5K HD klingt futuristisch, zerbrechlich, episch, brachial, verspielt, bedrohlich, cineastisch, verzerrt und manchmal auch locker-flockig. Sie vermischen die Rollen der Instrumente; der Bass spielt, was sonst vom Keyboard kommt und Elektronisches mimt die Struktur eines barocken Madrigal. Elemente aus Minimal, Trap und Oper verwandeln sich in komplexe Kompositionen, die so easy klingen, wie futuristischer Jazztrip. Seit ihrem Debüt „And To In A“ werden sie auf Popfestivals als Geheimtipp und bei den Jazzern als virtuose Soundtüftler gefeiert. Mit ihrer neuen Platte „High Performer“ machen 5K HD wieder halt im Treibhaus .

Mira Lu Kovacs - Vocals
Martin Eberle - Trumpets
Benny Omerzell - Keys
Manu Mayr - Basses
Lukas König - Drums

so ein bissl ein hund ist er ja schon, der koschuh: schon fast genüsslich legt er die finger auf die wunden des landes - manchen will das nicht so ganz passen. übers ziel hinausschießen tun die einen dann aber doch mit ihrer kritik an seinen programmen - nicht nur die schützen: das kritisieren geht so weit, dass man seine auftritte cancelt, weil "Beim Land werden sie keine Freude haben, wenn bei uns jemand auftritt, der scharf gegen die Regierung schießt" bürgermeisterlicher originalton aus der weils-wurscht-ist-weißwurschtmetropole Going am gar Wilden Kaiser).
​Die logische Konsequenz aus seinen bisherigen Erfahrungen gegen die sich falsch verstehenden politischen Widerstandskämpfer: Ein ganzes Programm über die (politischen) Zuständ'. Als Begründung bedient sich der freche Hund auch noch eines Zitates eines ehemaligen Nationalratspräsidenten: "Ich mag die Leut, ich mag das Land". Und dann auch noch ein "Blut-und-Boden"-Programmtitel: "Hoamatl". Das kann nur ein lachhaftes Sittenbild herrschender Zustände und zuständiger Herrschender werden - mit gewohnt Koschuhschem-schelmischem Biss ...

In seinem neuen Kabarettprogramm zeichnet Markus Koschuh ein gleichermaßen irrwitziges wie schonungsloses Sittenbild: Von Verbandelten&Verbandlern, Mitmachern&Profiteuren, Mitwissern&Wegschauern in der stets so idyllisch präsentierten rot-weiß-roten Alpenrepublik.
Wer sind sie, denen wir das Führen überlassen? Wie ticken rot-weiß-rote Volksvertreter oder besser: Wie müssen sie ticken? Warum verändert die Politik selbst jene, die in die Politik gehen, um sie zu verändern? Und wie kommt es, dass dem Durchschnittsösterreicher auch der größte Skandal nach kurzer Zeit schon wieder am Allerwertesten vorbeigeht?
Eventuell auftretende Zufälligkeiten oder Ähnlichkeiten zu aktuellen Ereignissen oder lebenden Personen sind rein zufällige Ähnlichkeiten und zwar beabsichtigt, jedoch natürlich frei erfunden … 

In seinem neuen Kabarettprogramm zeichnet Markus Koschuh ein gleichermaßen irrwitziges wie schonungsloses Sittenbild: Von Verbandelten&Verbandlern, Mitmachern&Profiteuren, Mitwissern&Wegschauern in der stets so idyllisch präsentierten rot-weiß-roten Alpenrepublik.
Wer sind sie, denen wir das Führen überlassen? Wie ticken rot-weiß-rote Volksvertreter oder besser: Wie müssen sie ticken? Warum verändert die Politik selbst jene, die in die Politik gehen, um sie zu verändern? Und wie kommt es, dass dem Durchschnittsösterreicher auch der größte Skandal nach kurzer Zeit schon wieder am Allerwertesten vorbeigeht?
Eventuell auftretende Zufälligkeiten oder Ähnlichkeiten zu aktuellen Ereignissen oder lebenden Personen sind rein zufällige Ähnlichkeiten und zwar beabsichtigt, jedoch natürlich frei erfunden … Foto Birgit Pichler
Regie: Verena Schopper

MARKUS KOSCHUH

Markus Koschuh, geboren 1977, lebt als Kabarettist, Poetry Slammer, Moderator und Schriftsteller in Innsbruck und wirkt und werkt im gesamten deutschen Sprachraum. Der zweifache Österreichische Poetry-Slam-Meister und Vizeeuropameister im Poetry Slam zeigt sich gerne schonungslos kritisch, wie etwa im Programm „Agrargemein“ (2012) oder in seinem letzten Tourismusprogramm „Hochsaison. Der Letzte macht das Licht aus“.

Poetry Slam ist meine Leidenschaft. Dem Kabarett gilt meine Liebe. 
Nach Jahren des Herumreisens in Deutschland, der Schweiz, Österreich und Südtirol mitsamt dem Kennenlernen vieler neuer FreundInnen war klar: Die vielen Poetry-Slam-5-Minuten-Auftritte sind nicht mehr genug. Erste Kabarettversuche starteten.

2010 fand die Österreichische Poetry Slam Meiserschaft in Bozen in Südtirol statt. Richtig gelesen: Südtirol. Denn die Welt des Poetry Slams ist erstens grenzenlos und zweitens sind auch Sprachgrenzen dazu da, ausgedehnt und überschritten zu werden.

Letzten Endes ging ich als Sieger hervor, wurde auch gleich für die Europäische Poetry Slam Meisterschaft nominiert und wurde wenig später im französischen Reims Vize-Europameister im Poetry Slam.
2011 gelang mir die Verteidigung des Österreichischen Poetry Slam Titels – im „Spielboden“ in Dornbirn. Und so darf ich mich seit damals einziger) zweifacher Ö-Slam-Sieger nennen. Etwas, das neben den richtigen Texten auch eine große Portion Glück braucht. 

2012 schließlich gelingt mit dem Kabarettprogramm „Agrargemein“ ein Aufreger im idyllischen Tirol. Das Bergvolk wandert plötzlich in Scharen in die diversen Veranstaltungszentren, um politisches Kabarett anzuschauen. 
Begeisterung auf der einen Seite, Widerstand bis hin zu Morddrohungen auf der anderen Seite. Agrargemein ist das bisher erfolgreichste Kabarettprogramm Tirols und Treibhaus-Intendant Norbert Pleifer erhob Agrargemein sogar zur „besten Tiroler Kabarettproduktion seit Otto Grünmandl“. Grünmandl ist immerhin 2-facher Träger des Deutschen Kleinkunstpreises und in der deutschsprachigen Kabarettszene eine historische Fixgröße. Dieses Lob von berufener Stelle saß, sitzt und ist Motivation.

Wie nebenbei gründete ich mit Stefan Abermann, Martin Fritz und Robert Prosser 2007 die Lesebühne „Text ohne Reiter“, schrieb seit 2009 jährlich ein Jahresrückblicks-Programm (Jahrmarkt der Heiterkeiten), brachte 2012 im Haymon-Verlag eine Auswahl meiner bisherigen Poetry-Slam-Texte heraus („Voulez-vous KOSCHUH avec moi?“), brachte punktgenau in den Tiroler Landtagswahlkampf 2013 ein eigenes Programm auf die Bühne (Landtagsmahl), war Talkgast bei „Im Zentrum“ im ORF, schrieb Kommentare und Analysen für diverse Medien, absolvierte viele Benefizauftritte (zusammen Ton-/Lichttechniker Tom Neumayr sowie Yvonne Kathrein, Musik – danke nochmals, ihr seid super!), engagierte mich kommunal- und gesellschaftspolitisch (meistens erfolglos, aber tun musste ich es trotzdem), bekam die Chance, erste Schauspiel-Erfahrung zu sammeln (Projekttheater Hall, Staatstheater), hatte unglaublich tolle Auftritte in kleinen Bars, tollen Veranstaltungszentren, im Opernhaus Hannover, dem Burgtheater und und und.

Das darauf folgende Programm „Hypoventilieren“ sollte nur ein Zwischenprogramm auf dem Weg zu einem gänzlich anderen Programm sein. Eine Sitzung des Tiroler Landtags Ende März 2015 war der Auslöser, Anfang Juni 2015 war bereits Premiere.

Im Landtag hatten die Abgeordneten gerade einmal 1 Stunde zu bis zu 160 Millionen Hypo-Tirol-Millionen Verlust im Zuge des Hypo-Alpe-Adria-Skandals reden dürfen. Stutzig geworden förderte eine erste Recherche ein eigenes Tiroler Hypo-Desaster zu Tage: Nicht 160 Millionen Euro sondern mindestens 500 Millionen Euro waren in den Sand gesetzt worden. Steuergeld, wohlgemerkt. Millionenschweres Potenzial für ein kabarettistisches „Doku-Drama des Grauens“ (© Tiroler Tageszeitung). Quasi als „Vehikel“ für das sonst sperrige Thema fungierte eine Zwischenbilanz der erstmaligen Tiroler Landeskoalition zwischen ÖVP und Grünen. Und wieder: Und wieder: Überschwängliche Kritiken und wieder strömt das Publikum in Scharen. 

2015 ruft zwischenzeitlich die Theaterbühne. Zusammmen mit dem Staatstheater entwickle ich unter der Regie von Ute Heidorn ein Stück zu Ehren des einzigen Tiroler Kabarettisten, der zwei Mal mit dem Deutschen Kleinkunstpreis ausgezeichnet wurde: Otto Grünmandl. Nach Wochen im Nachlass des großen Tirolers, der 2000 verstorben war, hatte 2015 "Lachen im Alpenländischen Raum" Premiere. Es war ein besonderes Erlebnis, (sehr schwierige!) Grünmandl-Texte auf die Bühne zu bringen. Ein Dank gebührt Treibhaus-Intendant Norbert Pleifer für die Grundidee. Dass wir mit unserer Hommage Richtiges tun sollte zwei Jahre später Andreas Vitasek zeigen, der Otto Grünmandl in einem eigenen Programm ebenso ein Denkmal setzte. 2016 entsteht schließlich mein erstes ausgewiesenes Österreich-Programm. Kellertheater-Intendant Manfred Schil fragte mich, ob ich angeleht an den großen Helmut Qualtinger und seinen legendären "Der Herr Karl" eine neue Betrachtung der rot-weiß-roten Seele schreiben und spielen wolle. Im gleichen Bühnenbild wie der Herr Karl. Spannend! Und "AUTsch" Österreich dreht auf" war geboren und erntete wiederum Begeisterung. Kabarettisch thematisch eigentlich auf Tirol fokussiert, wird mit "AUTsch! Österreich dreht auf" ab Herbst 2017 auf Tour gegangen. Überschneidend feiert am 13. September im Innsbrucker Treibhaus die Premiere eines neuen, ausgewiesenen Tirol-Programms. Und natürlich gab und gibt es jedes Jahr seit 2009 einen wundervollen Jahresrückblick, genannt "Jahrmarkt der Heiterkeiten". 2016 erstmals an 8 Terminen mit der wunderbaren Juliana Haider, die für dieses jährliche Programm schlicht nicht mehr wegzudenken ist. So oft es geht, nehme ich weiterhin an Poetry Slams teil. 

„Eine echte Entdeckung“ – jubelte der Münchner Merkur 2015. Und nahm damit vorweg, was heute jedem Kenner der Szene klar ist. Der Oberösterreicher Stefan Leonhardsberger und sein Augsburger Haberer Martin Schmid erobern mit ihrem Musikkabarett nicht nur die Kritiker, sondern auch die Herzen des Publikums im Sturm. Ob als Einheizer von WANDA, auf der renommierten Bühne des Deutschen Theaters München oder bei Auftritten in ARD und BR – DA BILLI JEAN hält sein Publikum mit Dialektadaptionen großer Hits auf der Sesselkante.

Gemeinsam mit ihrem Co-Autor Paul Klambauer veredeln Leonhardsberger und Schmid dafür weltbekannte Melodien zu tragikomischen Einaktern in Popsong-Länge. So entführen sie ihr Publikum zu den Klängen von David Bowies „Space Oddity“ an Bord einer österreichischen Raumfahrtmission, die an frühpensioniertem Bodenpersonal zu scheitern droht. In der Adaption des S.T.S.-Klassikers „Irgendwann bleib i dann dort“ schmiedet ein frustrierter Grieche Auswanderungspläne. Und Tina Turners „Private Dancer“ gerät zu einer Hymne auf alle schüchternen Männer, die sich am Rand der Tanzfläche Mut antrinken. Das Rätsel um die Vaterschaft des kleinen Billi Jean bildet den dramaturgischen Rahmen, der die zahlreichen Figuren und Schauplätze dieses Abends zusammenhält.

Mit kraftvoller Stimme und außergewöhnlicher Bühnenpräsenz erweckt Stefan Leonhardsberger die Helden seiner Songs zum Leben. Seine Leidenschaft fürs Geschichtenerzählen zeigt sich auch in den Moderationen des ausgebildeten Schauspielers, der mit viel Charme und Spontanität durch den Abend führt. Perfekt ergänzt wird er dabei durch seinen Bühnenpartner Martin Schmid. Der Augsburger Profimusiker setzt nicht nur musikalisch auf Reduktion, wenn er mit seinen Gitarrenarrangements den heißen Kern der Popmusik freilegt. Als ruhender Gegenpol zu Leonhardsbergers quirliger Performance gelingt es ihm, mit minimalistischer Mimik und sparsamen Wortspenden zu unterhalten.

Schlagzeug, Gitarre, Vibraphon und Bass genügen HI5, um Genregrenzen beiläufig, spielerisch und kreativ niederzureißen. Eine „Jazz-Band“, die viel Zeit im Proberaum verbringt um ihre ausgefeilten Arrangements auszutüfteln, nur um dann bei Live-Konzerten damit zu überraschen, dass man sich immer wieder frei spielt und sich eine Leichtigkeit bewahrt, die nichts von der harten Arbeit dahinter erkennen lässt: So etwas hört man nicht alle Tage. Das Zuhören ist hier zugleich Vergnügen und Abenteuer.
Was man zu hören bekommt, ist wahrlich nicht alltäglich oder gar trivial. Die Band selbst beschreibt ihre Musik mit den Begriffen „Minimal Jazz Chamber Music“ und eröffnet damit eine ganze Fülle von spielerischen und intellektuellen Möglichkeitsräumen.
Mit den Mitteln und Möglichkeiten des Jazz, der Musik die notwendige Freiheit zu lassen, sich Material auf freigeistige Weise zu erarbeiten und es auch, wenn nötig, sein und mäandern zu lassen, ergibt sich eine außergewöhnliche konzeptionelle Brücke hin zur „Kammermusik“. Diese legt hier eine Fährte in Richtung Vertracktheit, kompositorischer Raffinesse und Komplexität. Minimal ist diese Musik dabei nicht wirklich, doch sie insistiert, beharrt und lässt an manchen Punkten Repetition zu. Die Musik von HI5 ist dabei nicht ausufernd, sondern logisch und konsequent in Entwicklung und Aufbau – voller gelungener Spiel- und Denkleistungen.
Diese singuläre Verbindung von diesen sich ansonsten meist abstoßenden Polen sorgt für Begeisterungsstürme, welche von Preisen begleitet werden, wie z.B. dem Joe Zawinul Preis 2012, den 1. Platz bei der Bucharest International Jazz Competition 2013 und den Jimmy Woode European Jazz Award 2013.

Chris Norz :: Drums
Philipp Ossanna :: Gitarre
Matthias Legner :: Vibraphon
Clemens Rofner :: Bass

Die Band über sich selbst:

„Pulsierende Grooves stehen in deren Kompositionen ebenso im Mittelpunkt wie meditative Klangbilder und halsbrecherische Improvisationen. Komplexe Strukturen treffen auf eingängige Melodien, Minimal-Music-Elemente auf Jazz und Rock, Bezüge zur Tradition stehen der Suche nach neuen Klängen gegenüber. Häufig setzen sich die Stücke dieser Band aus eigenständigen Teilen zusammen und erzählen dabei kleine Geschichten ohne Worte, die zu einer großen Erzählung zusammenfließen. Mit dem zweiten Album ‚Tangled Simplicity’ beweisen die vier Tiroler, dass auch Instrumentalmusik unter die Haut gehen kann.
Die Addition von technischer Versiertheit und dem perfekten gegenseitigen Verständnis der vier jungen Musiker erzeugen einen erfrischenden und absolut mitreißenden Bandsound. Das Quartett lässt die großen musikalischen Parameter Melodie, Harmonie und Rhythmus in mal lyrischen, mal wuchtigen, teils verwunschenen, manchmal hymnischen Stücken ineinander aufgehen und performt diese mit unglaublicher Dynamik.
Der sanfte Wechsel von Entspannung und Erregung, Komplexität und Einfachheit ist es, der die Musik auszeichnet.“

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DER 5/4-TAKT STAND NAMENSPATE

Ein breites Spektrum musikalischer Einflüsse und die Auseinandersetzung mit verschiedenen Stilen und Konzepten liegen ihren Stücken zugrunde und verbinden sich zu einem vielschichtigen Amalgam. So finden sich bei HI5 unter anderem poppige Melodielinien, Inspirationen aus dem Rock, aber auch treibende Dance-Beats. Nicht zuletzt unter Hinzunahme elektronischer Instrumente, Effekte und Klangverfremdungen entfaltet und erweitert die Band ihre Klangvorstellungen, wobei bereits auch der programmatische Titel des 2014 veröffentlichten Albums „Attack Decay Sustain Release“ (Sessionwork Records) – ein Verweis auf unter anderem im Umgang mit Synthesizern geläufige Begriffe zur Beschreibung von Hüllkurven – dieses Interessengebiet preisgibt. Dass das Spiel mit Ansätzen der Minimal Music – ausgehend vom Schaffen und Wirken von Steve Reich, Terry Riley und anderen – nicht nur beispielsweise in der elektronischen Tanzmusik, sondern auch bei HI5 anzutreffen ist, tritt durch die Verwendung und Überlagerung von repetitiven Klängen und Motiven einerseits musikalisch in Erscheinung und stellt andererseits, verewigt im Credo der Band „Minimal Jazz Chamber Music“, sogar einen konzeptionellen Grundpfeiler des Quartetts dar. Dabei hat sich die Gruppe ausgehend von ihren Wurzeln im Jazz im Lauf ihrer Entwicklung zunehmend auf die Kreierung und Ausarbeitung musikalischer Abläufe und Strukturen fokussiert: Weniger das auf spontaner Interaktion basierende, improvisatorische Ergründen von Freiräumen, sondern das ineinandergreifende, sich zu einem stimmigen Gesamtsound mit entsprechendem rhythmischen Drive vereinende Spiel der einzelnen Instrumente steht im Mittelpunkt. Wenngleich sich die strukturelle Konzeption der Stücke bisweilen dem Pop zuneige, käme vor diesem Hintergrund auch das genannte Schlagwort Chamber zum Tragen, indem jedes Bandmitglied – wie bei einem kammermusikalischen Ensemble – seine unverzichtbare Rolle und Funktion einnehme und präzise abgestimmt in Lautstärke und Klang gemeinsam mit den anderen Stimmen den musikalischen Gesamteindruck erzeuge, erklärt Clemens Rofner. Was daraus entsteht, sind Songs, die leicht ins Ohr gehen und auch mal bis in die Fußspitzen vordringen können. Oder wie HI5 ihre Musik selbst beschreiben: „Komplexe Strukturen treffen auf eingängige Melodien, Minimal-Music-Elemente auf Jazz und Rock, Bezüge zur Tradition stehen der Suche nach neuen Klängen gegenüber.“ Hier kommt wahrlich einiges zusammen. Visuell begleitet wird dieses musikalische Feuerwerk durch den ein oder anderen Lichtblitz, der von der zum festen Inventar der Band zählenden Glühbirne dramaturgisch einleuchtend von der Bühne in den Zuschauerraum geworfen wird.
mica - Martin Schütz

Schon von Kindheit an, als Andrew Roachford im Alter von vier Jahren an einem Klavier saß, war Musik seine Art, die Welt zu verstehen und durch sie sich auszudrücken. Geprägt von der Schmelztiegelkultur in seiner Hood in London sog Andrew die verschiedenen musikalische Einflüsse von Reggae und Punk bis hin zu Rock, Jazz und Soulmusik wie ein Schwamm auf. „Ich habe schon sehr früh die Musik von Leuten wie Stevie Wonder, Al Green und Jimi Hendrix gehört und fühlte mich, als würde ich mich auf eine musikalische Abstammung einlassen. Ich fühlte eine Verbindung zu diesen Künstlern als Menschen, und die Art und Weise, wie sie über die Liebe singen, hat mich nachhaltig eingeprägt“. Andrews Markenzeichen und große Fähigkeit ist es, Gefühle, von denen viele nicht einmal wussten, dass sie sie haben, in Worte fassen zu können. „Das ist einer der Gründe, warum ich Musik mache. Um Dinge ans Licht zu bringen, die die Leute fühlen, aber nicht immer eine Stimme haben um es auch ausdrücken zu können. Ich hole deren Inners nach außen. Hymnen wie „Only To Be With You“ oder „The Way I Feel“ und um nur einige zu nennen, beweisen das. Einige der meistverkauften internationalen Dance-Tracks, Co-Songwriting und Touring mit Mike and the Mechanics, platin- und goldveredelte Alben und unzählige ausverkaufte Konzerte in seiner über 20-jährigen Karriere, die 1988 mit seinem Hit „Cuddly Toy“ begann, belegen Roachfords einzigartiges Talent. Alte und neue Songs aus seinem kommenden Album sind Garant für ein großartiges Konzerterlebnis!

Warum macht ein Farbiger weiße Rock-Musik? Bei dieser Frage sieht Andrew Roachford rot. Seit seinem gleichnamigen 1988er-Debüt zählt der Sohn westindischer Eltern zu den profiliertesten englischen R'n'B-Musikern. Groß geworden mit Curtis Mayfield, Al Green und Free interessiert er sich für Soul, Reggae und Jazz, aber auch Klassik, Folk und Rock.
Denn wer seine Ohren offen hält, den bewahrt die kulturelle Vielfalt Londons vor musikalischer Engstirnigkeit. Bei Roachford kommt klassisch-erdiger Pop-Rock mit viel ehrlichem Soul heraus. Aufgewachsen in einer Musikerfamilie datiert er den Beginn seiner Karriere auf das Jahr 1974. Als kleiner Junge fängt er eines Nachts an, das elterliche Klavier zu bearbeiten. Mit 14 Jahren steht er zum ersten Mal auf den Bretten, die soviel bedeuten, und begleitet seinen Onkel Bill Roachford, einen bekannten Jazz-Saxophonisten.
Der Verwandte wird zum Lehrmeister und bringt ihm das professionelle Musikgeschäft nah. 1986 gründet er in London seine Band Roachford und veröffentlicht im Alter von 18 Jahren ein pulsierendes Gold-Debüt mit dem Uptempo-Hit "Cuddly Toy". Auch alle anderen Alben des Songwriters, Sängers und Gitarristen, den Terence Trent D'Arby entdeckt haben soll, holen in Britannien Edel-Metall. Der Soul-Rocker verkauft hier für Columbia die meisten Platten und gehört zu den meist gespielten Künstlern im Radio. Für Columbia ist Roachford auch der erste Musiker, der einen Vertrag über sieben Alben erhält. Gefühle und zwischenmenschliche Beziehungen sind seine großen Themen und Roachford greift mit zeitlosen und warmen Love-Songs nach des Hörers Herz.

