Ein schillernder Abend mit drei ungleichen Galionsfiguren, vereint durch die Liebe zur gepflegten Abendunterhaltung.
Denice Bourbon, der aufgehende, lesbische Stern am Stand-up-Himmel
Christiane Rösinger, legendäre Berliner Songwriterin und
Stefanie Sargnagel, Kultpoetin aus der Wiener Vorstadtkneipe, stehen wieder gemeinsam auf einer Bühne.
Jede für sich ein Hit sind sie im Trio eine Naturgewalt!

Die eine macht Witze über Heteros, die zweite schreibt über Katzenbabytreten und die dritte singt darüber, dass Liebe überbewertet ist.
Zusammen sind Denice Bourbon, Stefanie Sargnagel und Christiane Rösinger auf Tour – und bringen als „Legends of Entertainment“ ihre vielfältigen Talente zusammen.

Alle drei Künstlerinnen sprechen oder singen auf die eine oder andere Weise über ihr Leben als Frauen
sie sind dabei laut, derb und vor allem wahnsinnig witzig.
Das und der wunderbar vorgetragene trockene  Humor hält die Show zusammen....

Er ist 21 Jahre jung und wird als eines der größten heimischen Jazztalente der letzten Jahre gefeiert. Der in Bludenz, Vorarlberg, geborene und in Innsbruck lebende Pianist Jakob Zimmermann wartet mit technisch wie musikalisch erstaunlich reifen und elaborierten Tönen auf. Einflüsse u. a. von Chick Corea, Tigran Hamasyan, Avishai Cohen und The Bad Plus verarbeitend, erweist sich Zimmermann als überaus versierter Tastenmeister, der seine melodischen und rhythmischen Ideen plastische, spritzige Gestalt annehmen lässt.

"„Was Jazz so unwiderstehlich macht ist der Widerspruch. Bodenlose Melancholie trifft auf atemlose Lebenslust. Welche andere musikalische Ausdrucksform vereint Sentimentalität so gekonnt mit koketter Lässigkeit? Jakob Zimmermann, das 20-jährige Tiroler Klaviertalent mit der Harry Potter-Brille, ist ein unerwarteter Meister dieser oft paradoxen Zwischentöne. In der heimischen Jazz- Szene längst umjubelt, ist er der breiten Masse noch weitgehend unbekannt.“ Norbert Pleifer, Treibhaus Innsbruck"

Jakob Zimmermann: piano
Clemens Rofner: bass
Raphael Auer: drums

Das Jakob Zimmermann Trio ist eine musikalische Formation bestehend aus Clemens Rofner, Simon Springer und Jakob Zimmermann, der das Programm komponiert hat. 
Genretechnisch lässt sich das Trio im Bereich des Fusion Jazz ansiedeln, wenngleich der Bandleader sich nur ungern auf kategorische Zuordnungen beschränkt, da Musik primär für sich stehend als Endprodukt sämtlicher, subjektiver Einflüsse zu betrachten ist und jedes Stück andere Merkmale aufweist.

So ist die Musik des JZ Trio das Endprodukt einer aufwendigen, persönlichen Auseinandersetzung mit Musik aus aller Welt. Als Eckpfeiler für Zimmermann's pianistische und kompositorische Inspiration für sind u.a. J.S. Bach, Keith Jarrett, Brad Mehldau, Tigran Hamasyan und Avishai Cohen zu erwähnen. Das Charakteristische an der Musik des JZ Trio sind die gründlich durchstrukturierten Kompositionen und viele Taktartenwechsel, weshalb das Schlagzeug zentrale Rolle in der wechselhaften Rhythmik einnimmt. Der Kontrabass hat in Zimmermann's Arrangement eine sehr melodische Funktion. Die Themen werden zumeist in Zimmermann's linker Hand vorgestellt und sind unisono mit der Bassstimme verwoben, was deutlich zur Steigerung der melodischen Expressivität beiträgt. In klar vorgegebenen Soloformen bieten Zimmermann's Kompositionen Raum für Improvisation. Zusätzlich zählen zur Bandbreite des JZ Trio auch vereinzelte Kompositionen, die dem Funk zuzuordnen sind und einen Kontrast zur inhaltlichen Schwere der zuvor beschriebenen Kompositionen darstellen.

Jakob Zimmermann ist Bandleader, Komponist und Pianist. Er wurde 2014 mit dem Outreach Young Master Stipendium und 2015 mit dem Tiroler Jazzjugendpreis ausgezeichnet. Neben seiner Trio-Tätigkeit leitet er ein Duo mit Daniel Ismaili, das etwa beim Poolbar Festival Feldkirch oder in der Eremitage Schwaz aufgetreten ist. Zusätzlich ist Zimmermann Solo-Pianist und hat medial gewürdigte Auftritte im SZentrum Schwaz oder beim Stummer Schrei zu verzeichnen. Zimmermann führt einen YouTube-Kanal mit nahezu 1 Mio. Aufrufen.

„Ein Wahnsinnstalent“ Tiroler Tageszeitung
„Klavier-Genie“ Tiroler Tageszeitung (TT)

„Eine vielversprechende Stimme im österreichischen Jazz.” Alto Adige Jazz Festival „Shooting Star (...)” Outreach Jazzfestival

“Der erst 16-jährige Jakob Zimmermann zog vom Klavier aus die Fäden und zeigte in 'One more Once' sein Können. Mit originellen Intervallkonstellationen, perlenden Patterns und harmonischen Rückungen sowie guten Überleitungen lenkte er auch in 'MacArthur Park' von Jim Webb die Aufmerksamkeit auf sich.” kulturzeitschrift.at

„Was Jazz so unwiderstehlich macht ist der Widerspruch. Bodenlose Melancholie trifft auf atemlose Lebenslust. Welche andere musikalische Ausdrucksform vereint Sentimentalität so gekonnt mit koketter Lässigkeit? Jakob Zimmermann, das 17-jährige Tiroler Klaviertalent mit der Harry Potter-Brille, ist ein unerwarteter Meister dieser oft paradoxen Zwischentöne. In der heimischen Jazz- Szene längst umjubelt, ist er der breiten Masse noch weitgehend unbekannt.“ soll vor 5 jahren Norbert Pleifer, Treibhaus Innsbruck, gesagt haben.

Özgür Yılmaz : Electric guitar
Ahmet Kul: Electric guitar
Alican Tezer: Drums
Altan Sebüktekin: Bass guitar
Güney Güvel: Percussion

Ayyuka wurde im Jahr 2001 gegründet und begann, ihre eigene Musik zu machen, die hauptsächlich aus Improvisationen bestand und von vielen verschiedenen Stilen beeinflusst war. Einige Zeit später hatte die Band natürlich ihren Namen,: AYYUKA  - was zwei Bedeutungen hat: "zum höchsten Teil des Himmels" und "eine Redewendung, die besagt, dass ein Geheimnis gelüftet wurde. 
Seit der Veröffentlichung ihres Debütalbums ist die Band auf verschiedenen Musikfestivals und in verschiedenen Städten wie Istanbul, Berlin, Lyon und Sao Paulo aufgetreten. Sie haben auch mit internationalen  Künstler wie Jonathan Richman, R.E.M. und Sonic Youth die Bühne geteilt. Mit einer sehr direkten Live-Performance-Energie in ihren Kompositionen, verschmelzen Ayyuka charakteristische Elemente aus einer Vielzahl von Genres wie Anatolian Rock, Arabesque, Surf Rock, Punk, Spaghetti Western, Psychedelic Rock und Funk. Ihr  Sound bewegt sich zwischen Psychedelic Rock, Afro-Rhythmen und vielem mehr. 

Ayyuka begannen bereits im Gymnasium Musik zu machen und zu improvisieren, mit dem Gitarristen Özgür Yilmaz und dem Bassist Altan Sebuktekin. An der Universität in Eskipehir kamen Gitarrist Ahmet Kul und Schlagzeuger Alican Tezer hinzu. Die Gruppe spielte zuerst Cover-Versionen von Rocksongs und improvisierte darüber. Identisch mit Bedeutungen wie die ‚Offenbarung eines Geheimnisses’ oder ‚Höhe zum höchsten Punkt des Himmels’, huldigen Ayyuka ihren Namen und dessen Konnotationen. Ayyuka's Musik ist nicht nur eine einfache Verknüpfung von westlichen Musik, leicht gemischt mit lokalen Motiven. Verschiedene Arten von Musik wie Arabesque, Punk, Surf, Psychedelic Rock und Funk verschmelzen akribisch. Ayyuka's Debüt-Album "Ayyuka" erschien auf dem Label Doublemoon Records im Jahr 2007. Ihre Musik erhielt populäre Bewertungen von renommierten türkischen Zeitungen und Zeitschriften wie Hürriyet, Sabah, Radikal, Cumhuriyet, Rolling Stone, Bant, Roll, Turkish Daily News, Billboard, Istanbul Time out u.a. Die Band hat seine Fans auf Festivals wie Rock N Coke 2007, Masstival 2008, MTV Alternative Nation 2008, Fest the Wall 2007, Rock Istanbul 2005 oder in Clubs wie Babylon, Studio live, Balans, Roxy oder Peyote gefunden, spielte Vorgruppe  auf Tours  von Sonic Youth und Jonathan Richman. Sie arbeiteten zusammen mit renommierten Künstlern wie Erica Glyn, Replikas, Baba Zula, Gevende, Hyko Cepkin, Ceza, Fairuz Derin Bulut oder Smadj.
 

Downbeat Magazine: a tight, refreshingly inventive variation on the big band tradition…

Kurier: überraschende Wendungen im viel bejubelten Stück…
Der Standard: kompositorischer Raffinesse im Sinne kontrapunktischer Gruppenkräfte…
Salzburger Nachrichten: großer Jubel für eine gelungene Premiere…
Kleine Zeitung: packend strukturierte Musik zwischen Jazz-Sophistication und sinnlichem Temperament…
Oberösterreichische Nachrichten: ein kräftiges Plädoyer für die große Besetzung. Bravo!
ORF.at: eine bejubelte Weltpremiere in Saalfelden… 
Concerto: großorchestrales Feuer…
Tiroler Tageszeitung: Nichts genaues weiß man nicht, dieses aber ebenso

Großbesetzungen im Jazz sind rar geworden. Unter anderem durch den Verfall der Gagen im letzten Jahrzehnt geht eine Kultur verloren, welche die Geschichte einer  der größten musikalischen Erfindungen des 20. Jahrhunderts mitgeprägt hat: Von  Duke Ellington bis Carla Bley, vom Sun Ra Arkestra bis zum Vienna Art Orchestra  gehörten großbesetzte Bands immer zum Kanon der improvisierten Musik.  
Mit dem 18-köpfigen Orjazztra Vienna erfülle ich mir nun – den Zug der Zeit  ignorierend – den Traum eines eigenen Jazzorchesters, den ich seit meinem  Weggang vom Vienna Art Orchestra im Jahr 2004 träume.  
Österreich und Wien besitzen derzeit eine schier unglaublich dichte Szene junger,  großartiger Musikerinnen und Musiker, die in vielen eigenen Bands musizieren, die  neugierig, experimentierfreudig, weltoffen und allesamt sehr gut ausgebildet sind  und somit auch technisch auf höchstem Niveau spielen.
Zum überwiegenden Teil besteht das Orjazztra aus jungen Menschen dieser  heimischen Szene, ist mit doppelter Rhythmusgruppe (zwei Bässe, zwei Schlagzeuge),  Klavier, einem sechsköpfigen Saxophon/Klarinettensatz, drei Trompeten, zwei  Posaunen und einer Tuba ungewöhnlich besetzt und eher als zeitgenössisches  Jazzorchester denn als Big Band zu bezeichnen.  
Nach nunmehr 35 Jahren als Komponist, Dirigent und Instrumentalist, immer zwischen  den Stühlen agierend bzw. diese regelmäßig wechselnd - vom Leiten zahlreicher  Jazzbands bis zum Dirigieren einer Mahler-Symphonie, vom Komponieren für  Symphonieorchester bis zur Produktion der Signations für Ö1 –, soll das Orjazztra für  die nächsten Jahre nun mein musikalischer Schwerpunkt und die größtmögliche  gemeinsame Schnittmenge der Summe dieser Erfahrungen werden:
Ein orchestraler Zugang zum zeitgenössischen Jazz über komplexe Partituren, die  gleichzeitig den individuellen Solistinnen und Solisten den entsprechenden  improvisatorischen Freiraum geben, klanglich geprägt von einem akustischen, in  diesem Fall bewusst elektronikfreien, an den Tugenden klassischen Orchesterspiels  geschulten Zusammenklang. (Christian Muthspiel, Jänner 2019)

ORJAZZTRA

• ​saxophones, clarinets
 Lisa Hofmaninger,
Fabian Rucker,
Astrid Wiesinger,
Robert Unterköfler,
Ilse Riedler,
Florian Bauer

• trumpet, flugelhorn
Gerhard Ornig,
Lorenz Raab,
Dominik Fuss

•  trombone 
Alois Eberl,
Daniel Holzleitner,
Christina Baumfried:

• piano:Philipp Nykrin

• bass
Judith Ferstl,
Beate Wiesinger

• drums
Judith Schwarz,
Marton Juhasz:
Christian Muthspiel: compositions, leader

PREMIERENKRITIK

Zu welcher Tages- und Nachtzeit jemand Ö1 aufdreht – er wird mit Ideen von Christian Muthspiel beschallt. Seit der Steirer die klassischen, dann wieder jazzigen Signations für den Sender komponiert hat, ist er ein Dauerbegleiter für Fans jenes Senders, der "gehört gehört". Der vielseitige Komponist, Posaunist, Pianist und Dirigent hat kurze Stücke ersonnen, die eine Weiterentwicklung vertragen würden. Von seinem neuen Projekt will Muthspiel die Ö1-Miniaturen allerdings freihalten.
Ein akustisches Déjà-vu muss, wer das neue Orjazztra Vienna  hört, also nicht fürchten. "Es ist vom ersten Ton an alles neu, ich wollte Neuland betreten." Die Musik des Orjazztra sei auch "komponiert und nicht arrangiert", beharrt Muthspiel auf den Unterschied. "Ich habe komplexe Partituren geschrieben, die dem Begriff Orchester so nahe sind wie dem Begriff Jazz. Ein Jazztune zu arrangieren, ist etwas Anderes, als eine 17-stimmige Partitur zu komponieren."
Carla Bley und das Vienna Art Orchestra, bei dem Muthspiel tätig war, sind Inspirationsquellen, die jedoch zu individuellen Stücken führen sollen. "Ich will jedoch nicht krampfhaft Einflüsse verleugnen. Würde jemand zu mir sagen, das Orjazztra klinge nach Bley, würde ich mich eher freuen als beleidigt sein." Schon die Besetzung mit doppelter Rhythmusgruppe, sechs Saxofonen mit vielen Wechselinstrumenten und einem eher kleinen Blechsatz sei aber sehr individuell "wie auch etwa der Schwerpunkt 'polyrhythmisches Komponieren'."
Vor allem der Begriff "Orchesterkultur" ist Muthspiel wichtig: "Ich meine damit aus der Klassik stammende Tugenden der Interpretation im Sinne von Klangfarben, Dynamik, Phrasierung." Es wundert nicht. Durch das Schreiben für große und kleinere Besetzungen und das Dirigieren opulenter Symphonik sei ihm "der große Apparat recht vertraut. Das heißt: Es löst bei mir Freude aus, ein siebzehnzeiliges Partiturblatt zu beschreiben, da viele grundsätzliche Fragen der Mehr- und Vielstimmigkeit in jeder Musik dieselben sind."

Muthspiel meint dabei die Aspekte Stimmführung, Kontrapunkt, Instrumentation und Balance, und das klingt nach profunder Handschrift. Allerdings "riecht" sein Projekt nach einer Verzahnung von Klassik und Jazz, die einst im Third Stream betrieben wurde und ein heikles Unterfangen blieb. "Das Orjazztra ist eindeutig ein Jazzprojekt, kein Third Stream oder Crossover. Es ist ein Jazzorchester mit hohem kompositorischem Anteil und dem Anspruch an einen gewissen Grad von Komplexität."
Eine noch so leichtfüßig klingende Riesencombo ist natürlich auch von der psychologischen Dynamik her speziell, also heikel. Wenn es da Konflikte gibt, ist der Leiter auch Therapeut, Mediator, Kummernummer. "Als Dirigent hat man immer mehrere Funktionen, aber künstlerische Konflikte können belebend sein", sagt Muthspiel, der keinen Zwist nahen sieht. Er habe vor allem "Lust, mit jungen Musikerinnen und Musikern zu arbeiten, das Durchschnittsalter ist um die 30!".
Durch deren "andere Spielweise und Sicht auf den Jazz – auch aufgrund völlig unterschiedlicher musikalischer Sozialisation als in meiner Generation – spüre ich eine Frische und Qualität, die mich inspiriert." Er habe sich viele Konzerte junger Bands angehört, "um mir ein Bild zu verschaffen, bevor ich – was die musikalische und menschliche Chemie anbelangt – die Band sehr bewusst zusammengestellt habe.
Und dass eine Schlagzeugerin, zwei Bassistinnen und drei Saxofonistinnen dabei sind, "repräsentiert den längst überfälligen Einzug der Frauen in die Jazzszene, welche diesbezüglich der Klassikwelt leider um Jahrzehnte hinterherhinkt." Selbst mitjazzen wird er nicht. "Wäre eindeutig zu viel. Außerdem sind 'meine' zwei Posaunisten so großartig, dass ich eigentlich eher froh bin, nicht mithalten zu müssen."
 (Ljubiša Tošić, 21.8,2019)

„Ich bin mit 17 jungen Leuten auf Entdeckungsreise“

Er ist einer von Österreichs bekanntesten Jazzmusikern: Posaunist, Pianist und Komponist. Außerdem dirigiert er regelmäßig klassische Orchester und schreibt auch Werke für sie. Jetzt hat Christian Muthspiel, geboren 1962 in der Steiermark, eine neue Herausforderung gefunden: eine Big Band – das ORJAZZTRA VIENNA.
Roland Spiegel, Jazzredakteur des Bayerischen Rundfunks, sprach mit ihm über das Projekt.

Roland Spiegel: 
Christian Muthspiel, als wir uns das letzte Mal trafen, sagten Sie mir: „Demnächst werde ich entweder einen Sechstausender besteigen oder eine Big Band gründen.“ Jetzt ist es die Big Band geworden. Ist das einfacher oder schwerer?

Christian Muthspiel: 
Was mich mit der künstlerischen und auch organisatorischen Leitung dieser Bigband erwartet, kann ich wahrscheinlich eher abschätzen als die Antwort auf die Frage, wie mein Kopf sich anfühlt auf 5500 Metern, und man hat noch 500 Meter vor sich. Aber solch eine Big Band ist natürlich schon eine große Geschichte.

Etwas, wofür man Mut und ziemlich viel Atem braucht?

Ja, ich habe Respekt davor. Aber ich habe eine wahnsinnig positive Energie dazu. Ich merke richtig: Ich muss das machen.

Obwohl solch eine Big Band schon finanziell ein riesiger Berg ist?

Ich kümmere mich mit Hilfe einiger Unterstützer – also Spendern, Institutionen und öffentlichen Förderungen – um die wirtschaftliche Grundausstattung des Orjazztra, die es erlauben soll, faire Gagen an meine Musikerinnen und Musiker zu bezahlen und das Orchester am Leben zu erhalten. Dass bei dem heutigen, katastrophalen Niveau der Jazzgagen ein so großes Ensemble nicht ohne relevante finanzielle Zuwendungen überleben kann, liegt auf der Hand. All jenen, die uns unterstützen, danke ich herzlichst.

„Ich muss das machen“, sagten Sie gerade. Was treibt Sie da so an?

Ich möchte meine kompositorischen Ideen einfach mal mit meiner eigenen großbesetzten Band umsetzen können. Und diese Band ist interessant: Wenn man mich wegzählt, ist das Durchschnittsalter um die 30, wir sind also sehr jung. Diese jungen Musikerinnen und Musiker haben mich sehr inspiriert. Ich habe mir die verschiedensten Bands und Aufnahmen dieser zum überwiegenden Teil sehr jungen Leute angehört, um herauszufinden, was und wie diese Jahrgänge musizieren.

Ich sehe hier auf der Liste, um nur ein paar Namen herauszugreifen: Lisa Hofmaninger, bei den Saxophonen und Klarinetten, Jahrgang 1991. Astrid Wiesinger, Jahrgang 1988, in derselben Instrumentengruppe. Beate Wiesinger, Bass, 1986. Dann sehe ich einen Tubisten: Tobias Ennemoser, 1991 geboren. Und die Schlagzeugerin Judith Schwarz, Jahrgang 1989.

