Wo ein Wunder ist, ist auch ein Lied. 

ES WOHNT EIN FRIEDLICH TON IN MEINEM SAXOPHON

Seit 20 Jahren zaubern 4 Saxophoneure den Glanz in die Erwachsenen- und Kinderaugen, lenken die einen ab vom Weihnachtstrubel, und spielen für die anderen die alten Lieder in neuem Gewande. Es sind noch viele Lieder übrig, nach bereits 3 WeihnachtsCDs sind natürlich die Bekanntetesten alle schon auf unseren früheren Aufnahmen, aber es gelingt, noch weniger bekannte, aber dafür nicht weniger stimmungsvolle Schätze zu heben. Wo ein Wunder ist, ist auch ein Lied, wo ein Lied ist, dort ist Fried. Wo der Ton erklingt, schweigen die Waffen, begreift doch, die Welt ist zum Glücklichmachen erschaffen.

Das Ensemble Saxofour, bestehend aus den vier Topmusikern der österreichischen Saxophonistenriege Florian Bramböck, Klaus Dickbauer, Christian Maurer und Wolfgang Puschnig begehen ihr 25-jähriges Bandjubiläum und lädt zu gar weihnachtlicher Stimmung ein. Es ist es schon Tradition, im Zuge einer Dezember-Tournee österreichische, amerikanische und europäische Weihnachtslieder dem adventlich eingestimmten Publikum näher zu bringen und zwar in gewohnter "saxofourischer" Manier: mit Groove, Originalität, Geist und Virtuosität, bei der auch der Humor nicht zu kurz kommt.

WHY?RAUCH. verwirrte Hirten packen aus.
saxophonistische Quellenforschung zur Weihnachtszeit. 

Advent, Weihnachtszeit, Winter – vermeintlich eine Zeit von Einkehr und Besinnlichkeit. Mit Christkindl, Lametta und „Gaben“ überfrachtet, verbunden mit stimmungsvoller Musik.  Hinter den Weihnachtsbäumen suchen die Talking Horns nach musikalischen Ausdrucksmöglichkeiten jenseits des Üblichen. Dabei streifen sie Bach und die Klassik ebenso wie traditionelle Volksmusik, angereichert mit dem wichtigsten Element des Jazz, der Improvisation.  Die herbst-winterlichen Empfindungen der Blasmusikanten können durchaus auch sentimental sein, ohne jedoch im Kitsch zu rühren. Sie bedienen sich der Melodien und Musiken, die wir als typisch für Weihnachten kennen - und machen sich dann auf und davon unter dem weiten Himmel der Musik.

Viele der Lieder kommen aus einer Zeit, in der das Weihnachtsfest wie wir es kennen noch gar nicht erfunden war. 
In der kleinen Ausführung dieses Programms erzählen wir Musiker einige der Geschichten, die Stephan Schulze (Posaunist &Musikwissenschaftler) ausgegraben hat.
Wir hören zurück in die Zeiten von Praetorius, Vulpius, JS Bach und vieler unbekannten und unbenannten Schöpfer dieser Melodien mir Ohrwurmcharakter.
Und manche dieser ach so vertrauten Lieder wurden von ihnen respektvoll in talkinghorns´scher Weise mundgeblasen verarbeitet.
Ein kurzweiliger Abend mit Musik und Geschichten !

ACHIM FINK (Posaune)
ANDREAS GILGENBERG  (Saxophon, Flöten)
BERND WINTERSCHLADEN (Saxophon, Klarinette)
STEPHAN SCHULZE  (Tuba, Flügelhorn)

sind die

TALKING HORNS

Talking Horns „erzählen“ mit ihren Instrumenten höchst unterhaltsame Geschichten aus der Vergangenheit, der Gegenwart und der Zukunft. Kopf und Bauch werden gleichermaßen bedient: Für Puristen und Schubladen-Denker unerhört. Der/die „Durchschnittshörer/in“ (so es sie denn überhaupt gibt) haben dabei ebensoviel Spaß wie Jazz-Kenner, Freunde der Kammermusik oder jene, die es lieben, wenn es „groovt“. Das Repertoire wächst beharrlich wie auch die Gemeinde der Freunde akustischer Kunst. Das aparte Erlebnis, musikalische Tiefe ohne Verstärker, Pixel, Pomp und Videoclips zu erreichen, gedeiht besonders in guter akustischer Umgebung: Daher auch der Hang der talking horns, wohlklingende Räume aufzuspüren. Und manches Museum, Industriegebäude oder Burggemäuer wird somit zum Konzertsaal.

Also sprechen die vier Männer mit ihren Blech- und Holzinstrumenten durchs Horn. Alle möglichen Facetten von schlichter, manchmal idyllischer Homophonie und kammermusikalischer Qualität bis hin zu komplexer Polyphonie und Poly rhythmik werden in einer für jeden direkt zugänglichen universellen musikalischen Sprache umgesetzt. Melodien mit Ohrwurmcharakter entfalten sich über raffinierten rhythmisch-harmonischen Grundgerüsten.
Die sich entwickelnde erstaunliche Vieldimensionalität der Stücke erinnert bisweilen an die Struktur ausgefeilter klassischer Streichquartette. Die große Faszination derTalking Horns liegt vor allem darin, dass sie ihren fantasievollen musikalischen Mikrokosmos mit sparsamen Mitteln entfalten: Messer scharfe Bläsersätze wechseln mit lyrischen Passagen und gelegentlich reflektiert der musikalische Horizont auch avantgardistische Kammermusik. Durch permanenten Rollenwechsel erreichen dieTalking Horns eine orchestrale Dichte.
Und was bedeutet Jazz für die Talking Horns: „Die vorhandenen Mittel mit all ihren Möglichkeiten kompositorisch zu nutzen, improvisatorisch zu gestalten und zu umspielen.“
Wie schön, dass es für gute Musik kein Verfallsdatum gibt.

PRESSESCHNIPSEL

SELIG DIE GEHÖRNTEN.
Trunken macht die Musik der Talking Horns: Das Kölner Quartett schafft vom ersten Ton an eine faszinierende Klangwelt. In komplexen Mustern begegnen und trennen sich die Linien der einzelnen Instrumente, unterlegen sie mit einem feinen Rhythmusgeflecht.....................Ein großartiges Konzert.
taz Bremen 3/04

BLAZZMUSIK - MAL GANZ ANDERS
......das Begriffe wie Selbsironie und Humor mit musikalischer Unterhaltung harmonieren können, die auch höheren musikalischen Ansprüchen gerecht werden können.
Die Norddeutsche 3/04

GEPFLEGTE KONVERSATION MIT DEM PUBLIKUM
Verdammt sophisticated war das, gespickt mit Selbstironie und feinem Humor, eine Klangwelt kreierend, die natürlich im Jazz wurzelt, aber weit darüber hinaus geht, überaus eingängig, unterhaltend und vor allem groovend ist.
Mittelbayrische Zeitung 3/04

BLASMUSIK MIT JAZZ, KLASSIK, POP UND ROCK
Wenn vier Blasmusiker zusammenkommen muß dabei keine herkömmliche Blasmusik entstehen. Da legte das Susaphon mit einer Schnelligkeit und einem Groove einen Rhythmusteppich unter die restlichen Instrumente, das man aus dem Staunen nicht herauskam. Man fragte sich nach dem Konzert, warum überhaupt Rhythmusgruppen mit Gitarre, Bass, Schlagzeug und Percussion notwendig sein müssen. Das Publikum war begeistert.............
Ostfriesischer Kurier 3/04

UNAUFDRINGLICH GUT - ODER DIE FREUDE AN MUSIK
Ihr Name ist Programm. Die Talking Horns stehen für sprechende, oder besser noch, erzählende Hörner. Die vier Musiker treten im gut besuchten "klag", sagen schnörkellos und mit erfrischender Selbstironie einen Titel an und legen los. Mehr braucht es nicht, den den die Geschichten, die sie mit ihren Blasinstrumenten erzählen, soll jeder Zuhörer für sich selbst entwickeln. Was dabei rauskommt ? Schöne Geschichten, die dem Publikum gefallen, höchst unterhaltsam und mit Spielfreude pur. 
Badische Neueste Nachrichten 11/03

BLOW UP THE HOUSE
Die sprechenden Hörner gehören zu den besten Ensembles der Kölner Musikszene. Die vier hervorragenden Instrumentalisten verzauberten mit ihren Klangstätten Bunker, Kirchen, Rheinbrücken und moderne Architekturen zu Konzerthallen und ernteten damit bei ihrem Publikum immer wieder Begeisterung. 
Musik in den Häusern der Stadt 1/03

WIE SCHÖN, DAS ES FÜR GUTE MUSIK KEIN VERFALLSDATUM GIBT.
....... reichern ihre abwechslungsreichen, oft witzigen, aber immer spannenden Kompositionen mit jeder Menge Groove an - von Kopflastigkeit keine Spur. 
Magazin HiFi-Image

TEMPO UND TEMPERAMENT GANZ OHNE SCHLAGZEUG
An Temperament und Spielfreude gibt es im Jazz nur wenige Gruppen die den Talking Horns aus Köln das Wasser reichen können. Ohne konventionelle Rhythmusgruppe schmettern die "Sprechenden Hörner" selbst knallharten Funk in den Saal. 
Melodien mit Ohrwurmcharakter entfalten sich über präzise gezimmerte rhythmisch-harmonische Grundgerüste. Dabei stimmt nicht nur das musikalische Niveau, sondern auch die Show. Die Gruppe spielt, wie ihr die Lungen gewachsen sind und beweist ein Maß an Selbstironie, das im Jazz leider selten geworden ist.
Hessisch-Niedersächsische Allgemeine Zeitung

Stellen Sie sich vor, es ist Weihnachten, und alle sind da: der Weihnachtsmann, Knecht Ruprecht, der Nikolaus und ein Engel besetzen die Wohnung und wollen einfach nicht mehr gehen. Nur das Christkind fehlt. Aber gibt es das Christkind überhaupt? Diesen und anderen Fragen rund um den Pannenbaum gehen Ernst und Christoph Grissemann auf den Grund. Und weil alles andere eine Überraschung wäre, sind die Antworten, die sie uns auftischen, so erstaunlich, dass kein Auge trocken bleibt.
Ernst und Christoph Grissemann haben Weihnachtsgeschichten gesammelt, die Sie bestimmt in Stimmung bringen. Schräg und besinnlich, lustig und tiefsinnig.

Christoph Grissemann

geboren 1966 in Innsbruck, lebt in Wien. Der legendäre Kabarettist und Radio-Moderator arbeitet seit 1988 für den ORF. Mit der gemeinsam mit Dirk Stermann moderierten Sendung „Salon Helga“ erreichten sie Kultstatus. Seit 2007 moderiert das Komiker-Duo die Talkshow „Willkommen Österreich“.

Ernst Grissemann

geboren 1934 in Imst, lebt in Maria Enzersdorf. Österreichischer Radio-Moderator; Journalist und Schauspieler. 1967 startete er in der legendären Rundfunkreform Gerd Bachers das Programm Ö3 und prägte das Medium Radio mit seiner unverwechselbaren Stimme. Von 1979 bis 1990 mehrfach zum Hörfunk-Intendanten bestellt, kümmerte er sich um eine Reform des heute europaweit meistgehörten Radio-Kulturprogramms Österreich 1. Zahlreiche Auszeichnungen.

Stellen Sie sich vor, es ist Weihnachten, und alle sind da: der Weihnachtsmann, Knecht Ruprecht, der Nikolaus und ein Engel besetzen die Wohnung und wollen einfach nicht mehr gehen. Nur das Christkind fehlt. Aber gibt es das Christkind überhaupt? Diesen und anderen Fragen rund um den Pannenbaum gehen Ernst und Christoph Grissemann auf den Grund. Und weil alles andere eine Überraschung wäre, sind die Antworten, die sie uns auftischen, so erstaunlich, dass kein Auge trocken bleibt.
Ernst und Christoph Grissemann haben Weihnachtsgeschichten gesammelt, die Sie bestimmt in Stimmung bringen. Schräg und besinnlich, lustig und tiefsinnig.

Christoph Grissemann

geboren 1966 in Innsbruck, lebt in Wien. Der legendäre Kabarettist und Radio-Moderator arbeitet seit 1988 für den ORF. Mit der gemeinsam mit Dirk Stermann moderierten Sendung „Salon Helga“ erreichten sie Kultstatus. Seit 2007 moderiert das Komiker-Duo die Talkshow „Willkommen Österreich“.

Ernst Grissemann

geboren 1934 in Imst, lebt in Maria Enzersdorf. Österreichischer Radio-Moderator; Journalist und Schauspieler. 1967 startete er in der legendären Rundfunkreform Gerd Bachers das Programm Ö3 und prägte das Medium Radio mit seiner unverwechselbaren Stimme. Von 1979 bis 1990 mehrfach zum Hörfunk-Intendanten bestellt, kümmerte er sich um eine Reform des heute europaweit meistgehörten Radio-Kulturprogramms Österreich 1. Zahlreiche Auszeichnungen.

Stefan Hantel und sein Bucovina Club Orkestar machen paneuropäische Popmusik zum Tanzen und das so universell, dass sie von Finnland bis in die Türkei Erfolge feiern. Shantel und Orkestar predigen Multikulti nicht, sondern machen Multikultie. Lustvoll. Raumgreifend. In-die-Beine-fahrend.

In den 90ern war er der deutsche König des Downbeat, frisierte ab 2000 Balkan Polka mit Electro Beats auf und lud zur hedonistischen Abfahrt in die „Disko Partizani“. Nun vollzieht der unermüdliche Soundforscher vom „Planeten Paprika“ seine nächste Häutung: Auf seinem neuen Album „Anarchy & Romance“ überträgt Shantel erstmals organischen, dreckigen Garage-Band-Sound mit Sixties Flavour in seinen unverwechselbaren Klangkosmos. Denn sich auf dem Lorbeer des Erfolges ausruhen, das war nie die Sache des Stefan Hantel. Nur dank hartnäckiger Basisarbeit und dem Ignorieren von Erwartungshaltungen konnte er seinen Sonderstatus erreichen, der ihn in viele europäische Charts, mehrmals um die ganze Welt und – als ersten deutschen Künstler überhaupt – sogar nach Glastonbury sowie auf ziemlich alle anderen wichtigen internationalen Festivals brachte.

„Ein Diamant gibt mir nichts, nur in einem Misthaufen gedeihen wundersame Geschöpfe“, bekennt Shantel und stellt auf „Anarchy & Romance“ konservative Rock- und Pop-Klischees auf den Kopf, ohne dabei in die Hipness-Falle zu tappen. Auf unsere hyperbeschleunigte, globalisierte Welt antwortet der  Frankfurter mit einem zwischen Vintage und Zukunft swingendem Stil-Chaos. Getrieben von der Live-Energie seines Bucovina Club Orkestars treffen auf dem Album, wie Shantel sagt, „Songs, Balladen & Party-Burner auf den Sound der wilden Sixties, Rock’n’Roll und Future-Funk, meine geliebten Rickenbacker-Gitarren, ein krachendes Schlagzeug und ein Fender-Rhodes-Piano rocken mit den Blechbläsern meiner Band, als ob es der letzte Tag der Menschheitsgeschichte wäre…“.

Allesamt explosive Zutaten also, die Konzertsäle zum Bersten bringen könnten. Wenn da nicht Shantel selbst wäre, der – einem Dompteur gleich – das Publikum stets im Griff hat. 
„Es gibt keinen anderen deutschen Musiker, der von einer Metropole in Griechenland, Italien oder Frankreich bis hin zum englischen Mega-Rock-Festival à la Glastonbury oder dem dänischen Roskilde-Festival die Menschen auf diese Art in seinen Bann ziehen kann. Zu den krassen Klängen von Shantel tanzt jeder – und zwar sofort!“.

SHANTOLOGY 30 Jahre Club Guerilla TOUR 2018

Shantel versteht es, einen Club, das Konzerthaus, den staubigen Boden vor einer Festivalbühne oder eine Mehrzweckhalle in eine temporäre autonome Zone zu verwandeln; in einen Ort, an dem Integration nicht sinnlos diskutiert werden muss, sondern immer wieder Realität wird: Hier wird gemeinsam getanzt!Mehrere weltweit ausgezeichnete Alben, die ein weites Spektrum von Stilen abdecken, hunderte von Konzertauftritten, Festivals und Partys, die er mit seinem einzigartigen eklektischen Sound befeuerte, Hymnen wie „Bucovina“, „Disko Partizani“, „Disko Boy“ oder „Citizen of Planet Paprika“ - all das kann sich der Musiker Shantel auf die Fahnen schreiben. Ein „deutsches Phänomen“ (Vogue) machte sich in Windeseile von Europa ausgehend bekannt (die Türkei, wo Shantel eine Popikone ist, zählen wir gerne dazu), inspirierte zahllose Künstler von Finnland bis nach Buenos Aires oder Ex-Jugoslawien (Dauerrotation auf MTV Balkanika).

Shantels Vision ist es eine paneuropäische Popmusik zu schaffen, die überall auf der Welt verstanden werden kann. Es scheint ihm tatsächlich zu gelingen. Eine Schlüsselszene aus Fatih Akins Film „Soul Kitchen“ wurde mit Shantels Musik vertont. Auch auf der Milano Fashion Week ist er zu Hause, wo er den Soundtrack für die Jean-Charles de Castelbajac Iceberg Show gestaltete. Models und Presse jubelten. Der Terminkalender ist bis weit ins Jahr 2011 voll. Die wenige restliche freie Zeit sperrt er sich ins Studio ein, um mit geschätzten Kollegen seinen nächsten Streich vorzubereiten .

Shantel hat seine einzigartige Karriere in den 80ern gestartet. 80er? Da war doch was? Diese Musik, die gerne auf Themenpartys verhandelt wird… Nein, ganz anders! Die 80er sind hier die Chiffre für das, was alles zu diesem Zeitpunkt möglich war. Punk hatte den Mief des immer inhaltsleereren Glamrock und seine Stereotypen weggefegt und die Köpfe freigemacht. In den frühen 80ern hielt diese frische Brise noch an, bevor es mit dem kommerziellen Ausverkauf der DIY-Ideale sich wieder schloss, der Pop synthetisch wurde und die MTV-Culture übernahm.
Einer, der das Spiel schon damals nicht mitmachen wollte, war ebenjener Shantel. Aktiv im Untergrund des Bauchnabels Deutschlands, Frankfurt am Main, betrieb er dort im heute ultra-hippen Bahnhofsviertel einen illegalen Underground-Club, in dem musikalisch alles möglich war und heftig experimentiert wurde. Hier traf sich eine international bunt gemischte Szene aus Kunststudenten, Bohemiens, Langzeitakademikern, jungen Musikern, Immigranten, Schwulen und Lesben und gestrandete Freaks aus aller Herren Länder. Im 3. Stock eines Gründerzeithauses gelegen, zog der Club mit seinem eklektische Ansatz Massen von ebenso abenteuerlustigen Nachtschwärmern und Clubgängern an wie das Licht die Motten. Der Andrang war so groß, dass die Schlange der Wartenden oft bis zum nächsten Häuserblock reichte. Und das, obwohl das Bahnhofsviertel auf Platz eins der deutschen Kriminalitätsstatistik lag. Shantels Devise war: „Vorwärts in alle Richtungen, lasst uns experimentieren und demonstrieren.“ Eine Demo gab es in der Demo-Hauptstadt Deutschlands jeden Samstag. Sounds des Widerstandes und der Vielfalt schallten aus den Lautsprecherwagen: Roots-, Dub-Reggae und Arab-Pop.
Dub-Reggae, ein Musikstil, der Shantel sehr beeinflussen sollte, brasilianische Musik, Oriental- und Arab-Pop ebenso. Aber wollen wir hier Stil-Erbsen zählen? Wichtig ist doch viel mehr das, was sich für Shantel aus der Rezeption verschiedenster musikalischer Genres ergab. Er realisierte, dass wann immer ein neuer Stil seine Nase zeigte, er früher oder später statisch wurde und damit langweilig. Man nehme nur das Beispiel Techno – kaum einer weiß heute, dass Frankfurt am Main die Geburtsstube dessen deutscher Ausformung war. Aber auch Techno war nur bedingt ShantelsDing. Also selber machen, was Neues anfangen, wieder und wieder und wieder.
 
Ab 1986 sahen wir Shantel mit einem griechisch-türkischen Underground-Projekt auf der Bühne. Sie spielten für die griechisch-türkischen Communities in ganz Deutschland den damals schwer angesagten griechischen Outlaw-Blues Rembetiko, und Shantel lieferte die Beats dazu. In seinem Bahnhofsviertel-Club Lissania Essay drehte Shantel die Turntables und mixte Rhythmen sowie Soundfetzen aus dem Sampler dazu. Nordafrika, Brasilien, Jamaika, Elektrobeats, Trip Hop und Jazz in the mix. Ein Song, eine Struktur, ein Rhythmus erreichte die Tanzenden so intensiv, dass ihre Arme hochgingen und die Kehlen Glücksgeheul ausstießen – das war der Ansporn, diesen Moment zu verlängern und das Spaceship Lissania zum Abheben zu bringen. Und bis heute ist es nicht gelandet, denn bis zum heutigen Tag gibt es nicht ein Konzert, nicht eine DJ-Session, die nicht von dem Gefühl befeuert waren, alles zu geben, mit dem Publikum zu verschmelzen und Glückseligkeit in die Gesichter zu zaubern. Kaum einer versteht den Dancefloor besser und findet intuitiv immer die richtige Antwort als Shantel – egal ob mit seinem Bucovina Club Orkestar oder ganz alleine als DJ.