Auch Michael Jackson und später Chaka Khan werden auf seine Songwriter-Qualitäten aufmerksam. Die Rolling Stones, U2 und Oasis gehören ebenfalls zu seinen Fans. Dennoch bleibt dem "Wunderkind" der Sprung auf die ersten Bühnen der Welt verwehrt. Vielleicht weil sein Handwerk zu filigran und zu ehrlich für die nach Glamour lechzende Pop-Welt ist. Live zeigt Roachford mit seiner Band und schnörkellosen Sound aber, wer der Chef im Soul-Rock-Ring ist. In elegantem Outfit, optisch an die Soul-Größen der Sechziger erinnernd, bringt der charismatische Sänger die Menge zum Grooven und Träumen.
Trotzdem bleibt der Hobbyastrologe, Tennis- und Badmintonspieler in Europa ein Insider-Tipp. Auch in den Staaten kennt ihn fast niemand. Der Individualist scheint zu sperrig für die Schubladen der Pop-Industrie. Nu Funk-Erfinder Prince müsste eigentlich sein natürlicher Verbündeter sein. Doch der, so Roachford, sieht ihn nur als Rivalen. Eine Best Of und zwei Studioalben ("From Now No" und "Heart Of Matter", das sich verstärkt Klavier, Soul und R'n'B zuwendet) später trifft der Soul-Musikant auf Produzent Mousse T., den Roachfords Soul-Rock-Essenz begeistert. Im Laufe der Zusammenarbeit nimmt Peppermint Jam den Musiker unter Vertrag - die Platte kommt 2005: "Word Of Mouth".
In der Folge tritt Andrew eher als einer der beiden Sänger von Mike & The Mechanics (samt der Platte "The Road", 2011) denn als Soloartist vor ein größeres Publikum - er wird 2010 Paul Carracks Nachfolger am Mic. Gleichwohl erscheinen 2011 gleich - sage und schreibe - drei weitere Soloplatten: Zu dem neuen Silberling "Addictive" kommen zwei Livescheiben.

Vital, neugierig und progressiv setzt die französische Szene wichtige Wegmarken für die Entwicklung des zeitgenössischen europäischen Jazz. Trotz aller Offenheit gegenüber Musikkulturen, Genres und Strömungen hat sie aber nie die Bodenhaftung verloren. Fortschritt auf den Füßen der eigenen Tradition charakterisiert Frankreichs Jazz und der Saxofonist Emile Parisien ist einer seiner Protagonisten: Ein Jazzvisionär, der mit einem Bein in der Vergangenheit steht und den Blick weit nach vorne richtet. Das macht ihn zur „besten Neuigkeit des europäischen Jazz seit langem“ (Le Monde), dem „ungeteilte Aufmerksamkeit“ (Norddeutscher Rundfunk) geschenkt werden sollte.
Parisiens musikalische Koordinaten sind weit abgesteckt, von der folkloristischen Tradition seiner Heimat führen sie über die Kompositionsstrategien der neuen Musik zur melodischen und harmonischen Abstraktion des freien Jazz. Die besondere Qualität dieses weiten musikalischen Feldes liegt in der Selbstverständlichkeit, mit der es ausgelotet wird. Nichts wirkt bei Parisien kalkuliert oder gezwungen. Stattdessen fließen in seine Musik ganz unangestrengt, leichthändig und ohne konzeptionelle Absicherung die Genremerkmale ineinander. Das Ergebnis klingt furios und ist ein großer Hörspaß in vielen Facetten: von provokativ-anarchisch bis mitreißend-swingend.

EMILE PARISIEN QUARTET // DOUBLE SCREENING // ACT

Emile Parisien / soprano & tenor sax
Julien Touéry / piano
Ivan Gélugne / bass
Julien Loutelier / drums

Kaum ein Jazzmusiker bekommt derzeit in Europa so viel positive Resonanz wie der französische Sopransaxofonist Emile Parisien. Sein 2018 erschienener Konzertmitschnitt „Sfumato live in Marciac“ (CD und DVD) mit Joachim Kühn am Klavier sowie den Gästen Michel Portal, Vincent Peirani und Wynton Marsalis erntete Begeisterungsstürme: „Eine markante Stimme im zeitgenössischen Jazz“ nannte die ARD Parisien treffend. Arte Metropolis hört einen „Zauberer am Saxofon“, die britische Times „Europas führenden Sopransaxofonisten“ und für den Spiegel ist es ein „Vergnügen, Emile Parisien bei seiner großen Kunst zuzusehen.“ Der amerikanische Downbeat hielt es sogar für eine Untertreibung, Parisien auf den europäischen Jazz einzugrenzen, der Rolling Stone bescheinigte ihm, nicht nur der vielleicht beste Saxofonist seiner Generation zu sein, sondern auch eine der aktuell beeindruckendsten Bands zu leiten. Und immer so fort…
Es dürfte also nicht zu hoch gegriffen sein, Parisien als für sein Instrument stilbildenden Künstler zu bezeichnen: Seit Sidney Bechet, John Coltrane und Steve Lacy hat sich keiner mehr so innovativ und konsequent dem Sopransaxofon gewidmet. Keiner hat seither den vibratoreichen, schneidenden, exotischen Ton des Instruments mit derartiger Leichtigkeit vitalisiert, neu kalibriert und ins Zentrum neuer Konzepte gestellt.
Parisiens neues, wieder im ursprünglichen Quartettformat aufgenommenes Album „Double Screening“ bündelt alle Qualitäten dieses Ausnahmemusikers. Unnachahmlich, wie Parisien hier den Jazz durchleuchtet: Er hinterfragt und erweitert, findet neue Antworten. Altes wird neu definiert und Visionäres lustvoll produziert.
Darüber hinaus integriert Parisien auch Elemente seiner Heimat, kreiert einen furiosen Mix aus Chanson, zeitgenössischer ernster Musik, französischer und nordafrikanischer Folklore. Sein Spiel strahlt von improvisatorischer Dynamik und Originalität.

Wenn es den Willi nicht schon längst gäbe, müsste man ihn glatt erfinden. Als Vertrauenswürdenträger Wiens, als Vertreter für Haltung und Unterhaltung. Aber wer die Chance hatte, diesen Fachmann für Witz und Wärme, für Soul und Seelenruhe mit seiner einfallsreichen Band in letzter Zeit auf einer Bühne zu erleben, war schlicht und ergreifend berührt von der Kunst, den „Stubnblues“ im Augenblick anheimelnd leuchten zu lassen: „Es gibt nix Bessers ois wos Guads!“, weiß der Altmeister. 
Lässig und locker tönt der Sound, manchmal artgerecht hinter Rotweinflaschen und rotweiß-karierter Tischdecke kredenzt, mit herrlichem Weitblick auf die Hausberge der Poeten.  Wenn Resetarits erzählt, schwingt im Charme der Kalorienreichtum einer ganzen Hofkonditorei mit, wenn er schwadroniert und singt in unrasierter Entspanntheit, wärmt die einhüllende Melancholie eines Mannes, der an der Liebe und am Lachen hängt. 

i mecht no so vü zeit habm
und no so vü verstehn,
mecht alles, nur kan neid habm,
sollt’s oamoi nima gehn.
i mecht no so vü gspür habm
und mecht no so vü gebm, 
ich mecht di ganz bei mir habm
so eng ois wia mei lebm.

Willi Resetarits + Stubnblues Allstars

Willi Resetarits - Gesang, Mundharmonika & Gschichtln
Stefan Schubert - Gitarren & Gesang
Klaus Kircher - Stehbass & Gesang
Peter Angerer - Schlag - und Schüttelinstrumente & Gesang
Christian Wegscheider - Quetschn, Tasten & Gesang
Chris Haitzmann - Trompete
Herbert Berger - Saxophon 

Der Stubenblues.
Es ist schon ein klein wenig zum Thema geschrieben worden, aber das Meiste entstammt mündlicher Überlieferung.
Die Menschen sagen: i hea ma in stumblus au.
Das kann vielleicht nicht jede/r lesen, ohne zumindest kurz gedanklich und sinnsuchend zu verweilen, jedoch die H.C. Artmann-geschulten Menschen schreiben und lesen mündlich Überliefertes derartig. Die Spezialisten träumen sogar in diesem Duktus.
wos spüd a deamoi, da stumblus?
wos soi a spün? de neiche cedee hoid. da stumblus spüd an stumblus.
Hört sich schön an. Es fliesst und ist inhaltlich korrekt. Aber das Leben gibt uns Möglichkeiten. Wir dürfen wählen.
Es darf also auch so gesprochen werden: de stumblus spün in stumblus.
DIE Stubnblues spielen den Stubnblues. Sie sind nämlich nicht einer alleine, sie sind zu fünft. Manchmal sind sie auch sieben. Oder noch mehr. DER Stubnblues als solcher ist also einerseits die Gesamtheit der beteiligten Musikanten, als auch das was sie spielen. Der und die Stubnblues ist und sind Schöpfer und Schöpfung zugleich.
Obacht: Die Stubnblues spielen vielleicht auch einmal einen Blues, aber eigentlich nicht sehr oft. Der Blues steht also „pars pro toto“. Er ist eine mögliche Spielart, auf die wir gar nicht näher eingehen wollen, weil der Blues hier für Musik steht, die nicht ohne Herz auskommt, sondern vielmehr selbigem entspringt. Über den Blues ist sowieso schon soviel gesagt und geschrieben worden. Also soll die Stube beleuchtet werden, damit sie nicht ganz im Dunklen bleibt. Damit wir sehen können, wer da ist.

so ein bissl ein hund ist er ja schon, der koschuh: schon fast genüsslich legt er die finger auf die wunden des landes - manchen will das nicht so ganz passen. übers ziel hinausschießen tun die einen dann aber doch mit ihrer kritik an seinen programmen - nicht nur die schützen: das kritisieren geht so weit, dass man seine auftritte cancelt, weil "Beim Land werden sie keine Freude haben, wenn bei uns jemand auftritt, der scharf gegen die Regierung schießt" bürgermeisterlicher originalton aus der weils-wurscht-ist-weißwurschtmetropole Going am gar Wilden Kaiser).
​Die logische Konsequenz aus seinen bisherigen Erfahrungen gegen die sich falsch verstehenden politischen Widerstandskämpfer: Ein ganzes Programm über die (politischen) Zuständ'. Als Begründung bedient sich der freche Hund auch noch eines Zitates eines ehemaligen Nationalratspräsidenten: "Ich mag die Leut, ich mag das Land". Und dann auch noch ein "Blut-und-Boden"-Programmtitel: "Hoamatl". Das kann nur ein lachhaftes Sittenbild herrschender Zustände und zuständiger Herrschender werden - mit gewohnt Koschuhschem-schelmischem Biss ...

In seinem neuen Kabarettprogramm zeichnet Markus Koschuh ein gleichermaßen irrwitziges wie schonungsloses Sittenbild: Von Verbandelten&Verbandlern, Mitmachern&Profiteuren, Mitwissern&Wegschauern in der stets so idyllisch präsentierten rot-weiß-roten Alpenrepublik.
Wer sind sie, denen wir das Führen überlassen? Wie ticken rot-weiß-rote Volksvertreter oder besser: Wie müssen sie ticken? Warum verändert die Politik selbst jene, die in die Politik gehen, um sie zu verändern? Und wie kommt es, dass dem Durchschnittsösterreicher auch der größte Skandal nach kurzer Zeit schon wieder am Allerwertesten vorbeigeht?
Eventuell auftretende Zufälligkeiten oder Ähnlichkeiten zu aktuellen Ereignissen oder lebenden Personen sind rein zufällige Ähnlichkeiten und zwar beabsichtigt, jedoch natürlich frei erfunden … 

In seinem neuen Kabarettprogramm zeichnet Markus Koschuh ein gleichermaßen irrwitziges wie schonungsloses Sittenbild: Von Verbandelten&Verbandlern, Mitmachern&Profiteuren, Mitwissern&Wegschauern in der stets so idyllisch präsentierten rot-weiß-roten Alpenrepublik.
Wer sind sie, denen wir das Führen überlassen? Wie ticken rot-weiß-rote Volksvertreter oder besser: Wie müssen sie ticken? Warum verändert die Politik selbst jene, die in die Politik gehen, um sie zu verändern? Und wie kommt es, dass dem Durchschnittsösterreicher auch der größte Skandal nach kurzer Zeit schon wieder am Allerwertesten vorbeigeht?
Eventuell auftretende Zufälligkeiten oder Ähnlichkeiten zu aktuellen Ereignissen oder lebenden Personen sind rein zufällige Ähnlichkeiten und zwar beabsichtigt, jedoch natürlich frei erfunden … Foto Birgit Pichler
Regie: Verena Schopper

MARKUS KOSCHUH

Markus Koschuh, geboren 1977, lebt als Kabarettist, Poetry Slammer, Moderator und Schriftsteller in Innsbruck und wirkt und werkt im gesamten deutschen Sprachraum. Der zweifache Österreichische Poetry-Slam-Meister und Vizeeuropameister im Poetry Slam zeigt sich gerne schonungslos kritisch, wie etwa im Programm „Agrargemein“ (2012) oder in seinem letzten Tourismusprogramm „Hochsaison. Der Letzte macht das Licht aus“.

Poetry Slam ist meine Leidenschaft. Dem Kabarett gilt meine Liebe. 
Nach Jahren des Herumreisens in Deutschland, der Schweiz, Österreich und Südtirol mitsamt dem Kennenlernen vieler neuer FreundInnen war klar: Die vielen Poetry-Slam-5-Minuten-Auftritte sind nicht mehr genug. Erste Kabarettversuche starteten.

2010 fand die Österreichische Poetry Slam Meiserschaft in Bozen in Südtirol statt. Richtig gelesen: Südtirol. Denn die Welt des Poetry Slams ist erstens grenzenlos und zweitens sind auch Sprachgrenzen dazu da, ausgedehnt und überschritten zu werden.

Letzten Endes ging ich als Sieger hervor, wurde auch gleich für die Europäische Poetry Slam Meisterschaft nominiert und wurde wenig später im französischen Reims Vize-Europameister im Poetry Slam.
2011 gelang mir die Verteidigung des Österreichischen Poetry Slam Titels – im „Spielboden“ in Dornbirn. Und so darf ich mich seit damals einziger) zweifacher Ö-Slam-Sieger nennen. Etwas, das neben den richtigen Texten auch eine große Portion Glück braucht. 

2012 schließlich gelingt mit dem Kabarettprogramm „Agrargemein“ ein Aufreger im idyllischen Tirol. Das Bergvolk wandert plötzlich in Scharen in die diversen Veranstaltungszentren, um politisches Kabarett anzuschauen. 
Begeisterung auf der einen Seite, Widerstand bis hin zu Morddrohungen auf der anderen Seite. Agrargemein ist das bisher erfolgreichste Kabarettprogramm Tirols und Treibhaus-Intendant Norbert Pleifer erhob Agrargemein sogar zur „besten Tiroler Kabarettproduktion seit Otto Grünmandl“. Grünmandl ist immerhin 2-facher Träger des Deutschen Kleinkunstpreises und in der deutschsprachigen Kabarettszene eine historische Fixgröße. Dieses Lob von berufener Stelle saß, sitzt und ist Motivation.

Wie nebenbei gründete ich mit Stefan Abermann, Martin Fritz und Robert Prosser 2007 die Lesebühne „Text ohne Reiter“, schrieb seit 2009 jährlich ein Jahresrückblicks-Programm (Jahrmarkt der Heiterkeiten), brachte 2012 im Haymon-Verlag eine Auswahl meiner bisherigen Poetry-Slam-Texte heraus („Voulez-vous KOSCHUH avec moi?“), brachte punktgenau in den Tiroler Landtagswahlkampf 2013 ein eigenes Programm auf die Bühne (Landtagsmahl), war Talkgast bei „Im Zentrum“ im ORF, schrieb Kommentare und Analysen für diverse Medien, absolvierte viele Benefizauftritte (zusammen Ton-/Lichttechniker Tom Neumayr sowie Yvonne Kathrein, Musik – danke nochmals, ihr seid super!), engagierte mich kommunal- und gesellschaftspolitisch (meistens erfolglos, aber tun musste ich es trotzdem), bekam die Chance, erste Schauspiel-Erfahrung zu sammeln (Projekttheater Hall, Staatstheater), hatte unglaublich tolle Auftritte in kleinen Bars, tollen Veranstaltungszentren, im Opernhaus Hannover, dem Burgtheater und und und.

Das darauf folgende Programm „Hypoventilieren“ sollte nur ein Zwischenprogramm auf dem Weg zu einem gänzlich anderen Programm sein. Eine Sitzung des Tiroler Landtags Ende März 2015 war der Auslöser, Anfang Juni 2015 war bereits Premiere.

Im Landtag hatten die Abgeordneten gerade einmal 1 Stunde zu bis zu 160 Millionen Hypo-Tirol-Millionen Verlust im Zuge des Hypo-Alpe-Adria-Skandals reden dürfen. Stutzig geworden förderte eine erste Recherche ein eigenes Tiroler Hypo-Desaster zu Tage: Nicht 160 Millionen Euro sondern mindestens 500 Millionen Euro waren in den Sand gesetzt worden. Steuergeld, wohlgemerkt. Millionenschweres Potenzial für ein kabarettistisches „Doku-Drama des Grauens“ (© Tiroler Tageszeitung). Quasi als „Vehikel“ für das sonst sperrige Thema fungierte eine Zwischenbilanz der erstmaligen Tiroler Landeskoalition zwischen ÖVP und Grünen. Und wieder: Und wieder: Überschwängliche Kritiken und wieder strömt das Publikum in Scharen. 

2015 ruft zwischenzeitlich die Theaterbühne. Zusammmen mit dem Staatstheater entwickle ich unter der Regie von Ute Heidorn ein Stück zu Ehren des einzigen Tiroler Kabarettisten, der zwei Mal mit dem Deutschen Kleinkunstpreis ausgezeichnet wurde: Otto Grünmandl. Nach Wochen im Nachlass des großen Tirolers, der 2000 verstorben war, hatte 2015 "Lachen im Alpenländischen Raum" Premiere. Es war ein besonderes Erlebnis, (sehr schwierige!) Grünmandl-Texte auf die Bühne zu bringen. Ein Dank gebührt Treibhaus-Intendant Norbert Pleifer für die Grundidee. Dass wir mit unserer Hommage Richtiges tun sollte zwei Jahre später Andreas Vitasek zeigen, der Otto Grünmandl in einem eigenen Programm ebenso ein Denkmal setzte. 2016 entsteht schließlich mein erstes ausgewiesenes Österreich-Programm. Kellertheater-Intendant Manfred Schil fragte mich, ob ich angeleht an den großen Helmut Qualtinger und seinen legendären "Der Herr Karl" eine neue Betrachtung der rot-weiß-roten Seele schreiben und spielen wolle. Im gleichen Bühnenbild wie der Herr Karl. Spannend! Und "AUTsch" Österreich dreht auf" war geboren und erntete wiederum Begeisterung. Kabarettisch thematisch eigentlich auf Tirol fokussiert, wird mit "AUTsch! Österreich dreht auf" ab Herbst 2017 auf Tour gegangen. Überschneidend feiert am 13. September im Innsbrucker Treibhaus die Premiere eines neuen, ausgewiesenen Tirol-Programms. Und natürlich gab und gibt es jedes Jahr seit 2009 einen wundervollen Jahresrückblick, genannt "Jahrmarkt der Heiterkeiten". 2016 erstmals an 8 Terminen mit der wunderbaren Juliana Haider, die für dieses jährliche Programm schlicht nicht mehr wegzudenken ist. So oft es geht, nehme ich weiterhin an Poetry Slams teil. 

"Malaka is the greek way of saying wanker", sagt das Urban Dictionary, wenn man darin nach "Malaka" sucht. Malaka ist aber nicht nur griechisches Universalschimpfwort sondern auch ein Teil des Namens einer sechsköpfigen Freiburger Band. Deren ganzer Name lautet Malaka Hostel und der Name steht für treibenden Ska, Gipsy-Swing, Hippie-Rock und eine dicke Keule Balkan Beats.

Malaka Hostel erschaffen einen Sound, der sich frei von festen Genre-Klischees bewegt. Von fetten Balkanbeats bis hin zu elektrifizierendem Hippie-Rock ist hier alles möglich. Heisse Cumbia-Rhythmen treffen auf knackige Rock’n’Roll-Riffs, ein Klezmerstück endet in treibendem Ska. Eine bunte Truppe – eine bunte Mischung. Da ist eines nur eines vorbestimmt: Eskalation auf der Bühne!

Shakespeare, die Bibel und Grimms Märchen, Der Rippenhof:
All das  haben die Mannen vom Feinripp-Ensemble bereits lustvoll verarztet.
Jetzt wagt sich das Trio ins Ernste -Fach.
Es wird sogar todernst.
und das wie immer: In Feinripp-Unterhosen.

R.I.P.
um genau zu sein: FEIN - R.I.P.
oder doch wieder  FEIN-RIPP? 
Ja und? 
Guat? 
Sauguat!

FeinRipp sind:
Thomas Gassner
Bernhard Wolf
Markus Oberrauch

Regie: JOhannes Gabl
Ausstattung: Andrea Kuprian

Markus, Börny und Tom wollen die Tür zum Jenseits aufzustossen,
über den Styx schwimmen - um in der Unterwelt ihre Abenteuer zu bestehen.
​Zu diesem Zweck müssen sie natürlich sterben. 
Nach vier erfolgreichen Produktionen haben wir uns entschieden, uns einem ernsten und uns alle betreffenden Thema zu widmen. Wie immer spielen wir zu dritt alle Figuren. Da wir versuchen uns ständig weiter zu entwickeln und neues auszuprobieren, haben wir für diesen Abend vor, uns erstmals auch ins Figurentheaterfach zu wagen, und es mit dem „Feinripp-Theater“ zu verbinden.
Ihre Seelen treten aus ihren Leibern und machen sich auf die Reise. Ihre zurückgebliebenen Hüllen werden die Puppen sein, die wir selber in Handarbeit gestalten werden. Immer wieder werden diese Figuren bespielt, wenn wir durch Rückblenden auf die Erde zurückkehren.
Die Ausstattung wird in bewährter Manier von Andrea Kuprian gestaltet. Die Regie wird zum zweiten mal Johannes Gabl übernehmen. 
Bespielt wird wie immer der Turm des Innsbrucker Treibhauses, unsere Heimspielstätte.

Dieses Konzept erlaubt uns eine breite Schau ins Unbewusste der menschlichen Seele und die Begegnung nicht nur mit den Figuren selbst, sondern auch mit allen historischen Menschen, die uns interessant erscheinen. Die Herangehensweise wird natürlich eine humoristisch-kabarettistische sein.
Fein gerippt eben.

Das große neue Soloprogramm zum 30jährigen Bühnenjubiläum! Und 50. Geburtstag - quasi 80 Jahre Puntigam.
Gibt es einen besseren Zeitpunkt, um den rüstigen Jubilar und seine Verdienste um die Republik zu feiern als Sir des gehobenen X - Rated - Entertainments und augenfreundlicher MC der Science Busters?
GLÜCKSKATZE - Der int. Publikumsliebling schaut zurück und verspricht, neben brandneuen Witzen auch ein paar seiner größten Hits wiederaufleben zu lassen. Aber welche? Kommt nochmals Hundefutter auf den Tisch? Überleben es die Gitarren diesmal? Weiß er den Doppelsteckerdildo noch zu handhaben? Oder fährt er gar im Dirndl mit dem Standrad vor? Die Aufregung ist entsprechend.

Schnurren kann Martin Puntigam schon,
Gewölle erbrechen muss er noch üben.
GLÜCKSKATZE - The future of awesome!

Martin Puntigam: Das ist Erwachsenenunterhaltung für den Bildungsbürger und seine Frau....
Kabarettist Martin Puntigam sorgt dafür, dass sich die Wissenschafterinnen und Wissenschafter auf der Bühne halbwegs ordentlich benehmen und nicht in die völlige Unverständlichkeit abgleiten. Für seine Kabarettprogramme, Bücher und sonstigen Projekte ist er mit zwölf Preisen ausgezeichnet worden, mit dem Österreichischen Kleinkunspreis, dem Salburger Stier (Pate: Josef Hader) und unter anderem, als erster Kabarettist, mit dem „Inge-Morath-Preis für Wissenschaftspublizistik“. Die Beschäftigung mit der Wissenschaft hat sich gelohnt, denn seit 2016 ist der Medizinstudienabbrecher Universitätslektor an der Universität Graz.

