Es kabaredisteln live für sie...
Der politischste Kabarettist - Markus Koschuh
Der bestgekleidetste Kabarettist - Daniel Lenz
Die hübscheste Kabarettistin - Tanja Ghetta
Der größte Kabarettist - Josef Holzknecht (1,92m)
Der charmanteste Kabarettist - Lukas Schmied

Freuen sie sich auf eine humorige Brettljausen mit Allem, was dazugehört. Außerdem kann es immer wieder passieren, dass sie den einen oder anderen Gast aus der Tiroler Kabarett-Liga im Gepäck haben.

Zum 20-jährigen Bühnenjubiläum werden maschek wieder zu dritt auf Tournee gehen, mit einem Best-Of aus zwei Jahrzehnten Drüber-Reden. 
Ein Rückblick auf 20 Jahre Innen- und Außenpolitik, auf zwei Jahrzehnte Fernsehgeschichte, auf vergangene Sternstunden und vergessenen Irrsinn.

3 mascheks
7 österreichische Bundeskanzler
2 deutsche BundeskanzlerInnen
3 österreichische Bundespräsidenten
4 US-Präsidenten
6 ÖVP-Chefs
3 Päpste
9 ÖFB-Teamchefs
1 österreichische Song Contest GewinnerIn
1 ÖSV-Chef
Über zwei Stunden maschek-Klassiker, im Original und im Remix – plus nie gezeigte Bonus-Tracks. maschek XX!

Was Granada mit ihrem Debutalbum im letzten Jahr hingelegt haben, kann sich sehen lassen. Ihre Songs haben mehrere Millionen Plays auf Youtube und Spotify. Sie waren für 2 Amadeus Awards nominiert und ihre charmanten Songs liefen in den Radiostationen im deutschsprachigen Raum auf und ab. Sie waren mit Sportfreunde Stiller auf Tour, mittlerweile sind Granada selbst Headliner auf vielen Festivals. Von Graz über Wien, über München bis Berlin spielt die Band vor vollen Hallen, das aktuelle Album „Ge Bitte“ hielt sich über Wochen in den Albumcharts. 

Doch was macht den Erfolg Granada genau aus? Die fünf Musiker vereinen good old Indie à la The Strokes, Vampire Weekend und The Hives mit catchy Gesang und Akkordeon und granteln auf Mundart dabei mit einer guten Dosis Humor. Live holt einen die Band dermaßen ab,  dass man spätestens nach dem zweiten Song laut mitsingt, ohne sich dabei blöd vorzukommen. Nach einem besuchten Konzert schrieben die Nürnberger Nachrichten treffend: „Die Band ist selbstbewusst, aber nicht abgehoben, verschwitzt, aber nicht prollig, intelligent, aber nicht kunstbeflissen, und auf alle Fälle sehr weit weg von Wien.“ Das ist ok, Granada kommen schließlich auch aus Graz.

Zum 20-jährigen Bühnenjubiläum werden maschek wieder zu dritt auf Tournee gehen, mit einem Best-Of aus zwei Jahrzehnten Drüber-Reden. 
Ein Rückblick auf 20 Jahre Innen- und Außenpolitik, auf zwei Jahrzehnte Fernsehgeschichte, auf vergangene Sternstunden und vergessenen Irrsinn.

3 mascheks
7 österreichische Bundeskanzler
2 deutsche BundeskanzlerInnen
3 österreichische Bundespräsidenten
4 US-Präsidenten
6 ÖVP-Chefs
3 Päpste
9 ÖFB-Teamchefs
1 österreichische Song Contest GewinnerIn
1 ÖSV-Chef
Über zwei Stunden maschek-Klassiker, im Original und im Remix – plus nie gezeigte Bonus-Tracks. maschek XX!

Die Inn Seit’n Big Band der Musikschule der Stadt Innsbruck wurde im Schuljahr 2008/09 von Christian Wegscheider und Thomas Steinbrucker gegründet.
Neben den zahlreichen Ensembles und Orchestern des Hauses, steht damit den SchülerInnen auch ein großer Klangkörper in der Sparte Jazz- und Popularmusik zur Verfügung. Christian Wegscheider formte in den ersten Jahren des Bestehens – damals noch unter dem Namen Big Band Innsbruck Youngsters – die jungen Mitglieder zu einem Team. Seit 2013 steht Thomas Steinbrucker der Band voran
Die Inn Seit’n Big Band kann in den 11 Jahren ihres Bestehens auf eine Vielzahl an Konzerten und Auftritten in Tirol und Deutschland zurückblicken

Sun Ra galt schon zu Lebzeiten als Mythos und gilt bis heute als einer der umstrittensten Jazzmusiker. Durch seinen ganz eigenen Stil und seine innovativen Ideen polarisierte er die Kritiker und Publikum. Sahen die einen in ihm einen genialen Innovator, so galt er anderen als Scharlatan. Sun Ras Leistung als einer der Wegbereiter des Free Jazz ist jedoch unbestritten. Berühmtheit erlangte er durch seine bizarren astrologischen Predigten und Philosophien genauso wie durch seine musikalischen Kompositionen und Darbietungen. Er legte 1952 seinen Geburtsnamen ab, nahm den Namen Sun Ra an (Ra ist der Name des antiken ägyptischen Sonnengotts) und leitete eine Band mit ständig wechselnder Besetzung, die als Arkestra bekannt wurde. Die bemerkenswertesten Mitglieder des Arkestra waren die Saxophonisten John Gilmore, dessen Werk das von John Coltrane beeinflusste, und Marshall Allen, der das Arkestra heute (2014) noch leitet.
Das Wort Arkestra begriff Sun Ra als Verbindung von Arché und Orchester.

Herman Poole Blount, genannt Sonny, der sich in den Fünfzigerjahren des vergangenen Jahrhunderts in Sun Ra verwandelte, war schon zu Lebzeiten nicht von dieser Welt. Er war der selbsterwählte Sonnengott des Schwarzen Jazz, aus altägyptischer Vergangenheit stammend und zugleich aus ferner Zukunft angereist vom Saturn. Er nahm Platten auf mit Titeln wie Pictures of Infinity, The Nubians of Plutonia und We travel the Spaceways, war Philosoph und Pianist, Lyriker, Bigbandleader und Erfinder kosmischer Klangerzeuger wie der Sonnenharfe und der Space Organ. 1993 verließ er den Planeten. Seine Band, das Musikerkollektiv, das er um sich geschart hatte, lebt auf Erden fort und erneuert sich über die Jahrzehnte immer wieder. Arkestra nannte sein Gründer es, ein Kunstwort aus Orchestra und Ark, wie die Arche des Ra. Noch immer tourt diese Arche durch den Kosmos. Am vergangenen Freitag legte sie tatsächlich in Hamburg an.

Wenige der 200 Besucherinnen und Besucher, die in der Kampnagelfabrik auf den Einlass warten, dürften die Musiker erkannt haben, die gegen 22 Uhr an ihnen vorbei in den Saal schleichen. Marshall Allen, 94 Jahre alt, der das Arkestra seit 1995 an Ras Stelle leitet, trägt ein Baseballcap überm grauen Haar, das er zu einem Stummelzopf gebunden hat, und einen zerknitterten beigen Blazer. Sportrucksäcke, Turnschuhe, Baumwollbeutel: Die interplanetarische Entourage des Saturngesandten versteht es, sich unsichtbar zu machen. Doch man darf sich nicht täuschen lassen: Sie sind unter uns. Und während wenig später ein Wölkchen Trockeneis die Bühne vernebelt, tauchen sie, so ist es seit Jahrzehnten Brauch, plötzlich zwischen den Zuschauern auf. Jetzt ohne Alltagsverkleidung, in schimmernden Roben und Umhängen, mit goldenen Turbanen und paillettenbesetzten Fezen; vorn auf der Hutkrempe des Pianisten spreizt eine glänzende Kobra die Nackenhaut.

24 Musiker bevölkern Ras Arche derzeit, zwölf sind gerade unterwegs, ein Bassist, etliche Bläser, zwei Schlagwerker, ein Gitarrist, eine Sängerin, ein Pianist. Auf der offiziellen Website, die so gestrig-futuristisch aussieht, als sei sie in einem Moment visionärer Weitsicht in den Siebzigerjahren programmiert worden, fügen sich ihre Kurzviten zu einem Schnelldurchlauf der Bandhistorie. Etliche Mitglieder aus den frühen und mittleren Ra-Jahren sind dabei: Danny Ray Thompson, Flöte, Saxophon, "joined the Arkestra in 1967". Als er in Hamburg mit seinem Zweispitz auf der Bühne thront, wirkt er wie ein Wiedergänger Sonnys himself. Abshalom Ben Shlomo, Altsaxofon, Klarinette, im Kollektiv seit 1970, wechselt immer wieder zur Perkussion, den gehobenen Kopf wiegend, die Augen nach innen verdreht.

Sechzig Jahre im Dienst, im Spirit
Dann sind da die etwas Jüngeren: Pianist Farid Abdul-Bari Barron verbeugt sich mit seinem heiter verkanteten Spiel ebenso vor Sun Ra wie vor Thelonious Monk, dessen Porträt sein T-Shirt schmückt. Der Posaunist Cecil Brooks legt sein Instrument hier und da für ein Tänzchen beiseite. Die charismatische Sängerin Tara Middleton, die das Erbe von Sun Ras großer Chanteuse June Tyson angetreten hat, schürzt die dunkel geschminkten Lippen.
Von seiner Position vorne links am Bühnenrand hält der auf die 100 zugehende Marshall Allen im rotglitzernden Umhang alles zusammen. Man liest, er sei ein sanfter Mann, anders als der zuweilen herrische Sun Ra, der die Musiker, mit denen er ein Haus in Philadelphia teilte, oft sieben Tage die Woche proben ließ. Marshall Allen "joined the Arkestra in 1958". Sechzig Jahre im Dienst, im Spirit, im Groove Sun Ras.

Ein fliegender Teppich aus Space-Sounds
Ein wenig gebeugt aber fröhlich steht er da. Zu hören ist er am Gong und am Saxofon, allzeit bereit, scharfe Dissonanzen ins Feuer der Band zu blasen. Mit Blicken und Gesten dirigiert er die Musiker. Er murmelt, ruft, singt. Und greift zwischendurch zum EWI, einem acht Oktaven umfassenden Electronic Wind Instrument, das klingt, als spiele man auf einem ausrangierten 56k-Modem Flöte (mittlerweile sind die Dinger auch mit USB-Anschluss erhältlich). Dem Ensemble unterlegt er damit einen fliegenden Teppich aus tief blubbernden bis fiependen Space-Sounds. "Get out of the square", zitiert er den Meister gern, "get into the spiral". Raus aus dem rechten Winkel, rein in die Spirale.
Die Musik des Arkestra wurzelt bei allem Klangfuturismus tief in der afroamerikanischen Geschichte, im New Orleans Jazz, im Swing, im Blues, im Gospel. Sie will die Tradition nicht hinter sich lassen, sondern kündet von einer Zukunft, die tief aus der Vergangenheit schöpft.

Herman Poole Blount alias Sun Ra kam wenige Monate vor Beginn des Ersten Weltkriegs in Birmingham, Alabama, zur Welt, ein Junge aus dem tiefen Süden der USA. Er saß im Gefängnis, weil er im Zweiten Weltkrieg den Wehrdienst verweigerte. Er heuerte als junger Mann in der Bigband des legendären Fletcher Henderson in Chicago an. Der Gründervater des Afrofuturismus, dessen Bild- und Klangwelten Musiker von Parliament Funkadelic über die Techno-Pioniere Jeff Mills und Carl Craig bis hin zu aktuellen Soulkünstlern wie Janelle Monáe ausbuchstabiert haben, dieser Innovator und über lange Jahre verkannte Außenseiter ist in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts groß geworden.

Vom Weltall aus betrachtet neben Louis Armstrong
In dieser Freitagnacht im Hamburg des Jahres 2018 hört man es nur zu deutlich. Nach wenigen Takten ist die Gruppe in full swing. Interplanetary Music ist ein typischer Ra-Tune. Eine betörende Melodie zwischen Duke Ellington und Tausendundeiner Nacht, darunter ein Rhythmus halb Hardbop, halb Afrogroove. Man kennt es von Sun Ras mehr als einhundert LPs. Ja, das ist Swing, denkt man, aber irgendetwas ist fremd, irgendetwas ist anders. Als umkreisten die Musiker einander in der Schwerelosigkeit auf komplexen Umlaufbahnen, als verdrehten sich ihre Harmonien und Melodien zu einem Möbiusband. Mag sein, dass man der Sache musiktheoretisch zu Leibe rücken kann. Man kann aber auch einfach vor der Bühne dazu tanzen.
Der Free Jazz bildet in diesem wirbelnden Kontinuum die natürliche Fortsetzung der älteren Spielweisen, nicht ihre Überwindung oder Zerstörung. Pulsierende Bass- und Klaviermotive, umwuchert von einem Geflecht aus Polyrhythmen, darüber spirituelle Chants und frei modulierte Klangflächen: Vom Weltall aus betrachtet liegt das gleich neben Louis Armstrong. Das Hamburger Publikum – Herrendutt und Hipsterbart, Damen mit Feder am Hut, viel graues Haar, aber auch blaues und adrett gescheiteltes – versteht es sofort.
Oben auf der Bühne herrscht derweil müheloses Durcheinander. Da wird aufgestanden und sich wieder hingesetzt, Instrumente werden gewechselt, Kopfbedeckungen auf- und abgenommen, Kostümjacken an- und ausgezogen. Und stets sind unter den bunten Gewändern schwarze Alltagshosen, Hemden, Schuhe zu erkennen. Die Arkestra-Show funktioniert wie ein Science-Fiction-Film, bei dem in jeder Einstellung die Fäden zu sehen sind, an denen die Raumschiffe schweben. Während die großen Stars des Popbusiness perfektes Illusionstheater bieten, liegt hier alles helllicht zutage. In außerweltliche Gefilde enthebt allein die Musik. Die Space-Age-Kostümierung dient lediglich als optische Stütze, um uns Erdlingen die Existenz höherer Sphären anzuzeigen.

Selbst Vertraut-Banales macht Sun Ras Sonnenmythologie noch zur Quelle der Erleuchtung – wenn Tara Middleton die Schönheit des Sonnenaufgangs preist oder mit dem Schmelz einer klassischen Jazz-Diva von einer Reise über den Himmel singt. Sogar die Sonnenbrillen, die einige im Ensemble als cooles Assessoir tragen, gleißen plötzlich vor Bedeutung: Schützen sie die Augen dieser Musiker wirklich nur vor den grellen Scheinwerfern?
Das Verfremdungsspiel ist freilich, bei allem Witz, nicht nur ein Spiel. Klar wird dies spätestens, als Middleton, Trägerin eines Ehrfurcht gebietenden Afros, insistierend ins überwiegend weiße Publikum fragt: "What color are you?" Wenn in Sun Ras bekanntester Komposition der "Space" als "the Place" gefeiert wird, steckt darin nebst allem Optimismus eben auch die bedrückende Erkenntnis, dass nur der Himmel bleibt, will man als Schwarzer dem Rassismus auf Erden entfliehen.
Herman Poole Blount befreite sich von seiner Sklavenherkunft, indem er sich, als Sun Ra, eine kosmische Abstammung verlieh. In seiner Erscheinung als Alien aber spiegelte sich zugleich die schmerzhaft erlittene Entfremdung, alienation, in der amerikanischen Gesellschaft. Mit derselben Ambivalenz imaginiert sein Arkestra die Schwarze, amerikanische Musikgeschichte als eine Kultur "from outer space".   