 
Das Lissania und später der Bucovina Club waren einige der sehr raren Gelegenheiten, bei denen sich unterschiedliche Szenen und Altersgruppen trafen. Sie verband eines: Sie waren neugierig und bereit, sich unerhörten Klängen hinzugeben. Und Shantel war es wichtig, neue Ideen, Verrücktes, Unbekanntes via Musik in diese verkrustete Stadt zu tragen: Ideen, Visionen, die ganz woanders herkamen - Paris, Thessaloniki, Tel Aviv, Istanbul. Kurz gesagt Shantel und die Szene, die sich um ihn formierte, war kosmopolitisch und am Austausch interessiert. Er war als einer der deutschen Pioniere des sogenannten Freestyle-Clubbing bald weltweit gefragt, spielte an der Seite von MC Solaar, Kruder & Dorfmeister, Gilles Peterson, Massive Attack, Björk und Howie B. Doch war ihm das genug? Er stellte irgendwann fest, dass auch diese Szene dabei war, sich zu verkrusten bzw. leerzulaufen. Auf einer K7-Labelnacht im New Yorker Limelight Club ließ er frenetische Blechmusik südosteuropäischer Hochzeiten aus den Boxen knallen, was auf dem Tanzboden zu Verwirrung führte. Shantel wäre nicht Shantel, wenn er nicht versucht hätte, diese Situation zu retten und - die Platte noch einmal von vorne zu spielen. Langsam sahen die Partygänger ein, dass sie keine andere Kost serviert bekämen und ließen sich treiben. Schlussendlich: Stampede auf der Tanzfläche.
 
Shantel entschied sich, auf eine große Reise in seine eigene Familiengeschichte zu gehen, die ihn in die Bucovina, Grenzland zwischen Ukraine und Rumänien brachte. Dort fand er die Musik, die tief in seiner eigenen DNA schlummerte und begann mit ihr zu experimentieren, ging mit den Großen des Genre ins Studio, um seine Vision von einem zeitgenössischen paneuropäischen Sound zu kreieren. Das Schauspiel Frankfurt gab diesem neuen Sound, der sich wie ein Lauffeuer um die ganze Welt verbreitete, eine Bühne. Dass gerade Frankfurt den perfekten Spielboden für seinen Bucovina Club abgab, ist sicher kein Wunder, denn der Hotspot am Main war und ist seit vielen Jahrzehnten die multinationale Metropole der Republik. Interkulturelles Leben und Arbeiten ist hier mit allen Brüchen, Verwerfungen und Schwierigkeiten längst zum prägenden Aspekt des Alltags geworden. Aber auch hier und jetzt bleibt Shantel nicht stehen und räumt mit dem großen Missverständnis auf, er sei der „König des Balkan-Pop“ und er wolle es gar sein, was er in einem Interview mit der BBC anlässlich der Verleihung des BBC-Worldmusic-Awards klarstellte: „Ich habe mit dieser Balkanmusik und diesem Hype eigentlich nichts am Hut. Mir ging es um meine Selbstverwirklichung als Musiker, als Künstler. Deshalb interessieren mich viele Sounds, nicht nur der des Balkans.“
 
Mit diesem kreativen Ansatz ist Shantel das hörbare Gesicht eines anderen Deutschlands, ist er doch der erste, der der hiesigen Popkultur einen kosmopolitischen Sound einimpfte. Bei ihm ist Migration hör- und tanzbar. Musikalische Preziosen aus Südosteuropa, dem nahen Osten oder vom Mittelmeer erscheinen in einem neuen, vielschichtigen Kontext, damit wird auch die Kultur, aus der sie entstammen, intuitiv erfahrbar. Seine Methode ist kulturelles Mixing und Sampling: Dinge aus dem Zusammenhang reißen und in einen neuen überführen. Clubkultur als Konzept, das sich permanent weiterentwickelt und nicht als Museum, in dem das ewig Gleiche repetiert wird – wie in Berlin, wo tausende von Touristen vor dem Berghain warten, um das Vorhersehbare erleben zu dürfen.
 
Nun schlägt Shantel mit 30 Jahre Club Guerilla ein neues Kapitel seiner never ending Tour unter dem Motto „Shantology // 30 Years of Club Guerilla“ auf.

Es gibt nur wenige Musiker, die sich genau auf der Grenze zwischen Jazz und Klassik bewegen. Der finnische Pianist Iiro Rantala gehört zu dieser seltenen Spezies. Ausgebildet an der Sibelius Akademie in Helsinki wandte er sich bald einmal dem Jazz zu und zog nach New York, wo er in diese Musik eintauchte. 

IIRO RANTALA

Iiro Rantala ist ein „Naturereignis an den Tasten“ (Jazzthing), ein Alleskönner, von dem der New Yorker Pianist und Arrangeur Gil Goldstein völlig zu Recht sagt: „Iiro Rantala ist eine pianistische Sensation und der stärkste mir bekannte Grund, an Reinkarnation zu glauben: Weil seine Technik wie sein musikalischer Sensus aus Tiefen spricht, die unmöglich in einem Leben alleine ergründet sein können.“
Bislang war der Name Rantala vor allem mit dem Trio Töykeät verbunden, einem der wildesten, witzigsten und visionärsten Klaviertrios der internationalen Jazzszene: Da lotete der finnische Pianist alle Möglichkeiten dieser klassischen Besetzung aus, mal als energiegeladener Tastenlöwe, mal als feinfühliger Romantiker, dann wieder als burlesker Spaßvogel. Sein Spiel sprengte zwar alle Stile und war ebenso kompromisslos wie zugleich unterhaltsam, doch wurde es stets von einem magischen Dreieck zusammengehalten: grenzenlose Technik, Sinn für Humor und untrüglicher Geschmack. Qualitäten, die sich Rantala bewahrt hat, auch nachdem er 2006 das Trio Töykeät nach 18 Jahren aufgelöst hatte, um sich auf seine Solokarriere zu konzentrieren.
Diese kam in Schwung als Rantala mit Lost Heroes 2011 sein Debüt als Exklusivkünstler bei ACT gab. Auf dem Soloklavieralbum zollt der Finne seinen musikalischen Helden von Jean Sibelius, Esbjörn Svensson bis hin zu Luciano Pavarotti mit Eigenkompositionen Tribut. Rantala vermeidet dabei jegliche Sentimentalitäten zugunsten einer großen, ehrlichen Geste der Verehrung, und bleibt dabei ganz er selbst: Einer der souveränsten Pianisten des skandinavischen Jazz.

Die Einspielung wurde als eine der besten Pianosolo-Aufnahmen der letzten Jahre begeistert gefeiert. Die Süddeutsche Zeitung sprach von einem „Meisterstück“, die Deutsche Schallplattenkritik kürte Lost Heroes zum Jazzalbum des Jahres und Rantala wurde im Juni 2012 mit dem ECHO Jazz als bester internationaler Pianist geehrt.
Rantalas neues Album „My History of Jazz“ ist ein persönlicher und etwas anderer Blick auf die Jazzgeschichte und die Rolle des Pianos in ihr. Mit Lars Danielsson (Bass), Morten Lund (Drums) und Adam Baldych (Violine).

Das Galatea Quartett

besteht seit 2005. Seine Mitglieder sind die Geschwister Sarah und Julien Kilchenmann, Yuka Tsuboi und Hugo Bollschweiler. In den Anfängen war in Zürich die Arbeit mit Stephan Görner vom Carmina Quartett prägend und jene in Berlin mit dem Artemis Quartett. Früh schon wurden die Ensemblemitglieder als Stipendiatinnen und Stipendiaten der European Chamber Music Academy (ECMA) gefördert. Der befruchtende Austausch mit deren künstlerischem Leiter Hatto Beyerle hat sich bis heute erhalten. Rasch und anhaltend stellten sich Wettbewerbserfolge ein
2012 wurde das Ensemble für sein Debüt-Album „Bloch: Landscapes-Works for String Quartet“ mit einem ECHO-Preis für die beste Kammermusikeinspielung des Jahres (20./21. JH.) ausgezeichnet. Und 2013 folgte die Ehrung mit dem renommierten Kulturförderpreis des Kantons Zürich. Neben dem klassischen Repertoire hat das Galatea Quartett immer auch ungewohntes Terrain erkundet und innovative, genreübergreifende Konzepte entworfen. Das Galatea Quartett hat keine Berührungsängste: Cross over-Projekte sind beinahe alltäglich. Sie führten zur Zusammenarbeit mit  Jon Lord (Deep Purple), Tina Turner und dem Schriftsteller Urs Faes sowie zu einer Aufführungsserie der Pink Floyd-Adaptation „To the Dark Side of the Moon“. Das Repertoire ist ebenso breit wie eigenwillig. Auch im Bereich der klassisch-romantischen Musik ist neben dem Kanon der Quartett-Literatur manches Unbekannte auszumachen.

Im Zentrum der Zusammenarbeit mit Iiro Rantala steht ein Arrangement von Mozarts Klavierkonzert No. 21, bei dem Iiro Rantala die Kadenzen jeweils improvisierend gestaltet. Weiter auf dem Programm stehen Kompositionen von Iiro Rantala, die speziell für dieses Projekt arrangiert werden. 

Episoden aus der Nachbarschaft dienen als Fenster zur Welt und erlauben auch den Blick in eine Zukunft, in der Idealisten endgültig als nützliche Idioten begriffen werden.
 Virtuos agiert Alfred Dorfer in den von ihm erdachten Parallelwelten, spielt mit Rollen und Perspektiven und präsentiert ein temporeiches und inhaltlich sehr komplexes Ein-Mann-Theater. (ORF / KULTUR/ Mittagsjournal)

UND?

Wie wird es jetzt weitergehen, fragt er sich? Der rätselhafte Stückauftrag eines Theaterdirektors hat Bewegung in das Leben von Alfred Dorfers Bühnenfigur gebracht. Und: Jetzt steht der Umzug bevor. Ein Mann, ein Raum, zwei Bananenkisten. Ein leerer Raum, voller Erinnerungen. Was kommt jetzt? Im besten Fall die Spedition. Jene Kraft, die fürs Erste Veränderung schafft. Und daran glaubt Dorfers Protagonist: an die positive Kraft der Veränderung. Wenn „umziehen“ Veränderung bedeutet, ist dann jede Veränderung gleichzeitig ein Umzug für sich selbst?

Zurück bleiben die Nachbarn. Unterschiedliche Menschen, von Beziehungsunfug und anderen Torheiten gebeutelt, durch grandioses Scheitern und die Suche nach einem Ausweg aus der Banalität zur Karikatur ihrer selbst verkommen.
Alfred Dorfer zeigt in seinem neuen Soloprogramm Momentaufnahmen vom Aufbrechen und Ankommen. Episoden aus der Nachbarschaft dienen als Fenster zur Welt und erlauben auch den Blick in eine Zukunft, in der Idealisten endgültig als nützliche Idioten begriffen werden.
Virtuos agiert Alfred Dorfer in den von ihm erdachten Parallelwelten, spielt mit Rollen und Perspektiven und präsentiert ein temporeiches und inhaltlich sehr komplexes Ein-Mann-Theater.
Alfred Dorfer zählt zu den wichtigsten Satirikern und Autoren im deutschen Sprachraum, den er als seine Bühne begreift. Ausgezeichnet wurde Dorfer u.a. mit dem deutschen Kleinkunstpreis, dem Deutschen Kabarettpreis, dem Bayerischen Kabarettpreis und dem Schweizer Cornichon.

Er entzieht sich souverän und spielerisch allen Etikettierungsversuchen. Seine Themen sind politisch und gehen gleichzeitig weit über die Tagesaktualität hinaus. Der Erzählbogen wird bewusst und präzise weit gespannt. Dorfer präsentiert seine philosophischen Betrachtungen auf der Bühne fast beiläufig und federleicht. Ihre volle Wirkung entwickeln seine Kabarett-Programme oft erst ein wenig zeitversetzt - dann aber umso intensiver." (Jurybegründung Deutscher Kabarett-Preis 2016)

Phil Ochs war ein US-amerikanischer Songwriter und  sang vor allem Protestsongs, oder, wie er es selbst nannte, "topical songs" (Lieder über aktuelle Themen). Ochs studierte an der Ohio State University Journalismus, brach sein Studium allerdings in seinem letzten Jahr ab. Er zog nach New York City und wurde ein wichtiger Teil der Folkmusikszene des Greenwich Village. Er war ein leidenschaftlicher Sänger, der imstande war, ergreifend-bissige Texte zu damals aktuellen Themen wie  Krieg, Menschenrechte, Gerechtigkeit, Lebenssinn und Arbeiterkämpfe zu schreiben. Er beschrieb sich selbst als "singenden Journalisten", dessen Songs auf Geschichten basierten, die er in der Newsweek las. 
"Ein guter Song mit einer Botschaft kann eine Sache näher an die Menschen heranbringen, als tausend Kundgebungen". So beschrieb Phil einmal die Bedeutung seiner Musik. 
Also -  lasst uns gute Lieder singen
"He wrote them for a reason, why not sing them for the same"

WERNER KLINGER
DiETER OBERKOFLER
JASMiN RAFFL
special guests:
Albert Greinöcker, Benni Klinger, Manuel Matt, Rud Schweighofer.

*

wer mehr über phil o chs wissen möcht:
hier gibts eine gutte biographie:
https://gerdschinkel.jimdo.com/essays/kuenstlerportraits/phil-ochs/

„Vor nicht all zu langer Zeit war ich Eier kaufen und hab mich dabei beim Beobachten der Hühner verloren. Da gibt’s die schnellen, die coolen die in der Sonne chillen, die geilen Chicks, den Hahn der sie alle checkt und die Außenseiter auf denen Alle rumhacken. Meine Erkenntnis: Hühner sind Asis. Eigentlich wie wir. Peeple.“ 
Dieser epische Moment aus dem Leben von 2seedsleft wurde zur Inspiration für ihre neue EP „PEEPLE“. Nach ihrem letzten Album „The Season Why“ beschreiten die beiden Songwriter und Menschenkenner Andreas Steiner und Sebastian Schweiger gemeinsam mit ihren Kumpanen Benjamin Lampert und Jakob Köhle weiterhin einen gewundenen Pfad zwischen Pop, Blues und Jazz, scheuen sich jedoch nicht vor dem Unbekannten und experimentieren freudig mit neuen Klängen. Von der Klarinette bis zum Wurstpapier ist alles dabei. 
Andreas Steiner – guit, vox 
Sebastian Schweiger – keys, vox 
Jakob Köhle – drums, vox 
Benjamin Lampert – fretless bass 
feat. Christian Larese 

Das 1-Frau-2-Mann-Trio Drehwerk präsentiert sich nach dem Release ihrer ersten CD Constant Structure im vergangenen April mit neuem, frischen und luftig-leichtem Programm - vollendet durch die lyrische Note der Tiroler Sängerin Anna Widauer.
Jazz, der weiter geht - die Eigenkompositionen der drei Jazzmusiker ergänzen traditionelle und moderne Klänge mit Elementen aus jeglichen Stilrichtungen und ist durchzogen von allem, was die Musik der letzten Jahre kennzeichnet: harmonische Spannung trifft auf formgebende Ostinati, sphärische Flächen werden durch klare Struktur in Rhythmik und Groove ergänzt, vielfältige Improvisationen, die sehr oft den Ausbruch aus jeglichen Parametern ermöglichen, beleben.
Ein eigenes musikalisches Konzept wird somit erstmals im Treibhaus Innsbruck durch Wort und Gesang erweitert und bietet Platz für neue, experimentelle Möglichkeiten.
Felix Heiß - Piano 
Anna Reisigl - Bass 
Max Schrott - Drums 
feat. Anna Widauer - Vocals

Clara Luzia ist eine der außergewöhnlichsten Musikerinnen des Landes, geheimnisvoll und faszinierend. 
„I feel that it's a pissed off album, but in a sophisticated pissed off way. The way you are pissed off with a crooked smile and a raised eyebrow. Because you know you are more clever than that.“ (Denice Bourbon)

Wenn dein Stimmungsring täglich "Kulturpessimismus" anzeigt, dann scheint ein Rückzug ins Privatleben eine sinnvolle Option. Clara Luzias neues Album "When I Take Your Hand" könnte als so ein Rückzug interpretiert werden - zumal sie nicht nur ein Liebeslied an ihre Frau (und Schlagzeugerin) Catharina formuliert ("The Story Of You & Me") und ihrer Urgroßmutter gedenkt ("I Remember You"), sondern auch ihren inneren Dämonen die Rute ins Fenster stellt ("Survival") und damit die Türen weiter öffnet als bisher.
Aber das von Julian Simmons (Vashti Bunyan, Gemma Ray, Midlake, Ed Sheeran) produzierte, jüngste Album der Wiener Songwriterin und mehrfachen Preisträgerin des Amadeus FM4 Award will weder Nabelschau noch Aufruf zum Rückzug sein, sondern nur eine beinahe willkürliche Liedersammlung als Chronik seiner Zeit. Wo genau diese Liedersammlung zu verorten ist, lässt sich dann ohnehin erst aus der Perspektive des Rückblicks entscheiden. Bis dahin ist Händchenhalten nicht die schlechteste Option und durchaus auch eine politische Handlungsanweisung.

Die beiden im Sommer und Herbst 2017 vorab veröffentlichten Singles "Mood Swing" (#3 der FM4-Charts) und "On The Street" liefen bereits auf sämtlichen Radiostationen zwischen Polen (u.a. Radio Czworka, Radio Lublin), Deutschland (u.a. Radio Eins, BR Puls), Spanien (BI FM), Schweden (Stockholm College Radio) und England (BBC6).

"When the streets go to sleep
and the lights go out
that's when I take your hand
and we leave this place
Everyone who's awake
is a potential threat
we pretend we are safe.

Yes, it’s fucking political!

Wie auch nicht? Die magische 7-Mrd-Menschen-Marke ist überschritten, pseudoreligiös unterfütterte Abstrusitäten bieten Orientierungslosen neuen Halt, die Festung Europa verteidigt mit Zähnen und Klauen ihren Wohlstand, und Umwelt und Tiere siechen dank unserer bodenlosen Gier vor sich hin.
​Dennoch ist „Here’s To Nemesis“, das mittlerweile sechste Studioalbum von Clara Luzia keine Platte, die nach dem Strick greifen lässt. Denn mit dem Arsch ins Gesicht fährt Luzia trotz allem nicht. Die Texte sind codierte Erzählungen über die Suche nach dem richtigen Leben im falschen: Wer sie verstehen will, kann sie leicht entschlüsseln. Wer die Comfort Zone nicht verlassen will, wird auch in einer Kapitalismuskritik ein softes Liebeslied hören. Und das passt auch so. Sind die Lieder einmal ins Außen entlassen, hat die Verfasserin kein Deutungsmonopol mehr. Doch wer zuhört gewinnt.

„It’s very raw and not too much stuff. There are no unnecessary decorations because the album doesn't need it, the songs don't need it. I feel that they have the exact amount of things added to the base structure, which gives the album a lot of attitude.“ (Denice Bourbon)

Nach Jahren mit großer Band und entsprechend dichtem Klang riss sich Clara nun die Kleider vom Leib. Übrig bleiben Haut und Knochen in Form von Bass, Gitarre, Schlagzeug. Blaupause für den Sound von „Here’s To Nemesis“ stellte 2014 die Interpration von „Sinnerman“ für Andreas Prochaskas Erfolgsfilm „Das Finstere Tal“ dar. Catharina Priemer, die Neue am Schlagzeug, wies Clara den Weg zu schwingenden Tremolo-Gitarren, die viel Raum lassen für Stimme und Leerstellen. Der britische Produzent Julian Simmons erledigte den Rest, indem er in vielen von Claras Kompositionen das Tempo rausnahm, um diesen Schwingungen auch gebührend Platz zu lassen.

Das Cover-Artwork von Alexandra Mia Monkewitz zeigt eine Nuss mit Hirn, einen Kern als Metapher dafür, dass der Kern allen Seins in allem steckt. „We are all seeds of the same tree“ (Cosmic Bruise) - die wichtigste Erkenntnis, die für Clara Luzia alles verändert hat. Der Schlüsselsatz des Albums. Die Achse als Hinweis auf die Waagschale der Nemesis, der Göttin der ausgleichenden Gerechtigkeit. Auf ihr ruht die ganze Hoffnung. Und die Hoffnung lebt - trotz allem

Judith Keller singt nicht nur bekannte Chansons und unvergessene Lieder der  Piaf  - sie  verkörpert die junge wie auch die vom Leben gezeichnete Piaf. Nach dem grossen Erfolg am Tiroler Landestheater als Piaf  beschlossen Judith Keller und Michael Mader aus der ehemaligen Theaterproduktion “Piaf” (Regie Klaus Rohrmoser, Bühne Alois Gallé) von Pam Gems aus der Produktion am  T. Landestheater einen eigenen musikalischen Theaterabend mit dem Titel “la vie en rose” zu machen -  in reduzierter aber auserlesener Besetzung. Mit dem gastieren sie mit zunehendem Erfolg  im In- und Ausland

Judith Keller - Gesang
Michael Mader - Piano
Harald Pröckl - Akkordeon
Andreas Flemming - Kontrabass

Die schönsten und bekanntesten Chansons von Edith Piaf - gesungen, gespielt, erzählt, getanzt  von Judith Keller.

Edith Giaconna Gassion (1915-1963),

genannt Piaf, der „Spatz von Paris“, ist längst zur Legende geworden. Aus der Gosse kommend, ist sie zur Königin des Chansons aufgestiegen.
Die Chansons „Non, je ne regrette rien“, „Milord“ und „Mon Dieu“ haben heute, mehr als vierzig Jahre nach ihrem Tod, nichts an Popularität verloren.
Im Mittelpunkt des Abends stehen die unvergessenen Lieder der Piaf, die sie selbst als „Schreie des Herzens“ bezeichnete…
Judith Keller wird die junge und die vom Leben gezeichnete Piaf verkörpern.