Martin Puntigam

* 9. April 1969 in Graz (Steiermark)
Kabarettist, Autor, Schauspieler
 

Nach der Matura beginnt Martin Puntigam 1987 ein Medizinstudium, das er nach vier Semestern abbricht. 1989 stellt er sein erstes Programm mit dem Titel „Durch und durch“ vor, für das er den „Grazer Kleinkunstvogel“ erhält. Danach folgen Zivildienst und das zweite Programm „Doch recht lustig“ (1990); ein Jahr danach „Lach- und Sachgeschichten“.
1993 folgt das vierte Programm „Welt ohne Herz“ und 1994 „Puhlassen im Weltall“. 1996 gelingt Martin Puntigam endgültig der Durchbruch mit „Innenaussaugen“ und dem Gewinn des „Salzburger Stiers“ im darauf folgenden Jahr.
1998 holt er den Jurypreis des „Prix Pantheon ’98“ in Bonn; im selben Jahr präsentiert er sein neues Opus „Wildwochen“. In weiterer Folge entstehen „Spam“ (2000), „Die Einbrenn des Lebens“ (2003), „Luziprack“ (2006), „Atomic Wedgie“ (2009) und „Supererde“ (2013).
Puntigam arbeitet aber nicht nur als Solokabarettist, er spielt auch Programme mit anderen Kabarettisten, so zum Beispiel mit Jahr 2000 „Maiandacht“ mit dem Duo KaBud (Otmar Kastner & Peter Buda) oder „Lebensmittel schlecht behandeln“ mit Clemens Haipl.
2001 gaben Martin Puntigam, Clemens Haipl, Thomas Maurer, Dirk Stermann und Gerald Votava erstmals „Die Supernacht der Weihnachtsstars“. 2002 spielt Puntigam zusammen mit Haipl & Votava das Programm „leben“ als „Projekt remiX“ und im selben Jahr spielen Haipl, Maurer, Puntigam, Votava und Oliver Baier wiederum „Die Supernacht der Weihnachtsstars“.
2004 starten Haipl & Puntigam mit dem Programm „meet&greet“, für das sie im selben Jahr mit dem „Österreichischen Kleinkunstförderpreis“ ausgezeichnet werden. 2014 hatten Martin Puntigam und Matthias Egersdörfer mit „Erlösung“ Premiere.

Neben seiner kabarettistischen Tätigkeit war und ist Martin Puntigam als Theaterschauspieler u. a. in „When the saints go cycling in“ von Flann  O‘Brian oder in der Rolle des Helmut Frodl in „Österreichs größte Entertainer“ von Thomas Gratzer im Wiener Rabenhoftheater (2002, Regie: Helmut Schödel) zu sehen.
Puntigam spielt aber auch in Kinofilmen, wie „Gelbe Kirschen“ (2001) von Leopold Lummerstorfer (mit Josef Hader und Maria Hofstätter).
Puntigams erstes Theaterstück heißt „Tod im Hallenturnschuhlager“, das 1995 im Wiener Kabarett Niedermair mit Maria Hofstätter, Reinhard Nowak und Stefan Puntigam uraufgeführt wurde.
Neben all dem ist Martin Puntigam regelmäßig für Radio- und Fernsehstationen tätig. So wurde zwischen 1993 bis 1995 in Ö3 seine Radiokolumne „Herr Martin empfiehlt“ 14-tägig ausgestrahlt. Er war und ist auch beim Sender FM4 als Autor und Gestalter (seit 2000) tätig. Seit Ende 2002 schrieb er für die TV-Reihe „Sendung ohne Namen“.
1997 war er u. a. auch Reiseleiter der „Stadtrundfahrt des Grauens“ im Rahmen der „Wiener Wochen des schlechten Geschmacks“. 2004 spielte er zusammen mit Thomas Maurer im Rahmen der Wiener Festwochen „Sozialpartnerschaft: Episode 1. Eine Vergangenheitsbewältigung von Martin Puntigam und Thomas Maurer“ (Regie: Jochen Herdieckerhoff).

2006 startete u. a. das Projekt „Science in Film – Topwissenschafter und Spitzenhumor“ mit Univ. Prof. Heinz Oberhummer (Theoretische Physik, TU-Wien), Dr. Werner Gruber (Experimentalphysik, Uni Wien) und Martin Puntigam – „ScienceBusters“ hieß die Neuauflage 2007 in gleicher Besetzung. Nach dem Tod von Oberhummer 2015 gibt es die Formation nun mit wechselnden Mitwirkenden.

Noch rasanter, und rockiger, noch mehr Morde, noch mehr Rezepte und noch weniger Klamotten - kurz: NOCH BESSER! Ein Abend mit „herzerfrischender, anarchistischer Selbstironie“ der Platz für regionale Statements hat und keine Wünsche offen lässt!  (Standard),

Mit „Shakespeares sämtliche Werke (leicht gekürzt)“ zaubert das Feinrippensemble (Bernhard Wolf, Markus Oberrauch, Thomas Gassner) eine hinreißende Komödie auf die Bühne, bei der auch Tränen fließen. Lachtränen, um genau zu sein.
Zehn Komödien, fünf Romanzen, drei Problemstücke, acht Historiendramen, zehn Tragödien und ein Sonett ergeben in Summe 37 Stücke – und damit knapp 100 Stunden Theater vom Feinsten.
Drei Schauspieler stellen sich dem Wagnis, alle Werke Shakespeares an einem Abend auf die Bühne zu bringen. Und rasen dabei in einem Höllentempo durch Klassiker wie „Romeo und Julia“, „Wie es euch gefällt“, „Maß für Maß“, „Macbeth“, „Hamlet“ und Co.
Sie zappen sich durch Liebe, Tod und Intrigen – und fallen hin und wieder aus den Rollen, weil sie die Kraft des großen Meisters übermannt und die Ebenen zwischen Spiel und Wirklichkeit zu verschwimmen drohen.
Sie verlegen „Titus Andronicus“ ins TV-Kochstudio, machen aus den Königsdramen ein spannendes Fußball-Match, in dem auf Abseits die Todesstrafe steht, und komprimieren die Komödien zu einer wortgewaltigen Performance, die von einer Choreographie begleitet wird, die jede Boygroup neidisch machen würde.
Bei ihrer Hetzjagd durch die Theatergeschichte geben sich die fantastischen drei jedoch nicht nur mit der Hauptbühne zufrieden. Sie erklimmen das Geländer, balancieren wagemutig über Holzbalken, lassen sich in – übers Publikum gespannte – Netze plumpsen und durchbrechen die Zuschauerbarriere, um sich unters Volk zu mischen.

Regisseurin Weber lässt Wolf, Gassner und Oberrauch so leidenschaftlich leben, lieben, leiden, lachen und sterben, dass man ihnen am liebsten im Minutentakt Applaus spenden würde.
Selbst Gassners temperamentvoller Publikumsbeschimpfungs-Monolog im zweiten Akt wird mit Bravo-Rufen gewürdigt. Und wenn Hamlet am Ende das Zeitliche segnet, ist der Rest ausnahmsweise nicht Schweigen – sondern Gelächter.
Und ist auch nicht jeder Satz von Shakespeare, so könnte er doch von dem Meister aus Stratford-on-Avon sein, von dem Großmeisters der englischen Dramatik, dem Schöpfer von Tragödien, Komödien und Königsdramen – so schön sind die Sätze, die geboten werden.
Und ist letztlich nicht egal, von wem die Worte stammen? Eine humoristische Fachzeitschrift hat einmal den alten Philologen-Streit: Wer schrieb Shakespeares Werke? mit dem versöhnlichen Urteil beendet: Es steht fest, dass Shakespeares Dramen nicht von Shakespeare stammen, sondern von einem Mann gleichen Namens!
Von diesem menschenfreundlichen Geist ist auch die Revue Shakespeares Sämtliche Werke (leicht gekürzt) beseelt. Kein Wunder, dass sie seit ihrer Uraufführung Erfolg hat, wo immer auf der Welt sie gespielt wird!

Das große neue Soloprogramm zum 30jährigen Bühnenjubiläum! Und 50. Geburtstag - quasi 80 Jahre Puntigam.
Gibt es einen besseren Zeitpunkt, um den rüstigen Jubilar und seine Verdienste um die Republik zu feiern als Sir des gehobenen X - Rated - Entertainments und augenfreundlicher MC der Science Busters?
GLÜCKSKATZE - Der int. Publikumsliebling schaut zurück und verspricht, neben brandneuen Witzen auch ein paar seiner größten Hits wiederaufleben zu lassen. Aber welche? Kommt nochmals Hundefutter auf den Tisch? Überleben es die Gitarren diesmal? Weiß er den Doppelsteckerdildo noch zu handhaben? Oder fährt er gar im Dirndl mit dem Standrad vor? Die Aufregung ist entsprechend.

Schnurren kann Martin Puntigam schon,
Gewölle erbrechen muss er noch üben.
GLÜCKSKATZE - The future of awesome!

Martin Puntigam: Das ist Erwachsenenunterhaltung für den Bildungsbürger und seine Frau....
Kabarettist Martin Puntigam sorgt dafür, dass sich die Wissenschafterinnen und Wissenschafter auf der Bühne halbwegs ordentlich benehmen und nicht in die völlige Unverständlichkeit abgleiten. Für seine Kabarettprogramme, Bücher und sonstigen Projekte ist er mit zwölf Preisen ausgezeichnet worden, mit dem Österreichischen Kleinkunspreis, dem Salburger Stier (Pate: Josef Hader) und unter anderem, als erster Kabarettist, mit dem „Inge-Morath-Preis für Wissenschaftspublizistik“. Die Beschäftigung mit der Wissenschaft hat sich gelohnt, denn seit 2016 ist der Medizinstudienabbrecher Universitätslektor an der Universität Graz.

Martin Puntigam

* 9. April 1969 in Graz (Steiermark)
Kabarettist, Autor, Schauspieler
 

Nach der Matura beginnt Martin Puntigam 1987 ein Medizinstudium, das er nach vier Semestern abbricht. 1989 stellt er sein erstes Programm mit dem Titel „Durch und durch“ vor, für das er den „Grazer Kleinkunstvogel“ erhält. Danach folgen Zivildienst und das zweite Programm „Doch recht lustig“ (1990); ein Jahr danach „Lach- und Sachgeschichten“.
1993 folgt das vierte Programm „Welt ohne Herz“ und 1994 „Puhlassen im Weltall“. 1996 gelingt Martin Puntigam endgültig der Durchbruch mit „Innenaussaugen“ und dem Gewinn des „Salzburger Stiers“ im darauf folgenden Jahr.
1998 holt er den Jurypreis des „Prix Pantheon ’98“ in Bonn; im selben Jahr präsentiert er sein neues Opus „Wildwochen“. In weiterer Folge entstehen „Spam“ (2000), „Die Einbrenn des Lebens“ (2003), „Luziprack“ (2006), „Atomic Wedgie“ (2009) und „Supererde“ (2013).
Puntigam arbeitet aber nicht nur als Solokabarettist, er spielt auch Programme mit anderen Kabarettisten, so zum Beispiel mit Jahr 2000 „Maiandacht“ mit dem Duo KaBud (Otmar Kastner & Peter Buda) oder „Lebensmittel schlecht behandeln“ mit Clemens Haipl.
2001 gaben Martin Puntigam, Clemens Haipl, Thomas Maurer, Dirk Stermann und Gerald Votava erstmals „Die Supernacht der Weihnachtsstars“. 2002 spielt Puntigam zusammen mit Haipl & Votava das Programm „leben“ als „Projekt remiX“ und im selben Jahr spielen Haipl, Maurer, Puntigam, Votava und Oliver Baier wiederum „Die Supernacht der Weihnachtsstars“.
2004 starten Haipl & Puntigam mit dem Programm „meet&greet“, für das sie im selben Jahr mit dem „Österreichischen Kleinkunstförderpreis“ ausgezeichnet werden. 2014 hatten Martin Puntigam und Matthias Egersdörfer mit „Erlösung“ Premiere.

Neben seiner kabarettistischen Tätigkeit war und ist Martin Puntigam als Theaterschauspieler u. a. in „When the saints go cycling in“ von Flann  O‘Brian oder in der Rolle des Helmut Frodl in „Österreichs größte Entertainer“ von Thomas Gratzer im Wiener Rabenhoftheater (2002, Regie: Helmut Schödel) zu sehen.
Puntigam spielt aber auch in Kinofilmen, wie „Gelbe Kirschen“ (2001) von Leopold Lummerstorfer (mit Josef Hader und Maria Hofstätter).
Puntigams erstes Theaterstück heißt „Tod im Hallenturnschuhlager“, das 1995 im Wiener Kabarett Niedermair mit Maria Hofstätter, Reinhard Nowak und Stefan Puntigam uraufgeführt wurde.
Neben all dem ist Martin Puntigam regelmäßig für Radio- und Fernsehstationen tätig. So wurde zwischen 1993 bis 1995 in Ö3 seine Radiokolumne „Herr Martin empfiehlt“ 14-tägig ausgestrahlt. Er war und ist auch beim Sender FM4 als Autor und Gestalter (seit 2000) tätig. Seit Ende 2002 schrieb er für die TV-Reihe „Sendung ohne Namen“.
1997 war er u. a. auch Reiseleiter der „Stadtrundfahrt des Grauens“ im Rahmen der „Wiener Wochen des schlechten Geschmacks“. 2004 spielte er zusammen mit Thomas Maurer im Rahmen der Wiener Festwochen „Sozialpartnerschaft: Episode 1. Eine Vergangenheitsbewältigung von Martin Puntigam und Thomas Maurer“ (Regie: Jochen Herdieckerhoff).

2006 startete u. a. das Projekt „Science in Film – Topwissenschafter und Spitzenhumor“ mit Univ. Prof. Heinz Oberhummer (Theoretische Physik, TU-Wien), Dr. Werner Gruber (Experimentalphysik, Uni Wien) und Martin Puntigam – „ScienceBusters“ hieß die Neuauflage 2007 in gleicher Besetzung. Nach dem Tod von Oberhummer 2015 gibt es die Formation nun mit wechselnden Mitwirkenden.

Süße Fremdscham: Wer kennt sie nicht? Die glorios peinlichen und umso amüsanteren Tagebuch-Ergüsse aus Teenagerzeiten, Reisetagebüchern oder einfach nur von damals? Wir haben sie!
Eine peinlich-lustige Zeitreise in die Abgründe der eigenen und fremden Pubertät und Kindheit. Ehrlich, berührend, schonungslos, betrübt, übertrieben, sehnsüchtig, haltlos und unverstanden. So waren und sind sie, unsere Schul- und Jugendjahre. Und so sind unsere Tagebucheinträge aus dieser wilden und unberechenbaren Zeit des Erwachsenwerdens.
Es lesen Laien live aus ihren alten Tagebüchern. Das gibt es im Wiener TAG seit 2 Jahren und letztes Jahr waren im Oktober, auch 5 Folgen in DIE.Nacht in ORF 1 zu sehen. Nun werden die Bundesländer erobert. Das Publikum entscheidet über die Siegerin/den Sieger des Abends, die/der sich über einen Taschengeldzuschuss freuen kann. Eine Reality-Show der etwas anderen Art – mit Sicherheit der persönlichste aller Slams und die schönsten Geschichten schreibt das Leben.

Infos für TeilnehmerInnen:
Es werden ca. 6 Leute am Start sein, d.h. immer 2 gegen einander lesen, dann gibt es einen Applausbattle und 3 sind dann im Finale. JedeR sollte zwei Beiträge (können auch mehrere kürzere Einträge sein) von maximal 5 Minuten vorbereiten, weil Vor- und eventuell Finalrunde. Bitte keinen aktuellen Beiträge, müssen mindestens von vor 2010 sein! Originaltagebücher mitbringen und ansonsten einfach Spaß haben.

Durch den Abend führt: Diana Köhle

Erster Tagbucheintrag am 23. September 1989, denn das Leben war hart in den Bergen. Nach längerer Abstinenz schreibt sie nun sogar wieder täglich Tagebuch, denn sie muss ja weiterhin fleißig für „Lesestoff“ sorgen. Neben dem Tagebuch schreiben, schlägt ihr Herz für Poetry Slams. Seit 2004 moderiert und organisiert sie Poetry Slams (monatlich Slam B im Literaturhaus Wien und viele Gastspiele) und seit 2013 auch den sehr erfolgreichen TAGebuch Slam im TAG in Wien. Der es im Herbst 2014 mit 5 Folgen in DIE.Nacht in ORF 1 geschafft hat (Liebes Tagebuch, ...). Sie lebt seit 12 Jahren in Wien, hat in Innsbruck studiert und freut sich daher besonders auf ein Heimspiel in Tirol.

Anmeldungen zum Mitmachen an: diana@liebestagebuch.at

Viel hat sich getan seit der letzten Sprechstund im April.
Mit einigem hatten wohl nicht alle gerechnet - Stichwort "Stadtrechtsnovelle" inklusive zukünftiger 4-Prozent-Hürde bei der Gemeinderatswahl.
Die Grünen als ergebnisorientierte Hürdenläufer. Und und und.
Wir befragen den Bürgermeister Georg Willi auch dieses Mal zu aktuellen Themen, haken und bohren nach.
Bei den brennenden Themen ist aber auch das Publikum gefragt.
Fragen können schon jetzt via sprechstund@treibhaus.at - oder dann live gestellt werden.
Wie gewohnt im Anschluss: Jazz-Jam-Session ...!
Eintritt frei - solange wie es die Gedanken auch noch sind

JAM SESSION

ist angesagt, mit traumhafter Stageband:
Ander Tentschert piano
Florian Hupfauf bass
Georg Tausch drums

Harri Stojka -  selber Roma und einer der prominentesten Jazzgitarristen & Weltmusiker Österreichs,  erfüllt sich einen Traum:
wieder einmal mit  seinen indischen Musikerfreunden auf der Bühne zu stehen, die er bei den Dreharbeiten für den preisgekrönten Kinodokumentarfilm „Gypsy Spirit, Harri Stojka - eine Reise“ kennengelernt hat

line-up
Harri Stojka - guitar
 
Kutle Khan - voc
Gafur Khan - karthal, babang , morchang
Adytia Bhasin - dotara, voc
Shakir Khan - sitar
Haydar Khan - tabla

Maria Petrova - drums
Werner Laher - bass
Wolfo Schmidt - keys

Die frühe Geschichte der Roma-Kultur liegt weitgehend im Dunkeln. Gesichert gilt, dass das Volk der Roma einst von Indien aus zu einer großen, bis heute nicht enden wollenden Reise aufbrach. Ihr Weg führt über Jahrhunderte hinweg durch unzählige Länder, Kulturkreise, Hemisphären. Die einzige Heimat, die dem fahrenden Volk blieb, war die eigene Kultur, zuvorderst die Musik. Roma-Musiker tragen die Fähigkeit in sich, unterschiedlichste musikalischen Einflüsse aufzugreifen & in ihren persönlichen Stil und individuelle Spielweise zu integrieren. Forscht man nach den Wurzeln des Gypsy Spirit, führen alle Wege zurück nach Osten, nach dem Urgrund der eigenen Identität: Nach Indien. Harri Stojka ist ihr stetig auf der Spur.
Der Film wurde mehrfach ausgezeichnet -  u.a. mit der Romy für den Preis „Bester Kinodokumentarfilm 2011“

Trotz gemeinsamer Wurzeln und einem Fundament traditioneller Tonleitern und Harmonien gibt es keine einheitliche Romamusik. Im Gegenteil: sie ist so vielfältig wie die Weltgegenden, in denen ihre Interpreten und Hörer leben. Forscht man nach dem Wurzeln des „Gypsy Spirit“, führen alle Wege nach Osten und schlussendlich nach Indien....
Die frühe Geschichte der Roma-Kultur liegt weitgehend im Dunkeln. Als gesichert gilt die Annahme, dass das Volk der Roma einst von Indien aus zu einer großen, bis heute nicht enden wollenden Reise aufbrach. Ihr Weg führte und führt über Jahrhunderte, eventuell Jahrtausende hinweg durch unzählige Länder, Kulturkreise, Hemisphären. Die einzige Heimat, die dem fahrenden Volk blieb, war die eigene Kultur, zuvorderst die Musik. Roma-Musiker tragen die Fähigkeit in sich, unterschiedlichste musikalischen Einflüsse aufzugreifen und in ihren persönlichen Stil und ihre individuelle Spielweise zu integrieren. Trotz gemeinsamer Wurzeln und einem Fundament traditioneller Tonleitern und Harmonien gibt es – einige wenige Lieder ausgenommen – keine einheitliche Romamusik. Im Gegenteil: sie ist so vielfältig wie die Weltgegenden, in denen ihre Interpreten und Hörer leben. In Mitteleuropa konnten sich trotz Ausgrenzung und Verfolgung von Rom und Sinti  verschiedene Biotope, Überlieferungen und Spielweisen entwickeln. Forscht man nach dem Wurzeln des „Gypsy Spirit“, führen alle Wege wieder zurück nach Osten, nach dem Urgrund der eigenen Identität und Existenz. Nach Indien....

Walter Richard Langer  über Harri Stojka:
" Viel Bluesfeeling, immense gitarristische Technik, die mit soviel spielerischer Souveränität dargeboten wird, daß man sie fast für selbstverständlich nimmt."

Bill Evans

„Wen haben Miles Davis, Gregg Allman, Willie Nelson, Herbie Hancock, John McLaughlin und Warren Haynes gemeinsam? Das ist Bill Evans“
Bill ist ein erstklassiger, mit dem Grammy® Award ausgezeichneter Saxophonist / Sänger und Produzent, der sein Debüt im Alter von 21 Jahren bei Miles Davis feierte. Er hat bisher 25 Solo-Alben aufgenommen. Man konnte ihn auf der Bühne als Gast mit den Allman Brothers oder auf Tour oder  mit Rockstar Warren Haynes, oder  auf Tour in Europa mit der „Bill Evans Band“ oder „Bill Evans Soulgrass“ erleben. “Soulgrass erlangte weltweite Anerkennung bei Jazz- und Rockfans . Bill war Co-Leiter bei Tourneen mit Robben Ford und Mike Stern , Randy Brecker, oder Simon Phillips, „Ich bin nicht einer, der gerne still sitzt und sich auf meinen Lorbeeren ausruht. Ich liebe es, neue Dinge zu erleben und die Grenzen der Musik zu erweitern, mit der ich mit den verschiedenen Bands, mit denen ich toure, spiele. Ich denke, Miles war derjenige, der mich inspiriert hat, wenn es darum geht dazu. Evans schöpft seine Motivation aus seinen langjährigen Tourneen.

Die „Spy Killers!“ Die gefährlichste Band der Welt ist Bills neuestes Unterfangen. Wir werden hartgesottenen Funk, Soul und Jazz-Rock spielen. Bei dieser Gruppe gibt es keine Grenzen.
Die „Spy Killers!“ sind ihre eigene Musikmarke. Wo Soul auf Jazz trifft und Miles auf Elvis. Sie haben keine Grenzen. Sei es Sci-Fi-Soul und -Funk oder Grooves aus einer anderen Galaxie, Sie können nicht anders, als Dich in ihre Welt hineinzuziehen. Ein „Spy Killers!“ Konzert wird Sie hypnotisieren. Das werden Sie so schnell nicht vergessen. Die Spy Killers! Der außergewöhnliche Schlagzeuger Wolfgang Haffner, der junge Keyboarder Simon Oslender und der Bass Groove-Meister Gary Grainger.

WOLFGANG HAFFNER

Wolfgang Haffner ist einer der angesehensten Schlagzeuger der Welt des Jazz. Bisher hat er auf 400 Alben Schlagzeug gespielt und 16 Soloalben als Leader aufgenommen. Bill sagt: „Ich habe jahrelang mit Wolfgang gespielt und er hört nie auf, mich mit seinen Fähigkeiten, seiner Sensibilität und seinem Groove zu überraschen.“ Er ist ein einzigartiger Schlagzeuger und ein großartiger Mensch. “

SIMON OSLENDER

Simon Oslender ist ein erstaunliches 20-jähriges B3-Wunderkind aus Deutschland. Bill sagt über Simon : „Ich habe Simon zum ersten Mal in Wolfgang Haffners Band gehört und konnte nicht übersehen, wie großartig er klang, und das in einem so jungen Alter!“ Wir hatten eine sofortige Beziehung auf der Bühne, als wir das erste Mal zusammen spielten. Er hat sich in Europa bereits einen Namen gemacht und hebt die „Spy Killers!“ auf eine ganz neue Ebene des Groove.

