldzuschuss freuen kann. Eine Reality-Show der etwas anderen Art – mit Sicherheit der persönlichste aller Slams und die schönsten Geschichten schreibt das Leben.

Infos für TeilnehmerInnen:
Es werden ca. 6 Leute am Start sein, d.h. immer 2 gegen einander lesen, dann gibt es einen Applausbattle und 3 sind dann im Finale. JedeR sollte zwei Beiträge (können auch mehrere kürzere Einträge sein) von maximal 5 Minuten vorbereiten, weil Vor- und eventuell Finalrunde. Bitte keinen aktuellen Beiträge, müssen mindestens von vor 2010 sein! Originaltagebücher mitbringen und ansonsten einfach Spaß haben.

Durch den Abend führt: Diana Köhle

Erster Tagbucheintrag am 23. September 1989, denn das Leben war hart in den Bergen. Nach längerer Abstinenz schreibt sie nun sogar wieder täglich Tagebuch, denn sie muss ja weiterhin fleißig für „Lesestoff“ sorgen. Neben dem Tagebuch schreiben, schlägt ihr Herz für Poetry Slams. Seit 2004 moderiert und organisiert sie Poetry Slams (monatlich Slam B im Literaturhaus Wien und viele Gastspiele) und seit 2013 auch den sehr erfolgreichen TAGebuch Slam im TAG in Wien. Der es im Herbst 2014 mit 5 Folgen in DIE.Nacht in ORF 1 geschafft hat (Liebes Tagebuch, ...). Sie lebt seit 12 Jahren in Wien, hat in Innsbruck studiert und freut sich daher besonders auf ein Heimspiel in Tirol.

Anmeldungen zum Mitmachen an: diana@liebestagebuch.at

Awas soulig-warmer Gesang changiert mühelos zwischen Jazz und R&B, afrokubanische Orchestrierung trifft auf französischen Chanson und afrikanische Rhythmik.”

Genau wie in ihrem persönlichen Werdegang setzt sich Awa Ly auch mit ihrem Musikprojekt über Grenzen und Rahmen hinweg. Awa Ly wurde als Tochter senegalesischer Eltern in Paris geboren, studierte in den USA und lebt seit 17 Jahren in Italien. Ebenso bunt wie die Vita der Sängerin sind auch ihre musikalischen Einflüsse: Awa Ly vermischt Blues und Soul, afrikanische Musik und afro-kubanische Orchestern zu einer musikalischen Entdeckungsreise zwischen Jazz, Pop, Folk und World, die sie mit ihrer warmen, runden und sanften begleitet. Die Musik von Awa Ly passt in keine Schublade.Für ihr letztes Album "Five and a feather" lud die Künstlerin eine Vielzahl von hochkarätigen Musikerkollegen ein: vom senegalesischen Sänger Faada Freddy über Kora-Meister Ballaké Sissoko bis hin zu Guo Gan, den großen Virtuosen des Erhu (chinesische Laute). Live beeindruckt die kosmopolitische Sängerin durch eine phänomenale, unverwechselbare Bühnenpräsenz, die jedes Konzert zu einem Erlebnis macht!

FIVE AND A FEATHER: CD DES MONATS /  SCHAMANIN DES GLOBAL FOLK

Die magische Stimmung, die Klänge, die Awa im Traum anwehen, fließen in ihre Musik ein. Folk, Jazz, Pop, Afro und World - mit zarter, wissender Hand webt sie einen universell-berührenden Sound. Neben Steel-Gitarre und Trompeten erklingen die afrikanische Harfe Kora, oder die Senza, eine Art kleines afrikanisches Lamellenklavier. Die lieblichen Töne einer chinesischen Violine, der Erhu, schwingen auf sphärischen Elektroklängen - der Sound zur globalen Identität der 40-jährigen. Ihre Familie stammt aus dem Senegal, sie wächst in Frankreich auf, studiert in den USA, lebt heute in Rom.

Mit dem Song "Here" holt sie ihre Hörer dann in die harte Realität der Globalisierung. Sie bittet darin um Mitgefühl für die ertrunkenen Migranten im Mittelmeer, im Jahr 2016 waren es nach offiziellen Zahlen mehr als 5.000 Menschen. Awa Ly ist wütend auf die europäischen Institutionen: Es sind 65 Millionen Menschen weltweit gezwungen, ihre Heimat zu verlassen. Die meisten von ihnen finden Unterschlupf in Ländern, in denen Krieg herrscht oder die in Schwierigkeiten sind. In Europa kommt nur ein kleiner Tropfen an, nur sieben Prozent, das ist abscheulich, es fehlt der politische Wille, dass die Menschen hier in Sicherheit ankommen.

In einer Inszenierung von Susi Weber lässt das Staatstheater diesem Kaleidoskop des Menschlichen auf der Bühne freien Lauf.