Presseschnipsel zu Judith Keller:

Edith Piaf...
Und Judith Keller, als La Môme Piaf, der kleine Spatz, spielt die Rolle ihres Le- bens. Nicht nur durch ihre frappierende äußere Ähnlichkeit, sondern auch mit der stimmlichen Ausdruckskraft und Kongenialität, mit der sie "L’accordéoniste" oder "Milord" singt und zwi- schen den Gefühlsextremen wechselt, ohne an einem Punkt ihre Intensität oder Glaubwürdigkeit zu verlieren eine einwandfreie Darbietung. Aus- gezeichnet. 2007 Wiener Zeitung

...Sie brilliert mit ihrer Darstellung der Piaf im gleichnamigen Stück von Pam Gems. Nicht nur die äusserliche Ähnlichkeit, sondern vor allem ihre Stimmgewalt und Intensität machen den Abend zum Erlebnis.

Irma La Douce:...hat eine hübsche Stimme, er- wies sich in der Titelrolle als gewandte Tänzerin ...sie spielt Irma engagiert und singt tempera- mentvoll... Jubelstürme vom Publikum.Shockheaded Peter:..Judith Keller spielt als sa-tanische Chanteuse alle Stücke und das mit Bravour Sie singt, geigt, tanzt...sie schildert mit tollem Körper und Spracheinsatz die Szenen und Schauerstories.

Dreigroschenoper...
Unter den Darstellern sei vor allem Judith Keller durch ihre auffallend ge- sangliche Leistung...

cuarteto viena tango und vom Tango-Fieber...
In ihrem Quartett spielt sie dynamisch und mit rassigem Strich ihre Geige, singt dazu mit einem samtweich verhangenen Alt,
der bestens zu den melodramatischen Tangos passt und tanzt auch noch suberb...

Nach fast 10 Jahren sind die legendären Los Fastidios wieder in Innsbruck.
1991 in Verona gegründet, zählen sie mit ihrer unverkennbaren Mischung aus Streetpunk, Oi, Hardcore und Ska zu den wichtigsten Vertretern des antifaschistischen Punkrocks in Europa. Durch ihre energiegeladenen Shows und den einschlägigen Texten, die sich gegen Rassismus, Kapitalismus, Homophobie uä. richten, genießen sie in der Szene schon lange Kultstatus. Die Texte handeln vonvon Straßen- und Partypolitik, sozialen Situationen, Kämpfen gegen jegliche Diskriminierung, für die Erhaltung von und Neubesetzung von autonomen Zentren, von Kapitalismuskritik, etc.Seit Anfang 2017 ist das neue Album "The Sound of Revolution" draußen. Come on, Antifa Hooligans! Auf einen unvergesslichen Abend mit Birra, Oi! e divertimento!
Stay Rude, Stay Rebel.

Fünf Tiroler MusikerInnen schaffen, in immer wieder wechselnden Besetzungen, einen schräg- harmonischen Zusammenklang von insgesamt mehr als 20 Instrumenten. Der Versuch, „INNANNA“ in ein Genre zu quetschen, scheitert leider… die Musik berührt sowohl Weltmusikelemente als auch Themen der Renaissancemusik, lässt Pop- und Minimalmusik durchklingen, groovt ordentlich und entspannt zugleich, bewegt sich zwischen Gegensätzen und entwickelt sich stetig weiter. 

Maria Ma: Hackbrett, Perkussion, Melodica,…
Valerie Fritz: Cello 
Flo Ryan: Bouzouki, Hulusi, Duklar, Maultrommeln, Fujara, Udu, Caisa,… 
Gernot Reichholf: Hang, Tanpura, Baßmundharmonika, Sansula, Waterphone,… 
Kenneth Gasser: Darabouka, Cajon, Gitarre 

Das Jahr 2018 ist ein irres und ein irre komisches Jahr – nicht erst seit drohender Exklusivinterviews des Innenministers fürs Pferdemagazin „Wendy“. Bei vielem blieb einem die Spucke weg und da ist Lachen die beste Therapie. Zum bereits zehnten Mal lädt Markus Koschuh im „Jahrmarkt der Heiterkeiten“ zum kabarettistischen Jahresrückblick – zum bereits dritten Mal mit der längst unverzichtbaren Julie Haider. Unter der Regie von Harald Windisch wird Geschehenes auf- und wieder zugedeckt, Pannen, Peinliches und Passiertes präsentiert, die High- und Lowlights des Jahres gekürt, eine „leider wahr“-Zitatesammlung des Jahres serviert und und und. Ein ganzes Jahr in knapp zwei Stunden: Der traditionelle Jahresrückblick im traditionsgebeutelten Tirol, bei dem alles ab dem 3. Mal zur Tradition wird. Hü&Hott,

Ein Statement gegen den Irrsinn. featuring Juliana Haider.
Jahrmarkt der Heiterkeiten 2018– Der kabarettistische Jahresrückblick - 
Vor 10 Jahren  aus der Taufe gehoben: der kabarettistische  Jahresrückblick, der längst zu Tirol gehört wie die Tiroler Grünen als "Radieschenbund" zur ÖVP.
und zum dritten Mal mit JULIANA HAIDER.
und zum ersten Mal mit REGIE: HARALD WINDISCH.

wo, wann und was ist 2018 alles passiert? Und warum und wieso und natürlich weshalb?
Diesen und anderen Fragen gehen Markus Koschuh und Juliana Haider im  "Jahrmarkt der Heiterkeiten" auf den Grund.
Ein ganzes Jahr in 2 Stunden.
Temporeich und aberwitzig wird Geschehenes noch einmal aufgedeckt und rasch wieder zugedeckt,
Hit- und Shitlisten des Jahres präsentiert und an Pannen und Peinliches erinnert.  
Von schwarz-grünen Auf- und Absteigern, über rot-weiß-rote Ein- und wieder Aussteigern
bis zu den heuer verstorbenen oder preisgekrönten Heroes der Musikszene.
Olympisches Feuer wird heuer keines entfacht, versprochen.

Das Jahr 2018 ist ein irres und ein irre komisches Jahr – nicht erst seit drohender Exklusivinterviews des Innenministers fürs Pferdemagazin „Wendy“. Bei vielem blieb einem die Spucke weg und da ist Lachen die beste Therapie. Zum bereits zehnten Mal lädt Markus Koschuh im „Jahrmarkt der Heiterkeiten“ zum kabarettistischen Jahresrückblick – zum bereits dritten Mal mit der längst unverzichtbaren Julie Haider. Unter der Regie von Harald Windisch wird Geschehenes auf- und wieder zugedeckt, Pannen, Peinliches und Passiertes präsentiert, die High- und Lowlights des Jahres gekürt, eine „leider wahr“-Zitatesammlung des Jahres serviert und und und. Ein ganzes Jahr in knapp zwei Stunden: Der traditionelle Jahresrückblick im traditionsgebeutelten Tirol, bei dem alles ab dem 3. Mal zur Tradition wird. Hü&Hott,

Ein Statement gegen den Irrsinn. featuring Juliana Haider.
Jahrmarkt der Heiterkeiten 2018– Der kabarettistische Jahresrückblick - 
Vor 10 Jahren  aus der Taufe gehoben: der kabarettistische  Jahresrückblick, der längst zu Tirol gehört wie die Tiroler Grünen als "Radieschenbund" zur ÖVP.
und zum dritten Mal mit JULIANA HAIDER.
und zum ersten Mal mit REGIE: HARALD WINDISCH.

wo, wann und was ist 2018 alles passiert? Und warum und wieso und natürlich weshalb?
Diesen und anderen Fragen gehen Markus Koschuh und Juliana Haider im  "Jahrmarkt der Heiterkeiten" auf den Grund.
Ein ganzes Jahr in 2 Stunden.
Temporeich und aberwitzig wird Geschehenes noch einmal aufgedeckt und rasch wieder zugedeckt,
Hit- und Shitlisten des Jahres präsentiert und an Pannen und Peinliches erinnert.  
Von schwarz-grünen Auf- und Absteigern, über rot-weiß-rote Ein- und wieder Aussteigern
bis zu den heuer verstorbenen oder preisgekrönten Heroes der Musikszene.
Olympisches Feuer wird heuer keines entfacht, versprochen.

Die Kreaturen in Stuckys Welt kriechen dieses Mal aus dem Boden: King Kong, Godzilla, Dracula und Frankensteins Monster stehen als tiefe, verdichtete Töne Paten zu Erika Stuckys neuem Programm. Aber auch Johnny Cash, Suzi Quatro, Screaming Jay Hawkins. Und in der Band dieses Mal mit dabei:

Erika Stucky: voc, accord, film
FM Einheit: sounds (Einstürzende Neubauten)
Jon Sass: tuba
Ian Gordon-Lennox: tuba, tp
Und wer sich jetzt fürchten sollte, nimmt gleich eine Knoblauchkette mit..

Die ersten 10 Jahre ihres Lebens verbrachte Erika Stucky in San Francisco, zur Blütezeit der Hippie-Ära. Dann übersiedelte Familie Stucky ins Tal ihrer Vorfahren, das Schweizerische Oberwallis, wo statt wilden Utopien Ordnung und Tradition herrschten. Neben Songs von Dylan, Joplin, Hendrix & jodelnden Cowboys hörte Erika plötzlich vor allem traditionelle Zäuerli und Schwyzerörgeli. Schon damals baut sie eine imaginäre Golden Gate Bridge, die die Alpen mit der amerikanischen Westküste verbindet. Diese Brücke bestimmt bis heute Stuckys künstlerische Haltung und immens weiten musikalischen Horizont.

Ihre umwerfende Bühnenpräsenz ist eine Idealverbindung aus amerikanischem Gespür für Entertainment, persönlichem Schneid und fundierter Theater- wie musikalischer Ausbildung. In den vergangenen drei Dekaden hat sie auf einem guten Dutzend Alben und in tausenden Konzerten ein internationales, vielschichtiges Publikum begeistert, ob in intimen Clubs oder auf Festivalbühnen. Mit einer gewaltigen Stimme, deren Spannweite von Soul über Rock bis zu Jazz-Phrasierungen und Jodlern reicht. Durch Eigenkompositionen oder skurrile Covers, die man zuweilen nur noch am Text erkennt. Und einem Humor, der Substanz hat, überrascht, geistreich und subversiv amüsiert. Als wäre all das noch nicht genug, schickt Stuckys souveräne Lautleise-Dynamik die Zuschauer zuweilen auf eine atemberaubende Achterbahnfahrt.

Die in fünf Sprachen parlierende Künstlerin weiß sich und ihre Musik zu inszenieren. Mal sparsam mit wenigen ausgesuchten Requisiten. Mal gewitzt, wenn sie auf der Bühne mit Figuren in von ihr selbst gedrehten Filmen interagiert, die im Hintergrund über die Leinwand flimmern. So verwegen wie ihr Repertoire sind auch Stuckys wechselnde Bands und Kooperationen. Ob von einer einzelnen Tuba begleitet, ob von einer Rock- oder Bigband getragen, stets hat die Sängerin und Akkordeonistin Komplizen um sich, deren musikalisches Profil zum furchtlosen Charakter Erika Stuckys passt.

Das Jahr 2018 ist ein irres und ein irre komisches Jahr – nicht erst seit drohender Exklusivinterviews des Innenministers fürs Pferdemagazin „Wendy“. Bei vielem blieb einem die Spucke weg und da ist Lachen die beste Therapie. Zum bereits zehnten Mal lädt Markus Koschuh im „Jahrmarkt der Heiterkeiten“ zum kabarettistischen Jahresrückblick – zum bereits dritten Mal mit der längst unverzichtbaren Julie Haider. Unter der Regie von Harald Windisch wird Geschehenes auf- und wieder zugedeckt, Pannen, Peinliches und Passiertes präsentiert, die High- und Lowlights des Jahres gekürt, eine „leider wahr“-Zitatesammlung des Jahres serviert und und und. Ein ganzes Jahr in knapp zwei Stunden: Der traditionelle Jahresrückblick im traditionsgebeutelten Tirol, bei dem alles ab dem 3. Mal zur Tradition wird. Hü&Hott,

Ein Statement gegen den Irrsinn. featuring Juliana Haider.
Jahrmarkt der Heiterkeiten 2018– Der kabarettistische Jahresrückblick - 
Vor 10 Jahren  aus der Taufe gehoben: der kabarettistische  Jahresrückblick, der längst zu Tirol gehört wie die Tiroler Grünen als "Radieschenbund" zur ÖVP.
und zum dritten Mal mit JULIANA HAIDER.
und zum ersten Mal mit REGIE: HARALD WINDISCH.

wo, wann und was ist 2018 alles passiert? Und warum und wieso und natürlich weshalb?
Diesen und anderen Fragen gehen Markus Koschuh und Juliana Haider im  "Jahrmarkt der Heiterkeiten" auf den Grund.
Ein ganzes Jahr in 2 Stunden.
Temporeich und aberwitzig wird Geschehenes noch einmal aufgedeckt und rasch wieder zugedeckt,
Hit- und Shitlisten des Jahres präsentiert und an Pannen und Peinliches erinnert.  
Von schwarz-grünen Auf- und Absteigern, über rot-weiß-rote Ein- und wieder Aussteigern
bis zu den heuer verstorbenen oder preisgekrönten Heroes der Musikszene.
Olympisches Feuer wird heuer keines entfacht, versprochen.

Das Jahr 2018 ist ein irres und ein irre komisches Jahr – nicht erst seit drohender Exklusivinterviews des Innenministers fürs Pferdemagazin „Wendy“. Bei vielem blieb einem die Spucke weg und da ist Lachen die beste Therapie. Zum bereits zehnten Mal lädt Markus Koschuh im „Jahrmarkt der Heiterkeiten“ zum kabarettistischen Jahresrückblick – zum bereits dritten Mal mit der längst unverzichtbaren Julie Haider. Unter der Regie von Harald Windisch wird Geschehenes auf- und wieder zugedeckt, Pannen, Peinliches und Passiertes präsentiert, die High- und Lowlights des Jahres gekürt, eine „leider wahr“-Zitatesammlung des Jahres serviert und und und. Ein ganzes Jahr in knapp zwei Stunden: Der traditionelle Jahresrückblick im traditionsgebeutelten Tirol, bei dem alles ab dem 3. Mal zur Tradition wird. Hü&Hott,

Ein Statement gegen den Irrsinn. featuring Juliana Haider.
Jahrmarkt der Heiterkeiten 2018– Der kabarettistische Jahresrückblick - 
Vor 10 Jahren  aus der Taufe gehoben: der kabarettistische  Jahresrückblick, der längst zu Tirol gehört wie die Tiroler Grünen als "Radieschenbund" zur ÖVP.
und zum dritten Mal mit JULIANA HAIDER.
und zum ersten Mal mit REGIE: HARALD WINDISCH.

wo, wann und was ist 2018 alles passiert? Und warum und wieso und natürlich weshalb?
Diesen und anderen Fragen gehen Markus Koschuh und Juliana Haider im  "Jahrmarkt der Heiterkeiten" auf den Grund.
Ein ganzes Jahr in 2 Stunden.
Temporeich und aberwitzig wird Geschehenes noch einmal aufgedeckt und rasch wieder zugedeckt,
Hit- und Shitlisten des Jahres präsentiert und an Pannen und Peinliches erinnert.  
Von schwarz-grünen Auf- und Absteigern, über rot-weiß-rote Ein- und wieder Aussteigern
bis zu den heuer verstorbenen oder preisgekrönten Heroes der Musikszene.
Olympisches Feuer wird heuer keines entfacht, versprochen.

Das Jahr 2018 ist ein irres und ein irre komisches Jahr – nicht erst seit drohender Exklusivinterviews des Innenministers fürs Pferdemagazin „Wendy“. Bei vielem blieb einem die Spucke weg und da ist Lachen die beste Therapie. Zum bereits zehnten Mal lädt Markus Koschuh im „Jahrmarkt der Heiterkeiten“ zum kabarettistischen Jahresrückblick – zum bereits dritten Mal mit der längst unverzichtbaren Julie Haider. Unter der Regie von Harald Windisch wird Geschehenes auf- und wieder zugedeckt, Pannen, Peinliches und Passiertes präsentiert, die High- und Lowlights des Jahres gekürt, eine „leider wahr“-Zitatesammlung des Jahres serviert und und und. Ein ganzes Jahr in knapp zwei Stunden: Der traditionelle Jahresrückblick im traditionsgebeutelten Tirol, bei dem alles ab dem 3. Mal zur Tradition wird. Hü&Hott,

Ein Statement gegen den Irrsinn. featuring Juliana Haider.
Jahrmarkt der Heiterkeiten 2018– Der kabarettistische Jahresrückblick - 
Vor 10 Jahren  aus der Taufe gehoben: der kabarettistische  Jahresrückblick, der längst zu Tirol gehört wie die Tiroler Grünen als "Radieschenbund" zur ÖVP.
und zum dritten Mal mit JULIANA HAIDER.
und zum ersten Mal mit REGIE: HARALD WINDISCH.

wo, wann und was ist 2018 alles passiert? Und warum und wieso und natürlich weshalb?
Diesen und anderen Fragen gehen Markus Koschuh und Juliana Haider im  "Jahrmarkt der Heiterkeiten" auf den Grund.
Ein ganzes Jahr in 2 Stunden.
Temporeich und aberwitzig wird Geschehenes noch einmal aufgedeckt und rasch wieder zugedeckt,
Hit- und Shitlisten des Jahres präsentiert und an Pannen und Peinliches erinnert.  
Von schwarz-grünen Auf- und Absteigern, über rot-weiß-rote Ein- und wieder Aussteigern
bis zu den heuer verstorbenen oder preisgekrönten Heroes der Musikszene.
Olympisches Feuer wird heuer keines entfacht, versprochen.

Shakespeare, die Bibel und Grimms Märchen, Der Rippenhof:
All das  haben die Mannen vom Feinripp-Ensemble bereits lustvoll verarztet.
Jetzt wagt sich das Trio ins Ernste -Fach.
Es wird sogar todernst.
und das wie immer: In Feinripp-Unterhosen.

R.I.P.
um genau zu sein: FEIN - R.I.P.
oder doch wieder  FEIN-RIPP? 
Ja und? 
Guat? 
Sauguat!

FeinRipp sind:
Thomas Gassner
Bernhard Wolf
Markus Oberrauch

Regie: JOhannes Gabl
Ausstattung: Andrea Kuprian

Markus, Börny und Tom wollen die Tür zum Jenseits aufzustossen,
über den Styx schwimmen - um in der Unterwelt ihre Abenteuer zu bestehen.
​Zu diesem Zweck müssen sie natürlich sterben. 
Nach vier erfolgreichen Produktionen haben wir uns entschieden, uns einem ernsten und uns alle betreffenden Thema zu widmen. Wie immer spielen wir zu dritt alle Figuren. Da wir versuchen uns ständig weiter zu entwickeln und neues auszuprobieren, haben wir für diesen Abend vor, uns erstmals auch ins Figurentheaterfach zu wagen, und es mit dem „Feinripp-Theater“ zu verbinden.
Ihre Seelen treten aus ihren Leibern und machen sich auf die Reise. Ihre zurückgebliebenen Hüllen werden die Puppen sein, die wir selber in Handarbeit gestalten werden. Immer wieder werden diese Figuren bespielt, wenn wir durch Rückblenden auf die Erde zurückkehren.
Die Ausstattung wird in bewährter Manier von Andrea Kuprian gestaltet. Die Regie wird zum zweiten mal Johannes Gabl übernehmen. 
Bespielt wird wie immer der Turm des Innsbrucker Treibhauses, unsere Heimspielstätte.

Dieses Konzept erlaubt uns eine breite Schau ins Unbewusste der menschlichen Seele und die Begegnung nicht nur mit den Figuren selbst, sondern auch mit allen historischen Menschen, die uns interessant erscheinen. Die Herangehensweise wird natürlich eine humoristisch-kabarettistische sein.
Fein gerippt eben.

VOR DER PREMIERE - Joachim Leitner in der TT

Feinripp-Ensemble: Herumeiern mit dem Tod

Sich beim Scheitern an großen Vorhaben zuschauen lassen: Das Feinripp-Ensemble feiert seinen 10. Geburtstag. Sein neues Stück „Fein-R.I.P.“ kommt heute Abend im Innsbrucker Treibhaus zur Uraufführung.

Innsbruck – Geplant war alles ganz anders. 2008 setzten die Tiroler Volksschauspiele Telfs „Shakespeares sämtliche Werke“ auf den Spielplan. Doch von den drei Schauspielern, die Regisseurin Susi Weber vorschwebten, sagte nur einer zu. Neben Bernhard Wolf wurden letztlich Thomas Gassner und Markus Oberrauch engagiert. Gassner verzichtete dafür auf einen Part in der damaligen Telfer Hauptproduktion „Herr Puntila und sein Knecht Matti“. Doch noch vor der Premiere bekam das Trio ihr Fett weg. „Nach der Hauptprobe wurde geraunzt. Grundtenor: So kann man das nicht machen“, erinnert sich Thomas Gassner. Aber der Erfolg strafte voreilige Kritiker Lügen. Der irrwitzige Ritt durch Shakespeares Welttheater mauserte sich zum Hit. Die Wiederaufnahme im Jahr darauf galt ausgemacht – und wurde kurzfristig gecancelt. Obwohl es mit der langjährigen Leiterin der Volksschauspiele eine wortmächtige Fürsprecherin gab. „Ruth hat uns gedrängt, weiterzumachen“, sagt Bernhard Wolf, „also sind wir ins Nachbardorf gegangen.“ „Gerettet hat uns letztlich Treibhaus-Chef Norbert Pleifer, der uns nach den Auftritten in Oberhofen in Innsbruck eine leistbare Spielstätte bot“, ergänzt Gassner. Im Treibhaus wurde aus den drei Schauspielern in Unterwäsche endgültig das Feinripp-Ensemble. Wobei es Name und Kostüm Andrea Kuprian verdankt. „Gefragt war ein Basiskostüm, dem man schnell etwas überziehen kann. Also hab’ ich eine Handvoll Unterhosen von zuhause mitgenommen“, erinnern sich die Aussteller. „Andrea ist das vierte Feinripp-Mitglied, unsere Fehlervermeidungssoftware. Sie hört sich unsere Ideen an und sagt uns, wenn wir Blödsinn machen“, erklärt Markus Oberrauch.