Man muss sich dieses Weltall als einen freundlichen Ort vorstellen. "Friendly galaxies are waiting to welcome you", verspricht Tara Middleton. Für knapp zwei Stunden steht auf Kampnagel der Himmel offen – ohne seine Geheimnisse preiszugeben. Mit einem hippieesken Freakout und wahllosem Gelärme, wie das Ressentiment gegen den Free Jazz im Allgemeinen und Sun Ra im Besonderen lautet, hat das nichts zu tun. Das Sun Ra Arkestra swingt nicht nur und hat den Blues, es ist auch funky, wie in der furiosen Darbietung von Rocket Number Nine take off for the Planet Venus, die den 74-jährigen Abshalom Ben Shlomo zu einer Breakdance-Einlage am Bühnenrand hinreißt. Noch in den freiesten Passagen spielt das Ensemble präzise wie ein Uhrwerk – auch wenn es gewiss nach anderen Metren tickt, als die hiesige Zeitmessung sie kennt.
Überhaupt kreuzt Sun Ras musikalische Arche in Dimensionen, die einzigartig sein dürften im Jazz und Pop. Gruppen, die ihre Begründer überlebt haben, wie jüngst das bald 50 Jahre alte Weltmusik-Kollektiv Embryo aus München, sind selten genug. Das Arkestra hat es geschafft, auch ein Vierteljahrhundert nach Sun Ras Himmelfahrt nicht zur Gespensterrevue zu werden. Von Auftritt zu Auftritt deutet es das erratische Werk des Mannes vom Saturn neu, out of the square, into the spiral, ergänzt um Kompositionen aus Allens Feder in Sonnys Geist.
Es wird damit, wenn es so weitermacht, in den kommenden 100 Jahren noch genug zu tun haben. Wer das ausverkaufte Hamburger Konzert am 10. August und das in Berlin tags darauf verpasst hat, muss den zwölf interplanetarischen Botschaftern daher nicht durch Europa und in die USA nachreisen, sondern kann sich einfach gedulden. Sie sind unter uns. Sie werden wieder erscheinen. So jung aber kommen sie nicht mehr zusammen, die wohl aufregendste Bigband des Planeten. Höher sollte man nicht greifen: Wer weiß, was Sun Ra dort draußen in den vergangenen 25 Jahren alles auf die Beine gestellt hat.

aus: die Zeit. Bild unten: Marshall Allen

Russkaja ist das genaue Gegenteil von einfacher Easy-Listening-Musik. Sie sind der pure musikalische Wahnsinn und der Schrecken aller Freunde russischer Volks- und Folkloremusik. Ganz nebenbei sind sie nicht nur die prominentesten, sondern auch die einzigen Vertreter der heimischen Turbo-Polka-Beats-Bewegung. Die einzelnen Mitglieder - ein bunter Mix verschiedenster Herkünfte - sind außerdem die wohl illustersten Musiker im alpinen Raum. Ihre unterschiedlichsten Einflüsse integrieren sie in diese postmodernen Neuinterpretation russischer Traditionsmusik und verbreiten diese Mischung in ganz Europa und darüber hinaus. Es ist ein Aufeinandertreffen von  Trash Metal, World Jazz, Funky Stuff und Frank Zappa-esquem Rock mit nur einem Ziel: Dance, Dance, Dance!
Seit knapp 10 Jahren sind RUSSKAJA unterwegs auf dieser Welt und verbreiten Turbo-Polka für die Gesundheit! Ihre selbst kreierte “Kollektivgefühlbewusstseinserweiterung!” hat mittlerweile schon legendären Status. Die Band ist das typische Beispiel dafür, wie man sich in 10 Jahren von kleinen Clubs auf die größten Bühnen hochspielen kann. Mit ihrem Motto „nichts und niemals wird uns aus dem Sattel werfen“ verbreiten sie  die Lebensfreude des Ostens und sagen: “Du musst nicht Russisch sprechen, um Russkaja zu verstehen!” Eine multikulturelle Besetzung um den charismatischen russischen Frontmann Georgij Makazaria spiegelt auch genau die Power dieser Band wieder.
Soeben erscheint das neue Album “PEACE, LOVE & RUSSIAN ROLL” – und der Name ist Programm! Man kann bei Russkaja schon fast behaupten, dass sie über die Jahre ihren eigenen Stil kreiert haben: Eine Mischung aus Balkan, Metal, Polka, Estam Rock, Rock’n Roll, Metal und dieses Mal sogar Mariachi- und US-Country-Einflüsse. Ein Widerspruch? Nicht bei Russkaja! Vereinfacht nennen sie selbst ihre Musik russische Turbo-Polka.
Die famose Turbopolka-Combo kennt man in ihrem zur Heimat gewordenen Österreich als Hausband der legendärsten und erfolgreichsten Late Night Show im ORF: „Willkommen Österreich“, die von den selbst zum Kult gewordenen Grissemann & Stermann moderiert wird! Im Rahmen dessen hat die Band u.a. mit Grönemeyer, Nena, Udo Jürgens, Helene Fischer, Helge Schneider, Mia, Bela B, Christina Stürmer, Conchita Wurst, Fettes Brot, Sportfreunde Stiller, Tim Bendzko, Olli Schulz und vielen anderen gespielt. Klingt wieder nach einem Widerspruch. Nicht bei Russkaja, denn: Wer diese Stilistiken alle unter einen Hut bringt, vor dem ziehen wir denselben!
* mit drei erfolgreichen Alben im Gepäck und über 600 Konzerten in 20 Ländern hat sich die Band ihr eigenes RUSSKAJA-Genre und eine treue und immer grösser werdende Fan-Basis im wahrsten Sinn des Wortes erspielt. Man darf sich also auf eine spektakuläre Nacht im Conrad Sohm Dornbirn freuen!

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Als erstes: Die Stühle aus dem Saal nehmen, die Tanzfläche freiräumen, die Getränke verteilen und sich in Tanz-Mosh-Polka-Position bringen: RUSSKAJA kommen und es darf gefeiert werden! Alle sind willkommen, keiner muss draußen bleiben, egal wo er herkommt. Auf ihrem sechsten Album No One Is Illegal reißen RUSSKAJA nicht nur musikalische Grenzen nieder, sondern mischen sich ein: Einfach mal sagen, was Sache ist, und das heißt: Miteinander statt gegeneinander. 
Mit 12 bläserstarken, rockenden und enorm tanzbaren Tracks verknüpfen RUSSKAJA auf No One Is Illegal den Ernst des Lebens mit der Freude am Dasein. „It’s time for a love revolution, we’re gonna change the world“, shoutet Frontmann Georgij Makazaria mit seiner markanten Stimme im Song Love Revolution und bringt damit auf den Punkt, wofür RUSSKAJA stehen: Ein Lebensgefühl, das alle Menschen verbindet und das keine Grenzen akzeptiert. Kosmopolitisch, positiv und mit Spaß am Leben. Die Texte auf Russisch, Deutsch und Englisch, die Musik in aller Welt zuhause: Rock, Ska, ein Hauch Latino-Groove und natürlich jede Menge aufputschende Turbopolka und Russendisko. So reißt man Mauern ein und bringt Menschen zusammen. Auch der Titelsong No One Is Illegal macht mit seinem deutsch-englischen Text auf russischen Melodiefetzen und mit einer herzerwärmenden Violine klar, wo diese Band steht: Dort wo keiner ausgeschlossen wird. 

Die Musik von RUSSKAJA ist so multinational wie die Band selbst: Der gebürtige Russe Georgij Alexandrowitsch Makazaria lebt seit 1990 in Wien und  rief RUSSKAJA im Jahr 2005 ins Leben, nachdem er die Metal-Combo Stahlhammer verlassen hatte. Von Anfang an dabei waren der ukrainische Bassmann Dimitrij Miller und HG Guternigg, der die selbst entwickelte „Potete“ (eine Mischung aus Posaune und Trompete) spielt und u.a. bei der Jazz-Legende Joe Zawinul lernte. Ebenfalls im Team sind Gitarrist Engel Mayr, Drummer Mario Stübler, Trompeter Rainer Gutternigg und Mia Nova an der E-Violine. 
Seit 2007 ist die in Wien ansässige Band die Hausband der ORF-Late Night-Show „Willkommen Österreich“, in der sie bereits neben Helene Fischer, Nena, Herbert Grönemeyer, Sarah Connor und vielen anderen zu sehen waren. Viermal in Folge standen RUSSKAJA beim legendären Wacken-Festival auf der Bühne (2011-2014 und 2017) und auch sonst gibt es kaum ein relevantes Festival, das sie nicht befeuert haben: Taubertal, Open Flair, Chiemsee Reggae, Deichbrand, Montreal Jazz Fest, Sonnenrot und –zig andere Events wurden von ihrem Highspeed-Polka-Ska-Groove erschüttert, so dass seit 2005 über 1000 gefeierte Auftritte zusammenkamen. Mehr als 20 Millionen Streams und 30 Millionen YouTube Views gehen auf ihre Kappe.

Schon das erste RUSSKAJA-Album Kasatchok Superstar (2008), das zwei Jahre nach der Debüt-EP Dawai Dawai (2006) erschien, spielte sich in die Top-15 der Österreichischen Charts, die Nachfolge-Alben Russian Voodo (2010), Energia (2013), Peace Love & Russian Roll (2015) und Kosmopoliturbo (2017) schafften es jeweils in die Austria Top-50.
Die Band selbst beschreibt sich als das „genaue Gegenteil von Easy Listening. Ein Clash aus Trash-Metal, Weltjazz, funky Zeugs und rotzigem Rock. Sie ist verschwitzt und ruft: Tanzt! Tanzt! Tanzt!“ Und dass man tanzen und es trotzdem ernst meinen kann, beweist No One Is Illegal mit aufputschenden Beats, lärmigen Bläsern, rotzigen Gitarren, wimmernden bis kreischenden Violinen und nicht zuletzt der rauen und lebenslustigen Stimme Makazarias, der in den Songs ein großartiges, weltenverbindendes Statement nach dem anderen raushaut. „Oh je, Politik…“ mag da der Zauderhans denken, doch der RUSSKAJA-Fan antwortet tanzend: „Oh ja, Politik! Vor allem, wenn es Spaß macht und man dazu tanzen kann.“

Warum RUSSKAJA gerade heute so wichtig sind, erklärt der langjährige RUSSKAJA-Vertraute, weitgereiste Buch-Autor und Erfinder der Russendisko Wladimir Kaminer:
„Wenn ich die Augen schließe und die Musik von Russkaja höre, stelle ich mir unseren Planeten vor, der sich immer schneller dreht, um seine eigene Achse und um die Sonne herum. Die Menschen drehen sich mit. Noch nie war das Reisen so leicht und die Unzufriedenheit so groß, das bringt die Massen in Bewegung. Die Syrer aus zerbombten Städten bevölkern alte Kasernen, meine amerikanischen Bekannten, die von ihrer Präsidentenwahl verstimmt sind, wollen nach Europa auswandern, die Russen haben letztes Jahr eine Rekordzahl an Asylanträgen in Amerika gestellt, bei den Deutschen sind alle Kreuzfahrten ausgebucht. 
Der Dreh der Erde ist unaufhaltsam, er wird schneller, leichter und bunter. Und die Musik von Russkaja auch.“

Die Supergroup aus Skandinavien

Rymden kennen keine Genres. Pop, Rock, Club-Sounds und sogar Klassik fließen in  den Sound dieses zumeist akustischen Trios ein, Synthesizer und Electronics werden nur subtil eingesetzt.
Was Jamie Cullum einst über e.s.t. sagte, gilt künftig auch für Rymden: „Ich kann auch Freunde, die mit Jazz nichts am Hut haben, zu ihren Konzerten mitnehmen. Nicht etwa deshalb, weil sie einfach konsumierbar oder wenig experimentell wären. Sondern weil ihr improvisatorischer Ansatz voller aufregender und zeitgemäßer Ideen ist.“

Drei Veteranen des nordischen Jazz, elf akustisch-elektronische Kompositionen, eine brandneue Band: Bugge Wesseltoft, Magnus Öström und Dan Berglund sind Rymden!
Sie setzten neue Maßstäbe im europäischen Jazz: das schwedische Trio e.s.t. (esbjörn svensson trio), formiert 1993, und die kurz darauf im norwegischen Oslo von Pianist Bugge Wesseltoft gegründete New Conception Of Jazz. Beide Bands verbanden die Sounds und Rhythmen der Club- und Pop-Kultur mit Jazzimprovisationen. Ein junges Publikum in Berlin, Paris und London entdeckte ein ganz neues Genre für sich, und Alteingesessene merkten bald: authentischer Jazz muss nicht zwangsläufig aus den USA kommen.
e.s.t. füllten größte Konzerthallen und waren bis zum tragischen Unfalltod von Pianist Esbjörn Svensson das wohl mächtigste europäische Jazztrio. Wesseltoft prägt mit eigenem Label Jazzland Recordings und stetig wechselnden musikalischen Partnern bis heute eine innovative Sprache des Jazz: zwischen Elektronik, Kammermusik, Folklore und World Beats.

Zehn Jahre nach dem Tod von Svensson haben sich die verbleibenden e.s.t.-Mitglieder Magnus Öström (Drums) und Dan Berglund (Bass) nun mit Wesseltoft zu einer skandinavischen Supergroup zusammengeschlossen: Rymden. Die Musik dieses Trios, dessen Name zu Deutsch „Raum“ bedeutet, basiert auf drei Komponenten: treibenden Rhythmen, melancholisch-atmosphärischem Songwriting und virtuos gespieltem Jazz.
„Ich wollte schon seit langem ein Piano-Trio gründen, fand aber nie die richtigen Leute dafür“, sagt Wesseltoft. „Dann spielte ich auf dem Album ‚Trialogue‘ zusammen mit Henrik Schwarz und Dan Berglund. Dank Dan musste ich an seine Arbeit mit Magnus und e.s.t. denken – ich habe die Band schon immer für ihre Hingabe und ihre harte Arbeit bewundert.“
Rymden kennen keine Genres. Pop, Rock, Club-Sounds und sogar Klassik fließen in den Sound dieses zumeist akustischen Trios ein, Synthesizer und Electronics werden nur subtil eingesetzt. Was Jamie Cullum einst über e.s.t. sagte, gilt künftig auch für Rymden: „Ich kann auch Freunde, die mit Jazz nichts am Hut haben, zu ihren Konzerten mitnehmen. Nicht etwa deshalb, weil sie einfach konsumierbar oder wenig experimentell wären. Sondern weil ihr improvisatorischer Ansatz voller aufregender und zeitgemäßer Ideen ist."