Gary Grainger

ist einer der funkigsten Bassisten der Welt. Er hat sich in den 80ern bei John Scofield einen Namen gemacht und hat nie zurückgeschaut. Ich habe mit Gary im Mai 2018 eine große Europatour mit meiner Petite Blonde II-Band mit Dennis Chambers und Ulf Wakenius gemacht. Gary hat das Haus jede Nacht heruntergebracht! Er ist perfekt für die „Spy Killers!“

Christoph Ransmayr: Simple Songs

Zur Musik von Christian Muthspiel und Steve Swallow

Simple Songs: Ich erinnere mich an Sommernachmittage in den Flußlandschaften meiner Kindheit, an Schotter- und Sandbänke, auf denen meine Gefährten und ich mit Holunderflöten – abgeschnittenen Ästen, aus denen wir das Mark herausgeklopft und in die entstandenen Röhren mit einem Taschenmesser Grifflöcher geschnitten hatten – musizierten; erinnere mich an von Flußbremsen durchschwirrte Stunden, in denen wir von der Strömung glattgeschliffene Steine, bis zu den Knien im glitzernden Wasser stehend, im Rhythmus regelloser Gesänge aneinanderschlugen oder sie in rasender Folge in die Wellen warfen und so den Fluß zu unserer Trommel machten; erinnere mich an Duette auf  Bandgras, das wir zwischen unsere Daumenballen preßten und darauf bliesen… und erinnere mich an Vogelmusik, die wir mit unseren bloßen, zu Resonanzräumen geschlossenen Händen erzeugten, aus denen dann die Stimme eines Uhus, eines Kauzes oder eines anderen klagenden Nachtvogels durch jenen Auwald drang, in dem wir im Verlauf endlos scheinender Kinderjahre so vieles zum Klingen brachten, was sich im Schilf, im Uferdickicht, unter Bäumen oder im seichten Wasser fand. Aber welche Tonfolgen uns dabei auch immer glückten – die meisten von ihnen galten doch dem Versuch der Nachahmung von Instrumentalmusik, Klarinetten, Blechmusik, die wir im Radio, auf einem Platzkonzert unter den Kastanienbäumen unseres Dorfes tatsächlich – oder auch nur in den Traumlandschaften von Märchen und Abenteuerbüchern mit einem inneren Ohr gehört hatten.

Auch wenn der Unterschied zwischen dem, was wir auf unserem Instrumentarium erspielten und den jeweiligen Vorbildern so dramatisch war, daß wir eine Verwandtschaft zwischen den Tönen etwa der Holunderflöte und einer Orgelpfeife mit der bloßen Behauptung überbrücken mußten, dies sei die Orgel, dies eine Trompete, und so klinge der Schrei der Eule.., hatten am Ende doch selbst unüberbrückbare Unterschiede kaum Bedeutung, weil wir ja wußten, was gespielt wurde. Deshalb brauchten wir auf unseren Instrumenten die Finger auch nicht zu artistischen Griffen spreizen wie ein in Jahren und Jahrzehnten geübter Flötist oder Bassist, sondern wir sangen in wortloser Lautmalerei einfach die Melodien zu dem, was an Tönen und Geräuschen von unseren Instrumenten aufschwirrte, kreischte oder auch nur steinern klackte.

Wenn ich den von Christian Muthspiel komponierten und von ihm gemeinsam mit seinem Gefährten Steve Swallow zum Schwirren, Fliegen, Schweben gebrachten Simple Songs folge, werden meine Hörräume manchmal zu sommerlichen Flußlandschaften, in der sich die Äste des Wilden Holunders, Steine, Gräser in Hals und Korpus einer Bassgitarre oder den Stimmzug und Schallbecher einer Posaune verwandeln und zu in mitreißender Leichtigkeit gespielten Instrumenten werden, auf denen selbst schwierigste Klangfolgen niemals etwas anderes zu sein scheinen als ein virtuoses Spiel. Denn wer das Einfache als das zu begreifen, ja hörbar zu machen versucht, was es ist, ein Grundstein nämlich unserer Welt und Wirklichkeit, muß ein Virtuose sein, wenn er einen dieser Steine zum Klingen bringt.

CHRISTIAN MUTHSPIEL:

»Vor fünf Jahren begann ein Projekt, von dem ich damals nicht ahnen und schon gar nicht hoffen konnte, dass es jemals den Weg auf Konzertbühnen finden würde. 
Denn es begann als eine Art Eigentherapie, um nach einem in mehrfacher Hinsicht existenzbedrohenden Hörsturz, gefolgt von monatelangen Intonationstrübungen des inneren Ohres und grauenhaften Tinnitus-Phänomenen, wieder hören zu lernen. Hören im musikalischen Sinn, also Tonhöhen, Intervalle, Akkorde, Klangfarben usw. Nach Monaten der als einzig erträglichem Zustand selbstgewählten Stille, die ich vor allem in häufigen und ausgedehnten Bergtouren suchte, begann ich damals, mich wieder an musikalische Verläufe heranzutasten sowie Vertrauen zu meinem Gehör aufzubauen, indem ich mich erneut (und vorerst zaghaft) an das Üben meiner Instrumente und Komponieren annäherte. So entstand – ohne Ziel und Produktionsdruck – eine kleine Anzahl von meist sehr harmonischen Songs, mit klaren Formen, einfachen Harmoniefortschreitungen und Melodien, die jeweils sehr konsequent aus einem kleinen Baustein gewoben – und in diesem Sinne SIMPEL – sind. 
Einige wenige dieser SIMPLE SONGS sandte ich an Steve Swallow, mit dem ich damals schon in meinem Quartett (mit Matthieu Michel und Franck Tortiller) einige Jahre gemeinsam zu musizieren das allergrößte Vergnügen gehabt hatte. Seine Reaktion darauf war meine Rettung, gab Hoffnung und motivierte ungemein: Er bestärkte mich darin, diese Lieder zu einem ganzen Zyklus zu erweitern und zu zweit als CD-Programm aufzunehmen.
Mit Steve als Duopartner, inspirierendem Meister und weisem Freund nun auf der Bühne zu stehen und meine Songs zu interpretieren, ist nach der Vorgeschichte dieses Projektes nicht weniger als ein großes Geschenk.«
Christian Muthspiel, 2017

„On Simple Songs, Muthspiel and Swallow admirably demonstrate
the beauty and perfection that the art of the duet can offer.“
DOWNBEAT MAGAZINE

„It's a true miracle of lyricism.“
LONDON JAZZ NEWS

„Hier ist die Einfachheit das Ergebnis langen Nachdenkens, der Endpunkt eines Gangs um die Welt herum. (…) Wie von der Natur selbst erfunden.“
WELTWOCHE

„Jeder Song für sich ist eine Feier des Weniger-ist-Mehr und der klaren melodischen Linearität. Ein Fest der Hörbarmachung des Einfachen.“
RONDO

„Eindringliche Klangbilder ohne Netz und doppelten Boden…“
STEREO

„Muthspiel musiziert, als gäbe es die Musik erst noch zu entdecken.“
JAZZZEITUNG

„Einfaches in großer Schönheit. (…) spannende Musik, die zwei Meister ihrer Instrumente eingespielt haben.“
JAZZTHETIK

„Feinsinnig“
FONO FORUM

„Wie klassische Menuette schreiten die Stücke unbeirrt voran…“
JAZZTHING

„Zwei wunderbare Musiker reduzieren ihr musikalisches  Mitteilungsvermögen auf das einfache, ruhige und meditative Wesen ihrer Kunst.“
CONCERTO

„Muthspiel erreicht in den SIMPLE SONGS ein hohes Maß an Innigkeit mit Steve Swallow…“
JAZZ PODIUM

„Farbiger, kammermusikalischer Jazz – unübertroffen in seiner Schlichtheit.“
JAZZ´N´MORE

„Großes Hörvergnügen!“
KULTUR NEWS

Scheibsta & die Buben  haben ihren eigenen Kopf. Und das ist auch gut so! Es ist das, was sie von anderen Bands unterscheidet. In einem Land wo großteils Eintönigkeit und wenig Abwechslung herrscht wenn’s um das Thema Musik geht, bildet die Salzburger Band eine willkommene & erfrischende Abwechslung. Wer einen Auftritt des Ensembles mal erleben durfte weiß wovon die Rede ist. Auf unterhaltsame Art & Weise verzaubern Scheibsta & die Buben ihr Publikum und greifen auch gewagt aktuelle (teilweise ungern öffentlich angesprochene) Themen bei ihren Auftritten auf. Wer den ein oder anderen Song von FM4 (z.B. „Gerda“) oder die Stimme des Sängers von Ö3 (Seat-Werbespot) kennt, sollte sich eine der vielen Gelegenheiten nicht entgehen lassen, Scheibsta & die Buben mal im Rahmen eines Konzertes live zu erleben. Denn neben ihrem live eingespielten & improvisierten Album („Bist du noch wach?“) auf dem das musikalische Talent der Band-Mitglieder in abwechslungsreichen Beats & Rhythmen bewundert werden kann, ist es schlussendlich doch der Live-Auftritt, bei dem der Zuhörer voll auf seine Kosten kommt.

Von Jazz bis HipHop, vom 3/4 zum 6/10 Takt, von Politik über persönliche Erfahrungen werden quasi alle Musikstile & Themen aufgegriffen die den Künstlern gerade in den Sinn kommen und zur jeweiligen Stimmung passen. “Situationselastisch” beschreibt wohl die Hauptbegabung dieser Gruppe am Besten. Selbst bleibt einem meist nur das Staunen mit welch ausgeprägtem Vokabular die Texte spontan in Sekundenschnelle zur jeweiligen Melodie gereimt werden.
Beispielsweise beginnt bei einem Auftritt der Band einer der Buben eine ihm gerade vorschwebenden Melodie zu spielen, gefolgt von dem schrittweisen, äußerst harmonischen Einsetzen vom Rest der Kombo. Das enorme Talent der gesamten Band ist spätestens zu diesem Zeitpunkt erwiesen, sobald dann aber Scheibsta mit seinen Texten einsetzt, seine Erlebnisse teilt, Geschichten erfindet oder im Freestyle-Modus lustige Alltags-Situationen berappt, wird jedem noch so großen Skeptiker dieser modernen Kunstform die Einzigartigkeit des gerade Gesehenem bewusst.
Das Publikum wird zum Mitmachen angeregt, weibliche Polterrunden verlieben sich kollektiv in die Band und Außenstehende anfangs zweifelnd Ablehnende entwickeln sich innerhalb weniger Stunden zu echten Fans.

Die Gesamt-Mischung der einzelnen (Klang-)Elemente ist es, welche die Auftritte der Gruppe unvergesslich machen lässt. Doch man urteile selbst nach erlebtem Auftritt, bei dem man seinen Abend damit verbracht hat, abwechslungsreichen Melodien, inspirierenden Geschichten über das Leben und der hohen Kunst des Freestylens in gemütlicher Atmosphäre zu lauschen!
• David Binderberger – Gitarre
• Klaus Brennsteiner – Schlagzeug
• Lukas Pamminger – Bass
• Johann Öttl – Trompete
• Philipp Bernsteiner – Keys
• Philipp “Scheibsta” Scheiblbrandner – Raps

Óskar Guðjónsson (tenor saxophone)
Ómar Guðjónsson (guitar, bass)
Thómas Jónsson (piano, keybords)
Magnús Trygvason Eliassen (drums)

Der Bandname ADHD (Attention Deficit Hyperactivity Disorder) mag angesichts der geradezu hypnotischen Wirkung der musikalischen Verläufe innerhalb der Formation dieses Namens ein wenig verwirrend sein, aber die Musiker räumen auch eine therapeutische Wirkung auf die Gruppe selbst ein. Wie bei einem Vulkan konzentriert sich die Energie zunächst nach innen, um daraufhin mit umso mehr Wucht und Nachdruck nach außen zu dringen. Auf ihrem Album „6“ fokussieren ADHD sich noch viel überzeugender als bisher auf ihre eruptive Live-Energie. Die Isländer klingen rauer und direkter als je zuvor. In das zentrale ADHD-Motiv Frieden mischen sich Anklänge von urbaner Wut und Unnachgiebigkeit. Regeln und Rücksichten lassen sie vollends hinter sich und kommen wie immer ohne Definitionen oder Kategorien aus. Diese Suche nach dem gemeinsamen Punkt in der Konzentration der Weite macht die vier Wikinger zu einer unverwechselbaren Einheit. Im festen Verbund eines kohäsiven Quartetts schälen sich vier Individualisten heraus. Die Musik bleibt im jazzigen Flow kontemplativ, und doch sind da plötzlich Störgeräusche, Umleitungen und Ablenkungen. Radikale Bewusstheit, mit der sie diese ebenso monolithische wie holistische Musik spielen.

Iceland Ambient

Island da hat es wenig Leute, aber ganz viel gute Musik. Ein Beispiel dafür ist die Band ADHD. Ihre Musik ist so etwas wie der vertonte Charakter dieser Insel im Nordatlantik. Das Gemüt ist ruhig, die Töne kühl und das Timbre melancholisch. Es ist Jazz, der nahe am Ambient schreitet wären da nicht die tektonischen Verschiebungen im Untergrund. Dieser unsichere Boden bringt nun ordentlich Bewegung in die Sache. Sinnliche Sax-Melodien und Hammond-Teppiche werden plötzlich gefährlich und enden in feurigen Eruptionen. So wird die eigentümlich berührende Musik zu einem Trip an den Vulkankrater, was hier meisterlich inszeniert wird. Die Band ist dafür schon zig-fach mit Preisen ausgezeichnet worden.

Toto, The Who, Judas Priest, Joe Satriani, Peter Gabriel. Asia, Jeff Beck, Mick Jagger,  Mike Oldfield, .... Das ist nur ein kleiner Ausschnitt einer langen Liste an Bands, welche Simon Phillips bereits als Schlagzeuger engagiert haben. Zweifellos einer der besten Schlagzeuger der Welt wird, mit formidabler Band, im Trdeibhaus für ein musikalisches Feuerwerk sorgen.
Der dem Rock, Fusion und Jazz Genre zuzuordnende Phillips begann mit 12 Jahren als Drummer in der Dixieland-Band seines Vaters zu spielen. Mit 16 bekam er das Angebot, beim Musical Jesus Christ Superstar mitzuwirken - das war sein großer Durchbruch - und schon bald war er einer der gefragtesten Drummer Londons. Seit 1988 widmet er sich auch dem eigenen Songwriting. Sein erstes Soloalbum «Protocol» nahm er 1988 auf, 1992 folgte das Livealbum «Force Majeur». In diesem Jahr erhielt er auch die Anfrage Toto fortan als festes Bandmitglied zu begleiten. Es folgte eine 21-jährigen Zusammenarbeit als Schlagzeuger der Band. Das Konzert-Highlight der Superlative mit Simon Phillips auf seiner „Protocol - 30th Anniversary Tour“ im Treibhaus.

Otmaro Ruiz (keyboards)
Ernest Tibbs (bass)
Alex Sill (guitar)
Jacob Scesney (sax)
SIMON PHILLIPS -drums

BIO

Simon Phillips gelang mit dem Musical "Jesus Christ Superstar" 1972 der Durchbruch. Kurze Zeit später spielte er für die Heavy-Metal-Band Judas Priest auf deren Album "Sin After Sin". Er gehörte u. a. zum britischen Bandprojekt Ph.D., dessen erfolgreichste Single "I Won’t Let You Down" nach ihrem Erscheinen 1981 auch deutschlandweit im Radio lief und sich Anfang 1982 in den deutschen Top 20 platzieren konnte.
Einem größeren Publikum wurde er insbesondere als Schlagzeuger von Mike Oldfield auf diversen Veröffentlichungen bekannt, u. a. auf dessen Alben "Crises" (1983) und "Discovery" (1984), die er mit Oldfield gemeinsam produzierte und den er auch auf den folgenden Welttourneen begleitete. 1987 war Simon Phillips Mitglied von Pete Yorks erstem Super Drumming-Projekt. 1988 startete er mit der Veröffentlichung des Albums "Protocol" zudem eine Solokarriere im Bereich Jazz-Rock, in deren Verlauf ihn seither unter anderen der Gitarrist Ray Russell (Musiker), der Bassist Anthony Jackson und der Pianist Jeff Babko begleitet haben. Phillips tourte 1990 mit Jeff Baxter (Steely Dan, Doobie Brothers), John Entwistle (The Who), Joe Walsh (Eagles) und Keith Emerson (Emerson, Lake and Palmer) unter dem Bandnamen The Best durch Hawaii und Japan. Ein Album dieser Besetzung kam nicht zustande. 

Im August 1992, nur wenige Tage nach dem Tod von Toto-Schlagzeuger Jeff Porcaro, erhielt Simon Phillips einen Anruf von Steve Lukather, dem Gitarristen von Toto. Lukather fragte ihn, ob er es sich vorstellen könne, mit Toto auf Welttournee zu gehen. Phillips brach sämtliche Studioarbeiten ab, beschleunigte seinen geplanten Umzug nach Amerika, und verließ England am 31. August 1992 mit dem Ziel L.A., wo am nächsten Tag die Proben für die Tournee von Toto begannen. Nach der Tournee baten Toto ihn, ein ständiges Mitglied der Band zu werden. Phillips willigte ein und begann kurz darauf, mit der Band deren neues Album einzuspielen. Neben dem Album "Tambu" aus dem Jahr 1995, spielte er auf sechs weiteren Alben mit der Band zusammen. 2014 trennte sich Simon Phillips zu Gunsten seiner eigenen Solokarriere in einem freundschaftlichen Verhältnis von Toto.

Phillips wurde in seiner Karriere auch immer wieder als Produzent tätig. In seiner Karriere hat Phillips bei vielen Bands und Interpreten auf Studio-Aufnahmen oder Konzerten mitgearbeitet, u. a. Jeff Beck, Peter Gabriel, Mick Jagger, Judas Priest, Gary Moore, Mike Oldfield und The Who. In einem besonders reizvollem Projekt spielt er zusammen mit der japanischen Pianistin Hiromi und dem Bassisten Anthony Jackson.

Florentina ist frischgebackene Co-Pilotin und wünscht sich von Fridolin einen Testflug ans Meer. Von unbändiger Reise- und Abenteuerlust getrieben, begeben sich die beiden mit ihrem wilden Jazz-Flugzeug und dem Publikum auf eine bewegte Reise voller Überraschungen: Sie tauchen durch kunterbunte Wasserwelten und stranden schließlich auf der schaurig schönen Insel Fürchtistan! Obwohl die Furcht vor den ganz und gar mysteriösen Inselbewohnern - den „Schrecksigittolupen“ - oft groß ist, überwiegt zu jeder Zeit die Musik und alle Ängste werden mit Hilfe des Publikums unmittelbar weggesungen.

Mit:
Benedikt Grawe: Fridolin
Juliana Haider: Florentina

Die Band/Das Flugzeug:

Florian Bramböck – Saxophone / Der Auspuff 
Christian Wegscheider – Klavier / Der Flügel
Klaus Telfser – Kontrabass / Das Steuerruder
Klaus Hofer – Schlagzeug / Der Propeller

Rapperin, Moderatorin, Buchautorin – der Lebenslaufvon FIVA kann sich sehen lassen. Siebzehn Jahre sind seit ihrem Debütalbum „Spiegelschrift“ auf dem legendären Hamburger Label Buback vergangen. Zwischenzeitlich erfand sie sich musikalisch immer wieder neu, ohne den Fokus auf ihre größte Stärke zu verlieren: Texte, die weit unter die Oberfläche gehen, Emotionen zeichnen und den Alltag aus ganz neuen Perspektiven karikieren. Nicht umsonst gilt FIVA seit Jahren als eine der relevantesten deutschen Female MCs.

2019 feiert FIVA ihr 20jähriges Bühnenjubiläum und kehrt nach zwei wundervollen Jahren ausverkaufter Tourneen und Festivals mit der Münchner Jazzrausch Bigband mit neuem Live Programm und Album zurück auf ihre Lienlingsbühnenin Deutschland, Österreich und der Schweiz - sie  verspricht dabei wie immer Gänsehautmomente, Special Guests und den ein oder anderen neuen Hit - also durch und durch eine Jubiläumsfeier der Superlative! 

SCHWINDELFREI - 13 WEIBERGESCHICHTEN nach dem Buch SCHWINDELFREI von Uli Brée .
„Vorstadtweiber“ - Erfinder Uli Brée erzählt Geschichten über Frauen: ergreifende und erfrischend komische, aufrichtige und verlogene, poetisch verdichtete und wahrhaftig erinnerte.
13 Weibergeschichten hat sich das Staatstheater geklaut und bringt sie nun erstmalig und lustvoll auf die Bühne.
Die Großstadtweiber werden bei Susi Weber und dem Staatstheater Kleinstadt-tussen...
Für Mann und Frau von A wie Anfang bis Z wie Zores.
„Er lud natürlich Ina Schmitz`Hintern ein. Der Rest kam auch mit.“

Regie: Susi Weber
Musikalische Leitung: Juliana Haider
Ausstattung: Esther Frommann
es spielen: Ute Heidorn, Carmen Gratl, Sarah Jung, Juliana Haider 

Frauen sind gar nicht so, sie sind ganz anders ...

Frauen sind das Beste und manchmal auch das Schlimmste, was einem Mann passieren kann ...
„Vorstadtweiber“-Erfinder Uli Brée erzählt Geschichten über Frauen: ergreifende und erfrischend komische, aufrichtige und verlogene, poetisch verdichtete und wahrhaftig erinnerte. Nichts in diesem Buch ist wirklich so geschehen und doch ist es genau so passiert. Uli Brée beleuchtet Abgründe, huldigt verflossenen Liebschaften, entführt uns in die Welt von realen und virtuellen Sehnsüchten und erweist sich als einer, der nie aufgehört hat, staunend vor der fremd-vertrauten Welt der Frauen zu stehen. Vor allem aber erinnert er uns an unsere eigenen Liebeshöhenflüge – und die darauf folgenden Abstürze. „Schwindelfrei“ erzählt vom ersten Sex, von Sekundenliebe, feuchten Jungenfantasien, absurden Träumen, von der großen Leidenschaft, von Hormonen und Schokolade oder Reisen durch eine Dating-App. Ein lustvolles und fast ehrliches Buch, das Uli Brée allen Frauen widmet: von A wie Anfang bis Z wie Zores.
 Uli Brée :SCHWINDELFREI.  erschienen im Residenz Verlag 2017, Salzburg

13  abgründige Weibergeschichten - Premieren-Kritik von Christine Frei

Nein, ein klassisches Theaterstück sollten Sie sich von den drei titanengroßen weiß gewandeten Göttinnen, die da im Treibhauskeller in geradezu schwindelerregender Höhe über allem und jedem stehen, und auch von der kleinen rothaarigen Koboldin, die immer mal wieder aus dem Übermutterunterrock hervorkriecht, um Schlager anzustimmen und verschrobene Texte anzureißen, beileibe nicht erwarten. Regisseurin Susi Weber, die sich bekannterweise ganz hervorragend auf klassisch gespieltes Theater versteht, hat dieses Mal für das Staatstheater eine Erzählperformance der besonders eindrücklichen Art ausgeheckt und entwickelt. Denn „Schwindelfrei – 13 Weibergeschichten“ basiert auf dem im Herbst letzten Jahres erschienenen gleichnamigen Erzählband des Wahltiroler Erfolgsautors Uli Brée, der hier auf sehr eindrückliche Weise und abseits des Vorstadtweiberhypes seine Fabulierkunst offenlegt. Die dreizehn Geschichten, die Weber den drei Göttinnen Ute Heidorn, Carmen Gratl, Lisa Hörtnagl in den Mund legt, sind nämlich so abgründig fantastisch und brillant hinterfotzig, dass einem angesichts der aberwitzigen Wendungen im Text oft nur noch staunend der Mund offenbleibt. Geradezu bezaubernd skurril auch die Gesangsauftritte von Koboldmädchen Juliana Haider, das immer wieder Ute Heidorns Rock entschlüpft. Und Esther Frommann hat auch in dieser Staatstheaterproduktion wieder mal eindrucksvoll bewiesen, dass sie die unumstrittene Ausstattungskönigin (oder sollten wir sie fortan Göttin nennen?) der freien Szene ist. 