Mit ihrer zweiten Produktion setzten die Feinrippler den Erfolgszug fort – und schärften die dazugehörige Erfolgsformel. „Es gibt zwar ein Stück, das ‚Die Bibel, leicht gekürzt‘ heißt, aber damit konnten wir nichts anfangen, also haben wir uns mit Kinderbibeln eingedeckt, daraus ein Stück gemacht – und uns selbst ins Stück hineingeschrieben“, so Oberrauch. „Wir sind Schauspieler, die Schauspieler spielen, die sich permanent Großes vornehmen und sich beim Scheitern zuschauen lassen“, ergänzt Gassner. „Das Publikum mag es, uns beim Scheitern zuzuschauen“, ist Wolf überzeugt. Und die Zahlen geben ihm Recht: Nicht nur in Tirol, wo bislang mehr als 65.000 Besucher bei Feinripp-Aufführungen gezählt wurden, sondern auch in Wien. Dort allerdings nach schaumgebremstem Start: „Dem ruhmreichen Kabarett Simpl waren wir zu intellektuell“, sagt Bernhard Wolf. Inzwischen sei man aber auch in der Hauptstadt heimisch geworden: Die jüngsten Auftritte im Kleinkunsttheater Aera sind durchwegs ausverkauft gewesen.
Mit vollem Haus rechnet das Feinripp-Ensemble heute auch im Innsbrucker Treibhaus, wo um 20 Uhr die Uraufführung ihrer neuen Produktion „Fein-R.I.P.“ über die Bühne geht. In der Regie von Johannes Gabl – übrigens einer der beiden Schauspieler, die 2008 anderweitig beschäftigt waren – wollen sich Thomas Gassner, Markus Oberrauch und Bernhard Wolf zum 10. Geburtstag ihres Ensembles einem ganz großen Thema widmen. „Es geht, der Titel deutet es an, um den Tod“, sagt Gassner. Und der will ernst genommen werden: „Das Stück folgt einem streng postdramatischen Ansatz, ist eher Performance als klassisches Sprechtheater“, erklärt er. „Jedenfalls in der Theorie“, wirft Bernhard Wolf ein, „denn beim Herumeiern mit dem Tod geht es drunter und drüber.“ Es dürfte also einmal mehr ziemlich lustig werden, wenn sich die drei Schauspieler in feingerippte Liebestöter schmeißen.
Über den Inhalt von „Fein-R.I.P.“ hält sich das Trio noch bedeckt. Gassner: „Sagen wir so, wir beginnen mit einer bestialischen Abschlachtung – und steigern uns langsam.“

NACH DER PREMIERE - JOACHIM LEITNER in der TT

Im Hades ist die Hölle los

Die Kraft brillant gespielten Blödsinns: Mit „Fein-R.I.P.“ verschlägt es das Feinripp-Ensemble zum runden Geburtstag in die Unterwelt.
Mit „Fein-R.I.P.“ geht das Feinripp-Ensemble in sein 10. Jahr. Offiziell gefeiert wird am 22. Dezember mit einem „Worst-of“ im Treibhaus.

Parodie funktioniert nur, wenn das, was aus- und bisweilen bloßgestellt werden soll, ernst genommen wird. Das, daran besteht kein Zweifel, ist dem Feinripp-Ensemble bewusst. „Fein-R.I.P.“, das neue Stück der „Unterhosen-Gang“ wurde am Donnerstagabend im Innsbrucker Treibhaus uraufgeführt. Und es beginnt ernst. Als auf die Bühne gewuchtete Textflächen: Postdramatik wie aus dem Lehrbuch. Erdenschwere Gesten und Sätze. Es geht um alles. Um irgendwas Abgründiges. Wahlweise um Biblisches oder David Bowie, um einen Lazarus jedenfalls. Und um verschrumpelte Testikel. Und um die Apokalypse: „Wenn die Bienen sterben, sterben die Menschen.“ Davor aber stirbt ein Biber – wohl recht blutig, aber diskret hinter dem Vorhang. Dann gehen Markus (Markus Oberrauch) und Tom (Thomas Gassner) drauf. Auch die Urlaubsvertretung des Schwarzen Mannes versteht keinen Spaß. Zwei von drei Feinrippträgern gehen also auf Hellness-Kur in die Unterwelt.
Der dritte, Börnie (Bernhard Wolf), bleibt im Diesseits: allein, verzweifelt, hochprofessionell. Schließlich muss die Show weitergehen. Notfalls mit feingerippten Sockenpuppen. Oder mit halbgaren Theaterpädagogen und halbseidenen TV-Darstellern. Kurzum: Die postmoderne Bedeutungshuberei („Hülle ohne Fülle“) weicht irrwitzigem Durcheinander: Das Hellnesshotel Hadesblick erstickt in Bürokratie, die Belegschaft poltert, der Boandlkramer sitzt in der Sauna.
Dass dem vorzeitigen Ableben von Markus und Tom ein Fehler vorausging, der rückgängig gemacht werden soll, wird zum roten Faden. Regisseur Johannes Gabl knüpft – in höllischem Tempo – grelle Gags daran und choreografiert schwindelerregende Szenenwechsel. Als äußerst mobiles Mobiliar (Ausstattung: Andrea Kuprian) reichen ein roter Vorhang und ein Kastenkoffer. Trotzdem gibt es dauernd Neues zu entdecken. Auch weil der Blödsinn brillant gespielt ist. Markus Oberrauchs Darstellung eines von allgegenwärtiger Geschmacklosigkeit in die Bipolarität getriebenen Küchenchefs etwa ist nicht weniger als eine große Charakterstudie. Auch, dass nicht jede Pointe glänzt, hat Methode. Gerade betont schlechte Witze wollen großspurig serviert werden. Darin liegt, wenn man so will, der Witz zweiter Ordnung.
Dass etwa ein faschistischer Massenmörder, für den sich selbst in der Hölle kein Marterplätzchen fand, „Ein bisschen Gas muss sein“ anstimmt, wäre für sich genommen unverzeihlich plump. Der Kontext, in dem er das tut aber, ist unheimlich und unheimlich gescheit: Vorgeführt wird die betäubende Kraft einer festzelttauglichen Spaßkultur, die Verharmlosung feiert und Vergessen forciert. Wie gesagt: „Fein-R.I.P.“ sollte man ziemlich ernst nehmen.

Shakespeare, die Bibel und Grimms Märchen, Der Rippenhof:
All das  haben die Mannen vom Feinripp-Ensemble bereits lustvoll verarztet.
Jetzt wagt sich das Trio ins Ernste -Fach.
Es wird sogar todernst.
und das wie immer: In Feinripp-Unterhosen.

R.I.P.
um genau zu sein: FEIN - R.I.P.
oder doch wieder  FEIN-RIPP? 
Ja und? 
Guat? 
Sauguat!

FeinRipp sind:
Thomas Gassner
Bernhard Wolf
Markus Oberrauch

Regie: JOhannes Gabl
Ausstattung: Andrea Kuprian

Markus, Börny und Tom wollen die Tür zum Jenseits aufzustossen,
über den Styx schwimmen - um in der Unterwelt ihre Abenteuer zu bestehen.
​Zu diesem Zweck müssen sie natürlich sterben. 
Nach vier erfolgreichen Produktionen haben wir uns entschieden, uns einem ernsten und uns alle betreffenden Thema zu widmen. Wie immer spielen wir zu dritt alle Figuren. Da wir versuchen uns ständig weiter zu entwickeln und neues auszuprobieren, haben wir für diesen Abend vor, uns erstmals auch ins Figurentheaterfach zu wagen, und es mit dem „Feinripp-Theater“ zu verbinden.
Ihre Seelen treten aus ihren Leibern und machen sich auf die Reise. Ihre zurückgebliebenen Hüllen werden die Puppen sein, die wir selber in Handarbeit gestalten werden. Immer wieder werden diese Figuren bespielt, wenn wir durch Rückblenden auf die Erde zurückkehren.
Die Ausstattung wird in bewährter Manier von Andrea Kuprian gestaltet. Die Regie wird zum zweiten mal Johannes Gabl übernehmen. 
Bespielt wird wie immer der Turm des Innsbrucker Treibhauses, unsere Heimspielstätte.

Dieses Konzept erlaubt uns eine breite Schau ins Unbewusste der menschlichen Seele und die Begegnung nicht nur mit den Figuren selbst, sondern auch mit allen historischen Menschen, die uns interessant erscheinen. Die Herangehensweise wird natürlich eine humoristisch-kabarettistische sein.
Fein gerippt eben.

VOR DER PREMIERE - Joachim Leitner in der TT

Feinripp-Ensemble: Herumeiern mit dem Tod

Sich beim Scheitern an großen Vorhaben zuschauen lassen: Das Feinripp-Ensemble feiert seinen 10. Geburtstag. Sein neues Stück „Fein-R.I.P.“ kommt heute Abend im Innsbrucker Treibhaus zur Uraufführung.

Innsbruck – Geplant war alles ganz anders. 2008 setzten die Tiroler Volksschauspiele Telfs „Shakespeares sämtliche Werke“ auf den Spielplan. Doch von den drei Schauspielern, die Regisseurin Susi Weber vorschwebten, sagte nur einer zu. Neben Bernhard Wolf wurden letztlich Thomas Gassner und Markus Oberrauch engagiert. Gassner verzichtete dafür auf einen Part in der damaligen Telfer Hauptproduktion „Herr Puntila und sein Knecht Matti“. Doch noch vor der Premiere bekam das Trio ihr Fett weg. „Nach der Hauptprobe wurde geraunzt. Grundtenor: So kann man das nicht machen“, erinnert sich Thomas Gassner. Aber der Erfolg strafte voreilige Kritiker Lügen. Der irrwitzige Ritt durch Shakespeares Welttheater mauserte sich zum Hit. Die Wiederaufnahme im Jahr darauf galt ausgemacht – und wurde kurzfristig gecancelt. Obwohl es mit der langjährigen Leiterin der Volksschauspiele eine wortmächtige Fürsprecherin gab. „Ruth hat uns gedrängt, weiterzumachen“, sagt Bernhard Wolf, „also sind wir ins Nachbardorf gegangen.“ „Gerettet hat uns letztlich Treibhaus-Chef Norbert Pleifer, der uns nach den Auftritten in Oberhofen in Innsbruck eine leistbare Spielstätte bot“, ergänzt Gassner. Im Treibhaus wurde aus den drei Schauspielern in Unterwäsche endgültig das Feinripp-Ensemble. Wobei es Name und Kostüm Andrea Kuprian verdankt. „Gefragt war ein Basiskostüm, dem man schnell etwas überziehen kann. Also hab’ ich eine Handvoll Unterhosen von zuhause mitgenommen“, erinnern sich die Aussteller. „Andrea ist das vierte Feinripp-Mitglied, unsere Fehlervermeidungssoftware. Sie hört sich unsere Ideen an und sagt uns, wenn wir Blödsinn machen“, erklärt Markus Oberrauch.

Mit ihrer zweiten Produktion setzten die Feinrippler den Erfolgszug fort – und schärften die dazugehörige Erfolgsformel. „Es gibt zwar ein Stück, das ‚Die Bibel, leicht gekürzt‘ heißt, aber damit konnten wir nichts anfangen, also haben wir uns mit Kinderbibeln eingedeckt, daraus ein Stück gemacht – und uns selbst ins Stück hineingeschrieben“, so Oberrauch. „Wir sind Schauspieler, die Schauspieler spielen, die sich permanent Großes vornehmen und sich beim Scheitern zuschauen lassen“, ergänzt Gassner. „Das Publikum mag es, uns beim Scheitern zuzuschauen“, ist Wolf überzeugt. Und die Zahlen geben ihm Recht: Nicht nur in Tirol, wo bislang mehr als 65.000 Besucher bei Feinripp-Aufführungen gezählt wurden, sondern auch in Wien. Dort allerdings nach schaumgebremstem Start: „Dem ruhmreichen Kabarett Simpl waren wir zu intellektuell“, sagt Bernhard Wolf. Inzwischen sei man aber auch in der Hauptstadt heimisch geworden: Die jüngsten Auftritte im Kleinkunsttheater Aera sind durchwegs ausverkauft gewesen.
Mit vollem Haus rechnet das Feinripp-Ensemble heute auch im Innsbrucker Treibhaus, wo um 20 Uhr die Uraufführung ihrer neuen Produktion „Fein-R.I.P.“ über die Bühne geht. In der Regie von Johannes Gabl – übrigens einer der beiden Schauspieler, die 2008 anderweitig beschäftigt waren – wollen sich Thomas Gassner, Markus Oberrauch und Bernhard Wolf zum 10. Geburtstag ihres Ensembles einem ganz großen Thema widmen. „Es geht, der Titel deutet es an, um den Tod“, sagt Gassner. Und der will ernst genommen werden: „Das Stück folgt einem streng postdramatischen Ansatz, ist eher Performance als klassisches Sprechtheater“, erklärt er. „Jedenfalls in der Theorie“, wirft Bernhard Wolf ein, „denn beim Herumeiern mit dem Tod geht es drunter und drüber.“ Es dürfte also einmal mehr ziemlich lustig werden, wenn sich die drei Schauspieler in feingerippte Liebestöter schmeißen.
Über den Inhalt von „Fein-R.I.P.“ hält sich das Trio noch bedeckt. Gassner: „Sagen wir so, wir beginnen mit einer bestialischen Abschlachtung – und steigern uns langsam.“

NACH DER PREMIERE - JOACHIM LEITNER in der TT

Im Hades ist die Hölle los

Die Kraft brillant gespielten Blödsinns: Mit „Fein-R.I.P.“ verschlägt es das Feinripp-Ensemble zum runden Geburtstag in die Unterwelt.
Mit „Fein-R.I.P.“ geht das Feinripp-Ensemble in sein 10. Jahr. Offiziell gefeiert wird am 22. Dezember mit einem „Worst-of“ im Treibhaus.

Parodie funktioniert nur, wenn das, was aus- und bisweilen bloßgestellt werden soll, ernst genommen wird. Das, daran besteht kein Zweifel, ist dem Feinripp-Ensemble bewusst. „Fein-R.I.P.“, das neue Stück der „Unterhosen-Gang“ wurde am Donnerstagabend im Innsbrucker Treibhaus uraufgeführt. Und es beginnt ernst. Als auf die Bühne gewuchtete Textflächen: Postdramatik wie aus dem Lehrbuch. Erdenschwere Gesten und Sätze. Es geht um alles. Um irgendwas Abgründiges. Wahlweise um Biblisches oder David Bowie, um einen Lazarus jedenfalls. Und um verschrumpelte Testikel. Und um die Apokalypse: „Wenn die Bienen sterben, sterben die Menschen.“ Davor aber stirbt ein Biber – wohl recht blutig, aber diskret hinter dem Vorhang. Dann gehen Markus (Markus Oberrauch) und Tom (Thomas Gassner) drauf. Auch die Urlaubsvertretung des Schwarzen Mannes versteht keinen Spaß. Zwei von drei Feinrippträgern gehen also auf Hellness-Kur in die Unterwelt.
Der dritte, Börnie (Bernhard Wolf), bleibt im Diesseits: allein, verzweifelt, hochprofessionell. Schließlich muss die Show weitergehen. Notfalls mit feingerippten Sockenpuppen. Oder mit halbgaren Theaterpädagogen und halbseidenen TV-Darstellern. Kurzum: Die postmoderne Bedeutungshuberei („Hülle ohne Fülle“) weicht irrwitzigem Durcheinander: Das Hellnesshotel Hadesblick erstickt in Bürokratie, die Belegschaft poltert, der Boandlkramer sitzt in der Sauna.
Dass dem vorzeitigen Ableben von Markus und Tom ein Fehler vorausging, der rückgängig gemacht werden soll, wird zum roten Faden. Regisseur Johannes Gabl knüpft – in höllischem Tempo – grelle Gags daran und choreografiert schwindelerregende Szenenwechsel. Als äußerst mobiles Mobiliar (Ausstattung: Andrea Kuprian) reichen ein roter Vorhang und ein Kastenkoffer. Trotzdem gibt es dauernd Neues zu entdecken. Auch weil der Blödsinn brillant gespielt ist. Markus Oberrauchs Darstellung eines von allgegenwärtiger Geschmacklosigkeit in die Bipolarität getriebenen Küchenchefs etwa ist nicht weniger als eine große Charakterstudie. Auch, dass nicht jede Pointe glänzt, hat Methode. Gerade betont schlechte Witze wollen großspurig serviert werden. Darin liegt, wenn man so will, der Witz zweiter Ordnung.
Dass etwa ein faschistischer Massenmörder, für den sich selbst in der Hölle kein Marterplätzchen fand, „Ein bisschen Gas muss sein“ anstimmt, wäre für sich genommen unverzeihlich plump. Der Kontext, in dem er das tut aber, ist unheimlich und unheimlich gescheit: Vorgeführt wird die betäubende Kraft einer festzelttauglichen Spaßkultur, die Verharmlosung feiert und Vergessen forciert. Wie gesagt: „Fein-R.I.P.“ sollte man ziemlich ernst nehmen.

Er wird wohl mit dem Radl kommen und nicht radlos wieder gehen: Da Bürgameischta kimmt zur Sprechstund ins Treibhaus. Wir werden interessante bis lästige Fragen stellen, das ein oder andere  Video einspielen und mit dem Publikum die Innsbrucker Version von "Stadt, Land, Fluss" spielen. Das wird interessant samt Unter&Haltung. Hoffen wir. Eintritt frei, Singen untersagt.

Shakespeare, die Bibel und Grimms Märchen, Der Rippenhof:
All das  haben die Mannen vom Feinripp-Ensemble bereits lustvoll verarztet.
Jetzt wagt sich das Trio ins Ernste -Fach.
Es wird sogar todernst.
und das wie immer: In Feinripp-Unterhosen.

R.I.P.
um genau zu sein: FEIN - R.I.P.
oder doch wieder  FEIN-RIPP? 
Ja und? 
Guat? 
Sauguat!

FeinRipp sind:
Thomas Gassner
Bernhard Wolf
Markus Oberrauch

Regie: JOhannes Gabl
Ausstattung: Andrea Kuprian

Markus, Börny und Tom wollen die Tür zum Jenseits aufzustossen,
über den Styx schwimmen - um in der Unterwelt ihre Abenteuer zu bestehen.
​Zu diesem Zweck müssen sie natürlich sterben. 
Nach vier erfolgreichen Produktionen haben wir uns entschieden, uns einem ernsten und uns alle betreffenden Thema zu widmen. Wie immer spielen wir zu dritt alle Figuren. Da wir versuchen uns ständig weiter zu entwickeln und neues auszuprobieren, haben wir für diesen Abend vor, uns erstmals auch ins Figurentheaterfach zu wagen, und es mit dem „Feinripp-Theater“ zu verbinden.
Ihre Seelen treten aus ihren Leibern und machen sich auf die Reise. Ihre zurückgebliebenen Hüllen werden die Puppen sein, die wir selber in Handarbeit gestalten werden. Immer wieder werden diese Figuren bespielt, wenn wir durch Rückblenden auf die Erde zurückkehren.
Die Ausstattung wird in bewährter Manier von Andrea Kuprian gestaltet. Die Regie wird zum zweiten mal Johannes Gabl übernehmen. 
Bespielt wird wie immer der Turm des Innsbrucker Treibhauses, unsere Heimspielstätte.

Dieses Konzept erlaubt uns eine breite Schau ins Unbewusste der menschlichen Seele und die Begegnung nicht nur mit den Figuren selbst, sondern auch mit allen historischen Menschen, die uns interessant erscheinen. Die Herangehensweise wird natürlich eine humoristisch-kabarettistische sein.
Fein gerippt eben.

VOR DER PREMIERE - Joachim Leitner in der TT

Feinripp-Ensemble: Herumeiern mit dem Tod

Sich beim Scheitern an großen Vorhaben zuschauen lassen: Das Feinripp-Ensemble feiert seinen 10. Geburtstag. Sein neues Stück „Fein-R.I.P.“ kommt heute Abend im Innsbrucker Treibhaus zur Uraufführung.

Innsbruck – Geplant war alles ganz anders. 2008 setzten die Tiroler Volksschauspiele Telfs „Shakespeares sämtliche Werke“ auf den Spielplan. Doch von den drei Schauspielern, die Regisseurin Susi Weber vorschwebten, sagte nur einer zu. Neben Bernhard Wolf wurden letztlich Thomas Gassner und Markus Oberrauch engagiert. Gassner verzichtete dafür auf einen Part in der damaligen Telfer Hauptproduktion „Herr Puntila und sein Knecht Matti“. Doch noch vor der Premiere bekam das Trio ihr Fett weg. „Nach der Hauptprobe wurde geraunzt. Grundtenor: So kann man das nicht machen“, erinnert sich Thomas Gassner. Aber der Erfolg strafte voreilige Kritiker Lügen. Der irrwitzige Ritt durch Shakespeares Welttheater mauserte sich zum Hit. Die Wiederaufnahme im Jahr darauf galt ausgemacht – und wurde kurzfristig gecancelt. Obwohl es mit der langjährigen Leiterin der Volksschauspiele eine wortmächtige Fürsprecherin gab. „Ruth hat uns gedrängt, weiterzumachen“, sagt Bernhard Wolf, „also sind wir ins Nachbardorf gegangen.“ „Gerettet hat uns letztlich Treibhaus-Chef Norbert Pleifer, der uns nach den Auftritten in Oberhofen in Innsbruck eine leistbare Spielstätte bot“, ergänzt Gassner. Im Treibhaus wurde aus den drei Schauspielern in Unterwäsche endgültig das Feinripp-Ensemble. Wobei es Name und Kostüm Andrea Kuprian verdankt. „Gefragt war ein Basiskostüm, dem man schnell etwas überziehen kann. Also hab’ ich eine Handvoll Unterhosen von zuhause mitgenommen“, erinnern sich die Aussteller. „Andrea ist das vierte Feinripp-Mitglied, unsere Fehlervermeidungssoftware. Sie hört sich unsere Ideen an und sagt uns, wenn wir Blödsinn machen“, erklärt Markus Oberrauch.