Reflections & Odysseys

Nordische Klänge der neuen Superjazzgroup Rymden
Veröffentlicht am 21.02.2019 - DIE WELT
Das nächste jazzmusikalische Großereignis steht in der Elbphilharmonie an – die Geschichte dazu geht zurück in den November 2006 und beginnt in der klangschönen Laeiszhalle: Hier gelingt der legendäre Konzertmitschnitt des weltweit gefeierten Esbjörn Svensson Trios (e.s.t.), den die Londoner „Times“ später zum Jazzalbum des Jahrzehnts kürt. Nur zwei Jahre darauf stirbt der schwedische Pianist Esbjörn Svensson tragisch bei einem Tauchunfall; im Mai 2014 erinnerten seine Landsleute Dan Berglund (Bass) und Magnus Öström (Drums) mit einer „e.s.t. Symphony“ beim hiesigen Internationalen Musikfest an ihren Bandleader – erneut in der Laeiszhalle, im Zusammenspiel mit den Hamburger Symphonikern.

Nun wollen Berglund und Öström die Klanggefilde der Elbphilharmonie durchschreiten – zurück in Trioformation, als skandinavische Supergroup mit einem Neuen in der Mitte: Der Norweger Bugge Wesseltoft sitzt an Klavier, Fender Rhodes und Elektronik. Deren klangliche Verschmelzung ist sein Metier; seine befreite Jazzästhetik erschließt einen weiten Raum zwischen clubtauglichen Beats und weltmusikalischer Folklore und hat ihm, sowohl solo wie auch in unzähligen Kollaborationen, bereits Weltruhm beschert.
Unter dem Namen Rymden (Raum) haben die nordlichternden Veteranen ein erstes gemeinsames Album vorgelegt – auf dem Cover ein von Kinderhand gemalter Raketenstart. Und so virtuos verspielt, rotzig rockig und knarzig funky klingt es auch; man hat Spaß an schrägen Rhythmen und frickeligen Improvisationen. Richtig groß wird es aber, wenn Öströms Schlegel hypnotisch repetieren, Berglund den Bass mit dem Bogen streicht und Wesseltoft die Harmonien nur so herunterregnen lässt. Auf diese Momente darf man sich am Freitag, den 22. Februar, freuen, sie sollten sich im Großen Saal klangmächtig entfalten können – eine gelungene Verstärkung und Beschallung vorausgesetzt.

Rymden kennen keine Genres. Pop, Rock, Club-Sounds und sogar Klassik fließen in  den Sound dieses zumeist akustischen Trios ein, Synthesizer und Electronics werden nur subtil eingesetzt.
Was Jamie Cullum einst über e.s.t. sagte, gilt künftig auch für Rymden: „Ich kann auch Freunde, die mit Jazz nichts am Hut haben, zu ihren Konzerten mitnehmen. Nicht etwa deshalb, weil sie einfach konsumierbar oder wenig experimentell wären. Sondern weil ihr improvisatorischer Ansatz voller aufregender und zeitgemäßer Ideen ist.“

Singer-Songwriting ist eine alte Tradition Amerikas, die unerschütterlich gegen das Schlechte und Falsche aufspielt. Nur mit Gitarre und Mundharmonika bewaffnet, begeistert Rod MacDonald seit Jahrzehnten sein Publikum als Singer-Songwriter.  
Der legendäre SingerSongwriter begann in der Fast-Folk-Bewegung des New Yorker Greenwich Village mit so bekannten Namen wie Suzanne Vega, Tracy Chapman, Lyle Lovett... dzt. Wahlheimat Florida hat mehr als ein Dutzend herausragender CDs veröffentlicht, mehrmals auch Europa bereist, gehört zu den großen Namen der aktuellen Songwriterszene der USA, begeistert mit seiner einzigartigen Stimme sein Publikum.

Fast jedes Jahr erscheint ein neues Album mit starken Songs,  sein neuestes CD-Werk ist wieder ein wichtigster Meilenstein - erneut ein Zeichen dafür, dass MacDonald noch immer viele Themen packend aufgreifen kann und dies natürlich auch in seinen Konzerten tut – dazu kommt, dass nach wie vor das politische Engagement nicht zu kurz kommt!

Das ist zum einen der selbst gebrannte Schnaps im Tiroler Oberland, besonders der Giggus dürfte bekannt sein.
Und zum anderen das selbst ernannte Blues Quartett im Tiroler Oberland, besonders der Giggo dürfte bekannt sein.
Seit nunmehr 2 Jahren bespielen die 4 Schnapsbrüder mit 3 Akkorden die deutschsprachige Musiklandschaft und begeistern mit erdigem Folk und ehrlichen Blues vornehmlich mittelaltes sowie halbjunges Publikum. 
Die Bandbesetzung aus Mundharmonika, Gitarre, Bass und Schlagzeug ist für den Stubenblues nahezu perfekt. Mischt man noch ein bisschen Tuba und 4-stimmigen Gesang darunter, wird so mancher Abenteurer zum Stubenhocker, so mancher Schwarzer Peter zum ladinischen Watter.
Aus natürlich gewachsenen Traditionals und Worksongs werden ehrliche Songs destilliert, die Wurzeln des Blues gezogen und ein wenig abgeschmeckt, um am Ende das eigene Etikett darauf zu kleben. Salt g’macht eben.

Dieses eigene Etikett klebt nunmehr auch auf der eigenen CD, welche eine gesunde Mischung aus traditionellem und individuellem Konzentrat in sich vereint, eine Tiroler Spezialität quasi, ohne Ablaufdatum und mit garantiertem Bluesgenuss. Mehr Bio vom Berg geht fast gar nicht.

Christian Deimbacher - harp, tuba, vocals
Christoph Kuntner - guitars, vocals
Fabian Möltner    - bass, vocals
Jakob Köhle - drums, vocals

ACHTUNG:
Philipp catherine mußte absagen - er ist mit dem Rad gestürzt, es geht ihm gut: nur - er kann nicht spielen...
ulf wakenius wird ihn auf der tournee ersetzen....

Ulf Wakenius 

ULF WAKENiUS war elf Jahre lang Gitarrist im Quartett des legendären Oscar Peterson, bis zu dessen Tod im Jahr 2007, ebenso spielte er jahrelang mit Bassist Niels-Henning Ørsted Pedersen. Seine aktuell sicher wichtigste musikalische Partnerin ist die koreanische Sängerin Youn Sun Nah, mit der er, zumeist im Duo, innerhalb der letzten Jahre hunderte umjubelte Konzerte rund um den Globus spielte. Auf seinen Aufnahmen als Leader zeigt sich der hochvirtuose Gitarrist oft von seiner ruhigen, melodischen Seite, zumeist an der Akustikgitarre – mit Bearbeitungen der Musik von Esbjörn Svensson oder Keith Jarrett ebenso, wie bei seinen stimmungsvollen, oft weltmusikalisch gefärbten Eigenkompositionen. Wakenius spielte u.a. mit Pat Metheny, Michael und Randy Brecker, Ray Brown, Jack DeJohnette, Bill Evans.

Oscar Peterson, On Ulf Wakenius
"Ulf Wakenius is one of the greatest guitar players in the world today!"
John McLaughlin, On Ulf Wakenius
"He plays the guitar like he was born with it already in his hands"

hier: ulf wakenius & friends spielen esbjœrn svensson & so on.

Paulo Morello 

gilt als einer der interessantesten Jazzgitarristen Europas. International bekannt wurde er mit seinem Bossa Nova-Legends Projekt: zusammen mit der Grammy- Gewinnerin Leny Andrade oder dem Bossa Nova-Urvater Johnny Alf gastierte Morello auf den bedeutendsten europäischen und südamerikanischen Festivals. Aktuell tourt Morello mit seinem Trio „Hammond Eggs“ mit den US-Musikern Randy Brecker und Bob Mintzer. Darüber hinaus arbeitete er mit Jimmy Smith, Paul Kuhn, Ivan Lins, Airto Moreira, Larry Coryell oder Pat Martino zusammen.

Sven Faller

hat sich mit seinem melodischen Stil auf dem Kontrabass international einen Namen gemacht. Nach seinem Studium am Mannes College of Music lebte er viele Jahre in New York und teilte die Bühne mit zahlreichen namhaften Künstlern wie Charlie Mariano, Chico Freeman, Bobby Watson, Pippo Pollina oder Konstantin Wecker.

Der norwegische Komponist und Tubist Daniel Herskedalhat sich ohne Einschränkungen und Konventionen einen Namen als Musiker gemacht, die Grenzen seines Instruments technisch und klanglich erweitert und damit faszinierende und hypnotisierend schöne Musik erschaffen. 
Kompositionsaufträge von beispielsweise dem BBC Concert Orchestra, uraufgeführt beim London Jazz Festival in der Royal Festival Hall, dem Trondheim Jazz Orchestraoder der Royal Norwegian Navy Bandsind ein Teil seines musikalischen Schaffens. Darüber hinaus kennt man ihn von seinem Duo mit Marius Neset, dem Trondheim Jazz Orchestra und Django Bates. 

Daniel Herskedal - tuba and bass trumpet 
Bergmund Waal Skaslien - viola 
Eyolf Dale - piano 
Helge Andreas Norbakken - percussion

Man könnte denken, dass die Tuba nicht das angesagteste Leadinstrument weder in der Klassik noch im Jazz ist. Aber „angesagt“ hin oder her: Wer so viel Musik erschafft, muss zwangsweise auch sein eigenes Projekt auf die Beine stellen und das geschah 2015 mit dem Album Slow Eastbound Train, mit dem Herskedal durch ganz Europa tourte. Die ZEIT bestätigte ihm denn auch: “..[Herskedal] spielt seit seiner Jugend Tuba. Und wie! Mit Herz statt nur mit Witz.. Schmatzend, atmend erhebt sich die verführerische Melodie aus der Tuba.. [und] die Basstrompete säuselt und singt, saugt den Hörer ein, die Reise kann beginnen.” Auch der Nachfolger The Rocveranlasste die Kritiker, den breiten Mix an Einflüssen aus Folk-, Jazz-, Klassik- und arabischen Quellen in den Himmel zu heben, während der nationale Sender France Musique die Gruppe als„eines der einzigartigsten und innovativsten kleinen Ensembles"bezeichnete. 

Sein drittes Album Voyage entpuppt sich als sein bisher prägendstes Album, das atemberaubende Schönheit mit einem erfrischend originellen Sound verbindet. Die Musik ist äußerst melodisch, von rhythmischem Flair und lebendigen Farben durchzogen. Wer Herskedal hört, zweifelt des Hipnessfaktor seines Instruments jedenfalls nicht mehr an. 

DIE ZEIT:

U-, E- und Ö-Musik
Der norwegische Tubist Daniel Herskedal spielt Kammermusik mit orientalischem Einschlag.

Skandinavien steckt seit Jahrzehnten viel Geld in die musikalische Bildung, was inzwischen nicht mehr zu überhören ist. Es kommen immer neue Virtuosen aus dem Norden. Wollte man daran etwas aussetzen, böte sich allenfalls der Umgang großer deutscher Jazzlabels damit an. Skandinavien steht ihnen unisono für Weite und Innerlichkeit, ein Klischee, das so flach und schwer ist wie ein Ikea-Paket.
Wie schön, wenn dann jemand die Dutzendware hinter sich lässt, indem er den Norden in den Orient hinein verlängert, eine Region der Welt, die wir nicht ihres Gemeinsinns wegen bewundern, sondern ob ihrer Entstaatlichung fürchten. Slow Eastbound Train heißt die Suite des Norwegers Daniel Herskedal, was sich übersetzen ließe als "Langsamer Zug in Richtung Osten". Definitiv ist das kein Vogelzug, obschon der 33-Jährige ein schräger Vogel sein muss, denn er spielt seit seiner Jugend Tuba.

Und wie! Mit Herz statt nur mit Witz, zugleich leicht, was das Schwerste sein könnte bei diesem Instrument, das aus der Mode gekommen ist, seit der Jazz von New Orleans nach Chicago zog und die Bässe gezupft statt gepompft werden.
Herskedal spielt mit Eyolf Dale am Piano und dem Perkussionisten Helge Andreas Norbakken. Es ist wichtig, ihre Namen zu nennen, denn er hat sich die beiden Musiker für dieses Album ausgesucht, nicht unbedingt ihre Instrumente; die haben sie mitgebracht. 
Das schrullig Entlegene verflüchtigt sich bereits in den ersten Takten. Das Eröffnungsstück, The Mistral Noir, bemüht in seinem Titel zwar auch eine Naturmetapher, bläst allen Widerstand aber gleich weg. Schmatzend, atmend erhebt sich die verführerische Melodie aus der Tuba, wird elektronisch wiederholt, und Herskedal greift zur Basstrompete, seinem zweiten Instrument, das er sich eigentlich nur mal zugelegt hatte, um auf Reisen im Hotelzimmer besser üben zu können. Die Basstrompete säuselt und singt, saugt den Hörer ein, die Reise kann beginnen. 
Alsbald kommen die Streicher hinzu, pizzicato. Der Komponist Herskedal hat einen Sinn für Rhythmen, und sein Pianist legt pfeffrige Soli hinein. In den Klavierlinien klingt Jazz an, was sich vom Rest der Suite kaum sagen lässt. Die 18 Musiker verschmelzen U, E und Ö, wobei Ö das Östliche bezeichnet. Herskedal war in Serbien, Syrien, Palästina unterwegs. Er ruft uns die Schönheit dieser schwierigen Weltecken in Erinnerung. Gerade vergangenes Wochenende ist er für eine Woche nach Istanbul geflogen, um sich von einem Meister der Oud, der Kurzhalslaute, für das Spielen seiner Tuba inspirieren zu lassen.
Inspiriert haben ihn auch Modest Mussorgskis Bilder einer Ausstellung in der Orchesterfassung von Maurice Ravel. Das vorletzte Stück seiner Suite stammt daraus, Bydlo, der Ochsenkarren.
Wie ergreifend schleppt er sich dahin. Ostwärts, ho!

Er wird wohl mit dem Radl kommen und nicht radlos wieder gehen: Da Bürgameischta kimmt zur Sprechstund ins Treibhaus. Wir werden interessante bis lästige Fragen stellen, das ein oder andere  Video einspielen und mit dem Publikum die Innsbrucker Version von "Stadt, Land, Fluss" spielen.
Das wird interessant - mit Unterhaltung und Haltung.
Hoffen wir.
Eintritt frei, Singen untersagt.

und danach haben ab 22uhr die Musiker das Wort: eine

JAM SESSION

ist angesagt, mit traumhafter Stageband:
Ander Tentschert piano
Florian Hupfauf bass
Georg Tausch drums

Zum 20-jährigen Bühnenjubiläum werden maschek wieder zu dritt auf Tournee gehen, mit einem Best-Of aus zwei Jahrzehnten Drüber-Reden. 
Ein Rückblick auf 20 Jahre Innen- und Außenpolitik, auf zwei Jahrzehnte Fernsehgeschichte, auf vergangene Sternstunden und vergessenen Irrsinn.