Ich bin auf Entdeckungsreise gegangen, und das waren die Musikerinnen und Musiker, die ich unbedingt dabeihaben wollte. Diese Besetzung ist bewusst keine klassische Big-Band- Besetzung. Erstens habe ich einen sechsköpfigen Holzbläsersatz. Die spielen alle zwei bis drei verschiedene Saxophone und Klarinetten. Wenn sie alle nur ihr Hauptinstrument spielen, besteht der Satz aus Sopransaxophon, zwei Alt- und zwei Tenorsaxophonen sowie einem Bariton. Und dann eben ein etwas kleinerer Blechsatz mit drei Trompeten, zwei Posaunen und einer Tuba. Und dafür die doppelte Rhythmusgruppe mit zwei Schlagzeugen und zwei Bässen. Das ist schon ziemlich speziell besetzt. Denn ich wollte mich auch als Komponist austoben. Hier kann ich zum Beispiel Besetzungen machen mit drei Bassklarinetten und drei Sopransaxophonen. Und die doppelte Rhythmusgruppe bietet natürlich auch sehr viele Möglichkeiten des Konzipierens oder Komponierens.

Ihre Lust am Komponieren war also der zentrale Aspekt bei der Gründung dieses Orchesters?

Bei den verschiedenen Dingen, die ich die letzten Jahre und Jahrzehnte gemacht habe, ist eigentlich der gemeinsame Nenner wahrscheinlich meine Lust daran, Architekt zu sein. Und in der Musik ist es das Komponieren. Ich vermisse im Jazz immer wieder kompositorische Handschriften. Ich würde mir hin und wieder wünschen, dass viele der wunderbaren Spielerinnen und Spieler, die es heutzutage gibt, öfter auch, was das Komponieren betrifft, sich mehr ins Zeug legen würden. Ich habe vor, mit dieser Band eine wirkliche Orchesterkultur zu entwickeln, die auch daran geschult ist, was ich als klassischer Dirigent mache: also wirklich dynamisch spielen, wirklich an den Klangfarben arbeiten, wirklich an der Phrasierung arbeiten. Bei vielen Big Bands habe ich das Gefühl, dass die Dynamik oft nicht mitgedacht wird mit der Komposition. Das ist in der Klassik aber ein Hauptaspekt des Ausdrucks. Und vor allem auch die Balance innerhalb des Orchesters: Wie stehen die einzelnen Gruppen dynamisch zueinander? Da wird ganz fein austariert. Wann kommt was in den Vordergrund? Wie mischen sich verschiedene Instrumentengruppen? Ich freue mich sehr darauf, an solchen Dingen intensiv zu arbeiten.

Hat jemand wie Carla Bley für Sie eine Vorbildfunktion für die Arbeit mit so einer Big Band?

Carla Bley war eine der Musikerinnen, die überhaupt dafür verantwortlich sind, dass ich Jazzmusiker werden wollte. Es waren vier Konzerte, die das in mir beschlossen haben. Das eine war Albert Mangelsdorff solo. Das zweite die Carla Bley Big Band. Das dritte war das Art Ensemble of Chicago. Und nicht zu vergessen ein viertes Konzert: das Duo Harry Pepl /Werner Pirchner. Als ich 17, 18 war, war klar: In diese Welt möchte ich auch. Das waren alles Konzerte, die ich in Graz gehört hatte. Carla Bley war immer für mich sehr wichtig, vor allem in ihrer Eigenschaft als Komponistin. Sie hat innerhalb der Tradition des Jazz ihre eigene Handschrift gefunden. Die Carla Bley Big Band hat immer anders geklungen als alle anderen Big Bands. Wenn man jetzt Vorbilder nennen möchte – oder nennen wir es vielleicht eher Inspirationen -, dann sind es auf jeden Fall Carla Bley, Maria Schneider und natürlich Gil Evans. Und mich haben auch die zehn Jahre im Vienna Art Orchestra stark geprägt. Das Art Orchestra war seit Anbeginn, als ich noch lange nicht mitgespielt hatte, für mich immer eine sehr wichtige Band – auch weil sie so individuell und auch irgendwie europäisch geklungen, aber trotzdem gegroovt hat. Mathias Rüeggs eigene kompositorische Handschrift, dieser eigene Sound, zum Beispiel mit Lauren Newton, die die Lead-Stimme oft gesungen hat anstelle der Trompete: Solche Dinge haben mich immer fasziniert.

Soll das Orjazztra Vienna in gewisser Weise eine Fortsetzung des Vienna Art Orchester werden, das vor zehn Jahren aus finanziellen Gründen leider aufgelöst werden musste?

Es wird zwangsläufig etwas Eigenes, wenn ich die Musik schreibe. Und es ist auch anders besetzt, und ich habe andere Schwerpunkte oder andere Fragestellungen, die sich mir stellen während des Komponierens. Aber die Sehnsucht nach einer großen Besetzung hat mir schon damals Mathias Rüegg eingepflanzt. Die Energie, als wir damals unterwegs waren: Das war schon sehr tolles Gefühl, dass man da in einer Band von zwanzig Leuten unterwegs war. Und auch bei Mathias hatten die Solisten ihre eigenen Räume. Man war nicht austauschbar. Das ist mir sehr wichtig: dass die Musikerinnen und Musiker nicht austauschbar sind, dass sie ihre Freiräume bekommen. Und dass die Stimmen wirklich individuell sind. Ich habe ja schon ziemlich viele klassische Konzerte für Soloinstrument und Orchester geschrieben. Der Sound und die Spielweise des Solisten, für den ich das jeweils geschrieben habe: Ohne das wäre ich verhungert. Benjamin Schmid, Gautier Capucon oder Hakan Hardenberger: Diese Interpreten hatte ich mehr vor Ohren als vor Augen, als ich die Stücke komponiert habe. Und jetzt finde ich es so schön, dass es um 17 Menschen geht.

Musiker, die 1988 oder 1991 geboren sind, haben ja einen völlig anderen musikalischen Background von der Sozialisation her als jemand, der 1962 geboren ist. Wie fließt das ein in die Arbeit an den Stücken?

Ich merke das jetzt schon beim Schreiben: Ich habe großen Spaß an ziemlich komplizierten ungeraden Taktarten, weil die junge Generation inzwischen so selbstverständlich damit umgeht, wie wir das damals überhaupt nicht gemacht haben. Das fordert mich jetzt zum Beispiel schon heraus. Und natürlich auch, was die Rhythmusgruppe betrifft. Einflüsse zum Beispiel von Stilen wie Hip-Hop oder Drum’n’Bass, verschiedene Formen von Techno und so weiter, und das fließt natürlich ein in die Spielweise. Ich habe ja die letzten Jahre immer mit Musikern gespielt, die gleich alt oder älter waren als ich, und jetzt habe ich große Lust drauf, diese andere musikalische Sozialisation in meiner eigenen Band zu hören. Zwei Drittel der Band sind im Alter meiner Tochter!

Sie sind jetzt also ständig damit beschäftigt, neue musikalische Sprachen zu lernen?

In diesem Fall ganz stark. In meinen letzten Jazzprojekten ging es eher darum, mich in vertrauten Sprachen erneut zu bewegen: die Dowland-Projekte, die Yodel-Group, die Duos mit Steve Swallow. Aber jetzt kommt wirklich etwas ganz anderes. Jetzt kann ich auf nichts zurückgreifen. Ich hatte noch nie eine eigene Big Band. Ich habe jetzt nicht 30 Partituren in der Schublade. Sondern ich schreibe wirklich alles neu. Und es ist eine Entdeckungsreise.

So, wie wenn man neue Luft ganz weit oben auf sechstausend Metern atmet, die vielleicht auch manchmal dünner ist als die vertraute?

Ja, das ist ein guter Vergleich. Es reißt mich jetzt ein bisschen hin und her zwischen Euphorie und Respekt. Da spielt auch die Tatsache hinein, dass viele Veranstalter sofort gesagt haben: Ja, ihr müsst unbedingt in der ersten Saison zu uns kommen! Ich kann noch keinen einzigen Ton vorspielen, es gibt ja noch nichts – und trotzdem haben wir schon eine ganze Saison gebucht

Pop-Avantgarde at its finest. Praktisch seit seiner Gründung 2016 genießt das Wiener Quintett 5K HD den Status einer genialen Supergroup, in der die Hypervirtuosität des Jazz-Quartetts Kompost 3 mit der Hyperindividualität von Mira Lu Kovacs‘ Popstimme in bahnbrechender Symbiose lebt. Das ist österreichische Musik von Weltformat.

Stimme: Mira Lu Kovacs
Keyboards: Benny Omerzell
Bass: Manu MayrTrompete: Martin Eberle
Schlagzeug: Andi Lettner

Als 2017 das 5K HD-Debütalbum „And To In A“ veröffentlicht wurde, war das ein echter Geniestreich: Jazz trifft darauf auf Pop und Elektronik, Post-Rock, Post-Modernismus, Post-Genre. Elemente werden sorgfältig konstruiert, aufgebaut und dann plötzlich zerlegt, zerbrochen und zerstört.
Wie erfreulich also, dass das Projekt, entstanden aus einer Zusammenarbeit von Mira Lu Kovacs (unter anderem Schmieds Puls) und der Gruppe Kompost 3 nicht nur mit neuer Musik zurückkehrt, sondern nahtlos an den hervorragenden, vorherigen Output anschließt - und darauf aufbaut: Mehr Dekonstruktion, mehr Noise, mehr Aufeinandertreffen von Dissonanz und Harmonie.
Widersprüche, Ambiguität, ein Ausforschen der Bruchstellen: Was 5K HD auszeichnet, ist auch in „In, Out“ zu finden. Pausen, Melodien, Akkorde und stetiger, bedächtiger Aufbau wirken mal konstruiert, mal zufällig. So klar ist das nicht bei dieser Gruppe, die sich in Grauzonen wohlfühlt. Was in der Instrumentierung nicht klar zu greifen ist, zieht sich auch durch die Lyrics: „There is enough room for both us“, singt Mira Lu Kovacs noch bevor ein einziger Takt gespielt wurde. Ein Kompromiss, eine Botschaft der offenen Arme, der Toleranz? Was kurz klar ist, wird plötzlich doch nicht so einfach. Wie das eben oft so ist im Leben und in der Musik dieser Gruppe: „But I want all of it“, führt Kovacs weiter. (FM4)

Als 
5K HD
im Jahr 2017 ihr Debüt-Album 
"And To In A" 
präsentierten, war aus dem Nichts
 eine Band da, die sofort als Supergroup bezeichnet wurde – alle Musiker_innen keine
 Unbekannten und fusioniert eine Live-Gewalt, die auf den Popfestivals als
Stimmungsmacher und auf den Jazzfestivals als virtuose Soundtüftler abgefeiert wurden.
 Kaum eine Band ist derartig frei, nimmt sich so viel heraus und schafft diesen
 musikalischen Spagat. 
5K HD
 klingt futuristisch, zerbrechlich, episch, brachial, verspielt,
bedrohlich, cineastisch, verzerrt, locker flockig, dope, bad ass, sensitive.
 5K HD 
ist ein eingängiges und auf euphorische Art verstörendes Pop- und Hochkultur-
Experiment, das gänzlich ohne Laptop auskommt, auch wenn es sich oft nach dem
 Gegenteil anhört. Die Fähigkeiten und der Background dieser Musiker_innen führt
 dermaßen weit und tief, dass sie tatsächlich machen können, was sie wollen. Es ist eine
 jener Bands, die man sinnvoller Weise nicht danach fragt, was für eine Musik sie machen. 
5K HD 
hat als etwas angefangen, das nicht geplant war. 
"And To In A" 
ist aus einem 
schnellen und intensiven Sog entstanden, ohne ausgeklügeltes Konzept und versammelt 
musikalisch unter einem Dach, was sich scheinbar ausschließt oder nur selten trifft. Ihre
Sounds, Rhythmen und Perspektiven haben 
5K HD 
aus einem gigantischen Spektrum
gewählt, das vielschichtig und widersprüchlich ist, daraus entstanden ist eine genaue und 
für sie spezifische musikalische Sprache, die sich wieder erkennen aber nicht benennen
 lässt. Sowohl die Stimme als auch die Instrumente werden dermaßen verfremdet, dass
 man aus den Augen verliert, wer welchen Sound verursacht. Die Band vermischt die 
tradierten Rollen ihrer Instrumente, lässt den Bass spielen, was normaler Weise vom
 Keyboard kommt oder verteilt die Fingerfolgen einer Klavierkomposition auf die anderen 
Instrumente. Ein elektronischer Klang bekommt die Struktur eines barocken Madrigal. 
Elemente aus Minimal, Trap und Oper werden in komplexe Kompositionen verwandelt, die
so easy daher kommen, wie Jazz auf Heroin. Wer nicht Musik studiert hat, wird all die
 Formen, Anspielungen und ihre Berechnungen nicht benennen können, sie sehr wohl aber 
spüren. Die Musik kommt einem oft fremd und vertraut vor, ohne dass man kapiert,


 warum. Viele haben gesagt, sie können kaum glauben, dass alle Sounds von der Bühne kommen und live gespielt werden. Das macht die Band auch zu einer, der man gerne auf die Finger schaut.

Nach 1 ½ Jahren des internationalen Tourens setzt 5K HD zum nächsten Wurf an und veröffentlicht im Herbst das zweite Album: HIGH PERFORMER. Diesmal entstanden in keinem Vulkanausbruch-Verfahren wie "And To In A", sondern mit viel Zeit, einem genauem Blick und dem Ziel noch mehr zu forschen, noch mehr auszureizen, sich noch mehr aus dem Fenster zu lehnen, das Farbenspektrum noch einmal zu erweitern, die Verläufe noch schöner zu gestalten, noch mehr ins Detail zu gehen, noch hochauflösender zu werden, noch ins Ohr ziehendere Melodien zu finden und trotzdem unvorhersehbar zu bleiben, also den schmalen Grad zwischen eingängigem Pop und experimenteller Musik im 5K HD Universum zu definieren.

Nicht von ungefähr hat sich die Band einen fiktiv ungeraden, kalten und auf eine bereits veraltende Technologie verweisenden Produktnamen gegeben. 5K HD sieht sich ausserhalb und mitten in einer schnelllebigen Industrie, wo dem HIGH PERFORMER, einem Workaholic ohne die Symptome eines Workaholics, die Welt zu Füßen liegt. Jeder Mensch, jede Handlung, jede Minute ist Teil der allumfassenden Wirtschaftlichkeit. In ihrer Kritik und Identifikation werden 5K HD einem scheinbar billigen Klang eines Spielzeugsynthezisers eine symphonische Ästhetik andichten, brutale Bilder und poetische Reflexionen entwickeln, dabei creepy, komisch, düster und leichtfüßig sein.

5K HD ist wie ein Alien, der landet, und nachdem er abgezogen ist, fragt man ob man gerade erleuchtet oder geblendet wurde.

JULiA LACHERSTORFER: SPINNERIN. [a female narrative]

Wer alle Fäden in der Hand hält, hat sein Leben im Griff – verliert man hingegen den Faden, gerät der Erzählfluss ins Stocken. Derartige Redewendungen verweisen auf ein altes, ursprünglich ausschließlich von Frauen ausgeführtes Handwerk – nämlich jenes, des Spinnens. Während verheiratete Frauen dieser Tätigkeit in ihrem eigenen Zuhause nachgingen, trafen sich die Unverheirateten in sogenannten Spinnstuben, um gemeinsam der Handarbeit nachzugehen. Die nahezu meditative, sich verselbstständigende Arbeit ermöglichte dabei vor allem einen Rahmen, in dem Frauen sich verbal austauschen konnten. Auf diese Weise wurden nicht nur Fäden, sondern vor allem Geschichten gesponnen, die vom Leben erzählen. In unseren Volksmärchen steht das Spinnrad deshalb symbolisch für den Kreislauf des Lebens und für das Geschichtenerzählen an sich, für Anfang und Ende – Leben und Tod.
In ihrem Solo-Debüt Spinnerin [a female narrative] begibt sich Julia Lacherstorfer auf eine musikalische Spurensuche nach einer weiblichen Perspektive im österreichischen Liedgut und wirft zunächst Fragen auf: Wo sind all die Lieder, die von Verlusten und Überforderungen, Sehnsüchten und vom stillem Ertragen einerseits, andererseits von Verführung, Wut und Verweigerung erzählen? Warum sind sowenig Geschichten und Lieder überliefert, in denen sich Weiblichkeit selbst definieren darf?

Alles Suchen und Spinnen begann mit einer Erkenntnis: Die Lieder, die mir einst mein Großvater beigebracht hat, und die ich über alles liebe, sie kommen mir immer weniger leicht über die Lippen. Woran liegt das? Zwar bin ich mit Volksmusik aufgewachsen, dennoch habe ich Jahrzehnte gebraucht, um zu begreifen, dass ein Großteil der traditionellen Lieder, die ich seit Kindheitstagen singe, eine männliche Geschichte erzählen. Diese Erkenntnis traf mich vor einiger Zeit mit voller Wucht und weckte in mir den Wunsch, die weibliche Perspektive in unserem Liedgut mehr ins Bewusstsein – und somit auch ins Zentrum meines Schaffens ­zu rücken.
Ich habe Frauen besucht und nach ihrer Geschichte gefragt, und sie hatten viel zu erzählen. Sehr viel mehr als nur über ihre Küchen- und Handarbeit und das Kinderhüten. Und diese Geschichten sind es, die ich hier gesammelt habe.
Ich widme dieses Projekt einer zeitgemäßen künstlerischen Auseinandersetzung mit den Lebens- und Leidensgeschichten von Frauen und dem sozio-kulturellen Erbe, das sie uns hinterlassen. Es soll einen Beitrag leisten, unsere Überlieferungen von einer anderen Seite zu beleuchten, unsere Volksmusikforschung und das Material unserer Archive ein wenig weiblicher und somit diverser zu gestalten.
Das Besondere am Projekt „Spinnerin“ ist für mich einerseits das Wagnis, mich erstmals als Solokünstlerin zu zeigen, ohne den schützenden Halt eines Kollektivs, andererseits ist es die inhaltlich feministische und experimentelle Komponente.
„Spinnerin“ ist mehr als nur ein Album mit neuen Volksliedern – es spinnt ein narratives Netz, verbunden durch Ungesagtes und Ungesehenes. Vielleicht auch bisher Ungefühltes. Es ist ein Hinfühlen an Orte, an denen man sich oftmals lieber vorbeiwindet. „Spinnerin“ möchte auf subtile Art und Weise Vergrabenes an die Oberfläche bringen.
Ich wünsche Ihnen das größtmögliche Hörvergnügen!
(Julia Lacherstorfer)

JULiA LACHERSTORFER: BiO.

Schon seit Kindheitsbeinen an flechten sich in Julia Lacherstorfers Leben vielfältige Musikerfahrungen in die Selbstverständlichkeit des Alltäglichen. Im Haus der Lacherstorfers im Oberösterreichischen Traunviertel werden seltsam anmutende Klänge, wie das Schnarren der Drehleier des Vaters, das Klackern des Spinnrades der Mutter oder das aus dem Obergeschoss dringende Akkordeonspiel des Großvaters  schnell zu vertrauten Klängen und Geräuschen, die Julias Kinderohren prägen. Beide Elternteile sind volksmusikantisch aktiv, weshalb sowohl der Tanzboden, als auch die Bühne zu vertrautem Terrain zählen. Aber nicht nur die heimischen Traditionen sind in den Alltag der Familie verwoben – auch der Austausch mit anderen Musikgruppen wird über Landesgrenzen hinweg gepflegt. In der schier unerschöpflichen Plattensammlung des Vaters offenbart sich der kleinen Julia ein musikalisch reichhaltiger und vielfältiger Kosmos, den sie sich nach und nach zu eigen macht. Auf den jährlich stattfindenden Musikant*innenwochen entpuppt sich schließlich die Geige als bevorzugtes Instrument und Ventil ihres kreativen Ausdrucks.

Bis heute schöpft Julia Lacherstorfer Kraft und Inspiration aus den musikalischen Erfahrungen ihrer Kindheit und der volksmusikalischen Tradition ihrer Heimatregion, ohne dabei den Sinn für Gegenwärtiges zu verlieren. Die Unmittelbarkeit und das freie Spiel des Musikant*innentums findet sie später in der improvisierten Musik  eher wieder, als in der klassischen, sogenannten E-Musik. Nach einem Schulmusik-Studium an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien, setzt die in jungen Jahren schon  sehr bühnenerfahrene Musikerin deshalb ihren Ausbildungsweg donauaufwärts an der Anton Bruckner Universität in Linz im Fach Jazz und improvisierter Musik fort.