Mit ihrer zweiten Produktion setzten die Feinrippler den Erfolgszug fort – und schärften die dazugehörige Erfolgsformel. „Es gibt zwar ein Stück, das ‚Die Bibel, leicht gekürzt‘ heißt, aber damit konnten wir nichts anfangen, also haben wir uns mit Kinderbibeln eingedeckt, daraus ein Stück gemacht – und uns selbst ins Stück hineingeschrieben“, so Oberrauch. „Wir sind Schauspieler, die Schauspieler spielen, die sich permanent Großes vornehmen und sich beim Scheitern zuschauen lassen“, ergänzt Gassner. „Das Publikum mag es, uns beim Scheitern zuzuschauen“, ist Wolf überzeugt. Und die Zahlen geben ihm Recht: Nicht nur in Tirol, wo bislang mehr als 65.000 Besucher bei Feinripp-Aufführungen gezählt wurden, sondern auch in Wien. Dort allerdings nach schaumgebremstem Start: „Dem ruhmreichen Kabarett Simpl waren wir zu intellektuell“, sagt Bernhard Wolf. Inzwischen sei man aber auch in der Hauptstadt heimisch geworden: Die jüngsten Auftritte im Kleinkunsttheater Aera sind durchwegs ausverkauft gewesen.
Mit vollem Haus rechnet das Feinripp-Ensemble heute auch im Innsbrucker Treibhaus, wo um 20 Uhr die Uraufführung ihrer neuen Produktion „Fein-R.I.P.“ über die Bühne geht. In der Regie von Johannes Gabl – übrigens einer der beiden Schauspieler, die 2008 anderweitig beschäftigt waren – wollen sich Thomas Gassner, Markus Oberrauch und Bernhard Wolf zum 10. Geburtstag ihres Ensembles einem ganz großen Thema widmen. „Es geht, der Titel deutet es an, um den Tod“, sagt Gassner. Und der will ernst genommen werden: „Das Stück folgt einem streng postdramatischen Ansatz, ist eher Performance als klassisches Sprechtheater“, erklärt er. „Jedenfalls in der Theorie“, wirft Bernhard Wolf ein, „denn beim Herumeiern mit dem Tod geht es drunter und drüber.“ Es dürfte also einmal mehr ziemlich lustig werden, wenn sich die drei Schauspieler in feingerippte Liebestöter schmeißen.
Über den Inhalt von „Fein-R.I.P.“ hält sich das Trio noch bedeckt. Gassner: „Sagen wir so, wir beginnen mit einer bestialischen Abschlachtung – und steigern uns langsam.“

NACH DER PREMIERE - JOACHIM LEITNER in der TT

Im Hades ist die Hölle los

Die Kraft brillant gespielten Blödsinns: Mit „Fein-R.I.P.“ verschlägt es das Feinripp-Ensemble zum runden Geburtstag in die Unterwelt.
Mit „Fein-R.I.P.“ geht das Feinripp-Ensemble in sein 10. Jahr. Offiziell gefeiert wird am 22. Dezember mit einem „Worst-of“ im Treibhaus.

Parodie funktioniert nur, wenn das, was aus- und bisweilen bloßgestellt werden soll, ernst genommen wird. Das, daran besteht kein Zweifel, ist dem Feinripp-Ensemble bewusst. „Fein-R.I.P.“, das neue Stück der „Unterhosen-Gang“ wurde am Donnerstagabend im Innsbrucker Treibhaus uraufgeführt. Und es beginnt ernst. Als auf die Bühne gewuchtete Textflächen: Postdramatik wie aus dem Lehrbuch. Erdenschwere Gesten und Sätze. Es geht um alles. Um irgendwas Abgründiges. Wahlweise um Biblisches oder David Bowie, um einen Lazarus jedenfalls. Und um verschrumpelte Testikel. Und um die Apokalypse: „Wenn die Bienen sterben, sterben die Menschen.“ Davor aber stirbt ein Biber – wohl recht blutig, aber diskret hinter dem Vorhang. Dann gehen Markus (Markus Oberrauch) und Tom (Thomas Gassner) drauf. Auch die Urlaubsvertretung des Schwarzen Mannes versteht keinen Spaß. Zwei von drei Feinrippträgern gehen also auf Hellness-Kur in die Unterwelt.
Der dritte, Börnie (Bernhard Wolf), bleibt im Diesseits: allein, verzweifelt, hochprofessionell. Schließlich muss die Show weitergehen. Notfalls mit feingerippten Sockenpuppen. Oder mit halbgaren Theaterpädagogen und halbseidenen TV-Darstellern. Kurzum: Die postmoderne Bedeutungshuberei („Hülle ohne Fülle“) weicht irrwitzigem Durcheinander: Das Hellnesshotel Hadesblick erstickt in Bürokratie, die Belegschaft poltert, der Boandlkramer sitzt in der Sauna.
Dass dem vorzeitigen Ableben von Markus und Tom ein Fehler vorausging, der rückgängig gemacht werden soll, wird zum roten Faden. Regisseur Johannes Gabl knüpft – in höllischem Tempo – grelle Gags daran und choreografiert schwindelerregende Szenenwechsel. Als äußerst mobiles Mobiliar (Ausstattung: Andrea Kuprian) reichen ein roter Vorhang und ein Kastenkoffer. Trotzdem gibt es dauernd Neues zu entdecken. Auch weil der Blödsinn brillant gespielt ist. Markus Oberrauchs Darstellung eines von allgegenwärtiger Geschmacklosigkeit in die Bipolarität getriebenen Küchenchefs etwa ist nicht weniger als eine große Charakterstudie. Auch, dass nicht jede Pointe glänzt, hat Methode. Gerade betont schlechte Witze wollen großspurig serviert werden. Darin liegt, wenn man so will, der Witz zweiter Ordnung.
Dass etwa ein faschistischer Massenmörder, für den sich selbst in der Hölle kein Marterplätzchen fand, „Ein bisschen Gas muss sein“ anstimmt, wäre für sich genommen unverzeihlich plump. Der Kontext, in dem er das tut aber, ist unheimlich und unheimlich gescheit: Vorgeführt wird die betäubende Kraft einer festzelttauglichen Spaßkultur, die Verharmlosung feiert und Vergessen forciert. Wie gesagt: „Fein-R.I.P.“ sollte man ziemlich ernst nehmen.

Shakespeare, die Bibel und Grimms Märchen, Der Rippenhof:
All das  haben die Mannen vom Feinripp-Ensemble bereits lustvoll verarztet.
Jetzt wagt sich das Trio ins Ernste -Fach.
Es wird sogar todernst.
und das wie immer: In Feinripp-Unterhosen.

R.I.P.
um genau zu sein: FEIN - R.I.P.
oder doch wieder  FEIN-RIPP? 
Ja und? 
Guat? 
Sauguat!

FeinRipp sind:
Thomas Gassner
Bernhard Wolf
Markus Oberrauch

Regie: JOhannes Gabl
Ausstattung: Andrea Kuprian

Markus, Börny und Tom wollen die Tür zum Jenseits aufzustossen,
über den Styx schwimmen - um in der Unterwelt ihre Abenteuer zu bestehen.
​Zu diesem Zweck müssen sie natürlich sterben. 
Nach vier erfolgreichen Produktionen haben wir uns entschieden, uns einem ernsten und uns alle betreffenden Thema zu widmen. Wie immer spielen wir zu dritt alle Figuren. Da wir versuchen uns ständig weiter zu entwickeln und neues auszuprobieren, haben wir für diesen Abend vor, uns erstmals auch ins Figurentheaterfach zu wagen, und es mit dem „Feinripp-Theater“ zu verbinden.
Ihre Seelen treten aus ihren Leibern und machen sich auf die Reise. Ihre zurückgebliebenen Hüllen werden die Puppen sein, die wir selber in Handarbeit gestalten werden. Immer wieder werden diese Figuren bespielt, wenn wir durch Rückblenden auf die Erde zurückkehren.
Die Ausstattung wird in bewährter Manier von Andrea Kuprian gestaltet. Die Regie wird zum zweiten mal Johannes Gabl übernehmen. 
Bespielt wird wie immer der Turm des Innsbrucker Treibhauses, unsere Heimspielstätte.

Dieses Konzept erlaubt uns eine breite Schau ins Unbewusste der menschlichen Seele und die Begegnung nicht nur mit den Figuren selbst, sondern auch mit allen historischen Menschen, die uns interessant erscheinen. Die Herangehensweise wird natürlich eine humoristisch-kabarettistische sein.
Fein gerippt eben.

VOR DER PREMIERE - Joachim Leitner in der TT

Feinripp-Ensemble: Herumeiern mit dem Tod

Sich beim Scheitern an großen Vorhaben zuschauen lassen: Das Feinripp-Ensemble feiert seinen 10. Geburtstag. Sein neues Stück „Fein-R.I.P.“ kommt heute Abend im Innsbrucker Treibhaus zur Uraufführung.

Innsbruck – Geplant war alles ganz anders. 2008 setzten die Tiroler Volksschauspiele Telfs „Shakespeares sämtliche Werke“ auf den Spielplan. Doch von den drei Schauspielern, die Regisseurin Susi Weber vorschwebten, sagte nur einer zu. Neben Bernhard Wolf wurden letztlich Thomas Gassner und Markus Oberrauch engagiert. Gassner verzichtete dafür auf einen Part in der damaligen Telfer Hauptproduktion „Herr Puntila und sein Knecht Matti“. Doch noch vor der Premiere bekam das Trio ihr Fett weg. „Nach der Hauptprobe wurde geraunzt. Grundtenor: So kann man das nicht machen“, erinnert sich Thomas Gassner. Aber der Erfolg strafte voreilige Kritiker Lügen. Der irrwitzige Ritt durch Shakespeares Welttheater mauserte sich zum Hit. Die Wiederaufnahme im Jahr darauf galt ausgemacht – und wurde kurzfristig gecancelt. Obwohl es mit der langjährigen Leiterin der Volksschauspiele eine wortmächtige Fürsprecherin gab. „Ruth hat uns gedrängt, weiterzumachen“, sagt Bernhard Wolf, „also sind wir ins Nachbardorf gegangen.“ „Gerettet hat uns letztlich Treibhaus-Chef Norbert Pleifer, der uns nach den Auftritten in Oberhofen in Innsbruck eine leistbare Spielstätte bot“, ergänzt Gassner. Im Treibhaus wurde aus den drei Schauspielern in Unterwäsche endgültig das Feinripp-Ensemble. Wobei es Name und Kostüm Andrea Kuprian verdankt. „Gefragt war ein Basiskostüm, dem man schnell etwas überziehen kann. Also hab’ ich eine Handvoll Unterhosen von zuhause mitgenommen“, erinnern sich die Aussteller. „Andrea ist das vierte Feinripp-Mitglied, unsere Fehlervermeidungssoftware. Sie hört sich unsere Ideen an und sagt uns, wenn wir Blödsinn machen“, erklärt Markus Oberrauch.

Mit ihrer zweiten Produktion setzten die Feinrippler den Erfolgszug fort – und schärften die dazugehörige Erfolgsformel. „Es gibt zwar ein Stück, das ‚Die Bibel, leicht gekürzt‘ heißt, aber damit konnten wir nichts anfangen, also haben wir uns mit Kinderbibeln eingedeckt, daraus ein Stück gemacht – und uns selbst ins Stück hineingeschrieben“, so Oberrauch. „Wir sind Schauspieler, die Schauspieler spielen, die sich permanent Großes vornehmen und sich beim Scheitern zuschauen lassen“, ergänzt Gassner. „Das Publikum mag es, uns beim Scheitern zuzuschauen“, ist Wolf überzeugt. Und die Zahlen geben ihm Recht: Nicht nur in Tirol, wo bislang mehr als 65.000 Besucher bei Feinripp-Aufführungen gezählt wurden, sondern auch in Wien. Dort allerdings nach schaumgebremstem Start: „Dem ruhmreichen Kabarett Simpl waren wir zu intellektuell“, sagt Bernhard Wolf. Inzwischen sei man aber auch in der Hauptstadt heimisch geworden: Die jüngsten Auftritte im Kleinkunsttheater Aera sind durchwegs ausverkauft gewesen.
Mit vollem Haus rechnet das Feinripp-Ensemble heute auch im Innsbrucker Treibhaus, wo um 20 Uhr die Uraufführung ihrer neuen Produktion „Fein-R.I.P.“ über die Bühne geht. In der Regie von Johannes Gabl – übrigens einer der beiden Schauspieler, die 2008 anderweitig beschäftigt waren – wollen sich Thomas Gassner, Markus Oberrauch und Bernhard Wolf zum 10. Geburtstag ihres Ensembles einem ganz großen Thema widmen. „Es geht, der Titel deutet es an, um den Tod“, sagt Gassner. Und der will ernst genommen werden: „Das Stück folgt einem streng postdramatischen Ansatz, ist eher Performance als klassisches Sprechtheater“, erklärt er. „Jedenfalls in der Theorie“, wirft Bernhard Wolf ein, „denn beim Herumeiern mit dem Tod geht es drunter und drüber.“ Es dürfte also einmal mehr ziemlich lustig werden, wenn sich die drei Schauspieler in feingerippte Liebestöter schmeißen.
Über den Inhalt von „Fein-R.I.P.“ hält sich das Trio noch bedeckt. Gassner: „Sagen wir so, wir beginnen mit einer bestialischen Abschlachtung – und steigern uns langsam.“

NACH DER PREMIERE - JOACHIM LEITNER in der TT

Im Hades ist die Hölle los

Die Kraft brillant gespielten Blödsinns: Mit „Fein-R.I.P.“ verschlägt es das Feinripp-Ensemble zum runden Geburtstag in die Unterwelt.
Mit „Fein-R.I.P.“ geht das Feinripp-Ensemble in sein 10. Jahr. Offiziell gefeiert wird am 22. Dezember mit einem „Worst-of“ im Treibhaus.

Parodie funktioniert nur, wenn das, was aus- und bisweilen bloßgestellt werden soll, ernst genommen wird. Das, daran besteht kein Zweifel, ist dem Feinripp-Ensemble bewusst. „Fein-R.I.P.“, das neue Stück der „Unterhosen-Gang“ wurde am Donnerstagabend im Innsbrucker Treibhaus uraufgeführt. Und es beginnt ernst. Als auf die Bühne gewuchtete Textflächen: Postdramatik wie aus dem Lehrbuch. Erdenschwere Gesten und Sätze. Es geht um alles. Um irgendwas Abgründiges. Wahlweise um Biblisches oder David Bowie, um einen Lazarus jedenfalls. Und um verschrumpelte Testikel. Und um die Apokalypse: „Wenn die Bienen sterben, sterben die Menschen.“ Davor aber stirbt ein Biber – wohl recht blutig, aber diskret hinter dem Vorhang. Dann gehen Markus (Markus Oberrauch) und Tom (Thomas Gassner) drauf. Auch die Urlaubsvertretung des Schwarzen Mannes versteht keinen Spaß. Zwei von drei Feinrippträgern gehen also auf Hellness-Kur in die Unterwelt.
Der dritte, Börnie (Bernhard Wolf), bleibt im Diesseits: allein, verzweifelt, hochprofessionell. Schließlich muss die Show weitergehen. Notfalls mit feingerippten Sockenpuppen. Oder mit halbgaren Theaterpädagogen und halbseidenen TV-Darstellern. Kurzum: Die postmoderne Bedeutungshuberei („Hülle ohne Fülle“) weicht irrwitzigem Durcheinander: Das Hellnesshotel Hadesblick erstickt in Bürokratie, die Belegschaft poltert, der Boandlkramer sitzt in der Sauna.
Dass dem vorzeitigen Ableben von Markus und Tom ein Fehler vorausging, der rückgängig gemacht werden soll, wird zum roten Faden. Regisseur Johannes Gabl knüpft – in höllischem Tempo – grelle Gags daran und choreografiert schwindelerregende Szenenwechsel. Als äußerst mobiles Mobiliar (Ausstattung: Andrea Kuprian) reichen ein roter Vorhang und ein Kastenkoffer. Trotzdem gibt es dauernd Neues zu entdecken. Auch weil der Blödsinn brillant gespielt ist. Markus Oberrauchs Darstellung eines von allgegenwärtiger Geschmacklosigkeit in die Bipolarität getriebenen Küchenchefs etwa ist nicht weniger als eine große Charakterstudie. Auch, dass nicht jede Pointe glänzt, hat Methode. Gerade betont schlechte Witze wollen großspurig serviert werden. Darin liegt, wenn man so will, der Witz zweiter Ordnung.
Dass etwa ein faschistischer Massenmörder, für den sich selbst in der Hölle kein Marterplätzchen fand, „Ein bisschen Gas muss sein“ anstimmt, wäre für sich genommen unverzeihlich plump. Der Kontext, in dem er das tut aber, ist unheimlich und unheimlich gescheit: Vorgeführt wird die betäubende Kraft einer festzelttauglichen Spaßkultur, die Verharmlosung feiert und Vergessen forciert. Wie gesagt: „Fein-R.I.P.“ sollte man ziemlich ernst nehmen.

Der Nino aus Wien hat viel vor – nach Amadeus 2016, mehreren Nummer Eins-Hits in den FM4-Charts (u.a. dem „Praterlied“) und begeisternden Konzerten im ganzen deutschen Sprachraum folgt nun ein Album mit „großen Liedern“.
Solchen, die bleiben sollen. Im Treibhaus präsentiert er – mit seiner bewährten, seit 10 Jahren unveränderten Band – das brandneue Album mit dem programmatischen Titel „Der Nino aus Wien“, produziert von Paul Gallister (Wanda, Conchita uva.). 
Für den Falter ist er immer noch „der beste Liedermacher seiner Generation“.
Oder auch der „Bob Dylan vom Praterstern“.

****

Nino Mandl: voc, guit
Raphael Sas: voc, guit, piano
pauT: Voc, bass, clarinet
David Wukitsevits: drums, voc

*****

Seit einigen Jahren schleicht durch die Hauptstadt ein junger Mann, dem nachgesagt wird, die heimische Musikszene mächtig aufgerüttelt zu haben. Dank ihm feiert das sogenannte „Wienerlied“ nach jahrelanger Abstinenz endlich wieder ein Comeback. Doch hört man die spezifische Volkslied-Gattung diesmal ausnahmsweise nicht in den traditionellen Heurigenlokalen, wo ausschließlich der besoffene Tourist auf die Kosten höchsten Entertainments kommt, nein diesmal präsentiert sich das österreichische Kulturgut in Clubs und Szenebeisln, wo man stehend, mit Tschick in der einen und dem Bier in der anderen Hand auf die Bühne stiert, um nur ihm Aufmerksamkeit zu schenken: Dem Nino aus Wien.

Das Wiener Original, noch mitten im Twen-Alter, wird nicht zufällig gerne mit dem jungen André Heller verglichen. Als Liedermacher und Literat, tritt Nino als wortkarge und reservierte Persönlichkeit zu Tage, von der man kaum zu glauben vermag, das gerade er freiwillig auf eine Bühne tritt. Umso erstaunlicher, dass Nino in seinen Liedern so viele Worte findet, die unterschiedlichsten Themen anschneidet (von „fuaßboi schaun“ bis zum Protestsongcontest Beitrag „Spinatsong“) und gerade mit der tiefgehenden Herzschmerz-Nummer „Du Oasch“ einen Indie-Hit gelandet hat, der ihn weit über die Grenzen Wiens hinaus bekannt gemacht hat. Was nicht wundert, gilt der Song wohl als eine der schönsten Dialektlieder dieses Jahrtausends.

Nino Mandl, wie er mit gebürtigen Namen heißt, ist in Hirschstetten im 22. Bezirk aufgewachsen und hat sich dort mit einer Gitarre von Hofer das Musizieren und Songschreiben selbst beigebracht. Ob der junge Musiker in seiner Jugend tatsächlich so viel Klebstoff geschnüffelt hat, so wie er es auf der Homepage seines Stammlabels Problembär Records geschrieben steht, sei dahingestellt. Es dürften jedenfalls nicht alle Gehirnzellen dabei zu Schaden gekommen sein, sonst wäre ihm zumindest nach der zweiten Platte der kreative Saft ausgegangen. Zum Glück konnte der Nino aus Wien noch ein paar Akkorde aus dem Kopf ziehen, hat nach den zwei Alben „The Ocelot Show“ und „Down in Albern“, die nur innerhalb eines halben Jahren auf den Markt geworfen wurden, sowie einigen Non-Album Singles, nun vor einigen Wochen sein drittes Werk mit dem Titel „Schwunder“ veröffentlicht. Songmaterial für Konzerte im neuen Jahr gibt es also genug. Und sollte dieses aus irgendeinem Grund doch nicht ausreichen, kann der Wiener auf diverse Coverversionen ausweichen, mit denen er uns schon in den letzten Jahren gezeigt hat, dass er es seinem Publikum keineswegs Rechenschaft schudig ist, ausschließlich auf wienerisch zu singen. Gemeinsam mit der nicht minder bekannten und wohl ebenso introvertiert wirkenden Soap & Skin hat Der Nino aus Wien beispielsweise den Bob Dylan Song „It ain’t me babe“ auf sehr interessante und recht eigenwillige Art und Weise beim Popfest 2010 vorgetragen und mit dem Coversong „ Das kleine Beisl“ wird dem im vergangenen Jahr verstorbenen Entertainer Peter Alexander Tribut gezollt. Wenn schon so viele große Künstler erwähnt werden, darf man auch all die anderen nicht vergessen, die das Jungtalent inspiriert haben und denen es in einigen Liedern huldigt, als da wären „Johnny Ramone“ oder das auf James Joyce basierende Werk „Finnegans Wake“, welches auf dem aktuellen Album zu hören ist.