3 mascheks
7 österreichische Bundeskanzler
2 deutsche BundeskanzlerInnen
3 österreichische Bundespräsidenten
4 US-Präsidenten
6 ÖVP-Chefs
3 Päpste
9 ÖFB-Teamchefs
1 österreichische Song Contest GewinnerIn
1 ÖSV-Chef
Über zwei Stunden maschek-Klassiker, im Original und im Remix – plus nie gezeigte Bonus-Tracks. maschek XX!

Die Lust am Tanz der Stöcke über gespannten Fellen und konvexen Metallscheiben wurde früh (mit 13!) geweckt.  Parallel lernte Wolfgang Haffner daneben noch immer Klavier, aber das Schlagzeug spielte eine immer größere Rolle. 1976 zog die Familie nach Rummelsberg bei Nürnberg. Haffner, der auch Unterricht bei dem ebenfalls international bekannten, in Ansbach lebenden Schlagzeuger Evert Fraterman nahm, wurde in der Szene herumgereicht. "Wie Flüsterpost war das", sagt er, "das ging ganz schnell." In sechs, sieben Bands habe er gleichzeitig gespielt, irgendwann ging es dann auch einmal nach München und nach Berlin. Und vor allem, es kam der Anruf von Albert Mangelsdorff. „Als ich siebzehn war, rief Mangelsdorff bei meinen Eltern an, ich konnte es gar nicht glauben.“

Zwanzig Jahre lang spielte Wolfgang Haffner mit Mangelsdorff. Und dieser musikalische Mentor prägte ihn auch menschlich. Ganz früh sagte Mangelsdorff dem gerade am Beginn seines Höhenflugs stehenden Wolfgang Haffner in einem ruhigen Moment in der leisen und freundlichen Art, die viele von dem Posaunisten kannten: "Glaub nicht, dass Du was Besseres bist als der Handwerker nebenan." Das war eine Maxime, die ursprünglich von Mangelsdorffs Vater stammte - und Wolfgang Haffner sagt: "Das habe ich nie vergessen. Das hat mich immens auf dem Boden gehalten."

VOM TRIO BIS ZUR BIGBAND

Bald kam er in die Bigband von Peter Herbolzheimer, mit 28 für zwei Jahre in die Band der großen Sängerin Chaka Khan. Elf Jahre spielte er bei Klaus Doldingers Passport. Vier Jahre bei Konstantin Wecker. Fanta 4 und Xavier Naidoo nennt er selber auch noch - und wenn man bei Musikern herumfragt, dann hört man Antworten wie: "Er ist einer der einfühlsamsten, aber auch kraftvollsten Trommler seines Genres. Er ist in der Lage, sich in unterschiedlichste Stimmungen stilübergreifend hineinzuversetzen." Das sagt Klaus Doldinger über Wolfgang Haffner. Aber der Schlagzeuger spielt nicht nur mit anderen, er ist auch selbst als Bandleader unterschiedlicher Formationen erfolgreich, vom Trio bis zur Bigband, von pulsierenden Electro-Sounds bis hin zu zartem Kammerjazz. Bei einer Ausgabe des Nürnberger Festivals Jazz Ost-West erfüllte er sich seinen Traum, eine Formation mit Trompeter Randy Brecker als Stargast zu präsentieren. Über zehn CDs hat er unter eigenem Namen veröffentlicht und seine aktuelle CD "Kind of Cool" erhielt den German Jazz GOLD Award...

Siegfried  &  Joy  –Zaubershow  -Simsalabim  –in  den  letzten  zwei  Jahren  haben  sich  Siegfried  &  Joyvom  Magic  Underground  ins  Herz  der  ernstzunehmenden  Zauberszene  katapultiert!  Und  das  war  alles  andere  als  ein  Trick:  Mit  charmanter  Zauberkunst,  ungezügeltem  Humor  und  bis  in  die  letzte  Zauberstabspitze  verblüffend,  veranstalten  sie  zurzeit  die  wohl  unterhaltsamste  Zaubershow  des  Landes.  Ein  letztes  Mal  gehen  sie  nun  mit  ihrem  Debüt-Programm  auf  große  Tour.Wenn  Siegfried  &  JoyGegenstände  schweben  lassen,  mystische  Teleportationen  vollführen  oder  die  Gedanken  ihres  Publikums  lesen,  wird  schnell  klar,  dass  sie  ihre  Kunst  beherrschen.  Dennoch  bleiben  ihre  Auftritte  vor  allem  eine  funkelnde  Alternative  zu  den  herkömmlichen  Zaubershows  –mit  Herz,  Spontanität  und  einer  großen  Portion  Selbstironie  holen  sie  selbst  Zauberskeptiker  ab  und  zeigen,  dass  Zauberei  alles  andere  als  antiquiert  und  eingestaubt  sein  kann.  Ob  dabei  ein  Gast  zum  Zauberstar  gekürt  wird,  das  Publikum  gemeinsam  einen  Trick  vollführt  oder  ob  sie  ihre  Kunststücke  in  sagenhafter  Slo-Mo  erklären:  Faszinierend,  abwechslungsreich  und  dabei  immer  in  Kontakt  mit  dem  Publikum,  nehmen  die  Disco-Magier  jeden  mit  auf  ihre  magische-glitzernde  Reise!Und  bevor  diese  Reise  die  nächste  Etappe  ansteuert,  feiern  Siegfried  &  Joydas  Finales  ihres  abendfüllenden  Debüt-Programms  und  geben  es  ein  letztes  Mal  auf  kleinen  Bühnen  zum  Besten:  90  Minuten  kreative  Explosionen,  visuelle  Geniestreiche  und  eine  ungezügelt-amüsante  Präsentation  lassen  niemanden  mit  Zweifeln  an  der  Magie  von  Siegfried  &  Joy  zurück.

Wer  braucht  da  schon  Las  Vegas? - Der  Tagesspiegel

Charmante  Zauberkunst  mit  einer  Prise  trashigem  Humor.  Hinreißend! - RadioEins

Siegfried  &  Joy  veranstalten  die  unterhaltsamste  Zaubershow  des  Landes.  Mindestens! - Intro

VOM HIMMEL DURCH DIE WELT ZUR HÖLLE

Das Staatstheater spielt endlich Goethe und Schiller 

Vom Handschuh, über die Glocke bis zum im Gewande versteckten Dolch, mit fieberndem Kind und rasendem Pferd – alles liegt in des Pudels Kern.  Und im Wald, da gibt‘s die Räuber.
Das Staatstheater nimmt sein Publikum mit auf eine rasante, performative Reise durch die deutsche Weltliteratur von zwei ziemlich besten Freunden.
Kann man „Der Taucher“ auch tanzen? Oder ist das was für einen  Poetry-Slam? Hat Gretchen immer Zöpfe oder geht auch  Mini-Pli?  Was ist der Lieblingswitz vom leidenden jungen Werther?  Und ist Mephisto wirklich eine Frau?
In Zeiten von Netflix, in denen jeder 20.000 Filme zu Hause hat, bereitet das Staatstheater ein  literarisches Grundelement unserer Sprache neu zu – als ob man alte Gerichte wieder kocht, wenn alle Sushi und Hamburger essen.
Serviert wird eine explosive  Klassiker-Übermalung und Befreiung. Ein Teilchenbeschleuniger. Von der schnellen Nummer bis zum Seelen-Trip.
Altersempfehlung: von 14 bis 105 Jahren

Regie:           Mona Kraushaar
Ausstattung: Esther Frommann
es spielen     Daniela Bjelobradic • Carmen Gratl • Frank Röder 
Musik:           Maurizio Nardo
Produktionsleitung:   Ute Heidorn

PremierenKritik

In Staatstheatern wird Goethe gespielt. Und Schiller. Kein Wunder also, dass auch das Innsbrucker Staatstheater, das weder staatlich noch staatstragend ist, sondern „frei und so weiter und so fort“ sein darf, irgendwann beim Weimarer Welttheater landet. Goethe und Schiller als­o, aber weniger „Tasso“ oder „Wallenstein“, sondern „Erl­könig“ und „Die Glocke“. Sprich Ge- und Verdichtetes, Balladen, von denen man – grau ist alle Theorie – zwar weiß, dass sie erzählend, ja hochdramatisch sind, aber eben vielgeprüfter Schulstoff mit Fokus auf Versmaß, Reimformen und Metrum. Dass Ballade aufs lateinische „ballar­e“ zurückgeht, also Tanz und Sich-ins-Getümmel-Werfen immer mitmeint, hat man auch irgendwann gelernt. Und so schnell vergessen, weil zwölf und mehr Balladen-Strophen zur Bürde werden, die jeden Sturm und alles Drängen dorthin drückt, wo nichts mehr wächst.
Für „Vom Himmel durch die Welt zur Hölle“, die aktuelle Staatstheater-Produktion im Treibhaus, sind Goethe und Schiller Material- und Spielzeuglieferanten. Das Stück ist düster-dunkle Nummernrevue, die Gedichte werden nicht nachgespielt, sie werden aufgespießt und abgeklopft. Verkörpert werden die Ideen und Zustände dahinter. So lassen sich auch althergebrachte Lesarten gegen den Strich bürsten – bis dem Heidenröslein auch der letzte Liebreiz ausgetrieben ist.
Eine Handlung gibt es dankenswerterweise nicht. Einige recht lose geknüpfte rote Fäden lassen sich ausmachen: Es – das deutet schon der Titel an – geht steil bergab; machtbewusste Monarchen entpuppen sich als schmierige Scharlatane, Idyllen als in Watte gepackte Albtraumlandschaften – und der Mensch als wahngetriebener Widerling. Einzig die Sprache, die einem einst beim Auswendiglernen so viel Bauchweh machte, strahlt. Und wie sie strahlt. So hält manch Erdenschweres auch zeitgemäße Ironie aus: wenn etwa Goethes „Farbenlehre“ mit Phil Collins’ Mega-Schmonzette „True Colors“ kurzgeschlossen wird. Überhaupt: Die Musik! Maurizio Nardo legt als DJ auf offener Bühne einen feingeklöppelten Soundteppich aus: Richard Strauss’ „Zarathustra“ klingt genauso an wie französische Grand Opéra. Es ist aber vorwärtsdrängender Beat, der Stück und Spiel schön und unaufdringlich taktet, bei der „Glocke“ zum Beispiel.
Auch die Darsteller beweisen musikalische Sensibilität: Frank Röder schmachtet als Gummimasken-Barde im Beinahe-Falsett und begleitet später eine an Punkröhre Nin­a Hagen orientierte Carmen Gratl mit Gitarre und Keith-Richards-Bandana. Bezaubernde Momente gelingen auch Daniela Bjelobradic, die mit präzise ausdrucksstarker Mimik treudeutsche Verse ins Vielsprachige öffnet. Überhaupt gibt es in Mona Kraushaars an eindrücklichen Bildern reicher Inszenierung viel bisweilen Unbesungenes zu entdecken: verletzliche Poesie zum Beispiel, die sich in drastischen Ausbrüchen entlädt, oder Verzweiflungsgesten, die ins Komische kippen. Letzterem trägt auch Esther Frommanns einmal mehr gelungene Ausstattung Rechnung: Auf den ersten Blick wirkt die Bühne schlicht und aufs Notwendigste reduziert. Genau besehen springen wunderbar­e Details ins Auge: Relikte vergangener Größe, die – wie die Balladen, die das Staatstheater diesmal zur Auf­führung bringt – ihre tieftraurigen Geschichten erzählen.
* Joachim Leitner - in der tiroler tageszeitung

VOM HIMMEL DURCH DIE WELT ZUR HÖLLE

Das Staatstheater spielt endlich Goethe und Schiller 

Vom Handschuh, über die Glocke bis zum im Gewande versteckten Dolch, mit fieberndem Kind und rasendem Pferd – alles liegt in des Pudels Kern.  Und im Wald, da gibt‘s die Räuber.
Das Staatstheater nimmt sein Publikum mit auf eine rasante, performative Reise durch die deutsche Weltliteratur von zwei ziemlich besten Freunden.
Kann man „Der Taucher“ auch tanzen? Oder ist das was für einen  Poetry-Slam? Hat Gretchen immer Zöpfe oder geht auch  Mini-Pli?  Was ist der Lieblingswitz vom leidenden jungen Werther?  Und ist Mephisto wirklich eine Frau?
In Zeiten von Netflix, in denen jeder 20.000 Filme zu Hause hat, bereitet das Staatstheater ein  literarisches Grundelement unserer Sprache neu zu – als ob man alte Gerichte wieder kocht, wenn alle Sushi und Hamburger essen.
Serviert wird eine explosive  Klassiker-Übermalung und Befreiung. Ein Teilchenbeschleuniger. Von der schnellen Nummer bis zum Seelen-Trip.
Altersempfehlung: von 14 bis 105 Jahren

Regie:           Mona Kraushaar
Ausstattung: Esther Frommann
es spielen     Daniela Bjelobradic • Carmen Gratl • Frank Röder 
Musik:           Maurizio Nardo
Produktionsleitung:   Ute Heidorn

