Ausgehend von alpinen Tänzen und Weisen, auf tonalen Ab- und Umwegen, stellt Jütz die gesamtalpine Folklore kopfüber in den Rahmen einer ungenierten, alle Sinne beanspruchenden Klangkonferenz. 
Das zur Hälfte aus der Schweiz und aus Tirol stammende Ensemble bewahrt respektvoll eine lang gepflegte Tradition alpiner Volksmusik und öffnet sie zugleich für grenzenlose Improvisation und Freiheit nach aussen, fernab der momentanen Verklärung von Nationalstaatlichkeit. 
Hier trifft eine “Emmentaler Gedichtrezitation zum Verlieben”  auf “modern minimalistische Interaktionen”. Dabei scheut die Gruppe keine Höhenmeter für Halt in Hütten, Galerien oder barocken Konzerthallen und versteht sich, enthaltsam dem Sennenkutteli und Dirndl, als “hochmoderner Partikelfilter gegen die akustische Umweltverschmutzung des alpinkulturellen Degenerationsprozesses”.

ISA KURZ: Stimme, Geige, Akkordeon, Hackbrett
...geboren 1981 in Hall in Tirol. Schon in Kindesalter wird experimentiert am Instrumentarium der zahlreichen älteren Geschwister. Der Studienabschluss in Klavier und Violine spiegelt nur andeutungsweise ihr facettenreiches Musikhandwerk und ihre bezaubernde Stimme. Isa ist manchmal dagegen, öfters dafür, aber immer dabei.

DANIEL WOODTLI: Trompete, Flügelhorn, Stimme, Hackbrett
...erblickt die Welt 1974 in Bern. In der Familienkapelle musiziert man sich Abend für Abend durchs Volksliedgut. Obendrein findet Daniel seine Berufung im Jazz und tingelt heute, aller stilistischen Schubladen entdampft, durch alle Gassen, stets illuminiert von den hellen Bewunderern seiner Künste als Musiker und Unterhalter.

PHILIPP MOLL: Kontrabass, Stimme
...geboren 1979 in Schwaz in Tirol als Sohn des Keyboarders der Gruppe «Intimspray», einer Kultszeneband der Neuen Deutschen Welle. Für den Bass übersiedelt er vom Berg auf die Insel und kehrt nach einem Jahrzehnt zurück aufs Festland. Im Leben von Philipp verschwinden schon gern mal Instrumente, das ist immer aufregend.

ALPINE POINTEN

Süddeutsche Zeitung
Zwischen traditionellem Volkslied, neuem Heimatsound und unterhaltsamem Musikkabarett changiert das Trio Jütz bei seinem Auftritt in Pullach - und endet mit einem Jodler zur guten Nacht
Ach, wenn es doch immer so schön wäre, denkt man sich, kaum dass das Trio Jütz zu spielen angefangen hat. Mit harmonischen, strahlend alpinen Dreiklängen. Aber eh man's gedacht hat, trötet Trompeter Daniel Woodtli schon schräge Töne in die friedlichen Dur-Harmonien. Wer ein Konzert mit ihm und seinen zwei Mitstreitern, der Geigerin Isa Kurz und des Bassisten Philipp Moll, besucht, darf sich auf was gefasst machen. Die drei Musiker aus Österreich und der Schweiz bewegen sich im Grenzbereich zwischen traditionellem Volkslied, neuem Heimatsound und Musikkabarett und lassen's schön krachen. Gleich das zweite Stück ihres Auftritts ist ein Knaller. Ein Schützenmarsch mit dem Titel "Dem Land Tirol die Treue" wird bei Jütz in einem beschwingten Walzer umgewandelt. Kaum hat man sich drauf eingehört, hebt Bassist Moll eine Saite ab und lässt sie aufs Griffbrett schnalzen. Alle drei haben ein perfektes Gespür für die notwendige Pointe. Zu der ungewöhnlichen Besetzung dieses Trios und dem, was sie machen, passt die Geschichte, wie die drei zusammenfanden. Die Geigerin und Multiinstrumentalistin Isa Kurz lernte auf einer Tournee den Bassisten Philipp Moll in Liverpool kennen, wo er Musik studierte. Der wiederum traf in Bern den Blechbläser und Jazzmusiker Daniel Woodtli. Und so kam das Trio zusammen, dass improvisiert, neu arrangiert, Texte belässt, aber gerne den Takt verändert. Eine erfrischende Art, Altes neu zu beleben und der Volksmusik neue Blickwinkel und Klangmöglichkeiten zu eröffnen. Es wäre natürlich zu anstrengend, wenn es dauernd nur um die nächstbeste musikalische Pointe ginge. Deshalb wechselt das Trio auch nach einer ersten aufregenden halben Stunde in langwelligere Musik über. Das Trio zeigt sich nun jazziger. Lange lässt Isa Kurz, die inzwischen von der Geige zum Akkordeon gewechselt hat, den Groove ihres Basskollegen laufen, bevor sie vereinzelte Töne aus ihrem Instrument lockt und zu einer immer dichter werdenden Improvisation verwandelt. Dann mischt Woodtli knackige Riffs auf dem Flügelhorn dazu. Passend zur Musik ist die Auftrittskleidung. Nur Bassist Moll ist dezent und unauffällig mit gedeckt rotem Hemd und grauer Hose gekleidet, Isa Kurz dagegen trägt poppige rote Schuhe, und Trompeter Woodtli hat eine Hose mit auffälligem Netzwerkmuster.

Großartig.

"Hin & über" ist der Titel des aktuellen Programms, das das Trio in den Bauer-Studios Ludwigsburg aufgenommen hat. Damit sind die beiden alpinen Länder Österreich und Schweiz gemeint, aus deren musikalischen und sprachlichen Repertoire sich die drei munter bedienen, um daraus Eigenes zu machen. Im zweiten Teil des Konzerts nimmt etwa der "Häxesabbat im Pfaffeloch" großen Raum ein. Daraus wird im Saal des Bürgerhauses ein fast zehnminütiges Stück voll dramaturgischer Raffinesse, in dem harsche Streicherklänge auf Freejazziges auf der Trompete treffen. Dann greift Woodtli zum indischen Harmonium, entwickelt durch das stete Auf- und Zuklappen den typischen Dauerklangteppich, über den die drei mit fernöstlicher Melodik improvisieren. Es ist die Vielseitigkeit, mit der das Trio Jütz besticht, die nie beliebig, sondern klug kalkuliert ist. Das lässt einen bei all der musikalischen Ungewöhnlichkeit mit zwinkerndem Auge und offenen Ohren dranbleiben. Aber nach zwei Stunden geht diese verrückte musikalischen Reise zu Ende.
"So schön, wie es anfangt hat, hört's wieder auf", resümiert Bassist Moll mit herrlicher Bissigkeit. Drei Zugaben gibt's noch: Eine davon ist ein Kanon, der sich zum musikalischen Medley ausweitet. Rossinis "Wilhelm Tell" trifft auf Mozarts "Kleine Nachtmusik", das Volkslied "Bergvagabunden sind wir" auf die Titelmelodie von Pippi Langstrumpf. Und dann gibt es noch einen "Gute Nacht- Jodler", der im Gelächter endet.

mit den allerbesten Empfehlungen von Josef HADER:
"Falls Sie Stefan Leonhartsberger noch nicht kennen, möchte ich hier eine schwere Empfehlung abgeben.
Das arge ist, dass er und sein Begleiter Martin Schmid zwei total verschiedene Programme haben, 
die beide schlicht großartig sind: 
Den Kabarett-Thriller „Rauhnacht“, in dem er 10 verschiedene Charaktere spielt. (spätes frühjahr)
Und den feinen Liederabend „Da Billie Jean is net mei Bua“. (am 25.1.)
Hingehen, anschauen, weitererzählen!..."
sagt der Hader.
Und wenns der Hader sagt...
Wer?
der Steinscheißer Karl.

***

Eine echte Entdeckung“ – jubelte der Münchner Merkur 2015. Und nahm damit vorweg, was heute jedem Kenner der Szene klar ist. Der Oberösterreicher Stefan Leonhardsberger und sein Augsburger Haberer Martin Schmid erobern mit ihrem Musikkabarett nicht nur die Kritiker, sondern auch die Herzen des Publikums im Sturm. Ob als Einheizer von WANDA, auf der renommierten Bühne des Deutschen Theaters München oder bei Auftritten in ARD und BR – DA BILLI JEAN hält sein Publikum mit Dialektadaptionen großer Hits auf der Sesselkante.

Gemeinsam mit ihrem Co-Autor Paul Klambauer veredeln Leonhardsberger und Schmid dafür weltbekannte Melodien zu tragikomischen Einaktern in Popsong-Länge. So entführen sie ihr Publikum zu den Klängen von David Bowies „Space Oddity“ an Bord einer österreichischen Raumfahrtmission, die an frühpensioniertem Bodenpersonal zu scheitern droht. In der Adaption des S.T.S.-Klassikers „Irgendwann bleib i dann dort“ schmiedet ein frustrierter Grieche Auswanderungspläne. Und Tina Turners „Private Dancer“ gerät zu einer Hymne auf alle schüchternen Männer, die sich am Rand der Tanzfläche Mut antrinken. Das Rätsel um die Vaterschaft des kleinen Billi Jean bildet den dramaturgischen Rahmen, der die zahlreichen Figuren und Schauplätze dieses Abends zusammenhält.

Mit kraftvoller Stimme und außergewöhnlicher Bühnenpräsenz erweckt Stefan Leonhardsberger die Helden seiner Songs zum Leben. Seine Leidenschaft fürs Geschichtenerzählen zeigt sich auch in den Moderationen des ausgebildeten Schauspielers, der mit viel Charme und Spontanität durch den Abend führt. Perfekt ergänzt wird er dabei durch seinen Bühnenpartner Martin Schmid. Der Augsburger Profimusiker setzt nicht nur musikalisch auf Reduktion, wenn er mit seinen Gitarrenarrangements den heißen Kern der Popmusik freilegt. Als ruhender Gegenpol zu Leonhardsbergers quirliger Performance gelingt es ihm, mit minimalistischer Mimik und sparsamen Wortspenden zu unterhalten.

Süße Fremdscham: Wer kennt sie nicht? Die glorios peinlichen und umso amüsanteren Tagebuch-Ergüsse aus Teenagerzeiten, Reisetagebüchern oder einfach nur von damals? Wir haben sie! 
Eine peinlich-lustige Zeitreise in die Abgründe der eigenen und fremden Pubertät. Ehrlich, berührend, schonungslos, betrübt, übertrieben, sehnsüchtig, haltlos und unverstanden. So waren und sind sie, unsere Schul- und Jugendjahre. Und so sind unsere Tagebucheinträge aus dieser wilden und unberechenbaren Zeit des Erwachsenwerdens. Es lesen live 4 Laien aus ihren alten Tagebüchern. 
Das gibt es im Wiener TAG seit 2013 und im Oktober 2014, waren auch 5 Folgen in DIE.Nacht in ORF 1 zu sehen. 
Seit Sommer 2015 werden die Bundesländer erobert. 
Das Publikum entscheidet über die Sieger*in des Abends, die sich über einen Taschengeld Zuschuss (1000 Schilling Gutschein) freuen kann. 
Und auch für alle anderen gibt es Preise, denn jede*r, der die Pubertät unbeschadet überstanden hat, ist ein*e Sieger*in. Eine Reality-Show der etwas anderen Art – mit Sicherheit der persönlichste aller Slams, denn die schönsten Geschichten schreibt das Leben. Überzeugt euch selbst, kommt vorbei oder noch besser macht selbst mit! 

„Pubertät kann wirklich erheiternd sein, wenn

man darüber hinweg ist.“ DER STANDARD

Teilnehemer*innen gesucht -
es scheint es gibt viel zu verbergen in den Bergen ... 
Es werden 4 Leute am Start sein, d.h. immer 2 gegen einander lesen, dann gibt es einen Applausbattle und eine zweite Runde bzw. das Finale. Jede*r braucht zwei Beiträge (können auch mehrere kürzere Einträge sein) von maximal 5 Minuten, weil Vor- und Finalrunde. Bitte keinen aktuellen Beiträge, sollten vor 2014 sein! Originaltagebücher mitbringen und ansonsten einfach Spaß haben. 
Anmeldungen und Fragen bitte an: diana@liebestagebuch.at 

Durch den Abend führt: Diana Köhle 

Erster Tagebucheintrag am 23. September 1989, denn das Leben war hart in den Bergen. Nach längerer Abstinenz schreibt sie nun wieder täglich Tagebuch, denn sie muss ja weiterhin fleißig für „Lesestoff“ sorgen. Neben dem Tagebuch schreiben, schlägt ihr Herz für Poetry Slams. Seit 2004 moderiert und organisiert sie Poetry Slams (monatlich Slam B im Literaturhaus Wien) und seit 2013 auch den erfolgreichen TAGebuch Slam im TAG in Wien. Der war im Herbst 2014, mit 5 Folgen auch in DIE.Nacht in ORF 1 zu sehen (Liebes Tagebuch, ...). Sie war ein Landkind (aufgewachsen in Nassereith) und ist nun eine Stadterwachsene (Studium in Innsbruck, lebt seit 2003 in Wien).

Vom Fress’n, Saufn, Steab’m und anderen Grauslichkeiten!

Eine Expedition ins Goldene Wienerherz! 

„Ich hänge an dieser Stadt und liebe sie mit Hass und mit Zärtlichkeit, mit Grausen und mit Gelächter …“.  
Dieses Zitat stammt aus dem Text "Wiener Gift" von Inge Merkel. Dieser Text ist für mich als gebürtigem Wiener der Ausgangspunkt zu unserer literarischen Reise in die Abgründe meiner Heimatstadt. Es ist eine Höllenfahrt in neun Kapitel, die schonungslos und gleichzeitig humorvoll die dunklen Seite der Wiener Seele offen legt; eben mit Lachen und Grausen.  
Dabei handelt es sich weniger um moderne Texte, als um Klassiker der Literatur aus und über Wien. Immer wieder habe ich mit dem Gedanken gespielt diese Lesung zu „modernisieren“ und immer wieder komme ich letztlich zum Schluss, dass diese Texte, obwohl viele davon bereits mehrere Jahrzehnte alt sind, ihre Gültigkeit nicht verloren haben.  
Wien bleibt Wien, leider nicht nur im gleichnamigen Marsch von Johann Schrammel! 
(Thomas Lackner)

Das Wiener Gift, das einst Inge Merkel versprüht hat, ist der Ausgangspunkt einer musikalisch-literarischen, heiter-makaberen Höllenfahrt in die Abgründe der Wiener Seele, und gleichzeitig der Rote Faden dieser abgründigen Reise.  Der Schauspieler und gebürtige Wiener Thomas Lackner interpretiert Gedichte, Texte und Lieder, unter anderem von Helmuth Qualtinger, Gerhard Bronner, HC Artmann, Alfred Polgar, Christine Nöstlinger, Inge Merkel, Ernst Jandl und einigen anderen, die „ihre“ Heimatstadt Wien geliebt und unter ihr gelitten haben.   Persönliche Erfahrungen und Erlebnisse aus der Stadt im Schatten des Stephansdoms und des Kahlenberges ergänzen dieses kulinarisch-grausliche Programm.  
Am Klavier begleitet wird er von Hans Jörg Sofka oder Fausto Quintaba. 

DAS PROGRAMM: Nix für schwache Nerven! 

Wenn der Wiener an Schas lost /  Die alte Engelmacherin  / Gerhard Bronner  / Ich lig so gean auf wossaleichn  /  Gerhard Rühm 
Wie schön wäre Wien ohne Wiener / Georg Kreisler  / I zuzl  /  Christine Nöstlinger /  Ned jeda Oasch is a Oasch  /  Gerhard Rühm / I scheangl  /  Christine Nöstlinger
Ogrim und gwassad
und und und:
dazwischen immer wieder: 
Wiener Gift, versprüht von Inge Merkel

INGE MERKEL

* 1. Oktober 1922 +  15. Januar 2006
Inge Merkel wird als eine typische Wiener Dichterin bezeichnet. Viele ihrer Texte spielen in dieser Stadt, zu der sie ein ambivalentes Verhältnis hatte. Diese Haltung ist besonders in ihrem Essay „Das Wiener Gift“ (1985) evident, in dem sie die Wiener einer gewissen moralischen Haltlosigkeit beschuldigt, die dazu führt, Spott für Verantwortung, Nörgeln für Handeln und Theater für Leben einzusetzen, denn die Bewohner ihrer Heimatstadt verkehrten nicht mit der Realität und griffen auch nicht ein, wenn sie ein Unrecht bemerkten. Dies ist für Merkel das Gift, das die Seele erschlaffen lässt. Dennoch liebt sie die Stadt, „dieses schwül entnervende, gauklerisch verwirrende, charakterlose und korrupte, dieses dreckige und überständige, von seiner Vergangenheit überfressene und übertrunkene Wien im Schimmel seiner musealen Prostitution (…). Ich hänge an dieser Stadt und liebe sie mit Haß und mit Zärtlichkeit, mit Grauen und Gelächter und mit einer kühlen, sachlichen Traurigkeit, die irgendwo etwas frivol getönt ist.“

Thomas Lackner 

Nach dem Studium der Musikwissenschaften und seiner Ausbildung zum Tontechniker war Thomas Lackner sieben Jahre als Moderator und Produzent für den Kultursender Ö1 tätig.  Seit 2000 ist er als Schauspieler auf den verschiedensten Bühnen des deutschen Sprachraumes zu sehen, davon 2006 bis 2012 als Ensemblemitglied des Tiroler Landestheaters, wo er immer noch regelmäßig gastiert.  
Er gestaltet spartenübergreifende Soloprogramme, Rezitationen, Lesungen mit Musik, Moderationen und Theaterstücke, die Information mit Entertainment verknüpfen, unter anderem im Tiroler Landesmuseum, im Audioversum Science Center Innsbruck, für die Tiroler Wirtschafts-kammer, den Österreichischen Museumsbund, und das Innsbrucker Institut für Quantenoptik und Quanteninformation der Österreichischen Akademie der Wissenschaften.  
Im Rahmen eines Bildungskarenzjahres ließ er sich an der University of London zum Stimm-, Sprech- und Präsentationstrainer ausbilden. Er hat derzeit Lehraufträge an der Universität Innsbruck, der Hochschule für Musik Würzburg, und der FH Gesundheit Innsbruck. Er leitet die WIFI Stimmakademie, und arbeitet im Rahmen von firmeninternen Trainings und Coachings mit Führungskräften und Mitarbeitern im wirtschaftlichen und administrativen Bereich. 