Der Nino aus Wien hat sich mit seinem Sound- eingegliedert zwischen Folk, Sing-/Songwriting und Austrop- in die Herzen der Österreicher gesungen und wurde zurecht  schon zweimal für den Amadeus-Award nominiert. Dabei steht außer Frage, dass seine kapriziöse, musikalische Herangehensweise eine wichtige Rolle spielt, ja ihn sogar zu einer regelrechten Institution der österreichischen Musikszene macht. Zugegeben, das größte Stimmwunder scheint in Nino nicht zu stecken, trotz allem kann der Hörer nur staunen, wenn es darum geht  die Textstruktur näher zu begutachten. Literarische Konzepte verweben sich gekonnt mit sinistrer, selbstverfasster Poesie. Ein Hauch Wiener Charme („Du Oasch“, “Immer no Oasch“ featuring Skero) gibt dem Ganzen noch den letzten Schliff und es kann sich nur um wenige Jahrzehnte handeln, bis das Nino-Liedgut in einem x-beliebigen Heurigenlokal, von einem x-beliebigen Alleinunterhalter, vor einer x-beliebigen japanischen Touristengruppe rezitiert wird. Bis es soweit ist, darf man sich aber gerne weiterhin ins verrauchte Beisl begeben und dem Original frönen

PRESSESCHNIPSEL

Der beste junge Liedermacher des Landes” stand auf dem Falter-Cover, das Nino Mandl alias Der Nino aus Wien vor genau einem Jahr zierte. Man hätte den heute 25-Jährigen auch als unberechenbarsten, aufgewecktesten, eigensinnigsten oder originellsten Songwriter der jungen österreichischen Musikszene bezeichnen können. Denn Mandl ist kein klassischer Liedhandwerker, sondern ein famoser Popsongerfinder; einer, der ganz konsequent eigene Wege beschreitet.“
Gerhard Stöger, Falter 2012

“Nino Mandl schlug als „Der Nino aus Wien“ ähnlich außerirdisch in der Wiener Musikszene auf wie der junge Bob Dylan einst in Greenwich Village. Der wahre Nino kommt ideal in grüblerischen Juwelen wie „Es geht immer ums Vollenden“ und „Feuer“ raus, in denen er hart an der Kante von illiteratem Ausbruch und I-Ging-Rätselsprüchen wandelt. Da war es wieder, dieses selige Lächeln eines Knaben, der mit einem kleinen Löffel den Ozean ausschöpft.“
Samir Köck, Die Presse 2009

“Bäume”, das bisherige Meisterstück des Musikers … Näher als hier war der österreichische Pop nie an Bob Dylan dran.“
Gerhard Stöger, Falter 2014

„Der Nino aus Wien lockt mit seinen neuen Alben „Bäume“ und „Träume“ in ein faszinierendes Labyrinth der Schrulligkeiten. .. Ein exzellenter Ohrwurm glückte mit dem Song „Die Hütte vor dem Haus“, der ein wenig an den jungen Wolfgang Ambros erinnert. In seinen Texten schafft er das Kunststück, Tristesse und Ereignislosigkeit zum Abenteuer umzudeuten. Den Zauber seiner Kunst macht auch diese gewisse Gefährdetheit aus, die bei seinen Liveauftritten ins Auge sticht. Nino zählt zu den Künstlern, bei denen Niederlagen interessanter sind als die Erfolge der Kollegen. An seiner spinnerten Parallelwelt prallt der Zwang zur Logik genauso ab wie normierte Verhaltensweisen und jeder Erfolgshunger. „Das Wort Erfolg ist nicht in meinem Sprachgebrauch“, beteuert Nino und geht dennoch im Mai auf große Österreich- und Deutschlandtour. Aus den in seinen Songs behutsam aufgefädelten Sonderbarkeiten, vor allem von seiner Seinsgelassenheit kann jeder lernen.“
Samir Köck, Die Presse 2014

„Der Nino aus Wien“ hat bisher acht Alben aufgenommen, in der Regel tritt er mit seiner vierköpfigen Band auf (mit Raphael Sas voc/guit/piano, pauT bass/voc, David Wukitsvits drum/voc), oft auch mit Partnern wie Ernst Molden oder Sir Tralala. Mit Natalie Ofenböck betreibt er auch das Band-Projekt „Krixi, Kraxi und die Kroxn“

Mit dem Amadeus hat es zwar 2015 wieder nicht geklappt, dafür ist er nun aber mit acht Nominierungen ohne Sieg der alleinige Rekordhalter für nominiert gewesen sein ohne je gewonnen zu haben; auch nicht schlecht!

„Der beste junge Liedermacher des Landes” stand auf dem Falter-Cover, das Nino Mandl alias Der Nino aus Wien vor genau einem Jahr zierte. Man hätte den heute 25-Jährigen auch als unberechenbarsten, aufgewecktesten, eigensinnigsten oder originellsten Songwriter der jungen österreichischen Musikszene bezeichnen können. Denn Mandl ist kein klassischer Liedhandwerker, sondern ein famoser Popsongerfinder; einer, der ganz konsequent eigene Wege beschreitet.“
Gerhard Stöger, Falter 2012

“Nino Mandl schlug als „Der Nino aus Wien“ ähnlich außerirdisch in der Wiener Musikszene auf wie der junge Bob Dylan einst in Greenwich Village. Der wahre Nino kommt ideal in grüblerischen Juwelen wie „Es geht immer ums Vollenden“ und „Feuer“ raus, in denen er hart an der Kante von illiteratem Ausbruch und I-Ging-Rätselsprüchen wandelt. Da war es wieder, dieses selige Lächeln eines Knaben, der mit einem kleinen Löffel den Ozean ausschöpft.“
Samir Köck, Die Presse 2009

“Bäume”, das bisherige Meisterstück des Musikers … Näher als hier war der österreichische Pop nie an Bob Dylan dran.“
Gerhard Stöger, Falter 2014

„Der Nino aus Wien lockt mit seinen neuen Alben „Bäume“ und „Träume“ in ein faszinierendes Labyrinth der Schrulligkeiten. .. Ein exzellenter Ohrwurm glückte mit dem Song „Die Hütte vor dem Haus“, der ein wenig an den jungen Wolfgang Ambros erinnert. In seinen Texten schafft er das Kunststück, Tristesse und Ereignislosigkeit zum Abenteuer umzudeuten. Den Zauber seiner Kunst macht auch diese gewisse Gefährdetheit aus, die bei seinen Liveauftritten ins Auge sticht. Nino zählt zu den Künstlern, bei denen Niederlagen interessanter sind als die Erfolge der Kollegen. An seiner spinnerten Parallelwelt prallt der Zwang zur Logik genauso ab wie normierte Verhaltensweisen und jeder Erfolgshunger. „Das Wort Erfolg ist nicht in meinem Sprachgebrauch“, beteuert Nino und geht dennoch im Mai auf große Österreich- und Deutschlandtour. Aus den in seinen Songs behutsam aufgefädelten Sonderbarkeiten, vor allem von seiner Seinsgelassenheit kann jeder lernen.“
Samir Köck, Die Presse 2014

MASCHEK spielen noch einmal ihre besten Clips aus dem Jahr 2018, wie sie in “Willkommen Österreich”, anderswo oder bisher nirgendwo zu sehen waren.
Überarbeitet, runderneuert, remixed oder im Original – jedenfalls immer live und jedesmal neu. Projiziert. Synchronisiert. Improvisiert. Garantiert!

Pressestimmen:
„Wisst ihr, was ich daran so toll finde? Wesentlich inhaltsreicher sind die Gespräche dort tatsächlich nicht.“
(Martin Schulz über maschek im Spiegel, 2017)
“Ein raffiniert und abwechslungsreich verschachteltes Szenario, das Medienspott, Sozialkritik, Politsatire und puren Nonsens zu einem grotesk-schrägen und dabei hochintelligent-gewitzten Spaß vereint.”
(Peter Blau)

MASCHEK spielen noch einmal ihre besten Clips aus dem Jahr 2018, wie sie in “Willkommen Österreich”, anderswo oder bisher nirgendwo zu sehen waren.
Überarbeitet, runderneuert, remixed oder im Original – jedenfalls immer live und jedesmal neu. Projiziert. Synchronisiert. Improvisiert. Garantiert!

Pressestimmen:
„Wisst ihr, was ich daran so toll finde? Wesentlich inhaltsreicher sind die Gespräche dort tatsächlich nicht.“
(Martin Schulz über maschek im Spiegel, 2017)
“Ein raffiniert und abwechslungsreich verschachteltes Szenario, das Medienspott, Sozialkritik, Politsatire und puren Nonsens zu einem grotesk-schrägen und dabei hochintelligent-gewitzten Spaß vereint.”
(Peter Blau)

Es ist bereits das fünfte Mal, dass das TOI’sche Musikjahr im Treibhaus mit einem TOIjahrskonzert eröffnet wird. Anlässlich des freudigen Ereignisses gibt es ein besonderes Jubiläums-Special außermusikalischer Natur. Lassen Sie sich in vielerlei Hinsicht überraschen. Auf a guat’s, nuis Jåhr!

WIR STAATSKÜNSTLER war nicht nur eine TV-Sendung, sondern auch ein, demokratiepolitisch, national-kollektiver Akt der Selbstreinigung und darüber hinaus auch ein ziemlich witziges „Stück“ mit Prolog, Epilog und allem was zu einem Theaterabend dazugehört - inklusive Pause und Jugendgetänke an der Bar.

Säuglinge glauben bekanntlich, daß alles, was aus ihrem Gesichtsfeld verschwindet, für immer weg ist. Erwachsene sollten wissen, daß nicht alles, was aus ihrem Fernseher verschwindet, für immer weg ist.
Die Staatskünstler zum Beispiel haben den Stecken, den ihnen der ORF gegeben hat, umgehend aufgeklaubt und werden ihn ihn nun auf der Bühne dazu benutzen, die österreichische Gegenwart abzuklopfen, sozusagen als Privatkünstler.
Das wird notgedrungen ein etwas exklusiveres Publikumsvergnügen als bisher (Die Herren Scheuba, Maurer und Palfrader müssten mindestens 700 Vorstellungen spielen, um so viele Zuschauer zu erreichen wie mit einer Sendung), weshalb es sich empfiehlt, rechtzeitig Karten zu kaufen.
Die ersten werden die ersten sein!

WIR STAATSKÜNSTLER war nicht nur eine TV-Sendung, sondern auch ein, demokratiepolitisch, national-kollektiver Akt der Selbstreinigung und darüber hinaus auch ein ziemlich witziges „Stück“ mit Prolog, Epilog und allem was zu einem Theaterabend dazugehört - inklusive Pause und Jugendgetänke an der Bar.

Säuglinge glauben bekanntlich, daß alles, was aus ihrem Gesichtsfeld verschwindet, für immer weg ist. Erwachsene sollten wissen, daß nicht alles, was aus ihrem Fernseher verschwindet, für immer weg ist.
Die Staatskünstler zum Beispiel haben den Stecken, den ihnen der ORF gegeben hat, umgehend aufgeklaubt und werden ihn ihn nun auf der Bühne dazu benutzen, die österreichische Gegenwart abzuklopfen, sozusagen als Privatkünstler.
Das wird notgedrungen ein etwas exklusiveres Publikumsvergnügen als bisher (Die Herren Scheuba, Maurer und Palfrader müssten mindestens 700 Vorstellungen spielen, um so viele Zuschauer zu erreichen wie mit einer Sendung), weshalb es sich empfiehlt, rechtzeitig Karten zu kaufen.
Die ersten werden die ersten sein!

„Man sagt ja, die dritte Platte sei die schwerste. So war’s auch.“ 
Aber keine Angst, jetzt kommt keine Story über eine gequälte Künstlerseele. 
Ganz im Gegenteil. Max von Milland ist ein aufgeräumter Typ. Ein gerne lachender, dabei nachdenklicher, geerdeter junger Mann, dem durch die Arbeit an seiner dritten Platte „Bring mi hoam“ viel über sich selbst klar geworden ist. 
„Der größte Konflikt war der Druck, den ich mir selbst gemacht habe“ weiß der aus Brixen/Südtirol stammende Songwriter heute. 

Aber wo kam er her, der Druck? Auf sein Debut-Album „Woher i eigentlich kimm“ (2013 / Universal) folgten u.a. ein Auftritt bei „Inas Nacht“, Tourneen im Vorprogramm der Sportfreunde Stiller und der Söhne Mannheims. Mehr als respektable Resonanz. Aber „für ein Majorlabel halt viel zu wenig“. Fürs zweite Album „Bis dir olls wieder gfollt“ (2015 / 0472 Records) gründete Max daher seine eigene Plattenfirma. „Das lief sehr gut. Ich bin mein eigener Chef - und ich hab’ doppelt so viel Platten verkauft.“ Es folgten ausverkaufte Konzerte in München und Südtirol und als Vorgruppe von a-ha spielte Max von Milland bereits in der Olympiahalle in München.

Trotzdem - vielleicht setzt man sich als deutsch singender Liedermacher in Zeiten, in denen Kollegen Open Air-Bühnen ausverkaufen und die Albumcharts toppen, schnell unter übertriebene Erwartungen? Der Knoten platzte für Max, als er sich von solchen Vorstellungen löste. „Es kann dir ja keiner sagen: Was ist das Erfolgsrezept? Das Einzige, was ich machen kann, ist doch, mich selbst zu verkörpern.“ 
Diese Authentizität, sie ist das, was Max für seine wachsende Zahl von Fans auszeichnet. Deswegen singt Max ja auch in seinem Dialekt - weil das Südtirolerische die Sprache ist, in der er fühlt. In der er nichts verklausuliert oder verändert wiedergibt.

Also konnte es auf seinem dritten Album „Bring mi hoam“ nur um eins gehen: Noch unverfälschter, noch offener zu sein. In den Liedern das zu thematisieren, was ihm wirklich auf der Seele lag. Da gibt es „… und im Kühlschrank meine Schuach“ über die Alzheimer-Erkrankung der Großmutter. Da ist „Herz über Bluat“, die Vorab-Single, das politische Statement, das „Manifest der Menschlichkeit“ gegen den Rechtspopulismus. Da gibt es das schmerzliche „Toal von ins“ über Max’ angespanntes Verhältnis zu seinem Vater - ein Text aber, in dem sich trotzdem jeder von uns darin wiederfinden kann. 

Trotz Max’ konkreter persönlicher Inhalte bleiben die Texte universell. Siehe: Der Titelsong „Bring Mi Hoam“, der ja nicht spezifisch Brixen oder München gilt. „Heimat ist ein Gefühl. Das kann überall sein, wo man sich wohl fühlt. Es kann auch die Partnerin sein oder Freunde.“
So ist das Album „Bring Mi Hoam“ ein so konsequenter wie überzeugender dritter Schritt. In der Selbstfindung und künstlerischen Entwicklung des Liedermachers Max von Milland - und sicherlich auch den steten, organischen Anstieg seines Erfolges betreffend.

MASCHEK spielen noch einmal ihre besten Clips aus dem Jahr 2018, wie sie in “Willkommen Österreich”, anderswo oder bisher nirgendwo zu sehen waren.
Überarbeitet, runderneuert, remixed oder im Original – jedenfalls immer live und jedesmal neu. Projiziert. Synchronisiert. Improvisiert. Garantiert!

Pressestimmen:
„Wisst ihr, was ich daran so toll finde? Wesentlich inhaltsreicher sind die Gespräche dort tatsächlich nicht.“
(Martin Schulz über maschek im Spiegel, 2017)
“Ein raffiniert und abwechslungsreich verschachteltes Szenario, das Medienspott, Sozialkritik, Politsatire und puren Nonsens zu einem grotesk-schrägen und dabei hochintelligent-gewitzten Spaß vereint.”
(Peter Blau)

Wunderbar lakonisch, scheinbar naiv, und doch voll hinterfotzigem Witz“ (Ö1) – In einem Feuerwerk der pointierten Hoffnungslosigkeit gewährt Christoph Fritz Einblicke in seine Lebensgeschichte und Gedankenwelt. Alles begann in einer kleinen ländlichen Gemeinde, in der Veganismus als Einstiegsdroge zur Homosexualität gilt. Seine Kindheit war geprägt von exzessivem Graben und sein Erwachsensein von irgendetwas Anderem. Das seinem Alter hinterher hinkende Gesicht der ständige Begleiter.
Schlussendlich schafft er es sogar, den Bogen soweit in die Gegenwart zu spannen, dass der Pfeil der Wahrheit die Herzen der Zuschauer durchdringt und ihn blutüberströmt auf der Bühne zurücklässt. Oder auch nicht.
Was bleibt ist nichts weiter als die absolute Erkenntnis: Christoph Fritz ist DAS JÜNGSTE GESICHT.

BIOGRAPHIE

Bob Dylan wurde am gleichen Tag geboren wie Christoph Fritz. Aber nicht im selben Jahr.
Im Alter von 21 Jahren wagte sich der unmusikalischere der beiden Zwillinge (Christoph Fritz) zum ersten Mal auf eine Bühne. Einfach so. Ohne Bühnenerfahrung (ausgenommen der misslungenen Kandidatur zum Schulsprecher 2010 und der katastrophalen schauspielerischen Darbietung in der Hauptrolle der Mitternachtseinlage des Maturaballs des Bundesrealgymnasiums Stockerau 2011).
Fanden seine ersten humoristischen Gehversuche noch im Wiener Keller eines australischen Pubs auf Englisch statt, erweiterte er seine Bandbreite bald um die deutsche Muttersprache. Es folgten mehrere Auftritte auf offenen Kabarettbühnen und die Teilnahme an Wettbewerben.
Beim ersten dieser Wettbewerbe, dem Goldenen Neulingsnagel, konnte Fritz die Jury im November 2016 nicht für sich gewinnen; er wurde jedoch Publikumssieger. Manche (er selbst) meinen, das lag vor allem daran, dass er das halbe Publikum persönlich kannte.
Im Zuge des zweiten Wettbewerbs machte er es besser und konnte die begehrte 10. Ennser Kleinkunstkartoffel, die gar nicht wie eine Kartoffel aussieht, im Februar 2017 mit nach Hause nehmen. Und das, obwohl er diesmal niemanden aus dem Publikum kannte.
Das Trauma des dritten, und bislang letzten, Wettbewerbs hat Fritz nahezu unvollständig verarbeitet. Im April 2017 kam er beim 31. Grazer Kleinkunstvogel, dem Rolls Royce unter den hiesigen Nachwuchskabarettpreisen, ins Finale, musste sich dort aber – aus seiner Sicht: leider – geschlagen geben. Immerhin wurde er im Publikumsvoting Zweiter. Die Option einer Gesichtsoperation und des nochmaligen Antritts im darauffolgenden Jahr verwarf Fritz aus diversen Gründen (Kosten).
Über den Umweg dieses dritten und schmerzvollsten Wettbewerbs wurde Fritz Teil des aktuellen Ensembles der Langen Nacht des Kabaretts, mit dem er seit August 2017 auf österreichweiter Tour ist und unzählige (bisher 20) verschiedene Bühnen des Landes mit seiner Präsenz je nach Stimmungslage be- oder entehrt.
Am 30. Jänner 2018 feierte Fritz schließlich die Premiere seines Debütprogramms mit dem Titel „Das Jüngste Gesicht“, wobei das „J“ auch groß zu schreiben ist, was den meisten Veranstaltern aber völlig wurscht ist. Die Premiere glückte wider Erwarten und konnte die Erwartungen erfüllen. Für den Falter bietet er „[…] schwarzen Humor in Perfektion. Ein großartiges Debüt.“ Die Wiener Zeitung sieht „bitterböse Satire mit Babyface-Bonus“. Fritz selbst findet, es handelt sich um sein bislang bestes Debütprogramm.

Am 27. März 2018 trat Fritz in der 2. Staffel des ORF-Stand-up-Formats „Pratersterne“ auf. Obwohl im Fernsehen von einer sechsstelligen Zuschauerzahl gesehen, erkannte ihn bislang nicht eine einzige Person auf der Straße (Stand: 26.10.2018). Aber er übt schon für den Ernstfall.
Christoph Fritz wurde 2018 für sein  Debütprogramm „Das Jüngste Gesicht“,  mit dem Förderpreis des Österreichischen Kabarettpreises ausgezeichnet .

Little Element heißt Lisa Aumaier's Solo-Projekt, welches in Innsbruck beheimatet ist. 
Ihre Musik verbindet Dreampop Sound und Alternative Rock mit schweren elektronischen Beats. Geradeheraus aus ihrer Seele schafft sie eine magische Atmosphäre mit einer salzigen Brise Beachvibes und einer sanften note Melancholie. Live beeindruckt Little Element mit Ihrem Solo Set up als Multi Instrumentalistin und nimmt den Zuhörer auf eine einzigartig, musikalische Reise mit.  Nachdem Lisa mit 17 die Schule abgebrochen hat, reiste sie an die französische Küste um zu schreiben. Mit dem Wellen des Ozeans und ihrer Gitarre schien die Einsamkeit und ihr Herzschmerz zu verschwinden. In dieser sehr produktiven Zeit fing Little Element an sich mit producing auseinanderzusetzen und hat sich mit diversen Nebenjobs ein Homestudio geschaffen. Dabei hat sie sich alle nötigen Skills als Autodidakt angeeignet. Genauso schreibt sie auch ihre Songs nach Gehör und Gefühl. Little Element wurde mit der Veröffentlichung Ihrer DEBÜT EP ,,WATER'' im Sommer 2017 von FM4 zum „Artist of the Month" gekürrt, was nur wenigen Künstlern zuteil wird. Am 22. Juni 2018 erschien ihre Single „The Roads" via dem indie Label Futuresfuture.