»Österreich lehrt, dass Ideale am ehesten verwirklicht werden, wo kein Programm sie postuliert, dass hoch über dem tierischen Ernst der menschliche Spaß steht, dass Negation ebenso schöpferisch sein kann wie Konstruktion, dass der Traum die Wirklichkeit überwinden, dass Sieg Niederlage und Niederlage Sieg sein, dass Spiel die Welt verändern kann.« (Hans Weigel)

Elisabeth T. Spira schuf mit ihren Alltagsgeschichten eine einzigartige Dokumentation der österreichischen Seele. Ihre erste Alltagsgeschichte »Spiel nicht mit den Gassenkindern« wurde 1985 ausgestrahlt. Die Dokumentarreihe brachte es bis 2006 auf insgesamt 60, zum Teil preisgekrönte Ausgaben, sie erregte die Gemüter, wurde gelobt und kritisiert, viel diskutiert und immer wieder gerne gesehen. Über 20 Jahre blickte Spira dem österreichischen Volk auf die Finger und auf die Zunge, entlockte ihren Gesprächspartnern Intimes und Geheimes, Berührendes und Abstoßendes, Lustiges und Trauriges. Doch immer zutiefst menschlich und mit immer liebevollem Blick.

mit:
Carmen Gratl,
Ute Heidorn,
Johann Nikolussi,
Markus Oberrauch

Regie: Susi Weber
Ausstattung: Esther Frommann

mit den allerbesten Empfehlungen von Josef HADER:
"Falls Sie Stefan Leonhartsberger noch nicht kennen, möchte ich hier eine schwere Empfehlung abgeben.
Das arge ist, dass er und sein Begleiter Martin Schmid zwei total verschiedene Programme haben, 
die beide schlicht großartig sind: 
Den Kabarett-Thriller „Rauhnacht“, in dem er 10 verschiedene Charaktere spielt. (spätes frühjahr)
Und den feinen Liederabend „Da Billie Jean is net mei Bua“. (am 25.1.)
Hingehen, anschauen, weitererzählen!..."
sagt der Hader.
Und wenns der Hader sagt...
Wer?
der Steinscheißer Karl.

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Eine echte Entdeckung“ – jubelte der Münchner Merkur 2015. Und nahm damit vorweg, was heute jedem Kenner der Szene klar ist. Der Oberösterreicher Stefan Leonhardsberger und sein Augsburger Haberer Martin Schmid erobern mit ihrem Musikkabarett nicht nur die Kritiker, sondern auch die Herzen des Publikums im Sturm. Ob als Einheizer von WANDA, auf der renommierten Bühne des Deutschen Theaters München oder bei Auftritten in ARD und BR – DA BILLI JEAN hält sein Publikum mit Dialektadaptionen großer Hits auf der Sesselkante.

Gemeinsam mit ihrem Co-Autor Paul Klambauer veredeln Leonhardsberger und Schmid dafür weltbekannte Melodien zu tragikomischen Einaktern in Popsong-Länge. So entführen sie ihr Publikum zu den Klängen von David Bowies „Space Oddity“ an Bord einer österreichischen Raumfahrtmission, die an frühpensioniertem Bodenpersonal zu scheitern droht. In der Adaption des S.T.S.-Klassikers „Irgendwann bleib i dann dort“ schmiedet ein frustrierter Grieche Auswanderungspläne. Und Tina Turners „Private Dancer“ gerät zu einer Hymne auf alle schüchternen Männer, die sich am Rand der Tanzfläche Mut antrinken. Das Rätsel um die Vaterschaft des kleinen Billi Jean bildet den dramaturgischen Rahmen, der die zahlreichen Figuren und Schauplätze dieses Abends zusammenhält.

Mit kraftvoller Stimme und außergewöhnlicher Bühnenpräsenz erweckt Stefan Leonhardsberger die Helden seiner Songs zum Leben. Seine Leidenschaft fürs Geschichtenerzählen zeigt sich auch in den Moderationen des ausgebildeten Schauspielers, der mit viel Charme und Spontanität durch den Abend führt. Perfekt ergänzt wird er dabei durch seinen Bühnenpartner Martin Schmid. Der Augsburger Profimusiker setzt nicht nur musikalisch auf Reduktion, wenn er mit seinen Gitarrenarrangements den heißen Kern der Popmusik freilegt. Als ruhender Gegenpol zu Leonhardsbergers quirliger Performance gelingt es ihm, mit minimalistischer Mimik und sparsamen Wortspenden zu unterhalten.

Alune Wade : lead-vocal, eclectic-bass (Sénégal)
Leo Genovese ou Leo Montana : pi. & kb (Argentine - Brooklyn)
Renaud Gensane : trompette (Madagascar)
Daniel Blake ou Ricardo Izquierdo : saxophone (Brooklyn)
Reda Samba : drums (Maroc & France)
Adriano Tenoriodd : percussions (Brésil)

Paris ist zum wichtigsten Ort für viele aus Afrika stammenden Musiker geworden. Ich habe mehr Verbindungen mit afrikanischen Musikern in Paris geknüpft als damals Afrika. Egal, aus welchem Staat Afrikas meine Kollegen kommen, hier in der französischen Metropole wird große afrikanische Musik gemacht! So spricht der aus dem Senegal stammende Alune Wade. Er, der sich auf die Traditionen der Griots gerufen kann und dort auch seine musikalischen Wurzeln zu finden sind, ist in einem sehr westlich orientierten musikalischen Umfeld aufgewachsen. War doch sein Vater als Offizier auch Leiter eines symphonischen Orchesters in Dakar. Er ermunterte seinen Sohn schon früh zum Experimentieren. Rock, Jazz, Klassik, alles war einfach da. Sein Spiel am E- Bass machte Alune in der kochenden, brodelnden Fusion & World-Szene von Paris schnell bekannt, hier traf er auch auf seine Mitmusiker, mit denen er auch heute noch intensiv zusammenarbeitet.