Mit der Gründung des Ensembles „Alma“ und dem Duo „Ramsch und Rosen“ 2011 erfüllt sich Lacherstorfer einen langjährigen Wunsch, nämlich, sich an der Seite jener Partner*innen künstlerisch zu professionalisieren, denen sie sich musikalisch und menschlich am nächsten fühlt. Mit Ihnen gemeinsam widmet sie sich der Verwertung traditioneller Aspekte in der österreichischen und europäischen Volksmusik und achtet dabei stets auf die Transportierbarkeit in die heutige Zeit.
Als Komponistin lotet Lacherstorfer die Grenzen zwischen Vertrautem und Unerwartbarem aus, zwischen der Eingängigkeit traditioneller Melodien und der Unberechenbarkeit, die improvisierter Musik innewohnt. Als Performerin legt sie besonderen Stellenwert auf den Bezug zum Publikum, lässt Bilder und Assoziationen zu, um ihre Musik nachvollziehbar und erlebbar zu machen.
Nicht zuletzt durch ihre langjährige Tätigkeit als Workshopreferentin im Bereich Volksmusik, Jodeln und Improvisation und durch die Übernahme der Intendanz des Festivals wellenklænge in Lunz am See seit 2018, nimmt Julia Lacherstorfer nun auch Einfluss auf Gegenwart und Zukunft, indem sie Musiker*innen und Künstler*innen eine Plattform bietet. Als Performerin und Komponistin besticht Julia Lacherstorfer durch ihre Spielfreude, Virtuosität und künstlerische Neugierde und ist deshalb aus der österreichischen Musikszene längst nicht mehr weg zu denken. Eingebettet in zahlreiche Band-Formationen, Ensembles und Spielarten, arbeitet sie nun an ihrem Solo-Programm „Die Spinnerin“ und begibt sich dabei auf eine musikalische Spurensuche nach weiblicher Identität, nach ihrem gegenwärtigen Bezug zur Welt und sich selbst

Seit er denken kann, fotografiert Bronski das Unglück. Richtet seinen Blick auf das Dunkle in der Welt. Dort wo Menschen sterben, taucht er auf. Er hält das Unheil fest, ist fasziniert von der Stille des Todes. Es ist wie eine Sucht. Bronski ist dem Tod näher als allem anderen, er lebt nur noch für seine Arbeit und seine geheime Leidenschaft. Das Fotografieren, analog. Dafür zieht er sich zurück in seine Dunkelkammer. Es sind Kunstwerke, die er hier schafft. Porträts von toten Menschen. Es ist sein Versuch, wieder Sinn zu finden nach einem schweren Schicksalsschlag.

DUNKELKAMMER

Es ist Winter in Innsbruck. Ein Obdachloser rettet sich in eine seit langem leerstehende Wohnung am Waldrand. Im Schlafzimmer findet er eine Leiche, die dort seit zwanzig Jahren unentdeckt geblieben war. Ein gefundenes Fressen für Pressefotograf David Bronski. Gemeinsam mit seiner Journalistenkollegin Svenja Spielmann soll er vom Tatort berichten und die Geschichte der Toten recherchieren. Dass dieser Fall jenseits des Spektakulären aber auch etwas mit ihm zu tun hat, verschweigt er.

"Aichners Roman ist außergewöhnlich. Sehr eindringlich, sehr geschickt konstruiert, stilistisch und dramaturgisch unverwechselbar." Ö1
"Dunkelkammer ist: Spektakulär geplottet, genial konstruiert, klasse erzählt - ein absolut zeitgenössischer Thriller auf allerhöchstem Niveau. Kann man sich mit wegknallen, macht richtig Spaß - auch wenn Bernhard Aichner bei den (notwendigen) Zumutungen ganz schön an die Grenze geht, wie übrigens auch sonst in jeder Hinsicht. Also: Loopings, Richtungswechsel, Wendungen, Abstürze und Kurven, bei denen es eigentlich physikalisch unmöglich ist, dass du in der Spur bleibst. Unbedingt lesen!" WDR / ULRICH NOLLER
​"Die Seiten blättern sich fast von selbst um." APA

Gegenlicht

Es ist Sommer in Berlin. Ein Mann fällt vom Himmel. Ein blinder Passagier, versteckt im Fahrwerkraum eines Flugzeugs. Ein Leben, das im Garten einer hübschen Jugendstilvilla endet. Noch im Tod wird der Mann beraubt - und eine Geschichte aus Not und Gier nimmt ihren Anfang. Sie wird viele Leben kosten und manche Träume zerstören. Pressefotograf Bronski und seine Kollegin Svenja Spielmann recherchieren in einer Welt der Gewalt und des schönen Scheins. 
Seit er denken kann, fotografiert Bronski das Unglück. Richtet seinen Blick auf das Dunkle in der Welt. Dort, wo Menschen sterben, taucht er auf. Er hält das Unheil fest, ist fasziniert von der Stille des Todes - und immer wieder auf der Suche nach einem Leben, das Sinn verspricht und auf die Liebe setzt.

Pressestimmen
Präzise zeichnet Aichner implodierende Welten und vergisst dennoch nicht die Menschlichkeit. Virtuos. Mehr davon. 3SAT KULTURZEIT
Es wird schnell, finster und blutig. Und lässt einen nicht mehr los. WELT AM SONNTAG
Autor Bernhard Aichner ist ein absolutes Phänomen: Egal, was er anpackt, es funktioniert. Seit vielen Jahren begeistert der Innsbrucker mit so wunderbaren Reihen wie den Max-Broll-Krimis, der Totenfrau-Trilogie oder wie zuletzt dem starken Thriller Der Fund. (...) Die besondere Klasse Aichners besteht nicht alleine darin, dass er seinen ganz eigenen Schreibstil hat. Er hebt sich vor allem deswegen von der breiten Masse der Autoren ab, weil er in erster Linie ein wundervoller Geschichtenerzähler ist. (...) Wenn am Ende die zahlreichen Handlungsfäden reibungslos zusammengeführt werden, zeigt sich einmal mehr die große erzählerische Stärke Aichners. Der Roman nimmt die Leser mit auf eine Achterbahnfahrt zwischen Spannung, Gefühl und einer klug durchdachten Story. Hier passt einfach alles: glaubwürdige, lebensechte Figuren, eine packende Geschichte mit überraschenden Wendungen und ein abwechslungsreicher, kurzweiliger Schreibstil. Einfach Aichner eben. KRIMI-COUCH

BERNHARD AICHNER // EIN INTERVIEW IM STERN

Sein Bestseller "Totenfrau" wird als Koproduktion von Netflix und ORF verfilmt, für den österreichischen Schriftsteller Bernhard Aichner (49) ein "Wunder". Geplant ist eine sechsteilige Serie über die Bestatterin Blum, die nach dem Tod ihres Mannes Rache sucht. "Netflix bedeutet: 'Totenfrau' wird in 30 Sprachen synchronisiert und in 190 Ländern gesendet", erklärt Aichner im Interview mit spot on news: "Blum wird ein Weltstar. Das ist mehr als ein Ritterschlag. Eigentlich ist es ein Wunder. Ich bin in einem kleinen Dorf in Osttirol aufgewachsen, habe Rocky verehrt, wollte wie er das Unmögliche möglich machen. Das ist gelungen. Krasser Scheiß!"

"Ich durfte den Produktionsprozess begleiten, habe an den Drehbüchern nicht mitgeschrieben, sie aber gelesen, und für großartig befunden", erzählt der 49-Jährige über das Projekt weiter. "Ein Glück. Auch die Besetzung, zu der ich im Moment nur so viel sagen darf: Absolute Publikumslieblinge werden mitspielen, einige deutschsprachige Top-Stars sind am Start. Ende April gehen die Dreharbeiten los."

"Absolut verrückt ist das!"

Eine Starbesetzung gibt es auch für eine weitere Aichner-Verfilmung, den Krimi "Broll - Für immer tot". "Jürgen Vogel und Laurence Rupp sind ein Dreamteam. Die beiden werden das Publikum mit ihrem hochemotionalen Spiel verzaubern. Gesendet wird im Herbst im ZDF und ORF", so der Autor. Und die beiden Adaptionen könnten erst der Anfang sein. "Mehrere Produzenten arbeiten im Hintergrund auf Hochtouren. 'Bösland' und 'Der Fund' werden gerade entwickelt. Genauso wie 'Nur Blau'. Ich darf auch hier nur so viel verraten: Es schaut gar nicht schlecht aus. Absolut verrückt ist das!"

Ein weiterer Held kommt nun mit Aichners neuem Buch "Dunkelkammer" (btb) hinzu. David Bronski ist Pressefotograf - genau wie sein Schöpfer früher. "Bevor ich mich der Werbefotografie verschrieb, war ich fünf Jahre lang für eine große österreichische Tageszeitung als Pressefotograf tätig", erzählt Aichner. "Ich denke sehr oft an diese wilde Zeit zurück, in der ich siebzig Stunden in der Woche unterwegs war. Immer auf der Jagd nach dem besten Bild. Wie im Rausch bin ich mit Mitte 20 durch Tirol gerast und habe die Wirklichkeit abgebildet. Meistens ungeschönt. Bewegende Bilder sind da entstanden, manche von ihnen begleiten mich bis heute. Ich habe meinem Helden David Bronski meine Erfahrungen auf den Leib geschrieben. Meine Arbeit von damals hat sehr geholfen, ihn authentisch zu zeichnen."

"Ich war mir damals sicher, dass ich sterben werde"

Aichner war als Pressefotograf 1999 nach der Lawinenkatastrophe in Galtür. Nicht seine einzige Erfahrung mit dem Tod. 2004 hat er in Thailand den Tsunami überlebt. "Galtür war grausam", erinnert er sich. "Wie die Medienleute über das zerstörte Dorf hergefallen sind, hat mich schockiert. Teil dieser gnadenlosen Meute zu sein, hat mich nachdenken lassen. Wir haben die Zerstörung fotografiert, Menschen genötigt, uns ihre Trauer zu zeigen. Unschön war das. Geld mit dem Unglück der anderen zu verdienen, macht etwas mit einem", sagt er heute.

"Und der Tsunami? Das war mein Alptraum, der mich viele Jahre begleitet hat. Ich war mir damals hundertprozentig sicher, dass ich sterben werde. Mit meinem einjährigen Sohn im Arm stand ich da und schaute zu, wie das Wasser kam. Ich dachte, die Welt geht unter. Glücklicherweise haben wir überlebt. Und das hat mich demütig gemacht. Mir ist klar geworden, dass jeder Tag der letzte sein kann. Dass der Tod zum Leben dazugehört."

Und er fügt hinzu: "Bei meiner Recherche zu 'Totenfrau' habe ich dann in einem Bestattungsinstitut mitgearbeitet. Ich durfte mithelfen, die Verstorbenen für die Verabschiedung am offenen Sarg vorzubereiten. Ich habe sie gewaschen, Wunden versorgt, sie angezogen und eingebettet. Das war heilend. Seit damals habe ich keine Angst mehr vor dem Tod."

Über den Protagonisten seines neuen Krimis verrät Aichner: "Bronski ist einsam. Lebt allein. Er hat sein Kind und seine Frau verloren, das einzige, das ihm Trost spendet, sind die Porträts, die er von toten Menschen macht. Klingt krass, ist es auch. Trotzdem gelingt es, diesen vom Schicksal Verwundeten, aus seiner Dunkelkammer wieder ins Licht zu zerren. Da ich wahnsinnig auf Happy Ends stehe, habe ich ihm eine Frau an die Seite gestellt, die ihn rettet. Eine Polizeireporterin mit Herz und Verstand. Die bessere Hälfte meines Helden."

Er hoffe, dass ihn Bronski sehr lange begleiten werde, erklärt der Autor. "Sollten die Leserinnen und Leser die Figur ebenso lieben wie ich, wird es noch viele Bücher geben. Bronski ermöglicht mir, mich als Fotograf so auszutoben, wie ich es im wirklichen Leben niemals könnte. Und das macht verdammt viel Spaß." Und welche seiner Figuren liegt dem Schriftsteller am meisten am Herzen? "Die Bestatterin Brünhilde Blum hat mein Leben verändert. Seit dem internationalen Durchbruch 2014 kann ich vom Schreiben leben, sie hat meinen Traum verwirklicht. Dafür werde ich sie immer lieben. Noch dazu ist sie eine Hammer-Frau. Sie hat zwar 13 Menschen umgebracht, trotzdem mag man sie. Und das muss man erstmal hinkriegen."

Über sein Leben während der Pandemie sagt der 49-Jährige: "Ich saß am Schreibtisch und habe geschrieben wie ein Teufel. Tue es immer noch. Bis dieser Irrsinn endet. Und wir uns alle gemeinsam hemmungslos betrinken, und uns mit einem Lächeln im Gesicht in den Armen liegen." Im Juli schon erscheint "Gegenlicht", Band zwei der Bronski-Reihe. Im Winter folgt Band drei. "Ich schreibe. Und schreibe. Und schreibe. Zwischendurch schmuse ich mit meiner Frau, spiele mit den Kindern 'Siedler von Catan' und gehe mit dem Hund raus." 

Mit der bezaubernden Fadista JOANA JOANA AMENDOEIRA kommt eine der ganz großen jungen Stars der Szene auf die Treibhaus-Garten-Bühne.
Joana Amendoeira gehört zu den etablierten Größen der “jungen Generation” in Portugal. Die internationale Presse feiert sie als “die neue Diva des Fado”.

Sie wurde 1994 bei der “Grande Noite do Fado” entdeckt und durchlebte seither eine weltumspannende Karriere, bei der sie mehr oder weniger mit allen wichtigen Leuten der Szene im Studio oder auf der Bühne gearbeitet hat, alle relevanten Auszeichnungen erhielt die man bekommen kann, 9 CDs veröffentlichte, die größten Opernhäuser (zB Royal Opera Londen ) und Musik-Theater (zB Concertgebouw Amsterdam) ausverkaufte und auf den wichtigsten Festivals der Welt aufgetreten ist.

1998 war sie mit 16 die jüngste Künstlerin Portugals die je eine eigene CD auf den Markt brachte! Mit der Veröffentlichung ihrer zweiten CD “Aquela Rua” im Jahr 2000 wurde sie auch fixes Mitglied im Ensemble des “Clube de Fado”, dem besten Haus für Fado in Lissabon. Dazwischen ging es immer wieder auf Tourneen nach Japan, Holland, Brasilien oder Russland. Ob ihres großen Erfolgs wurde sie bereits 2001/2002 in Portugal eingeladen an Anthologien und Dokumentationen über den Fado teilzunehmen, auch für die TV-Serie „African Jewel” wurde sie engagiert zu singen.
Mit ihrer dritten CD „Joana Amondeira” ging sie erneut auf Welttournee. 2004 zeichnete sie die portugiesische Presse-Vereinigung mit dem begehrten „Revelation Award” aus, was sie endgültig zur neuen Ikone des Fado machte.

Line Up:
Joana Amendoeira (vocals)
Pedro Amendoeira (Guitarra Portuguesa)
Joao (Classic Guitar)
Carlos Menezes (Acoustic Bass)

https://www.youtube.com/watch?v=CKO2Nutx3Pc

Trio Chemirani

Djamchid Chemirani und seine 2 Söhne Kevyan &  Bijan CHEMIRANI

Als Vertreter der klassischen persischen Musik erweitert das Trio um Djamschid Chemirani und seine beiden Söhne Keyvan und Bijan den musikalischen Horizont, indem es Klänge und Emotionen unterschiedlichster kultureller Traditionen der Welt auf überzeugende Weise zu integrieren versteht. Hierbei entsteht etwas, das seinen Nachhall nicht nur im Körper findet, sondern auch im Geist. Auch wenn Jamschid Chemirani in klassischer persischer Musik ausgebildet wurde, so hat er sich doch nie ausschließlich auf dieses Genre beschränkt. Bereits im Jahr 1985 arbeitete er mit dem berühmten britischen Regisseur Peter Brook an dessen Produktion der "Mahabharata", des indischen Epos vom Leben der Götter.

Chemiranis Söhne wurden, so zeigte sich, nicht nur von der Musik ihres Vaters beeinflusst, sondern auch von seiner Neugier auf andere musikalische Ausdrucksformen, was sie schließlich dazu veranlasste, sich intensiver mit fremden musikalischen Traditionen zu befassen. Dabei interessierten sie sich aber nicht ausschließlich für die Musik, sondern studierten außerdem Sprachen und erforschten, in welcher Weise sich kulturelle Sprachmuster auf Musik auswirken können, wenn unterschiedliche Musiker zusammenarbeiten.

Was bei "ihnen  zusammenfließt, sind die Studien der Söhne und die musikalische Tradition des Vaters. Während die Instrumente Zarb (oder Tombak), eine traditionelle hölzerne Bechertrommel, von allen drei Musikern gespielt wird, spielt der jüngere der beiden Brüder auch die Daf, eine persische Rahmentrommel. Gelegentlich wird die Perkussion noch angereichert durch einen von Keyvan gespielten persischen Santur, ein Instrument, das mit Holzschlägeln gespielt wird und mit dem europäischen Hackbrett verwandt ist, sowie durch seinen Bruder Bijan, wenn er die Saz (oder Baglama) spielt, ein viersaitiges Instrument mit langem Hals.

So kreirt das Trio  einen universellen Rhythmus, der sich in eine universelle Sprache übertragen lässt. Auch wenn jeder Hörer seinen eigenen Geschmack und eigene Vorlieben haben mag, so wird doch jeder in der Musik etwas für sich entdecken.Wenn man diesen drei Männern beim Musizieren zuhört, ist man unweigerlich fasziniert von der Klangvielfalt und vom Reichtum an Emotionen, die sie mit so wenigen und einfachen Instrumenten zu transportieren in der Lage sind. Jedes Lied ist wie ein kunstvoll gestalteter Teppich, gewebt aus rhythmischen Mustern, mit denen ein Bild voller Schönheit erschaffen wird.

Djamchid Chemirani

Djamchid Chemirani ist ein 1942 in Teheran geborener Musiker. Sein großes Improvisationstalent in Verbindung mit einer tadellosen Technik macht ihn zu einem gesuchten Interpreten unter den Perkussionisten. Er nahm schon in sehr jungen Jahren Zarb-Unterricht bei dem Meister Hossein Teherani, der den Wandel des Zarb vom Begleitinstrument zum Soloinstrument vorantrieb. Er war ein überaus begabter Schüler, so dass er seinen Lehrer regelmäßig bei Konzerten im iranischen Rundfunk und Fernsehen vertrat. Schnell war er als sein würdiger Nachfolger anerkannt; er begann eine internationale Karriere und trat schon bald an der Seite der bedeutendsten persischen Meister auf (Darioush Tala’i, Majid Kiani...). 1961 ließ er sich in Frankreich nieder, und das französische Publikum hatte Gelegenheit, ihn in zahlreichen Konzerten im Théâtre de la Ville zu entdecken. Er erschloss dem Instrument neue Ausdrucksformen wie das Theater – er war an Mahabharata von Peter Brook beteiligt –, den Tanz (Maurice Béjart, Carolyn Carlson), den Jazz und die Musik des Mittelalters (Clemencic Consort...). Er hat zahlreiche Musiker in den Techniken des Zarb unterwiesen, u.a. Jean-Pierre Drouet, den Komponisten zeitgenössischer Musik, mit dem er gelegentlich auftritt, und Bruno Caillat. Seine vielversprechendsten Schüler waren aber seine Söhne Bijan und Keyvan. Neben dem Zarb spielen seine beiden Söhne auch andere orientalische Perkussionsinstrumente, etwa den Daf, den Bendir und den Udu. Ihr Trio, dessen Stärke, wie man sich denken kann, ihre starke Verbundenheit ist, ist die Attraktion der Weltmusikfestivals und hat in aller Welt Erfolg (Sydney Opera House, Oper Peking, Oper Taiwan, Vereinigte Staaten, Europa...). Virtuos und stets offen für Neues, war es an zahlreichen Produktionen in den verschiedensten Bereichen der Musik beteiligt.