PremierenKritik

In Staatstheatern wird Goethe gespielt. Und Schiller. Kein Wunder also, dass auch das Innsbrucker Staatstheater, das weder staatlich noch staatstragend ist, sondern „frei und so weiter und so fort“ sein darf, irgendwann beim Weimarer Welttheater landet. Goethe und Schiller als­o, aber weniger „Tasso“ oder „Wallenstein“, sondern „Erl­könig“ und „Die Glocke“. Sprich Ge- und Verdichtetes, Balladen, von denen man – grau ist alle Theorie – zwar weiß, dass sie erzählend, ja hochdramatisch sind, aber eben vielgeprüfter Schulstoff mit Fokus auf Versmaß, Reimformen und Metrum. Dass Ballade aufs lateinische „ballar­e“ zurückgeht, also Tanz und Sich-ins-Getümmel-Werfen immer mitmeint, hat man auch irgendwann gelernt. Und so schnell vergessen, weil zwölf und mehr Balladen-Strophen zur Bürde werden, die jeden Sturm und alles Drängen dorthin drückt, wo nichts mehr wächst.
Für „Vom Himmel durch die Welt zur Hölle“, die aktuelle Staatstheater-Produktion im Treibhaus, sind Goethe und Schiller Material- und Spielzeuglieferanten. Das Stück ist düster-dunkle Nummernrevue, die Gedichte werden nicht nachgespielt, sie werden aufgespießt und abgeklopft. Verkörpert werden die Ideen und Zustände dahinter. So lassen sich auch althergebrachte Lesarten gegen den Strich bürsten – bis dem Heidenröslein auch der letzte Liebreiz ausgetrieben ist.
Eine Handlung gibt es dankenswerterweise nicht. Einige recht lose geknüpfte rote Fäden lassen sich ausmachen: Es – das deutet schon der Titel an – geht steil bergab; machtbewusste Monarchen entpuppen sich als schmierige Scharlatane, Idyllen als in Watte gepackte Albtraumlandschaften – und der Mensch als wahngetriebener Widerling. Einzig die Sprache, die einem einst beim Auswendiglernen so viel Bauchweh machte, strahlt. Und wie sie strahlt. So hält manch Erdenschweres auch zeitgemäße Ironie aus: wenn etwa Goethes „Farbenlehre“ mit Phil Collins’ Mega-Schmonzette „True Colors“ kurzgeschlossen wird. Überhaupt: Die Musik! Maurizio Nardo legt als DJ auf offener Bühne einen feingeklöppelten Soundteppich aus: Richard Strauss’ „Zarathustra“ klingt genauso an wie französische Grand Opéra. Es ist aber vorwärtsdrängender Beat, der Stück und Spiel schön und unaufdringlich taktet, bei der „Glocke“ zum Beispiel.
Auch die Darsteller beweisen musikalische Sensibilität: Frank Röder schmachtet als Gummimasken-Barde im Beinahe-Falsett und begleitet später eine an Punkröhre Nin­a Hagen orientierte Carmen Gratl mit Gitarre und Keith-Richards-Bandana. Bezaubernde Momente gelingen auch Daniela Bjelobradic, die mit präzise ausdrucksstarker Mimik treudeutsche Verse ins Vielsprachige öffnet. Überhaupt gibt es in Mona Kraushaars an eindrücklichen Bildern reicher Inszenierung viel bisweilen Unbesungenes zu entdecken: verletzliche Poesie zum Beispiel, die sich in drastischen Ausbrüchen entlädt, oder Verzweiflungsgesten, die ins Komische kippen. Letzterem trägt auch Esther Frommanns einmal mehr gelungene Ausstattung Rechnung: Auf den ersten Blick wirkt die Bühne schlicht und aufs Notwendigste reduziert. Genau besehen springen wunderbar­e Details ins Auge: Relikte vergangener Größe, die – wie die Balladen, die das Staatstheater diesmal zur Auf­führung bringt – ihre tieftraurigen Geschichten erzählen.
* Joachim Leitner - in der tiroler tageszeitung

19 Monate und vier Tage hat Roland Neuwirth nach seinem Abschied von den Extremschrammeln die Bühnenabstinenz ausgehalten. Dann folgte er der Bitte eines befreundeten Veranstalters doch bei seinem Festival aufzutreten, in welcher Besetzung auch immer. Neuwirth sagte zu. Er trat jedoch nicht mit seinem ehemaligen Ensemble, den Neuwirth Extremschrammeln auf, die sind seit Ende 2016 (Musik-) Geschichte, sondern mit dem radio.string.quartet. Ein Streichquartett, dessen Arbeit er seit langem sehr schätzt. Auf dem Programm standen neben Neuwirth-Klassikern auch einige neue Kompositionen, arrangiert von den Musikern des r.s.q. und Roland Neuwirth selbst.
Die Kombination aus Streichquartett und neuen Arrangements hebt die Lieder von Neuwirth auf eine ganz andere, besondere Ebene.
Im ersten Moment zuweilen irritierend, als betrachte man sie in einem Vexierspiegel, dann aber, wie unter einem Brennglas, schärfer und konturenreicher. Das macht das Zu- bzw. Neuhören ungemein spannend. 
Roland Neuwirth über das neue Musikprojekt: „Wenn sich ein so großartiges Ensemble wie das radio.string.quartet plötzlich mit meinen Liedern beschäftigt, entsteht eine neue Dimension. Die Geiger Bernie Mallinger und Igmar Jenner spielten lange Zeit bei den Extremschrammeln. Sie bilden mit den meisterhaften, noch dazu bildhübschen Damen Cynthia Liao (Viola) und Sophie Abraham (Cello) ein überaus virtuos groovendes Streichquartett.
Wen reißt solch eine Präsenz nicht aus der Lethargie? Also werden sie mich sicher verstehen: Ich bin süchtig, ich singe wieder.“

Roland Neuwirth, Gesang und Kontragitarre
Bernie Mallinger, Violine
Igmar Jenner, Violine
Cynthia Liao, Viola
Sophie Abraham, Cello

„Life wants me to rise out of the ground and lose the chains holding my body down” … Melancholie und Entschlossenheit liegt in der dunkel samtigen Stimme von Susan Wolf in The Road, dem ersten Song ihres neuen Albums I Have Visions. Alte Fesseln lösen, dem Leben vertrauen, den Rufen der Seele folgen: Zu sphärischen Mellotron-Sounds, treibenden Riffs und subtilen Anklängen an den Soul und Pop der 60er Jahre  erzählt die Singer-Songwriterin mit ihrer ausdrucksstarken Stimme von der Entschlossenheit den eigenen Weg zu suchen und vom Mut diesen auch zu beschreiten. Nach herben Schicksalsschlägen und Jahren, in denen sie die Musik aus ihrem Leben verbannen musste, kehrt Susan Wolf nun kraftvoll auf die Bühne zurück mit einem bewegenden, autobiografischen Album, musikalisch angelegt zwischen Alternative Folk, Country, Americana und Singing-Songwriting. 

Der Neustart ins Musikerleben kam unerwartet. Zuvor hatte Susan Wolf ihre Gitarre mit dem Vorsatz verkauft, ihre Leidenschaft für ihre eigene Musik abzulegen wie einen alten Hut. Statt weiter weltweit zu touren - etwa als Support-Act von Katie Melua oder Mick Hucknall von Simply Red - trat sie nur mehr Jazzklassiker singend in Hotelbars auf. Bis sie eines Tages eine jener Begegnungen hatte, die der Künstlerin wohl schicksalshaft vorbestimmt sind. Ein Gast sah und hörte die Sängerin bei einem ihrer Auftritte in der Hotellobby und fragte sie, warum sie hier auf dieser kleinen Bühne spiele. Sie gehöre doch auf eine große. Als sie ihm daraufhin ihre Geschichte erzählte, die von einer ernsthaften Erkrankung, der Sorge um ihre Familie und Existenzängsten geprägt war, kaufte er ihr eine Gitarre als Zeichen, dass sie sich wieder ihrer Musik widmen solle. Diese Begegnung löste ein Erwachen aus und entfachte das Bewusstsein in ihr darüber, wie sehr ihr die Musik fehlte. Daraufhin kehrte sie zurück - zurück zur Musik und somit zu sich selbst. 

Während Susan Wolf auf ihren ersten beiden Alben noch unter dem Namen Soe Tolloy verschiedene Stilrichtungen ausprobierte, trägt das neue Album nun klare Konturen. Produziert wurde das  Album „I Have Visions“ von ihren dänischen Wikingern, wie Susan sie liebevoll nennt,  den Multiinstrumentalisten Nikolaj Heyman und Peter Dombernowsky. Diese sind durch Ihre Zusammenarbeit mit internationalen Größen wie beispielsweise  Giant Sand, Mark Lanegan oder Isobel Campbell bekannt. Einfühlsam arrangierten die renommierten Musiker Wolfs Songs  mit typisch alten amerikanischen Instrumenten wie Pedal Steel, Dobro und Twangy Tremolo Gitarre. Die Songs für das Album schrieb Susan in Dänemark, ihrem Sehnsuchtsland, wohin sie schließlich die gesamte Produktion verlegte.
Es ist diese Spannung zwischen nordischer Melancholie und warmen Americana-Sound, in der Susan Wolf die Höhen und Tiefen ihres Lebens durchsingt. Auf dem zur Gänze schwarzem Cover verschwimmt ihre Silhouette mit der dunklen Farbe im Hintergrund. Mit den Händen fährt sich Susan Wolf durchs Haar, als ziehe sie sich selbst aus dieser Schwärze heraus, die sie umgibt. Auch dass das Album nun unter ihrem Geburtsnamen erscheint, ist ein Zeichen dieser durchlebten Emanzipation und der Rückkehr zu sich selbst.  I Have Visions ist ein leidenschaftliches Plädoyer, der inneren Stimme und eigenen Berufung zu folgen. Es ist ein „Sich-Immer-Wieder-Aufrichten“ und sich nicht aufgeben, sagt Susan Wolf. Das Wesentliche ist dabei das Leben selbst. „All at once, it´s clear / I know what to do and why I´m here / The wind of change is blowing straight / Ain´t no other way”. 

Im Mai 2019 präsentiert MIM nun ihr zweites Studioalbum NEW BREEZE – und zeigt sich darin nicht nur authentischer als je zuvor, sondern feiert auch ihre Entwicklung vom Soloact zur Band. Die gemeinsam mit ihren Bandkollegen komponierten Tracks eröffnen neue Gefühlsräume, erzählen intime Geschichten und bringen MIM auf ein neues Level.

SUPPORT: BAIBA 

Baiba Dekena ist eine lettische Musikerin, die momentan in Innsbruck lebt. Trotz ihrer Offenheit für neue Konstellationen und Sound-Experimente, ist sie stark mit der lettischen Kultur und Mythologie verbunden und trägt Teile ihres Programms in lettischer Sprache vor. Ihre Songs kombiniert sie Songs mit elektronischen Arrangements und kreiert dadurch leicht verdunkelte, dynamische, Atmosphären, in die es sich lohnt einzutauchen

in Kooperation mit der Botschaft der Ukraine in der Republik Österreich:
Das Kulturjahr Ukraine-Österreich 2019 wäre ohne bezaubernde Dakh Daughters nicht vorstellbar. Das ukrainische Freak-Kabarett Dakh Daughters sind 7 schillernde Musikerinnen und Darstellerinnen, die mit ihrer fantasievoller Spielart Ukraine, Europa und Amerika erobert haben. So etwas muss man live erleben! Nach den erfolgreichen Auftritten bei Wiener Festwochen 2016 und in Wien, den Gastspielen in Salzburg und Graz 2018 kommen die Mädels wieder nach Österreich - nach Innsbruck ins Treibhaus. (Danke Walter Peer, Konsul der Ukraine in Tirol)

Zwischen Theater und Aktivismus, Kabarett und Punk. Die Dakh Daughters aus Kiew singen über Utopie, postsowjetische Depression, gegen den Krieg in der Ostukraine – kurz: Sie leihen der Sehnsucht nach einer lebbaren Zukunft ihre Stimmen auch nachdem die Euromaidan-Proteste lange verstummt sind. In einem "ethnic chaos" aus Folklore und Subkultur mischen sie die politischen Verhältnisse in der Ukraine und darüber hinaus tanzbar auf. Im Grenzgebiet zwischen zwei taumelnden Imperien, zwischen Politik und Poesie, an der Grenze zum Wahnsinn: Freak-Cabaret. Ausgebrütet wurde diese explosive Mischung im bedeutenden freien und experimentierfreudigen Dakh Theater in Kiew.

"Die Presse", Print-Ausgabe, 17.05.2016:
Ein „Freak-Kabarett“ aus der Ukraine erinnert bei den Wiener Festwochen an die Revolution des Euromaidan. Die Botschaft ist noch immer relevant.
Ein Wirbelwind kam am Wochenende über das politisch im Umbruch befindliche Österreich. Mit ukrainischen Liedern wurde in der Halle G im Museumsquartier gegen Diktaturen angesungen. Der Nachklang von Revolution schwebte über den Wiener Festwochen: Die Dakh Daughters Band aus Kiew begeisterte mit „Roses“, ihrem von Vlad Troitskyi inszenierten „Freak-Kabarett“. Es hat an Aktualität nicht verloren, auch wenn der tödliche Konflikt zwischen der Ukraine und Russland bis vor kurzem ein wenig in Vergessenheit geraten ist. Diese Performancegruppe, die Musik, Theater und Kabarett in flotten Nummern mischt, deckt mit Witz, Sarkasmus und auch Melancholie die derzeit prekäre Lage auf unserem Kontinent auf.

Die Dakh Daughters sind bereits legendär. Ende 2013 strömten die Bürger von Kiew in Massen auf den Hauptplatz ihrer Hauptstadt und machten den Maidan im Bekenntnis zu Europa zum Euromaidan. Dort traten auch sieben junge Frauen in Pelzmänteln auf und protestierten kunstvoll gegen Unterdrückung. Ihr erstes Lied, „Rosen/Donbass“, eine Collage aus Shakespeares Sonett Nummer 35, Volksliedern und allerlei Kauderwelsch, wurde zur Hymne des Widerstands.
„Rosen“ wurde am Samstag auch als einer der Höhepunkte bei der 90-minütigen Show in Wien gespielt und mit besonders starkem Applaus bedacht. Es war und ist ein prophetisches Lied. Um das Donezk-Becken mit seinen russischen und russisch gesinnten Separatisten im Osten der Ukraine wird inzwischen mit aller Härte Krieg geführt.

Die absolute Stärke von Dakh Daughters ist ihre Vielseitigkeit, ihr Elan, die Lust an Expression. Ruslana Chasipowa, Natalka Halanewych, Tetjana Hawryljuk, Solomia Melnyk, Anna Nikitina und Zo loten alle weiblichen Stimmlagen und Stimmungen aus, sie singen vielsprachig, auf Ukrainisch sowie auf Deutsch, Englisch und Französisch mit überdreht starkem Akzent. Souverän tauschen sie auch ihre Instrumente, beherrschen Orgel, Cello, Gitarre, Trommeln, Kontrabässe, Harmonikas und sogar Trembitas – ukrainische Naturtrompeten aus Holz. In rascher Folge werden auch die Kostüme und individueller Kopfschmuck gewechselt. Sie ziehen ihre grellen Arbeitsmäntel aus, tragen dann leichte weiße Kleidchen, schließlich Folkloristisches. Darunter blitzt dunkle Reizwäsche. Immer tragen sie klobige Schuhe, schließlich ist der Grundton Punk, ergänzt durch Jazz, Folk, Chanson und Tanzmusik. Ferner sorgen Videos von Maria Wolkowa für Hintergründiges – Zitate alter Meister, etwa von Bosch und Leonardo, ergänzen die vielschichtigen Songs mit ihren Anleihen bei Charles Baudelaire und Bukowski, Rudyard Kipling und Heiner Müller.