Seine Neugierde und Weltoffenheit brachte ihn schnell mit großartigen Musikern auf die Bühnen der Welt, unter anderem mit Marcus Miller, Salif Keita, oder Bobby Mc Ferrin, So verwundert es nicht, dass auch der Großmeister an den Keys und Erfinder der World Music Joe Zawinul auf Alune Wade aufmerksam wurde und ihn in seine Band aufnahm. Neben seinem unverwechselbaren, sehr lebendigen Spiel am E-Bass ist es seine Stimme, welche gleich den westafrikanischen Griots Geschichten zu erzählen weiß, mit viel Gefühl und voller bunter Rhythmen.

Mit "African fast food" geht Alune Wade seinen Weg weiter: Er verbindet Afro-Fusion, afro-kubanische und freie Jazz-Sounds dank einer sehr weltoffenen Besetzung zu einem spannenden, kochenden Mix: Bühne frei für African fast food! ( Und lasst bitte die Klappstühle zu Hause)

Alune Wade wurde am 9. Juni 1978 in Dakar, Senegal geboren. Sein Vater, in Paris als klassischer Msuiekr ausgebildet, leitete das Symphonieorchester der senegalesischen Armee. “In meinem Elternhaus habe ich viel unterschiedliche Musik gehört. Mein Vater, von der Klassik beeinflusst, liebte die Sonaten von Bach. Meine Mutter lies mit anderen Frauen aus der Nachbarschaft im Haus afrikanische Chansons und Soul erklingen. Und meine Schweester hat mich in den Pop eingeführt, amerikanischen und europäischen.” Mit 7 Jahren begann Alune Wade Unterreicht am Klavier und in Musiktheorie, Einige Jahre später wechselte er zum Schlagzeug und nach einem familiären Veto zur Gitarre. Schließlich hat ihn dann der Bass vollkommen gefangen genommen – Bass in jeder Form, E-Bass, Kontrabass. Das Instrument mit den 4 Saiten erscheint ihm als natürliche Verbindung zu Afrika. “Ich bin vollkommen fasziniert vom Bass, ein sehr afrikanisches Instrument mit faszinierenden rythmischen Möglichkeiten. Er repräsentiert das Rückgrad des Orchesters, die wichtige Verbindung zwischen dem Rythmus und den Harmonieinstrumenten.”

“Jazz ist für mich eine Musik die Ursprünge aus verschiedenen Kontinenten vereint. Der Jazz hat seinen Ursprung in den USA aber um seine Geschichte zu illustrieren vergleiche ich ihn gerne mit einem Baum. Die Wurzeln kommen aus Afrika, der Stamm steht auf amerikanischer Erde und die Blätter und Blüten sind in Europe gewachsen.”

Ekaterina Fedorova - Schlagzeug, Perkussion
Anastasia Postnikova - Gesang, Synthesizer, Perkussion
Natalia Potapenko - Akkordeon
Galina Kiseleva - Bass

Die vier experimentierfreudigen Damen von Iva Nova aus Sankt Petersburg holen sich ihre Inspiration in der slawischen Folklore, die extravagante Musik der Band hat aber auch einen absolut eigenen wie auch wilden Touch. Ihr musikalischer Ausdruck ist mächtig energiegeladen und temperamentvoll, bis hin zu verspielt und humorvoll, weiblich und stolz. Wenn die Akkordeonspielerin ihr Instrument anstimmt, träumen wir sofort von den russischen Weiten. Aber wenn nach acht Takten dazu der Synthie anhebt, fühlen wir uns augenblicklich in das subversive Lebensgefühl der Großstadt versetzt.

Die Band Iva Nova wurde 2002 in Sankt Petersburg gegründet, brachte 2004 ihr erstes Album heraus und startete damit sofort eine beispielhafte Livekarriere im In- und Ausland. Seit dem touren die vier sympathischen Musikerinnen jedes Jahr durch etliche Clubs und Festivals in der ganzen Welt mit ihrer unverwechselbaren und packenden Manier. Sie bedienen sich bei den musikalischen Traditionen ihrer Heimat, aber bewegen sich zugleich kreativ in alle erdenklichen Stilrichtungen, sodass auf ihren Liveshows zwischen gefühlvollen Songs und kraftvollem Punkrock alles möglich ist - das ist pure musikalische Anarchie! Ende 2018 veröffentlichten die vier Damen ihr neues Album „Uba Hoba“, dessen Songs sie auf ihrer aktuellen Tournee live präsentieren, ebenso wie viele andere Werke aus der Bandgeschichte von Iva Nova.