SUPPORT: STEPHAN MADER

Ihren ersten Song schrieb sie im Alter von 4 Jahren – kein Wunder: die Mutter, eine japanische Konzert-Pianistin, der Vater ein geadelter US-amerikanischer Funk-Bassist boten ihr den Nährboden für eine nachhaltige Karriere im Musik-Business.
Als Backing-Sängerin machte sie sich einen Namen in der Szene – ob in der Band von Stevie Wonder, John Legend oder Dave Steward. Sie wird zur Gesangspartnerin von Michael Jackson für die „This Is It“ – Tournee – den gemeinsam geplanten Song „I Just Can´t Stop Loving You“ singt sie schließlich solo bei Jacko´s Begräbnisfeierlichkeiten....
Als Mitglied der New Power Generation holt sie Prince in seine Band. Sie ist beim letzten Konzert in Atlanta, GA, sowie bei der Notlandung auf dem Rückweg an seiner Seite - der Rest ist (Musik)-Geschichte...

Gemeinsam in diesem Zeitraum gemachte Tonaufnahmen mit Prince, als Produzent und Musiker, führen schließlich zu Judith Hill´s Debut-Album „Back in Time“. Weltweit veröffentlich wird das Erstlingswerk 2015 auf dem prince-eigenen NPG-Label.
Der oscar-gepriesene Film „20 Feet From Stardom“ des Regisseurs Morgan Neville, bei dem es um die großen Background-Sängerinnen der Musikgeschichte geht , verhilft Judith Hill auch noch zu Grammy-Ehren (für die beste Filmmusik).
Judith Hill's Debütalbum "Back In Time", produziert von und mit Prince, ist 2018 auf NPG Records erschienen. Und ihr zweites Album "Golden Child" wird auch dieses Jahr erscheinen.
2019  geht die Dame mit ihrer honorigen Band (u.a. mit ihrer Mutter an der Hammond-Orgel und ihrem Vater am Bass) erstmals auf Europa-Tournee und wird das Publikum -  verzaubern.

Judith Hill: Vocals Piano, Rhodes, Stompbox, , 
Michiko Hill: Hammond B3 organ, Keyboards (Wayne Shorter, Rufus, Sly Stone), , 
Pee-Wee Hill: Bass (Billy Preston, Jimmy Smith, Sly Stone), 
Tony Maiden: Guitar (Rufus, Ray Charles, Sly Stone), 
Michael White: Drums (Maze/Frankie beverly, George Benson, Steely Dan),
Marcus Anderson: Brass (Prince, Cee Lo, Anthony Hamilton)

In einem Tattoo- und Piercingstudio wartet ein Vater auf seine pubertierende Tochter und berichtet von Freud und Leid, Wahn und Witz mit angehenden Erwachsenen. Während seiner Kindheit wollte er Astronaut werden. Aber die Zukunft hatte andere Pläne für ihn, die Abenteuer im Weltall sind nichts im Vergleich zur Vaterschaft. Konflikte und skurrile Situationen werden auf der Bühne lebendig - und eine große Frage taucht auf:  An welchem Punkt habe ich mich in meinen Vater verwandelt?

Das Stück „Pubertät“ widmet sich dem Thema berührend, mitreißend und humorvoll. Deswegen verwundert es wenig, dass sich Teenager-Gruppen, SchülerInnen und Lehrlinge ebenso begeistert zeigen wie vor allem Eltern und Lehrer, die tröstlich und genussvoll erkennen, dass sie in diesem Ausnahmezustand nicht alleine sind. Kongenial unterstützt von exzellenten Live-Musikern, einer „pubertierenden“ Sängerin und homöopathischen Beruhigungstropfen kämpft sich ein Vater durch den Dschungel Pubertät. Er erforscht diesen mysteriösen Kontinent und die seltsamen Rituale des „Aliens“, das urplötzlich im Körper seiner Tochter haust. Einfühlsam berichtet das Stück über die herausfordernden Erlebnisse mit Pubertierenden, erhellt Konflikte mit tiefgründigen Einsichten und unterhält auf geradezu furios komische Weise. 

"Pubertät' ist ein unglaublich amüsanter Abend, mit vielen berührenden Momenten. Und Magdalena Köchls Stimme hat mir mehrmals wohlige Gänsehaut beschert." (Inez Ardelt, Linz) 
"Grandiose Premiere von ,Pubertät'! War ,urcool, geil, krass und bomba' und so lustig." (Gabriele Deutsch, Linz) 

REGIE Fabian Kametz
MUSIK Robert Kainar, dr, voc /
Chris Neuschmid, guit, voc /
Magdalena Köchl, voc
&  Edi Jäger

„So viel gelacht habe ich selten im Theater! Ein wunderbares Stück, großartig gespielt, und gleichzeitig eine berührende Auseinandersetzung mit einem Thema, das uns alle betrifft.“
(René Freund, Autor) 
Was gesagt werden muss, muss gesagt sein! Das Stück „Pubertät“ von Josefina Vazquez hat Freude und Spaß bereitet.
Höchst amüsant – natürlich kann da Edi Jäger als ebenso geplagter wie rückwärts gewandter Papa, all seine Könnerschaft als wunderbar pointierender und, nun ja, auch verletzlicher Darsteller ausspielen. Bezaubernd auch die intelligente musikalische “Pointierung”.  (Franz Schwabeneder, ehem. OÖN Kulturchef) 

Der 32-jährige österreichische Jazzpianist David Helbock gehört zu der Generation junger Jazzmusiker, die die Grenzen ihres Metiers sprengen, die das musikalische Verständnis von alt und neu, von Komposition und Improvisation, von Stil und Persönlichkeit radikal verändern und ihren eigenen Weg gehen.

David Helbock ist ein „konsequenter Spurensucher am Puls der Zeit“ und „begnadeter Geschichtenerzähler am Klavier“ (3sat Kulturzeit). Bereits auf seinem ACT-Debüt „Into the Mystic“ hat der Österreicher bekannten Kompositionen einen neuen, persönlichen Stempel aufgedrückt: von Beethoven über Thelonious Monk bis zu John Williams schlug er damals den Bogen rund um Sagen, Mythen und Spirituelles. 

Bei seinen neuen Exkursionen konzentriert sich Helbock mit dem Random / Control Trio ganz auf seine musikalischen Vorbilder am Klavier. Sein neues Album ist eine „Tour d’Horizon“ - so auch der Titel – zu den Granden des Jazzpianos: „Ich habe dafür Stücke von meinen Lieblingspianisten ausgesucht, von denen, die meinen musikalischen Horizont erweitert haben“, erklärt er. Der weite Bogen seiner 12 Standard-Interpretationen reicht vom klassischen spanischen Komponisten Joaquín Rodrigo und dessen legendärem zweiten Satz des „Concierto de Aranjuez“ - was daran erinnert, dass auch Helbock von der Klassik kommt – bis zu Carla Bley, die mit ihrem aus nur einem melodischen Fragment bestehenden „Utviklingssang“ bewiesen hat, dass sie „eine völlige Meisterin darin ist, einfache, aber geniale Melodien zu erschaffen, die im Ohr des Hörers bleiben und augenblicklich eine Stimmung bei ihm erzeugen“, wie Helbock es beschreibt. Beim Thema Songwriting kam er an zwei Kollegen nicht vorbei, die jeweils die stilprägendsten Komponisten ihrer Zeit waren: Duke Ellington natürlich, dessen „In A Sentimental Mood“ für Helbock „in der Mitte zwischen seinen Epoche-machenden Suiten und seinen tanzbaren Chart-Hits steht und sich deshalb als gute Wahl anfühlte.“ Und der vor genau zehn Jahren viel zu früh gestorbene Esbjörn Svensson, dessen neues Mischungsverhältnis zwischen Dynamik, Groove und Melodik - hier von Helbock mit „Seven Days of Falling“ eindrucksvoll vor Augen geführt - geradezu eine neue Jazzschule begründet hat. 

Es ist auch jener Pianist vertreten, den Helbock gewissermaßen mit der Muttermilch aufgesogen hat: „Zu Keith Jarrett habe ich eine besondere und besonders emotionale Beziehung“, berichtet er. „Meine Mutter hörte seine Musik ständig während ihrer Schwangerschaft. Deshalb vermute ich, dass das erste Stück, das ich überhaupt hörte, bevor ich überhaupt geboren war, „My Song“ gewesen sein muss.“ 

David Helbock / piano, electronics & percussion
Andreas Broger / saxophones, clarinets & various reed instruments
Johannes Bär / tuba, trumpet & various brass instruments

BIO GRAFISCHES

Zweimal Preisträger und der Publikumspreis beim weltweit größten Jazz-Piano-Solo-Wettbewerb des Jazzfestivals Montreux, begeisterte/internationale Kritiken für seine CDs und der wichtigste Förderpreis des Bundes Österreich 2011 - der "Outstanding Artist Award" - der aus dem kleinen österreichischen Dorf Koblach stammende Pianist David Helbock ist zweifellos am internationalen Parkett angekommen.
Helbock ist aber nicht nur ein hervorragender Pianist, sondern auch ein eigenwilliger Denker, der in seine Projekte nicht nur außerordentliche Fingerfertigkeit, sondern auch jede Menge Hirnschmalz investiert. 
David Helbock, am 28. Jänner 1984 geboren, begann im Alter von sechs Jahren Klavier zu spielen.
Er studierte am Konservatorium Feldkirch bei Prof. Ferenc Bognar Klavier, wo er 2005 sein klassisches Konzertfach-Diplom mit Auszeichnung abschloss und nahm seit 2000 zusätzlich Unterricht beim New Yorker Jazzpianisten Peter Madsen, der sein Lehrer, Mentor und Freund wurde.
David Helbock spielte Konzerttourneen und Aufnahmen in Länder wie den USA, Mexiko, Russland, Kasachstan, Kirgisistan, China, Mongolei, Südkorea, Philippinen, Indonesien, Malaysia, Indien, Südafrika, Äthiopien, Kenia, Senegal, Marokko, Tunesien, Iran, Brasilien, Argentinien, Chile, Australien und überall in Europa. 
David Helbock ist seit Beginn seiner Musikerlaufbahn außerdem als Komponist sehr aktiv. Zu seinen Werken zählt ein großes „Jahreskompositionsprojekt“ in dem er für ein Jahr lang jeden Tag ein neues Stück geschrieben hat (Anfang 2010 ist das "Personal Realbook" mit über 600 Seiten Musik erschienen)

Musik ist ein wichtiges Mittel, um die multi-ethnische Bevölkerung Malis zu befrieden. 
Das BKO Quintet hat einen ganz eigenen Umgang mit den Traditionen seiner Heimat. 
Mali war immer stolz auf seine über Jahrhunderte gepflegte religiöse Toleranz. Mehr als 80 Ethnien leben heute in dem westafrikanischen Land, deren friedliches, von gegenseitigem Respekt getragenes Miteinander durch die Besetzung des Nordens durch Islamisten stark gefährdet ist.
Eine große Rolle bei der ideellen Befriedung des Landes spielt die Musik Malis. Getragen von den in der Gesellschaft hoch angesehen Musikern und Sängern - wie etwa den Griots - werden durch sie die moralischen Werte und das Wissen um die traditionellen Erfahrungen und Riten von Generation zu Generation weitergegeben. 
Große Namen sind auch bei uns bekannt: Ali Farka Touré etwa, der "Bluesman of Africa", Salif Keita, Oumou Sangaré und viele andere. 
Hier treffen westliche Popmusikpartikel und Instrumente wie E-Bass, E-Gitarre, Keyboard und Drums auf malische Musiktraditionen und Instrumente.

Einen anderen Weg gehen Musiker des noch jungen BKO Quintet. 
Fünf Musiker verschiedener Ethnien, die sich in Bamako zu einer Art "Pan-Malisches Ensemble" zusammenfanden. 
Traditionelle Musik im Sound der malischen Trommel Djembé und der typischen Langhalslaute Donsongoni. 
In ihrer Musik überführen sie diese aber in modernere und kürzere, liedartige Arrangements.

Das BKO Quintet wurde vor fünf Jahren vom französichen Percussionisten AYMERIC KROL durch Zufall während seines mehrmonatigen Aufenthalts in Mali gegründet, zählt aktuell zu den gefragtesten Bands aus Afrika und vereint vor allem zwei afrikanische Ethnien. Krol wollte mit einem Studium bei IBRAHIMA SARR, einem der größten Djembe-Meister Malis (der mit Superstar Oumou Sangare viele Male um die Welt tourte), eigentlich nur seine eigene Technik verfeinern. Im Laufe der Wochen hat er dann bei lokalen Sessions die anderen zukünftigen Protagonisten des BKO Quintet kennen gelernt. Ohne es zu wissen, vermählte er so die Musik-Tradition der Mandinka Griots, einer Art adeliger Musiker-Kaste die sich „Jeli” nenen, mit der Musik-Tradition der Bambara-Jäger, genannt „Donso”.

Mit dem Sänger und „Dunun”-Trommler FASSARO SACKO, einem der charismatischsten Griots, sowie dem Sänger und Virtuosen auf der „Donsongoni” (Harfenlaute) ADAMA COULIBALY, einem Donso, verfügt das BKO Quintet über zwei hervorragende Frontmänner. Der Meister an der „Djelingoni” (Langhalslaute) ABDOULAYE KONE war auch in den Bands der Weltstars Tiken Jah Kafoly oder Salif Keita für sein psychodelisches Spiel sehr gefragt.

BKO // Besetzung:

FASSARO SACKO: Gesang, Dunun
ADAMA COULIBALY: Gesang, Donsongoni
IBRAHIMA SARR: Djembe, Gesang
ABDOULAYE KONE: Djelingoni, Gesang
AYMERIC KROL : Schlagzeug, Percussions

Getragen von polyrhytmischen Kompositionen die bis ins Psychodelische vorstoßen und auch enorm tanzbar sind ist das BKO Quintet tatsächlich „eine Reise ins Herz der zeitgenössischen Musik von Mali” 
Die fünf Protagonisten der Band sind als Solisten allesamt „Oberliga”. IBRAHIMA SARR gilt als Großmeister der Djembe-Trommel und arbeitete viele Jahre in der Band der großen Oumou Sangare, der charismatische FASSARO SACKO einer der beiden Lead-Sänger und Meistertrommler, stammt aus einer alten Griot-Dynastie ebenso wie NFALI DIAKITE, der die zweite Stimme singt, vor allem aber mit seinem außergewöhnlichen Stil auf der „donsongoni”, einer traditionellen Lanhals-Laute mit Resonanz-Kürbis, die Jahrhunderte ausschließlich von Jägern gespielt wurde, überzeugt. ABDOULAYE KONE, ein Meister auf der kleinen Langhalslaute „djelingoni”, arbeitete lange Jahre in Bands von Stars wie Salif Keita oder Tiken Jah Fakoly. Zusammen gehalten wird alles vom französischen Meister-Percussionisten AYMERIC KROL, der seit gut einem Jahrzehnt zwischen Frankreich und Mali pendelt.

Iiro Rantala: „Intelligenz, Humor, viel Sentiment, unvorhersehbare Ideen und feinstes Piano-Handwerk" (FAZ), der finnische Pianist Iiro Rantala ist „ein Naturereignis an den Tasten“ (Jazzthing). Er ist "ein Künstler, der sein Instrument hochmusikalisch bedienen kann, der fernab aller Schwerkraft der Hände virtuos Ausdrucksmittel benutzt, ohne etwas vorzeigen zu müssen" (Fono Forum). Iiro Rantala ist ein „Naturereignis an den Tasten“ (Jazzthing), ein Alleskönner, von dem der New Yorker Pianist und Arrangeur Gil Goldstein völlig zu Recht sagt: „Iiro Rantala ist eine pianistische Sensation und der stärkste mir bekannte Grund, an Reinkarnation zu glauben: Weil seine Technik wie sein musikalischer Sensus aus Tiefen spricht, die unmöglich in einem Leben alleine ergründet sein können.“
Mit „Lost Heroes“ feierte Rantala im Jahre 2011 ein beeindruckendes ACT Debüt. Von Deutschlands Musikjournalisten wurde dieses „Meisterstück musikalischer Heldenverehrung“ (Der Stern) mit dem Jahrespreis der Deutschen Schallplattenkritik zum besten Jazzalbum des Jahres 2011 gekürt. Ebenfalls erhielt er dafür den ECHO Jazz 2012 in der Kategorie „Bester Pianist international“. „My Working Class Hero“, eine Hommage an John Lennon, ist sein jüngstes Werk: „Rantala gibt vertrauten Songs einen neuen Rahmen. Lässig dehnt er die Melodien, verspielt wirbelt er mit den Akkorden, aber findet dann doch immer zu Lennons Vorlage zurück. Ein Vergnügen.“ (Spiegel Online)

Nach diversen grandiosen Projekten -  im Duo mit dem Gitarristen Ulf Wakenius, klassisch mit Streichquartet  und zuletzt  solo mit John Lennon Bearbeitungen kommt der finnische Pianist und Komponist mit seinem aktuellen Trio neben dem umtriebigen, virtuosen Schlagzeuger Morten Lund in Treibhaus. Am Bass: Dan Berglund, der spätestens seit seinem Wirken im legendären Esbjörn Svensson Trio Kultstatus genießt und als Piano-Trio-Bassist Maßstäbe im europäischen Jazz setzte –

Ein mitreißendes Piano-Trio Feuerwerk zündete der finnische Pianist Iiro Rantala vergangenen Mittwoch mit Dan Berglund am Bass und dem Schlagzeuger Morten Lund. Im ersten durchgehenden Set spielte das Trio eine Standards-Auswahl (…ab sofort gehört Keith Jarretts „So Tender“ zum Great American Songbook), während sie im zweiten Set Eigenkompositionen von Rantala präsentierten. Das Ganze garniert mit herrlichen Bonmots von Rantala in den Ansagen zu seinen Stücken. 

Episoden aus der Nachbarschaft dienen als Fenster zur Welt und erlauben auch den Blick in eine Zukunft, in der Idealisten endgültig als nützliche Idioten begriffen werden.
 Virtuos agiert Alfred Dorfer in den von ihm erdachten Parallelwelten, spielt mit Rollen und Perspektiven und präsentiert ein temporeiches und inhaltlich sehr komplexes Ein-Mann-Theater. (ORF / KULTUR/ Mittagsjournal)

UND?

Wie wird es jetzt weitergehen, fragt er sich? Der rätselhafte Stückauftrag eines Theaterdirektors hat Bewegung in das Leben von Alfred Dorfers Bühnenfigur gebracht. Und: Jetzt steht der Umzug bevor. Ein Mann, ein Raum, zwei Bananenkisten. Ein leerer Raum, voller Erinnerungen. Was kommt jetzt? Im besten Fall die Spedition. Jene Kraft, die fürs Erste Veränderung schafft. Und daran glaubt Dorfers Protagonist: an die positive Kraft der Veränderung. Wenn „umziehen“ Veränderung bedeutet, ist dann jede Veränderung gleichzeitig ein Umzug für sich selbst?

Zurück bleiben die Nachbarn. Unterschiedliche Menschen, von Beziehungsunfug und anderen Torheiten gebeutelt, durch grandioses Scheitern und die Suche nach einem Ausweg aus der Banalität zur Karikatur ihrer selbst verkommen.
Alfred Dorfer zeigt in seinem neuen Soloprogramm Momentaufnahmen vom Aufbrechen und Ankommen. Episoden aus der Nachbarschaft dienen als Fenster zur Welt und erlauben auch den Blick in eine Zukunft, in der Idealisten endgültig als nützliche Idioten begriffen werden.
Virtuos agiert Alfred Dorfer in den von ihm erdachten Parallelwelten, spielt mit Rollen und Perspektiven und präsentiert ein temporeiches und inhaltlich sehr komplexes Ein-Mann-Theater.
Alfred Dorfer zählt zu den wichtigsten Satirikern und Autoren im deutschen Sprachraum, den er als seine Bühne begreift. Ausgezeichnet wurde Dorfer u.a. mit dem deutschen Kleinkunstpreis, dem Deutschen Kabarettpreis, dem Bayerischen Kabarettpreis und dem Schweizer Cornichon.

Jurybegründung Deutscher Kabarett-Preis 2016:

Alfred Dorfer  entzieht sich souverän und spielerisch allen Etikettierungsversuchen. Seine Themen sind politisch und gehen gleichzeitig weit über die Tagesaktualität hinaus. Der Erzählbogen wird bewusst und präzise weit gespannt. Dorfer präsentiert seine philosophischen Betrachtungen auf der Bühne fast beiläufig und federleicht. Ihre volle Wirkung entwickeln seine Kabarett-Programme oft erst ein wenig zeitversetzt - dann aber umso intensiver." (Jurybegründung Deutscher Kabarett-Preis 2016)

Episoden aus der Nachbarschaft dienen als Fenster zur Welt und erlauben auch den Blick in eine Zukunft, in der Idealisten endgültig als nützliche Idioten begriffen werden.
 Virtuos agiert Alfred Dorfer in den von ihm erdachten Parallelwelten, spielt mit Rollen und Perspektiven und präsentiert ein temporeiches und inhaltlich sehr komplexes Ein-Mann-Theater. (ORF / KULTUR/ Mittagsjournal)

UND?