Wahrscheinlich müsste man ein Seminar besuchen, um all die Anspielungen, vor allem auf die ukrainischen Texte, zu verstehen, die in Übertiteln auf der Bühne vorbeirauschen. Die Töchter singen häufig von Liebe. Gleich am Anfang kommt fast sentimental das alte ukrainische Volkslied „Der Pfau“, das aber bald in aggressives Hämmern umschlägt. Ähnlich hinterfotzig hört sich das Hochzeitslied „Immergrün“ an. In „Papirossi“ träumt ein Dichter von der Roten Renaissance. Es wird in den Songs gekämpft, entmannt, geschrien. Empörend? Die Sängerinnen wissen von Shakespeare: „LMD“ – die Liebe muss sterben. Wenn man dann ins Exil geht, gibt es einen guten Rat: Nimm nur so viel mit, wie du tragen kannst, am besten Briefe. Das ist einer der raren stillen Momente im wunderbaren Gesamtkunstwerk namens „Roses“. Man weiß jedoch genau, diese stolzen Frauen lassen sich nicht unterkriegen. (Norbert Mayer)

Wunderbar lakonisch, scheinbar naiv, und doch voll hinterfotzigem Witz“ (Ö1) – In einem Feuerwerk der pointierten Hoffnungslosigkeit gewährt Christoph Fritz Einblicke in seine Lebensgeschichte und Gedankenwelt. Alles begann in einer kleinen ländlichen Gemeinde, in der Veganismus als Einstiegsdroge zur Homosexualität gilt. Seine Kindheit war geprägt von exzessivem Graben und sein Erwachsensein von irgendetwas Anderem. Das seinem Alter hinterher hinkende Gesicht der ständige Begleiter.
Schlussendlich schafft er es sogar, den Bogen soweit in die Gegenwart zu spannen, dass der Pfeil der Wahrheit die Herzen der Zuschauer durchdringt und ihn blutüberströmt auf der Bühne zurücklässt. Oder auch nicht.
Was bleibt ist nichts weiter als die absolute Erkenntnis: Christoph Fritz ist DAS JÜNGSTE GESICHT.

BIOGRAPHIE

Bob Dylan wurde am gleichen Tag geboren wie Christoph Fritz. Aber nicht im selben Jahr.
Im Alter von 21 Jahren wagte sich der unmusikalischere der beiden Zwillinge (Christoph Fritz) zum ersten Mal auf eine Bühne. Einfach so. Ohne Bühnenerfahrung (ausgenommen der misslungenen Kandidatur zum Schulsprecher 2010 und der katastrophalen schauspielerischen Darbietung in der Hauptrolle der Mitternachtseinlage des Maturaballs des Bundesrealgymnasiums Stockerau 2011).
Fanden seine ersten humoristischen Gehversuche noch im Wiener Keller eines australischen Pubs auf Englisch statt, erweiterte er seine Bandbreite bald um die deutsche Muttersprache. Es folgten mehrere Auftritte auf offenen Kabarettbühnen und die Teilnahme an Wettbewerben.
Beim ersten dieser Wettbewerbe, dem Goldenen Neulingsnagel, konnte Fritz die Jury im November 2016 nicht für sich gewinnen; er wurde jedoch Publikumssieger. Manche (er selbst) meinen, das lag vor allem daran, dass er das halbe Publikum persönlich kannte.
Im Zuge des zweiten Wettbewerbs machte er es besser und konnte die begehrte 10. Ennser Kleinkunstkartoffel, die gar nicht wie eine Kartoffel aussieht, im Februar 2017 mit nach Hause nehmen. Und das, obwohl er diesmal niemanden aus dem Publikum kannte.
Das Trauma des dritten, und bislang letzten, Wettbewerbs hat Fritz nahezu unvollständig verarbeitet. Im April 2017 kam er beim 31. Grazer Kleinkunstvogel, dem Rolls Royce unter den hiesigen Nachwuchskabarettpreisen, ins Finale, musste sich dort aber – aus seiner Sicht: leider – geschlagen geben. Immerhin wurde er im Publikumsvoting Zweiter. Die Option einer Gesichtsoperation und des nochmaligen Antritts im darauffolgenden Jahr verwarf Fritz aus diversen Gründen (Kosten).
Über den Umweg dieses dritten und schmerzvollsten Wettbewerbs wurde Fritz Teil des aktuellen Ensembles der Langen Nacht des Kabaretts, mit dem er seit August 2017 auf österreichweiter Tour ist und unzählige (bisher 20) verschiedene Bühnen des Landes mit seiner Präsenz je nach Stimmungslage be- oder entehrt.
Am 30. Jänner 2018 feierte Fritz schließlich die Premiere seines Debütprogramms mit dem Titel „Das Jüngste Gesicht“, wobei das „J“ auch groß zu schreiben ist, was den meisten Veranstaltern aber völlig wurscht ist. Die Premiere glückte wider Erwarten und konnte die Erwartungen erfüllen. Für den Falter bietet er „[…] schwarzen Humor in Perfektion. Ein großartiges Debüt.“ Die Wiener Zeitung sieht „bitterböse Satire mit Babyface-Bonus“. Fritz selbst findet, es handelt sich um sein bislang bestes Debütprogramm.

Am 27. März 2018 trat Fritz in der 2. Staffel des ORF-Stand-up-Formats „Pratersterne“ auf. Obwohl im Fernsehen von einer sechsstelligen Zuschauerzahl gesehen, erkannte ihn bislang nicht eine einzige Person auf der Straße (Stand: 26.10.2018). Aber er übt schon für den Ernstfall.
Christoph Fritz wurde 2018 für sein  Debütprogramm „Das Jüngste Gesicht“,  mit dem Förderpreis des Österreichischen Kabarettpreises ausgezeichnet .

VOM HIMMEL DURCH DIE WELT ZUR HÖLLE

Das Staatstheater spielt endlich Goethe und Schiller 

Vom Handschuh, über die Glocke bis zum im Gewande versteckten Dolch, mit fieberndem Kind und rasendem Pferd – alles liegt in des Pudels Kern.  Und im Wald, da gibt‘s die Räuber.
Das Staatstheater nimmt sein Publikum mit auf eine rasante, performative Reise durch die deutsche Weltliteratur von zwei ziemlich besten Freunden.
Kann man „Der Taucher“ auch tanzen? Oder ist das was für einen  Poetry-Slam? Hat Gretchen immer Zöpfe oder geht auch  Mini-Pli?  Was ist der Lieblingswitz vom leidenden jungen Werther?  Und ist Mephisto wirklich eine Frau?
In Zeiten von Netflix, in denen jeder 20.000 Filme zu Hause hat, bereitet das Staatstheater ein  literarisches Grundelement unserer Sprache neu zu – als ob man alte Gerichte wieder kocht, wenn alle Sushi und Hamburger essen.
Serviert wird eine explosive  Klassiker-Übermalung und Befreiung. Ein Teilchenbeschleuniger. Von der schnellen Nummer bis zum Seelen-Trip.
Altersempfehlung: von 14 bis 105 Jahren

Regie:           Mona Kraushaar
Ausstattung: Esther Frommann
es spielen     Daniela Bjelobradic • Carmen Gratl • Frank Röder 
Musik:           Maurizio Nardo
Produktionsleitung:   Ute Heidorn

PremierenKritik

In Staatstheatern wird Goethe gespielt. Und Schiller. Kein Wunder also, dass auch das Innsbrucker Staatstheater, das weder staatlich noch staatstragend ist, sondern „frei und so weiter und so fort“ sein darf, irgendwann beim Weimarer Welttheater landet. Goethe und Schiller als­o, aber weniger „Tasso“ oder „Wallenstein“, sondern „Erl­könig“ und „Die Glocke“. Sprich Ge- und Verdichtetes, Balladen, von denen man – grau ist alle Theorie – zwar weiß, dass sie erzählend, ja hochdramatisch sind, aber eben vielgeprüfter Schulstoff mit Fokus auf Versmaß, Reimformen und Metrum. Dass Ballade aufs lateinische „ballar­e“ zurückgeht, also Tanz und Sich-ins-Getümmel-Werfen immer mitmeint, hat man auch irgendwann gelernt. Und so schnell vergessen, weil zwölf und mehr Balladen-Strophen zur Bürde werden, die jeden Sturm und alles Drängen dorthin drückt, wo nichts mehr wächst.
Für „Vom Himmel durch die Welt zur Hölle“, die aktuelle Staatstheater-Produktion im Treibhaus, sind Goethe und Schiller Material- und Spielzeuglieferanten. Das Stück ist düster-dunkle Nummernrevue, die Gedichte werden nicht nachgespielt, sie werden aufgespießt und abgeklopft. Verkörpert werden die Ideen und Zustände dahinter. So lassen sich auch althergebrachte Lesarten gegen den Strich bürsten – bis dem Heidenröslein auch der letzte Liebreiz ausgetrieben ist.
Eine Handlung gibt es dankenswerterweise nicht. Einige recht lose geknüpfte rote Fäden lassen sich ausmachen: Es – das deutet schon der Titel an – geht steil bergab; machtbewusste Monarchen entpuppen sich als schmierige Scharlatane, Idyllen als in Watte gepackte Albtraumlandschaften – und der Mensch als wahngetriebener Widerling. Einzig die Sprache, die einem einst beim Auswendiglernen so viel Bauchweh machte, strahlt. Und wie sie strahlt. So hält manch Erdenschweres auch zeitgemäße Ironie aus: wenn etwa Goethes „Farbenlehre“ mit Phil Collins’ Mega-Schmonzette „True Colors“ kurzgeschlossen wird. Überhaupt: Die Musik! Maurizio Nardo legt als DJ auf offener Bühne einen feingeklöppelten Soundteppich aus: Richard Strauss’ „Zarathustra“ klingt genauso an wie französische Grand Opéra. Es ist aber vorwärtsdrängender Beat, der Stück und Spiel schön und unaufdringlich taktet, bei der „Glocke“ zum Beispiel.
Auch die Darsteller beweisen musikalische Sensibilität: Frank Röder schmachtet als Gummimasken-Barde im Beinahe-Falsett und begleitet später eine an Punkröhre Nin­a Hagen orientierte Carmen Gratl mit Gitarre und Keith-Richards-Bandana. Bezaubernde Momente gelingen auch Daniela Bjelobradic, die mit präzise ausdrucksstarker Mimik treudeutsche Verse ins Vielsprachige öffnet. Überhaupt gibt es in Mona Kraushaars an eindrücklichen Bildern reicher Inszenierung viel bisweilen Unbesungenes zu entdecken: verletzliche Poesie zum Beispiel, die sich in drastischen Ausbrüchen entlädt, oder Verzweiflungsgesten, die ins Komische kippen. Letzterem trägt auch Esther Frommanns einmal mehr gelungene Ausstattung Rechnung: Auf den ersten Blick wirkt die Bühne schlicht und aufs Notwendigste reduziert. Genau besehen springen wunderbar­e Details ins Auge: Relikte vergangener Größe, die – wie die Balladen, die das Staatstheater diesmal zur Auf­führung bringt – ihre tieftraurigen Geschichten erzählen.
* Joachim Leitner - in der tiroler tageszeitung

VOM HIMMEL DURCH DIE WELT ZUR HÖLLE

Das Staatstheater spielt endlich Goethe und Schiller 

Vom Handschuh, über die Glocke bis zum im Gewande versteckten Dolch, mit fieberndem Kind und rasendem Pferd – alles liegt in des Pudels Kern.  Und im Wald, da gibt‘s die Räuber.
Das Staatstheater nimmt sein Publikum mit auf eine rasante, performative Reise durch die deutsche Weltliteratur von zwei ziemlich besten Freunden.
Kann man „Der Taucher“ auch tanzen? Oder ist das was für einen  Poetry-Slam? Hat Gretchen immer Zöpfe oder geht auch  Mini-Pli?  Was ist der Lieblingswitz vom leidenden jungen Werther?  Und ist Mephisto wirklich eine Frau?
In Zeiten von Netflix, in denen jeder 20.000 Filme zu Hause hat, bereitet das Staatstheater ein  literarisches Grundelement unserer Sprache neu zu – als ob man alte Gerichte wieder kocht, wenn alle Sushi und Hamburger essen.
Serviert wird eine explosive  Klassiker-Übermalung und Befreiung. Ein Teilchenbeschleuniger. Von der schnellen Nummer bis zum Seelen-Trip.
Altersempfehlung: von 14 bis 105 Jahren

Regie:           Mona Kraushaar
Ausstattung: Esther Frommann
es spielen     Daniela Bjelobradic • Carmen Gratl • Frank Röder 
Musik:           Maurizio Nardo
Produktionsleitung:   Ute Heidorn

PremierenKritik

In Staatstheatern wird Goethe gespielt. Und Schiller. Kein Wunder also, dass auch das Innsbrucker Staatstheater, das weder staatlich noch staatstragend ist, sondern „frei und so weiter und so fort“ sein darf, irgendwann beim Weimarer Welttheater landet. Goethe und Schiller als­o, aber weniger „Tasso“ oder „Wallenstein“, sondern „Erl­könig“ und „Die Glocke“. Sprich Ge- und Verdichtetes, Balladen, von denen man – grau ist alle Theorie – zwar weiß, dass sie erzählend, ja hochdramatisch sind, aber eben vielgeprüfter Schulstoff mit Fokus auf Versmaß, Reimformen und Metrum. Dass Ballade aufs lateinische „ballar­e“ zurückgeht, also Tanz und Sich-ins-Getümmel-Werfen immer mitmeint, hat man auch irgendwann gelernt. Und so schnell vergessen, weil zwölf und mehr Balladen-Strophen zur Bürde werden, die jeden Sturm und alles Drängen dorthin drückt, wo nichts mehr wächst.
Für „Vom Himmel durch die Welt zur Hölle“, die aktuelle Staatstheater-Produktion im Treibhaus, sind Goethe und Schiller Material- und Spielzeuglieferanten. Das Stück ist düster-dunkle Nummernrevue, die Gedichte werden nicht nachgespielt, sie werden aufgespießt und abgeklopft. Verkörpert werden die Ideen und Zustände dahinter. So lassen sich auch althergebrachte Lesarten gegen den Strich bürsten – bis dem Heidenröslein auch der letzte Liebreiz ausgetrieben ist.
Eine Handlung gibt es dankenswerterweise nicht. Einige recht lose geknüpfte rote Fäden lassen sich ausmachen: Es – das deutet schon der Titel an – geht steil bergab; machtbewusste Monarchen entpuppen sich als schmierige Scharlatane, Idyllen als in Watte gepackte Albtraumlandschaften – und der Mensch als wahngetriebener Widerling. Einzig die Sprache, die einem einst beim Auswendiglernen so viel Bauchweh machte, strahlt. Und wie sie strahlt. So hält manch Erdenschweres auch zeitgemäße Ironie aus: wenn etwa Goethes „Farbenlehre“ mit Phil Collins’ Mega-Schmonzette „True Colors“ kurzgeschlossen wird. Überhaupt: Die Musik! Maurizio Nardo legt als DJ auf offener Bühne einen feingeklöppelten Soundteppich aus: Richard Strauss’ „Zarathustra“ klingt genauso an wie französische Grand Opéra. Es ist aber vorwärtsdrängender Beat, der Stück und Spiel schön und unaufdringlich taktet, bei der „Glocke“ zum Beispiel.
Auch die Darsteller beweisen musikalische Sensibilität: Frank Röder schmachtet als Gummimasken-Barde im Beinahe-Falsett und begleitet später eine an Punkröhre Nin­a Hagen orientierte Carmen Gratl mit Gitarre und Keith-Richards-Bandana. Bezaubernde Momente gelingen auch Daniela Bjelobradic, die mit präzise ausdrucksstarker Mimik treudeutsche Verse ins Vielsprachige öffnet. Überhaupt gibt es in Mona Kraushaars an eindrücklichen Bildern reicher Inszenierung viel bisweilen Unbesungenes zu entdecken: verletzliche Poesie zum Beispiel, die sich in drastischen Ausbrüchen entlädt, oder Verzweiflungsgesten, die ins Komische kippen. Letzterem trägt auch Esther Frommanns einmal mehr gelungene Ausstattung Rechnung: Auf den ersten Blick wirkt die Bühne schlicht und aufs Notwendigste reduziert. Genau besehen springen wunderbar­e Details ins Auge: Relikte vergangener Größe, die – wie die Balladen, die das Staatstheater diesmal zur Auf­führung bringt – ihre tieftraurigen Geschichten erzählen.
* Joachim Leitner - in der tiroler tageszeitung

In “Cordula Grün” seiner neuen Single zögert JOSH. musikalisch nicht lange sondern fällt lieber gleich mit der Tür ins Haus. Drei perkussive Akkorde am Klavier, etwas Gitarre genügen. Und nach einer Wiederholung gesellen sich Schlagzeug und eine kratzige Stimme dazu. Schon ist man mitten drin im Song und der Geschichte mit Cordula Grün.