Farangi - Du Baroque à l'Orient

Renaud Garcia-Fons - Kontrabass
Claire Antonini - Laute / Theorbe

Er gilt als der „Paganini des Kontrabasses“: der Franzose Renaud Garcia-Fons gilt als einer der virtuosesten Kontrabassisten der Gegenwart. Für sein jüngstes Projekt „Farangi“ hat er sich mit der Weltklassen-Lautenspielerin Claire Antonini zusammengetan.
Zwei Musiker, ein Duo und ein gemeinsames Bestreben: Der musikalischen Begegnung von Orient und Okzident und ganz besonders der Barockmusik eine neue Ausdrucksweise einzuhauchen. Claire Antonini und Renaud Garcia-Fons verbindet eine ungewöhnliche musikalische Laufbahn: Während Antonini neben der barocken Laute ebenso auf Theorbe, der iranischen Tar oder der kurdischen Tanbur brilliert, hat Garcia-Fons über die Jahre eine einzigartige Klangsprache auf seinem fünfsaitigen Kontrabass entwickelt: Eine musikalische Verbindung von Orient und Okzident, die vielschichtig und farbenfroh schillert. Die beiden Ausnahmeinstrumentalisten, die sowohl in der Jazzszene, als auch in der Alten Musik und Weltmusik große Namen sind, stehen immer wieder gemeinsam auf den internationalen Bühnen: Der Oper in Lyon, der Met in New York oder beim Festival Elmau in Deutschland. Zu hören gibt es eine elegante Fusion von Barockem (Kapsberger, Chambonnières, Vieux Gauthier) sowie kurdischen und persischen Elementen und Renaud Garcia-Fons’ Eigenkompositionen.

Die beiden außergewöhnlichen Musiker Renaud Garcia-Fons und Claire Antonini formten bereits vor ein paar Jahren ein Duo. Ihre Musik ist seither weiter gereift und jeder der beiden bringt nun seine ganz eigenen Erfahrungen, Leidenschaften für frühe Musik, Jazz und im weitesten Sinne orientalische Musik mit ein. Die Liebe für Melodien, die Rhythmen der alten Traditionen und den für modalen Musik-Ausdruck geben diesem Projekt ihren einzigartigen Sound. Das Repertoire besteht aus 19 kurzen und größtenteils eigenen Kompositionen, die in Form von Miniaturen eine imaginäre Reise zu einer kulturellen Kreuzung darstellen. So klingt der Kontrabass manchmal wie eine Ney und die Theorbe wie ein Sitar. Die Kombination der beiden Stimmen und ihre vielfältigen Timbres und Modi geben den Stücken immer neue Orchestrierungen. Farangi (der Fremde im Persischen), der Reisende, der von Westen her kommt, will diese natürliche Verbindung feiern, und mit Hilfe der Musik und ihren verschiedenen Stilen als universelle Sprache die Herzen der Zuhörer ansprechen.

Schon mit dem kraftvollen Auftakt wird klar, wohin die Klangreise mit der CD „Farangi - Du Baroque à l'Orient“ gehen soll. Claire Antonini mit ihrer Theorbe und Renaud García-Fons am Kontrabass wollen einen weiten Bogen durch Raum und Zeit schlagen, von der europäischen Barockmusik bis in den Orient. Auf stets neue Art und Weise setzen sie hierfür ihre beiden Saiteninstrumente ein. Es wird geschlagen und gezupft, gestrichen und tremoliert und dabei keine Sekunde Intensität verschenkt.

Claire Antonini - Laute im XXL-Format

Claire Antonini ist eine Spezialistin für alte Saiteninstrumente. Ihre Theorbe muss man beschreiben, denn sie kommt heute nicht mehr alltäglich zum Einsatz. Ein wenig gleicht sie einer Laute, allerdings im Format XXL. Vom großen Korpus ragt ein sehr langes und breites Griffbrett mit sehr vielen Saiten ab. Ein Teil davon wird gezupft oder angeschlagen, der andere schwingt einfach mit. Das Klangspektrum der Theorbe ist frappierend, sie hat gleichermaßen Body wie unendlich viele Obertöne. Im Duett mit dem robusten Kontrabass von Renaud García-Fons eifern beide um die Deutungshoheit und übertrumpfen sich mit enormer Spiellaune.

Stilistisch lässt sich da wenig einordnen, jede Schublade ist zu klein. Seit Jahrzehnten ist der Kontrabassist zwischen den Musikwelten unterwegs. Er wildert im Jazz, jagt durch die Weltmusik, hat ein Ohr auf die Klassik gerichtet und das andere Richtung orientalischer Musik. Genre-Grenzen sind für García-Fons kleine Hürden, die man sportlich nehmen muss. Beflügelt wird seine Neugier von einer überragenden Spieltechnik. Doch bei der Neuerscheinung ist bei weitem nicht alles auf Tempo gebürstet. Im Duett erschaffen Renaud García-Fons und Claire Antonini immer wieder ruhige Klangflächen, auf denen sie kontemplativ verweilen.

Spezialistin in Klangvielfalt und Spieltechnik an der Theorbe.
Renaud García-Fons und Claire Antonini sind als Duett schon seit vielen Jahren aktiv. Sie steht dabei dem Überflieger am Kontrabass in nichts nach. Die Künstlerin studierte sowohl Alte wie Orientalische Musik und begleitet regelmäßig den berühmten Countertenor Philippe Jaroussky. Sie kann eine Vielfalt an Spieltechniken abrufen, die weit über das Können einer Barockspezialistin hinausreichen.

RENAUD GARCIA FONS: DER PAGANINI DES KONTRABASSES

"Ich habe die verschiedensten Arten von Musik studiert, und meine Ausbildung fiel ein bisschen aus dem Rahmen: Klassik, Jazz, orientalische Musik. Das bewirkte, dass ich mich heute auf ganz unterschiedlichen Terrains bewege, auch wenn es eine kontinuierliche Entwicklung gibt. Was mein Spiel auf dem Kontrabass besonders charakterisiert, ist, dass ich häufig den Bogen einsetze. Es hat mich immer sehr fasziniert, den Bass zum Singen zu bringen."
So bescheiden-charmant beschreibt der französische Bassist Renaud Garcia-Fons sich, seine Musik und seine einzigartige Spielweise. Doch die Trickkiste des Klangmagiers hält noch mehr bereit: eine 5te, hohe Saite. Die montiert Garcia-Fons Mitte der 80er auf seine Standgeige und verwandelt den Bass damit in ein ausgewachsenes Soloinstrument.
Von Kind auf bewegt sich der Virtuose im produktiven Spannungsfeld verschiedener Kulturen. Er kommt am 24.12.1962 als Sohn spanischer Emigranten nahe Paris zur Welt. Die katalonischen Eltern machen ihn früh mit der Musik ihrer alten Heimat vertraut. Mit fünf Jahren schickt sich Garcia-Fons an, seine Hör-Erfahrung in die Praxis umzusetzen. Er nimmt Klavier-Unterricht, wechselt jedoch nach einiger Zeit zur klassischen Gitarre. Im Alter von 16 Jahren entdeckt der junge Musiker sein Instrument fürs Leben: den Kontrabass

Am Pariser Konservatorium studiert er den tieftönigen Viersaiter. Sein Lehrer, der syrische Bassist François Rabbath, weiht ihn in das musikalische Vermächtnis des vorderen Orients ein und beeinflusst damit Garcia-Fons' Werk nachhaltig. Während dieser Zeit spielt der begabte Musiker zudem in der Big Band des Trompeters Roger Guerin. Hier arbeitet er mit den Schlagzeug-Koryphäen Kenny Clarke und Sam Woodyard zusammen. Das Training zahlt sich aus. Mit 21 gewinnt er eine Reihe von Musikwettbewerben der Städte Aubervilliers und Paris. Das französische Kulturministerium erteilt ihm daraufhin einen Professoren-Titel.
Von diesem Zeitpunkt an geht Garcia-Fons eigene Wege. Er möchte den Bass aus seinem Schatten-Dasein als Begleitinstrument befreien und versucht sich an experimentellen Improvisationen. Um den klanglichen Horizont des Instruments zu erweitern, fügt er den herkömmlichen vier Saiten eine weitere hinzu. Diese Innovation macht ihn berühmt und bringt ihm den Beinamen "Paganini des Kontrabasses" ein.

SCHWINDELFREI - 13 WEIBERGESCHICHTEN nach dem Buch SCHWINDELFREI von Uli Brée .
„Vorstadtweiber“ - Erfinder Uli Brée erzählt Geschichten über Frauen: ergreifende und erfrischend komische, aufrichtige und verlogene, poetisch verdichtete und wahrhaftig erinnerte.
13 Weibergeschichten hat sich das Staatstheater geklaut und bringt sie nun erstmalig und lustvoll auf die Bühne.
Die Großstadtweiber werden bei Susi Weber und dem Staatstheater Kleinstadt-tussen...
Für Mann und Frau von A wie Anfang bis Z wie Zores.
„Er lud natürlich Ina Schmitz`Hintern ein. Der Rest kam auch mit.“

Regie: Susi Weber
Musikalische Leitung: Juliana Haider
Ausstattung: Esther Frommann
es spielen: Ute Heidorn, Carmen Gratl, Sarah Jung, Juliana Haider 

Frauen sind gar nicht so, sie sind ganz anders ...

Frauen sind das Beste und manchmal auch das Schlimmste, was einem Mann passieren kann ...
„Vorstadtweiber“-Erfinder Uli Brée erzählt Geschichten über Frauen: ergreifende und erfrischend komische, aufrichtige und verlogene, poetisch verdichtete und wahrhaftig erinnerte. Nichts in diesem Buch ist wirklich so geschehen und doch ist es genau so passiert. Uli Brée beleuchtet Abgründe, huldigt verflossenen Liebschaften, entführt uns in die Welt von realen und virtuellen Sehnsüchten und erweist sich als einer, der nie aufgehört hat, staunend vor der fremd-vertrauten Welt der Frauen zu stehen. Vor allem aber erinnert er uns an unsere eigenen Liebeshöhenflüge – und die darauf folgenden Abstürze. „Schwindelfrei“ erzählt vom ersten Sex, von Sekundenliebe, feuchten Jungenfantasien, absurden Träumen, von der großen Leidenschaft, von Hormonen und Schokolade oder Reisen durch eine Dating-App. Ein lustvolles und fast ehrliches Buch, das Uli Brée allen Frauen widmet: von A wie Anfang bis Z wie Zores.
 Uli Brée :SCHWINDELFREI.  erschienen im Residenz Verlag 2017, Salzburg

13  abgründige Weibergeschichten - Premieren-Kritik von Christine Frei

Nein, ein klassisches Theaterstück sollten Sie sich von den drei titanengroßen weiß gewandeten Göttinnen, die da im Treibhauskeller in geradezu schwindelerregender Höhe über allem und jedem stehen, und auch von der kleinen rothaarigen Koboldin, die immer mal wieder aus dem Übermutterunterrock hervorkriecht, um Schlager anzustimmen und verschrobene Texte anzureißen, beileibe nicht erwarten. Regisseurin Susi Weber, die sich bekannterweise ganz hervorragend auf klassisch gespieltes Theater versteht, hat dieses Mal für das Staatstheater eine Erzählperformance der besonders eindrücklichen Art ausgeheckt und entwickelt. Denn „Schwindelfrei – 13 Weibergeschichten“ basiert auf dem im Herbst letzten Jahres erschienenen gleichnamigen Erzählband des Wahltiroler Erfolgsautors Uli Brée, der hier auf sehr eindrückliche Weise und abseits des Vorstadtweiberhypes seine Fabulierkunst offenlegt. Die dreizehn Geschichten, die Weber den drei Göttinnen Ute Heidorn, Carmen Gratl, Lisa Hörtnagl in den Mund legt, sind nämlich so abgründig fantastisch und brillant hinterfotzig, dass einem angesichts der aberwitzigen Wendungen im Text oft nur noch staunend der Mund offenbleibt. Geradezu bezaubernd skurril auch die Gesangsauftritte von Koboldmädchen Juliana Haider, das immer wieder Ute Heidorns Rock entschlüpft. Und Esther Frommann hat auch in dieser Staatstheaterproduktion wieder mal eindrucksvoll bewiesen, dass sie die unumstrittene Ausstattungskönigin (oder sollten wir sie fortan Göttin nennen?) der freien Szene ist. 

GAGS GAGS GAGS

Im Treibhaus erprobt fegen die zwei liebenswürdigsten FernsehAnarchos mit ihrem neuen Kabarettprogramm  über die Kabarettbühnen des Landes. GAGS GAGS GAGS, live, jeden abend neu und mit wunderbaren Gästen.
Gewohnt erstklassig (?) flitzen die beiden, die „eigentlich zu gut für’s Fernsehen“ (John Cleese) sind, durch den selbst gesteckten Gag-Slalom.
Beide, auch der Deutsche (Stermann), verirren sich aber nie ins kabarettistisch Ressentimentale oder langweilen mit öden sozialdemokratischen Pointen. Keine Sekunde mit Stermann und Grissemann ist Zeitverschwendung. „Gags, Gags, Gags!“
"Ein Höhepunkt mitteleuropäischer Humorartistik" (Sir Peter Ustinov, noch zu Lebzeiten)
"Das Schlechteste nicht" (Jon Stewart)
"Wer?" (Bundeskanzler Christian Kern)

 mit wunderbaren Gäster. ARMIN WOLF zum beispiel.

Zu den Personen
Bekannt wurden Christoph Grissemann und Dirk Stermann durch ihre wöchentliche Radiosendung "Salon Helga", die ab 1989 zunächst auf Ö3 und von 1995 bis 2014 auf FM4 zu hören war. Hinzu kommen Bühnen-Auftritte im gesamten deutschsprachigen Raum, Buchveröffentlichungen, DVDs und CDs. Seit Mai 2007 führen Stermann & Grissemann durch die wöchentliche Late Night Show „Willkommen Österreich“ - Dienstag Nacht auf ORF eins.
1999 feierten Christoph Grissemann und Dirk Stermann „Das Ende zweier Entertainer“ mit ihrem ersten Kabarettprogramm, um schließlich mit „Die Karawane des Grauens“ (2000) wieder aufzuerstehen. „Willkommen in der Ohrfeigenanstalt“ (2002) und „Harte Hasen“ (2005) gingen dem Programm „Die Deutsche Kochschau“ voraus, das von 2007 bis 2011 für volle Hallen und Begeisterung sorgte. Derzeit sind Stermann & Grissemann mit ihrem Kabarettprogramm "Stermann" auf den Bühnen zu sehen. Seit Anfang 2016 mimen die beiden im neu interpretierten Broadwayklassiker "Sonny Boys" ein alterndes exzentrisches Komikerduo. Im Herbst 2016 folgt mit "Das Ei ist hart!" ein neuer Loriot-Bühnenabend.
Internet-Clips wie „Die Deutsche Kochschau“, „Alpenzoo“, „Club 2“ oder „Andi & Alex“, „Die Fischers“ ließen ihren Bekanntheitsgrad binnen kürzester Zeit in die Höhe schnellen. Hunderttausend Fans verfolgen den Alltag der beiden Komiker auch via Facebook.
Um es mit der Süddeutschen Zeitung zu halten:
„Gegen die beiden wirkt Chef-Zyniker Harald Schmidt wie ein braver Nachrichtensprecher, die Titanic-Redaktion wie ein Haufen verschüchterter Zögerlinge und Nonsense-König Helge Schneider wie ein rückwärtsgewandter, angepasster Super-Spießer.“

PREMIERENKRITIK

(kurier)

Stermann und Grissemann bringen mit „Gags, Gags, Gags“ ihre wöchentliche Late-Night-Show auf ORFeins,  „Willkommen Österreich“,  auf die Bühne. Was Besseres sei ihnen nicht eingefallen. Das neue Programm entstand, wie Grissemann im KURIER-Interview zugibt, ausschließlich aus Mangel an anderen Ideen. Das Ziel sei „so zu tun, als ob. Also man macht in Wahrheit Kammermusik und tut so, als wäre es Jazz.“
Und so findet sich das Publikum bei der Premiere im ausverkauften Globe Wien im erweiterten und nachgebauten „Willkommen Österreich“-Studio wieder, wo die  beiden Komiker vor ihrer 1165 Sendung stehen. Bevor diese beginnt, wird das Publikum auf die Sendung vorbereitet – „Appläuse“ werden geübt, Lacher geprobt und Pointen getestet. In Ping-Pong-Manier stellen sich der gebürtige Tiroler und der Deutsche gegenseitig vor. Grissemann über Stermann:  „Darf ich vorstellen, die bizarre Mischung aus Richard Gere und Johannes Heesters“. Stermann kontert mit "Karfiolfrisur" und im Tonfall eines Märchenonkels: „An meiner Seite, das offizielle Gesicht zur Mondlandung: Christoph Maria Grissemann“. Der von einer "Altersakne" geplagte Grissemann ist aber nicht lange beleidigt, sondern erzählt, dass er in Internetforen als erstes österreichisches HD-Opfer bezeichnet wird. Gelächter.
Im zweiten Teil durchforsten Stermann und Grissemann ihr Handy nach halbwegs erträglichen Studiogästen: André Heller? Der hat Besseres vor. Tobias Moretti? Keine Zeit. „Scheiß auf die Stars!“, schreit Grissemann frustriert. Danach wird die Sendung aus Erfolglosigkeit abgebrochen. Die Karriere ist beendet. Ein ORF-Mitarbeiter baut das Studio ab. Es geht Beckett-mäßig zur Sache – abgründiger und feiner Humor.  
Das bereits im Vorfeld angekündigte Sammelsurium "aus feiner Beschimpfung, Sinnsabotage und Selbstdemontage, Nonsens, bizarrer Parodie, Persiflage und Polemik" wird bei der Premiere auch geliefert. Ganz nach dem Motto: Man muss dem Publikum geben, was es verlangt – auch wenn es am Ende die Wiederholung vom Immergleichen ist.

GAGS GAGS GAGS

Im Treibhaus erprobt fegen die zwei liebenswürdigsten FernsehAnarchos mit ihrem Kabarettprogramm  nun über die Kabarettbühnen des Landes. GAGS GAGS GAGS, live, jeden abend neu und mit wunderbaren Gästen.
Gewohnt erstklassig (?) flitzen die beiden, die „eigentlich zu gut für’s Fernsehen“ (John Cleese) sind, durch den selbst gesteckten Gag-Slalom.
Beide, auch der Deutsche (Stermann), verirren sich aber nie ins kabarettistisch Ressentimentale oder langweilen mit öden sozialdemokratischen Pointen. Keine Sekunde mit Stermann und Grissemann ist Zeitverschwendung. „Gags, Gags, Gags!“
"Ein Höhepunkt mitteleuropäischer Humorartistik" (Sir Peter Ustinov, noch zu Lebzeiten)
"Das Schlechteste nicht" (Jon Stewart)
"Wer?" (Bundeskanzler Christian Kern)

 mit wunderbaren Gäster. ARMIN WOLF zum beispiel.

Zu den Personen
Bekannt wurden Christoph Grissemann und Dirk Stermann durch ihre wöchentliche Radiosendung "Salon Helga", die ab 1989 zunächst auf Ö3 und von 1995 bis 2014 auf FM4 zu hören war. Hinzu kommen Bühnen-Auftritte im gesamten deutschsprachigen Raum, Buchveröffentlichungen, DVDs und CDs. Seit Mai 2007 führen Stermann & Grissemann durch die wöchentliche Late Night Show „Willkommen Österreich“ - Dienstag Nacht auf ORF eins.
1999 feierten Christoph Grissemann und Dirk Stermann „Das Ende zweier Entertainer“ mit ihrem ersten Kabarettprogramm, um schließlich mit „Die Karawane des Grauens“ (2000) wieder aufzuerstehen. „Willkommen in der Ohrfeigenanstalt“ (2002) und „Harte Hasen“ (2005) gingen dem Programm „Die Deutsche Kochschau“ voraus, das von 2007 bis 2011 für volle Hallen und Begeisterung sorgte. Derzeit sind Stermann & Grissemann mit ihrem Kabarettprogramm "Stermann" auf den Bühnen zu sehen. Seit Anfang 2016 mimen die beiden im neu interpretierten Broadwayklassiker "Sonny Boys" ein alterndes exzentrisches Komikerduo. Im Herbst 2016 folgt mit "Das Ei ist hart!" ein neuer Loriot-Bühnenabend.
Internet-Clips wie „Die Deutsche Kochschau“, „Alpenzoo“, „Club 2“ oder „Andi & Alex“, „Die Fischers“ ließen ihren Bekanntheitsgrad binnen kürzester Zeit in die Höhe schnellen. Hunderttausend Fans verfolgen den Alltag der beiden Komiker auch via Facebook.
Um es mit der Süddeutschen Zeitung zu halten:
„Gegen die beiden wirkt Chef-Zyniker Harald Schmidt wie ein braver Nachrichtensprecher, die Titanic-Redaktion wie ein Haufen verschüchterter Zögerlinge und Nonsense-König Helge Schneider wie ein rückwärtsgewandter, angepasster Super-Spießer.“

PREMIERENKRITIK

(kurier)

Stermann und Grissemann bringen mit „Gags, Gags, Gags“ ihre wöchentliche Late-Night-Show auf ORFeins,  „Willkommen Österreich“,  auf die Bühne. Was Besseres sei ihnen nicht eingefallen. Das neue Programm entstand, wie Grissemann im KURIER-Interview zugibt, ausschließlich aus Mangel an anderen Ideen. Das Ziel sei „so zu tun, als ob. Also man macht in Wahrheit Kammermusik und tut so, als wäre es Jazz.“
Und so findet sich das Publikum bei der Premiere im ausverkauften Globe Wien im erweiterten und nachgebauten „Willkommen Österreich“-Studio wieder, wo die  beiden Komiker vor ihrer 1165 Sendung stehen. Bevor diese beginnt, wird das Publikum auf die Sendung vorbereitet – „Appläuse“ werden geübt, Lacher geprobt und Pointen getestet. In Ping-Pong-Manier stellen sich der gebürtige Tiroler und der Deutsche gegenseitig vor. Grissemann über Stermann:  „Darf ich vorstellen, die bizarre Mischung aus Richard Gere und Johannes Heesters“. Stermann kontert mit "Karfiolfrisur" und im Tonfall eines Märchenonkels: „An meiner Seite, das offizielle Gesicht zur Mondlandung: Christoph Maria Grissemann“. Der von einer "Altersakne" geplagte Grissemann ist aber nicht lange beleidigt, sondern erzählt, dass er in Internetforen als erstes österreichisches HD-Opfer bezeichnet wird. Gelächter.
Im zweiten Teil durchforsten Stermann und Grissemann ihr Handy nach halbwegs erträglichen Studiogästen: André Heller? Der hat Besseres vor. Tobias Moretti? Keine Zeit. „Scheiß auf die Stars!“, schreit Grissemann frustriert. Danach wird die Sendung aus Erfolglosigkeit abgebrochen. Die Karriere ist beendet. Ein ORF-Mitarbeiter baut das Studio ab. Es geht Beckett-mäßig zur Sache – abgründiger und feiner Humor.  
Das bereits im Vorfeld angekündigte Sammelsurium "aus feiner Beschimpfung, Sinnsabotage und Selbstdemontage, Nonsens, bizarrer Parodie, Persiflage und Polemik" wird bei der Premiere auch geliefert. Ganz nach dem Motto: Man muss dem Publikum geben, was es verlangt – auch wenn es am Ende die Wiederholung vom Immergleichen ist.