Bijan Chemirani

Mitte der 80er Jahre griff Bijan Chemirani im Alter von 7 Jahren erstmals nach einem Musikinstrument. Was seine Finger damals dem Zarb aus Pappmaché entlockten, den sein Vater aus dem Iran mitgebracht hatte, war ein alles andere als vollkommener Rhythmus, aber nachdem er lange genug zugehört, beobachtet und geübt hatte, wurde Bijan wie sein Vater und sein Bruder  Keyvan ein Meister des Zarb. Er studierte den Zarb allein mit seinem Vater oder im Trio mit seinem älteren Bruder Keyvan. Ende der 90er Jahre hielten Djamchid und Keyvan die Zeit für gekommen, mit Bijan das Trio Chemirani zu gründen. Ihr virtuoses Zusammenspiel setzt die Liebhaber traditioneller Musik ebenso in Erstaunen wie erfahrene Musikliebhaber. Sie haben Freude am Unerwarteten und suchen die Zusammenarbeit mit anderen Musikern. Die Begegnung mit dem auf Kreta lebenden irischen Musiker Ross Daly war von ganz besonderer Bedeutung. Seiner Meinung nach „sollte sich die traditionelle Musik vom Erfindungsreichtum der Musiker von heute ebenso befruchten lassen wie durch die Kenntnis der Vergangenheit“. Diese Philosophie war für Bijan ein Aha-Erlebnis. Der in Marseille lebende Bijan war dem imaginären Mittelmeer-Reisenden ebenso nahe wie den jungen okzitanischen Musikern, die Form und Inhalt ihrer Musik erforschen. Sein 2001 erschienenes Album Gulistan ist ein Spiegel seiner künstlerischen Entwicklung. Beteiligt waren sein Bruder und sein Vater, Ross Daly und der Grieche Socratis Sinopoulos, aber auch der Komponist Henri Agnel und der okzitanische Sänger Manu Théron. Ein Jahr später auf Eos hat sich seine Arbeit als Komponist verfeinert und sein Horizont erweitert. Neben den Perkussionsinstrumenten spielt er nun die Laute Saz. Es wirken mit: der senegalesische Sänger Pape N’Diaye, der Multiinstrumentalist Loy Ehrlich, der Jazzgitarrist Pierre Ruiz, der Spieler des armenischen Duduk Levon Minassian, seine Schwestern Mardjane und Maryam Gesang und vor allem der Kreter Stelios Petrakis. Mit diesem ehemaligen Schüler von Ross Daly setzt er die Klangabenteuer fort, und es erscheint die Duo-CD Kismet. Das Ansehen Bijans nimmt zu, und es häufen sich die Projekte der Zusammenarbeit mit anderen Musikern. Seine Fingerfertigkeit und sein breites künstlerisches Spektrum machen ihn für Künstler wie den Saxophonisten Jean-Marc Padovani, den Klarinettisten Yom, den Mandolinenspieler Patrick Vaillant, den Flamencogitarristen Juan Carmona, die marokkanische Sängerin Amina Alaoui, die bretonische Sängerin Annie Ebrel und den in Marseille lebenden Sam Karpienia attraktiv. Selbst Serge Teyssot-Gay, früher Mitglied von Noir Désir, und Sting von Police machen sich seine Vielseitigkeit zunutze. 2007 gründet er zusammen mit seiner Schwester Maryam und der griechischen Sängerin Maria Simoglou, dem Nay-Spieler Harris Lambrakis, dem Gitarristen Kevin Seddiki und dem Drehleierspieler Pierlo Bertolino die Gruppe Oneira. Als Experimentierfeld der Begegnung der Musiktraditionen und gemeinsamer Träume, wo jeder sich einbringt mit seinem Einfallsreichtum und seinem Talent, bringt Oneira 2009 ein erstes Album heraus, Si La Mar, auf das 2012 Tâle Yâd folgt. Daneben findet Bijan immer noch Zeit, mit dem Familientrio zu spielen, mit dem Trio Lopez, Petrakis, Chemirani, dem Forabandit-Projekt, in dem sich der Gründer von Dupain, Sam Karpienia, und der türkische Musiker Ulaş Ozdemir zusammengefunden haben, und auch noch, in seinem eigenen Tempo an einem Soloprojekt zu arbeiten.

Keyvan Chemirani

Keyvan ist auf den Höhen des Hügellands von Manosque in den Alpes de Hautes Provence aufgewachsen und nahm begierig die Musik des Orients und des Mittelmeers in sich auf. Sein Vater und Lehrer Djamchid Chemirani gab das traditionelle Wissen an ihn weiter. Keyvan spielte den Zarb (oder Tombak), den iranischen Daf, den Udu sowie den Bendir und den Riqq. Mit seinem Vater und Lehrer Djamchid und seinem Bruder Bijan bildete er das Trio Chemirani, und sie traten in aller Welt auf. Das Trio führte seinem Publikum die unendlichen Möglichkeiten der persischen Perkussionsinstrumente vor. Von den modalen Musikformen des Mittelmeers und den berühmten Interpreten des Jazz gleichermaßen beeinflusst, versuchte er eine diesen ungleichartigen Musikkulturen gemeinsame Klangsprache zu finden. Als der produktive und vielseitig interessierte Musiker, der er war, engagierte sich Keyvan Chemirani in sehr erfolgreichen Gemeinschaftsprojekten mit dem Ensemble Kudsi Erguner (osmanische Musik), dem Ensemble von Ross Daly (griechische und türkische Musik), Eric Marchand und Titi Robin, Françoise Atlan (jüdisch-spanische Instrumental- und Vokalmusik), Juan Carmona (Flamenco) wie auch mit Jazz-Formationen, Ensembles der zeitgenössischen oder der improvisierten Musik. Er arbeitet schon seit einigen Jahren mit Renaud Garcia Fons und Sylvain Luc zusammen. Die erste eigene Produktion Keyvan Chemiranis, Le Rythme de la parole, kam 2004 heraus, ein anspruchsvolles Projekt, für das er Gastmusiker der verschiedensten Musikgenres um sich scharte. Auf dieses erste Projekt folgte 2006 Rythme de la parole II, das Ali Reza Ghorbani, Nahawa Doumbia und Sudha Raghunathan, drei Sänger von Weltgeltung, in Szene setzte, jeder Vertreter einer Vokaltradition. Beim Festival International des Musiques Nomades 2005 lernte Keyvan Chemirani den mauretanischen Sänger Mohamed Salem Ould Meydah kennen. Dieser musikalische „coup de foudre“ führte zu dem Projekt „Tahawol“, einer Begegnung, wie es sie noch nie gegeben hatte, zwischen persischen Perkussionsinstrumenten, Flamenco in Tanz und Gesang und mauretanischem Gesang. Durch seine Teilnahme an Projekten in Royaumont, bei denen orale Slam-Poetry und musikalisches Experiment zusammentreffen – „Slam et percussions“ (Erstaufführung 2005 mit Serge Teyssot Gay, Bijan Chemirani, Frederic Netcheverlian und Mike Ladd) und „Slam et souffle“ (Erstaufführung 2006 mit Felix J., Nada und Abdel Haq Aïd Saïd) – übertrug Keyvan Chemirani die von ihm angeregte Verknüpfung prosodischer und musikalischer Strukturen mehrerer Gesangssprachen auf Genres der zeitgenössischen und der urbanen Musik. Wichtigstes Ereignis im Jahr 2008 war seine Begegnung mit dem indischen Tabla von Pandit Anindo Chatterjee, die in der CD Battements au coeur de l’Orient konkretisiert wurde. Die persischen Perkussionsinstrumente als eine Syntax aufzufassen, die auf die Musik oraler oder schriftlicher Traditionen der ganzen Welt angewandt und künstlerisch nutzbar gemacht werden kann: das ist das hochgesteckte Ziel und der faszinierende Weg, den Keyvan Chemirani geht, um nach und nach das persische Musikerbe, das ihm sein Vater Djamchid Chemirani vermittelt hat, in Musikschöpfungen verschiedenster Formen zu verwandeln. Deshalb kann er im Alter von 39 Jahren nun selbst das Vermächtnis der oralen Tradition unterrichten und doch eine zeitgemäße Ausrichtung im Auge behalten.

der autodidaktische Multiinstrumentalist aus Israel ist ein kreatives Naturwunder, das einen Raum im Handumdrehen verzaubern kann. Inspiriert von Bach, Sting, Bobby McFerrin oder Chick Corea präsentiert er sich als Komponist ohne musikalische Grenzen.  Ein Mann am besten Weg sein Instrument vom traditionellen Hintergrund an den wohl verdienten vorderen Rand der Bühne zu bewegen.
In den vergangenen Jahren hat Adam sein Handwerk in neue, aufregende Richtungen entwickelt und in der heutigen internationalen Musiklandschaft einen einzigartigen Platz gefunden, wobei ihm sowohl sein Songwriting als auch sein musikalisches Können Erfolg bereiten.

Der Begriff "Multi-Instrumentalist" wird oft überstrapaziert, aber in diesem Fall könnte er nicht passender sein. Adam begann im Alter von fünf Jahren Violine zu spielen und mit neun Jahren Gitarre. Im Laufe der Jahre erweiterte er, zu einem Großteil autodidaktisch, sein „Arsenal“ mit Klavier, Klarinette, Oud, Flöte und Cajon. Allerdings war es im Alter von 16 Jahren eine Einführung in das Spiel des Kontrabasses, die wirklich sein Leben veränderte, als er sich sofort in den reichen Klang des Instruments verliebte.

Inspiriert von so vielfältigen Helden, wie Bach, Sting, Bobby McFerrin oder Chick Corea, entschied sich Adam seine Kompositionen, unabhängig vom musikalischem Werkzeug, „aktuell“ zu machen. Er erweiterte seine musikalische Palette bewusst und konsequent um neue Farben und Elementen von Jazz, Latin, wie auch mediterraner Musik.
Unabhängig ob Adam original Material oder seine wunderbar gearbeiteten Cover-Arrangements spielt, ist Adam Ben Ezra wie eine schöpferische Kraft der Natur, die einen Raum voller Fremder in einem Moment in lebenslange Fans verwandeln kann. Egal, ob er Solo, als Duo oder als Teil seines Trios mit Gitarre und Percussion spielt, sind keine zwei Shows dieselben, da er sich gekonnt von einem Instrument zum nächsten bewegt, manchmal im selben Lied, ohne jemals einen Schlag zu verpassen. Mit einer klugen Kombination von Effekten und Pedalen, transformiert Adam seine „Notizen“ zu einem Loop, mit dem Ziel eine authentische Klangwand zu erzeugen, die einem kleinen Orchester würdig wäre. Verbunden mit vermehrten Anfragen nach internationalen Auftritten und der Notwendigkeit sein Instrument weiter zu entwickeln, ließ Adam einen besonderen, einzigartigen 5-Saiten-Bass fertigen, mit einem ungewöhnlichen, abnehmbaren Neck-Setup, der ihm bei seinen Reisen eine neue Flexibilität ermöglichte.

Mit seinem YouTube-Kanal mit knapp zehn Millionen Views und einem starken Einsatz auf allen Social-Media-Plattformen ist es klar, dass Adam ein Bonafide-Star in der Internet-Welt ist. Allerdings ist sein Erfolg nicht auf die virtuelle Welt des Web beschränkt. 2015 erwies sich als Durchbruch mit zahlreichen und bemerkenswerten Aufführungen auf der ganzen Welt. Fusion-Giganten der letzten Jahrzehnte, wie Pat Metheny, Victor Wooten, Richard Bona oder Mike Stern luden ihn ein die Bühne mit ihnen zu teilen.
Adam hat viel als Solokünstler vollbracht. Mit seinem Debütalbum "Can not Stop Running" präsentierte er sich nicht nur ein virtuoser Darsteller, sondern auch als sensibler Komponist ohne musikalische Grenzen, der Elemente von Jazz, Rock und Weltmusik, um spannende, faszinierende und vielseitige neue Facetten kombiniert.

Universal Love ist das lang ersehnte 2. Studioalbum der preisgekrönten Londoner Sängerin Jennifer John und des international umtriebigen Bassisten Philipp Moll. Nach genau 10 Jahren Pause fungieren die beiden erneut in ihrer Zusammenarbeit als KILLERFERNANDEZ. Ihr Erstling Feitaboogie erinnerte an „Mo Wax, Ninja Tune, Lali Puna – beat box & hammond organs all wrapped up in terrific songs“ (Rough Trade) und führte die Band 2011 auf Tourneen durch das UK, Norwegen, Österreich und die Schweiz. Mehrfaches Airplay auf BBC6 und Live Launches auf BBC Merseyside. 

Angesiedelt im Crossover zwischen Electronica und Soul richten die 10 Songs auf Universal Love die eher grösseren Fragen an unsere Welt; dies ausgehend von einer erweiterten Perspektive welche Spiritualität und die Erfahrung des menschlichen Daseins thematisiert: von unserer blauäugigen Ankunft über Spannungen bis hin zu Unruhe und existenziellen Ängsten, erzählen die Songs auszugsweise Geschichten innerhalb eines nicht-linearen Spektrums. Zwischen dem unvoreingenommenen Opener Blissfully Pure und dem hoffnungsvollen, beinahe rebellischen Finale Universal Love wechseln die Songs von Killerfernandez zwischen Emotion und Ratio, zwischen Kontinuität und Brüchen des menschlichen Lebens. 

Mit Manu Delago am Schlagzeug (Bjørk, Olafur Arnalds, Shpongle) und Stuart McCallum an der Gitarre (Cinematic Orchestra, The Breath, JP Cooper) nimmt das Album die Hörerschaft mit auf einen Trip, der intim, erhebend und transzendent wirkt. Für die Live-Releases 2021 in Österreich und der Schweiz ist mit Rob Turner (GoGo Penguin) einer der angesagtesten Schlagzeuger Englands dabei, ebenso wie Killerfernandez-Urgestein Eirik Minde (Norwegen) am Fender Rhodes. 

Line-Up: 
Jennifer John (voc)
Stuart McCallum (g)
Eirik Minde (fender-rhodes)
Philipp Moll (b)
Rob Turner (d) 

Ein Geburtstagsprogramm zu Erwin Steinhauers 70er - mit den besten Liedern aus den Kabarettprogrammen der vergangenen Jahre. 
„Alles Gute – Musikalische Highlights aus 4 Jahrzehnten“ verspricht Unterhaltung mit Haltung auf höchstem Niveau. Die inzwischen gereiften Fans, die seinerzeit Schlange standen, um Kabarettkarten für DEN STEINHAUER zu ergattern, werden ebenso begeistert sein, wie jene, die ihn als Theater- und Fernsehstar kennen und schätzen 

Erwin Steinhauer – Gesang, Moderation und tänzerische Einlagen 
Georg Graf – Saxophone, Klarinetten, Flöten 
Arnulf Lindner – Bass, Gitarre, Cello 
Joe Pinkl – Keyboard, Posaune, Tuba 
Peter Rosmanith – Perkussion, Hang 

"Seine Lieben" wünschen Erwin Steinhauer "Alles Gute" zum runden Geburtstag!
"Seine Lieben" das sind die grandiosen Musiker Georg Graf, Arnulf Lindner, Joe Pinkl und Peter Rosmanith. Dass Multitalent Erwin und seine Gratulanten gerne gemeinsam auf höchstem Niveau musizieren, wurde schon mit den Erfolgsprogrammen "Feierabend" und "Hand aufs Herz" (Buch: Heli Deinboeck) eindrucksvoll unter Beweis gestellt. So wird "Alles Gute" auch nicht nur gewünscht, sondern ab September 2021 auf die österreichischen Bühnen gebracht: "Alles Gute" aus vier Jahrzehnten. Denn schon in den 1980er Jahren war Erwin Steinhauer neben Lukas Resetarits einer der beiden Pioniere des Neuen Wiener Solo-Kabaretts. Erwin spielte in seinen Programmen nicht nur Sketches, sondern sang auch kabarettistische Songs, wobei ihn der Komponist Arthur Lauber am Klavier begleitete. Das Autorinnentrio Erika Molly, Fritz Schindlecker und Wolfgang A. Teuschl lieferte dazu die Texte, die bei aller Bissigkeit "mehrheitsfähig" waren: so sollen etwa begabte Chirurgen während ihrer Operation Teile aus der "Medizinoperette" gesungen haben, SPÖ-Bezirks-Kassiere zeigen musische Talente, indem sie "I wü an Onkel wie der Hannes" intonierten und "Der Bodenlurch" schaffte sogar den Sprung ins Deutsche Fernsehen. In seiner Rolle als "Wickel Hawradil" verlieh Erwin den damaligen deutsch-österreichischen Serienerfolg "Der Sonne entgegen" nicht nur eine gehörige Portion Wiener Charme und Schmäh, sondern bereicherte auch die Austro-Pop-Szene mit Ohrwürmern wie "Albanische Salzwassermelonen" oder "Sandra, durch dich bin ich ein andrer". Am Anfang des neuen Jahrtausends begann der ehemalige Burg- und nachmalige Josefstadt-Star eine mehrjährige Zusammenarbeit mit dem Schauspieler, Regisseur und Autor Rupert Henning. Daraus entstanden nicht nur das höchst erfolgreiche Theaterstück "Freundschaft", das auch in der Filmversion beachtliche Zuschauerzahlen erreichte,  sondern auch etliche jazzige Songs. "Alles Gute - Musikalische Highlights aus 4 Jahrzehnten" verspricht Unterhaltung mit Haltung auf höchstem Niveau. Die inzwischen gereiften Fans, die Steinzeit vor der Kulisse, dem Spektakel oder dem Vindobona Schlange standen, um Kabarettkarten für DEN STEINHAUER zu ergattern, werden ebenso begeistert sein, wie jene, die ihn als Theater- und Fernsehstar kennen und schätzen.

als dacapo & quasi Zugabe:

ICH BIN ABENTUERER & NICHT DICHTER. zum 100. GEBURTSTAG VON HC ARMANN

2021 jährt sich der Geburtstag von H.C.Artmann zum hundertsten Mal. Grund genug für Erwin Steinhauer uns seine Musiker-Freunde, sich abermals mit seinem umfangreichen Werk zu beschäftigen. Für Alfred Kolleritsch ist "das werk h.c.s... die gesammelte rettung der poesie, die weite der sprache reicht hin in alle möglichen welten der phantasie. sie schafft sich diese welten und erzählt ihre vielfalt. was freiheit des schreibens, des erfindens, des verzauberns ist, fand ich in seinem werk." Steinhauer erforscht gemeinsam mit seinen Reisebegleitern diese phantastischen Welten des H.C.Artmann, die in diesem Programm zu einer turbulenten, poetischen und humorvollen Text-Musik-Collage verwoben sind. Die Musik ist vielschichtig wie die Geschichten, jongliert mit vielen Stilen und zaubert Kino für die Ohren.

ILSE AICHINGER

2021 jährt sich der Geburtstag von Ilse Aichinger zum hundertsten Mal. 
Und ihr Todestag (am 11.November 2016) zum fünften Mal.
Ilse Aichinger und ihre Zwillingsschwester Helga wurden als Töchter der jüdischen Ärztin Berta Aichinger und des (nicht-jüdischen) Lehrers Ludwig Aichinger in Wien geboren und in der Pfarre Döbling getauft. Die Familie lebte zunächst in Linz und Wien. Nach der Scheidung übersiedelte Berta Aichinger mit den beiden Kindern 1926 nach Wien, wo sie die Unterstützung ihrer Familie hatte. Zur Großmutter entwickelte Ilse Aichinger ein besonderes Naheverhältnis.
Während es ihrer Zwillingsschwester Helga gelang, im Juli 1939 mit einem der letzten Jugendtransporte nach England zu fliehen, blieben Berta und Ilse Aichinger in Wien. Die Mutter verlor 1938 ihre Anstellung als Schulärztin bei der Gemeinde Wien und musste sich als Fabrikarbeiterin durchbringen. Ilse Aichinger wurde als "Halbjüdin" das Medizinstudium verwehrt. Während des Krieges nahm sie Gelegenheitsarbeiten an und wurde dienstverpflichtet. Die Großmutter und die jüngeren Geschwister der Mutter wurden 1942 deportiert und ermordet. Ilse Aichinger, die die Deportation der geliebten Großmutter mitansehen musste, thematisierte dieses traumatische Ereignis mehrfach in ihren Texten.

Nach Kriegsende begann Ilse Aichinger ein Medizinstudium, brach es aber ab, um ihren Roman "Die größere Hoffnung" fertigzustellen. 1947/1948 reiste sie nach England, um ihre Zwillingsschwester wiederzusehen. Bei dieser Gelegenheit lernte sie Elias Canetti und Erich Fried kennen. 1949 wurde sie über Vermittlung von Gottfried Bermann-Fischer als Lektorin bei der Wiener Niederlassung des S. Fischer Verlags engagiert. Nach einem Jahr ging sie allerdings nach Ulm, wo sie als Assistentin von Inge Aicher-Scholl, einer Schwester der Widerstandskämpfer Sophie und Hans Scholl, am Aufbau der Ulmer Hochschule für Gestaltung mitarbeitete.

1951 nahm Aichinger erstmals an einer Tagung der Gruppe 47 teil. Bereits im Jahr darauf erhielt sie für ihren Text "Spiegelgeschichte" den Preis der Gruppe 47. Damit gelang ihr der literarische Durchbruch. Als Mitglied der Gruppe 47 lernte sie zudem den Lyriker Günter Eich kennen, den sie 1953 in München heiratete. Das Paar hatte zwei Kinder, Clemens (1954–1998) und Mirjam (* 1957). Die Familie lebte in Bayern und ab 1963 in Großgmain bei Salzburg. 1984, nach dem Tod ihrer Mutter, übersiedelte Ilse Aichinger auf Einladung des S. Fischer Verlags nach Frankfurt am Main, 1988 kehrte sie nach Wien zurück. Die Schriftstellerin lebte zurückgezogen, besuchte allerdings regelmäßig – vor allem auch zum Schreiben – Kaffeehäuser und war eine leidenschaftliche Kinogeherin.