John Scofield darf mit Fug und Recht als eine der prägenden Gestalten des Jazz der letzten dreißig Jahre betrachtet werden. Schon vor seiner Zeit bei Miles Davis, die ihn weltbekannt machte, spielte er etwa mit Chet Baker oder bei Charles Mingus. Sein Quartett mit Joe Lovano, Dave Holland und Al Foster prägte die 90er Jahre des letzten Jahrhunderts nachhaltig, als als Mitglied der Billy Cobham/George Duke-Band schrieb er erstmals Jazzgeschichte. Es folgten Kooperationen mit zahlreichen namhaften Jazzmusikern wie Herbie Hancock und Joe Henderson sowie Steve Swallow und Adam Nussbaum, mit denen er im Trio auf Tour ging.
Apäter wagte er sich auch an neuartige Sounds mit Medeski, Martin & Wood oder mit großorchestralen Projekten. In den letzten Jahren überraschte er nicht nur mit seiner New Orleans Revival-Band „Piety Street“, sondern auch mit dem Album „Country For Old Man“ und der Neuauflage seines Groove-Projekts „Überjam“. 
Seine Zusammenarbeit mit Miles Davis rückte Scofield als Musiker und Komponisten endgültig in die vorderen Reihen der Jazz-Szene.
Inzwischen hat John Scofield über 30 Alben aufgenommen und reist jedes Jahr rund 200 Tage mit seinen eigenen Jazzgruppen um die Welt. Seinen Sound hat er mit Funk-orientiertem Elektro erweitert und er bleibt stets offen für neue musikalische Einflüsse.  

John Scofield geht erstmals  auf Solo-Tour!

Der 67-Jährige ist immer noch fleißig unterwegs. Aber rstmals in seiner Karriere begibt sich John Scofield nun auf eine Solo-Tournee, bei der er ganz allein mit seiner Gitarre auf der Bühne stehen wird. Dass er sich nach eigenem Bekunden nicht daran erinnern kann, jemals ein Solo-Konzert gegeben zu haben, macht die anstehenden Konzerte zu einer echten Besonderheit,  natürlich auch  LIVE im TREIBHAUS!

Gerri Jäger, drums & elektronik, solo  

Gerri Jäger kennt man u.a. von Knalpot. Die Band, die den Amsterdamer Underground und europäische Festivals mit "schmutziger Elektronik, wilden Improvisationen und tanzbarem Dub" infiltriert (de Volkskrant). Der ursprünglich österreichische Schlagzeuger vertieft sich nach seinem Konservatoriumsstudium in Amsterdam in experimentelle Musik und kombiniert sein Schlagzeug mit Equipment, das man eher von einem Gitarristen erwarten würde. Im Treibhaus präsentiert Jäger seine neue EP "Gerri Jäger Live at Vrooom".

Andreas Tentschert – Piano FX

John Cage trifft Nils Frahm und Herbie Hancock
Das Klavier. Unendliche Weiten. Wir schreiben das Jahr 2019. Dies sind die Abenteuer des Pianisten Ander Tentschert, der mit Flügel, Präparierungen und Effekten unterwegs ist, um neue Musikwelten zu erforschen, neue Klänge und neue Dimensionen. Viele Jahre nach John Cage dringt Ander Tentschert in musikalische Galaxien vor, die nie ein Klavier zuvor gesehen hat.

Herbert Pixner's  Italo Connection könnte man als eine Art Who is Who der Südtiroler Musikszene bezeichnen. Musikalisch angesiedelt zwischen süditalienischer Beerdigungsmusik, Morricone, Tarantino und Celentano. Eine wilde Mischung aus Jestofunk, Zawinul und Rimini-Disco. Es wird improvisiert bis zum Abwinken.
Es wird getanzt. Es wird heiß. Und es wird laut!

"Spiel mir das Lied vom Alpenjazzrock - aber spiel es herrlich schwarz und schräg: Zwei Stunden Programm am Stück bieten der Südtiroler Komponist und seine Truppe auf, drei Italiener, zwei Ladiner und zwei Deutschsprachige. Einer der letzteren bringt als Conferencier und Saxophonist die Halle zum Lachen und Mitmachen, der andere wechselt im Minutentakt zwischen Klarinette, Flügelhorn und der diatonisch gestimmten, steirischen Harmonika... Bossa, Volare oder Breaking Bad? Es geht alles! Vor allem schnell, und immer irgendwie anders als eben noch. An Wechseln ist der Abend reich, hier werden mit viel Spaß und Profession Stücke und Stile durch den Kakao gezogen und neu umgearbeitet, stehen Bass, Schlagzeug und Percussion gleichberechtigt neben Keyboard, Gitarre und den erwähnten Instrumenten. Schalkhaft und behände zugleich ziehen Herbert Pixner und seine Italo Connection alle Register ihres Könnens, und das sind dann doch einige..."

"Die Band hat Soul, Rhythmus und Herz. Vor allem aber eine Leichtigkeit die ansteckend ist. Und eine Kraft, die jedem Kritiker den Kugelschreiber verbiegt." (salto.bz)

Auf der Bühne:
Herbert Pixner: Diatonische Harmonika, Klarinette, Trompete, Percussion
Manuel Randi: Diverse Gitarren
Alex Trebo: Keyboards, Piano
Max Castlunger: Percussions
Martl Resch: Saxophon, Vocal
Mario Punzi: Drums
Marco Stagni: Bass

"Manchmal ist die Musik kräftig, manchmal verhalten, manchmal schaut sie auf die Erde, manchmal in die Sterne. Töne, die leuchten!" (Herbert Pixner)

Das Boban Markovic Orchestra aus Serbien hat sich in den letzten 20 Jahren in den Olymp des Blechs gespielt, gewann bei lokalen Wettbewerben alle wichtigen Preise und gestaltete den Soundtrack von Kusturicas Film „Underground“. Sie beherrschen nicht nur schwindelerregend schnelle Tänze, die mit schepperndem Getöse zu einem infernalischen Rhythmus vorgetragen werden, sondern auch lyrische, getragene, sich langsam steigernde Balladen. Ihre schiere Virtuosität macht sie zu einer echten Ausnahmeerscheinung im Dicke-Backen-Genre.

Im südserbischen Guca findet alljährlich im August ein Musikwettbewerb der anderen Art statt: 30 bis 40 Blasmusikkapellen spielen vor einer Jury um die Goldene Trompete, einen mit 40.000 Dollar ausgestatteten Preis. Bis zu 300.000 Menschen sitzen dabei im Publikum. Ein Sieg bei diesem Wettbewerb bedeutet bessere Jobs für die Bands; und der Wettbewerb selbst ist so prestigeträchtig, dass keine Band sich leisten kann, hier nicht zu spielen. Gagen werden nicht gezahlt. Seit drei Jahren in Folge haben der Trompeter Boban Markovic und sein Orkestar diesen "Blechmusik-Oskar" in allen Kategorien gewonnen. Bisher hat das "Orkestar" vier CD's herausgebracht: "Hani Rumba" (1997), "Zlatna Truba" (1998), "Srce Cigansko" (2000) und "Millenium" (2000). 

Außerhalb des Balkans würde freilich kaum jemand diese irrwitzig schnelle, rasende und dann auch wieder endlos traurige Musik kennen, hätte nicht der Filmregisseur Emir Kusturica zu seinem 4-Stunden-Epos "Underground" mit Markovic´s Orkestar den passenden, überbordenden Soundtrack gewählt, der mittlerweile Kultstatus erlangt hat. Die rasenden Trompeter des Balkans und ihre Musiker sind ausschließlich Roma, die auf ihrer Wanderung aus Indien Richtung Europa vielerlei Einflüsse aus verschiedenen Kulturen in ihre Musik integriert haben. Vor allem die osmanische Militärmusik des 19. Jahrhunderts ist in den Roma-Kapellen zu spüren, die freilich mit ganz und gar nicht soldatischer Gespreiztheit, sondern mit beinahe anarchischer Lebensfreude in eine ungeheuer energiegeladene Tanzmusik verwandelt wird. Die Band spielt ebenso gut auf Hochzeiten wie auf Open-Air-Konzerten und tut dies mit der Energie bester Rockbands; doch können sie ebenso in Musikakademien und zu Anlässen von Klassischer Musik spielen.

Viel hat sich getan seit der letzten Sprechstund im April.
Mit einigem hatten wohl nicht alle gerechnet - Stichwort "Stadtrechtsnovelle" inklusive zukünftiger 4-Prozent-Hürde bei der Gemeinderatswahl.
Die Grünen als ergebnisorientierte Hürdenläufer. Und und und.
Wir befragen den Bürgermeister Georg Willi auch dieses Mal zu aktuellen Themen, haken und bohren nach.
Bei den brennenden Themen ist aber auch das Publikum gefragt.
Fragen können schon jetzt via sprechstund@treibhaus.at - oder dann live gestellt werden.
Wie gewohnt im Anschluss: Jazz-Jam-Session ...!
Eintritt frei - solange wie es die Gedanken auch noch sind

JAM SESSION

ist angesagt, mit traumhafter Stageband:
Ander Tentschert piano
Florian Hupfauf bass
Georg Tausch drums

Vom Fress’n, Saufn, Steab’m und anderen Grauslichkeiten!

Eine Expedition ins Goldene Wienerherz! 

„Ich hänge an dieser Stadt und liebe sie mit Hass und mit Zärtlichkeit, mit Grausen und mit Gelächter …“.  
Dieses Zitat stammt aus dem Text "Wiener Gift" von Inge Merkel. Dieser Text ist für mich als gebürtigem Wiener der Ausgangspunkt zu unserer literarischen Reise in die Abgründe meiner Heimatstadt. Es ist eine Höllenfahrt in neun Kapitel, die schonungslos und gleichzeitig humorvoll die dunklen Seite der Wiener Seele offen legt; eben mit Lachen und Grausen.  
Dabei handelt es sich weniger um moderne Texte, als um Klassiker der Literatur aus und über Wien. Immer wieder habe ich mit dem Gedanken gespielt diese Lesung zu „modernisieren“ und immer wieder komme ich letztlich zum Schluss, dass diese Texte, obwohl viele davon bereits mehrere Jahrzehnte alt sind, ihre Gültigkeit nicht verloren haben.  
Wien bleibt Wien, leider nicht nur im gleichnamigen Marsch von Johann Schrammel! 
(Thomas Lackner)

Das Wiener Gift, das einst Inge Merkel versprüht hat, ist der Ausgangspunkt einer musikalisch-literarischen, heiter-makaberen Höllenfahrt in die Abgründe der Wiener Seele, und gleichzeitig der Rote Faden dieser abgründigen Reise.  Der Schauspieler und gebürtige Wiener Thomas Lackner interpretiert Gedichte, Texte und Lieder, unter anderem von Helmuth Qualtinger, Gerhard Bronner, HC Artmann, Alfred Polgar, Christine Nöstlinger, Inge Merkel, Ernst Jandl und einigen anderen, die „ihre“ Heimatstadt Wien geliebt und unter ihr gelitten haben.   Persönliche Erfahrungen und Erlebnisse aus der Stadt im Schatten des Stephansdoms und des Kahlenberges ergänzen dieses kulinarisch-grausliche Programm.  
Am Klavier begleitet wird er von Hans Jörg Sofka oder Fausto Quintaba. 

DAS PROGRAMM: Nix für schwache Nerven! 

Wenn der Wiener an Schas lost /  Die alte Engelmacherin  / Gerhard Bronner  / Ich lig so gean auf wossaleichn  /  Gerhard Rühm 
Wie schön wäre Wien ohne Wiener / Georg Kreisler  / I zuzl  /  Christine Nöstlinger /  Ned jeda Oasch is a Oasch  /  Gerhard Rühm / I scheangl  /  Christine Nöstlinger
Ogrim und gwassad
und und und:
dazwischen immer wieder: 
Wiener Gift, versprüht von Inge Merkel

INGE MERKEL

* 1. Oktober 1922 +  15. Januar 2006
Inge Merkel wird als eine typische Wiener Dichterin bezeichnet. Viele ihrer Texte spielen in dieser Stadt, zu der sie ein ambivalentes Verhältnis hatte. Diese Haltung ist besonders in ihrem Essay „Das Wiener Gift“ (1985) evident, in dem sie die Wiener einer gewissen moralischen Haltlosigkeit beschuldigt, die dazu führt, Spott für Verantwortung, Nörgeln für Handeln und Theater für Leben einzusetzen, denn die Bewohner ihrer Heimatstadt verkehrten nicht mit der Realität und griffen auch nicht ein, wenn sie ein Unrecht bemerkten. Dies ist für Merkel das Gift, das die Seele erschlaffen lässt. Dennoch liebt sie die Stadt, „dieses schwül entnervende, gauklerisch verwirrende, charakterlose und korrupte, dieses dreckige und überständige, von seiner Vergangenheit überfressene und übertrunkene Wien im Schimmel seiner musealen Prostitution (…). Ich hänge an dieser Stadt und liebe sie mit Haß und mit Zärtlichkeit, mit Grauen und Gelächter und mit einer kühlen, sachlichen Traurigkeit, die irgendwo etwas frivol getönt ist.“

Thomas Lackner 

Nach dem Studium der Musikwissenschaften und seiner Ausbildung zum Tontechniker war Thomas Lackner sieben Jahre als Moderator und Produzent für den Kultursender Ö1 tätig.  Seit 2000 ist er als Schauspieler auf den verschiedensten Bühnen des deutschen Sprachraumes zu sehen, davon 2006 bis 2012 als Ensemblemitglied des Tiroler Landestheaters, wo er immer noch regelmäßig gastiert.  
Er gestaltet spartenübergreifende Soloprogramme, Rezitationen, Lesungen mit Musik, Moderationen und Theaterstücke, die Information mit Entertainment verknüpfen, unter anderem im Tiroler Landesmuseum, im Audioversum Science Center Innsbruck, für die Tiroler Wirtschafts-kammer, den Österreichischen Museumsbund, und das Innsbrucker Institut für Quantenoptik und Quanteninformation der Österreichischen Akademie der Wissenschaften.  
Im Rahmen eines Bildungskarenzjahres ließ er sich an der University of London zum Stimm-, Sprech- und Präsentationstrainer ausbilden. Er hat derzeit Lehraufträge an der Universität Innsbruck, der Hochschule für Musik Würzburg, und der FH Gesundheit Innsbruck. Er leitet die WIFI Stimmakademie, und arbeitet im Rahmen von firmeninternen Trainings und Coachings mit Führungskräften und Mitarbeitern im wirtschaftlichen und administrativen Bereich. 

Die NACHT DES FADO präsentiert seit nunmehr acht Jahren vor ausverkauften Häusern die interessantesten FADISTAS (= Sänger & Sängerinnen) der pulsierenden Lissabonner FADO-Szene und steht für traditionellen FADO ohne Weltmusik- und Pop-Einflüsse.
Geschuldet ist dieser anhaltende Erfolg der hohen Qualität der Protagonisten und dem gewinnenden Naturell von Dauerbrenner CARLOS LEITAO, der mittlerweile selbst zum großen Star in Portugal avanciert ist.

Die immer aufs Neue interessante künstlerische Gestaltung mit weiblichen Gast-Fadistas aus der 1. Riege Lissabons tut ein Übriges.
2019 präsentiere WELTENKLANG mit Freude die bildhübsche Sängerin TANIA OLEIRO, die wegen ihrer außergewöhnlichen Stimme bereits früh von den großen Namen des Genres zum Mitsingen eingeladen wurde und mittlerweile bei den wichtigsten Festivals Portugals "Caixa Alfama" und "Festa do Avante" im Hauptprogramm auftritt.
Heuer bringt Weltenklang eine kleine Sensation nach Österreich:
die 71-jährige LENITA GENTIL- einer der letzten großen Namen der Ära Amalia Rodrigues

LENITA GENTIL

gab 1964 ihr Rundfunk-Debut in der Sendung „Riso e Ritmo”. 1967 gewann sie das Song Festival „Figueira da Foz” und schlug dann eine Karriere als „portugiesische Milva” ein ( https://www.youtube.com/watch?v=kMK5SgIx0yo ), tourte durch Mexico, Polen, S-Afrika, Rumänien, Griechenland und Kanada. 1972 gab sie ihr Debut als Schauspielerin in einer Hauptrolle des Films „Os toiros de Mary Faster” (eine weitere Hauptrolle spielte sie 1977 im Vaudeville-Film „Em aguas de bacalhau”) 
Ab Mitte der 1970-er Jahre begann sie Fado zu singen, obwohl sie zuerst von den damals noch verrauchten und verruchten Fado-Häusern entsetzt war. Der Fado hatte sie da aber schon mit Haut und Haar verschlungen. Ihr erstes Fado-Engagement führte sie ins Restaurant von Simona de Oliveira, wo sie vom großartigen Vasco Rafael und Artur Garcia begleitet wurde. Kurz darauf folgte sie einer Einladung von Tony de Matos einen Monat in seiner Casa de Fados „Fado Menor” zu singen, daraus wurde ein halbes Jahr. Auf Grund ihrer Persönlichkeit hatte sie in Kürze eine große Fan-Gemeinde und viele Fado-Häuser wollten sie als ihren Star verpflichten. Schlussendlich sagte sie einem Engagement im Restaurant „O Faia” zu, dem sie mit Unterbrechungen für ausgedehnte Welt-Tourneen, bis heute treu geblieben ist!
Ihre gewaltige Stimme ist auf zahlreichen CDs dokumentiert, unter anderem auf dem 2005 erschienenen Album „Outro lado do Fado”, welches den „Amalia Rodrigues”-Award als „Best Fado Album” erhielt.

Samuel Pepys [saemuel piːps] war der wohl manischste Tagebuchschreiber der Geschichte. Zehn Jahre (1660-1669) schrieb der Beamte des Londoner Flottenamtes täglich stundenlang an seinem monströsen, geheimen Tagebuch, das am Ende 4000 Seiten stark war. Er platzt vor Mitteilungssucht – alles, wirklich alles wird verzeichnet: Das Nüsse Sammeln im Wald, die Prügelstrafe für stetig wechselnde Dienstmädchen, ein Perückenkauf, Theaterbesuche, Saufgelage, politische Geschehnisse und erotische Abenteuer unter‘m oder auf dem Wirtshaustisch („Gott verzeih‘s...“). Verdauungsfragen werden genauso ausführlich thematisiert wie die gepuderten Nasen der Mätressen des Königs.
Pepys versuchte unter allen Umständen zu vermeiden, dass andere Personen von seinen Notizen erfuhren oder gar seine Aufzeichnungen entschlüsselten – schon gar nicht seine Frau –, und verfasste es daher in Geheimschrift. So entstand ein Tagebuch von historischer Dimension, zutiefst komisch und hochinteressant.
Christoph Grissemann gibt an diesem Abend Samuel Pepys. Mit im Boot: Komponist und Musiker Manfred Engelmayr („Bulbul“), ein Künstler, dem man nachsagt, selbst auf fünf Spaghetti (gekocht) noch tadellos Harfe spielen zu können.