Ida Kristine Nielsen alias Bassida oder auch Ida Funkhouser, wurde durch ihre Zusammenarbeit mit Prince bekannt. Als Bassistin, Musikerin und Eyecatcher sorgte die dänische Schönheit ab dem Jahre 2010 in den Backing Bands des Meisters „The New Power Generation“ und „3rdeyegirl“ für die tiefen Töne.
Doch bis in die heiligen Hallen der Paisley Park Studios war es ein weiter Weg. Von 1993 bis 1998 studierte sie an der „The Royal Danish Academy of Music“, diplomierte am E-Bass, spielte in den Bands Zap Mama, MLTR, schrieb Songs und veröffentlichte 2007 ein Solo-Album Namens Marmelade, das sie unter dem Künstlernamen Bassida veröffentlichte. 3 Jahre später wurde sie zum „Purple Pick of …“, also zu etwas vom Meister auserkorenen.
Ida hat bisher 2  funkige Alben veröffentlicht! Bis zum Tode von Prince hat Ida an ihrem dritten Album gearbeitet, das wegen der Verabschiedung des Meisters kurzzeitig auf Eis gelegt wurde. Nun aber ist „Turnitup“ im Handel erhältlich und groovt sich mit einer Mischung aus Oldschool Funk, HipHop, Reggae, Weltmusik und einem nicht zu überhörenden Schuss Prince in die Ohren der Fans.

Ida Nielsens Stern am Bass-Himmel ging auf, als ein gewisser Prince sie 2010 in seine Formation NPG und später dann in 3rdEyeGirl einlud. Und das aus gutem Grund, denn die Dänin hat den Funk gepachtet, mit allem, die man dafür braucht: Slap, Fingerstyle, Improvisation, Sound und Bühnen-Präsenz – immer unter dem gemeinsamen Nenner: Funk mit fettem F! So fett wie ihr typischer Bass-Sound, den sie mit ihrem Sandberg Signature Bass und einer TC-Bassanlage produziert.
Doch es würde der Musikalität Ida Nielsens nicht gerecht werden, sie nur auf Zeit mit 3rdEyeGirl zu reduzieren, denn sie spielt seit Jahren nicht nur in vielen verschiedenen Formationen, sondern ist auch mit ihrem eigenen Projekt unterwegs. 2016 erschien das aktuelle Solo-Album ‚turnitup’, auf dem sie nicht nur Bass, sondern mit Ausnahme der Live-Drums alle anderen Instrumente selbst spielt.

Ida Nielsen: Bass + vocals
Mika Vandborg: Guitar + vocals
Patrick Dorcean: Drums
Kuku Agami: Rap/Spoken word (TBC)

 So geht es nicht weiter. Das weiß jedes Kind. Die Großen wissen es auch. Und reden sich raus. Am besten geht das mit Witzen. Da kommt der Ratschiller ins Spiel. Seine Spezialität ist das "Einetheatern". Das ist Österreichisch und heißt, er steigert sich in Sachen hinein. Und heute war wieder einiges los. Der Sex wurde erfunden und abgeschafft. Der Sozialstaat wurde erfunden und abgeschafft. Ein Brot wurde in einen Igel verwandelt. Und über all das wollen wir abends lachen. Dann können wir besser schlafen. So einfach ist das. Geht doch eh. 
Regie: Petra Dobetsberger

Pressestimmen: 

"Kabarett mit doppeltem Boden und feinem Humor" (Kurier) 
"Ein Abend mit Hosea Ratschiller ist besser als im Swingerclub" (Süddeutsche Zeitun
"Es zahlt sich aus" (Die Presse) 
"Stand Up Satire vom Allerfeinsten" (Kronen Zeitung) 
"Der Humor ist von schwärzester Sorte, erfrischend quer und von glitzernden Assoziationsgirlanden geschmückt" (AZ München) 
"Man fühlt sich gut und erschöpfend unterhalten" (DerStandard) 
"Beweist eindrucksvoll, dass sich Stand Up und intelligente Gesellschaftskritik bestens vertragen“ (kabarett.at)

Vita Hosea Ratschiller 

*1981 in Klagenfurt. Komiker. Schauspieler. Moderator. Autor. Seit der Geburt der ersten Tochter gerne Wiener. 

Die humoristische Laufbahn beginnt 1998 mit der satirischen Wochenrevue „Club Karate“ beim freien Radiosender Orange 94.0. Ratschiller wird 2003 österreichischer Meister im Poetry Slam und bald darauf und bis heute mit Martin Puntigam der Autor des „FM4 Ombudsmann“, verkörpert von Hosea Ratschiller – mit bisher über zweitausend Ausgaben die langlebigste tägliche ORF Satire-Sendung. 

2009 erstes Soloprogramm im Kabarett Niedermair. 
2012 bekommt Hosea Ratschiller der Förderpreis zum Österreichischen Kabarettpreises verliehen sowie auch Das Kleine Scharfrichterbeil, Passau. Beide Auszeichnungen nimmt er dankend an. Erleichtert tourt er von nun an mit seinen Programmen („Das gehört nicht hierher“, „Heute“, „Doppelleben“, „Der allerletzte Tag der Menschheit“…) durch Österreich, Deutschland und die Schweiz. 
2015 erscheint die vom ORF produzierte Hör-CD zu seinem Programm „Der allerletzte Tag der Menschheit (Jetzt ist wirklich Schluss!). 
2016 wird Hosea Ratschiller für sein Programm „Der allerletzte Tag der Menschheit (Jetzt ist wirklich Schluss!)“- musikalisch begleitet von Radeschnig – erneut mit dem Österreichischen Kabarettpreis ausgezeichnet. 
2017 erhält er für dieses Programm den Salzburger Stier. Das gleichnamige Buch des prämierten Stücks erscheint im gleichen Jahr im Holzbaum Verlag mit Cartoons von Stefanie Sargnagel. 
Seit 2017 ist er als Gastgeber der Mixed Show „Pratersterne“ auf ORF 1 zu sehen und ist - zusammen mit Severin Groebner und Stefanie Sargnagel –ebenfalls Gastgeber der „Letzten Wiener Lesebühne“. 
2017 gab er sein Debut als Schauspieler in der Kärntner Stadtkomödie „Harri Pinter Drecksau“ an der Seite von Jürgen Maurer und Julia Cencig. 
2019 ist es Zeit für ein neues Soloprogramm - Ein neuer mensch. (Premiere 24.9.2019 im Kabarett Niedermair, Wien).

Wenn Ihre gegenwärtige Beziehung eine Ausbildung wäre – wofür würden Sie kämpfen? Für die Einführung der täglichen Turnstunde? Für mehr naturwissenschaftliche Versuche? Für mehr Autonomie? Oder doch für bessere Technik?!
Braucht es wirklich die zweite lebende Fremdsprache oder reicht es, wenn wir uns auf Deutsch missverstehen? Sollten Vermögensbildung und Herzensbildung abwechselnd am Stundenplan stehen oder müssen wir uns für eines von beiden entscheiden? Und warum überhaupt dem Herzen folgen, wenn das Navi soviel präziser ist?
Viele Fragen, eine Antwort: Ich weiß es noch nicht!
Stefan Haider stellt in seinem neuen Soloprogramm die Frage nach dem Sinn des Wissens. Egal, ob für die Schule oder für das Leben - was denn überhaupt lernen? Und wofür? Was Hänschen nicht lernt, hätte Hans vielleicht sowieso nicht gebraucht! Zeit für Freifach: Herzensbildung! So wird Bildung wieder zum Wohlfühlthema.

https://www.youtube.com/watch?v=0NszPl_T8UE

STEFAN HAIDER. ABOUT

Ich bin seit 1972 hier am Planeten, habe meine Kindheit und Jugend im obersteirischen Knittelfeld verbracht und dann in Graz Theologie studiert. Meinen ersten Auftritt als Kabarettist hatte ich 1997, da der frühe internationale Erfolg ausblieb, startete ich 1998 daneben meine Religionslehrerkarriere. Nach dem Gewinn des Goldenen Wiener Kleinkunstnagels 2005 übersiedelte ich 2006 nach Wien.
Mit den Soloprogrammen „Plan B“ (2009), „5 nach 12“ (2011), „shake it, baby!“ (2013), „Sexy Jesus“ (2014) und „Free Jazz“ (2016) konnte ich meine jährliche Auftrittszahl stetig steigern, ich bin aber nach wie vor als Religionslehrer aktiv. Erstens natürlich, weil ich es sehr gerne mache und es großartig ist, mit jungen Menschen über den Sinn des Lebens nachzudenken. Zweitens halte ich das feste monatliche Einkommen für eine der größten kulturellen Errungenschaften der Menschheit.
Echte Highlights meiner über tausend Auftritte waren 2007 drei Auftritte als „Pausenkünstler“ bei Josef Hader, 2012 der Auftritt beim Schmähstadl XL in der Wiener Stadthalle mit Bülent Ceylan und 2015 und 2017 die Auftritte beim Wiener Rathaus Kabarettfestival vor über 1400 Leuten.
Und natürlich auch die Fernsehaufzeichnungen:
für das WDR-Fun(k)haus 2007 bis 2009, die ORF-Comedychance 2012,
die Standup Migranten 2014, die ORF III Aufzeichnungen 2012 und 2016
und die Auftritte im Hitradio Ö3 Comedy Wecker 2017 und 2018

Als der in New York lebende israelische Saxofonist Oded Tzur vor zwei Jahren sein Debütalbum Like A Great River an den Start brachte, löste er eine Welle ratloser Begeisterung aus. Begeisterung, weil seine Musik von unfassbarer emotionaler Tiefe und gelassener Dringlichkeit war.
Mit seiner zweiten CD Translater s Note setzt er diese Reise nun fort. Am Morgen ist es eine Morgen-CD, am Abend eine Abend-CD, zu Hause ist es eine Heimat-CD, in der Fremde ist es eine CD für die Fremde. Die tiefenpsychologische Magie der Klänge verändert sich mit dem Hörer.
Pianist Shai Maestro und Drummer Ziv Ravitz stehen nach Tzurs Bekenntnis für das Beste im israelischen Jazz. Sophistication und Eindringlichkeit begegnen sich in ihrem Spiel auf dem höchsten Level. Bassist Petros Klampanis bringt den griechischen Background, die Melodik des Balkans mit. Tzur selbst begann als Jazzmusiker, ist aber inzwischen mit indischer Musik wesentlich vertrauter.
Oded Tzur gehört zu den großen musikalischen Denkern unserer Zeit, die in ihrer Musik nach den universellen Zusammenhängen der Welt suchen. Seine Musik bleibt jedoch jener große Fluss, dem wir uns einfach anvertrauen können, um im Weg den Weg zu erkennen und das Ziel anderen überlassen. Somit ist Translator s Note nicht weniger als ein tiefgründiges Meisterwerk für das 21. Jahrhundert.

Oded Tzur: saxophone 
Petros Klampanis: bass
Nitai Hershkovits: piano
Jonathan Blake: drums

Tzurs einzigartige Improvisationssprache nimmt den Hörer mit auf eine Reise und ruft tiefe Kontraste zwischen stillen Passagen und dramatischen Crescendi hervor. Um das seltene Unterfangen zu verfolgen indische Musik zu spielen, einen Stil, der stark auf Mikrotonalität basiert, entwickelte Tzur eine neue Saxophontechnik – den »Middle Path«. Diese Technik ermöglicht es dem Saxophon, zwischen den Tönen zu gleiten und bestimmte Mikrotöne hervorzuheben und vom traditionellen Saxophonspiel so deutlich abzuweichen: »Wenn ein Vorhang vor ihm gezogen werden sollte, könnte niemand erkennen, welches Instrument gespielt wird«.
Im Jahr 2011 zog Tzur nach New York und gründete das ODED TZUR QUARTETT. Mit diesem Schritt vollzog sich eine Verschiebung in der Bandbreite seiner Arbeit als Komponist: Er rutschte nicht nur zwischen den Noten des Saxophons, sondern auch zwischen den melodischen Universen der indischen Klassik und des Jazz.

Der Gewinner des Grazer Kleinkunstvogels 2019 nennt seine One-Man-Show „TubAffinity“ und wirkt wie ein Tuba-spielender Mönch, der allerdings alles andere als karge Musikkost serviert und sein Instrument radikal aus der Blasmusikecke holt. Ennemoser hat Jazz studiert, ist ein profunder Beatboxer, liebt den Funk, packt völlig ungeniert den Syntheziser aus, spielt buchstäblich alle Stücke und ist ein wunderbar skurriler Entertainer, ein Dadaist, der mit einem musikalischen Augenzwinkern beinahe übersehen lässt, wie virtuos seine Musik in all ihren Facetten ist. Auf YouTube findet man zahlreiche Kostproben des Tirolers, die allesamt Lust machen auf seinen Auftritt im Treibhaus.

 Ö1: PETER BLAU: Treffen sich zwei Vögel auf der Tuba..
Mit seiner anarchisch-dadaistischen, an den frühen Alf Poier gemahnenden und völlig aus dem Rahmen der bis zu diesem Zeitpunkt gebotenen Kabarett- und Standup-Darbietungen fallenden Tuba-Beatbox-Looper-Performance gelang es den in Mönchskutte und Goldkette gewandeten Tobias Ennemoser nicht nur, die relative Mehrheit der Zuschauer für sich zu begeistern, sondern auch, die Jury zu überzeugen. Folgerichtig gewann "TubAffinity" den Publikumspreis ("Steirerkrone Publikumsvogel") und den mit 1000 Euro, weiteren Auftritten im Theatercafé und einem Engagement in Kitzbühel dotierten Hauptpreis ("E-Kleinkunstvogel").
Die Jury lobte den studierten und u.a. auch beim "Jedermann" in Salzburg mitwirkenden Musiker in ihrer Urteilsbegründung für das "mutige Ausloten von Grenzgebieten der Kleinkunst abseits des Mainstreams, seinen hohen Überraschungsfaktor und Unterhaltungswert" und die gelungene "künstlerische Kombination aus Blasmusik, Cloudrap und konkreter Poesie".

​GRAZER KLEINKUNSTVOGEL: 

selbst die kronenzeitung jubelt: Mit der Tuba zum Sieg
Tobias Ennemoser konnte als TubAffinity beide Kleinkunstvögel abräumen

Der 33. Grazer Kleinkunstwettbewerb, veranstaltet von Hin&Wider im Theatercafé, ist vorüber. Beide Vögel - rer „Steierkrone“-Publikumsvogel und der E-Steiermark-Kleinkunstvogel gingen an den 28-jährigen Tiroler Tubisten Tobias Ennemoser alias TubAffinity. Sein Innovationsgeist schlug die fünf Konkurrenten.
In einer bodenlangen roten Kapuzen-Kutte, mit schwerer Rapper-Goldkette und der großen Tuba betritt TubAffinity die Bühne. Man ahnt: Jetzt kommt etwas nie Gesehenes. Und dann spielt er Tuba, rappt in das ans Mundstück geklebte Mikro, spielt sich mit seinem Mischpult und trampelt auf der Stompbox herum. Dazwischen erzählt er vom harten Los der Tubisten mit den Frauen oder davon, dass Wasser sein „drittliebstes Element“ wäre. Seine angekündigte „politische Nummer“ besteht hauptsächlich aus dem Satz „Die Staubsaugersackerl werden immer teurer“.
Es mag zuerst völlig absurd klingen, was Alleinunterhalter Ennemoser da fabriziert. Aber genau das ist das Faszinierende daran: Hinter der anfangs verwirrenden Fassade steckt so viel mehr - ganze Welten hinter seinen Worten, und allem voran ein talentierter Musiker, der seine Beats ganz genau konzipiert hat. Einer, der das Publikum mit Leichtigkeit auf seine Seite zieht. Dieses dankt es ihm sofort mit Lachern und Rufen - 
Tobias Ennemoser hat den Überraschungsfaktor auf seiner Seite, er hat die Skurrilität und die Innovation. Im Kampf gegen fünf Stand-up-lastige Acts sticht er heraus, ist sozusagen der Paradiesvogel. Alles wichtige Gründe, wieso sich die Jury schlussendlich für den 28-jährigen Tiroler entschieden hat: „Ausloten der Grenzgebiete der Kleinkunst abseits des Mainstreams, hoher Überraschungsfaktor und Unterhaltungswert sowie künstlerische Kombination aus Blasmusik, Cloud-rap und Konkreter Poesie“, hieß es in der Begründung des Urteils. Trotzdem: Ein leichter Kampf war es nicht, die Konkurrenz war stark....

PS: TOBIAS ENNEMOSER ist auch Ensemble.Mitglieder in CHRISTIAN MUTHSPIELS  ORJATZTRA Vienna BigbandProjekt - gastiert in diesem Ensemble im Treibhaus - am 28.11. 

Eine von der Musikpresse hochgelobte Debüt-EP, zwei erfolgreiche Singles („Hopeless“ und „Rollin“), Airplay in außerösterreichischen Radiostationen, aufsehenerregende Auftritte bei namhaften Festivals und eine Nominierung bei den UK MUSIC VIDEO AWARDS im Oktober 2017 als „Best Pop Newcomer“: Kein Wunder, dass nicht wenige im Wiener Duo LEA SANTEE das nächste große österreichische Pop-Ding sehen.

Lauscht man sich durch die neue Single „Wine“, wird eigentlich sofort klar, warum dieses in Wien beheimatete Duo im Moment so viel Interesse erregt. Hier scharrt hörbar eine Band in den Startlöchern, die definitiv das Zeug hat, in einem größeren, nicht nur heimatlichen Rahmen auf sich aufmerksam zu machen. Lea Santee sind die Songwriterin und Sängerin Lea Stöger und der Produzent Manuel Hosp. Beide ursprünglich aus der Indie-Rock-Ecke stammend, haben sie sich als Duo dem Elektro-Pop zugewandt, und zwar dem der ganz feinen musikalischen Note. Der Sound, den das Zweiergespann zu Gehör bringt, ist einer, der aufgrund seiner Eigenart heraussticht und hängen bleibt, der eine Menge Gefühl vermittelt und dabei auf ganz wunderbare Weise eindringlich in die Tiefe wirkt.
Die neue Single „Wine“ ist eine Hymne an die Freundschaft, die metaphorisch zeigt wie stark die Bindung zwischen Freunden sein kann. Musikalisch ist der Song stark vom RnB der 90er und frühen 2000er beeinflusst, welcher die beiden fast ihre ganze Kindheit begleitete.

Lea Santee, die mittlerweile einen Publishing-Deal beim Verlag von Ariel Rechtshaid (Grammy-Gewinner und Produzent von Adele und Haim) in der Tasche haben, gehen eher mit Bedacht an die Sache heran, sie besinnen sich auf das Wesentliche und vermeiden jede unnötige Ausuferung. Lea Stögers in ins Ohr gehende Gesangslinien eingefasste, ausdrucksstarke Stimme, die in warmen Klangfarben schwingenden Synthieflächen, spanische Gitarren, die dezenten Beats und diverse elektronische Spielerein fügen sich in unaufgeregter und fast schon minimalistischer Art zu sehr stimmungsvollen musikalischen Geschichten zusammen, die – einem zwischen melancholisch und luftig tanzbar pendelnden Ton folgend – eine für den Pop eher untypische Eleganz und Dichte entwickeln.
Lea Santee bringen aus musikalischer Sicht eigentlich alles mit, um in Zukunft auf dem internationalen Pop-Parkett erfolgreich reüssieren zu können. Lea Stöger und Manuel Hosp zeigen ein Gespür für das musikalisch Packende, ihr Sound ist einer, der zum intensiven Hinhören veranlasst und mit Stil zu unterhalten weiß.

Serenadengleich, hymnisch und tief sind die dem Wüstensand der Westsahara entsprungenen Stücke von Aziza Brahim. Sie gilt als Sprachrohr der Sahrauis, einer Stammesgruppe als deren Mitglied sie ihre Kindheit und Jugend selbst in einem Flüchtlingslager in Algerien verbringen musste. Dort, in den konfliktgebeutelten Grenzgebieten zu ihrer sogenannten Heimat, sang und spielte Brahim in zahlreichen Musikensembles und Gruppen, verfeinerte ihren Blues- und Soulmusik zitierenden Stil und gewann 1995 den National Song Contest der Demokratischen Arabischen Republik Sahara. Seit 2000 betourt Brahim von der iberischen Halbinsel aus Europa und verknüpft ihren trockenen Desert-Blues mit malischen, afro-kubanischen und eben spanischen Einflüssen. Zwischen verspielten Gitarrenriffs, treibenden Bassläufen und überliefertem Tabla-Spiel stecken dabei Leid und Widerstand eines ganzen Volkes, der sich musikalisch sowohl auf ihren Alben wie in ihren Konzerten entlädt.   

E43 („E Vier Drei") CD-Präsentation „ANTY"

E43 - das sind 4 Frauen, 1 E-Gitarre, 3 Stimmen. Wir schimpfen gerne, trinken nach Möglichkeit eher viel und reden schiach. Experimentalwasauchimmer aus der eigenen Werkstatt, eher Musikkabarett als Liederabend, wortgewitzt derb bis poetisch surreal: postfeministische Gesellschaftskritik vornehm kodiert hinter banaler Scheiß-der-Hund-drauf-Fassade.

"Hintertriebene, Geist und Sinn belebende, anspruchsvoll formatierte Interpretation eigenständiger und gegenwärtiger Tiroler Weiblichkeit." (ein Fan)

Nach ihrem Debütalbum „Wein und Wahnsinn" lassen sie nun endlich die 2. Katze aus dem Sack: „ANTY"

Das neue Solo - Werk "The Rocket" zeichnet sich durch noch mehr Schwerelosigkeit und Leichtigkeit aus, ohne dabei jemals ins Triviale abzugleiten. Die traditionelle Verteilung zwischen der rechten und linken Hand verschwimmt, die linke spielt die Melodie gleichberechtigt zur rechten Hand und vice versa. Der in Hamburg und Südschweden lebende Pianist beschreibt dieses Schweben durch neue Klangwelten mit einer Rakete, die einen unbekannten Orbit erkundet. Martin Tingvall, der sich in Genres wie Filmmusik, Klassik, Jazz oder Pop gleichermaßen bewegt, spielt auf diesem Album scheinbar einfach klingende, ergreifend schöne Melodien, die mal Assoziationen von Klassik herbeizaubern, mal seine Herkunft aus der skandinavische Volksmusik spiegeln und im nächsten Moment der Improvisationsfreiheit des Jazz nahestehen. Längst hat er gängige Genregrenzen hinter sich gelassen und seine ganz eigenen Tingvall Klangwelt aus unterschiedlichen Inspirationsquellen geschaffen.