Ilse Aichinger verstarb am 11. November 2016. Ihr Todestag jährt sich also heuer zum fünften Mal. Beide Jahrestage im November, Geburtstag und Todestag, sind Anlass genug, dieser bedeutenden österreichischen Schriftstellerin einen Abend zu widmen, in dessen Mittelpunkt Ihre vielleicht berühmteste Kurzgeschichte steht, die Spiegelgeschichte.

DIE SPIEGELGESCHICHTE

Spiegelgeschichte Ilse Aichinger hat ihre Spiegelgeschichte 1949 geschrieben. Dieses nur wenige Seiten lange Stück Kurzprosa wurde zunächst in vier Folgen in der Wiener Tageszeitung veröffentlicht.1952 erhielt die junge Schriftstellerin dafür den Literaturpreis der Gruppe 47, in der sich Autoren wie Heinrich Böll und ihr späterer Mann Günther Eich, um den Schriftsteller Hans Werner Richter scharrten, und sorgte für Furore. Die Spiegelgeschichte stellt nicht nur einen Meilenstein am Beginn des Schaffens von Ilse Aichinger dar, dieser Text gilt bis heute als einer ihrer bedeutendsten und berührensten Prosastücke. Wobei sich dessen Inhalt in einem Satz erzählen lässt. Eine junge Frau, liegt auf Grund einer missglückten Abtreibung im Sterben, und erzählt sich ihr Leben rückwärts, vom bevorstehenden Tod bis zu ihrer Geburt. Der Zeitpunkt Ihrer Geburt, ist gleichzeitig der Zeitpunkt ihres Todes. Dieses Ineinanderfallen von Geborenwerden und Sterben zeigt eine der zentralen Lebensphilosophien Ilse Aichingers, Sie spiegelt sich in ihrem Denken und Schaffen wieder. Unsere Geburt liefert uns dem Tod aus. Daher gilt es, die uns geschenkte Lebenszeit immer mit dem Bewusstsein des bevorstehenden Todes zu gestalten. Ein weiteres zentrales Themen, das Ilse Aichinger in diesem Text behandelt, ist das Verschwinden, das Vergehen, das sich Auflösen. Sie selbst sagt über sich: „Eine Sehnsucht zu verschwinden hatte ich schon immer, bereits als Kind“. Sie betrachtet auch das Schreiben im Laufe ihres Lebens immer mehr als die Essenz ihres Nicht-Schreibens, welches auszuhalten, auch die große Herausforderung für jeden Schreibenden sei. Schweigen ist die Voraussetzung für Sprechen, oder Schreiben, ist deren Nährstoff. Auch die Auseinandersetzung mit dem Kind an sich und der Kindheit begegnet uns in der Spiegelgeschichte. Die junge Frau stirbt, aufgrund der illegalen Abtreibung ihres Kindes. Immer wieder begegnen uns in dieser Geschichte Kinder, bis die Frau selbst wieder zum Kind wird, zum Kleinkind, zum Säugling und letzten Endes zur Neugeborenen, über die sich ihr Vater beugt. Ilse Aichinger beklagt in einigen Interviews den Verlust der Kindheit als den größten Verlust, den ein Mensch haben kann.

GEDANKEN. VON ELISABETH DE ROO 

Mit dem Tod habe ich mich noch nie so ausführlich befasst, sodass ich keine Idee oder Vorstellung habe, wie der so ist oder sein könnte. Vielleicht liegt es auch daran, dass ich am Leben einfach mehr interessiert bin als am Sterben. Die Geschichte thematisiert beides; das Leben und das Sterben. Die Rückschau einer Toten/Sterbenden durch einen Spiegel in ihr Leben – eine Spiegelgeschichte. Ich lebe unheimlich gerne und je älter ich werde, desto lieber bin ich auf der Welt zuhause und umso klarer kann ich artikulieren, weshalb das so ist
Der Gedanke, dass der Tod schneller kommen könnte als es mir passt, passt mir gar nicht. Die Spiegelgeschichte konfrontiert mich mit der Vorstellung des Sterbens und so finde ich mich wieder in der sterbenden Toten, die ihre lebendige Welt ein aller letztes Mal durch einen Spiegel betrachtet, um noch einmal leben zu können und um sich vom Leben zu verabschieden. Ein schöner Gedanke dem Leben erst Lebewohl zu sagen, um dann zu sterben – „Lass es geschehen!“ Ohne zu manipulieren, ohne in eine bestimmte Richtung zu lenken, ohne Vorwurf und vollkommen wertfrei, ja fast sachlich beschreibt Aichinger ein Menschenleben. Aichinger versteht es, ihren Leserinnen und Lesern, die Freiheit zu lassen selbst zu urteilen und selbst zu fühlen. Dies empfinde ich als eine Wohltat in einer Gesellschaft, die, so scheint es mir, zu regelmäßig das Bedürfnis hat, andere zu manipulieren. Die Spiegelgeschichte beweist: Es ist möglich sachlich zu berichten und eine Fülle an Emotionen zu erzeugen. Das fasziniert mich.
Was für ein Kunstwerk.

THOMAS LACKNER: Charakter der „Inszenierung“

Die geplante Aufführung soll das Literarische in den Vordergrund stellen. Die Erzählung wird als Monolog aus dem Mund der Schauspielerin hörbar und dreidimensional.
Die konsequente Form der umgekehrten Lebenserzählung und deren sprachliche Gestaltung in knappen, zielsicheren, aber hochpoetischen Bildern. So werden an einer Stelle Früchte wieder zu Blüten, und die Blüten wieder zu Knospen, und die Knospen wieder zu Früchten.
Mich fasziniert der Gedanke, und ich sehe als große Herausforderung für eine Schauspielerin die Nuancen dieses Textes hörbar zu machen, die umgekehrte Logik des Lebensweges der jungen Frau für ein Publikum nachvollziehbar zu machen, im Moment des Hörens und Erlebens. Und die Stille soll der Nährboden werden, auf dem diese Geschichte blüht und wächst. Auch als Kontrapunkt zum Lärm und der Reizüberflutung der heutigen Zeit, selbst in Zeiten von Corona, wo wir uns in unterschiedlichsten Virtuellen Formaten bewegen, von Zoom bis Club-House.
Das Thema Vergänglichkeit und das Bewusstsein, dass unser Leben irgendwann endet, hat nicht nur immer eine große Rolle in meinem Leben gespielt, sondern gewinnt mit zunehmendem Alter natürlich noch mehr an Bedeutung und Brisanz. Ich glaube, die Schriftstellerin Ellis Kaut hat einmal pointiert gesagt, ihr sei noch niemand begegnet, der nicht sterben würde. Der Tod verbindet uns alle, spielt aber kaum eine Rolle in unserem Leben. Wir verdrängen diese Tatsache. Doch das Bewusstsein um unsere Vergänglichkeit vermag viele unserer persönlichen Kämpfe in eine richtige Relation zu setzten. Und das meint auch Ilse Aichinger, wenn sie fordert, das Lebensende während des Lebens in Betracht zu ziehen, mit auf der Rechnung zu haben. Davon möchte dieser Abend auch erzählen.
Und was das Thema „Kindheit“ betrifft. Ich habe selbst zwei kleine Kinder, und beobachte, wie sie beginnen, die Welt zu erobern, mit welcher Neugierde und Lust. Irgendwann ersetzen wir diese Neugierde durch Pflichtbewusstsein und Leistungszwang. Und ein wunderschöner Moment in Aichingers Spiegelgeschichte ist, wenn sie beschreibt, wie schwer es ist, wieder zu verlernen, um die Offenheit des Kindes zurück zu bekommen. Auch diesen Aspekt soll der gesprochene Monolog zum Schweben und Klingen bringen.
Das Ziel dieser Produktion ist ein Abend für Ilse Aichinger, und nicht ein Stück Regietheater. Alle anderen Aspekte der „Inszenierung“ sollen nur dazu dienen, die Atmosphäre dieses Textes zu unterstützen.

Thomas Lackner - Regie und Gesang

Nach dem Studium der Musikwissenschaften und seiner Ausbildung zum Tontechniker war Thomas Lackner sieben Jahre als Moderator und Produzent für den Kultursender Ö1 tätig.
Seit 2000 ist er als Schauspieler auf den verschiedensten Bühnen des deutschen Sprachraumes zu sehen, davon 2006 bis 2012 als Ensemblemitglied des Tiroler Landestheaters.
Er gestaltet spartenübergreifende Soloprogramme, auch mit Gesang, Rezitationen, Lesungen mit Musik, Moderationen und Theaterstücke, die Information mit Entertainment verknüpfen, unter anderem im Tiroler Landesmuseum, im Audioversum Science Center Innsbruck, für die Tiroler Wirtschaftskammer,
den Österreichischen Museumsbund, und das Innsbrucker Institut für Quantenoptik und Quanteninformation der Österreichischen Akademie der Wissenschaften.
Im Rahmen eines Bildungskarenzjahres ließ er sich an der University of London zum Trainer und Coach für Stimmentwicklung, professionelle Sprechtechnik, Präsenz und persönlichen Auftritt ausbilden. Er hat derzeit Lehraufträge an der Universität Innsbruck, der Hochschule für Musik Würzburg, und der FH Gesundheit Innsbruck inne und leitet die WIFI Stimmakademie. Im Rahmen von firmeninternen Trainings und Coachings begleitet Thomas Lackner Führungskräfte und Mitarbeiter im wirtschaftlichen, administrativen und edukativen Bereich.

Elisabeth de Roo - Schauspiel

Elisabeth de Roo absolvierte ihren Master im Fach Lied und Oratorium an der Universität Mozarteum in Salzburg sowie ihren Bachelor für Immobilienwirtschaft und Facility Management an der Fachhochschule in Kufstein.
Sie war mehrere Jahre Abteilungsleiterin des Departments
„Career Center“ an der Universität Mozarteum in Salzburg. Dort widmete sie sich der Lehre und entwickelte unterschiedlichste Coaching-Programme für Studierende und Alumni der Universität. Zudem leitete sie die „Kinder-Uni“ von Seiten des Universität Mozarteum.
Ihr Debüt als Opernsängerin gab sie als Susanna in „Sancta Susanna“ von Paul Hindemith, unter der Leitung von Hans Graf. In Linz, Wien und Salzburg sang sie die Königin der Nacht aus der Zauberflöte von W. A. Mozart unter der Leitung von Josef Wallnig. David Garett buchte sie als Sängerin für einen TV-Auftritt im ORF Salzburg. Sie war daraufhin mehrfach als Solistin im ORF zu sehen.
Das klassische Lied ist die große Liebe der Sängerin und die Art der Musik, der sie sich am verbundensten fühlt. Zahlreiche Einladungen zu Liederabenden, mit Orchestern, Ensembles oder im Duo, führten Elisabeth de Roo nach Italien, Deutschland, Frankreich und Österreich. Zuletzt sang sie Mahlers 4. Sinfonie am Theater Ristori in Verona und gestaltete mehrere Uraufführung im Vierundeinzig in Innsbruck

BERND HAAS. KOMPONIST. GITARRIST

Bernd Haas wurde 1979 in Innsbruck geboren, und war schon in jungen Jahren von Musik fasziniert. Er studierte Jazzgitarre am Tiroler Landeskonservatorium (Abschluss 2004), absolvierte das BA-Studium für klassische Gitarre am Mozarteum Salzburg/Innsbruck (Abschluss mit Auszeichnung 2016). Seit mehr als 15 Jahren unterrichtet er klassische und elektrische Gitarre u.a. am Tiroler Musikschulwerk und ist seit seiner Jugend als freischaffender Künstler in den Bereichen Jazz bis Rock musikalisch tätig. Sein Wirken und Schaffen erstreckt sich von solistischer Kammermusik bis hin zu Musik für große Ensembles. Er komponiert und produziert Musik für verschiedene Bands, Film und Kabarett. Zahlreiche CD Einspielungen sind bei verschiedenen Labels (GLM, Quinton, Polyglobe, Listen Closely, …) erschienen. Bernd Haas lebt mit seiner Familie in der Nähe von Innsbruck.

Was haben Superstars wie  Bobby Mc Ferrin, Quincy Jones, Carlos Santana und Paul Simon gemeinsam? Sie alle sind große Bewunderer von VOCAL SAMPLING, einer sechsköpfigen A-cappella-Formation aus Kuba, die gemeinhin als eines der größten Wunder zeitgenössischer Musik beschrieben wird. Mit ihrer einzigartigen Mischung aus Talent und mitreißendem Schwung hat die Gruppe Zuhörer auf der ganzen Welt in ungläubiges Staunen versetzt. Denn: Es handelt sich nicht etwa einfach um eine Gruppe aus Sängern, sondern um eine swingende Band, die sämtliche Instrumente des Salsa-Orchesters singt, statt sie zu spielen. 
“Schliesse deine Augen  und du wirst glauben, sie haben Gitarren, Posaunen oder Trommeln in ihren schrillen Anzügen versteckt. Das ist das Beste, was ich in zehn Jahren gehört habe."  sagt Paul Simon

Ihr Bandgepäck ist übersichtlich, denn diese sechs Kubaner haben ein komplettes Salsa Orchester in der Kehle. Man traut seinen Ohren kaum, reibt sich verzweifelt die Augen: Hier gibt es kein einziges Instrument und dennoch sind Percussion, Bläser und Baß ganz deutlich zu hören. Was als Freizeitspaß für langweilige Pausen begann, entwickelte sich bei den sechs Musikstudenten aus Havanna zur Berufung: A-Capella-Salsa zum Abtanzen. Vokal Sampling haben den Gesang in der Latin Musik als neue orchestrale Kunstform definiert und zur perfekten Illusion ausgebaut. Als würde man Bobby McFerrin im Sechserpack hören, plappert, poppt und ploppt es von der Bühne, hier ein wenig Rap, dort ein wenig gepfiffene Flötentöne, dann ein Percussionsolo ohne jeden Handschlag. Was hier aus geschmeidigen Stimmbändern gekitzelt wird, verschlägt dem Publikum den Atem.

"... und die heimische Badewanne fühlt sich auf einmal ein kleines bißchen nach Karibik an." (TAZ) 
Die sechs Kubaner beherrschen ihre Instrumente perfekt. Sie spielen nur keine. Denn egal, ob Bass, Bläser, Keyboards oder Perkussion, alles wird gesungen. Wer bei einem ihrer Konzerte nicht auf die Bühne schaut, glaubt tatsächlich, eine gesamte Salsa Bigband vor seinen Ohren zu haben. Die ehemaligen Studenten der Nationalen Musikhochschule in Havanna fühlen sich mit ihren Stimmbändern in der ganzen Palette kubanischer Stile zuhause: Son, Bolero, Rumba sind da nur die bekanntesten, Trova und Palo Monte treten hinzu. Auch die Welt der Pop- und Rockmusik haben sie für sich entdeckt, denn sie standen unter anderem mit Chaka Khan, Phil Collins, David Sanborn und Toots Thielemans auf der Bühne. Paul Simon - und was nahe liegt - Bobby McFerrin zählen zu ihren erklärtem Bewunderern. Für Quincy Jones standen sie als Special Guests in Montreux zu seinem 50. Bühnenjubiläum auf der Bühne. Ihr aktuelles Werk "Cambio De Tiempo" wurde für gleich drei Grammies nominiert.  

Diese sechsköpfige -Latin Grammy prämierte- kubanische A-cappella-Gruppe muss man zu den außergewöhnlichsten Acts weltweit zählen. Ausschließlich mit Klängen aus Mund & Händen vermögen sie es das gesamte tonale Spektrum einer ausgewachsenen Salsa-Formation abzudecken. Es ist eine einzigartige Kunst, die diese Musiker beherrschen – ihr Timing ist tadellos, ihre Darbietung theatralisch & ihr Repertoire phantasievoll. Sie genießen gerade wegen ihrer Einzigartigkeit die ausgesprochene Achtung von Künstlern wie Bobby McFerrin, Peter Gabriel und Paul Simon.

Die Geschichte von Vocal Sampling reicht zurück ins Jahr 1989. Alles begann an der Kunsthochschule von Havanna, als sie aus Spaß in ihrer Freizeit versuchten, mit ihren Stimmen verschiedene Instrumente zu imitieren. Nach und nach simulierten sie so den Klang von Blasinstrumenten, Perkussion und Streichern und kreierten den einzigartigen Sound von Vocal Sampling. Dieses Können führte sie an die renommierten Konzertorte dieser Welt, vom Montreux Jazzfestival in die Royal Albert Hall nach London, von der Esplanade Hall Singapore bis ins New Morning Paris, vom Opera Theatre in Tel Aviv bis zum Hollywood Bowl nach L.A.
2020 feiern Vocal Sampling ihr 30-jähriges Jubiläum und würdigen dieses Ereignis mit einer originellen Kreation.
Das Programm wird nicht nur brandneues Repertoire bereithalten, sondern auch neue Seiten ihres gesanglichen Talents zeigen.

Habib Koité ist ein begnadeter Geschichtenerzähler und Komponist und seine Melodien bleiben gerne im Ohr. Seit den späten 80er Jahren ist er auf allen Kontinenten zu hören - aber Koité hat sich bewusst für ein Leben in Mali entschieden, das ihm trotz der Widrigkeiten sinnvoller und glücklicher erscheint als die Entwurzelung. Sein Glück liegt also in den Wurzeln.  Die New York Times schreibt über ihn: “Seine Reputation als Gitarrist ist schon beinahe mytisch, er kombiniert Rock – und Klassiktechniken mit Stimmungen aus Mali, die die Gitarre wie eine Kora oder N’Goni klingen lassen.” “Koité ist über 20 Jahre lang leise seinem Instinkt gefolgt und hat dabei nie auch nur die leiseste Konzession an das “Weltmusik” Geschäft gemacht”. So ist er einer der wichtigsten afrikanische Sänger des 21.Jahrhunderts geworden - neben Youssou N‘Dour und Lokua Kanza: Der Malier Habib Koité hat das Bild der Sahel-Musik für immer verändert - als Brückenbauer zwischen Singer-Songwriter und Griot, zwischen Savannen-Traditionen und Rock, zwischen afrikanischem Selbstbewusstsein und vielfältigen Berührungen mit Europa. Auch für Habib ist das Treibhaus ein Stück Heimat geworden: Sein liebstes Wohnzimmer - immer und jedes Mal wenn er nach Europa kommt... Wassiyé!

LINE-UP
Habib Koité voc/g,
Issa Koné g/banjo/voc
Charly Coulibaly keyb/voc,
Abdoul Wahab Berhé b/kamalé ngoni,
Mama Koné perc/voc,
Mahmadou Koné tamani/barra

Nicht zuletzt wegen seiner mitreissenden Live-Auftritte ist Habib Koité zu einem der ganz grossen Stars der Weltmusik geworden. Sein Wüstenblues ist von Jimi Hendrix, vom Flamenco und vom kubanischen Son beeinflusst. Trotzdem klingt er zweifelsohne afrikanisch, auch weil Koité traditionelle Spielweisen von Instrumenten wie der Kora oder der Ngoni auf die Gitarre überträgt. Mit einer neuen Band stellt er nun sein aktuelles Album vor: Eine unerschrockene und feinsinnige Verschmelzung aller malischen Nuancen mit Soul- und Blues-Reminiszenzen und modernem Afro-Groove.

The biggest pop star of the West African nation of Mali. (Rolling Stone)
His reputation as a guitar player has become almost mythical, combining rock and classical techniques with Malian tunings that make the guitar sound like a kora or ngoni. (New York Times)
Habib Koité ist ein Phänomen: Der Sänger und Gitarrist aus Mali verbindet Virtuosität mit einer weise anmutenden Form der Gelassenheit. Das ist Malis goldene Stimme.

Habib ist ein Musiker und Geschichtenerzähler, der mit Charisma und Können seine musikalischen Wurzeln einem breiten Publikum zugänglich macht. Ein Schlüssel seines Erfolges sind u.a. seine ausgedehnten Konzerttourneen. Er hat seit 1994 weltweit über 1700 Konzerte auf Festivals, in Konzertsälen, Theatern und Clubs gegeben.
Es ist wohl die unerschrockene und äußerst feinsinnige Verschmelzung aller malischen Nuancen mit Soul-, Blues-, Flamenco- Reminiszenzen und modernem Afro-Groove zu einem neuen Klangbild, die den Zauber seiner Musik ausmacht. Mit einem Fuß in der Vergangenheit und dem anderen in der Zukunft ist Habib Koité ein Künstler für eine Generation, die das Zusammenbrechen kultureller Barrieren auch als Befreiung erlebt hat.
Die New York Times schreibt über ihn: "Seine Reputation als Gitarrist ist schon beinahe mystisch, er kombiniert Rock - und Klassik Techniken mit Stimmungen aus Mali, die die Gitarre wie eine Kora oder N'Goni klingen lassen."