1.3.1662. Mit meiner Frau in „Romeo und Julia“. Das schlechteste Stück, das ich je gesehen habe. Dazu schauderhaft gespielt. Habe beschlossen, nie wieder in eine Premiere zu gehen, weil die Schauspieler dauernd ihren Text vergessen.
„Samuel Pepys ist der KING der Gattung Tagebuch“ (Arno Schmidt)

Der 32-jährige österreichische Jazzpianist David Helbock gehört zu der Generation junger Jazzmusiker, die die Grenzen ihres Metiers sprengen, die das musikalische Verständnis von alt und neu, von Komposition und Improvisation, von Stil und Persönlichkeit radikal verändern und ihren eigenen Weg gehen.

David Helbock ist ein „konsequenter Spurensucher am Puls der Zeit“ und „begnadeter Geschichtenerzähler am Klavier“ (3sat Kulturzeit). Bereits auf seinem ACT-Debüt „Into the Mystic“ hat der Österreicher bekannten Kompositionen einen neuen, persönlichen Stempel aufgedrückt: von Beethoven über Thelonious Monk bis zu John Williams schlug er damals den Bogen rund um Sagen, Mythen und Spirituelles. 
Es ist auch jener Pianist vertreten, den Helbock gewissermaßen mit der Muttermilch aufgesogen hat: „Zu Keith Jarrett habe ich eine besondere und besonders emotionale Beziehung“, berichtet er. „Meine Mutter hörte seine Musik ständig während ihrer Schwangerschaft. Deshalb vermute ich, dass das erste Stück, das ich überhaupt hörte, bevor ich überhaupt geboren war, „My Song“ gewesen sein muss.“ 

„Playing John Williams"

Nach vielen enthusiastischen Kritiken zu seinen zahlreichen CDs und nach Hunderten Konzerten rund um den ganzen Globus, ist der junge österreichische Pianist David Helbock längst auf dem internationalen Parkett der Jazzmusiker angekommen.
Er ist mehrfacher Preisträger des weltgrößten Jazzpiano Solo Wettbewerbs in Montreux (CH) und gewann dort ebenso den Publikumspreis.
Das neue Programm „The Music of John Williams“ ist seine vierte Solo CD nach den Programmen „Emotions“ (2003), „Time" (2007) und „Purple“ (2012).
Seit 2016 ist David Helbock Exclusiv-Künstler beim renomierten Label ACT Music, auf dem bis jetzt zwei CDs mit seinen beiden Trios „David Helbock Trio“ und „Random/Control“, veröffentlicht wurden. Dieses dritte Album auf ACT wird nun eine Solopiano-CD sein, die im September 2019 erschienen ist.
Hier setzt sich David Helbock mit der Musik von John Williams, einem der wichtigsten Filmkomponisten überhaupt, der zu fast allen Steven Spielberg Filmen die Musik geschrieben hat, auseinander.
David Helbock schließt so natlos an zwei seiner vergangenen Projekte an.
Auf der CD „Purple“ (Traumton - 2012) hat sich der Pianist noch den Kompostionen des Popkünstlers Prince genähert und damals schon sehr erfolgreich Popkultur in seine ganz eigene, kreative Klaviersprache übersetzt und 
auf der CD „Into the Mystic“ (ACT - 2016) setzte sich David Helbock, dem 2011 der wichtigste Preis des Bundes Österreichs - der „Outstanding Artist Award“ verliehen wurde, in seinem Trio mit den Mythen dieser Welt auseinander.
Schon damals gab es eine Version der Filmmusik von Star Wars zu hören - ein Film der voll mit mythischen und mystischen Querverbindungen ist.
Filmmusik von Blockbuster wie „Indiana Jones“, „Harry Potter“ über „Der Weisse Hai“ bis hin zu „Schindler´s Liste“ werden auf ihre Essenz reduziert und leuchten am Solopiano in kreativen, jazzigen Arrangements in ganz neuem Glanz.

BIO GRAFISCHES

Zweimal Preisträger und der Publikumspreis beim weltweit größten Jazz-Piano-Solo-Wettbewerb des Jazzfestivals Montreux, begeisterte/internationale Kritiken für seine CDs und der wichtigste Förderpreis des Bundes Österreich 2011 - der "Outstanding Artist Award" - der aus dem kleinen österreichischen Dorf Koblach stammende Pianist David Helbock ist zweifellos am internationalen Parkett angekommen.
Helbock ist aber nicht nur ein hervorragender Pianist, sondern auch ein eigenwilliger Denker, der in seine Projekte nicht nur außerordentliche Fingerfertigkeit, sondern auch jede Menge Hirnschmalz investiert. 
David Helbock, am 28. Jänner 1984 geboren, begann im Alter von sechs Jahren Klavier zu spielen.
Er studierte am Konservatorium Feldkirch bei Prof. Ferenc Bognar Klavier, wo er 2005 sein klassisches Konzertfach-Diplom mit Auszeichnung abschloss und nahm seit 2000 zusätzlich Unterricht beim New Yorker Jazzpianisten Peter Madsen, der sein Lehrer, Mentor und Freund wurde.
David Helbock spielte Konzerttourneen und Aufnahmen in Länder wie den USA, Mexiko, Russland, Kasachstan, Kirgisistan, China, Mongolei, Südkorea, Philippinen, Indonesien, Malaysia, Indien, Südafrika, Äthiopien, Kenia, Senegal, Marokko, Tunesien, Iran, Brasilien, Argentinien, Chile, Australien und überall in Europa. 
David Helbock ist seit Beginn seiner Musikerlaufbahn außerdem als Komponist sehr aktiv. Zu seinen Werken zählt ein großes „Jahreskompositionsprojekt“ in dem er für ein Jahr lang jeden Tag ein neues Stück geschrieben hat (Anfang 2010 ist das "Personal Realbook" mit über 600 Seiten Musik erschienen)

theater.traum um 5 nach 4:
Herbert und Mimi stricken sich durch alle möglichen Märchen und versuchen, mit Hilfe der Kinder verlorene Maschen aufzufangen. Wenn sie nicht mehr weiter wissen, kann das Publikum helfen, die verschiedenen Strickmuster zu vollenden. Dass dabei nicht alles glatt läuft, versteht sich von selbst. Eine clowneske Improtheatershow für Jung und Alt.
Das Stück dauert 50 Minuten und ist geeignet für Menschen ab 3 Jahren.

Noch rasanter, und rockiger, noch mehr Morde, noch mehr Rezepte und noch weniger Klamotten - kurz: NOCH BESSER! Ein Abend mit „herzerfrischender, anarchistischer Selbstironie“ der Platz für regionale Statements hat und keine Wünsche offen lässt!  (Standard),

Mit „Shakespeares sämtliche Werke (leicht gekürzt)“ zaubert das Feinrippensemble (Bernhard Wolf, Markus Oberrauch, Thomas Gassner) eine hinreißende Komödie auf die Bühne, bei der auch Tränen fließen. Lachtränen, um genau zu sein.
Zehn Komödien, fünf Romanzen, drei Problemstücke, acht Historiendramen, zehn Tragödien und ein Sonett ergeben in Summe 37 Stücke – und damit knapp 100 Stunden Theater vom Feinsten.
Drei Schauspieler stellen sich dem Wagnis, alle Werke Shakespeares an einem Abend auf die Bühne zu bringen. Und rasen dabei in einem Höllentempo durch Klassiker wie „Romeo und Julia“, „Wie es euch gefällt“, „Maß für Maß“, „Macbeth“, „Hamlet“ und Co.
Sie zappen sich durch Liebe, Tod und Intrigen – und fallen hin und wieder aus den Rollen, weil sie die Kraft des großen Meisters übermannt und die Ebenen zwischen Spiel und Wirklichkeit zu verschwimmen drohen.
Sie verlegen „Titus Andronicus“ ins TV-Kochstudio, machen aus den Königsdramen ein spannendes Fußball-Match, in dem auf Abseits die Todesstrafe steht, und komprimieren die Komödien zu einer wortgewaltigen Performance, die von einer Choreographie begleitet wird, die jede Boygroup neidisch machen würde.
Bei ihrer Hetzjagd durch die Theatergeschichte geben sich die fantastischen drei jedoch nicht nur mit der Hauptbühne zufrieden. Sie erklimmen das Geländer, balancieren wagemutig über Holzbalken, lassen sich in – übers Publikum gespannte – Netze plumpsen und durchbrechen die Zuschauerbarriere, um sich unters Volk zu mischen.

Regisseurin Weber lässt Wolf, Gassner und Oberrauch so leidenschaftlich leben, lieben, leiden, lachen und sterben, dass man ihnen am liebsten im Minutentakt Applaus spenden würde.
Selbst Gassners temperamentvoller Publikumsbeschimpfungs-Monolog im zweiten Akt wird mit Bravo-Rufen gewürdigt. Und wenn Hamlet am Ende das Zeitliche segnet, ist der Rest ausnahmsweise nicht Schweigen – sondern Gelächter.
Und ist auch nicht jeder Satz von Shakespeare, so könnte er doch von dem Meister aus Stratford-on-Avon sein, von dem Großmeisters der englischen Dramatik, dem Schöpfer von Tragödien, Komödien und Königsdramen – so schön sind die Sätze, die geboten werden.
Und ist letztlich nicht egal, von wem die Worte stammen? Eine humoristische Fachzeitschrift hat einmal den alten Philologen-Streit: Wer schrieb Shakespeares Werke? mit dem versöhnlichen Urteil beendet: Es steht fest, dass Shakespeares Dramen nicht von Shakespeare stammen, sondern von einem Mann gleichen Namens!
Von diesem menschenfreundlichen Geist ist auch die Revue Shakespeares Sämtliche Werke (leicht gekürzt) beseelt. Kein Wunder, dass sie seit ihrer Uraufführung Erfolg hat, wo immer auf der Welt sie gespielt wird!

Die Feinripps kürzen die  ganze Bibel  auf eine göttliche Komödie zusammen: Altes & Neues Testament, köstlich gerippt.
Nachdem der Feinripp-Trupp – Thomas Gassner, Bernhard Wolf und Markus Oberrauch - auf seinen biblischen Pfaden mit Shakespeare-Morden  und grimmigen Geschichten bereits durch halb Tirol pilgerte, kehrt es mit seiner legendären Kurzversion der „Bibel – leicht gekürzt“ ins Innsbrucker Treibhaus zurück.  Das erfolgreiche Dreiergespann wuchtete bereits „Shakespeares sämtliche Werke“, leicht gekürzt auf zwei Stunden auf die Bühne und machte das Unmögliche möglich. Grimms Märchen ergings nicht besser: alle Schwiegertöchter, Prinzessinnen, Frösche  und Wölfe mußten sich zum Gaudium des Publikums feinrippen lassen.
Mit  „Die Bibel - leicht gekürzt“ fegen die drei nun durch das Alte und Neue Testament und zeigen, was man damit alles anstellen kann. Ein Wirbelwind ist harmlos dagegen.
Dabei entpuppt sich die Heilige Schrift als echte Vielseitigkeitsprüfung für die Schauspieler, die den Abend zu dritt tragen.  Wer schon katholisch ist, wird es bleiben. Es werden ist für den Besuch aber nicht notwendig,  wer nicht lacht, ist ein Wunder.

Werner Pirchner  

* 13. Februar 1940 in Hall in Tirol.    † 10. August 2001

Werner Pirchner, der hintersinnige Saboteur und frivolfröhliche Förderer zeitgenössischer E-Musik-Strapazen, ist und war ein wohltuendes Vorbild für den erfrischenden Geist der kreativen Subversion. Pirchner nahm einfach wahr, wo in seiner Umwelt Menschen und Umstände durch Machtmissbrauch entrechtet und belastet werden, wogegen er sich in seiner Musik manchmal ätzend böse, manchmal mit Witz und Ironie wehrte...

Grenzgängereì. Seiltänzer über E- und U-Musik-Welten. Wanderer zwischen den Stilenì. Irgendwie hinterlassen all diese oft strapazierten Stehsätze gerade im Hinblick auf Werner Pirchner einen schalen, unbefriedigenden Nachgeschmack. Auch wenn man den Tiroler Komponisten nicht persönlich gekannt hat: Sobald man sich in die Kompositionen vertieft, seine Vita Revue passieren lässt, Texte liest, entsteht der Eindruck eines Menschen, bei dem Person und künstlerische Arbeit, Leben und Denken, Form und Inhalt schlicht einen höheren Grad der Koinzidenz erreicht haben als bei anderen. Vielleicht gerade deshalb, weil sich hier der Inhalt oft selbst seine Form schuf, schaffen musste, anstatt bestehende auszufüllen. Pirchner, der Autodidakt wider Willen, Pirchner, der Tiroler, Pirchner, der gesellschaftskritische Nonkonformist, Pirchner, der Grübler, der Perfektionist. Auf seinen Partituren und Schallplatten ist alles Pirchner, vom ersten bis zum letzten Buchstaben, von der ersten bis zur letzten Zeichnung, von der ersten bis zur letzten Note. Alles ist durchdrungen von einer pointenreichen und doch feinsinnigen kreativen Energie, die sich urwüchsig Bahn bricht und zu sinnlich-plastischen Gestalten gerinnt. Alles hat Bedeutung, nichts ist Zufall. Keine Note scheint je überflüssig.

Und wo gehts hier zum Panamakanal?

FELIX MiTTERER

Felix Mitterer verbindet mit Werner Pirchner eine langjährige berufliche und private Freundschaft. Viele Theater und Film-Musiken schrieb W.P. zu Stücken von Felix Mitetrer. 
Aus dem großen Fundus an liebenswürdigen Erinnerungen wird Felix Mitterer zwischen den Noten immer wieder Anekdoten einbringen - und wir konnten ihn überreden:
Felix Mitterer wird  den wunderbaren Nachruf auf seinen Freund   rekonstruieren, den er am Grab des größten Fuchslochers aller Zeiten gehalten hat.

TRIO VERVE

Die aus Korea stammende und in Ottensheim lebende Pianistin Suyang Kim kommt ins Treibhaus. Gemeinsam mit dem Geiger Bernhard Metz und dem Cellisten Manuel Van Der Nahmer, beide sind Mitglieder der Münchner Philharmoniker, präsentiert sie zwei von Leidenschaftlichkeit und intensiven Gefühlslagen geprägte Werke von Werner Pirchner:
Klaviertrio PWV 31: „Wem gehört der Mensch?“
Klaviertrio PWV 29: „Heimat?“
"Ein Rezept gibt es sicherlich nicht, weil es auch für ihn (W.P.) kein Rezept gibt, wie er die Sachen schreibt. Aber es gibt eine Grundhaltung, die seiner Musik gegenüber angebracht ist, nämlich die Ohren und das Herz weit aufzumachen. Wenn man auf diese Musik ganz offen zugeht und will, dass diese Musik von einem Besitz ergreift – und nicht umgekehrt – wird man ihr nahe kommen." (CC Schuster, Wiener Schubert Trio)

TRIO HAI-MOLL

SIGGI HAIDER, JULIANA HAIDER und PHILIPP MOLL
Siggi Haider (Akkordeon) hat 1982 die Bühnenmusik zu „Stigma“ bei den Tiroler Volksschauspielen in Telfs gespielt, u.a.1986 zusammen mit W.P.(auch Akkordeon) die „Sonate vom rauhen Leben“ auf der Platte EU eingespielt. Diese wird zum Geburtstag von W.P. in einer Trio-Version für Akkordeon, Saxophon - Juliana Haider und Kontrabass – Philipp Moll auf dem Originalakkordeon von W.P. (Mengascini) erklingen  (eine Leihgabe der Fam. Pirchner an Siggi Haider... Danke!)
Trio-Versionen von „Kloanhäuslertänzen“ und andere „Noten für die Pfoten“ können mögliche Antworten liefern auf die in der „Kleinen Messe um C“ gestellten Fragen: „Ist Gott katholisch?“ – „Oder nit?“
Oder schwebt über dem Abend für W.P. doch der von W.P. hoch geschätzte Aphorismus von Karl Kraus: „Künstler ist nur einer, der aus der Lösung ein Rätsel machen kann.“
Denn wer wird schlussendlich „Dem Kaiser sein Diandl ...“ sein ?

Noch rasanter, und rockiger, noch mehr Morde, noch mehr Rezepte und noch weniger Klamotten - kurz: NOCH BESSER! Ein Abend mit „herzerfrischender, anarchistischer Selbstironie“ der Platz für regionale Statements hat und keine Wünsche offen lässt!  (Standard),

Mit „Shakespeares sämtliche Werke (leicht gekürzt)“ zaubert das Feinrippensemble (Bernhard Wolf, Markus Oberrauch, Thomas Gassner) eine hinreißende Komödie auf die Bühne, bei der auch Tränen fließen. Lachtränen, um genau zu sein.
Zehn Komödien, fünf Romanzen, drei Problemstücke, acht Historiendramen, zehn Tragödien und ein Sonett ergeben in Summe 37 Stücke – und damit knapp 100 Stunden Theater vom Feinsten.
Drei Schauspieler stellen sich dem Wagnis, alle Werke Shakespeares an einem Abend auf die Bühne zu bringen. Und rasen dabei in einem Höllentempo durch Klassiker wie „Romeo und Julia“, „Wie es euch gefällt“, „Maß für Maß“, „Macbeth“, „Hamlet“ und Co.
Sie zappen sich durch Liebe, Tod und Intrigen – und fallen hin und wieder aus den Rollen, weil sie die Kraft des großen Meisters übermannt und die Ebenen zwischen Spiel und Wirklichkeit zu verschwimmen drohen.
Sie verlegen „Titus Andronicus“ ins TV-Kochstudio, machen aus den Königsdramen ein spannendes Fußball-Match, in dem auf Abseits die Todesstrafe steht, und komprimieren die Komödien zu einer wortgewaltigen Performance, die von einer Choreographie begleitet wird, die jede Boygroup neidisch machen würde.
Bei ihrer Hetzjagd durch die Theatergeschichte geben sich die fantastischen drei jedoch nicht nur mit der Hauptbühne zufrieden. Sie erklimmen das Geländer, balancieren wagemutig über Holzbalken, lassen sich in – übers Publikum gespannte – Netze plumpsen und durchbrechen die Zuschauerbarriere, um sich unters Volk zu mischen.