Drei Jahre nach dem Erfolgsalbum BEAT erscheint nun der vom Publikum langersehnte Longplayer „Cirklar“. Martin Tingvall, Pianist, Hymnenschreiber und Namensgeber der Band über die neuen Kompositionen: „Am Anfang stehen für uns immer die Songs. Bei diesem Album habe ich versucht, so zu komponieren, dass uns die Musik neue Wege aufzeigt. Wir testen neue Ausdrucksformen, aber möchten gleichzeitig natürlich als Tingvall Trio wiedererkannt werden. Diesmal ist ganz eindeutig die Musik der Chef, nicht das Trio.“  Martin Tingvall komponiert die Songs – aber was am Ende dabei heraus kommt, kann er erst wissen, wenn Omar Rodriguez Calvo (Kontrabass) und Jürgen Spiegel (Schlagzeug) sich mit ihm gemeinsam der Komposition angenähert haben. Jedes Stück: ein Kampf, ein Spiel, ein Drama, das sich in Kreisen (Cirklar) dreht, bis es „fertig“ ist. Es geht um Geschichten, die das Leben schreibt und um die ganz persönliche differenzierte Empfindung des Erlebten je nach Lebensabschnitt. Martin Tingvall: „Seit ich Kinder habe, und das geht ja allen Eltern so, habe ich das Gefühl, eigentlich keine Minute mehr für mich selbst zu haben. Manchmal scheint es, als rinne die Zeit mir zwischen den Fingern davon.“

Großbesetzungen im Jazz sind rar geworden. Unter anderem durch den Verfall der Gagen im letzten Jahrzehnt geht eine Kultur verloren, welche die Geschichte einer  der größten musikalischen Erfindungen des 20. Jahrhunderts mitgeprägt hat: Von  Duke Ellington bis Carla Bley, vom Sun Ra Arkestra bis zum Vienna Art Orchestra  gehörten großbesetzte Bands immer zum Kanon der improvisierten Musik.  
Mit dem 18-köpfigen Orjazztra Vienna erfülle ich mir nun – den Zug der Zeit  ignorierend – den Traum eines eigenen Jazzorchesters, den ich seit meinem  Weggang vom Vienna Art Orchestra im Jahr 2004 träume.  
Österreich und Wien besitzen derzeit eine schier unglaublich dichte Szene junger,  großartiger Musikerinnen und Musiker, die in vielen eigenen Bands musizieren, die  neugierig, experimentierfreudig, weltoffen und allesamt sehr gut ausgebildet sind  und somit auch technisch auf höchstem Niveau spielen.
Zum überwiegenden Teil besteht das Orjazztra aus jungen Menschen dieser  heimischen Szene, ist mit doppelter Rhythmusgruppe (zwei Bässe, zwei Schlagzeuge),  Klavier, einem sechsköpfigen Saxophon/Klarinettensatz, drei Trompeten, zwei  Posaunen und einer Tuba ungewöhnlich besetzt und eher als zeitgenössisches  Jazzorchester denn als Big Band zu bezeichnen.  
Nach nunmehr 35 Jahren als Komponist, Dirigent und Instrumentalist, immer zwischen  den Stühlen agierend bzw. diese regelmäßig wechselnd - vom Leiten zahlreicher  Jazzbands bis zum Dirigieren einer Mahler-Symphonie, vom Komponieren für  Symphonieorchester bis zur Produktion der Signations für Ö1 –, soll das Orjazztra für  die nächsten Jahre nun mein musikalischer Schwerpunkt und die größtmögliche  gemeinsame Schnittmenge der Summe dieser Erfahrungen werden:
Ein orchestraler Zugang zum zeitgenössischen Jazz über komplexe Partituren, die  gleichzeitig den individuellen Solistinnen und Solisten den entsprechenden  improvisatorischen Freiraum geben, klanglich geprägt von einem akustischen, in  diesem Fall bewusst elektronikfreien, an den Tugenden klassischen Orchesterspiels  geschulten Zusammenklang. (Christian Muthspiel, Jänner 2019)

ORJAZZTRA

– ​saxophones, clarinets:
Lisa Hofmaninger
Gerald Preinfalk
Astrid Wiesinger
Robert Unterköfler
Ilse Riedler
Florian Bauer

– trumpet, flugelhorn
Gerhard Ornig
Lorenz Raab
Dominik Fuss 

– trombone
Alois Eberl
Daniel Holzleitner

– tuba
Tobias Ennemoser 

–piano
Philipp Nykrin

– bass
Judith Ferstl,
Beate Wiesinger 

drums
Judith Schwarz
Marton Juhasz 

– compositions, leader
Christian Muthspiel 

PREMIERENKRITIK

Zu welcher Tages- und Nachtzeit jemand Ö1 aufdreht – er wird mit Ideen von Christian Muthspiel beschallt. Seit der Steirer die klassischen, dann wieder jazzigen Signations für den Sender komponiert hat, ist er ein Dauerbegleiter für Fans jenes Senders, der "gehört gehört". Der vielseitige Komponist, Posaunist, Pianist und Dirigent hat kurze Stücke ersonnen, die eine Weiterentwicklung vertragen würden. Von seinem neuen Projekt will Muthspiel die Ö1-Miniaturen allerdings freihalten.
Ein akustisches Déjà-vu muss, wer das neue Orjazztra Vienna  hört, also nicht fürchten. "Es ist vom ersten Ton an alles neu, ich wollte Neuland betreten." Die Musik des Orjazztra sei auch "komponiert und nicht arrangiert", beharrt Muthspiel auf den Unterschied. "Ich habe komplexe Partituren geschrieben, die dem Begriff Orchester so nahe sind wie dem Begriff Jazz. Ein Jazztune zu arrangieren, ist etwas Anderes, als eine 17-stimmige Partitur zu komponieren."
Carla Bley und das Vienna Art Orchestra, bei dem Muthspiel tätig war, sind Inspirationsquellen, die jedoch zu individuellen Stücken führen sollen. "Ich will jedoch nicht krampfhaft Einflüsse verleugnen. Würde jemand zu mir sagen, das Orjazztra klinge nach Bley, würde ich mich eher freuen als beleidigt sein." Schon die Besetzung mit doppelter Rhythmusgruppe, sechs Saxofonen mit vielen Wechselinstrumenten und einem eher kleinen Blechsatz sei aber sehr individuell "wie auch etwa der Schwerpunkt 'polyrhythmisches Komponieren'."
Vor allem der Begriff "Orchesterkultur" ist Muthspiel wichtig: "Ich meine damit aus der Klassik stammende Tugenden der Interpretation im Sinne von Klangfarben, Dynamik, Phrasierung." Es wundert nicht. Durch das Schreiben für große und kleinere Besetzungen und das Dirigieren opulenter Symphonik sei ihm "der große Apparat recht vertraut. Das heißt: Es löst bei mir Freude aus, ein siebzehnzeiliges Partiturblatt zu beschreiben, da viele grundsätzliche Fragen der Mehr- und Vielstimmigkeit in jeder Musik dieselben sind."

Muthspiel meint dabei die Aspekte Stimmführung, Kontrapunkt, Instrumentation und Balance, und das klingt nach profunder Handschrift. Allerdings "riecht" sein Projekt nach einer Verzahnung von Klassik und Jazz, die einst im Third Stream betrieben wurde und ein heikles Unterfangen blieb. "Das Orjazztra ist eindeutig ein Jazzprojekt, kein Third Stream oder Crossover. Es ist ein Jazzorchester mit hohem kompositorischem Anteil und dem Anspruch an einen gewissen Grad von Komplexität."
Eine noch so leichtfüßig klingende Riesencombo ist natürlich auch von der psychologischen Dynamik her speziell, also heikel. Wenn es da Konflikte gibt, ist der Leiter auch Therapeut, Mediator, Kummernummer. "Als Dirigent hat man immer mehrere Funktionen, aber künstlerische Konflikte können belebend sein", sagt Muthspiel, der keinen Zwist nahen sieht. Er habe vor allem "Lust, mit jungen Musikerinnen und Musikern zu arbeiten, das Durchschnittsalter ist um die 30!".
Durch deren "andere Spielweise und Sicht auf den Jazz – auch aufgrund völlig unterschiedlicher musikalischer Sozialisation als in meiner Generation – spüre ich eine Frische und Qualität, die mich inspiriert." Er habe sich viele Konzerte junger Bands angehört, "um mir ein Bild zu verschaffen, bevor ich – was die musikalische und menschliche Chemie anbelangt – die Band sehr bewusst zusammengestellt habe.
Und dass eine Schlagzeugerin, zwei Bassistinnen und drei Saxofonistinnen dabei sind, "repräsentiert den längst überfälligen Einzug der Frauen in die Jazzszene, welche diesbezüglich der Klassikwelt leider um Jahrzehnte hinterherhinkt." Selbst mitjazzen wird er nicht. "Wäre eindeutig zu viel. Außerdem sind 'meine' zwei Posaunisten so großartig, dass ich eigentlich eher froh bin, nicht mithalten zu müssen."
 (Ljubiša Tošić, 21.8,2019)

„Ich bin mit 17 jungen Leuten auf Entdeckungsreise“

Er ist einer von Österreichs bekanntesten Jazzmusikern: Posaunist, Pianist und Komponist. Außerdem dirigiert er regelmäßig klassische Orchester und schreibt auch Werke für sie. Jetzt hat Christian Muthspiel, geboren 1962 in der Steiermark, eine neue Herausforderung gefunden: eine Big Band – das ORJAZZTRA VIENNA.
Roland Spiegel, Jazzredakteur des Bayerischen Rundfunks, sprach mit ihm über das Projekt.

Roland Spiegel: 
Christian Muthspiel, als wir uns das letzte Mal trafen, sagten Sie mir: „Demnächst werde ich entweder einen Sechstausender besteigen oder eine Big Band gründen.“ Jetzt ist es die Big Band geworden. Ist das einfacher oder schwerer?

Christian Muthspiel: 
Was mich mit der künstlerischen und auch organisatorischen Leitung dieser Bigband erwartet, kann ich wahrscheinlich eher abschätzen als die Antwort auf die Frage, wie mein Kopf sich anfühlt auf 5500 Metern, und man hat noch 500 Meter vor sich. Aber solch eine Big Band ist natürlich schon eine große Geschichte.

Etwas, wofür man Mut und ziemlich viel Atem braucht?

Ja, ich habe Respekt davor. Aber ich habe eine wahnsinnig positive Energie dazu. Ich merke richtig: Ich muss das machen.

Obwohl solch eine Big Band schon finanziell ein riesiger Berg ist?

Ich kümmere mich mit Hilfe einiger Unterstützer – also Spendern, Institutionen und öffentlichen Förderungen – um die wirtschaftliche Grundausstattung des Orjazztra, die es erlauben soll, faire Gagen an meine Musikerinnen und Musiker zu bezahlen und das Orchester am Leben zu erhalten. Dass bei dem heutigen, katastrophalen Niveau der Jazzgagen ein so großes Ensemble nicht ohne relevante finanzielle Zuwendungen überleben kann, liegt auf der Hand. All jenen, die uns unterstützen, danke ich herzlichst.

„Ich muss das machen“, sagten Sie gerade. Was treibt Sie da so an?

Ich möchte meine kompositorischen Ideen einfach mal mit meiner eigenen großbesetzten Band umsetzen können. Und diese Band ist interessant: Wenn man mich wegzählt, ist das Durchschnittsalter um die 30, wir sind also sehr jung. Diese jungen Musikerinnen und Musiker haben mich sehr inspiriert. Ich habe mir die verschiedensten Bands und Aufnahmen dieser zum überwiegenden Teil sehr jungen Leute angehört, um herauszufinden, was und wie diese Jahrgänge musizieren.

Ich sehe hier auf der Liste, um nur ein paar Namen herauszugreifen: Lisa Hofmaninger, bei den Saxophonen und Klarinetten, Jahrgang 1991. Astrid Wiesinger, Jahrgang 1988, in derselben Instrumentengruppe. Beate Wiesinger, Bass, 1986. Dann sehe ich einen Tubisten: Tobias Ennemoser, 1991 geboren. Und die Schlagzeugerin Judith Schwarz, Jahrgang 1989.

Ich bin auf Entdeckungsreise gegangen, und das waren die Musikerinnen und Musiker, die ich unbedingt dabeihaben wollte. Diese Besetzung ist bewusst keine klassische Big-Band- Besetzung. Erstens habe ich einen sechsköpfigen Holzbläsersatz. Die spielen alle zwei bis drei verschiedene Saxophone und Klarinetten. Wenn sie alle nur ihr Hauptinstrument spielen, besteht der Satz aus Sopransaxophon, zwei Alt- und zwei Tenorsaxophonen sowie einem Bariton. Und dann eben ein etwas kleinerer Blechsatz mit drei Trompeten, zwei Posaunen und einer Tuba. Und dafür die doppelte Rhythmusgruppe mit zwei Schlagzeugen und zwei Bässen. Das ist schon ziemlich speziell besetzt. Denn ich wollte mich auch als Komponist austoben. Hier kann ich zum Beispiel Besetzungen machen mit drei Bassklarinetten und drei Sopransaxophonen. Und die doppelte Rhythmusgruppe bietet natürlich auch sehr viele Möglichkeiten des Konzipierens oder Komponierens.

Ihre Lust am Komponieren war also der zentrale Aspekt bei der Gründung dieses Orchesters?

Bei den verschiedenen Dingen, die ich die letzten Jahre und Jahrzehnte gemacht habe, ist eigentlich der gemeinsame Nenner wahrscheinlich meine Lust daran, Architekt zu sein. Und in der Musik ist es das Komponieren. Ich vermisse im Jazz immer wieder kompositorische Handschriften. Ich würde mir hin und wieder wünschen, dass viele der wunderbaren Spielerinnen und Spieler, die es heutzutage gibt, öfter auch, was das Komponieren betrifft, sich mehr ins Zeug legen würden. Ich habe vor, mit dieser Band eine wirkliche Orchesterkultur zu entwickeln, die auch daran geschult ist, was ich als klassischer Dirigent mache: also wirklich dynamisch spielen, wirklich an den Klangfarben arbeiten, wirklich an der Phrasierung arbeiten. Bei vielen Big Bands habe ich das Gefühl, dass die Dynamik oft nicht mitgedacht wird mit der Komposition. Das ist in der Klassik aber ein Hauptaspekt des Ausdrucks. Und vor allem auch die Balance innerhalb des Orchesters: Wie stehen die einzelnen Gruppen dynamisch zueinander? Da wird ganz fein austariert. Wann kommt was in den Vordergrund? Wie mischen sich verschiedene Instrumentengruppen? Ich freue mich sehr darauf, an solchen Dingen intensiv zu arbeiten.

Hat jemand wie Carla Bley für Sie eine Vorbildfunktion für die Arbeit mit so einer Big Band?

Carla Bley war eine der Musikerinnen, die überhaupt dafür verantwortlich sind, dass ich Jazzmusiker werden wollte. Es waren vier Konzerte, die das in mir beschlossen haben. Das eine war Albert Mangelsdorff solo. Das zweite die Carla Bley Big Band. Das dritte war das Art Ensemble of Chicago. Und nicht zu vergessen ein viertes Konzert: das Duo Harry Pepl /Werner Pirchner. Als ich 17, 18 war, war klar: In diese Welt möchte ich auch. Das waren alles Konzerte, die ich in Graz gehört hatte. Carla Bley war immer für mich sehr wichtig, vor allem in ihrer Eigenschaft als Komponistin. Sie hat innerhalb der Tradition des Jazz ihre eigene Handschrift gefunden. Die Carla Bley Big Band hat immer anders geklungen als alle anderen Big Bands. Wenn man jetzt Vorbilder nennen möchte – oder nennen wir es vielleicht eher Inspirationen -, dann sind es auf jeden Fall Carla Bley, Maria Schneider und natürlich Gil Evans. Und mich haben auch die zehn Jahre im Vienna Art Orchestra stark geprägt. Das Art Orchestra war seit Anbeginn, als ich noch lange nicht mitgespielt hatte, für mich immer eine sehr wichtige Band – auch weil sie so individuell und auch irgendwie europäisch geklungen, aber trotzdem gegroovt hat. Mathias Rüeggs eigene kompositorische Handschrift, dieser eigene Sound, zum Beispiel mit Lauren Newton, die die Lead-Stimme oft gesungen hat anstelle der Trompete: Solche Dinge haben mich immer fasziniert.

Soll das Orjazztra Vienna in gewisser Weise eine Fortsetzung des Vienna Art Orchester werden, das vor zehn Jahren aus finanziellen Gründen leider aufgelöst werden musste?

Es wird zwangsläufig etwas Eigenes, wenn ich die Musik schreibe. Und es ist auch anders besetzt, und ich habe andere Schwerpunkte oder andere Fragestellungen, die sich mir stellen während des Komponierens. Aber die Sehnsucht nach einer großen Besetzung hat mir schon damals Mathias Rüegg eingepflanzt. Die Energie, als wir damals unterwegs waren: Das war schon sehr tolles Gefühl, dass man da in einer Band von zwanzig Leuten unterwegs war. Und auch bei Mathias hatten die Solisten ihre eigenen Räume. Man war nicht austauschbar. Das ist mir sehr wichtig: dass die Musikerinnen und Musiker nicht austauschbar sind, dass sie ihre Freiräume bekommen. Und dass die Stimmen wirklich individuell sind. Ich habe ja schon ziemlich viele klassische Konzerte für Soloinstrument und Orchester geschrieben. Der Sound und die Spielweise des Solisten, für den ich das jeweils geschrieben habe: Ohne das wäre ich verhungert. Benjamin Schmid, Gautier Capucon oder Hakan Hardenberger: Diese Interpreten hatte ich mehr vor Ohren als vor Augen, als ich die Stücke komponiert habe. Und jetzt finde ich es so schön, dass es um 17 Menschen geht.

Musiker, die 1988 oder 1991 geboren sind, haben ja einen völlig anderen musikalischen Background von der Sozialisation her als jemand, der 1962 geboren ist. Wie fließt das ein in die Arbeit an den Stücken?

Ich merke das jetzt schon beim Schreiben: Ich habe großen Spaß an ziemlich komplizierten ungeraden Taktarten, weil die junge Generation inzwischen so selbstverständlich damit umgeht, wie wir das damals überhaupt nicht gemacht haben. Das fordert mich jetzt zum Beispiel schon heraus. Und natürlich auch, was die Rhythmusgruppe betrifft. Einflüsse zum Beispiel von Stilen wie Hip-Hop oder Drum’n’Bass, verschiedene Formen von Techno und so weiter, und das fließt natürlich ein in die Spielweise. Ich habe ja die letzten Jahre immer mit Musikern gespielt, die gleich alt oder älter waren als ich, und jetzt habe ich große Lust drauf, diese andere musikalische Sozialisation in meiner eigenen Band zu hören. Zwei Drittel der Band sind im Alter meiner Tochter!

Sie sind jetzt also ständig damit beschäftigt, neue musikalische Sprachen zu lernen?

In diesem Fall ganz stark. In meinen letzten Jazzprojekten ging es eher darum, mich in vertrauten Sprachen erneut zu bewegen: die Dowland-Projekte, die Yodel-Group, die Duos mit Steve Swallow. Aber jetzt kommt wirklich etwas ganz anderes. Jetzt kann ich auf nichts zurückgreifen. Ich hatte noch nie eine eigene Big Band. Ich habe jetzt nicht 30 Partituren in der Schublade. Sondern ich schreibe wirklich alles neu. Und es ist eine Entdeckungsreise.

So, wie wenn man neue Luft ganz weit oben auf sechstausend Metern atmet, die vielleicht auch manchmal dünner ist als die vertraute?

Ja, das ist ein guter Vergleich. Es reißt mich jetzt ein bisschen hin und her zwischen Euphorie und Respekt. Da spielt auch die Tatsache hinein, dass viele Veranstalter sofort gesagt haben: Ja, ihr müsst unbedingt in der ersten Saison zu uns kommen! Ich kann noch keinen einzigen Ton vorspielen, es gibt ja noch nichts – und trotzdem haben wir schon eine ganze Saison gebucht

Süße Fremdscham: Wer kennt sie nicht? Die glorios peinlichen und umso amüsanteren Tagebuch-Ergüsse aus Teenagerzeiten, Reisetagebüchern oder einfach nur von damals? Wir haben sie!
Eine peinlich-lustige Zeitreise in die Abgründe der eigenen und fremden Pubertät und Kindheit. Ehrlich, berührend, schonungslos, betrübt, übertrieben, sehnsüchtig, haltlos und unverstanden. So waren und sind sie, unsere Schul- und Jugendjahre. Und so sind unsere Tagebucheinträge aus dieser wilden und unberechenbaren Zeit des Erwachsenwerdens.
Es lesen Laien live aus ihren alten Tagebüchern. Das gibt es im Wiener TAG seit 2 Jahren und letztes Jahr waren im Oktober, auch 5 Folgen in DIE.Nacht in ORF 1 zu sehen. Nun werden die Bundesländer erobert. Das Publikum entscheidet über die Siegerin/den Sieger des Abends, die/der sich über einen Taschengeldzuschuss freuen kann. Eine Reality-Show der etwas anderen Art – mit Sicherheit der persönlichste aller Slams und die schönsten Geschichten schreibt das Leben.

Infos für TeilnehmerInnen:
Es werden ca. 6 Leute am Start sein, d.h. immer 2 gegen einander lesen, dann gibt es einen Applausbattle und 3 sind dann im Finale. JedeR sollte zwei Beiträge (können auch mehrere kürzere Einträge sein) von maximal 5 Minuten vorbereiten, weil Vor- und eventuell Finalrunde. Bitte keinen aktuellen Beiträge, müssen mindestens von vor 2010 sein! Originaltagebücher mitbringen und ansonsten einfach Spaß haben.

Durch den Abend führt: Diana Köhle

Erster Tagbucheintrag am 23. September 1989, denn das Leben war hart in den Bergen. Nach längerer Abstinenz schreibt sie nun sogar wieder täglich Tagebuch, denn sie muss ja weiterhin fleißig für „Lesestoff“ sorgen. Neben dem Tagebuch schreiben, schlägt ihr Herz für Poetry Slams. Seit 2004 moderiert und organisiert sie Poetry Slams (monatlich Slam B im Literaturhaus Wien und viele Gastspiele) und seit 2013 auch den sehr erfolgreichen TAGebuch Slam im TAG in Wien. Der es im Herbst 2014 mit 5 Folgen in DIE.Nacht in ORF 1 geschafft hat (Liebes Tagebuch, ...). Sie lebt seit 12 Jahren in Wien, hat in Innsbruck studiert und freut sich daher besonders auf ein Heimspiel in Tirol.

Anmeldungen zum Mitmachen an: diana@liebestagebuch.at

Der Konflikt steht Martin Kohlstedt ins Gesicht geschrieben. Dabei ist es egal, ob sich der Komponist und Pianist für einen Moment mit dem Publikum verbindet oder wieder in sein Refugium aus Klaviaturen für Stahlsaiten und
Synthesizer versinkt. Unnachgiebig sucht sein Blick, fühlt sich
durch irgendeinen Raum und ist damit dem Kopf meist um herzzerreißende Augenblicke voraus.

Als Musiker ist das ein Wagnis, ein provoziertes wie provozierendes Spiel am Rand der eigenen
Kontrolle, als Komponist dagegen hat das Konzept. Denn für die Energie und Unberechenbarkeit
seiner Konzerte ist Kohlstedt, unübersehbar Bursche vom Thüringer Land, durchaus berüchtigt
und hat es damit von der Russischen Staatsbibliothek über die iranische Talare Rudaki bis in den
ausverkauften großen Saal der Hamburger Elbphilharmonie gebracht. Doch man findet bei all dem
keine Attitüde der großen Inszenierung wegen, nur eine andere Art, Musik zu denken und mit ihr
zu kommunizieren: Es gibt keine Werke, dafür kompositorische Versatzstücke, deren Kraft in dem
Potenzial ihrer Kombinierbarkeit und Variationen liegt. Diese Module, wie Kohlstedt sie nennt,
ergeben gerade in ihrer Verbindung unvorhersehbare Pointen und Konflikte.

Das gilt nicht nur für seine Konzerte. Schon auf den Schwester Alben »Tag« und »Nacht« (2012 /
2014) wirkt die Format bedingte Aufnahme wie das notwendige Übel, eine ihrer Ausformungen
festzuhalten. Voyeuristisch wohnt man einer Begegnung Kohlstedts mit seinem heimischen Piano
bei. Mit »Strom« (2017) lösen sich dann die Schablonen der Bühnenfigur und ihres Instrumentes
endgültig auf, in einem berauschenden Wirbel aus Klaviermelodien und elektronischen
Landschaften. Es ist keine Grenze mehr auszumachen zwischen Neu und Alt oder zwischen
analoger und digitaler Instrumentierung. Sound und Struktur treten hinter den Wunsch, Momente
einfach zuzulassen. Als Motiv sind sie für Kohlstedt so inspirierend wie die Sprache seiner Hände
für uns Musik als ein sozialer Zustand.

Es ist daher auch nicht verwunderlich, dass Kollaborationen schon immer ein zentraler
Bestandteil von Kohlstedts Schaffen waren. Um seine künstlerische Sicht einer starken Reibung
auszusetzen, hat er auf zwei Rework EPs genreübergreifend mit Elektro, Hiphop und Pop Künstlern zusammengearbeitet darunter Christian Löffler, Douglas Dare, FM Belfast, Dwig und
Hundreds. Das Interdisziplinäre liegt ihm, dem Getriebenen, der nie wirklich in der Klassik
heimisch wurde. So studierte er Medienkunst an der Bauhaus Universität
Weimar und bis heute komponiert Martin Kohlstedt regelmäßig für internationale Filmemacher oder wirkt an der
Produktion von Hörspielen und Theaterstücken mit.