Früher oder später musste es kommen: Ihr solo-programm. Mit dem Duo Catch-Pop String-Strong begann sie Wiens Bühnen unsicher zu machen, auch mit Madame Baheux festigte sie ihren Ruf als einfallsreiche Arrangeurin, expressive Stimmkünstlerin und Entertainerin. Wo immer man sie verorten will: Neue&Alte Musik/World/Songwriting/Kabarett/Jazz – sie saugt sich den Nektar aus all diesen Genres und lässt ihre ureigene Mischung daraus gären. Hommagen an vergessene Traditionen und unvergessliches Neues!

die Bratschistin und Sängerin JELENA POPRŽAN zeigt auf ihrem Solo-Debüt „La Folia“  auf mitreißende Art, was Außergewöhnliches entstehen kann, löst man sich einmal von allen klassischen musikalischen Begrifflichkeiten.
Kennern der österreichischen Weltmusik- und Jazzszene muss man Jelena Popržan eigentlich nicht mehr allzu groß vorstellen. Die aus Serbien stammende und seit vielen Jahren in Wien lebende Musikerin war Teil des erfolgreichen Duos Catch-Pop String-Strong, ist Mitglied der nicht weniger erfolgreichen Band Madame Baheux und hat auch beim Weltmusikdreier Sormeh und vielen anderen Formationen ihre Finger mit im Spiel.
Was die charismatische Bratschistin und Vokalistin auszeichnet und wofür sie bekannt ist, ist ihre immense musikalische Offenheit gepaart mit einer ordentlichen Portion künstlerischer Eigenwilligkeit und Experimentierfreude. Wohl bei nur wenigen Musikerinnen trifft der Satz: „Sie macht, was sie will“ so sehr zu, wie es bei ihr der Fall ist. Und das zeigt sich auch auf „La Folia“, ihrem Solo-Debüt, auf eine wirklich atemberaubende Weise.

Hört man sich durch ihre Nummern, ist es fast so, als befände man sich im pulsierenden Zentrum der Vereinigung unterschiedlichster musikalischer Welten. Folk aus verschiedensten Regionen, Wienerlied, Singer-Songwriting, Einflüsse aus Klassik, der Kammermusik und dem Jazz, alles findet sich in der Musik der Künstlerin in irgendeiner Form wieder. Damit nicht genug singt Jelena Popržan dann noch auf Deutsch, Englisch, Französisch und Serbisch, was die ganze Sache noch abwechslungsreicher macht.
Jedes Stück erzählt eine andere Geschichte, mal passiert dies das nahe an der Tradition, dann wieder in einer modernen musikalischen Sprache. Der Stimmungsbogen, den die Bratschistin mit dem Gespür für packende Melodien spannt ist ein weiter und reicht von leisen, sanften und gediegenen Momenten über schwungvoll tänzelnde Passagen bis hin zu hochdramatischen Explosionen. Dazwischen wird es immer wieder auch ein wenig schräg oder experimentell.
„La Folia“ ist ein faszinierender Blick über den Tellerrand des gewöhnlich Musikalischen hinaus, eine kunstvolle und ereignisreiche Reise durch unterschiedlichste musikalische Umgebungen. Jelena Popržan liefert ein Stück Musik ab, das auf wunderbare Weise zu fesseln vermag und in höchstem Maße mit Stil zu unterhalten weiß. (MICA Michael Ternai)

Mit Jelena Popržan
(5-saitige Viola, Gesang, Looper, Maulgeige, Glasharmonika)

„…empathisch aufgeladene, unglaublich präzise Vokal- und Bratschenakrobatin…“ / Jörg Duit – Radio Ö1
„…Musik und Gesang, die Popržan mit Charisma anführt…“ / Michael Wurmlitzer – Der Standard 
„…Geniale Musik-Erfindung…“ / Heinz Wagner – Kurier

Jane Bunnett: soprano saxophone, flute
Joanna Majoko: vocals, percussion
Mary Paz: conga, vocals, cajón, bata drums
Dánae Olano: piano, vocals
Tailin Marrero: bass, vocals 
Yissy García: drums

Ahoi Frauenpower!
Die kanadische Querflötistin und Sopransaxofonistin Jane Bunnett hat sich mit Maqueque ein Ensemble aus herausragenden kubanischen Musikerinnen zusammengestellt. Was als Mentoring-Projekt begann, hat sich in den letzten fünf Jahren zu einer eigenständigen Band entwickelt: Heute sind Jane Bunnett & Maqueque mit ihrem energetischen Mix aus rhythmusgetriebenem Jazz und afrokubanischen Melodien nicht mehr aus der nordamerikanischen Jazzszene wegzudenken.

Gerade in der Musik spielt nationale Zugehörigkeit keine Rolle, könnte man meinen. Bei Jane Bunnett aber ist das Gegenteil der Fall. Dass die Saxofonistin aus Toronto kommt, ist karriereentscheidend. Denn als Kanadierin kann sie das Embargo der USA gegen Kuba umgehen. Seit den 1990ern reist Jane Bunnett in einer Häufigkeit nach Kuba, die ihren nordamerikanischen Kolleginnen und Kollegen nicht möglich ist. Die afrokubanische Musik fliesst intensiv ins Werk der Sopransaxofonistin und Flötistin ein.
Rhythmusgetriebener, melodieverliebter Jazz, der Jane Bunnett mehrere Grammy-Nominationen eingebracht hat. Gleichzeitig ist sie auch Vermittlerin, indem sie kubanische Volksmusik und Jazz in die Vereinigten Staaten brachte. Gesellschaftspolitische Aussagen macht die 62jährige Musikerin bis heute: mit Plattentiteln wie «Radio Guantanamo» oder ihrer bewussten Entscheidung, kubanische Musikerinnen zu fördern.

Die fünffache Juno-Award-Gewinnerin Jane Bunnett vereint in ihren Bands die grössten musikalischen Talente aus Kanada, Amerika und Kuba. Sie wurde für drei Grammy-Awards nominiert, erhielt den “Order of Canada”, die “Queen’s Diamond Jubilee Medal” und kürzlich den “Premier’s Award for Excellence”. Mit Maqueque erschuf Jane etwas völlig neues und phänomenales in der Welt des Jazz. Was vor fünf Jahren als Projekt, mit jungen, brillianten Musikerinnen aus Kuba Aufnahmen zu machen begann, hat sich zu einer der Top-Gruppen der nordamerikanischen Jazzszene entwickelt. Allein im letzten Jahr spielten sie an grossen Jazzfestivals wie Newport oder Monterey, wurden mit ihrem neusten Album “Oddara” für einen Grammy nominiert und vom DownBeat “Critics poll “zu einer der 10 besten Jazz-Gruppen erkoren. Jane Bunnett ist als international anerkannte Musikern bekannt für ihre kreative Integrität sowie für ihren Mut zur Improvisation. Ihre Erforschung afro-kubanischer Melodien zeigt die Universalität von Musik auf und Jane’s Fähigkeit die Rhythmen und die Kultur von Kuba nicht nur zu integrieren, sondern in den Vordergrund zu rücken ist bahnbrechend. Auf ihren weltweiten Tourneen brachte Jane ihren eigenen, speziellen Sound an zahlreiche Jazzfestivals und präsentierte dort ihre Vielseitigkeit als Flötistin, Saxophonistin und Pianistin dem Publikum. Es existieren zwei Dokumentarfilme über Jane’s Arbeit: “Spirits of Havans” des National Film Boards wurde international an zahlreichen Filmfestivals, im Fernsehen und in Europa gezeigt. Ein aktuellerer Film – “Embracing Voices” - wurde an diversen Filmfestivals aufgeführt und wartet derzeit auf ein kommerzielles Veröffentlichungsdatum. 16.04.-20.04.2019 Jane Bunnett & MaquequeOb als Musikerin, Lehrerin oder auch als Sozialaktivistin – Jane Bunnett hat keine Angst davor, auf ihrer Suche nach Perfektion neue Gebiete zu erkunden.

Apropos Herz:

Der Landler. Die Urform der österreichischen Volksmusik. Darin verpackt befindet sich der Herzschlag. Das ist kein schlechter Scherz, sondern die reinste Wahrheit: Die Betonungen in dieser dreivierteltaktigen Gattung liegen auf den Taktzeiten eins und drei. Daraus ergibt sich ein Rhythmus, der einem gesunden, pumpenden Herzmuskel ähnelt: bumm-bumm. bumm-bumm. bumm-bumm. Schlussfolgerung: 
ALMA spielen nicht nur Seelenmusik, 
es geht noch näher: Herzensmusik!

Almas Musik löst Emotionen aus, sie kommt direkt aus der Seele und möchte Menschen dort erreichen, wo deren eigene Wurzeln schlummern. Seit 2011 verbindet Alma volksmusikalische Bodenständigkeit spielerisch mit komplexen Arrangements und tourt damit durch die Weltgeschichte. Weil ganz selbstverständlich Klassik und Volksmusik, Ländler und Polka, Jodler und Walzer, Bourrée und Musette Seite an Seite erklingen, weil alles, ob Freude, Glück oder Melancholie, echt ist, weil hier jeder Ton mit großem Respekt gesetzt und der Inspiration immer genügend Raum gelassen wird, sprengt Almas Musik Grenzen ohne mit musikalischen Traditionen zu brechen.

Eine Band, die sich dem traditionellen Musizieren und dessen Überschreitung verschrieben hat, ist ALMA. Auf der Suche nach seinen musikalischen Wurzeln, gräbt das Ensemble stets im tieferen Erdreich und entdeckt dort längst vergessenes und altbekanntes Wurzelwerk gleichermaßen.
In ALMAs Musik wird aber nicht nur die Auseinandersetzung mit der Tradition erlebbar gemacht, sondern auch deren Transfer in die Gegenwart. Behutsam, mit archäologischem Fingerspitzengefühl widmen sich die in Wien beheimateten fünf Musikerinnen und Musiker allem, was ihnen lieb und teuer erscheint. Inspiration für ihre Kompositionen und Bearbeitungen holt sich die Band unter anderem auf ihren zahlreichen Konzertreisen, dies sie bereits von Wien über Skandinavien bis nach Peru geführt haben.
Weil ganz selbstverständlich Klassik und Volksmusik, Ländler und Polka, Jodler und Walzer, Komposition und Improvisation Seite an Seite erklingen, weil alles, ob Freude, Glück oder Melancholie, echt ist, weil hier jeder Ton mit großem Respekt gesetzt und der Inspiration immer genügend Raum gelassen wird, sprengt Almas Musik Grenzen, ohne mit musikalischen Traditionen zu brechen.

2013 erschien ihr Debütalbum Nativa auf dem Label col legno, ihr zweites Album Transalpin folgte im Mai 2015. Das dritte Album mit dem dadaistischen Titel Oeo folgt 2017 und ist dem Esperanto der alpenländischen Musik gewidmet. Die Welthilfssprache, die der internationalen Kommunikation dient, hat im Alpenraum eine Schwesternsprache, die auf den ersten Blick nicht danach aussieht. Wie kann das sein? Ganz einfach: Die wohlklingende Sprachmelodie des Jodelns kann Botschaften weiterleiten, denen die Hochsprache nie nachkommt: Gefühlstimmungen ausdrücken, die Zeit überdauern oder einfach glücklich machen.

ALMA sind
Julia Lacherstorfer – Geige, Gesang | OÖ
Evelyn Mair – Geige, Gesang | Südtirol
Matteo Haitzmann – Geige, Gesang| SBG
Marie-Theres Stickler – Diat. Harmonika, Shruti Box, Gesang | NÖ
Marlene Lacherstorfer – Kontrabass, Harmonium, Gesang | OÖ

FURO:RE

Taucht man in die Welt von ALMA ein, erscheinen Kategorien wie Raum und Zeit relativ. Wie nach dem Genuss eines guten Glases Wein oder einem übermütig getanzten Walzer, hinterlässt deren Musik ein wohl dosiertes Schwindelgefühl. Vor dem inneren Auge entstehen während des Hörens Soundlandschaften, die einen gut beschuht durch Tradition und Moderne tänzeln lassen. Zu ihrem 10-jährigen Bandjubiläum erweitert das Quintett nun seine Spielräume und sprengt die Grenzen zwischen Fantasie und Realität, Körper und Seele, Bühne und Wirtshaus. So betritt das Publikum zunächst einen bestuhlten Konzertsaal, um sich weniger später auf einem Tanzboden wiederzufinden. Während der erste Teil des Abends den Raum in Richtung Zukunft dehnt, mit Spieltechniken und Improvisationsteilen experimentiert, zollt die zweite Konzerthälfte traditionellen Spielarten Tribut. Gemeinsamer Nenner ist und bleibt dabei die Gegenwart, in der Alma vor allem für eines sorgt: Furore!

»Attwenger sind nicht nur die virtuosesten, sondern auch die widersprüchlichsten Rabauken, die das Popgeschäft in Jahren heimgesucht haben. Weil den Stars die Ideen ausgingen, reisten sie nach Afrika und Lateinamerika, um mit den Eingeborenen zu musizieren. Im Fall Attwenger ist das anders. Hier musizieren die Wilden selber.« 

manche sind ja der meinung, attwenger sei die unnachahmlichste band zwischen linz und übersee, andere wiederum haben noch nie von uns gehört bzw. schon wieder auf uns vergessen. drum haben wir drum gemacht, unser 9. studioalbum, eine überfällige boomer-produktion, 15 neue songs mit allem drum und dran:
trap-slang und country-fiction, kraut- und rübenmusik, mentalitätskritik, dialektgroove, electronica und polkapunk.
drum auch deshalb, weil umstände zur sprache gebracht werden wollten, die nerven. würden sie nicht nerven, wozu dann die musik?
um nicht länger drum herum zu reden: auf diesem album wird darüber gesungen, was er so und sie so sieht, was ein falsches viech ist, dass happiness zum business wurde und alle daumen lang der vater grantig wird, die leute zwar weit sind, aber leider nicht weiter, was alles völlig wurscht sein kann, gefolgt von gereimtem gelaber und songs über den kredit und die schulden. darüber hinaus geht es drum, dass die realität zu real ist, ein wenig weniger sehr gut täte, außerdem um das, was einer von uns mag, was alle, die ich kenne, nicht wissen wollen, um ein traumhaftes drum und dass sich letztlich niemand in die hose zu machen braucht.
drum kann ein trumm, d.h. eines dieser trümmer sein, die plötzlich im weg stehen, womöglich in form einer überdimensionalen rübe, und sei es nur eine virtuelle, aber sei‘s drum. hier ist sowieso alles konstruiert. bis zu 70 spuren pro song, jede davon auf die eine oder andere weise bearbeitet, die texte, sofern nicht spontan entstanden, über monate, teilweise über jahre zusammengefrickelt. hier ist nichts authentisch, aber alles täuschend echt. ---  markus binder

DAS NEUE ALBUM: DRUM

"Ein Album, das es eigentlich nicht geben kann, weil so etwas noch keiner gemacht hat. Es ist irre, es ist ausgefuchst, und es ist für all die wilden Music Lovers, die keine Angst vor gar nichts haben." (Süddeutsche Zeitung)
"Mischung aus politisch-gesellschaftlichen Reflexionen, Beziehungsdramoletten und philosophischen Sprachspielereien." (FM4)
"Drum ist eines der facettenreichsten Alben der Bandgeschichte und rundum gelungen obendrein." (Falter)
"Erinnern daran, dass Pop ausgelassen und politisch sein darf." (Ö1)

SZ: Musik von einem anderen Stern

Es war tief in der Nacht. Eigentlich schon am frühen Morgen. Bei ihrem allerersten Konzert in Wien. Da stand dieser Typ im Publikum: "Hört auf!", schrie er. "Das ist Scheiße! Das wird nie was!" Markus Binder hat das nie vergessen. Es gefällt ihm bis heute. Dieser Typ hatte es begriffen. Er hatte verstanden, dass er da etwas hört, was es nicht gab: eine Ziehharmonika, verzerrtes Heulen. Ein Punk-Knüppel-Schlagzeug. Und Rap. Irgendwie so wie in New York. Nur auf Österreichisch.

Etwas mehr als 30 Jahre später sind die zwei von Attwenger immer noch da und veröffentlichen ihr neuntes Studioalbum beim Münchner Label Trikont. Es heißt "Drum" wie drum und dran oder wie Schlagzeug. Es ist ein Album, das es eigentlich nicht geben kann, weil so etwas noch keiner gemacht hat. Es ist irre, es ist ausgefuchst, und es ist für all die wilden Music Lovers, die keine Angst vor gar nichts haben. Als Attwenger anfingen, war die Volksmusik im Aufbruch. Man hörte die erste verzerrte E-Gitarre, und ein Hiatamadl hatte keine dickn Wadl. Attwenger spielten in ihrer eigenen Welt, weit draußen. Dort, wo neue Musik passierte und schnell reimende Rapper ihr Leben zu Text machten und aus Text ein neues Leben schufen.

Mit dem neuen Album steuern Attwenger nach vielen Wendungen nun in den Trap, einen Hip-Hop-Stil der auch schon eine ganze Weile in der Szene rumort, in den vergangenen Jahren aber an die Oberfläche durchbrach. "erso & sieso" heißt die erste Nummer. Synthiebass und elektronische Bassdrum kullern rund geformt durch die Nummer. Und an der Leine tänzelt die Hi-Hat. Elektronisch und mit Filtern bearbeitet - eigenständiger Sound-Groove. Spricht man den Schlagzeuger Markus Binder darauf an, freut er sich und erzählt, wie die Bass-Drum in den Achtzigern nur ein "diffuser Wumms" war, wie sich mit dem Hip-Hop die Bass als eigenständige Wucht etabliert hat. Und wie nun der Trap musikhistorisch ein "toller Step vorwärts" ist, weil sich die Hi-Hat emanzipiert und die Grundelemente eines Schlagzeugs erstmals gleichberechtigt sind.

Binder ist der Pop-Ingenieur hinter den Attwenger-Songs. Ende der Neunziger hat er mit einem Studio begonnen, sich abzukoppeln von den Produktionsbedingungen des Marktes. Heute hat er alles "im Rechner" und freut sich, dass damit die "ultimative Demokratisierung und Entkapitalisierung möglich ist". "Drum" ist ein Ergebnis nächtelanger Tüftelei. Für "foisches viech" haben sie sich von Fuzzman einen verzerrten Bass über den Sequenzer-Rhythmus einspielen lassen. Der Text ist rhythmisch pulsendes Denken über das wilde Wesen in den Eingeweiden des Menschen, stoisch zweistimmig auf einen Ton sprechgesungen. Die Bestie aber ist die verzerrte Ziehharmonika von Hans-Peter Falkner, die tobt, tost und brüllt wie nie zuvor. Um Vergleiche verlegen, ahnt man, dass es vielleicht so geklungen hätte, hätten The Prodigy Volksmusik gemacht.

"Schuidn" ist ein Zwiegesang im Stile eines Wiener Liedes über einen, dem das mit dem Geld über den Kopf wächst. Der Witz ist der massive, auf Bass und Snare reduzierte langsame Hip-Hop-Beat. Mehrere Bass-Drums hat Binder übereinander gelegt und bearbeitet, bis er seinen Sound gefunden hatte. Er ist raumfüllend. Gar nicht einfach, einen Sound so zu bearbeiten, dass er im Mix nicht den anderen Instrumenten die Lautstärke wegfrisst. Aber Binder, der als Schlagzeuger immer schon eine maschinenhafte Präzision hatte und Beats stanzen konnte, arbeitet auch als Musiker ein wenig so, wie ein analoger Synthesizer. Der formt den Ton mittels subtraktiver Synthese, heißt, aus dem vollen Frequenzspektrum werden mittels Filtern bestimmte Frequenzen entfernt. So entsteht auch der Attwenger-Sound durch das, was abgezogen wird. "Reduce it to the max", sagt Binder. Am Ende des Prozesses bleibt genau das Notwendige übrig, was den Song ausmacht. Das funktioniert übrigens auch in den Binder-Texten: "i kapiers nie vamiss mi / friss mi vagismi sogd sie" heißt es in "vagismi" einer Nummer, die mit dem Vokal "i" in einem hübsch begrenzten Frequenzraum spielt.
Mit einem winzigen, ewig wiederholten Soundschnipsel, einem Sample, ist "leider" gebaut. Man denkt an ein Wiener Lied, aber der Schnipsel ist doch ein Vokalstück aus Nordamerika. Eine Schellack-Aufnahme. Der Transfer zwischen der neuen und der alten Welt - da ist sie wieder, die Kernidee dieser Band. Der Sample wird transponiert und zur Bluesbegleitung für den Gesang. Binder probierte: spielte mit Bass und Rhythmus. Bis er erkannte: "Das Rauschen ist die Musik, That's it."