Regisseurin Weber lässt Wolf, Gassner und Oberrauch so leidenschaftlich leben, lieben, leiden, lachen und sterben, dass man ihnen am liebsten im Minutentakt Applaus spenden würde.
Selbst Gassners temperamentvoller Publikumsbeschimpfungs-Monolog im zweiten Akt wird mit Bravo-Rufen gewürdigt. Und wenn Hamlet am Ende das Zeitliche segnet, ist der Rest ausnahmsweise nicht Schweigen – sondern Gelächter.
Und ist auch nicht jeder Satz von Shakespeare, so könnte er doch von dem Meister aus Stratford-on-Avon sein, von dem Großmeisters der englischen Dramatik, dem Schöpfer von Tragödien, Komödien und Königsdramen – so schön sind die Sätze, die geboten werden.
Und ist letztlich nicht egal, von wem die Worte stammen? Eine humoristische Fachzeitschrift hat einmal den alten Philologen-Streit: Wer schrieb Shakespeares Werke? mit dem versöhnlichen Urteil beendet: Es steht fest, dass Shakespeares Dramen nicht von Shakespeare stammen, sondern von einem Mann gleichen Namens!
Von diesem menschenfreundlichen Geist ist auch die Revue Shakespeares Sämtliche Werke (leicht gekürzt) beseelt. Kein Wunder, dass sie seit ihrer Uraufführung Erfolg hat, wo immer auf der Welt sie gespielt wird!

Vom Fress’n, Saufn, Steab’m und anderen Grauslichkeiten!

Eine Expedition ins Goldene Wienerherz! 

„Ich hänge an dieser Stadt und liebe sie mit Hass und mit Zärtlichkeit, mit Grausen und mit Gelächter …“.  
Dieses Zitat stammt aus dem Text "Wiener Gift" von Inge Merkel. Dieser Text ist für mich als gebürtigem Wiener der Ausgangspunkt zu unserer literarischen Reise in die Abgründe meiner Heimatstadt. Es ist eine Höllenfahrt in neun Kapitel, die schonungslos und gleichzeitig humorvoll die dunklen Seite der Wiener Seele offen legt; eben mit Lachen und Grausen.  
Dabei handelt es sich weniger um moderne Texte, als um Klassiker der Literatur aus und über Wien. Immer wieder habe ich mit dem Gedanken gespielt diese Lesung zu „modernisieren“ und immer wieder komme ich letztlich zum Schluss, dass diese Texte, obwohl viele davon bereits mehrere Jahrzehnte alt sind, ihre Gültigkeit nicht verloren haben.  
Wien bleibt Wien, leider nicht nur im gleichnamigen Marsch von Johann Schrammel! 
(Thomas Lackner)

Das Wiener Gift, das einst Inge Merkel versprüht hat, ist der Ausgangspunkt einer musikalisch-literarischen, heiter-makaberen Höllenfahrt in die Abgründe der Wiener Seele, und gleichzeitig der Rote Faden dieser abgründigen Reise.  Der Schauspieler und gebürtige Wiener Thomas Lackner interpretiert Gedichte, Texte und Lieder, unter anderem von Helmuth Qualtinger, Gerhard Bronner, HC Artmann, Alfred Polgar, Christine Nöstlinger, Inge Merkel, Ernst Jandl und einigen anderen, die „ihre“ Heimatstadt Wien geliebt und unter ihr gelitten haben.   Persönliche Erfahrungen und Erlebnisse aus der Stadt im Schatten des Stephansdoms und des Kahlenberges ergänzen dieses kulinarisch-grausliche Programm.  
Am Klavier begleitet wird er von Hans Jörg Sofka oder Fausto Quintaba. 

DAS PROGRAMM: Nix für schwache Nerven! 

Wenn der Wiener an Schas lost /  Die alte Engelmacherin  / Gerhard Bronner  / Ich lig so gean auf wossaleichn  /  Gerhard Rühm 
Wie schön wäre Wien ohne Wiener / Georg Kreisler  / I zuzl  /  Christine Nöstlinger /  Ned jeda Oasch is a Oasch  /  Gerhard Rühm / I scheangl  /  Christine Nöstlinger
Ogrim und gwassad
und und und:
dazwischen immer wieder: 
Wiener Gift, versprüht von Inge Merkel

INGE MERKEL

* 1. Oktober 1922 +  15. Januar 2006
Inge Merkel wird als eine typische Wiener Dichterin bezeichnet. Viele ihrer Texte spielen in dieser Stadt, zu der sie ein ambivalentes Verhältnis hatte. Diese Haltung ist besonders in ihrem Essay „Das Wiener Gift“ (1985) evident, in dem sie die Wiener einer gewissen moralischen Haltlosigkeit beschuldigt, die dazu führt, Spott für Verantwortung, Nörgeln für Handeln und Theater für Leben einzusetzen, denn die Bewohner ihrer Heimatstadt verkehrten nicht mit der Realität und griffen auch nicht ein, wenn sie ein Unrecht bemerkten. Dies ist für Merkel das Gift, das die Seele erschlaffen lässt. Dennoch liebt sie die Stadt, „dieses schwül entnervende, gauklerisch verwirrende, charakterlose und korrupte, dieses dreckige und überständige, von seiner Vergangenheit überfressene und übertrunkene Wien im Schimmel seiner musealen Prostitution (…). Ich hänge an dieser Stadt und liebe sie mit Haß und mit Zärtlichkeit, mit Grauen und Gelächter und mit einer kühlen, sachlichen Traurigkeit, die irgendwo etwas frivol getönt ist.“

Thomas Lackner 

Nach dem Studium der Musikwissenschaften und seiner Ausbildung zum Tontechniker war Thomas Lackner sieben Jahre als Moderator und Produzent für den Kultursender Ö1 tätig.  Seit 2000 ist er als Schauspieler auf den verschiedensten Bühnen des deutschen Sprachraumes zu sehen, davon 2006 bis 2012 als Ensemblemitglied des Tiroler Landestheaters, wo er immer noch regelmäßig gastiert.  
Er gestaltet spartenübergreifende Soloprogramme, Rezitationen, Lesungen mit Musik, Moderationen und Theaterstücke, die Information mit Entertainment verknüpfen, unter anderem im Tiroler Landesmuseum, im Audioversum Science Center Innsbruck, für die Tiroler Wirtschafts-kammer, den Österreichischen Museumsbund, und das Innsbrucker Institut für Quantenoptik und Quanteninformation der Österreichischen Akademie der Wissenschaften.  
Im Rahmen eines Bildungskarenzjahres ließ er sich an der University of London zum Stimm-, Sprech- und Präsentationstrainer ausbilden. Er hat derzeit Lehraufträge an der Universität Innsbruck, der Hochschule für Musik Würzburg, und der FH Gesundheit Innsbruck. Er leitet die WIFI Stimmakademie, und arbeitet im Rahmen von firmeninternen Trainings und Coachings mit Führungskräften und Mitarbeitern im wirtschaftlichen und administrativen Bereich. 

Die Feinripps kürzen die  ganze Bibel  auf eine göttliche Komödie zusammen: Altes & Neues Testament, köstlich gerippt.
Nachdem der Feinripp-Trupp – Thomas Gassner, Bernhard Wolf und Markus Oberrauch - auf seinen biblischen Pfaden mit Shakespeare-Morden  und grimmigen Geschichten bereits durch halb Tirol pilgerte, kehrt es mit seiner legendären Kurzversion der „Bibel – leicht gekürzt“ ins Innsbrucker Treibhaus zurück.  Das erfolgreiche Dreiergespann wuchtete bereits „Shakespeares sämtliche Werke“, leicht gekürzt auf zwei Stunden auf die Bühne und machte das Unmögliche möglich. Grimms Märchen ergings nicht besser: alle Schwiegertöchter, Prinzessinnen, Frösche  und Wölfe mußten sich zum Gaudium des Publikums feinrippen lassen.
Mit  „Die Bibel - leicht gekürzt“ fegen die drei nun durch das Alte und Neue Testament und zeigen, was man damit alles anstellen kann. Ein Wirbelwind ist harmlos dagegen.
Dabei entpuppt sich die Heilige Schrift als echte Vielseitigkeitsprüfung für die Schauspieler, die den Abend zu dritt tragen.  Wer schon katholisch ist, wird es bleiben. Es werden ist für den Besuch aber nicht notwendig,  wer nicht lacht, ist ein Wunder.

„ZWANZIG“ Jahre CHOROPAX Kammerchor Wattens - das sind 47 musikalische Programme mit 92 Konzerten, ungefähr 870 Proben und weit über 55.000 Stunden gemeinsamen Singens und Musizierens!
In dieser langen Zeit erarbeitete CHOROPAX an die 300 Werke weltlicher a cappella Chorliteratur – von Liedern aus der Zeit der Renaissance, der deutschen Romantik über Werke des 20. und 21. Jahrhunderts bis hin zu Spirituals und Gospels sowie Vokalfassungen von Tangos. Einen weiteren Schwerpunkt legte der Chor auf geistliche Vokalmusik. Hier kamen insbesondere selten aufgeführte Werke von barocken Meistern und Vertretern der Wiener Klassik zur Aufführung – sei es in kammermusikalischer Besetzung oder im Zusammenwirken von Chor, Solisten und großem Orchester.
Beim diesjährigen Festkonzert „ZWANZIG“ setzt CHOROPAX wieder zwei Schwerpunkte. Zum einen präsentiert der Chor einen kleinen Ausschnitt aus seinem vielfältigen a cappella-Repertoire. Zum anderen stehen Werke für Chor, Streichquartett und Klavier von Ola Gjeilo und Eric Whitacre im Mittelpunkt.
Anlässlich des Chorjubiläums ist es gelungen, den Tiroler Komponisten Hermann Pallhuber für ein Auftragswerk zu gewinnen. Pallhuber vertonte das dramatische Gedicht „The Tyger“ des englischen Lyrikers William Blake für die Besetzung gemischter Chor, Streichquartett und Klavier.
Ein Fünfteljahrhundert Chorgeschichte ist ein Grund für ein Fest. Über zahlreichen Besuch bei der gemeinsamen Geburtstagsfeier freuen sich alle Ausführenden!

KAMMERCHOR CHOROPAX

jubiläumskonzert 20 jahre CHOROPAX kammerchor wattens
stimmungsvolle geburtstagsmusik mit klavier, streichquartett und chor
mit werken von Gjeilo, Whitacre, Pallhuber u.v.a.
20er band:
sarah kurz, evi singer: violinen
markus huber: viola
kaspar singer: cello
iris schmied: klavier

Der Kammerchor der Musikschule Wattens Choropax steht seit Herbst 2000 unter der Leitung von Ewald Brandstätter. Schwerpunkte des Chores liegen ei­ner­seits im Bereich der a-cappella-Chormusik, ande­rerseits in der Aufführung selten gespielter Werke des Barock und der Wiener Klassik. Im a-cappella-Bereich reicht das Repertoire von engli­schen Renaissance-Madrigalen über Chorliteratur der deutschen Romantik bis hin zu internationaler Volks­musik sowie Arrangements aus Jazz und Pop. Im Februar 2007 sowie bei einer Wiederauflage 2010 überzeugte der Chor bei zwei Konzerten mit Tango-Bearbeitungen, die noch nie zuvor im deutschsprachigen Raum zu hören waren.Sakralwerke von Mozart gehören ebenso zum Repertoire wie selten aufgeführte Anthems von Georg Friedrich Händel und Henry Purcell. Gemeinsam mit dem „Kammerchor Salzburg“, dem „Marini Consort Innsbruck“ und einem hochkarätigen Solistenensemble wurde im Juni 2007 Georg Friedrich Händels Oratorium „Israel in Egypt“ in der ausverkauften Marienkirche in Wattens und in der Stiftskirche Millstatt mit großem Erfolg aufgeführt.  Mit dem Organisten Albert Knapp gelangten im Juni 2012 englische Sakralwerke des 20. Jahrhunderts für Chor und Orgel in der Marienkirche Wattens und in der Pfarrkirche Peter und Paul in Telfs zur Aufführung. Ein weiterer Höhepunkt in der Geschichte des Chors war die Aufführung von John Rutters “Gloria” gemeinsam mit einem Blechbläserensemble der Swarovski Musik Wattens im Dezember 2012. Im Frühjahr 2013 und bei einer Wiederaufnahme 2014 beschäftigte sich der Chor mit Werken des böhmischen Barockkomponisten Jan Dismas Zelenka und bleibt so seiner Linie treu, dem Publikum selten gehörte Werke weniger bekannter Komponisten näher zu bringen. Im Jubiläumsjahr 2015 begeisterte Choropax sein Publikum im Februar mit einem a-capella-Konzert, das Höhepunkte vergangener Konzerte und Neuheiten weltlicher Chorliteratur vereinte. Bei den Hörbeispielen finden Sie einige Stücke aus diesem Konzert. Beim Barockkonzert im Juni stellte der Chor zwei seiner Lieblingskomponisten einander direkt gegenüber – J. D. Zelenkas Lauretanische Litanei und G. F. Händels Utrechter Te Deum entsprechen ganz der Tradition des Chores, selten aufgeführte oder in Vergessenheit geratene Werke zu erarbeiten und so sein Publikum immer wieder zu überraschen

Aki Rissanen (p)
with Antti Lötjönen (b)
& Teppo Mäkynen (dr)

„Art In Motion“ ist das dritte Album des finnischen Pianisten Aki Rissanen und seines langjährigen Trios, bestehend aus dem Bassisten Antti Lötjönen und Schlagzeuger Teppo Mäkynen. Und was für ein Album! Ein Album, das den Einfluss klassischer Musik mit einer Ästhetik verbindet, die an Minimal Techno erinnert, umrahmt von einem ganz eigenen Ansatz des Nordic Jazz. Ein Komplettpaket, das für sich steht. Doch so vielfältig das ist, was wir da auf die Ohren bekommen, so sehr ist es auf den Punkt. Repetitive, hypnotische Hooks, die besagten heterogenen Einflüsse –  bei jedem Album wird deutlicher, dass da drei Musiker „ihren“ kollektiven, unverkennbaren Sound gefunden haben - und wow, ziehen sie den durch.
Aki erklärt das so: "Definitiv ist das Trio in den letzten Jahren zusammengewachsen. Wir sind aktiv auf Tournee gegangen und das hat uns wirklich geholfen, auf einer tiefen Ebene zu kommunizieren und unsere eigene Stimme als Trio zu finden, Album für Album."

„Art In Motion“, zu Deutsch „Kunst in Bewegung“, ist ein Wortspiel um die Initialen des Aki Rissanen Trios - A.R.T. - sowie des Einflusses der Kunstmusik aus dem Repertoire der europäischen Klassik (auf dem Album finden sich zwei Cover des italienischen Renaissancekomponisten Carlo Gesualdo und eines des zeitgenössischen finnischen Komponisten Einojuhani Rautavaara), während sich Akis Kompositionen auf Satie, Pergolesi, Bach, Ligeti und Strawinsky beziehen. Und die Bewegung? "Wir sind eine rhythmisch intensive Band, die sich auf ihr Zusammenspiel konzentriert und die nordische Tradition aus unserer Sicht fortsetzt. Als Jazzmusiker sind wir per definitionem in ständiger Bewegung, denn diese Kunstform steht nie still."
Er fährt fort: "Wir erforschen die Wurzeln des aktuellen europäischen Jazz an den Außengrenzen Europas, und zwar aus unserer Perspektive als finnische Künstler mit nordischem, slawischem und westeuropäischem Erbe". Da schließt sich denn auch der Kreis: Klassisch ausgebildet, aber von Anbeginn seiner Ausbildung interessiert an elektronischen Ausdrucksweisen (die Legende geht, dass er seine beiden ersten Instrumente zeitgleich geschenkt bekommen hat, ein akustisches Piano und einen Synthesizer): Akis Kompositionen sind jetzt rein akustisch – doch sind sie die Essenz all dessen und finden in diesem zusammengewachsenen Trio zu ihrer Perfektion.
Es wäre zu einfach, die komplizierten linkshändigen Passagen, vermischt mit dem warmen und abgerundeten Klang von Anttis Bass und dem subtilen Groove von Teppo, dem Esbjörn Svensson Trio zuzuordnen; oder der komplexen Phrasierung und den klassischen Einflüssen eines Brad Mehldau. Nein, diese Musik trotzt jedem Vergleich. Das Trio hat etwas Eigenes erschaffen, und es wird nicht mehr lang dauern, bis sie zu den ganz großen Pianotrios dieses Kontinents gehören.

Eine kleine Hütte am Meer. Drinnen ein Fischer und seine Frau. Wie romantisch! Was will man mehr? Wäre da nur nicht dieser verflixte Butt an der Angel! Ein sprechender Fisch, der obendrein Wünsche erfüllen kann? Na dann, volle Kraft
voraus! Und schon wird aus Meer mehr und mehr, wird sich davon geträumt, ein
Schloss gebaut, über sich hinaus gewachsen und nach den Sternen gegriffen!
Und die Moral von der Geschicht: was man hat, reicht manchmal nicht!

***

Gegründet wurde das Theater 2005 in Dresden, von der Schauspielerin Andrea Post und dem Pantomimen Tim Schreiber.
Seither entstehen in einer Verbindung von Schauspieltheater und Pantomime Theaterstücke für Kinder mit Themen und Stoffen, welche gesellschaftlich relevant, unterhaltsam-clownesk sowie nachhaltig und berührend sind.
Das Theater ist Mitglied der ASSITEJ (der internationalen Vereinigung des Theaters für Kinder und Jugendliche) und im Landesverband der Freien Theater in Sachsen.
Als Tourneetheater reisen Schreiber&Post mit Ihren Produktionen durch Deutschland und ins deutschsprachige Ausland mit ca. 100 Vorstellungen im Jahr.