Kein Wunder, dass alles so schnell geht, dann die im Song besungene faszinierende Schöne verdreht ihm in Null-Komma-Nichts den Kopf, geht ihm nicht mehr aus dem Sinn, fasziniert ihn, tanzt für ihn, trinkt mit und spielt mit ihm, bis er ihr schlussendlich völlig verfällt.
Er kann nicht anders – auch wenn er es schwer findet, sie u verstehen und sich zum Narren für sie macht. Er hat nur SIE im Kopf: Cordula, seine launische, ihm um den Finger wickelnde Traumfrau.

Erika Pluhar liest Lyrik und kleine Prosa aus ihrer Feder, es sind heitere bis besinnliche Texte, in denen sich auch Übermut und Humor ausspricht. 
Den musikalischen Teil des Programms, die Pluhar-Lieder, begleitet Roland Guggenbichler am Piano.
Gesungen wird vom ‚Boogie-Woogie‘ bis zu den ‚unerfüllbaren Wünschen‘, Vom ‚Geh komm‘ bis zum ‚L’Amour-Hatscher‘…
Und zu guter Letzt darf vielleicht auch das ‚Es war einmal‘ nicht fehlen…
Pluhar und Guggenbichler haben eine langjährige musikalische Gemeinsamkeit aufzuweisen, musizieren gern und freudig im Duo, ihre Poesie und Lebensbetrachtung wird von seinem pianistischem Können beantwortet.
Ein Abend, der sowohl Rückschau und Erinnerung, als auch Freude am Aufbruch in Neues schenken möchte.  

Schauspielerin, Sängerin, Schriftstellerin

Erika Pluhar wird 80

Was für ein Leben: Erika Pluhar stand mehr als 60 Jahre auf der Bühne, 40 davon war sie Ensemblemitglied des Wiener Burgtheaters, wo man sie in großen Rollen sehen konnte, etwa als Maria Stuart. Auch für den Film wurde sie schon in den 60er-Jahren entdeckt. Die Klatschpresse berichtete über ihre Beziehungen zu Udo Proksch, André Heller und Peter Vogel ebenso wie über ihre politischen Interventionen. Sie stellte sich gegen den österreichischen Politiker Jörg Haider, engagierte sich immer wieder gegen Rechtsextremismus. Ihre Tochter Anna starb 1999 an einem Asthmaanfall – eine Lebenskatastrophe, die in ihrer Arbeit immer wieder auftaucht. Ab den 70er-Jahren trat Erika Pluhar verstärkt als Sängerin ins Rampenlicht, sang bald ihre eigenen Chansons und brachte unzählige Alben heraus. Und seit den 80er-Jahren veröffentlicht sie autobiografische Texte und Romane. Mittlerweile hat sie zwei Dutzend Bücher geschrieben. Jetzt feiert Erika Pluhar ihren 80. Geburtstag.

Geschrieben hat Erika Pluhar eigentlich schon immer: in der Schule, während ihrer ersten Jahre am Theater. Die Worte waren es auch, die sie zur Schauspielerin gemacht haben, die Liebe zu den Worten, zur Musikalität der Sprache. 
Geboren wurde die Grande Dame der österreichischen Bühne am 28. Februar 1939 in Wien, in einem Arbeiterbezirk. Nach der Matura wurde sie am Reinhardt-Seminar aufgenommen, und gleich im Anschluss bekam sie ein Engagement am Wiener Burgtheater – 40 Jahre lang gehörte sie zum Ensemble: "Es war für mich wirklich so berührend, denn ich war nach dem Krieg mit meiner Oma immer in dem Park beim Rathaus, gegenüber vom Burgtheater", erinnert sich Pluhar. "Sie hat dort gewohnt, und das Burgtheater war kaputt und mit Brettern vernagelt und zerstört. Und meine Oma hat mir erzählt, was sie dort gesehen hat in diesem Theater und wie schön das war. Und da hab ich mir als Kind gedacht, dort werd ich einmal spielen. Und als ich dann ans Burgtheater engagiert wurde, ist mir das eingefallen. Und da hab ich mir eine zeitlang gedacht, man muss seine Wünsche nur ausschicken, dann erfüllen sie sich schon. Das hab ich später wieder revidiert, so hat’' dann weiterhin nicht ausgesehen."

Die Laufbahn von Erika Pluhar jedenfalls ist beeindruckend. Sie spielte immer größere Rollen, wurde für den Film entdeckt. Einer breiteren Öffentlichkeit bekannt wurde sie durch ihre Fernsehauftritte, etwa im Zweiteiler "Bel Ami" unter der Regie von Helmut Käutner. Sie begann zu singen, schließlich schrieb sie selber Chansons. Und dann kamen die ersten Buchveröffentlichungen. "Ich hab immer schon vor mich hingeschrieben. Aber mein erster kleiner Roman, den ich ganz diskret "eine Geschichte" genannt habe, der hieß "Es gehört eins zum andern" und war dann auch ein Taschenbuch und ist beim Überreuter Verlag hier in Wien erschienen und ist von der Sigrid Löffler, falls euch die noch ein Begriff ist, in der Zeitschrift Profil doppelseitig aber so verrissen, dass eigentlich jeder Mensch aufhören würde zu schreiben. Ich nicht. Das Buch hat sich so verkauft wie später fast kein weiteres Buch von mir. Und ich hab’s bis jetzt eigentlich sehr gern, diese erste Geschichte. Und ich hab mich also nicht entmutigen lassen und hab weitergeschrieben."

Entmutigen lassen hat sich Erika Pluhar nie. Auch nicht von ihren persönlichen Schicksalsschlägen. Ihre Beziehungen zu Männern – etwa zu André Heller – waren immer auch kompliziert und öffentlich. Ihre große Liebe, der Schauspieler Peter Vogel, beging 1978 Selbstmord; ihr einziges Kind Anna starb 1999 im Alter von 37 Jahren. Erika Pluhars aktueller Roman "Anna" handelt von einer Tochter-Mutter-Beziehung, die durchaus autobiographische Züge trägt. "Trotzdem" – ein Lieblings- und Leitwort im Leben Pluhars – hat sie immer weitergemacht. Und noch immer ist sie voller Energie.
Wie ist es, 80 zu werden?
Irgendwann fühlt man sich alterslos, ich geh jetzt nicht dahin und denk mir, ich bin 80, sondern bin einfach irgendwie gesund und am Leben. Aber das Empfinden für Endlichkeit, das mich irgendwie ja schon immer begleitet hat, ist natürlich sehr dicht geworden. Man kann immer sterben. Und meine Tochter ist jung gestorben. [...] Wenn man wie ich jetzt 80 ist, dann ist es sehr gut, [...] einfach die Gegenwart ganz intensiv wahrzunehmen.

Erika Pluhar
Bis heute politisch engagiert
Dazu gehört auch, die Stimme zu erheben. Das tut sie noch immer. Geboren in der Zeit des Faschismus, hat Erika Pluhar ein sensibles Bewusstsein für die Verwerfungen und Konflikte der Gegenwart. Immer wieder hat sie sich politisch eingemischt. Und sie scheint auch mit achtzig Jahren angesichts neuer rechtsradikaler Gefahren ihre kämpferische Haltung nicht aufzugeben: "Gott sei Dank können wir in diesen Zeiten ja noch Widerstand äußern, das tu ja nicht nur ich, das tun viele Menschen. Und darauf muss man aufpassen, dass es bei dieser Möglichkeit bleibt, dass man weiß, wenn man seinen Widerstand äußert, ist man nicht gleich im Gefängnis und gefoltert oder tot. Das wissen wir, und das müssen wir bewahren. Und darauf müssen wir aufpassen, und das werde ich bis ans Ende meiner Tage, so lange ich gut bei Troste bleibe, auch tun."

(aus MDR kultur)

Süße Fremdscham: Wer kennt sie nicht? Die glorios peinlichen und umso amüsanteren Tagebuch-Ergüsse aus Teenagerzeiten, Reisetagebüchern oder einfach nur von damals? Wir haben sie!
Eine peinlich-lustige Zeitreise in die Abgründe der eigenen und fremden Pubertät und Kindheit. Ehrlich, berührend, schonungslos, betrübt, übertrieben, sehnsüchtig, haltlos und unverstanden. So waren und sind sie, unsere Schul- und Jugendjahre. Und so sind unsere Tagebucheinträge aus dieser wilden und unberechenbaren Zeit des Erwachsenwerdens.
Es lesen Laien live aus ihren alten Tagebüchern. D

Das Publikum entscheidet über die Sieger*in des Abends, die sich über einen Taschengeld Zuschuss (1000 Schilling Büchergutschein von der Wagner’schen) freuen kann. Und auch für alle anderen gibt es Preise, denn jede*r, der die Pubertät unbeschadet überstanden hat, ist ein*e Sieger*in.  Eine Reality-Show der etwas anderen Art – mit Sicherheit der persönlichste aller Slams, denn die schönsten Geschichten schreibt das Leben. Überzeugt euch selbst, kommt vorbei oder noch besser macht selbst mit!

Infos für TeilnehmerInnen:
Es werden mind.4 Leute am Start sein, d.h. immer 2 gegen einander lesen, dann gibt es einen Applausbattle und 3 sind dann im Finale. JedeR sollte zwei Beiträge (können auch mehrere kürzere Einträge sein) von maximal 5 Minuten vorbereiten, weil Vor- und eventuell Finalrunde. Bitte keinen aktuellen Beiträge, müssen mindestens von vor 2014 sein! Originaltagebücher mitbringen und ansonsten einfach Spaß haben.

Durch den Abend führt: Diana Köhle

Erster Tagbucheintrag am 23. September 1989, denn das Leben war hart in den Bergen. Nach längerer Abstinenz schreibt sie nun sogar wieder täglich Tagebuch, denn sie muss ja weiterhin fleißig für „Lesestoff“ sorgen. Neben dem Tagebuch schreiben, schlägt ihr Herz für Poetry Slams. Seit 2004 moderiert und organisiert sie Poetry Slams (monatlich Slam B im Literaturhaus Wien und viele Gastspiele) und seit 2013 auch den sehr erfolgreichen TAGebuch Slam im TAG in Wien. Der es im Herbst 2014 mit 5 Folgen in DIE.Nacht in ORF 1 geschafft hat (Liebes Tagebuch, ...). Sie lebt seit 12 Jahren in Wien, hat in Innsbruck studiert und freut sich daher besonders auf ein Heimspiel in Tirol.

Anmeldungen zum Mitmachen an: diana@liebestagebuch.at

der autodidaktische Multiinstrumentalist aus Israel ist ein kreatives Naturwunder, das einen Raum im Handumdrehen verzaubern kann. Inspiriert von Bach, Sting, Bobby McFerrin oder Chick Corea präsentiert er sich als Komponist ohne musikalische Grenzen.  Ein Mann am besten Weg sein Instrument vom traditionellen Hintergrund an den wohl verdienten vorderen Rand der Bühne zu bewegen.
In den vergangenen Jahren hat Adam sein Handwerk in neue, aufregende Richtungen entwickelt und in der heutigen internationalen Musiklandschaft einen einzigartigen Platz gefunden, wobei ihm sowohl sein Songwriting als auch sein musikalisches Können Erfolg bereiten.

Der Begriff "Multi-Instrumentalist" wird oft überstrapaziert, aber in diesem Fall könnte er nicht passender sein. Adam begann im Alter von fünf Jahren Violine zu spielen und mit neun Jahren Gitarre. Im Laufe der Jahre erweiterte er, zu einem Großteil autodidaktisch, sein „Arsenal“ mit Klavier, Klarinette, Oud, Flöte und Cajon. Allerdings war es im Alter von 16 Jahren eine Einführung in das Spiel des Kontrabasses, die wirklich sein Leben veränderte, als er sich sofort in den reichen Klang des Instruments verliebte.

Inspiriert von so vielfältigen Helden, wie Bach, Sting, Bobby McFerrin oder Chick Corea, entschied sich Adam seine Kompositionen, unabhängig vom musikalischem Werkzeug, „aktuell“ zu machen. Er erweiterte seine musikalische Palette bewusst und konsequent um neue Farben und Elementen von Jazz, Latin, wie auch mediterraner Musik.
Unabhängig ob Adam original Material oder seine wunderbar gearbeiteten Cover-Arrangements spielt, ist Adam Ben Ezra wie eine schöpferische Kraft der Natur, die einen Raum voller Fremder in einem Moment in lebenslange Fans verwandeln kann. Egal, ob er Solo, als Duo oder als Teil seines Trios mit Gitarre und Percussion spielt, sind keine zwei Shows dieselben, da er sich gekonnt von einem Instrument zum nächsten bewegt, manchmal im selben Lied, ohne jemals einen Schlag zu verpassen. Mit einer klugen Kombination von Effekten und Pedalen, transformiert Adam seine „Notizen“ zu einem Loop, mit dem Ziel eine authentische Klangwand zu erzeugen, die einem kleinen Orchester würdig wäre. Verbunden mit vermehrten Anfragen nach internationalen Auftritten und der Notwendigkeit sein Instrument weiter zu entwickeln, ließ Adam einen besonderen, einzigartigen 5-Saiten-Bass fertigen, mit einem ungewöhnlichen, abnehmbaren Neck-Setup, der ihm bei seinen Reisen eine neue Flexibilität ermöglichte.

Mit seinem YouTube-Kanal mit knapp zehn Millionen Views und einem starken Einsatz auf allen Social-Media-Plattformen ist es klar, dass Adam ein Bonafide-Star in der Internet-Welt ist. Allerdings ist sein Erfolg nicht auf die virtuelle Welt des Web beschränkt. 2015 erwies sich als Durchbruch mit zahlreichen und bemerkenswerten Aufführungen auf der ganzen Welt. Fusion-Giganten der letzten Jahrzehnte, wie Pat Metheny, Victor Wooten, Richard Bona oder Mike Stern luden ihn ein die Bühne mit ihnen zu teilen.
Adam hat viel als Solokünstler vollbracht. Mit seinem Debütalbum "Can not Stop Running" präsentierte er sich nicht nur ein virtuoser Darsteller, sondern auch als sensibler Komponist ohne musikalische Grenzen, der Elemente von Jazz, Rock und Weltmusik, um spannende, faszinierende und vielseitige neue Facetten kombiniert.