Das Rauschen der Schellack-Platte öffnet in diesem Popsong von dreieinhalb Minuten eine historische Dimension, so wie Attwenger mit ein paar Nummern im alten Polka-Punk-Stil auch auf dieser Platte ein Duo sind, das die eigene Klanggeschichte zum Thema macht. Der Schnipsel aus Nordamerika macht in diesem Zeitverschachtelspiel die Tiefe der Vergangenheit spürbar, aus der er hochgetaucht wurde, bis er heute in einem Lied zur aktuellen Situation das Fundament liefert. Einem Lied über Linke, die heute rechts wählen. "Ich habe es von Anfang an so gesehen, dass Musik auch ein Transportmittel für einen Diskurs, eine Meinung, eine Provokation, die Mitteilung eines politischen Standpunktes ist", sagt Binder.

Und man könnte mit ihm über Reagan und Thatcher und die "Konkurrenzmentalität" reden. Darüber, warum der Sozialdemokratie Wählerschichten weggebrochen sind, die heute auf der Gegenseite marschieren. Aber erstens will Binder nicht erzählen, was andere schon vor ihm gesagt haben und zweitens ist die Attwenger-Art, einen Standpunkt zu vertreten, eine andere. Und so ist mit einem Refrain - reduce it to the max - alles gesagt: "i mog diese leid ned / diese leid meng ned mi / die glaubm das bessare gibt / und schlechtare gibt / und die bessan des san oiwei sie".

Attwenger funktionieren als Pop-Band ein wenig so, wie die Pet Shop Boys. Man kann "Drum" mit Überbau hören und wissen, dass Markus Binders Musikgeschmack locker bis John Cage und Neuer Musik reicht. Dann wundert man sich nicht, wenn man hört, dass sie schon auf der Architekturbiennale in Venedig gespielt haben. Man kann Attwenger als Pop-Neuerer hören, die international verständlich sind. Dann wundert man sich nicht, dass sie in Amerika waren, in Mexiko, Pakistan, Vietnam, Zimbabwe. Oder man kann Attwenger hören und gar nichts denken wollen. In einem kleinen klebrigen Club mit dem dritten Bier in der Hand sich einfach nur freuen, wie einem der Beat in den Bauch fährt: "grod hob i aun wos docht / auf amoi is des furt / i waas ned woa des wichtig / keine ahnung völlig wurscht".

(SZ / SüDDEUTSCHE ZEITUNG / Christian Jooß-Bernau)

Abrazo. Umarmung. Mal Engtanz, mal Nahkampf. Gibt es ein besseres Bild für das Duo von Akkordeonist Vincent Peirani und Sopransaxofonist Emile Parisien? „Es ist wie eine Ehe.“ sagt Peirani. „Am Anfang ist alles großartig, wunderbar, ein Paradies. Doch dann gibt es auch immer wieder Krisen, das ist ganz normal. Und jetzt gerade haben wir einfach eine riesen-Lust, zusammen zu spielen.“ Es dürfte nur wenige Musiker geben, die einander so gut kennen, wie Peirani und Parisien. Mehr als 1000 Konzerte haben die Beiden in den letzten knapp zehn Jahren zusammen gespielt, über 600 davon im Duo. Kennengelernt haben sie einander 2012 im Quartett des Schlagzeugers Daniel Humair. Auf einer Koreatour spielten sie dann, recht spontan, ein erstes nächtliches Clubkonzert im Duo. Laut Peirani eine „ca-ta-strophe! to-tal disastre!“. Doch schon kurz danach...

Vincent Peirani und Emile Parisien, die beiden führenden französischen Jazzmusiker ihrer Generation und Prix-Django-Reinhardt-Preisträger, vereinen sich zu einem Duo der Extraklasse. Beide stellen sich in den Dienst des anderen, innovativ und frei, ohne dabei die Altmeister des Akkordeons und Sopransaxophons wie Richard Galliano oder Sidney Bechet zu vergessen. «Belle Époque» hiess ihr erstes umwerfendes Duo-Album von 2014, eine Beschwörung der frühen Zeit, als der Jazz laufen lernte. Sechs Jahre später präsentieren sie ihr zweites Werk «Abrazo», auch dies eine Verneigung, allerdings nicht vor einer Person, sondern einer Kunstform: Dem Tango, seiner Eleganz, Melancholie und rhythmischen und melodischen Kraft. Und wie schon bei ihrem Duo-Debüt, spielen Peirani und Parisien nicht das Material der Vorlagen, sie spielen vielmehr MIT ihm. Ein Traum, wie diese beiden Ausnahmemusiker miteinander harmonieren.

Im Jahr 2014 erschien das erste gemeinsame Duoalbum ›Belle Epoque‹auf ACT. Schnell ging es von da an über die wichtigsten Clubs und Festivals in Frankreich und Deutschland auf Tour in die ganze Welt - nach Asien, Lateinamerika, die USA, Kanada und ganz Europa. Und in weltbekannte klassische Häuser wie die Philharmonien in Berlin, Hamburg, Essen oder Wien. Auch internationale Preise wie der Echo Jazz, Les Victoires duJazz, der Preis der deutschen Schallplattenkritik und zahlreiche Kritikerauszeichnungen führender Jazzmagazine ließen nicht lange auf sich warten. 
Fast sechs Jahre haben sich Peirani und Parisien Zeit genommen für den Nachfolger. Auch ›Abrazo‹ist eine Verneigung, allerdings nicht vor einer Person, sondern einer Kunstform: Dem Tango, seiner Eleganz, Melancholie und rhythmischen und melodischen Kraft. 

Parisiens und Peiranis Eigenkompositionen bewegen sich im Geiste des Tango, ebenso wie das Arrangement von ›Army Dreamer‹aus der Feder der von Peirani tief verehrten Kate Bush. Eine erstaunliche Brücke zum Vorgängeralbum schlägt der Eröffnungs-Titel ›The Crave‹des US-amerikanischen Pianisten und Bandleaders JellyRoll Morton – einem der einflussreichsten Jazzmusiker des frühen 20sten Jahrhunderts. Es scheint, als sei ›Abrazo‹, nach ›Belle Epoque‹, der zweite Teil einer Suite und tatsächlich greifen die beiden Alben, nacheinander gehört, verblüffend ineinander.
Irgendwas klickt hier auf magische Art. Und es scheint, als könnten die Zutaten für dieses traumwandlerische Zusammenspiel wirklich überall herkommen: Ganz gleich ob traditioneller oder moderner Jazz, freie Avantgarde, Klassik, Folklore, Rock, elektronische, Neue oder Alte Musik – der Hunger auf Neues, die Lust am Abenteuer scheint unersättlich. Es sind diese grenzenlose Neugier und der Drang, gemeinsam zu wachsen und immer neue Stufen zu erklimmen, die das Duo Peirani & Parisien zusammenschweißen und so einzigartig machen.

Die Seele von Mama Afrika trifft auf das Feuer von Tina Turner,  Motown und Soul. Heraus kommt dabei eine Packung pures Dynamit.
Nomfusi mit neuem Album live on Tour! 
„The Red Stoep” (VÖ 5.11.2021)

Auf ihrem vierten Studioalbum “The Red Stoep” kehrt sie zu ihren südafrikanischen Wurzeln zurück und präsentiert unterschiedliche Musikstile mit souveräner, musikalischer Reife: gefühlvolle Balladen mit einem Hauch von Gospel neben einigen jazzigen und tanzbaren Afro-Soul- und Pop-Songs. Melodische Maskandi-Gitarren werden dabei von großen Bläserarrangements und groovigen südafrikanische Township-Rhythmen flankiert.

 Die sehr speziellen Klickgeräusche ihrer Muttersprache Xhosa, in der sie einige Passagen singt, verleihen ihren Liedern eine exotische Note. Außerdem kann sie sich so am besten ausdrücken. Denn es ist ein sehr persönliches Album geworden. Sie besingt Erlebnisse aus ihrer Kindheit in einer winzigen Hütte eines Südafrikanischen Townships oder erzählt von ihren Erinnerungen als alleinerziehende Mutter, einer spirituellen “Sangoma” (traditionellen Heilerin), der – wie vielen anderen Frauen auch – Gewalt angetan wurde. Stellvertretend gibt sie all jenen eine Stimme, spendet Hoffnung und schärft das Bewusstsein für soziale Missstände.

REVIEW

Die Seele von Mama Afrika trifft auf das Feuer von Motown / Soul und heraus kommt dabei eine Packung pures Dynamit. Dank ihrer unglaublich kraftvollen Stimme, seltener Schönheit und elektrisierender Bühnenpräsenz hat es Nomfusi bereits innerhalb von drei Jahren auf die großen und internationalen Konzert Bühnen geschafft. In Südafrika wird die Newcomerin bereits als die Nachfolgerin von Miriam Makeba und Brenda Fassie gehandelt. Musik Kritiker bezeichnen die Sängerin als „The next big thing to come out of South Africa“. Aufgewachsen mit Tina Turner, Aretha Franklin und Miriam Makeba ist ihre Musik geprägt von den wahren Beats und den funky Grooves aus Soul, Motown und Sophiatown. Und alles läuft auf eine große Karriere für das Persönchen mit der großen Stimme hinaus: Im August 2012 dreht Nomfusi unter der Regie von Justin Charwick an der Seite von  Natalie Portman und Scarlett Johannson die neue Nelson Mandela Verfilmung „ Long walk to Freedom“ - Es ist ihrer erste Filmrolle und sie verkörpert dabei die junge Miriam Makeba.- wen sonst…  3 Nominierungen im letzten Jahr sprechen auch Bände:  South African Music Awards in der Kategorie Bestes Video. Metro FM Award in der Kategorie bestes „Afro Pop Album“ und „Best Female Artist“ 

Der Sänger Willi Resetarits hat die schönste, die seelenvollste, die ergreifendste Männerstimme im Lande Österreich, egal, ob er Rocksongs, Folkballaden, Jazzstandards oder burgenlandkroatische Volksweisen singt. Er stimmt etwas an und geht damit sogleich in die Seelen unserer Frauen und Männer, wo er Unerhörtes anrichtet, nämlich tiefes Glück. 
Wenn es den Willi nicht schon längst gäbe, müsste man ihn glatt erfinden. Als Vertrauenswürdenträger Wiens, als Vertreter für Haltung und Unterhaltung. Aber wer die Chance hatte, diesen Fachmann für Witz und Wärme, für Soul und Seelenruhe mit seiner einfallsreichen Band in letzter Zeit auf einer Bühne zu erleben, war schlicht und ergreifend berührt von der Kunst, den „Stubnblues“ im Augenblick anheimelnd leuchten zu lassen: „Es gibt nix Bessers ois wos Guads!“, weiß der Altmeister. 
Lässig und locker tönt der Sound, manchmal artgerecht hinter Rotweinflaschen und rotweiß-karierter Tischdecke kredenzt, mit herrlichem Weitblick auf die Hausberge der Poeten.  Wenn Resetarits erzählt, schwingt im Charme der Kalorienreichtum einer ganzen Hofkonditorei mit, wenn er schwadroniert und singt in unrasierter Entspanntheit, wärmt die einhüllende Melancholie eines Mannes, der an der Liebe und am Lachen hängt. 

i mecht no so vü zeit habm
und no so vü verstehn,
mecht alles, nur kan neid habm,
sollt’s oamoi nima gehn.
i mecht no so vü gspür habm
und mecht no so vü gebm, 
ich mecht di ganz bei mir habm
so eng ois wia mei lebm.

Willi Resetarits + Stubnblues Allstars

Willi Resetarits - Gesang, Mundharmonika & Gschichtln
Stefan Schubert - Gitarren & Gesang
Klaus Kircher - Stehbass & Gesang
Peter Angerer - Schlag - und Schüttelinstrumente & Gesang
Christian Wegscheider - Quetschn, Tasten & Gesang
Chris Haitzmann - Trompete
Herbert Berger - Saxophon 

Der Stubenblues.
Es ist schon ein klein wenig zum Thema geschrieben worden, aber das Meiste entstammt mündlicher Überlieferung.
Die Menschen sagen: i hea ma in stumblus au.
Das kann vielleicht nicht jede/r lesen, ohne zumindest kurz gedanklich und sinnsuchend zu verweilen, jedoch die H.C. Artmann-geschulten Menschen schreiben und lesen mündlich Überliefertes derartig. Die Spezialisten träumen sogar in diesem Duktus.
wos spüd a deamoi, da stumblus?
wos soi a spün? de neiche cedee hoid. da stumblus spüd an stumblus.
Hört sich schön an. Es fliesst und ist inhaltlich korrekt. Aber das Leben gibt uns Möglichkeiten. Wir dürfen wählen.
Es darf also auch so gesprochen werden: de stumblus spün in stumblus.
DIE Stubnblues spielen den Stubnblues. Sie sind nämlich nicht einer alleine, sie sind zu fünft. Manchmal sind sie auch sieben. Oder noch mehr. DER Stubnblues als solcher ist also einerseits die Gesamtheit der beteiligten Musikanten, als auch das was sie spielen. Der und die Stubnblues ist und sind Schöpfer und Schöpfung zugleich.
Obacht: Die Stubnblues spielen vielleicht auch einmal einen Blues, aber eigentlich nicht sehr oft. Der Blues steht also „pars pro toto“. Er ist eine mögliche Spielart, auf die wir gar nicht näher eingehen wollen, weil der Blues hier für Musik steht, die nicht ohne Herz auskommt, sondern vielmehr selbigem entspringt. Über den Blues ist sowieso schon soviel gesagt und geschrieben worden. Also soll die Stube beleuchtet werden, damit sie nicht ganz im Dunklen bleibt. Damit wir sehen können, wer da ist.

Der Sänger Willi Resetarits hat die schönste, die seelenvollste, die ergreifendste Männerstimme im Lande Österreich, egal, ob er Rocksongs, Folkballaden, Jazzstandards oder burgenlandkroatische Volksweisen singt. Er stimmt etwas an und geht damit sogleich in die Seelen unserer Frauen und Männer, wo er Unerhörtes anrichtet, nämlich tiefes Glück. 
Wenn es den Willi nicht schon längst gäbe, müsste man ihn glatt erfinden. Als Vertrauenswürdenträger Wiens, als Vertreter für Haltung und Unterhaltung. Aber wer die Chance hatte, diesen Fachmann für Witz und Wärme, für Soul und Seelenruhe mit seiner einfallsreichen Band in letzter Zeit auf einer Bühne zu erleben, war schlicht und ergreifend berührt von der Kunst, den „Stubnblues“ im Augenblick anheimelnd leuchten zu lassen: „Es gibt nix Bessers ois wos Guads!“, weiß der Altmeister. 
Lässig und locker tönt der Sound, manchmal artgerecht hinter Rotweinflaschen und rotweiß-karierter Tischdecke kredenzt, mit herrlichem Weitblick auf die Hausberge der Poeten.  Wenn Resetarits erzählt, schwingt im Charme der Kalorienreichtum einer ganzen Hofkonditorei mit, wenn er schwadroniert und singt in unrasierter Entspanntheit, wärmt die einhüllende Melancholie eines Mannes, der an der Liebe und am Lachen hängt. 

i mecht no so vü zeit habm
und no so vü verstehn,
mecht alles, nur kan neid habm,
sollt’s oamoi nima gehn.
i mecht no so vü gspür habm
und mecht no so vü gebm, 
ich mecht di ganz bei mir habm
so eng ois wia mei lebm.

Willi Resetarits + Stubnblues Allstars

Willi Resetarits - Gesang, Mundharmonika & Gschichtln
Stefan Schubert - Gitarren & Gesang
Klaus Kircher - Stehbass & Gesang
Peter Angerer - Schlag - und Schüttelinstrumente & Gesang
Christian Wegscheider - Quetschn, Tasten & Gesang
Chris Haitzmann - Trompete
Herbert Berger - Saxophon 

Der Stubenblues.
Es ist schon ein klein wenig zum Thema geschrieben worden, aber das Meiste entstammt mündlicher Überlieferung.
Die Menschen sagen: i hea ma in stumblus au.
Das kann vielleicht nicht jede/r lesen, ohne zumindest kurz gedanklich und sinnsuchend zu verweilen, jedoch die H.C. Artmann-geschulten Menschen schreiben und lesen mündlich Überliefertes derartig. Die Spezialisten träumen sogar in diesem Duktus.
wos spüd a deamoi, da stumblus?
wos soi a spün? de neiche cedee hoid. da stumblus spüd an stumblus.
Hört sich schön an. Es fliesst und ist inhaltlich korrekt. Aber das Leben gibt uns Möglichkeiten. Wir dürfen wählen.
Es darf also auch so gesprochen werden: de stumblus spün in stumblus.
DIE Stubnblues spielen den Stubnblues. Sie sind nämlich nicht einer alleine, sie sind zu fünft. Manchmal sind sie auch sieben. Oder noch mehr. DER Stubnblues als solcher ist also einerseits die Gesamtheit der beteiligten Musikanten, als auch das was sie spielen. Der und die Stubnblues ist und sind Schöpfer und Schöpfung zugleich.
Obacht: Die Stubnblues spielen vielleicht auch einmal einen Blues, aber eigentlich nicht sehr oft. Der Blues steht also „pars pro toto“. Er ist eine mögliche Spielart, auf die wir gar nicht näher eingehen wollen, weil der Blues hier für Musik steht, die nicht ohne Herz auskommt, sondern vielmehr selbigem entspringt. Über den Blues ist sowieso schon soviel gesagt und geschrieben worden. Also soll die Stube beleuchtet werden, damit sie nicht ganz im Dunklen bleibt. Damit wir sehen können, wer da ist.

Mit „no time for idle cares“ erscheint zu hhanois 10-jährigem Bühnenjubiläum das fünfte Studioalbum. Neu sind Konzept und Besetzung, konstant ist der Drang nach Veränderung: auf Duo und Solo Alben folgt nun ein Konzeptalbum mit 4-köpfiger Band.
Gedichte von E.A. Poe und anderen Poeten wurden bereits auf den bisherigen Alben immer wieder als Lyrics für einzelne Songs verwendet. Nun geht HHANOI einen Schritt weiter und veröffentlicht mit „no time for idle cares“ ein Konzeptalbum mit ausschließlich vertonten Gedichten von Edgar Allan Poe.

Neben Besetzung und Konzeption sucht hhanoi auch kompositorisch neue Wege: äußerst spontan, intuitiv und innerhalb kürzester Zeit wurden die Songs in ihrer Rohfassung komponiert. Danach folgte monatelange, detailverliebte Arrangierarbeit mit Band, um die Songs auszukleiden.
So entstand ein Album mit einem breiten Spektrum an Emotionen, Sounds und Stimmungen, welches Gedichte von E.A. Poe in einen neuen Kontext stellt. In der Kombination von Wort und Musik entstehen neue Bedeutungsebenen, die individuell interpretiert werden können.

Hans Hauser - vocals, guitar
Lucas Lurz Geiler - drums, vocals
Gregor Degasperi - guitar
Stefan Kapeller - bass
Andreas Freudenschuss - sound

Mit Musik der Meere und einem Meer voller Träume melden sich Quadro Nuevo  zurück. Nach zuletzt intensiven Begegnungen mit Musikern der arabischen Welt und der eigenen Kultur wenden sich Mulo Francel, Andreas Hinterseher, Chris Gall und Didi Lowka wieder der mediterranen Leichtigkeit des Seins zu, und das mit italienischen Tänzen, ägäischen Mythen-Melodien, Songs entlang einer sonnenbeschienenen Küstenstraße, orientalischen Impressionen gepaart mit brasilianischen Aromen. „Einige unserer Mare-Lieder kommen aus gemeinsam Erlebtem.

Quadro Nuevo ist die europäische Antwort auf den Argentinischen Tango:
Arabesken, Balkan-Swing, Balladen, waghalsige Improvisationen, Melodien aus dem alten Europa und mediterrane Leichtigkeit verdichten sich zu märchenhaften Klangfabeln.
Diese erzählen vom Vagabundenleben, den Erfahrungen und Begegnungen auf der großen Reise des Lebens, den kleinen Zufällen und den großen Momenten, von Zartheit und wildem Temperament, immer getrieben zwischen östlichen und westlichen Winden, zwischen verzehrender Sehnsucht und genussvoller Erfüllung – zwischen dem Bitteren und dem Süßen.

Quadro Nuevo tourt seit 1996 durch die Länder der Welt und gab über 3000 Konzerte:
Sidney, Montreal, Ottawa, Kuala Lumpur, Istanbul, New York, New Orleans, Mexiko City, Peking, Seoul, Singapur, Tunis, Tel Aviv. Vom beschaulichen Oberbayern über die Alpen bis Porto, von Dänemark über den Balkan bis zur Ukraine quer durch Europa. Und manchmal auch im Treibhaus. so 10 mal?