Das Duo nimmt regelmäßig an der Kinder-Kultur-Börse teil und erhielt dort in München 2011 für das Stück „Von Einer, die auszog, das Fürchten zu lernen“ den Preis für die beste Inszenierung.
Ausgezeichnet als „Kindertheater des Monats NRW“ mit dem Stück „Ik bün Könik“ 2012 und „Hans im Glück“ 2018 gastierte das Theater in zahlreichen Städten in Nordrhein-Westfalen.
2015 gewannen Schreiber & Post für ihre Inszenierung „Vom Fischer und seiner Frau“ den 11. Amberger Kindertheaterfestival-Preis und waren nominiert für das internationale Theaterfestival „Starke Stücke“ des Landes Hessen.

Pressestimmen

“Die Stärke dieses Theaters liegt im Spiel mit der Phantasie des Zuschauers. Die Dresdner kombinieren gekonnt Schauspiel und Pantomime und schwupps wird aus und mit Nichts an Requisiten alles gezeigt.“
Heidenheimer Zeitung, 22.03.11
 
“Mitreißendes Kindertheater mit Gruselfaktor und Lampenfieber.”
Münchner Merkur (Ausgabe Fürstenfeldbruck), 14.03.12
 
“Schreiber und Post machen ihre Sache sehr überzeugend. Mit viel Liebe zum Detail und einer ausdrucksstarken Mimik reißen sie nicht nur die zahlreichen Kinder mit, sondern auch die Erwachsenen im Publikum.“
Süddeutsche Zeitung (Ausgabe Fürstenfeldbruck), 14.03.12

Noch rasanter, und rockiger, noch mehr Morde, noch mehr Rezepte und noch weniger Klamotten - kurz: NOCH BESSER! Ein Abend mit „herzerfrischender, anarchistischer Selbstironie“ der Platz für regionale Statements hat und keine Wünsche offen lässt!  (Standard),

Mit „Shakespeares sämtliche Werke (leicht gekürzt)“ zaubert das Feinrippensemble (Bernhard Wolf, Markus Oberrauch, Thomas Gassner) eine hinreißende Komödie auf die Bühne, bei der auch Tränen fließen. Lachtränen, um genau zu sein.
Zehn Komödien, fünf Romanzen, drei Problemstücke, acht Historiendramen, zehn Tragödien und ein Sonett ergeben in Summe 37 Stücke – und damit knapp 100 Stunden Theater vom Feinsten.
Drei Schauspieler stellen sich dem Wagnis, alle Werke Shakespeares an einem Abend auf die Bühne zu bringen. Und rasen dabei in einem Höllentempo durch Klassiker wie „Romeo und Julia“, „Wie es euch gefällt“, „Maß für Maß“, „Macbeth“, „Hamlet“ und Co.
Sie zappen sich durch Liebe, Tod und Intrigen – und fallen hin und wieder aus den Rollen, weil sie die Kraft des großen Meisters übermannt und die Ebenen zwischen Spiel und Wirklichkeit zu verschwimmen drohen.
Sie verlegen „Titus Andronicus“ ins TV-Kochstudio, machen aus den Königsdramen ein spannendes Fußball-Match, in dem auf Abseits die Todesstrafe steht, und komprimieren die Komödien zu einer wortgewaltigen Performance, die von einer Choreographie begleitet wird, die jede Boygroup neidisch machen würde.
Bei ihrer Hetzjagd durch die Theatergeschichte geben sich die fantastischen drei jedoch nicht nur mit der Hauptbühne zufrieden. Sie erklimmen das Geländer, balancieren wagemutig über Holzbalken, lassen sich in – übers Publikum gespannte – Netze plumpsen und durchbrechen die Zuschauerbarriere, um sich unters Volk zu mischen.

Regisseurin Weber lässt Wolf, Gassner und Oberrauch so leidenschaftlich leben, lieben, leiden, lachen und sterben, dass man ihnen am liebsten im Minutentakt Applaus spenden würde.
Selbst Gassners temperamentvoller Publikumsbeschimpfungs-Monolog im zweiten Akt wird mit Bravo-Rufen gewürdigt. Und wenn Hamlet am Ende das Zeitliche segnet, ist der Rest ausnahmsweise nicht Schweigen – sondern Gelächter.
Und ist auch nicht jeder Satz von Shakespeare, so könnte er doch von dem Meister aus Stratford-on-Avon sein, von dem Großmeisters der englischen Dramatik, dem Schöpfer von Tragödien, Komödien und Königsdramen – so schön sind die Sätze, die geboten werden.
Und ist letztlich nicht egal, von wem die Worte stammen? Eine humoristische Fachzeitschrift hat einmal den alten Philologen-Streit: Wer schrieb Shakespeares Werke? mit dem versöhnlichen Urteil beendet: Es steht fest, dass Shakespeares Dramen nicht von Shakespeare stammen, sondern von einem Mann gleichen Namens!
Von diesem menschenfreundlichen Geist ist auch die Revue Shakespeares Sämtliche Werke (leicht gekürzt) beseelt. Kein Wunder, dass sie seit ihrer Uraufführung Erfolg hat, wo immer auf der Welt sie gespielt wird!

Vom Fress’n, Saufn, Steab’m und anderen Grauslichkeiten!

Eine Expedition ins Goldene Wienerherz! 

„Ich hänge an dieser Stadt und liebe sie mit Hass und mit Zärtlichkeit, mit Grausen und mit Gelächter …“.  
Dieses Zitat stammt aus dem Text "Wiener Gift" von Inge Merkel. Dieser Text ist für mich als gebürtigem Wiener der Ausgangspunkt zu unserer literarischen Reise in die Abgründe meiner Heimatstadt. Es ist eine Höllenfahrt in neun Kapitel, die schonungslos und gleichzeitig humorvoll die dunklen Seite der Wiener Seele offen legt; eben mit Lachen und Grausen.  
Dabei handelt es sich weniger um moderne Texte, als um Klassiker der Literatur aus und über Wien. Immer wieder habe ich mit dem Gedanken gespielt diese Lesung zu „modernisieren“ und immer wieder komme ich letztlich zum Schluss, dass diese Texte, obwohl viele davon bereits mehrere Jahrzehnte alt sind, ihre Gültigkeit nicht verloren haben.  
Wien bleibt Wien, leider nicht nur im gleichnamigen Marsch von Johann Schrammel! 
(Thomas Lackner)

Das Wiener Gift, das einst Inge Merkel versprüht hat, ist der Ausgangspunkt einer musikalisch-literarischen, heiter-makaberen Höllenfahrt in die Abgründe der Wiener Seele, und gleichzeitig der Rote Faden dieser abgründigen Reise.  Der Schauspieler und gebürtige Wiener Thomas Lackner interpretiert Gedichte, Texte und Lieder, unter anderem von Helmuth Qualtinger, Gerhard Bronner, HC Artmann, Alfred Polgar, Christine Nöstlinger, Inge Merkel, Ernst Jandl und einigen anderen, die „ihre“ Heimatstadt Wien geliebt und unter ihr gelitten haben.   Persönliche Erfahrungen und Erlebnisse aus der Stadt im Schatten des Stephansdoms und des Kahlenberges ergänzen dieses kulinarisch-grausliche Programm.  
Am Klavier begleitet wird er von Hans Jörg Sofka oder Fausto Quintaba. 

DAS PROGRAMM: Nix für schwache Nerven! 

Wenn der Wiener an Schas lost /  Die alte Engelmacherin  / Gerhard Bronner  / Ich lig so gean auf wossaleichn  /  Gerhard Rühm 
Wie schön wäre Wien ohne Wiener / Georg Kreisler  / I zuzl  /  Christine Nöstlinger /  Ned jeda Oasch is a Oasch  /  Gerhard Rühm / I scheangl  /  Christine Nöstlinger
Ogrim und gwassad
und und und:
dazwischen immer wieder: 
Wiener Gift, versprüht von Inge Merkel

INGE MERKEL

* 1. Oktober 1922 +  15. Januar 2006
Inge Merkel wird als eine typische Wiener Dichterin bezeichnet. Viele ihrer Texte spielen in dieser Stadt, zu der sie ein ambivalentes Verhältnis hatte. Diese Haltung ist besonders in ihrem Essay „Das Wiener Gift“ (1985) evident, in dem sie die Wiener einer gewissen moralischen Haltlosigkeit beschuldigt, die dazu führt, Spott für Verantwortung, Nörgeln für Handeln und Theater für Leben einzusetzen, denn die Bewohner ihrer Heimatstadt verkehrten nicht mit der Realität und griffen auch nicht ein, wenn sie ein Unrecht bemerkten. Dies ist für Merkel das Gift, das die Seele erschlaffen lässt. Dennoch liebt sie die Stadt, „dieses schwül entnervende, gauklerisch verwirrende, charakterlose und korrupte, dieses dreckige und überständige, von seiner Vergangenheit überfressene und übertrunkene Wien im Schimmel seiner musealen Prostitution (…). Ich hänge an dieser Stadt und liebe sie mit Haß und mit Zärtlichkeit, mit Grauen und Gelächter und mit einer kühlen, sachlichen Traurigkeit, die irgendwo etwas frivol getönt ist.“

Thomas Lackner 

Nach dem Studium der Musikwissenschaften und seiner Ausbildung zum Tontechniker war Thomas Lackner sieben Jahre als Moderator und Produzent für den Kultursender Ö1 tätig.  Seit 2000 ist er als Schauspieler auf den verschiedensten Bühnen des deutschen Sprachraumes zu sehen, davon 2006 bis 2012 als Ensemblemitglied des Tiroler Landestheaters, wo er immer noch regelmäßig gastiert.  
Er gestaltet spartenübergreifende Soloprogramme, Rezitationen, Lesungen mit Musik, Moderationen und Theaterstücke, die Information mit Entertainment verknüpfen, unter anderem im Tiroler Landesmuseum, im Audioversum Science Center Innsbruck, für die Tiroler Wirtschafts-kammer, den Österreichischen Museumsbund, und das Innsbrucker Institut für Quantenoptik und Quanteninformation der Österreichischen Akademie der Wissenschaften.  
Im Rahmen eines Bildungskarenzjahres ließ er sich an der University of London zum Stimm-, Sprech- und Präsentationstrainer ausbilden. Er hat derzeit Lehraufträge an der Universität Innsbruck, der Hochschule für Musik Würzburg, und der FH Gesundheit Innsbruck. Er leitet die WIFI Stimmakademie, und arbeitet im Rahmen von firmeninternen Trainings und Coachings mit Führungskräften und Mitarbeitern im wirtschaftlichen und administrativen Bereich. 

Die Feinripps kürzen die  ganze Bibel  auf eine göttliche Komödie zusammen: Altes & Neues Testament, köstlich gerippt.
Nachdem der Feinripp-Trupp – Thomas Gassner, Bernhard Wolf und Markus Oberrauch - auf seinen biblischen Pfaden mit Shakespeare-Morden  und grimmigen Geschichten bereits durch halb Tirol pilgerte, kehrt es mit seiner legendären Kurzversion der „Bibel – leicht gekürzt“ ins Innsbrucker Treibhaus zurück.  Das erfolgreiche Dreiergespann wuchtete bereits „Shakespeares sämtliche Werke“, leicht gekürzt auf zwei Stunden auf die Bühne und machte das Unmögliche möglich. Grimms Märchen ergings nicht besser: alle Schwiegertöchter, Prinzessinnen, Frösche  und Wölfe mußten sich zum Gaudium des Publikums feinrippen lassen.
Mit  „Die Bibel - leicht gekürzt“ fegen die drei nun durch das Alte und Neue Testament und zeigen, was man damit alles anstellen kann. Ein Wirbelwind ist harmlos dagegen.
Dabei entpuppt sich die Heilige Schrift als echte Vielseitigkeitsprüfung für die Schauspieler, die den Abend zu dritt tragen.  Wer schon katholisch ist, wird es bleiben. Es werden ist für den Besuch aber nicht notwendig,  wer nicht lacht, ist ein Wunder.

Dass bei Bluatschink ein Ehepaar auf der Bühne sitzt, ist in der Musik-Szene ja doch etwas ganz 
Besonderes. 
Toni Knittel: „Margit stammt aus dem Unteren Lechtal und ich komme aus dem Oberen Lechtal. 
Daher kann man schon sagen, dass wir eine multikulturelle Ehe führen. Aber beim Dialekt sind 
wir uns zum Glück einig – wir singen Oberlechtalerisch! Wer uns erlebt, der weiß: Dies ist die 
Liedermacher-Variante von DIE SCHÖNE UND DAS BIEST! Manche sagen auch DER 
SCHÖNE UND DAS BIEST – aber das sind die mit den ganz dicken Brillen!“ 
Wir würden hier noch ergänzen: Wer die beiden auf der Bühne erlebt, der spürt vom ersten Ton, 
dass die Leidenschaft für die Musik die beiden intensiv verbindet und ihr zweistimmiger Gesang 
und der unverwechselbare Lechtaler Dialekt lassen da eine Magie entstehen, die absolute 
Authentizität ausstrahlt.

Beim neuen Programm erwartet die Konzertbesucher ein Mix aus alten „Schinken“ die in 
Österreich schon wahre Gassenhauer geworden sind wie „A Schalele Kaffee“, „I han di gera“ 
oder „Funka fliaga“ – aber es werden auch viele neue Songs zu hören sein. Und der Titelsong 
„BEI MIR UMS EGG“ bringt auf den Punkt, was dem Musik-Duo ein Anliegen ist: Besinnung 
auf Regionalität und Originalität – auch in kultureller Hinsicht! In einer Zeit, in der Musik immer 
mehr von Computern produziert wird, in der Künstler aus Finnland und Musiker aus den USA 
nicht mehr von einander zu unterscheiden sind, legt Bluatschink großen Wert auf 
Unverwechselbarkeit. Es werden in den Liedern und in den Zwischentexten Geschichten erzählt, 
in denen sich die Konzert-Besucher wiedererkennen. Die urige Naturlandschaft ihrer Lechtaler 
Heimat spiegelt sich in ihrem Dialekt und in ihren Liedern immer wieder aufs Neue! 
Rainhard Mey, Fredl Fesl oder Konstantin Wecker - Toni Knittel stellt eine Mischung aus diesen 
drei Künstlern dar. Er betrachtet die Welt mit einem verschmitzten Lächeln, blödelt liebend gerne 
mit seinem Publikum und so hat der Bluatschink mit seinen Liedern nicht gerade die Welt 
verändert, aber immerhin seinen geliebten Lech-Fluss vor der Verbauung gerettet! 
Zwei Jahrzehnte ist Toni Knittel nun schon als Songwriter maßgeblich dafür verantwortlich, dass 
die Musik dieser Band die Hitparaden der Alpenrepublik gestürmt hat. Und egal, mit welchem 
Programm der kreative Glatzkopf aus dem Lechtal auch unterwegs ist, es wird jedem 
Konzertbesucher schnell klar werden, dass man es hier mit einem Liedermacher der guten alten 
Schule zu tun hat. 
Die Texte sind kritisch, ohne dass mit dem Zeigefinger gefuchtelt wird. Es wird nach Herzenslust 
geblödelt und trotzdem ist das Zeltfest in weiter Ferne. Und es werden berührende Geschichten 
erzählt, die das Leben geschrieben hat und in denen sich das Publikum wiederfindet. 

Vor fünf Jahren trat Lambert zum ersten Mal in Erscheinung oder besser: er ließ von sich hören. Die Person hinter der sardischen Stiermaske bleibt bis heute unerkannt. Gerüchte darüber, wer und was sich hinter dieser Maske verbergen könnte, gibt es zuhauf. Nicht zuletzt deshalb, weil Lamberts Spiel auch international bekannt und gefragt ist. Namhafte Künstler wie zum Beispiel José González, Deichkind und Moderat fragten Reworks ihrer Tracks an und bekamen einzigartige Neuinterpretationen zurück. In den besagten fünf Jahren veröffentlichte Lambert vier Solo-Alben und tourte über den halben Kontinent. Und nachdem er 2018 zwei Alben, eines in Kollaboration mit dem Elektronik-Produzenten Stimming und eines mit dem Chicagoer Folk-Sänger Brooklyn Dekker veröffentlichte, erklang im Mai diesen Jahres nun wieder Lambert in Reinform: alleine und maskiert am Klavier.

Busy days, busy years – so sehr, dass man schon mehr als eine Persönlichkeit hinter diesem Pseudonym vermutete. Gerüchte und Namen sind für Lambert aber nicht mehr als inspirierender Schall und Rauch. Das, was zählt, ist das, was wirklich dahinter steckt: Ein neues Lambert-Album wird diese Geschichte im Herbst 2019 weiterschreiben und tiefer verorten.

Die Klassifizierung des Künstlers und Phänomens namens Lambert in ein enges Genre-Korsett wird durch die genannte Vielseitigkeit nahezu untragbar. Dennoch, der Name fällt oftmals in neoklassischen Zusammenhängen. Möglicherweise weil seine ersten Liveauftritte gemeinsam mit Nils Frahm und Ólafur Arnalds stattfanden. Dabei sprechen Lamberts Harmonien auch eine deutliche, andere Sprache: Melodien zwischen den Beatles und diesem Chopin treffen auf rhythmische Strukturen und mitreissende Bewegungen, die moderne elektronische Tanzmusik referenzieren. Lambert scheint demnach nicht viel darauf zu geben, pop- oder hochkulturell verortet zu werden. Es tut schließlich auch nichts zur Sache, ist es doch so oberflächlich und trügend wie jede Äußerlichkeit.

Festzuhalten bleibt aber, dass Lambert im Gegensatz zur Neoklassik, ihrer Ambienthaftigkeit sowie der konzentrierten Rolle von Fläche und diatonischer Harmonie, sich musikalisch deutlich vielseitiger versteht. Auch schimmert immer wieder ein klares und technisch versiertes Interesse an Musik bis hin zu einem Nerdtum bei ihm durch: Bach und Chopin sind dabei genauso Thema wie Bill Evans, Keith Jarrett und Brad Mehldau. Große Helden, die man nicht hinter jedem seiner Stücke vermuten würde. Denn die im Gegensatz dazu auch zu spürende Eingängigkeit popkultureller Traditionen und Inspirationen machen Lambert zu einem bunten Phänomen, einem gehörnten Pop-Trüffelschweinchen im Matsch der Neoklassik.

Aber die nächsten Arbeiten von Lambert werden die Welt sicher wieder eines Besseren belehren. Denn genauso wie viele Persönlichkeiten hinter dieser Maske stecken könnten, kann ein einziges Genre gewiss nicht genug für diesen Klangkosmos sein. Vielleicht ist dies damit auch die beste Verortung für das versteckt spielende Klavier: überall und nirgends, aber immer genau da.