2019 wird dieser ‚Werk’ Körper nun weiterverhandelt und es wäre nicht Martin Kohlstedt, würde 
er dafür nicht zur gerade größtmöglichen Fallhöhe streben: Zusammen mit dem bis zu 70 Stimmen
starken GewandhausChor zu Leipzig und dessen künstlerischen Leiter Gregor Meyer arrangiert,
kuratiert und erforscht Kohlstedt die Interaktion des menschlichen Kollektivs mit der streitbaren
Intuition des Musikers. »Ströme« (Edition Kohlstedt / Warner Classics) macht sich dabei seine
Erfahrung zunutze, und die seiner langjährigen Wegbegleiter, das Aufeinandertreffen beider ganz
für sich stehenzulassen und als Experiment die Möglichkeit des Scheiterns zu geben. 
Das Ergebnis ist pure Dynamik, voll von monumentalen Verwerfungen und zarten Annäherungen, aber befreit
von jeder Angst vor dem, was Klassik sein darf.

Le Grand Ordinaire

“Le Grand Ordinaire” ist eine Collage aus musikalischen Bildern und surrealen Liedern, die von Reisenden erzählen. Die Sehnsucht nach dem miteinander Weglaufen, Aufbruch, Flucht – innen wie außen, das niemals Ankommen, die Angst vor dem Fremden & Angst vor dem Fremdsein… Wiederkehrendes Thema ist ein Zirkus, eben “Le Grand Ordinaire”, der sich wie eine vage Erinnerung, seinen Weg bahnt. “Der Zauberer macht Tricks, zaubern tut das Publikum.”, sagt Meret. Was zunächst wie eine kitschige Behauptung klingt, ist eine Tatsache. Der Zauberer manipuliert Gegenstände und nutzt die menschlichen Wahrnehmungsschwächen aus. Für das Publikum aber können Dinge im Raum schweben, verschwinden, wiederkommen und vieles mehr. Der Zuschauer ist der eigentliche Zauberkünstler. Diese Fähigkeit will Meret nutzen und bringt, gemeinsam mit ihrer Band “The Tiny Teeth“, musikalische Bilder auf die Bühne, vergleichbar mit einem Soundtrack zu einem inneren Film. Der besteht zum einen aus Miniaturen, die wie aus einer Spieldose oder in einer Schneekugel musiziert klingen. Hier wird vor allem das romantisch-bizarre Instrumentarium von Musikclowns verwand: Spieluhr, Kinderklavier, Glasharfe und Singende Säge. Im Gegensatz dazu stehen scheppernde Songs, die mit Bläsersatz, Banjo, Akkordeon, Archtop-Gitarre & Schlagwerk instrumentiert sind. Sie erzählen von den Seemännern unter den Bühnenmenschen, die alle Sprachen sprechen, gern auch gleichzeitig und die mit voller Kraft auf die Klippen zu halten, aufrecht stehend, mit wirrem Haar. Und das Zelt knarzt und ächzt wie ein sinkendes Schiff, aber nicht eine einzige Ratte geht von Bord, denn es riecht -nein- stinkt nach Abenteuer.

”Wenn der Zirkus in der Stadt war, dann bleibt da so ein riesiger, trauriger, heller Fleck im Rasen zurück. Mit ein wenig Sägespäne darin. Und da bleibt ein trauriger junger Mann zurück, der weint bitterlich ob der Kontorsionistin, in die er so verliebt ist und die weiterzog. Und die Kontorsionistin ihrerseits sitzt im Zug und weint bitterlich ob des jungen Mannes, in den sie so verliebt ist. Und die Tränen rinnen ihre Wangen herunter und sie schaut aus dem Fenster und der Regen prasselt an die Scheiben und die Telegrafenmasten sausen vorbei. Und sie stellt sich vor, welche Nachrichten durch die Kabel geflossen sind: Liebesnachrichten. Und auf den Kabeln sitzen kleine Schwalben, wie Noten auf Notenlinien zu Liebesliedern. Und bald verwandeln sich die riesigen Telegrafenmasten in die Masten von riesigen Segelschiffen, die davon ziehen auf dem endlosen Meer…. Und er sprach, Sie sind schön, und er sprach, Sie sind stark. Und sie sprach, ich liebe Sie, schon immer. Dann wickelte sie sich ihm um seinen kleinen Finger und sie sprachen lange Zeit nichts.” (Auszug aus “Le Grand Ordinaire”

Meret Becker

Meret Becker ist eine Künstlerin mit vielen Gesichtern: Schauspielerin, Komponistin, Sängerin, Performing Artist, Produzentin. Ein Multitalent. Sie hat fünf Musikalben herausgebracht, gab zahllose Konzerte und wirkte parallel dazu in vielen Filmen mit. Dafür wurde sie u. a. mit dem Adolf-Grimme-Preis, dem Bayerischen Filmpreis, der Goldenen Kamera und dem Filmband in Gold ausgezeichnet. Im Herbst 2012 erhielt sie aus der Hand von Bundespräsident Gauck „für besonderes künstlerisches und gesellschaftliches Engagement“ das Bundesverdienstkreuz.

In einer Welt, in der man Künstler gern in eine Schublade steckt, fällt Meret Becker aus dem Rahmen. Sie entzieht sich der bequemen Einordnung, denn sie hat viele Gesichter: Schauspielerin, Komponistin, Sängerin, Performing Artist, Produzentin. „Multitalent“ nennt man das gern, und bei dieser Frau trifft das zu. Ihr Leben gehört der Kunst, weil die Kunst zu leben sie reizt. Sich in einer Welt der Zwänge treu zu bleiben und zu verwirklichen. Immer neu. Das ist ihr in den ersten vier Jahrzehnten ihres Lebens gut gelungen. Als Tochter der Schauspieler Rolf Becker und Monika Hansen kommt Meret 1969 in Bremen zur Welt. Ein paar Jahre später zieht sie mit Mutter, Bruder und Stiefvater Otto Sander nach Berlin, wo sie bis heute mit Begeisterung lebt. 

Zwischen Göre und Lady

„Ich hab schon als kleines Mädchen immer vor mich hingesungen“, erzählt sie. Sie ertrotzt sich schon früh die Zustimmung der Eltern zum Klavierunterricht und darf als Zwölfjährige zusätzlich noch Alt-Saxophon lernen. Schon bald geht es da auch Richtung Jazz und Blues. Sie singt Lieder von Judy Garland über Barbra Streisand bis Prince, wenn auch zunächst nur privat und auf Partys.
Parallel entdeckt sie ihre Begeisterung für die Schauspielerei. Zum Leidwesen der Eltern schmeißt sie mit 17 die Schule, um Schauspielerin zu werden und tastet sich in vielen Schritten und Rollen zum Erfolg – ganz ohne Schauspielschule, Learning by doing. In Dutzenden von Filmen zeigt sie immer neue Gesichter, wobei es ihr die Figuren im Abseits und am Abgrund besonders angetan haben. 
Die Zuschauer wissen zumeist nicht, wo sie Meret Becker auf der breiten Skala zwischen schüchternem Mädchen und eleganter Dame einordnen sollen. Gerade deshalb sieht man sie gern, weil diese Frau durch ihre starke Präsenz auch Nebenrollen Strahlkraft verleiht. Mehrfach wird sie mit bedeutenden Auszeichnungen geehrt: dem Adolf-Grimme-Preis, dem Bayerischen Filmpreis, der Goldenen Kamera, dem Filmband in Gold. Im Herbst 2012 erhielt sie aus der Hand von Bundespräsident Gauck „für besonderes künstlerisches und gesellschaftliches Engagement“ das Bundesverdienstkreuz.

Musik aus Leidenschaft 

Parallel zur Schauspielerei macht sie mit Hingabe Musik – auch wenn die beiden künstlerischen Ausdrucksformen der Schauspielerin und Sängerin nicht immer leicht zu synchronisieren sind. Mit 18 Jahren hat sie ihren ersten professionellen Auftritt in einem Berliner Variété. Die Zuschauer erkennen ihr Entertainer-Talent, und 1992 folgt ein eigenes Variété-Programm in der Berliner „Bar jeder Vernunft“. Über längere Zeit ist sie hier gefeierte Gastgeberin eines Nachtsalons. Sie singt und holt immer neue Instrumente auf die Bühne: neben dem Klavier, Akkordeon und Saxophon auch Spieluhren und die mit dem Geigenbogen gespielte „singende Säge“, die noch heute bei jedem Auftritt ihren Platz hat. 

1995 gibt sie mit der Kabarettgruppe Ars Vitalis ihr erstes Album heraus, ein Live-Auftritt in einer Berliner Szene-Bar. Innerhalb der nächsten 10 Jahre folgen vier weitere Alben, darunter „Nachtmahr“, ihr erstes selbst geschriebenes Album, das bei MTV rauf und runter gespielt wird. Legendär ist „Stella Maris“ mit Blixa Bargeld von Einstürzende Neubauten, ein ausdrucksstarkes Duett, das im Internet heute noch hohe Klickraten generiert. Mit Wolfgang Niedecken singt sie für das BAP-Jubiläumsalbum „Dreimal Zehn Jahre“ (2005) das Duett „Paar Daach fröher“ ein. 2009 macht sie mit Sportfreunde Stiller Furore. Auf deren Live-Album MTV Unplugged in New York (Platinstatus für 200.000 verkaufte Platten) ist Meret Becker in dem Titel „(Tu nur das) Was dein Herz dir sagt“ vertreten.

Außer mit ihren Tonträgern überzeugt sie mit Live-Auftritten, auch hier immer wieder mit neuen Formationen und Bühnenpartnern, von Nina Hagen bis Max Raabe. Sie spielt in Deutschland und den Nachbarländern, darunter mehrfach in Paris. Sie tourt durch Australien, Kanada, Norwegen. Ein deutscher Star auf den Bühnen der Welt. 
Ihre verträumte Lyrik wird stilbildend. Ihre leisen Töne erzielen gewaltige Resonanz und beeinflussen eine ganze Generation von jungen Frauen, die deutsche Lieder singen. Ausgerechnet sie, die eher Medienscheue, wird für andere zum Vorbild. 
2009 gründet sie die Gruppe Meret & The Tiny Teeth, die mit ungewöhnlichem Instrumentarium (darunter eine Glasharfe) und einem eindrucksvollen Repertoire an Eigenkompositionen und Coverversionen die Konzertbesucher von den Stühlen holt. Ein Crossover vom Feinsten. Bei jedem Auftritt anders. 

Wohin Meret Beckers musikalische Reise führen wird, weiß niemand. Das wäre ja auch langweilig – für sie wie für ihr Publikum. Denn eines der Versprechen des Namens Meret Becker ist die Überraschung. Die Zuhörer lassen sich gern darauf ein, weil sie wissen, dass sie nicht enttäuscht werden. 

LE GRAND ORDINAIRE // DAS LINE UP

Meret Becker – Gesang, Säge, Homophone
Buddy Sacher – Gitarre, Banjo, Mandoline
Ben Jeger – Glasharfe, Flügel, Akkordeon
Peter Wilmanns – Saxophone, Klarinette, Bassklarinette
Uwe Langer – Trompete, Tuba, Posaune, Euphonium
Dirk Peter Kölsch – Schlagzeug

Viel hat sich getan seit der letzten Sprechstund im April.
Mit einigem hatten wohl nicht alle gerechnet - Stichwort "Stadtrechtsnovelle" inklusive zukünftiger 4-Prozent-Hürde bei der Gemeinderatswahl.
Die Grünen als ergebnisorientierte Hürdenläufer. Und und und.
Wir befragen den Bürgermeister Georg Willi auch dieses Mal zu aktuellen Themen, haken und bohren nach.
Bei den brennenden Themen ist aber auch das Publikum gefragt.
Fragen können schon jetzt via sprechstund@treibhaus.at - oder dann live gestellt werden.
Wie gewohnt im Anschluss: Jazz-Jam-Session ...!
Eintritt frei - solange wie es die Gedanken auch noch sind

JAM SESSION

ist angesagt, mit traumhafter Stageband:
Ander Tentschert piano
Florian Hupfauf bass
Georg Tausch drums

TATRAN ist ein einzigartiges Phänomen – ihre Musik bahnbrechend in der Musikszene Tel Avivs. Sie bereichern mit außergewöhnlichem Sound, elegant kombinieren sie die klassische Struktur aus Gitarre, Bass und Schlagzeug mit einer neuen Art, Musik zu erleben. Sowohl akustische, als auch elektronische Instrumente kreieren eine unfassbare Bandbreite an Effekten und Sounds. Zusammen mit aufwendigen Kompositionen und Arrangements, entsteht ein einmaliges phantasievolles Erlebnis mit Einflüssen aus Post-Rock, Modern Jazz und klassischer Musik.

Um die warme und unvergleichbare, nahezu hypnotische Stimmung ihrer Konzerte aufzufangen, wurde ihr Debüt-Album „Shvat“ im November 2014 komplett live und ohne Overdubs im Studio aufgenommen. Ein Jahr später veröffentlicht die Band ihr zweites Live-Album „Soul Ghosts“ undim Jahre 2017 das dritte Live-Album „No Sides“, welche wie ihr Debüt die Spitze der Popularity/Best-Seller Charts auf Bandcamp erreichten und in der ganzen Welt für starke Kritiken sorgten. Seither spielte die Band ausgiebig durch die großen Hallen von Israel, tourten zusammen mit „BadBadNotGood“ in Europa, USA und Asien und mit Wolfmother& Editors in Capetown.

Jetzt hat die Band ihr zweites offizielles Studio Album – „Foresee“ veröffentlicht (VÖ:30.November 2018) – ein Kunstwerk, das ohne Kompromisse die Entwicklung der Band widerspiegelt. In ihrem neuen Album, präsentieren sich TATRAN mit neuem experimentellen Charakter, tauchen tiefer ein in das Zusammenspiel aus Komposition und Sound und kreieren dabei ein vielfältiges Spektrum.

Der Kunstschlurf und Liedermacher Voodoo Jürgens ist seit 2015 auf Erfolgskurs mit seinen schwarzhumorigen Texten im schwersten Wiener Dialekt. Sein Album "Ansa woar" mit dem Hit "Heite grob ma Tote aus" war und ist noch immer die Revolution in Sachen österreichische Musik. Der Text kann dank seiner schludrigen Vorlagen selbst von Leuten mitgesungen werden, die überhaupt nicht singen können. Man nennt das wohl Publikumsnähe. Das macht auch den Erfolg von Voodoo Jürgens aus, er porträtiert Außenseiter, Gestrauchelte und zwielichtige Gestalten zwischen Größenwahn, Schnaps und Gosse. Er wirkt mit seinem Strizzi-Outfit aus den frühen 70igern und dem dazu wie die Faust aufs Auge passende Vokuhila wie "Ein echter Wiener geht nicht unter" – oder doch eher steil bergauf?

„der Austro-Pop-Hype der Stunde!“ - Musikexpress
„Voodoo Jürgens gilt als besonders heiße Aktie der heimischen Popmusik“ - ORF
„Er bringt alles mit was man als künftiger Fixstern am Austropop-Himmel braucht.“ – WIENER

Per Mund-(und bald auch Medien-)Propaganda als "Next Best Thing"- Hype von und in Wien vor etwas mehr als einem Jahr gestartet, hat sich Voodoo Jürgens gleich mit seinem nun vorliegenden Debüt-Album von der einengenden, wenn nicht gar tödlichen Umarmung der "Checker" emanzipiert und ein substanzielles, ein wahrhaftiges und vor allen Dingen ein berührendes Erstlingswerk abgeliefert. Und demnächst folgt sein nexter Streich.
Voodoo Jürgens springt auch nicht auf einen Austropop-Hype-Zug oder dergleichen auf; er singt in der Sprache in der er spricht, denkt, träumt und Dinge erlebt. Die Vorbilder für seinen Zugang zu Musik sind der erwähnte Dylan, Leonard Cohen, Tom Waits und durchaus auch krachigere, spätere Sachen wir The Libertines (mit deren Pete Doherty ihn eine auf wechselseitigen künstlerischem Respekt beruhende Freundschaft verbindet). Es sind aber auch die Beat-Poeten der Fünfziger. Gewiss: Respekt für Ambros, Danzer und Ludwig Hirsch ist vorhanden, genauso wie Freundschaften zu einigen Protagonisten des heutigen Wiener Pop-Wunders (Wanda, Der Nino aus Wien; auch Ja, Panik, die quasi als seine Backingband bei "Heite grob ma Tote aus" fungieren), und auch ein HC Artmann, ein Qualtinger, ein Kottan werden Spuren in Voodoo hinterlassen haben; aber genauso waren/sind die eben Genannten im Geiste Verbündete der Ur-Beatniks und der genannten internationalen Referenzen und keine Vertreter eines simpel gestrickten Austro-Provinzialismus, der seit je her den Epigonen vorbehalten ist.
Voodoo Jürgens hat sich also einen Fahrschein für jene Bim (= Straßenbahn) gekauft, die in die erste Liga österreichischen Pops fährt, ohne dabei Fendrich, Gabalier oder "tiafen Schmäh"-Pop im Sinn zu haben..

Der Kunstschlurf und Liedermacher Voodoo Jürgens ist seit 2015 auf Erfolgskurs mit seinen schwarzhumorigen Texten im schwersten Wiener Dialekt. Sein Album "Ansa woar" mit dem Hit "Heite grob ma Tote aus" war und ist noch immer die Revolution in Sachen österreichische Musik. Der Text kann dank seiner schludrigen Vorlagen selbst von Leuten mitgesungen werden, die überhaupt nicht singen können. Man nennt das wohl Publikumsnähe. Das macht auch den Erfolg von Voodoo Jürgens aus, er porträtiert Außenseiter, Gestrauchelte und zwielichtige Gestalten zwischen Größenwahn, Schnaps und Gosse. Er wirkt mit seinem Strizzi-Outfit aus den frühen 70igern und dem dazu wie die Faust aufs Auge passende Vokuhila wie "Ein echter Wiener geht nicht unter" – oder doch eher steil bergauf?

„der Austro-Pop-Hype der Stunde!“ - Musikexpress
„Voodoo Jürgens gilt als besonders heiße Aktie der heimischen Popmusik“ - ORF
„Er bringt alles mit was man als künftiger Fixstern am Austropop-Himmel braucht.“ – WIENER

Per Mund-(und bald auch Medien-)Propaganda als "Next Best Thing"- Hype von und in Wien vor etwas mehr als einem Jahr gestartet, hat sich Voodoo Jürgens gleich mit seinem nun vorliegenden Debüt-Album von der einengenden, wenn nicht gar tödlichen Umarmung der "Checker" emanzipiert und ein substanzielles, ein wahrhaftiges und vor allen Dingen ein berührendes Erstlingswerk abgeliefert. Und demnächst folgt sein zweiter Streich.
Voodoo Jürgens springt auch nicht auf einen Austropop-Hype-Zug oder dergleichen auf; er singt in der Sprache in der er spricht, denkt, träumt und Dinge erlebt. Die Vorbilder für seinen Zugang zu Musik sind der erwähnte Dylan, Leonard Cohen, Tom Waits und durchaus auch krachigere, spätere Sachen wir The Libertines (mit deren Pete Doherty ihn eine auf wechselseitigen künstlerischem Respekt beruhende Freundschaft verbindet). Es sind aber auch die Beat-Poeten der Fünfziger. Gewiss: Respekt für Ambros, Danzer und Ludwig Hirsch ist vorhanden, genauso wie Freundschaften zu einigen Protagonisten des heutigen Wiener Pop-Wunders (Wanda, Der Nino aus Wien; auch Ja, Panik, die quasi als seine Backingband bei "Heite grob ma Tote aus" fungieren), und auch ein HC Artmann, ein Qualtinger, ein Kottan werden Spuren in Voodoo hinterlassen haben; aber genauso waren/sind die eben Genannten im Geiste Verbündete der Ur-Beatniks und der genannten internationalen Referenzen und keine Vertreter eines simpel gestrickten Austro-Provinzialismus, der seit je her den Epigonen vorbehalten ist.
Voodoo Jürgens hat sich also einen Fahrschein für jene Bim (= Straßenbahn) gekauft, die in die erste Liga österreichischen Pops fährt, ohne dabei Fendrich, Gabalier oder "tiafen Schmäh"-Pop im Sinn zu haben..

Musikstammtisch goes Treibhaus
Ihr: Nehmt eure 5 Sachen mit und schleppt euch auf die Bühne
Wir: Tragen eure Gedanken in die Welt hinaus und quetschen eure Melodien auf einen Sampler
DEAL?
Na dann ist ja alles klar.
Aja, eins noch
LoR. – NO CULTURE/JUST PUNK

Der erste Musikstammtisch fand als Live-Sendung am 21. Oktober 2017 im FREIRAD-Studio statt. Dabei wurden Bands eingeladen, ihre Kompositionen im Studio zu präsentierten. Aufgrund der großen Teilnahme von Musiker aus der Region entstand bereits im Laufe des ersten Stammtisches der Gedanke, eine regelmäßige Live-Sendung zu etablieren.
Die Idee wird im kommenden Jahr erweitert, so werden die Sendung nicht nur live im Radio übertragen, sondern die Performances der Bands festgehalten und in Form eines Samplers, welcher das breite Spektrum der Innsbrucker Musikszene dokumentiert, veröffentlicht. Der Musikstammtisch ist als Live-Format österreichweit bisher einzigartig und unterstreicht die Rolle Innsbrucks als Brutplatz innovativer Tiroler Musik. LoR ist stolz darauf für dieses Projekt mit dem Innsbrucker Treibhaus und dem Radio FREIRAD zu kooperieren.

øõØ

„Diese Musik ist wie ein Traum, den ich einmal in Irland hatte.
(Der Morgen dämmerte schon, die Fensterbalken waren geschlossen.)
Eine Welle durchflutete langsam pulsierend meinen Körper,
sanft und kühl, wohltuend wie nie etwas zuvor,
irgendwie blau, phosphoreszierend
– und ich hob ab, in die Unendlichkeit.“
Felix Mitterer

PASS gilt -  am SONNTAG 8.12.

Ein urtümlich tirolerisches Instrumentarium für eine erfrischend freche Musikwelt. Aufgewachsen mit der altbewährten Volksliedform bewegen sich die acht jungen MusikerInnen kompromisslos in den verschiedenen Musikstilen unseres Jahrhunderts. Die hauptsächlich vom Fagottisten Christof Dienz komponierten Stücke liegen so quer und genau im Trend der zeitgemässen Volksmusik, dass ein Weghören schier unmöglich wird.

Ob Die Knödel nun nach Bauer-Jazz im Rokokosaal oder nach Stravinsky im Wiener Kaffeehaus klingen, eines ist gewiss: Nicht radikal, doch deutlich, manchmal bodenständig, manchmal utopistisch, aber immer voller Spielfreude zersetzen sie die Tiroler Volksmusik mit lieblichen und avantgardistischen Einfällen und einem professionellen Gespür für den Erfolg zu einer Hommage an den pfiffigen Humor des Bauern in der Grossstadt.

Die Knödel sind zurück 

Catherine Aglibut: Violine
Margret Köll: Tripelharfe
Alexandra Dienz: Kontrabass
Michael Öttl: Gitarre
Walter Seebacher: Klarinette, Hackbrett
Andreas Lackner: Trompete, Flügelhorn, Hackbrett, Glockenspiel
Charlie Fischer: Haimophon, Hölzernes Glachter, Weinflaschen, Hackbrett, Glockenspiel, Drum-Set
Christof Dienz: Fagott, Zither

Nach 17 Jahren Pause melden sich die Pioniere der Neuen Volksmusik zurück.
Dass Volksmusik weder kitschig noch verstaubt sein muss, hat die Tiroler Band Die Knödel in den 90er-Jahren konsequent vorgemacht. Mit traditionellen Instrumenten, aber wohltuenden Anleihen von Jazz bis zur Kammermusik verkörperte die Formation geradezu exemplarisch einen Zugang, der für frischen Wind sorgte, ohne auch nur ansatzweise prätentiös zu wirken. Dass die Knödel-Stücke bis heute gerne zur Untermalung von Filmsequenzen eingesetzt werden, zeugt von den filmischen Qualitäten, die den Kompositionen von Fagottist und Mastermind Christof Dienz innewohnen.
Nach 17 Jahren Pause melden sich Die Knödel nun mit einem am Landeskonservatorium Innsbruck gefilmten Video zurück. Und zwar fast in Originalbesetzung, nur eine Geige wird durch Schlagwerk ersetzt. Und jetzt gibt es sie auch wieder LIVE:

ACHTUNG: DER KONZERTPASS GILT - AM SONNTAG 8.12.