Wie wird es jetzt weitergehen, fragt er sich? Der rätselhafte Stückauftrag eines Theaterdirektors hat Bewegung in das Leben von Alfred Dorfers Bühnenfigur gebracht. Und: Jetzt steht der Umzug bevor. Ein Mann, ein Raum, zwei Bananenkisten. Ein leerer Raum, voller Erinnerungen. Was kommt jetzt? Im besten Fall die Spedition. Jene Kraft, die fürs Erste Veränderung schafft. Und daran glaubt Dorfers Protagonist: an die positive Kraft der Veränderung. Wenn „umziehen“ Veränderung bedeutet, ist dann jede Veränderung gleichzeitig ein Umzug für sich selbst?

Zurück bleiben die Nachbarn. Unterschiedliche Menschen, von Beziehungsunfug und anderen Torheiten gebeutelt, durch grandioses Scheitern und die Suche nach einem Ausweg aus der Banalität zur Karikatur ihrer selbst verkommen.
Alfred Dorfer zeigt in seinem neuen Soloprogramm Momentaufnahmen vom Aufbrechen und Ankommen. Episoden aus der Nachbarschaft dienen als Fenster zur Welt und erlauben auch den Blick in eine Zukunft, in der Idealisten endgültig als nützliche Idioten begriffen werden.
Virtuos agiert Alfred Dorfer in den von ihm erdachten Parallelwelten, spielt mit Rollen und Perspektiven und präsentiert ein temporeiches und inhaltlich sehr komplexes Ein-Mann-Theater.
Alfred Dorfer zählt zu den wichtigsten Satirikern und Autoren im deutschen Sprachraum, den er als seine Bühne begreift. Ausgezeichnet wurde Dorfer u.a. mit dem deutschen Kleinkunstpreis, dem Deutschen Kabarettpreis, dem Bayerischen Kabarettpreis und dem Schweizer Cornichon.

Jurybegründung Deutscher Kabarett-Preis 2016:

Alfred Dorfer  entzieht sich souverän und spielerisch allen Etikettierungsversuchen. Seine Themen sind politisch und gehen gleichzeitig weit über die Tagesaktualität hinaus. Der Erzählbogen wird bewusst und präzise weit gespannt. Dorfer präsentiert seine philosophischen Betrachtungen auf der Bühne fast beiläufig und federleicht. Ihre volle Wirkung entwickeln seine Kabarett-Programme oft erst ein wenig zeitversetzt - dann aber umso intensiver." (Jurybegründung Deutscher Kabarett-Preis 2016)

„Die Musik von RotFront ist nicht nur gut, sie ist auch ein Beitrag in Sachen Völkerverständigung. So wie die Russen mit Rammstein-Texten Deutsch lernten, können nun die Deutschen mit RotFront auf Russisch, Ukrainisch, sogar auf Ungarisch mitsingen.“ Wladimir Kaminer

RotFront! Die Fäuste gehen hoch, die einen tanzen Ska, die anderen Pogo. Die Band verausgabt sich auf der Bühne, als ob dieses Konzert ihr letztes wäre. Und sie spielen höllisch gut. RotFront ist die Hausband des Berliner Kaffee Burger. Das Burger wiederum ist der Geburtsort und die No. 1 Location der legendären RussenDisko. Mit ihrer Organisation als Kollektiv und ihrem High-Energy-Gebräu, das vielfältige musikalische Referenzen kennt, passen sie in die Riege anderer Kollektive, die von der Hauptstadt aus die Welt erobert haben: Seeed mit ihrem Mix aus Reggae und HipHop, Culcha Candela mit ihrem Mix aus Latino und Pop. Nun stehen RotFront in den Startlöchern und zeigen, wie sich Ostklänge (Polka, Klezmer) mit heißen Sounds des Südens (Ska, Cumbia) aufpumpen lassen. Ihre Songs verweisen auf ihre Biographien und Erfahrungen. RotFront, willkommen bei Essay Recordings, der Plattenschmiede, deren Fokus auf der Verschmelzung von globalen Pop-Soundsliegt: Hier vereinigen sich Osten und Westen, Norden und Süden, Gräben werden zugeschüttet.

RotFront wurde von zwei Berliner Emigrantskis aus der Taufe gehoben: Yuriy Gurzhyist eine Hälfte der RussenDisko, gemeinsam mit seinem ungarischen Musiker-Kollegen, dem Initiator des Hungaro-Groovers Soundsystems Simon Wahorn, entwickelte Gurzhy das Emigrantski Raggamuffin Kollektiv RotFront. 2003 gegründet, erspielte es sich im Handumdrehen den Ruf der ultimativsten Partyband Berlins. Mal stehen sieben, mal zwölf oder fünfzehn Musiker auf der Bühne – im Publikum bleibt kein Mensch lange für sich alleine und spätestens nach den ersten Songs verschwindet die Grenze zwischen Bühne und Tanzfläche spurlos. Grenzen zu durchbrechen ist die eigentliche Mission von RotFront – so gesehen sind sie eine politische Band. Über Politik wird zwar nie gesungen, jedoch wird am eigenen Beispiel bewiesen, wie natürlich und harmonisch der Austauschzwischen verschiedenen Nationalitäten, Musikrichtungen und Kulturen funktionieren kann: Ein Ukrainer, zwei Ungaren, ein Amerikaner, ein Australier und fünf Deutsche mischen in ihren Songs Ska, Reggae, Dancehall- und Cumbia-Soundsmit Klezmer, frechem Hiphop mitBerliner Schnauze, osteuropäischer Turbopolka, mediterranenMelodienund Rockriffs. Die Texte auf Russisch, Ungarisch, Deutsch und Englisch erzählen über den Berliner Alltag, über die Abenteuer von Immigranten in einer großen Stadt. Nach der legendären Coverversion des Kraftwerk-Tracks „Wir sind die Roboter“ (auf dem Sampler „RussenDisko Hits 1“) findet sich auf EmigrantskiRaggamuffin der Partykracher von Deichkind „Remmidemmi“. Das Berliner Jugendradio Fritz fragte im März 2008 bei einigen Bands und DJs (u.a. Fotos, Madsen, Lexy, Ohrbooten) an und bat um eine eigene Interpretation des Songs, RotFront schossen mit ihrem Eastern-Stomper den Vogel ab. Band und Label verneigen sich an dieser Stelle vor Sebi, dem zu früh verstorbenen Mastermind des Projektes.

Episoden aus der Nachbarschaft dienen als Fenster zur Welt und erlauben auch den Blick in eine Zukunft, in der Idealisten endgültig als nützliche Idioten begriffen werden.
 Virtuos agiert Alfred Dorfer in den von ihm erdachten Parallelwelten, spielt mit Rollen und Perspektiven und präsentiert ein temporeiches und inhaltlich sehr komplexes Ein-Mann-Theater. (ORF / KULTUR/ Mittagsjournal)

UND?

Wie wird es jetzt weitergehen, fragt er sich? Der rätselhafte Stückauftrag eines Theaterdirektors hat Bewegung in das Leben von Alfred Dorfers Bühnenfigur gebracht. Und: Jetzt steht der Umzug bevor. Ein Mann, ein Raum, zwei Bananenkisten. Ein leerer Raum, voller Erinnerungen. Was kommt jetzt? Im besten Fall die Spedition. Jene Kraft, die fürs Erste Veränderung schafft. Und daran glaubt Dorfers Protagonist: an die positive Kraft der Veränderung. Wenn „umziehen“ Veränderung bedeutet, ist dann jede Veränderung gleichzeitig ein Umzug für sich selbst?

Zurück bleiben die Nachbarn. Unterschiedliche Menschen, von Beziehungsunfug und anderen Torheiten gebeutelt, durch grandioses Scheitern und die Suche nach einem Ausweg aus der Banalität zur Karikatur ihrer selbst verkommen.
Alfred Dorfer zeigt in seinem neuen Soloprogramm Momentaufnahmen vom Aufbrechen und Ankommen. Episoden aus der Nachbarschaft dienen als Fenster zur Welt und erlauben auch den Blick in eine Zukunft, in der Idealisten endgültig als nützliche Idioten begriffen werden.
Virtuos agiert Alfred Dorfer in den von ihm erdachten Parallelwelten, spielt mit Rollen und Perspektiven und präsentiert ein temporeiches und inhaltlich sehr komplexes Ein-Mann-Theater.
Alfred Dorfer zählt zu den wichtigsten Satirikern und Autoren im deutschen Sprachraum, den er als seine Bühne begreift. Ausgezeichnet wurde Dorfer u.a. mit dem deutschen Kleinkunstpreis, dem Deutschen Kabarettpreis, dem Bayerischen Kabarettpreis und dem Schweizer Cornichon.

Jurybegründung Deutscher Kabarett-Preis 2016:

Alfred Dorfer  entzieht sich souverän und spielerisch allen Etikettierungsversuchen. Seine Themen sind politisch und gehen gleichzeitig weit über die Tagesaktualität hinaus. Der Erzählbogen wird bewusst und präzise weit gespannt. Dorfer präsentiert seine philosophischen Betrachtungen auf der Bühne fast beiläufig und federleicht. Ihre volle Wirkung entwickeln seine Kabarett-Programme oft erst ein wenig zeitversetzt - dann aber umso intensiver." (Jurybegründung Deutscher Kabarett-Preis 2016)

Süße Fremdscham: Wer kennt sie nicht? Die glorios peinlichen und umso amüsanteren Tagebuch-Ergüsse aus Teenagerzeiten, Reisetagebüchern oder einfach nur von damals? Wir haben sie!
Eine peinlich-lustige Zeitreise in die Abgründe der eigenen und fremden Pubertät und Kindheit. Ehrlich, berührend, schonungslos, betrübt, übertrieben, sehnsüchtig, haltlos und unverstanden. So waren und sind sie, unsere Schul- und Jugendjahre. Und so sind unsere Tagebucheinträge aus dieser wilden und unberechenbaren Zeit des Erwachsenwerdens.
Es lesen Laien live aus ihren alten Tagebüchern. Das gibt es im Wiener TAG seit 2 Jahren und letztes Jahr waren im Oktober, auch 5 Folgen in DIE.Nacht in ORF 1 zu sehen. Nun werden die Bundesländer erobert. Das Publikum entscheidet über die Siegerin/den Sieger des Abends, die/der sich über einen Taschengeldzuschuss freuen kann. Eine Reality-Show der etwas anderen Art – mit Sicherheit der persönlichste aller Slams und die schönsten Geschichten schreibt das Leben.

Infos für TeilnehmerInnen:
Es werden ca. 6 Leute am Start sein, d.h. immer 2 gegen einander lesen, dann gibt es einen Applausbattle und 3 sind dann im Finale. JedeR sollte zwei Beiträge (können auch mehrere kürzere Einträge sein) von maximal 5 Minuten vorbereiten, weil Vor- und eventuell Finalrunde. Bitte keinen aktuellen Beiträge, müssen mindestens von vor 2010 sein! Originaltagebücher mitbringen und ansonsten einfach Spaß haben.

Durch den Abend führt: Diana Köhle

Erster Tagbucheintrag am 23. September 1989, denn das Leben war hart in den Bergen. Nach längerer Abstinenz schreibt sie nun sogar wieder täglich Tagebuch, denn sie muss ja weiterhin fleißig für „Lesestoff“ sorgen. Neben dem Tagebuch schreiben, schlägt ihr Herz für Poetry Slams. Seit 2004 moderiert und organisiert sie Poetry Slams (monatlich Slam B im Literaturhaus Wien und viele Gastspiele) und seit 2013 auch den sehr erfolgreichen TAGebuch Slam im TAG in Wien. Der es im Herbst 2014 mit 5 Folgen in DIE.Nacht in ORF 1 geschafft hat (Liebes Tagebuch, ...). Sie lebt seit 12 Jahren in Wien, hat in Innsbruck studiert und freut sich daher besonders auf ein Heimspiel in Tirol.

Anmeldungen zum Mitmachen an: diana@liebestagebuch.at

Aber kann man heute überhaupt noch von etwas mit Sicherheit sagen, dass es ist? Gibt es zu „alternativen Fakten“ eine Alternative? Spielt der Unterschied zwischen Meinung und Lüge noch eine Rolle? Welche Folgen hat das für einen Satiriker und sein Publikum? Können sie einander folgen, ohne etwas anklicken zu müssen? Und wer folgt wem, wenn man sich gegenseitig folgt? Ein Abend für Folger, Verfolgte und Unfolgsame.

PRESSESCHNIPSEL

‚Folgen Sie mir auffällig’ ist erzählte Realsatire aus Politik und Gesellschaft, weil die Wirklichkeit an Absurditäten und Bizarrerien oft nicht zu überbieten ist. Scheuba ohne erhobenen Zeigefinger, erfrischend direkt und sehr persönlich. Eine Empfehlung!“- Kurier

"Man wird bei Scheuba immer Zeuge herrlichster faktischer Verhältnisse, die man oft für erfunden halten möchte.“ - Der Standard

"Zwischen Dummheit und Berechnung lotet der blitzgescheite Wiener sein gesellschaftskritisches Kabarett aus und sorgt für geistige Dauerspannung.“ - Kleine Zeitung

"Vom Leben in einer immer stärker digitalisierten - und daher auch immer unrealeren und manipulierbareren Welt erzählt Scheuba mit großer humoristischer Treffsicherheit. Der Jubel am Ende war ohne Zweifel real.“ - Kronen-Zeitung

„Scheuba stellt sich mittels konsequenten Bloßstellens und scharfsinnigen Verknüpfens von Fakten und Verflechtungen auf amüsante Weise in den Dienst der Aufklärung.“ - Falter

"Scheuba legt ein anspruchsvolles, sehr gutes neues Soloprogramm vor. Gibt Einblicke in seine Gedankenwelt, fordert die Zuschauer zum aktiven Mitdenken und Nachdenken - gerade auch in der Nachbetrachtung.“ - Wiener Zeitung

aufreger des herbstes 2018:

Hinter dem Namen Danças Ocultas verbergen sich vier Akkordeonisten aus Agueda in der Nähe von Porto, die zu den innovativsten und spannendsten Vertretern zeitgenössischer Klänge aus Portugal gehören. Seit einigen Jahren erobern sie die World-Music-Szene mit einem beim ersten Hinhören unspektakulären Konzept: ruhig, lyrisch, mehr oder minder traditionell, mit nur vier diatonischen Akkordeons.

Der Name des Quartetts hat nichts mit esoterischen Welten zu tun sondern weist darauf hin, dass die vier Musik für Tänze spielen, die erst noch erfunden werden müssen. Der berühmte Fado spielt eine untergeordnete Rolle, eher nehmen sie die traditionelle dörfliche Musik, Tango Nuevo und die Kammermusik z.B. des russischen Terem Quartetts als Basis für ihre Erkundungen. Sie halten weder akkordeonistische Schnelligkeitswettbewerbe ab noch spielen sie reine Volksmusik. Am ehesten lässt sich ihre zeitlose Kunstmusik wohl als impressionistischer Folk bezeichnen: minimalistische, tiefgründige Klanggemälde voll unerwarteter Wendungen und erhabener Melancholie. Sehr spezielle Musik, in die man gar nicht anders kann als hineinzukippen.

Die Band wurde gefördert von Gabriel Gomes, dem Akkordeonisten von Madredeus, der berühmtesten World-Music Gruppe Portugals. Er hat sie motiviert, ihre eigene Klangwelt auszuschöpfen. Die Zusammenarbeit mit dem Choreographen Paul Ribeiro, Auftritte bei zahlreichen internationalen Festivals sowie ein umjubelter Showcase bei der Womex 2010 in Kopenhagen haben Danças Ocultas mittlerweile weit über Portugal hinaus bekannt gemacht.

Artur Fernandes – Komposition, Diatonisches Akkordeon
Francisco Miguel - Diatonisches Akkordeon
Filipe Cal -Diatonisches Akkordeon
Filipe Ricardo - Diatonisches Akkordeon

PRESSE-SCHNIPSEL

„Das Quartett Danças Ocultas hat es längst geschafft, aus dem Kreis der Liebhaber des Akkordeons zu schlüpfen und die grosse Bühne zu bespielen. Dafür ist ‘Amplitude’ das beste Beispiel.”
JazzThing, DE, Amplitude, 2016

„Amplitude“ ist ein gewaltiges Album, bei dem einem das Herz aufgeht.“
Sound&Image, DE, Amplitude, 2016

„Das Quartett aus der Nähe von Porto zelebriert portugiesische Melancholie. … Sie lassen mit ihren feinen und leisen, präzisen bis schwelgerischen Arrangements Bilder entstehen, die die Zuhörer mit auf eine Reise zu Landschaften im Morgennebel und leichtfüssig tanzenden Gestalten nehmen … auf eine Reise jedenfalls in die eigene, inspirierte Gedankenwelt. Danças Ocultas richten sich mit ihren Kompositionen an ein Publikum, das auserlesene Kammermusik liebt.“
Akkordeonmagazin, DE, 2013

„Weniger wie ein Konzert, vielmehr wie ein musikalischer Vortrag, ein kollektiver Atemzug, an dem man teilnimmt und von dem man sich gerne in eine emotionale, beinahe meditative Dimension tragen lässt – das ist es, wonach sich die Musik der portugiesischen Gruppe anfühlt.“
Il Giornale di Vicenza, IT, 2011

„Erfindungsreiche und kreative Instrumentalmusik von einem der besten Kunstmusikensembles Europas. Empfehlung!“
CD Roots 2007

Eine aussergewöhnliche Band, die von der intensiven Interaktion unter den Musikern lebt und einen sofort gefangennimmt. Die Stücke sind exzellent arrangiert, wechseln von langsamen Solostellen, die den Eindruck von sehr lauter Stille aufkommen lassen, zu schnelleren und lebhaften Rhythmen. Mein persönlicher Festivalhöhepunkt!
Folkworld 2001

Warum man Menschen aus Grins im oberen Onntal Grinner nennt und nicht Grinser hat sich mir bis heute nicht erschlossen.
Bei Tyrol Inn Stones wird eh nicht gegrinst sondern lauthals gelacht:
Die Gewinner des Publikums- und Jurypreis des Kabarettfestivals ,,frisch & fröhlich" 2017  präsentieren ihren neuesten Hit: EverGrins!
Von It's My Party bis hin zu Teddybär Eins-Vier ... die Stones schmettern in ihrem neuen Programm in gewohnter Manier einen Gassenhauer nach dem anderen auf die Bühne und verpassen allen Liedern natürlich die ganz spezielle Stones-Note.
Die vier Freunde Gabriel Castañeda, Gernot Mungenast, Edgar Ruetz und Martin Schiferer bleiben auch bei ihrem dritten Bühnenprogramm ihren Talenten treu: Gesang, Slapstick, Selbstironie und deftiger Humor.

Gegründet Ende des 20. Jahrhunderts sangen die vier sympathischen Jungs erst jahrelang in Kneipen und vorwiegend unter starkem Einfluss von diversen alkoholischen Getränken. Anfänglich trug die Band den schmucken Namen "GXV - Grinner Xangs Verein" - doch wurde der dann im Jahre 2006 in "Tyrol Inn Stones" umbenannt. Nach über 10 Jahren Probephase haben sich Gabriel, Gernot, Thomas und Edgar 2010 entschlossen, ein Musikkabarett auf die Füße zu stellen. "Gesang auf höchster Braukunst" verbindet die großen Interessen der Entertainer: "Singen und saufen...". Die Shows Anfang 2011 waren ein unglaublicher Erfolg und der Zuspruch auf Seiten der Zuschauer enorm. 
2013 folgte das heiß ersehnte Nachfolgeprogramm "Eier & Nudeln". Auch mit ihrem zweiten Programm können die Stones große Publikumserfolge erzielen und ziehen nun herum, um das Land von seiner Tristesse zu befreien. 
Ab 2016 gönnt sich Thomas eine Auszeit, an seine Stelle tritt Martin Schiferer und mit ihm präsentieren die Stones aus den Alpen ihr drittes Bühnenprogramm: EverGrins.

Ihre Vorstellung der Hölle ist ein Schweigekloster.
In Bibliotheken hat sie Betretungsverbot.
Und in ihrer Geburtsanzeige stand: 58cm, 4.012g und 124 Dezibel.
Nina Hartmann war schon immer LAUT.
Das hat man ihr schon in die Wiege gelegt und mit Stolz kann sie heute sagen, dass man sie schon von Weitem hört.
In ihrem - LAUT Adam Riese - vierten Kabarett - Solo - Programm geht sie aber völlig neue Wege:
Einen Abend lang spircht sie kein Wort - sie denkt nur LAUT.
Sie fragt sich, wie kann man in einer Welt, in der immer mehr nur die LAUTEN Gehör finden, noch sitllsitzen?
Wie LAUT darf man im Bett sein? Und darf man darüber überhaupt LAUT reden?
Nina Hartmann tut es jedenfalls. Sie kommt mit Pauken und Trompeten daher (Achtung, das ist keine Redewendung!)

Und das Publikum darf LAUT auflachen. Ob also auf oder vor der Bühne - eines steht fast:
Dieser Abend wird LAUT. und wenn nicht LAUT dann wenigstens SCHRILL..

"Wenn das Exmodel auf der Bühne brilliert kann sich das Publikum vor Lachen kaum zurückhalten. Unverblümt, frech und in ihrem Tiroler Dialekt zerpflückt Nina Hartmann die Welt der Wunderschönen und Dünnen, in der Appetit ein böses Wort ist, Wattestäbchen statt Chips verzehrt werden und Kleidergröße 38 auf die selbe Stufe wie Fettleibigkeit gestellt wird. Darüber hinaus nimmt die Solokabarettistin die Zuschauer mit viel Charme, Temperament & Hüftschwung mit auf eine Reise in heiße Gefilde, wo einem der Schweiß nicht nur auf Grund der Temperaturen bis zur Stirn steht."