LAMBERT präsentiert im Treibhaus vor zwei Jahren  sein Album „Stay in the Dark“, das er tatsächlich ausschließlich in der Dunkelheit der Nacht aufgenommen hat. Und so wurde es eine Liebeserklärung an ebensolche – wunderschönes, forschendes Klavierwerk zwischen klassischer Romantik, modernem Minimalismus, modalem Jazz und einer gewissen, Opulenz immer nur andeutenden «Coldplayhaftigkeit». Aus der Not wurde eine Tugend, mit großartigem Ergebnis: LAMBERT fand nur nachts die Zeit, an neuer, eigener Musik zu arbeiten. Weil er tagsüber mit Arbeiten an Film-Soundtracks oder Piano-Re-Works von Deichkind über die Beatsteaks bis Boy beschäftigt war. Oder mit dem Einkauf. Oder Aufräumen. Oder Schlafen…
Schließlich beschloss LAMBERT, fortan nur noch nachts zu komponieren. Damit die Stücke tatsächlich aus einer Stimmung heraus, in einem festgelegten Ambiente, entstehen konnten. Und weil man in der nächtlichen Stadt von einer beinahe wundersamen Stille umgeben ist, in der man als Musiker von kaum einem anderen Sinn abgelenkt ist. Eine Stille und Ruhe, die LAMBERT offenbar vertont hat. Und schon schließt sich der Kreis wieder – zu den ruhelosen Mitt-Dreißigern auf der Suche nach dem richtigen Soundtrack zum Runterkommen. Im Dunkeln oder im Hellen.
Noch vor seinem Solo-Debüt «Lambert» hat der Wahl-Berliner bereits im Hintergrund auf sich aufmerksam gemacht — durch seine minimalen Neuarbeitungen für Bands wie Bonaparte, Ja Panik, Boy oder Me and My Drummer. Sein erstes Album erschien 2014 auf dem Berliner Label Staatsakt und wurde von Nils Frahm gemischt und gemastert. 2015 erschien „Stay in the Dark“

Süße Fremdscham: Wer kennt sie nicht? Die glorios peinlichen und umso amüsanteren Tagebuch-Ergüsse aus Teenagerzeiten, Reisetagebüchern oder einfach nur von damals? Wir haben sie! 
Eine peinlich-lustige Zeitreise in die Abgründe der eigenen und fremden Pubertät. Ehrlich, berührend, schonungslos, betrübt, übertrieben, sehnsüchtig, haltlos und unverstanden. So waren und sind sie, unsere Schul- und Jugendjahre. Und so sind unsere Tagebucheinträge aus dieser wilden und unberechenbaren Zeit des Erwachsenwerdens. Es lesen live 4 Laien aus ihren alten Tagebüchern. 
Das gibt es im Wiener TAG seit 2013 und im Oktober 2014, waren auch 5 Folgen in DIE.Nacht in ORF 1 zu sehen. 
Seit Sommer 2015 werden die Bundesländer erobert. 
Das Publikum entscheidet über die Sieger*in des Abends, die sich über einen Taschengeld Zuschuss (1000 Schilling Gutschein) freuen kann. 
Und auch für alle anderen gibt es Preise, denn jede*r, der die Pubertät unbeschadet überstanden hat, ist ein*e Sieger*in. Eine Reality-Show der etwas anderen Art – mit Sicherheit der persönlichste aller Slams, denn die schönsten Geschichten schreibt das Leben. Überzeugt euch selbst, kommt vorbei oder noch besser macht selbst mit! 

„Pubertät kann wirklich erheiternd sein, wenn

man darüber hinweg ist.“ DER STANDARD

Teilnehemer*innen gesucht -
es scheint es gibt viel zu verbergen in den Bergen ... 
Es werden 4 Leute am Start sein, d.h. immer 2 gegen einander lesen, dann gibt es einen Applausbattle und eine zweite Runde bzw. das Finale. Jede*r braucht zwei Beiträge (können auch mehrere kürzere Einträge sein) von maximal 5 Minuten, weil Vor- und Finalrunde. Bitte keinen aktuellen Beiträge, sollten vor 2014 sein! Originaltagebücher mitbringen und ansonsten einfach Spaß haben. 
Anmeldungen und Fragen bitte an: diana@liebestagebuch.at 

Durch den Abend führt: Diana Köhle 

Erster Tagebucheintrag am 23. September 1989, denn das Leben war hart in den Bergen. Nach längerer Abstinenz schreibt sie nun wieder täglich Tagebuch, denn sie muss ja weiterhin fleißig für „Lesestoff“ sorgen. Neben dem Tagebuch schreiben, schlägt ihr Herz für Poetry Slams. Seit 2004 moderiert und organisiert sie Poetry Slams (monatlich Slam B im Literaturhaus Wien) und seit 2013 auch den erfolgreichen TAGebuch Slam im TAG in Wien. Der war im Herbst 2014, mit 5 Folgen auch in DIE.Nacht in ORF 1 zu sehen (Liebes Tagebuch, ...). Sie war ein Landkind (aufgewachsen in Nassereith) und ist nun eine Stadterwachsene (Studium in Innsbruck, lebt seit 2003 in Wien).

Der Philosoph unter den Kabarettisten und „Experte für eh alles“ feiert mit 12. Soloprogramm eine bejubelte Premiere.

Der norwegische Komponist und Tubist Daniel Herskedalhat sich ohne Einschränkungen und Konventionen einen Namen als Musiker gemacht, die Grenzen seines Instruments technisch und klanglich erweitert und damit faszinierende und hypnotisierend schöne Musik erschaffen. 
Kompositionsaufträge von beispielsweise dem BBC Concert Orchestra, uraufgeführt beim London Jazz Festival in der Royal Festival Hall, dem Trondheim Jazz Orchestraoder der Royal Norwegian Navy Bandsind ein Teil seines musikalischen Schaffens. Darüber hinaus kennt man ihn von seinem Duo mit Marius Neset, dem Trondheim Jazz Orchestra und Django Bates. 

Daniel Herskedal - tuba and bass trumpet 
Bergmund Waal Skaslien - viola 
Eyolf Dale - piano 
Helge Andreas Norbakken - percussion

Man könnte denken, dass die Tuba nicht das angesagteste Leadinstrument weder in der Klassik noch im Jazz ist. Aber „angesagt“ hin oder her: Wer so viel Musik erschafft, muss zwangsweise auch sein eigenes Projekt auf die Beine stellen und das geschah 2015 mit dem Album Slow Eastbound Train, mit dem Herskedal durch ganz Europa tourte. Die ZEIT bestätigte ihm denn auch: “..[Herskedal] spielt seit seiner Jugend Tuba. Und wie! Mit Herz statt nur mit Witz.. Schmatzend, atmend erhebt sich die verführerische Melodie aus der Tuba.. [und] die Basstrompete säuselt und singt, saugt den Hörer ein, die Reise kann beginnen.” Auch der Nachfolger The Rocveranlasste die Kritiker, den breiten Mix an Einflüssen aus Folk-, Jazz-, Klassik- und arabischen Quellen in den Himmel zu heben, während der nationale Sender France Musique die Gruppe als„eines der einzigartigsten und innovativsten kleinen Ensembles"bezeichnete. 

Sein drittes Album Voyage entpuppt sich als sein bisher prägendstes Album, das atemberaubende Schönheit mit einem erfrischend originellen Sound verbindet. Die Musik ist äußerst melodisch, von rhythmischem Flair und lebendigen Farben durchzogen. Wer Herskedal hört, zweifelt des Hipnessfaktor seines Instruments jedenfalls nicht mehr an. 

DIE ZEIT:

U-, E- und Ö-Musik
Der norwegische Tubist Daniel Herskedal spielt Kammermusik mit orientalischem Einschlag.

Skandinavien steckt seit Jahrzehnten viel Geld in die musikalische Bildung, was inzwischen nicht mehr zu überhören ist. Es kommen immer neue Virtuosen aus dem Norden. Wollte man daran etwas aussetzen, böte sich allenfalls der Umgang großer deutscher Jazzlabels damit an. Skandinavien steht ihnen unisono für Weite und Innerlichkeit, ein Klischee, das so flach und schwer ist wie ein Ikea-Paket.
Wie schön, wenn dann jemand die Dutzendware hinter sich lässt, indem er den Norden in den Orient hinein verlängert, eine Region der Welt, die wir nicht ihres Gemeinsinns wegen bewundern, sondern ob ihrer Entstaatlichung fürchten. Slow Eastbound Train heißt die Suite des Norwegers Daniel Herskedal, was sich übersetzen ließe als "Langsamer Zug in Richtung Osten". Definitiv ist das kein Vogelzug, obschon der 33-Jährige ein schräger Vogel sein muss, denn er spielt seit seiner Jugend Tuba.

Und wie! Mit Herz statt nur mit Witz, zugleich leicht, was das Schwerste sein könnte bei diesem Instrument, das aus der Mode gekommen ist, seit der Jazz von New Orleans nach Chicago zog und die Bässe gezupft statt gepompft werden.
Herskedal spielt mit Eyolf Dale am Piano und dem Perkussionisten Helge Andreas Norbakken. Es ist wichtig, ihre Namen zu nennen, denn er hat sich die beiden Musiker für dieses Album ausgesucht, nicht unbedingt ihre Instrumente; die haben sie mitgebracht. 
Das schrullig Entlegene verflüchtigt sich bereits in den ersten Takten. Das Eröffnungsstück, The Mistral Noir, bemüht in seinem Titel zwar auch eine Naturmetapher, bläst allen Widerstand aber gleich weg. Schmatzend, atmend erhebt sich die verführerische Melodie aus der Tuba, wird elektronisch wiederholt, und Herskedal greift zur Basstrompete, seinem zweiten Instrument, das er sich eigentlich nur mal zugelegt hatte, um auf Reisen im Hotelzimmer besser üben zu können. Die Basstrompete säuselt und singt, saugt den Hörer ein, die Reise kann beginnen. 
Alsbald kommen die Streicher hinzu, pizzicato. Der Komponist Herskedal hat einen Sinn für Rhythmen, und sein Pianist legt pfeffrige Soli hinein. In den Klavierlinien klingt Jazz an, was sich vom Rest der Suite kaum sagen lässt. Die 18 Musiker verschmelzen U, E und Ö, wobei Ö das Östliche bezeichnet. Herskedal war in Serbien, Syrien, Palästina unterwegs. Er ruft uns die Schönheit dieser schwierigen Weltecken in Erinnerung. Gerade vergangenes Wochenende ist er für eine Woche nach Istanbul geflogen, um sich von einem Meister der Oud, der Kurzhalslaute, für das Spielen seiner Tuba inspirieren zu lassen.
Inspiriert haben ihn auch Modest Mussorgskis Bilder einer Ausstellung in der Orchesterfassung von Maurice Ravel. Das vorletzte Stück seiner Suite stammt daraus, Bydlo, der Ochsenkarren.
Wie ergreifend schleppt er sich dahin. Ostwärts, ho!

“The one thing that can solve most of our problems is dancing” – James Brown 

Drums – Lukas Seeber, Bandleader
Lead Vocals – Mimi Schmid
Keys & Vocals – Bastian Berchtold
Guitar & Vocals – Felix Messner
Bass – Valentin Dietrich
Trumpet – Thomas Schmiedinger
Trumpet – Günther Gänsluckner
Trombone – Ivan Moser
Alto Sax – Markus Moser
Tenor Sax – Matthias Stöger
Baritone Sax – Lorenz Lenz Winkler

Little Element’s Musik schwebt zwischen DreamPop/experimental folk/Surf und TribHop. Surfige Gitarrensolos, Sitarmelodien, verträumte lo-fi Vocals verstärkt mit elektronischen Beats versprechen eine musikalische Reise die Aufmerksamkeit erregt und die Seele berührt. Die Connection zum Meer ist in der Musik der authentischen Künstlerin stark present, jedoch bleibt neben einem ,,beachvibe’’ Gefühl eine Sphäre zwischen Tiefgang und mitreißendem Tanzdrang. 

„Du bist nicht mehr mein Großneffe zweiten Grades!“ - mit dieser Degradierung endete auch heuer wieder das als Freundschaftstreffen geplante, gemütliche Stelldichein der Familie Supancic.
Dass Tante Hildegard aus Bingen ihre hausgemachten Lakritze-Quarksahne-Hörnchen, die alljährlich in der Mülltonne landen, als Gruß aus der Küche aufdrängen wollte, wäre ja noch gegangen.
Als dann Hubsi, von dem niemand weiß, in welchem Verwandtschaftsverhältnis er zu wem steht, den DJ spielen wollte und binnen dreißig Minuten 17 von Mikes Lieblings-Langspielplatten zerkratzte, rauchte dieser bereits seine erste Zigarette. Seit dem letzten Familienfest.
Aber war es nun Onkel Rudis neue Freundin, eine transsexuelle Atomphysikerin aus Indonesien (Katalognummer 214 335), die Tante Aloisia dazu veranlasste, sich mit den Worten „Ich kann nicht mehr!“ eine Vase über den Kopf zu stülpen? Oder Wahltante Wiltrud mit dem Wolfshund aus der Walachei? Oder Skitrainer Kurt, der vom „Pastern“ schwärmt?
Oder am Ende gar Donald Trump, diese Mischung aus Prolet und Forrest Gump?
Diese einzigartige Gemeinschaft ist so heiß wie eine Feuerwehr aus lauter Brandstiftern.

Ohne Fleiß kein Preis, sagt sich Frau Holle und macht sich auf den Weg. Sie erzählt, spielt, tanzt, musiziert und singt gemeinsam mit dem Publikum ihre Geschichte. Frau Holle ist die Meisterin der Übertreibung. Durch ihre bildhafte und komische Darstellung erhalten faule und fleißige Figuren ein neues Leben.

"Rebekka ist eine ungewöhnliche Künstlerin" schwärmt Wolfgang Muthspiel. Der Tages-Anzeiger formuliert es zielbewusster und aussagekräftiger: "Sie hat eine schöne, außergewöhnlich reine, modulationsfähige Stimme, die man schnell zu kennen glaubt und die dann doch immer wieder andere, neue Facetten zeigt: wenn sie plötzlich warm wird, wenn die jungmädchenhafte Naivität sich als doppelter Boden erweist, wenn sie schnell einmal ein bisschen wie eine Rockröhre loslegt."
“Das Sinnlichste, was weiblicher Jazz zu bieten hat” schrieb PRINZ, und die Welt erkannte “die Aura hat einen Namen: Rebekka Bakken”. Der Konzertkritiker der FAZ schwärmte von der “bis unter die Haarspitzen erotischen Frau” als “Schöne der Nacht und größte Entdeckung”, und nicht zuletzt in der Süddeutschen Zeitung war zu lesen: “Dass einem Rebekka Bakkens Stimme die Sprache verschlägt, hat sich herumgesprochen”.

Rebekka Bakken zählt ohne Zweifel zu den markantesten weiblichen Stimmen Europas. Ihr Stil umfasst mehrere Genres und „nur“ mit Jazz ist es bei ihr nicht getan: es kann bei Bakken auch ruhig mal soulig, tief eintauchend in einen erdigen Blues –sogar folkig oder Country-nah klingen. Über drei Oktaven kann die Norwegerin singen, aber Virtuosität steht bei ihr nicht im Mittelpunkt. Vielmehr ist für Bakken ihre Stimmbreite nur ein Werkzeug um ihre Geschichten zu vermitteln.
Als Singer-Songwriterin spielen ihre Texte eine genauso so große Rolle wie ihre Musik. Einer ihrer wirklich großen Stärken ist die Einzigartigkeit mit der sie Emotionen rüber bringen, und auf ihren Konzerten das Publikum jedes Mal aufs Neue in einem magischen Bann versetzen kann. Mal friedlich sanft und gleich im nächsten Moment rau und voller Wucht singt sie melancholisch oder gelassen cool über die wichtigen Themen im Leben. 

Schon seit ihren Anfängen begeistert Bakken Kritiker und Publikum, für ihr Debütalbum „The Art of How to Fall“ bekam sie 2003 sogleich zwei goldenen Schallplatten in Deutschland und Österreich. Seit dem brillanten Karriereeinstieg ist Bakken erfolgreich geblieben. U.a. hat die Norwegerin in ihrer Karriere zwei weitere goldene Schallplatten in Deutschland, mehrere ECHO Jazz Nominierungen und den Amadeus Award, den wichtigsten österreichischen Musikpreis, gewonnen. Kaum eine Europäische Sängerin hat im letzten Jahr soviel Interesse erregt und soviel Zuspruch gefunden, wie Rebekka Bakken. In einer fast unüberschaubar gewordenen Musikszene strahlte sie fast beiläufig hervor wie selten gewordenes Edelmetall. 

Die Kritik überhäuft sie mit Superlativen: „ Bis unter die Haarspitzen erotisch“ (FAZ), “Die Gesangssensation des Jahres “ (AZ), „Unerhört gut“ (Die Welt), „ Einfach nur schön“, ( Brigitte) u.a. Hervorragende Verkaufszahlen Ihrer euphorisch gefeierten Debut CD „The Art of How to Fall“, der zweite CD „Is That You“ und der dritte CD „ I keep my Cool“ setzte diesen Erfolg weiter fort. Ausverkaufte Konzerte, begeisterte Zuhörer in ganz Europa sind Beleg hierfür.
Eine Stimme ist eine Stimme, egal was sie sagt oder singt. Aber eine Stimme, zumal eine schöne, einnehmende und sinnliche, die etwas zu sagen hat, ist viel mehr. Mehr an und für sich, aber vor allem aufregender, berührender, bewegender und wertvoller. Es gibt Interpreten, bei denen man vom ersten Song an das Gefühl hat, sie zu kennen. Eine solche Sängerin ist Rebekka Bakken. Das liegt nicht nur an der intimen und offenen Art mit der sie ihre selbstbewussten und eleganten Zeilen und Melodien schreibt und singt. Ihre poetischen Geschichten über das Leben und die Liebe, Geben und Aufgeben, bauen eine echte Verbindung zwischen ihr und dem Zuhörer auf. Je mehr man Rebekka Bakken versteht, umso mehr fühlt man sich selbst verstanden. Und umso mehr versteht man.
Indem sie die Qualitäten ihres Liederschreibens weiterentwickelt, indem sie Spaß mit Gesangsharmonien und Inspiration in einem sich stetig erweiternden musikalischen Kontext findet, zeigt sie sich als starke und individuelle Stimme im besten Sinne der großen Singer/Songwriter-Tradition.