Der international verehrte Singer/Songwriter, Instrumentalist und universelle Lebemann von Rio de Janerio, Ed Motta, veröffentlicht 2016 neues Album Perpetual Gateways und somit sein zwölfte Studio Album. Es wurde von keinem geringern als Kamau Kenyatta produziert (Gregory Porters Mentor und Produzenten) und ist eine perfekte Mischung aus Black Jazz und Soul. Ein All-Star Zusammenschluss aus West Coast Instrumentalisten. Unter anderem mit Keyboarder Patrice Rushen, Greg Philinganes, Schlagzeuger Mavin “Smitty” Smith und Flötist Hubert Laws, hauchten Leben in die Tracks von Perpetual Gateways.

Ed Mottas einzigartige Stimme und sein fabelhaftes Songwriting stehen auf “Perpetual Gateways” besonders im Rampenlicht und führen uns durch diese Tour von Groove-Gebirgen über (Verlorene-)Liebe-Balladen und zu energischen und übersprudelnden Jazzstücken. „Der Albumtitel klingt für mich ein wenig nach Science Fiction“, gesteht Ed Motta. „Und das macht Sinn: Ich habe das Gefühl, dass dies mein bisher bestes Album ist und ohnehin ein wahr gewordener Traum. Ich hätte nie gedacht, dass ich ein solches Album mit einer solchen Besetzung aufnehmen würde – und den Prozess auch noch so genießen würde. Ich hoffe nur, dass die Energie und die faszinierende Präsenz dieser Musiker in den Songs dieses Albums für die Zuhörer erkennbar zum Tragen kommen.“

Wenn Österreichs Akkordeonvisionär Otto Lechner auf die finnischen Mundharmonika-Artisten von Sväng trifft, ist überbordende Spielfreude und Lust am musikalischen Experiment  Programm. Die fünf Herrn beherrschen ihre artverwandten Instrumente atemberaubend, verfügen allesamt über schrägen Humor und fordern ihr Publikum gerne auf, die Ohren für noch nicht Gehörtes zu öffnen! Insofern waren gemeinsame Konzerte nur eine Frage der Zeit. Geeignetes Repertoire war in den eigenen Kompositionen schnell gefunden und neben ausgiebigen gemeinsamen Saunabesuchen blieb sogar genügend Zeit für Probenarbeit. Als es im August 2017 beim Alpentöne Festival in der Schweiz zum ersten gemeinsamen Konzert kam war die Begeisterung des Publikums groß. Auch Lechner & Sväng hatten Spaß am gemeinsamen Experiment und kamen überein sich weiterhin auf Konzertbühnen für besondere Momente zu treffen – für verrückte, aber auch berührende, in jedem Falle intensive musikalische Momente.

OTTO LECHNER

Musik ist ein schlechter Trost, aber manchmal der beste, den wir haben", sagt der Akkordeonist Otto Lechner.
1964 in Melk geboren, lebt Lechner seit mehr als 20 Jahren in Wien. Seine Arbeit bewegt sich zwischen Tanz, Theater, Literatur und Jazz.

Ich erblickte am 25. Februar 1964 das Licht der Welt nicht
und habe seither bei Schul- und Dorffesten
in Gast- und Kunsthäusern
im Rahmen von Tauf- und Sterbefeiern
für Schau- und Hörspiele
vor Wein- und Bildhauern
in über- und Attersee
in An- und Straßenbahnzügen
als Ton- und Kleinkünstler
als Kompo- und Pianist
bei Puppen- und Tanztheater
nach Litera- oder Partitur
in Kir- und bei Brötchen
als Urlaubs- oder Ehrengast
musiziert.”
Aus diesem Gewirr von Eindrücken entsteht eine Tonsprache, die von Sentimentalität und deren Anfechtbarkeit handelt.
Er zählt ganz ohne Zweifel zu den bedeutendsten und profiliertesten österreichischen Musikerpersönlichkeiten der Gegenwart, der Akkordeonspieler und Komponist Otto Lechner.  Der 1964 in Melk an der Donau geborene Musiker fühlt sich in den unterschiedlichen musikalischen Welten zu Hause, sei es nun im Wienerlied, in der Weltmusik oder im Jazz. Egal in welcher Formation auch agierend, mit seinem unverwechselbaren, ungemein gefühlvollen und stilistisch extrem vielschichtigen Spiel drückt der heute in Wien lebende und international renommierte Künstler einer jeden Komposition seinen unverkennbaren Stempel auf. 
Otto Lechner wird nachgesagt, dass er zu jenen Musikern zählt, die das Akkordeon hierzulande wieder populär gemacht haben. In einer Zeit, in der die Klänge dieses Instrumentes eher im volkmusikalischen Kontext zur Anwendung gekommen sind, war es unter anderem der gebürtige Melker, der das Akkordeon in andere Musikstile, wie etwa dem Jazz, einführte. Wiewohl, dass er überhaupt Musiker geworden ist, fast an ein Wunder grenzt. Sein Augenlicht verlor Otto Lechner, der das Stiftgymnasium in Melk absolvierte, bereits im Alter von 15 Jahren, was ihn aber nicht daran hinderte, sich weiter musikalisch zu betätigen. Aufgrund seiner autodidaktischen Fähigkeiten erlernte er innerhalb kürzester Zeit verschiedenste Instrumente zu spielen.
Übrigens: seine musikalische Karriere startete Otto Lechner als musikalischer Begleiter des Kabarettisten Josef Hader. In PRIVAT seutze Hader seinem Freund ein kleines Denkmal - indem er auf der Bühne (angeblich) die Zigarette stets auf der Zunge des Blindenhundes seines Freundes und Bühnenpartners ausgemacht hat...

SVÆNG / FINNLAND

SVÄNG fand sich 2003 am Folkdepartment der Sibelius-Akademie. Was als 30-minütige praktische Abschlussarbeit gedacht war, bereitete den Bandmitgliedern Spaß und bald schon war der Entschluss gefasst, dem verkannten Instrument der Mundharmonika zu mehr Ansehen zu verhelfen! Bereits die erste CD, einfach SVÄNG betitelt, erlangte internationale Beachtung, im Jahr 2007 spielte die Band einen offiziellen showcase auf der womex in Sevilla.  In den darauffolgenden Jahren haben die vier charmanten Finnen neue Standards für das Ensemblespiel auf der Mundharmonika gesetzt – und das sowohl im Hinblick auf Repertoire als auch Spieltechnik. Mit einem ebenso anspruchsvollen, wie unterhaltsamen Programm aus Eigenkompositionen überzeugen die Mundharmonika-Visionäre mittlerweile Publikum und Fachwelt rund um den Globus von den unbegrenzten Möglichkeiten dieses kleinen Instruments und sind ein gern gesehener Gast auf Festivals, in Konzerthäusern und Kleinkunstbühnen, im November 2016 tourte Sväng erstmals durch 14 Konzert- und Opernhäuser in China. 

Im Juli 2018 erschien ihre neue, bereits achte CD: "Sväng plays Tango", die sich ausschließlich dem finnischen Tango widmet. Die Bandmitglieder haben eine subjektive Auswahl der in Finnland sehr populären Tangos des 20.Jahrhunderts getroffen, diese ihrer Texte entkleidet und liebevoll neu arrangiert. Nur mit ihren Mundharmonikas vermitteln Sväng die Atmosphäre eines samstäglichen "Lavantassi" (Tanz auf dem Bretterboden) in einem finnischen Tanzsaal. Ergänzt wird das Album durch Tango-Neukompositionen der Bandmitglieder im traditionellen Stil. 
Vom britischen Songlines-Magazin mit dem Attribut des „Mundharmonika-Pendants zum Kronos-Quartet“ geadelt, spielen SVÄNG zeitgenössische Mundharmonikamusik, die derzeit wohl kein zweites Mal in dieser Kompaktheit und Virtuosität zu finden ist. Drei der Bandmitglieder entstammen der renommierten Sibelius Akademie und verkörpern dennoch das hundertprozentige Gegenteil von Akademismus. Und mit Pasi Leino haben SVÄNG einen Vertreter der berühmten finnischen Mundharmonika-Orchester-Tradition in ihren Reihen. Jouko Kyhälä beschreibt die Musik des fulminanten Quartetts folgendermaßen: „Unser Background liegt in der Geschichte. Finnland liegt zwischen Ost und West. Sowohl die melancholischen Russen als auch die fröhlichen Schweden beherrschten phasenweise das Land. Also gibt es beide Seiten in der finnischen Mentalität und auch Musik. In uns ist eine tiefe Liebe zum Moll, zur Schwermut. Aber in uns ist auch viel Lebensfreude.“SVÄNG tourten neben zahlreichen Konzerten in Finnland intensiv durch Frankreich, Großbritannien, Deutschland, Japan, Österreich, Italien und viele weitere Länder. In Jools Holland´s legendärer Silvestershow auf BBC 2 begeisterten Sväng am 31.12.2008 ein Millionenpublikum vor den Bildschirmen.

Wunderbar lakonisch, scheinbar naiv, und doch voll hinterfotzigem Witz“ (Ö1) – In einem Feuerwerk der pointierten Hoffnungslosigkeit gewährt Christoph Fritz Einblicke in seine Lebensgeschichte und Gedankenwelt. Alles begann in einer kleinen ländlichen Gemeinde, in der Veganismus als Einstiegsdroge zur Homosexualität gilt. Seine Kindheit war geprägt von exzessivem Graben und sein Erwachsensein von irgendetwas Anderem. Das seinem Alter hinterher hinkende Gesicht der ständige Begleiter.
Schlussendlich schafft er es sogar, den Bogen soweit in die Gegenwart zu spannen, dass der Pfeil der Wahrheit die Herzen der Zuschauer durchdringt und ihn blutüberströmt auf der Bühne zurücklässt. Oder auch nicht.
Was bleibt ist nichts weiter als die absolute Erkenntnis: Christoph Fritz ist DAS JÜNGSTE GESICHT.

BIOGRAPHIE

Bob Dylan wurde am gleichen Tag geboren wie Christoph Fritz. Aber nicht im selben Jahr.
Im Alter von 21 Jahren wagte sich der unmusikalischere der beiden Zwillinge (Christoph Fritz) zum ersten Mal auf eine Bühne. Einfach so. Ohne Bühnenerfahrung (ausgenommen der misslungenen Kandidatur zum Schulsprecher 2010 und der katastrophalen schauspielerischen Darbietung in der Hauptrolle der Mitternachtseinlage des Maturaballs des Bundesrealgymnasiums Stockerau 2011).
Fanden seine ersten humoristischen Gehversuche noch im Wiener Keller eines australischen Pubs auf Englisch statt, erweiterte er seine Bandbreite bald um die deutsche Muttersprache. Es folgten mehrere Auftritte auf offenen Kabarettbühnen und die Teilnahme an Wettbewerben.
Beim ersten dieser Wettbewerbe, dem Goldenen Neulingsnagel, konnte Fritz die Jury im November 2016 nicht für sich gewinnen; er wurde jedoch Publikumssieger. Manche (er selbst) meinen, das lag vor allem daran, dass er das halbe Publikum persönlich kannte.
Im Zuge des zweiten Wettbewerbs machte er es besser und konnte die begehrte 10. Ennser Kleinkunstkartoffel, die gar nicht wie eine Kartoffel aussieht, im Februar 2017 mit nach Hause nehmen. Und das, obwohl er diesmal niemanden aus dem Publikum kannte.
Das Trauma des dritten, und bislang letzten, Wettbewerbs hat Fritz nahezu unvollständig verarbeitet. Im April 2017 kam er beim 31. Grazer Kleinkunstvogel, dem Rolls Royce unter den hiesigen Nachwuchskabarettpreisen, ins Finale, musste sich dort aber – aus seiner Sicht: leider – geschlagen geben. Immerhin wurde er im Publikumsvoting Zweiter. Die Option einer Gesichtsoperation und des nochmaligen Antritts im darauffolgenden Jahr verwarf Fritz aus diversen Gründen (Kosten).
Über den Umweg dieses dritten und schmerzvollsten Wettbewerbs wurde Fritz Teil des aktuellen Ensembles der Langen Nacht des Kabaretts, mit dem er seit August 2017 auf österreichweiter Tour ist und unzählige (bisher 20) verschiedene Bühnen des Landes mit seiner Präsenz je nach Stimmungslage be- oder entehrt.
Am 30. Jänner 2018 feierte Fritz schließlich die Premiere seines Debütprogramms mit dem Titel „Das Jüngste Gesicht“, wobei das „J“ auch groß zu schreiben ist, was den meisten Veranstaltern aber völlig wurscht ist. Die Premiere glückte wider Erwarten und konnte die Erwartungen erfüllen. Für den Falter bietet er „[…] schwarzen Humor in Perfektion. Ein großartiges Debüt.“ Die Wiener Zeitung sieht „bitterböse Satire mit Babyface-Bonus“. Fritz selbst findet, es handelt sich um sein bislang bestes Debütprogramm.

Am 27. März 2018 trat Fritz in der 2. Staffel des ORF-Stand-up-Formats „Pratersterne“ auf. Obwohl im Fernsehen von einer sechsstelligen Zuschauerzahl gesehen, erkannte ihn bislang nicht eine einzige Person auf der Straße (Stand: 26.10.2018). Aber er übt schon für den Ernstfall.
Christoph Fritz wurde 2018 für sein  Debütprogramm „Das Jüngste Gesicht“,  mit dem Förderpreis des Österreichischen Kabarettpreises ausgezeichnet .

Dank seiner unverwechselbaren Stimme wurde KRS-One zum Sprachrohr der HipHop-Kultur. Der Versuch, in seinen Songs Wissen über politische und soziale Umstände in der Gesellschaft sowie innerhalb der Community zu vermitteln, brachte ihm den Beinamen „The Teacher" ein.
Seit über 30 Jahren tourt KRS-One inzwischen rund um die Welt und repräsentiert nach wie vor den HipHop-Underground vom feinsten. Jeder kennt seine Hits wie »Step Into A World« oder »Sound Of Da Police«, welches auch exemplarisch für sein politisches und gesellschaftskritisches Engagement steht.

SUPPORT: Invasion Sound & friends

3 Jahre nach ihrem hochgelobten Erstlingswerk präsentieren die Tiroler Hip Hop Exportschlager Yo!Zepp, Crisfader und Testa, a.k.a. Von Seiten der Gemeinde, ihr neues Album "State of Gmeind".
Erneut wurden die Archive regionaler TV Sender aus dem Tiroler Oberland nach verwertbaren Sprachsamples durchforstet und mit Mundart Rap, Hip Hop Beats und viel Ironie zu einem einzigartigen Klangbild zusammengefügt.
Die Provinz klang nie urbaner! VSD sind: YO!ZEPP, CHRISFADER, TESTA und MUH an der Tontechnik.