Rebekka Bakken schreibt und singt aus tiefster Überzeugung, ohne Hemmung und Zensur, instinktiv und offen. Ihre Songs sprechen einen an wie ein Freund, der einem, indem er seine Gedanken, Visionen und Konzepte mitteilt, nicht nur das Gefühl gibt, verstanden zu werden, sondern auch dabei hilft sich selbst zu verstehen. Nicht mehr und kein bisschen weniger macht Rebekka Bakken und ihre künstlerische Stimme so besonders. 

Manuel Rubey ist nicht faul im klassischen Sinne. Er leidet bloß an der modernen Volkskrankheit Prokrastination. Was dies genau bedeutet war ihm bei Abgabe des Textes nicht bekannt, da er es immer aufgeschoben hat den Wikipediaartikel zu Ende zu lesen. Jetzt ist er schon 40. Eigentlich wollte er dieses Programm zu seinem 30er herausbringen. Es kamen ihm aber auch ständig Dinge dazwischen. Er wollte ein paar Filme drehen, er hat Thomas Stipsits getroffen und er wurde Vater. Gleich zweimal. Die Töchter hat er jetzt gleich mit ins Programm genommen. So kann er sie wenigstens von der Steuer absetzen.

Ein Goldfisch hat übrigens eine Aufmerksamkeitsspanne von 11 Sekunden. Er könnte diesen Text nie zu Ende lesen.
Ist Ihnen das Alles zu wenig lustig? Ich verspreche das Programm ist dann lustiger, aber ich möchte diverse zivilisatorische Errungenschaften, wie Höflichkeit, Pünktlichkeit oder Geduld verteidigen, da sonst die Eleganz flöten geht. Es ist wichtig nicht immer mit der Tür ins Haus zu fallen. Sonst passieren Kollateralschäden wie lustige Wortspiele im Titel oder gespielte Witze auf Kabarettplakaten und davor graut mir. Früher war ein freiliegender Knöchel der Inbegriff der Erotik und des Exhibitionismus. Heute vermitteln Pornofilme Heerscharen von Heranwachsenden einen völlig falschen Eindruck von Schwiegermüttern.

Ein Mensch hat übrigens nur mehr eine Aufmerksamkeitsspanne von 8 Sekunden. Das heißt niemand wird diesen Text jemals zu Ende lesen.

Über Manuel Rubey

Er war Sänger der Band „Mondscheiner“ und ist  aktuell Mitglied in der „Familie Lässig“, hat Kabarett gespielt, und ist ein in Österreich und Deutschland sehr gefragter Schauspieler. Für den ORF wirkte er in David Schalkos Kultserien „Braunschlag“ und „Altes Geld“ mit sowie als Kommissar Merana in der Reihe „Landkrimi“ für die ARD spielte er die Hauptrolle im „Tatort – Der Mann der lügt“. Im Kino war er in „Falco - Verdammt, wir leben noch“ in der Titelrolle zu sehen sowie in Marie Kreutzers „Gruber geht“ und „Was hat uns bloß so ruiniert“. Rubey hat in Österreich für alle seine Kunstformen Preise erhalten, egal ob Kabarett, Musik oder Schauspielerei, darunter mehrere Romys, eine Nominierung für den österreichischen Filmpreis, den österreichischen Kabarettpreis sowie den Amadeus Award für seine Band „Mondscheiner". 

"Rebekka ist eine ungewöhnliche Künstlerin" schwärmt Wolfgang Muthspiel. Der Tages-Anzeiger formuliert es zielbewusster und aussagekräftiger: "Sie hat eine schöne, außergewöhnlich reine, modulationsfähige Stimme, die man schnell zu kennen glaubt und die dann doch immer wieder andere, neue Facetten zeigt: wenn sie plötzlich warm wird, wenn die jungmädchenhafte Naivität sich als doppelter Boden erweist, wenn sie schnell einmal ein bisschen wie eine Rockröhre loslegt."
“Das Sinnlichste, was weiblicher Jazz zu bieten hat” schrieb PRINZ, und die Welt erkannte “die Aura hat einen Namen: Rebekka Bakken”. Der Konzertkritiker der FAZ schwärmte von der “bis unter die Haarspitzen erotischen Frau” als “Schöne der Nacht und größte Entdeckung”, und nicht zuletzt in der Süddeutschen Zeitung war zu lesen: “Dass einem Rebekka Bakkens Stimme die Sprache verschlägt, hat sich herumgesprochen”.

Rebekka Bakken zählt ohne Zweifel zu den markantesten weiblichen Stimmen Europas. Ihr Stil umfasst mehrere Genres und „nur“ mit Jazz ist es bei ihr nicht getan: es kann bei Bakken auch ruhig mal soulig, tief eintauchend in einen erdigen Blues –sogar folkig oder Country-nah klingen. Über drei Oktaven kann die Norwegerin singen, aber Virtuosität steht bei ihr nicht im Mittelpunkt. Vielmehr ist für Bakken ihre Stimmbreite nur ein Werkzeug um ihre Geschichten zu vermitteln.
Als Singer-Songwriterin spielen ihre Texte eine genauso so große Rolle wie ihre Musik. Einer ihrer wirklich großen Stärken ist die Einzigartigkeit mit der sie Emotionen rüber bringen, und auf ihren Konzerten das Publikum jedes Mal aufs Neue in einem magischen Bann versetzen kann. Mal friedlich sanft und gleich im nächsten Moment rau und voller Wucht singt sie melancholisch oder gelassen cool über die wichtigen Themen im Leben. 

Schon seit ihren Anfängen begeistert Bakken Kritiker und Publikum, für ihr Debütalbum „The Art of How to Fall“ bekam sie 2003 sogleich zwei goldenen Schallplatten in Deutschland und Österreich. Seit dem brillanten Karriereeinstieg ist Bakken erfolgreich geblieben. U.a. hat die Norwegerin in ihrer Karriere zwei weitere goldene Schallplatten in Deutschland, mehrere ECHO Jazz Nominierungen und den Amadeus Award, den wichtigsten österreichischen Musikpreis, gewonnen. Kaum eine Europäische Sängerin hat im letzten Jahr soviel Interesse erregt und soviel Zuspruch gefunden, wie Rebekka Bakken. In einer fast unüberschaubar gewordenen Musikszene strahlte sie fast beiläufig hervor wie selten gewordenes Edelmetall. 

Die Kritik überhäuft sie mit Superlativen: „ Bis unter die Haarspitzen erotisch“ (FAZ), “Die Gesangssensation des Jahres “ (AZ), „Unerhört gut“ (Die Welt), „ Einfach nur schön“, ( Brigitte) u.a. Hervorragende Verkaufszahlen Ihrer euphorisch gefeierten Debut CD „The Art of How to Fall“, der zweite CD „Is That You“ und der dritte CD „ I keep my Cool“ setzte diesen Erfolg weiter fort. Ausverkaufte Konzerte, begeisterte Zuhörer in ganz Europa sind Beleg hierfür.
Eine Stimme ist eine Stimme, egal was sie sagt oder singt. Aber eine Stimme, zumal eine schöne, einnehmende und sinnliche, die etwas zu sagen hat, ist viel mehr. Mehr an und für sich, aber vor allem aufregender, berührender, bewegender und wertvoller. Es gibt Interpreten, bei denen man vom ersten Song an das Gefühl hat, sie zu kennen. Eine solche Sängerin ist Rebekka Bakken. Das liegt nicht nur an der intimen und offenen Art mit der sie ihre selbstbewussten und eleganten Zeilen und Melodien schreibt und singt. Ihre poetischen Geschichten über das Leben und die Liebe, Geben und Aufgeben, bauen eine echte Verbindung zwischen ihr und dem Zuhörer auf. Je mehr man Rebekka Bakken versteht, umso mehr fühlt man sich selbst verstanden. Und umso mehr versteht man.
Indem sie die Qualitäten ihres Liederschreibens weiterentwickelt, indem sie Spaß mit Gesangsharmonien und Inspiration in einem sich stetig erweiternden musikalischen Kontext findet, zeigt sie sich als starke und individuelle Stimme im besten Sinne der großen Singer/Songwriter-Tradition.

Rebekka Bakken schreibt und singt aus tiefster Überzeugung, ohne Hemmung und Zensur, instinktiv und offen. Ihre Songs sprechen einen an wie ein Freund, der einem, indem er seine Gedanken, Visionen und Konzepte mitteilt, nicht nur das Gefühl gibt, verstanden zu werden, sondern auch dabei hilft sich selbst zu verstehen. Nicht mehr und kein bisschen weniger macht Rebekka Bakken und ihre künstlerische Stimme so besonders. 

Manuel Rubey ist nicht faul im klassischen Sinne. Er leidet bloß an der modernen Volkskrankheit Prokrastination. Was dies genau bedeutet war ihm bei Abgabe des Textes nicht bekannt, da er es immer aufgeschoben hat den Wikipediaartikel zu Ende zu lesen. Jetzt ist er schon 40. Eigentlich wollte er dieses Programm zu seinem 30er herausbringen. Es kamen ihm aber auch ständig Dinge dazwischen. Er wollte ein paar Filme drehen, er hat Thomas Stipsits getroffen und er wurde Vater. Gleich zweimal. Die Töchter hat er jetzt gleich mit ins Programm genommen. So kann er sie wenigstens von der Steuer absetzen.

Ein Goldfisch hat übrigens eine Aufmerksamkeitsspanne von 11 Sekunden. Er könnte diesen Text nie zu Ende lesen.
Ist Ihnen das Alles zu wenig lustig? Ich verspreche das Programm ist dann lustiger, aber ich möchte diverse zivilisatorische Errungenschaften, wie Höflichkeit, Pünktlichkeit oder Geduld verteidigen, da sonst die Eleganz flöten geht. Es ist wichtig nicht immer mit der Tür ins Haus zu fallen. Sonst passieren Kollateralschäden wie lustige Wortspiele im Titel oder gespielte Witze auf Kabarettplakaten und davor graut mir. Früher war ein freiliegender Knöchel der Inbegriff der Erotik und des Exhibitionismus. Heute vermitteln Pornofilme Heerscharen von Heranwachsenden einen völlig falschen Eindruck von Schwiegermüttern.

Ein Mensch hat übrigens nur mehr eine Aufmerksamkeitsspanne von 8 Sekunden. Das heißt niemand wird diesen Text jemals zu Ende lesen.

Über Manuel Rubey

Er war Sänger der Band „Mondscheiner“ und ist  aktuell Mitglied in der „Familie Lässig“, hat Kabarett gespielt, und ist ein in Österreich und Deutschland sehr gefragter Schauspieler. Für den ORF wirkte er in David Schalkos Kultserien „Braunschlag“ und „Altes Geld“ mit sowie als Kommissar Merana in der Reihe „Landkrimi“ für die ARD spielte er die Hauptrolle im „Tatort – Der Mann der lügt“. Im Kino war er in „Falco - Verdammt, wir leben noch“ in der Titelrolle zu sehen sowie in Marie Kreutzers „Gruber geht“ und „Was hat uns bloß so ruiniert“. Rubey hat in Österreich für alle seine Kunstformen Preise erhalten, egal ob Kabarett, Musik oder Schauspielerei, darunter mehrere Romys, eine Nominierung für den österreichischen Filmpreis, den österreichischen Kabarettpreis sowie den Amadeus Award für seine Band „Mondscheiner". 

Im Zentrum von HHANOI und auch des aktuellen Albums "can't control it" steht Hans Hauser als Solokünstler mit Stimme und Akustikgitarre. Von dieser minimalistischen Besetzung ausgehend wird für jeden Song eine eigene Welt erschaffen in die Künstler und Hörer eintauchen können. Dabei entdeckt HHANOI für sich klanglich, kompositorisch und konzeptionell Neues - trotzdem oder gerade deshalb fügt sich "can't control it" nahtlos in HHANOIs Diskographie ein. 

Das Bedürfnis nach Veränderung zieht sich wie ein roter Faden durch HHANOIs Schaffen: nach dem Solo Debüt "Dawn" (2012) wurde auf dem Doppelalbum "changing my ways" (2014) mit dem Wechselspiel Solo- Artist vs. Rock-Duo ein neuer Weg eingeschlagen. Es folgt das Duo-Album "the unspoilt bitterness..." (2017) samt ausgedehnter Konzerttätigkeit und anerkennenden Kritiken. 

Der Drang in neue musikalische Gefilde vorzustoßen ist jedoch zu groß um Bewährtes einfach fortzusetzen. So löst sich Hans Hauser von einer fixen Bandbesetzung, um auf dem aktuellen Album musikalische Visionen uneingeschränkt realisieren zu können. Diese Abnabelung war nicht geplant, nicht einfach und dennoch unvermeidbar: can't control it! 

Rabih Abou - Khalil ist ein Grenzgänger zwischen den Welten der von traditioneller arabischer Musik und europäischer Klassik bis hin zum offenen Jazz. Gleich einem Wanderer zwischen den Kulturen verbindet der im Libanon geborene und nach langem Aufenthalt in Deutschland mittlerweile in Frankreich lebende Oud-Virtuose und Komponist, arabische, europäische und amerikanische Musik zu einer hochintelligenten Melange, fernab jeglicher Worldmusic-Moden. Unvoreingenommen, mit wachem Geist, hoher spielerischer und kompositorischer Kompetenz und einer guten Portion Humor gelingt es ihm auf außergewöhnliche Weise, die oftmals konträren Welten miteinander zu verschmelzen. So scharte er auch große Namen aus der Welt des Jazz wie Charlie Mariano, Kenny Wheeler oder Joachim Kühn um sich, aber auch Klassiker: das Ensemble Modern, das Balanescu Quartett, das Kronos Quartett oder das BBC Symphony Orchestra. Seine Arbeit ist so erfolgreich, dass ihm in einem Jahr gleich fünfmal der Jazz Award verliehen wurde; 2002 erhielt er eine Ehrenurkunde zum Preis der deutschen Schallplattenkritik für sein Gesamtwerk. 

Seine komplexen Kompositionen vereinen arabische Metren und Tonskalen wie auch ausgeprägte Improvisationen. Das Ergebnis ist eine frische Musik, faszinierend komplex, mitreißend virtuos, hochsinnlich. Kongeniale Begleiter und jahrelange Weggefährten sind der US-Amerikaner Jarrod Cagwin an Drums und Percussion sowie der italienische Akkordeonist Luciano Biondini.

Rabih Abou-Khalil, Oud
Luciano Biondini, Akkordeon
Jarrod Cagwin, Schlagzeug und Percussion

Der libanesische Oud-Virtuose Rabih Abou-Khalil unternimmt einen musikalischen Brückenschlag zwischen Orient und Okzident, ethnischer Musik und Jazz, Tradition und Moderne und ist damit so erfolgreich, dass er allein im Jahr 1999 von der deutschen Phonoakademie mit insgesamt fünf Jazz Awards ausgezeichnet wurde. 
In der Musik von Rabih Abou-Khalil spiegeln sich die reichen Erfahrungen eines Wanderers zwischen den Kulturen. Geboren und aufgewachsen im Libanon, ist er eng mit der orientalischen Überlieferung verbunden, die er gänzlich assimiliert, aber auch für neue Einflüsse geöffnet hat. In Europa lebend, beschäftigte er sich intensiv mit europäischer Klassik und Moderne wie auch mit dem amerikanischen Jazz. In einem langfristigen Schaffensprozess gelang es Rabih Abou-Khalil, die vielfältigen Erlebniswelten zu integrieren. Als einer der herausragenden Instrumentalisten auf dem Oud, der arabischen Laute, wie auch als Komponist hat er sich mit einer völlig eigenen Klangsprache profiliert. Seine zahlreichen CD-Einspielungen dokumentieren ein faszinierendes Spektrum von Solo-Aufnahmen über Kammerensembles bis zu großen Besetzungen. Fernab eines modischen Folklorismus überzeugt Rabih Abou-Khalil mit einer Musik, die aus dem Verständnis unterschiedlicher Traditionen zu zeitgenössischen Ausdrucksformen findet.
(Begründung der deutschen Schallplattenkritik für den Jahrespreis an Rabbih Abh Khalil)

Der Bayerische Rundfunk bezeichnet den in Niederbayern aufgewachsenen Martin Frank als „unbandige Rampensau“, die Süddeutsche Zeitung als „großes Nachwuchstalent“. Kein Wunder, dass Monika Gruber ihn  regelmäßig als „Zivi“ zur Verstärkung mit auf die Bühne holt.

Aber er kann’s auch ganz allein: Bühne, Mikrofon, eine ausgebildete Stimme, eine große Leidenschaft für klassische Musik, mehr braucht der in Niederbayern geborene Komiker nicht um seine Zuschauer köstlich zu unterhalten. Also ein bisschen Publikum wäre schon auch noch schön. „Es kommt dann eh wie’s kommt und was nicht kommt, braucht’s auch nicht!“, meint Martin und los geht’s, mitten aus dem Leben gegriffen, ein bisschen autobiografisch mit kritischem Blick auf die derzeitige Gesellschaft.

Da hat sich der junge Martin schon so manches Mal überlegt, ob er sich ohne Bachelor überhaupt noch auf die Straße trauen darf? Und wie geht so eine Karriere dann weiter, wenn man schleimtechnisch nicht mit Schnecken mithalten kann? „Wurscht sei dir nichts; egal doch vieles.“ Dieser Satz aus einem Glückskeks hat ihm schon oft den Tag gerettet und diesen will er auch seinen Gästen mit auf den Weg geben. Auch andere philosophische Fragen wie: „Ist anonymes Wohnen Fluch oder Segen?“ werden an diesem Abend beleuchtet.

Zum Glück haben einige Musikhochschulen seine Bewerbung abgelehnt. So bleibt er den großen Opernhäusern fern und beansprucht die Ohren seiner Zuhörer in den Kleinkunstbühnen.

Martin Frank wurde 1992 in Hutthurm (Lkrs. Passau) geboren. Aufgewachsen auf dem elterlichen Bauernhof absolvierte er 2009 eine Ausbildung zum Verwaltungsfachangestellten und anschließend eine Weiterbildung zum Standesbeamten. Künstlerisch tobte er sich mit Klavierunterricht, Kirchenchor und Volkstheater auf der Heimatbühne seit seinem 12. Lebensjahr aus. 

Schnell wurde ihm klar, dass er sich mehr und mehr der Kunst widmen möchte und absolvierte eine Ausbildung zum Kirchenorganisten und schloss sich dem Jugendclub des Stadttheaters Passau an. 

Im Alter von 16 Jahren stellte er sich zum ersten Mal mit selbstverfassten Texten auf die Bühne. Mit 21 setzte er alles auf eine Karte und kündigte seinen Job im Standesamt, holte sein Abitur nach und sprach an der Schauspielschule Zerboni in München vor. Trotz seines massiven Sprachfehlers (bairischer Dialekt) wurde er aufgenommen und schloss seine Schauspielausbildung 2017 nach drei Jahren erfolgreich ab. 

Während dieser Zeit war der Bühnendrang jedoch so groß, dass er im Oktober 2015 sein erstes Soloprogramm "Alles ein bisschen anders – Vom Land in d’Stadt" im ausverkauften Münchner Schlachthof (es war allerdings der kleinste verfügbare Raum) präsentierte. Das sehr autobiografische Programm stieß auf große Resonanz und wurde mehrfach ausgezeichnet. 

Nach der Schauspielschule folgte ein erstes Theaterengagement im Münchner Lustspielhaus, dort spielt er bis heute die Titelrolle in "Siegfried – Götterschweiß und Heldenblut" unter der Regie von Gabi Rothmüller. Das Stück steht bis auf weiteres im Spielplan. Außerdem ist er seit Dezember 2017 regelmäßig als Außenreporter bei Schleichfernsehen im BR Fernsehen zu sehen. 

Im März 2018 erschien dann sein zweite Soloprogramm „Es kommt wie’s kommt!“. Ebenfalls 2018 wurde er mit dem Bayerischen Kabarettpreis in der Kategorie Senkrechtstarter ausgezeichnet. Auch jenseits des Weißwurstäquators findet man den Niederbayern amüsant und überreichte ihm 2019 den „Prix Pantheon“ in Bonn, sowie den Publikums- und Jurypreis des Großen Kleinkunstfestivals in Berlin. 

Seit Januar 2020 hört man Martin wöchentlich als Comedian auf Antenne Bayern. Außerdem erschien im Januar im Rowohlt-Verlag sein erstes Buch „Der famose Freistaat – Bayern verstehen für Anfänger und Fortgeschrittene“, das er zusammen mit seiner großartigen Kollegin Franziska Wanninger geschrieben hat.

Sie taucht auf, wenn in der Dramaturgie eines Clips etwas aus dem Ruder zu laufen droht und jemand nach dem Rechten sehen muss. Und wenn Angela Merkel Sebastian Kurz gönnerhaft die Schulter tätschelt; wenn sie neben Putin oder Trump leidend das Gesicht verzieht – dann geschieht etwas Interessantes. Plötzlich hören wir nicht mehr Männer, die über eine Frau drüber reden. Sondern Männer, die aus einer Frau herausreden. Männer, die in die Haut einer Frau geschlüpft sind, und die Umgebung aus deren Perspektive betrachten. Mit Merkels Augen sehen wir plötzlich die geckenhaften Aufplusterungsrituale der Amtskollegen um sie herum, die Ödnis der immer gleichen Konferenzsäle. Wir spüren, wie seltsam es sich anfühlen muss, alle paar Tage im pastellfarbenen Hosenanzug eine Parade abzuschreiten, und stets die einzige Frau auf dem Gruppenfoto zu sein. Wir leiden mit Merkel mit, und freuen uns über die kleinen Fluchten in die Normalität, die sie manchmal heimlich entdeckt. (Sibylle Hamann)

Wer hierzulande klagt, es gäbe kein gutes politisches Kabarett mehr, hat wohl auf Maschek vergessen – abgesehen davon, dass solche Klagen meist aus dem Mund jener kommen, die gar nicht mehr ins Kabarett gehen. Bei Maschek stehen die Politiker stets im Mittelpunkt des „Drüberredens“, wie man die Kunstform der live synchronisierten Fernsehbilder nennen kann. Dass es nicht als politisches Kabarett durchgeht, wenn man sich einfach über politische Köpfe lustig macht, muss nicht extra betont werden. Doch Maschek schaffen beides: Politiker in Witzfiguren zu verwandeln und gleichzeitig gesellschaftspolitische Satire zu präsentieren.
In ihrem neuen Programm „Maschek Macht Merkel“ im Wiener Stadtsaal verneigen sich Peter Hörmanseder und Robert Stachel vor ihrer langjährigen Wegbegleiterin und Bilderlieferantin Angela Merkel. Ulrich Salamun, der früher das Maschek-Trio vervollständigte, lebt seit vielen Jahren in Nicaragua als Kaffeebauer und Honorarkonsul: Er kommt nur mehr zu Jubiläumsshows auf die heimischen Kleinkunstbühnen. Solche gab es dieses Jahr bereits, denn Maschek wurden 20 Jahre alt. Außerdem erhalten sie im November den Sonderpreis des Österreichischen Kabarettpreises, der ebenfalls seinen 20. Geburtstag feiert.
Bei so viel Party haben sich Maschek für das aktuelle Programm eine leichtere Aufgabe gestellt: Man nehme ein Best-of der bisherigen Clips und bastle daraus eine neue Geschichte. Das ist bei renommierten Kabarettisten eine beliebte Übung, auch Alfred Dorfer, Josef Hader, Thomas Maurer, und demnächst Martin Puntigam verweben ihre Werkschau in neues Gewand. Der Unterschied bei Maschek: Die Protagonisten altern nicht mit. Die Fernsehbilder einer Angela Merkel als Bundesministerin für Frauen und Jugend aus den 1990er-Jahren versetzen das Publikum wirklich in vergangene Zeiten – und berühren die Zuseher tiefer, ähnlich wie beim Durchblättern alter Familienalben.

Die Konzentration der Videoclips auf Angela Merkel geben dem Kabarettabend einen besonderen Spin: Die Beständigkeit der deutschen Kanzlerin macht umso deutlicher, wie kurzlebig in Österreich das Amt des Kanzlers oft ist. Schüssel, Gusenbauer, Faymann, Kern und Kurz tauchen an ihrer Seite auf, und Maschek kitzeln deren Eigenheiten so präzise heraus, dass ihnen die großen Lacher sicher sind. Als neue Story der alten Bilder gestalten Maschek in der ersten Hälfte eine „Merkel sucht den Traummann“-Serie, weil ihr Ehemann, „der alte Sauer“ nicht mehr zu Gipfeltreffen mitfahren will.

Starkes Statement für den Feminismus

Das Setting erlaubt ein Vorführen aller Arten von männlichem Macht- und Macho-Gehabe, wobei Maschek ein starkes Statement für den Feminismus setzen. Ihr Plädoyer gegen Mansplaining, Manspreading und die Verniedlichung der Weiblichkeit konkretisieren Hörmanseder und Stachel in der Zugabe, in der auch aktuelle Szenen von Schwarzenegger und Greta Thunberg verarbeitet werden. Die zwei Stunden Bühnenshow verfliegen im Nu, fast jeder Clip bringt ein neues lustiges, spannendes oder entlarvendes Thema: von Abhörskandalen bis zur Terrorismus-Bekämpfung. Maschek legt Merkel etwa eine neue Strategie zur Rettung der Welt in den Mund: „Überall, wo die Deutschen Krieg geführt haben, haben wir verbrannte Erde hinterlassen. Aber dort, wo wir als Touristen hinkommen, blüht das Leben.“ Doch wie bringt man jetzt Touristen nach Afghanistan? Deutschland schickt einfach Hartz IV- Empfänger – und Florian Silbereisen, um das Land zu retten. Großer Applaus für die satirischen Archivare der Weltgeschichte

Sie taucht auf, wenn in der Dramaturgie eines Clips etwas aus dem Ruder zu laufen droht und jemand nach dem Rechten sehen muss. Und wenn Angela Merkel Sebastian Kurz gönnerhaft die Schulter tätschelt; wenn sie neben Putin oder Trump leidend das Gesicht verzieht – dann geschieht etwas Interessantes. Plötzlich hören wir nicht mehr Männer, die über eine Frau drüber reden. Sondern Männer, die aus einer Frau herausreden. Männer, die in die Haut einer Frau geschlüpft sind, und die Umgebung aus deren Perspektive betrachten. Mit Merkels Augen sehen wir plötzlich die geckenhaften Aufplusterungsrituale der Amtskollegen um sie herum, die Ödnis der immer gleichen Konferenzsäle. Wir spüren, wie seltsam es sich anfühlen muss, alle paar Tage im pastellfarbenen Hosenanzug eine Parade abzuschreiten, und stets die einzige Frau auf dem Gruppenfoto zu sein. Wir leiden mit Merkel mit, und freuen uns über die kleinen Fluchten in die Normalität, die sie manchmal heimlich entdeckt. (Sibylle Hamann)

Wer hierzulande klagt, es gäbe kein gutes politisches Kabarett mehr, hat wohl auf Maschek vergessen – abgesehen davon, dass solche Klagen meist aus dem Mund jener kommen, die gar nicht mehr ins Kabarett gehen. Bei Maschek stehen die Politiker stets im Mittelpunkt des „Drüberredens“, wie man die Kunstform der live synchronisierten Fernsehbilder nennen kann. Dass es nicht als politisches Kabarett durchgeht, wenn man sich einfach über politische Köpfe lustig macht, muss nicht extra betont werden. Doch Maschek schaffen beides: Politiker in Witzfiguren zu verwandeln und gleichzeitig gesellschaftspolitische Satire zu präsentieren.
In ihrem neuen Programm „Maschek Macht Merkel“ im Wiener Stadtsaal verneigen sich Peter Hörmanseder und Robert Stachel vor ihrer langjährigen Wegbegleiterin und Bilderlieferantin Angela Merkel. Ulrich Salamun, der früher das Maschek-Trio vervollständigte, lebt seit vielen Jahren in Nicaragua als Kaffeebauer und Honorarkonsul: Er kommt nur mehr zu Jubiläumsshows auf die heimischen Kleinkunstbühnen. Solche gab es dieses Jahr bereits, denn Maschek wurden 20 Jahre alt. Außerdem erhalten sie im November den Sonderpreis des Österreichischen Kabarettpreises, der ebenfalls seinen 20. Geburtstag feiert.
Bei so viel Party haben sich Maschek für das aktuelle Programm eine leichtere Aufgabe gestellt: Man nehme ein Best-of der bisherigen Clips und bastle daraus eine neue Geschichte. Das ist bei renommierten Kabarettisten eine beliebte Übung, auch Alfred Dorfer, Josef Hader, Thomas Maurer, und demnächst Martin Puntigam verweben ihre Werkschau in neues Gewand. Der Unterschied bei Maschek: Die Protagonisten altern nicht mit. Die Fernsehbilder einer Angela Merkel als Bundesministerin für Frauen und Jugend aus den 1990er-Jahren versetzen das Publikum wirklich in vergangene Zeiten – und berühren die Zuseher tiefer, ähnlich wie beim Durchblättern alter Familienalben.

Die Konzentration der Videoclips auf Angela Merkel geben dem Kabarettabend einen besonderen Spin: Die Beständigkeit der deutschen Kanzlerin macht umso deutlicher, wie kurzlebig in Österreich das Amt des Kanzlers oft ist. Schüssel, Gusenbauer, Faymann, Kern und Kurz tauchen an ihrer Seite auf, und Maschek kitzeln deren Eigenheiten so präzise heraus, dass ihnen die großen Lacher sicher sind. Als neue Story der alten Bilder gestalten Maschek in der ersten Hälfte eine „Merkel sucht den Traummann“-Serie, weil ihr Ehemann, „der alte Sauer“ nicht mehr zu Gipfeltreffen mitfahren will.

Starkes Statement für den Feminismus

Das Setting erlaubt ein Vorführen aller Arten von männlichem Macht- und Macho-Gehabe, wobei Maschek ein starkes Statement für den Feminismus setzen. Ihr Plädoyer gegen Mansplaining, Manspreading und die Verniedlichung der Weiblichkeit konkretisieren Hörmanseder und Stachel in der Zugabe, in der auch aktuelle Szenen von Schwarzenegger und Greta Thunberg verarbeitet werden. Die zwei Stunden Bühnenshow verfliegen im Nu, fast jeder Clip bringt ein neues lustiges, spannendes oder entlarvendes Thema: von Abhörskandalen bis zur Terrorismus-Bekämpfung. Maschek legt Merkel etwa eine neue Strategie zur Rettung der Welt in den Mund: „Überall, wo die Deutschen Krieg geführt haben, haben wir verbrannte Erde hinterlassen. Aber dort, wo wir als Touristen hinkommen, blüht das Leben.“ Doch wie bringt man jetzt Touristen nach Afghanistan? Deutschland schickt einfach Hartz IV- Empfänger – und Florian Silbereisen, um das Land zu retten. Großer Applaus für die satirischen Archivare der Weltgeschichte

Sie taucht auf, wenn in der Dramaturgie eines Clips etwas aus dem Ruder zu laufen droht und jemand nach dem Rechten sehen muss. Und wenn Angela Merkel Sebastian Kurz gönnerhaft die Schulter tätschelt; wenn sie neben Putin oder Trump leidend das Gesicht verzieht – dann geschieht etwas Interessantes. Plötzlich hören wir nicht mehr Männer, die über eine Frau drüber reden. Sondern Männer, die aus einer Frau herausreden. Männer, die in die Haut einer Frau geschlüpft sind, und die Umgebung aus deren Perspektive betrachten. Mit Merkels Augen sehen wir plötzlich die geckenhaften Aufplusterungsrituale der Amtskollegen um sie herum, die Ödnis der immer gleichen Konferenzsäle. Wir spüren, wie seltsam es sich anfühlen muss, alle paar Tage im pastellfarbenen Hosenanzug eine Parade abzuschreiten, und stets die einzige Frau auf dem Gruppenfoto zu sein. Wir leiden mit Merkel mit, und freuen uns über die kleinen Fluchten in die Normalität, die sie manchmal heimlich entdeckt. (Sibylle Hamann)

Wer hierzulande klagt, es gäbe kein gutes politisches Kabarett mehr, hat wohl auf Maschek vergessen – abgesehen davon, dass solche Klagen meist aus dem Mund jener kommen, die gar nicht mehr ins Kabarett gehen. Bei Maschek stehen die Politiker stets im Mittelpunkt des „Drüberredens“, wie man die Kunstform der live synchronisierten Fernsehbilder nennen kann. Dass es nicht als politisches Kabarett durchgeht, wenn man sich einfach über politische Köpfe lustig macht, muss nicht extra betont werden. Doch Maschek schaffen beides: Politiker in Witzfiguren zu verwandeln und gleichzeitig gesellschaftspolitische Satire zu präsentieren.
In ihrem neuen Programm „Maschek Macht Merkel“ im Wiener Stadtsaal verneigen sich Peter Hörmanseder und Robert Stachel vor ihrer langjährigen Wegbegleiterin und Bilderlieferantin Angela Merkel. Ulrich Salamun, der früher das Maschek-Trio vervollständigte, lebt seit vielen Jahren in Nicaragua als Kaffeebauer und Honorarkonsul: Er kommt nur mehr zu Jubiläumsshows auf die heimischen Kleinkunstbühnen. Solche gab es dieses Jahr bereits, denn Maschek wurden 20 Jahre alt. Außerdem erhalten sie im November den Sonderpreis des Österreichischen Kabarettpreises, der ebenfalls seinen 20. Geburtstag feiert.
Bei so viel Party haben sich Maschek für das aktuelle Programm eine leichtere Aufgabe gestellt: Man nehme ein Best-of der bisherigen Clips und bastle daraus eine neue Geschichte. Das ist bei renommierten Kabarettisten eine beliebte Übung, auch Alfred Dorfer, Josef Hader, Thomas Maurer, und demnächst Martin Puntigam verweben ihre Werkschau in neues Gewand. Der Unterschied bei Maschek: Die Protagonisten altern nicht mit. Die Fernsehbilder einer Angela Merkel als Bundesministerin für Frauen und Jugend aus den 1990er-Jahren versetzen das Publikum wirklich in vergangene Zeiten – und berühren die Zuseher tiefer, ähnlich wie beim Durchblättern alter Familienalben.

Die Konzentration der Videoclips auf Angela Merkel geben dem Kabarettabend einen besonderen Spin: Die Beständigkeit der deutschen Kanzlerin macht umso deutlicher, wie kurzlebig in Österreich das Amt des Kanzlers oft ist. Schüssel, Gusenbauer, Faymann, Kern und Kurz tauchen an ihrer Seite auf, und Maschek kitzeln deren Eigenheiten so präzise heraus, dass ihnen die großen Lacher sicher sind. Als neue Story der alten Bilder gestalten Maschek in der ersten Hälfte eine „Merkel sucht den Traummann“-Serie, weil ihr Ehemann, „der alte Sauer“ nicht mehr zu Gipfeltreffen mitfahren will.

Starkes Statement für den Feminismus

Das Setting erlaubt ein Vorführen aller Arten von männlichem Macht- und Macho-Gehabe, wobei Maschek ein starkes Statement für den Feminismus setzen. Ihr Plädoyer gegen Mansplaining, Manspreading und die Verniedlichung der Weiblichkeit konkretisieren Hörmanseder und Stachel in der Zugabe, in der auch aktuelle Szenen von Schwarzenegger und Greta Thunberg verarbeitet werden. Die zwei Stunden Bühnenshow verfliegen im Nu, fast jeder Clip bringt ein neues lustiges, spannendes oder entlarvendes Thema: von Abhörskandalen bis zur Terrorismus-Bekämpfung. Maschek legt Merkel etwa eine neue Strategie zur Rettung der Welt in den Mund: „Überall, wo die Deutschen Krieg geführt haben, haben wir verbrannte Erde hinterlassen. Aber dort, wo wir als Touristen hinkommen, blüht das Leben.“ Doch wie bringt man jetzt Touristen nach Afghanistan? Deutschland schickt einfach Hartz IV- Empfänger – und Florian Silbereisen, um das Land zu retten. Großer Applaus für die satirischen Archivare der Weltgeschichte

Abseits ausgetrampelter kommerzieller Musikpfade wandelt die Hopfgartner "Rebel Musig"-Crew mit ihrem Mix aus Reggae, Hiphop, Ska und Funk. "Rebel Musig" liegt am Puls der Zeit - und mit seinen hintergründigen Dialekt-Rap-Texten trifft Lead-Sänger "John Dere" ins Herz einer jungen Generation, die mit dem vorgegebenen System nicht mehr zu Recht kommt. "De waxest sound around" bezeichnet Rebel Musig ihren eigenwilligen Sound-Mix. Mit dem selbst produzierten Album "Radio Freie Mittelstation" bietet Rebel Musig etwas vom Besten, das Tirols Independent-Musikszene derzeit zu bieten hat!