Immer unterwegs hat das Instrumental-Quartett abseits der gängigen Genre-Schubladen eine ganz eigene Sprache der Tonpoesie entwickelt. Sie ist geprägt von der leidenschaftlichen Liebe zum Instrument und von größter Spielfreude. Das Geheimnis ist Hingabe: Selten hat man erlebt, dass Musik mit so viel Spannung, Verve und Einfühlungsvermögen in fremde Kulturen dargeboten wird.
Die Auftrittsorte der vier Musiker sind so verschieden wie die Wurzeln ihrer Musik: Quadro Nuevo ist nicht nur in Konzertsälen und auf Festivals zu Gast. Die spielsüchtigen Virtuosen reisen auch als Straßenmusikanten durch südliche Städte und fordern als nächtliche Tango-Kapelle zum Tanz, sie konzertieren in Jazz-Clubs und in der New Yorker Carnegie Hall.

Die CDs von Quadro Nuevo erhielten den Deutschen Jazz Award, kletterten in die Top Ten der Jazz- und Weltmusik-Charts und wurden in Paris mit dem Europäischen Phonopreis Impala ausgezeichnet.
In den Jahren 2010 und 2011 erhielt Quadro Nuevo jeweils den ECHO Jazz als bester Live Act und wurde so mit dem höchsten Deutschen Musikpreis von der Deutschen Phono-Akademie geehrt.Seit seinem erlebnisreichen Aufenthalt in Buenos Aires Anfang 2014 wendet sich das Ensemble wieder intensiv dem Tango zu.

Mulo Francel: Saxophone, Klarinetten
D.D. Lowka: Kontrabass, Perkussion
Andreas Hinterseher: Akkordeon, Vibrandoneon, Bandoneon
Chris Gall: Piano

QUADRO NUEVO:  MARE. MIT CHRIS GALL PIANO

MARE ist Musik gewordenes Wellenrauschen.
MARE ist südliche Meeresbrise, die seit jeher die Phantasie des Mitteleuropäers beflügelt. 
MARE erglänzt in allen betörenden Klangfarben eines unbekannten Paradieses und duftet nach Dolce Vita, reifen Zitronen und gelben Bikinis.

Die mediterrane Leichtigkeit des Seins war zweifellos immer schon prägend für die Instrumental-Kunst von Quadro Nuevo:
italienische Tangos, französische Valse, ägäische Mythen-Melodien, waghalsige Fahrtenlieder entlang einer sonnenbeschienen Küstenstraße, orientalische Grooves, Brazilian Flavour und neapolitanische Gassenhauer.
Sie alle dienen als vergnügliche Barke für lustvoll improvisierte Abenteuerfahrten.
Die Anregungen und Inspirationen hierzu holte sich Quadro Nuevo auf ausgedehnten Reisen. Musikalische Juwelen aufgelesen auf den Plätzen und an den Gestaden des Südens.

Ida Kristine Nielsen alias Bassida oder auch Ida Funkhouser, wurde durch ihre Zusammenarbeit mit Prince bekannt. Als Bassistin, Musikerin und Eyecatcher sorgte die dänische Schönheit ab dem Jahre 2010 in den Backing Bands des Meisters „The New Power Generation“ und „3rdeyegirl“ für die tiefen Töne.
Doch bis in die heiligen Hallen der Paisley Park Studios war es ein weiter Weg. Von 1993 bis 1998 studierte sie an der „The Royal Danish Academy of Music“, diplomierte am E-Bass, spielte in den Bands Zap Mama, MLTR, schrieb Songs und veröffentlichte 2007 ein Solo-Album Namens Marmelade, das sie unter dem Künstlernamen Bassida veröffentlichte. 3 Jahre später wurde sie zum „Purple Pick of …“, also zu etwas vom Meister auserkorenen.
Ida hat bisher 2  funkige Alben veröffentlicht! Bis zum Tode von Prince hat Ida an ihrem dritten Album gearbeitet, das wegen der Verabschiedung des Meisters kurzzeitig auf Eis gelegt wurde. Nun aber ist „Turnitup“ im Handel erhältlich und groovt sich mit einer Mischung aus Oldschool Funk, HipHop, Reggae, Weltmusik und einem nicht zu überhörenden Schuss Prince in die Ohren der Fans.

Ida Nielsens Stern am Bass-Himmel ging auf, als ein gewisser Prince sie 2010 in seine Formation NPG und später dann in 3rdEyeGirl einlud. Und das aus gutem Grund, denn die Dänin hat den Funk gepachtet, mit allem, die man dafür braucht: Slap, Fingerstyle, Improvisation, Sound und Bühnen-Präsenz – immer unter dem gemeinsamen Nenner: Funk mit fettem F! So fett wie ihr typischer Bass-Sound, den sie mit ihrem Sandberg Signature Bass und einer TC-Bassanlage produziert.
Doch es würde der Musikalität Ida Nielsens nicht gerecht werden, sie nur auf Zeit mit 3rdEyeGirl zu reduzieren, denn sie spielt seit Jahren nicht nur in vielen verschiedenen Formationen, sondern ist auch mit ihrem eigenen Projekt unterwegs. 2016 erschien das aktuelle Solo-Album ‚turnitup’, auf dem sie nicht nur Bass, sondern mit Ausnahme der Live-Drums alle anderen Instrumente selbst spielt.

Ida Nielsen: Bass + vocals
Mika Vandborg: Guitar + vocals
Patrick Dorcean: Drums
Kuku Agami: Rap/Spoken word (TBC)

Der schwedische Cellist und Bassist Lars Danielsson (geboren 1958) verfügt über einen unverwechselbaren Sound, der sowohl von seiner Herkunft als auch von seiner klassischen Ausbildung geprägt ist. Danielsson zählt zu den weltweit gefragtesten Bassisten und spielte mit einer schier unendlichen Reihe internationaler Stars wie Michael und Randy Brecker, John Scofield oder Charles Lloyd. Seinen singenden, warmen, melodischen, hochkultivierten Ton erkennt man in Sekunden. Seine Musik als Leader ist geprägt von seinem einzigartigen Talent für so einfache, wie eindringliche Melodien, seinem Empfinden für Sounds und Arrangements, sowie seinem Gespür für besondere Besetzungen – mit Größen wie Leszek Mozdzer, Tigran, Magnus Öström, Arve Henriksen, Bugge Wesseltoft, Nils Petter Molvaer, Eivind Aarset, Jan Bang, Eric Harland und vielen anderen, die immer wieder auf Danielssons Alben mitwirken.

LIBERETTO IV  // CLOUDLAND Musik muss berühren

Lars Danielsson / double bass, cello, piano
Grégory Privat / piano
John Parricelli / guitars
Magnus Öström / drums & percussion

Für Lars Danielsson, den Meister des Wohlklangs an Bass und Cello, liegt die Kraft der Musik in der Melodie. Sie ist der Keim, das Energiezentrum, aus dem sich alles entfaltet. Für diese Spielhaltung steht „Liberetto“ auch zum vierten  Mal ein. Danielssons Wortschöpfung wird endgültig zum Synonym seiner Kunst: Steckt darin doch mit „Libretto“ der Verweis auf die abendländische Kunstmusik als Quelle für seine Kompositionen und den ihnen innewohnenden lyrischen, sanglichen Charakter. Dann verbirgt sich darin aber ebenfalls das lateinische Adjektiv „liber“ (frei), das für die Improvisation, für die individuelle Anpassung der Formen und Vorgaben, vor allem aber für das grenzenlose Musikverständnis von Danielsson steht.

„Cloudland" ist das vierte Album von Lars Danielssons Liberetto Ensemble. Seit nunmehr fast einer Dekade steht diese Band für Eleganz, Verve, Drive und musikalische Frische und hat sich als Institution des europäischen Jazz etabliert. „Elegante Lyrik“ und „treffsicherer Groove“ (All About Jazz) verbinden die neuen Kompositionen abermals auf unnachahmlicher Weise. 

„Die Band hat sich seit 2012 enorm weiterentwickelt. Wir haben so viel zusammengespielt, dass sich ein blindes Verständnis ergeben hat. So konnten wir das neue Album noch bunter machen, in noch mehr Richtungen gehen“, sagt Danielsson. Einer aus dem bewährten Quartett mit Gitarrist John Parricelli und dem ehemaligen e.s.t.-Schlagzeuger Magnus Öström aber fehlt: Tigran, der Pianist der ersten beiden Alben. Da traf es sich, dass Danielsson auf einen hoch talentierten jungen französischen, von der Übersee-Insel Martinique stammenden Pianisten aufmerksam wurde, der inzwischen ebenfalls ein Mitglied der ACT-Familie ist: Grégory Privat. Danielsson lud ihn zum Spielen ein und fand sich sofort auf einer Wellenlänge. „Er ist eine große Bereicherung. Grégory ist ein begnadeter Geschichtenerzähler am Klavier mit viel rhythmischem Feingespür und er bringt ein kreolisches Element in unsere Musik ein. Wir sind alle sehr glücklich, ihn jetzt dabei zu haben.“

„Cloudland" belohnt die Geduld des Hörers also reichlich. Nicht zuletzt bei den vielen ganz besonders vielfältig und schön gestaltenten Endings. Nehmen wir zum Beispiel die perfekte Gelassenheit im Rallentando, der Tempoverschärfung, die den Titeltrack beschließt. Oder die rätselhaften letzten Takte von „Sacred Mind“ oder den präzisen und knackigen Abschluss von „Desert of Catanga“. Nur drei Beispiele für die sorgfältige, durchdachte Arbeit der Co-Produzenten, die während der gesamten Entstehungszeit des Albums als harmonisches Kreativteam wirkten: Cæcilie Norby, Magnus Öström und Danielsson selbst.

Kunstvoll und mit unübertrefflicher Leichtigkeit formen sich farbenreiche Klänge zu fantasievollen atmosphärisch dichten Kompositionen.
Lars Danielsson geht es um Gefühl und Tiefe. Er will nicht denken, sondern spüren und so den Zuhörer eindringlich empfinden lassen

Live treten Ernst Molden und Der Nino aus Wien, die beiden herausragenden Wiener Liedermacher der vergangenen Jahre, schon seit 2011 immer wieder einmal im Duo auf. 2015 veröffentlichten sie dann auch ihre erste gemeinsame Platte "Unser Österreich". Drin ist, was draufsteht: stimmungsvolle Coverversionen alter Lieder von Georg Danzer, Wolfgang Ambros, Sigi Maron, Falco, Ludwig Hirsch, André Heller und Heller/Qualtinger, reduziert auf zwei Stimmen und zwei Gitarren. Das Projekt wurde künstlerisch und kommerziell zum Erfolg: Das Album schaffte es bis auf Platz drei der Charts! Live ergänzen Molden und Nino ihre stimmungsvollen Austropop-Sichtungen durch ausgewählte Lieder aus eigener Feder.
Ins Treibhaus nehmen sie auch ihr brandneues Album „Zirkus“ mit ....

Lieder vom Zirkus

Sechs Jahre nach ihrem selbst die ö3-Charts erobernden Cover-Album UNSER ÖSTERREICH erscheint im Frühjahr 2021 eine weitere Duo-Platte von Ernst Molden und dem Nino aus Wien. ZIRKUS ist einerseits der Soundtrack zu Harald Aues Dokumentarfilm "Ein Clown. Ein Leben" über den Circus Roncalli und dessen Gründer und Prinzipal Bernhard Paul, der 2021 in die Kinos kommen wird. Andererseits präsentieren die beiden Wiener Songwriter mit erstmals gemeinsam geschriebenen Songs darüber hinausgehend ein behutsames Konzeptalbum über das fahrende Volk. 
Im folgenden, über Wochen per SMS geführten Gespräch versuchen die Künstler ihr gleichermaßen distantes wie zärtliches Verhältnis zum Zirkus zu klären und zu ordnen.

ERNST MOLDEN
Lieber Nino, wann warst du zum letzten Mal im Zirkus, und wie wars?

DER NINO AUS WIEN
Das letzte Mal im Zirkus war ich vor geschätzten zwei Jahren, und es war bunt und ein lustiger Abend. Kurz wollte ich Artist werden, aber ich hab den Gedanken dann wieder verworfen und stattdessen am nächsten Tag  ein Lied geschrieben. Was ich interessant fand an der Zirkusvorstellung, war, dass keine Tiere vorgekommen sind. Wie ist es bei dir? Gehen dir die Tiere ab?

ERNST MOLDEN
Sehr gute Frage! Ich muss sagen: Ja! Vor ein paar Jahren, als unsere Kinder noch ein bissl kleiner waren, waren wir in Sankt Marx beim Zirkus Safari. Die hatten immerhin ein Trampeltier und eine Art Steppenochsen. Das war mir schon genug. Im vollen Bewusstsein dafür, wie arm die Tiere im Zirkus oft waren und sind, fehlen sie mir doch. In meiner Kindheit in den Neunzehnsiebziger Jahren hab ich mich hauptsächlich auf die Tiere gefreut, wenn wir in den Zirkus gegangen sind. Man wurde dann aber melancholisch, wenn man sie sah. Die Stadthallenshow „Artisten – Tiere – Attraktionen“ hatte irgendwann eine Nummer namens „Das Tigernashorn“, da ist tatsächlich ein Tiger auf einen Nashorn sechs, sieben Runden um die Manege geritten. Der Tiger musste sich nur festhalten und ein bissl brüllen, aber darin hat er eine solche Wehmut ausgestrahlt, damals hatte ich sogar das Gefühl, er hat geweint. Aber auch die Clowns empfand ich eher tragisch berührend als lustig, in ihrem sturen Beharren auf dieser archaisch-kindlichen Komik. Richtig lustig fand ich damals eher Bud Spencer.
Musst du denn lachen über Clowns?

DER NINO AUS WIEN
Bestimmt habe ich schon öfter über Clowns gelacht. Oder wegen ihnen. Aber oft auch aus Angst. Ein fast panisches Lachen überkommt mich manchmal, wenn ich Menschen mit Masken oder sonstigen Veränderungen, zum Bespiel roten Nasen im Gesicht sehe. Einerseits liebe ich Verkleidungen, andererseits haben sie auch immer die Kraft mich zu verängstigen. Ich schätze die Kunst des Clowns schon sehr, mich berührt auch das Traurige an ihm. „Death of a Clown“ von den Kinks war eins meiner ersten Lieblingslieder. Aber ein Clown kann mich schon auch sehr erschrecken. Auch wenn er lieb ist. Mein Lachen ist dann, glaub ich, vor allem Selbstschutz, um mich zu beruhigen. So wie man nachts im Wald singt.  Ich bin kein Clown. Ich hab mich aber schon gefragt, wie alles wäre, wäre ich ein Clown. Weil ich das Kinks-Lied erwähnt habe:  Hast du ein Lieblingslied, das etwas mit Zirkus zu tun hat? Für mich sind „Death of a Clown“ sowie „For the Benefit of Mr. Kite“ von den Beatles auf meiner ewigen Hitparade weit vorn. Lennon hat dem Produzenten George Martin bei den Aufnahmen gesagt dass er „das Sägemehl riechen möchte“. Ich finde, das ist ihnen gelungen. 

ERNST MOLDEN
Mein allerliebstes Lied von der Sorte ist „Indian Cowboy“ von Guy Clark, am besten in der Version von Townes van Zandt. Lustig, aber auch  schon wieder sehr traurig, wahnsinnig traurig! Ich glaube ja, ich bin Zirkus-Fan, weil man im Zirkus auf so schöne und würdevolle Weise traurig werden kann. Der Zirkus ist eine sehr berührende Technik, um sich angesichts des Abgrunds Mut zu machen. Die Zirkusleute bilden dabei auch so eine erlesene Schicksalsgemeinschaft, und zwar alle, Artisten, Publikum, sogar die Viecher. Also „Indian Cowboy“, wie gesagt. Aber wenn ich ein bissl bsoffn bin, hör ich auch gern „Send in the Clowns“, vom Sinatra,  aber noch lieber von der Barbra Streisand.  Aber ich find interessant, was du über das Lachen sagst, ich hab gehört, daß Lachen eine evolutionäre Fortschreibung des Zähnefletschens bei Affen ist, also eine Art Behauptung von Souveränität. Das bestätigt deine These vom Lachen aus Angst. Ich hab als Kind auch manchmal ein schlechtes Gewissen gehabt, über Clowns zu lachen, weil quasi: Jetzt ist der eh schon so arm, und dann lachen ihn noch alle aus. Aber eine andere Frage: Wenn du genug Geld hättest, wie würdest du deinen eigenen idealen „Zirkus Nino“ programmieren?

DER NINO AUS WIEN
Gute Frage! Feuerschlucker liebte ich immer sehr. Auch wenn das, glaube ich, sehr gefährlich ist. Am liebsten hätt ich aber einen Zirkus voller psychedelischer Illusionen, einen Zirkus, wo man nie genau weiß, ob man gerade träumt oder wach ist. Einen Zirkus, bei dem man sich immer wieder zwicken muss. Ich würde auch Popcorn anbieten, das es nur in meinem Zirkus gibt. Bunte Popcornsorten mit wilden Geschmacksrichtungen wie Cola, Gorgonzola oder Sellerie. Die absolute Sinnesverwirrung. Wobei das Cola-Popcorn gelb wäre, und das mit Gorgonzola tief schwarz. Das wäre ein Abenteuer! Als Zirkusdirektor gäbe es dann natürlich gegen Ende jeder Vorstellung ein kleines Ständchen von mir. Am liebsten ein tieftrauriges, französisches Lied. Und nach jeder Vorstellung feinste italienische Pasta im Café der Artisten - diesen Brauch würde ich mir erlauben, eins zu eins vom Circus Roncalli zu übernehmen. Jedenfalls sollen alle ihren Spaß haben und im besten Fall auch nach der Vorstellung noch darüber nachdenken müssen, was jetzt real war und was nicht. Hochbegabte Artistinnen und geniale Clowns aus aller Welt verstehen sich von selbst! Zum Glück ist ausreichend Geld vorhanden. Je länger ich schreib, desto mehr Lust bekomme ich auf meinen eigenen Zirkus. Aber dann denk ich mir, das wäre mir bestimmt viel zu viel Arbeit. Aber das mit dem Popcorn merke ich mir als zukünftige Merchandising-Idee.
Jetzt möchte ich es aber unbedingt auch von dir wissen: Was kann ich mir vom Ernst-Molden-Zirkus erwarten? 

ERNST MOLDEN
Ich glaube, mein Zirkus wäre klein, sehr klein. Ich bin nicht einmal sicher, ob er ein Zelt braucht. Höchstens 25, 30 Leute im Publikum,  unter freiem Himmel, unter der Sonne, unterm Mond, im Regen, im Schnee. Eine kleine Manege, zwei Sitzreihen oder so. Es gäbe  wahrscheinlich schon ein Viech, aber weniger als Attraktion oder als Dressur-Act, sondern eher in einer geheimen Kommandorolle, vielleicht einen uralten Raben, mit dem sich der Zirkusdirektor vor Entscheidungen murmelnd berät. Es könnte aber auch ein riesenhafter Elefant sein, ein magischer Elefant, auf dessen Rücken alle reisen, die ganze Zirkusgesellschaft. Das Reisen ist überhaupt sehr wichtig, eigentlich die Hauptsache. Manchmal kann es auch passieren, dass mein Zirkus anreist, dass alles hergerichtet wird, aber dann sind alle zu müde, um zu spielen. Man geht zu Bett. Oder manchmal geht es auch ohne Artisten, der Zirkusdirektor kommt in die Manege, nimmt sich einen Sessel und beginnt, eine lange verschachtelte Geschichte zu erzählen. Das Publikum lächelt ein bissl, weint ein bissl, dann gähnen alle und gehen zu Bett. Übrigens brennen auf meinem Zirkusgelände überall kleine Feuer, Palo-Santo-Holz räuchert vor sich hin. Ich seh aber schon, mein Zirkus wäre eh auch eher sehr verträumt. Wahrscheinlich ist es gut, daß wir Dichter und Musikanten geworden sind! Jetzt haben wir noch gar nicht darüber gesprochen, daß wir ein Album mit lauter Zirkussongs herausbringen, haha.

DER NINO AUS WIEN
Stimmt, jetzt haben wir immer noch nicht über unser Zirkusalbum gesprochen. Es war schön, dass wir einmal gemeinsam Songs geschrieben haben. Aufregend! Das erste Lied war „Zirkusmusik“ , wenn ich mich recht erinnere. Irgendwie logisch, dass es jetzt das letzte Lied am Album ist. Das zweite Lied war, glaub ich, der Clown. Da freut es mich immer sehr, dass ich die Bridge singen darf. Wahrscheinlich meine Lieblingsbridge mit Nino-aus-Wien-Beteiligung. Außerdem hat’s mich gefreut dass wir gemeinsam mein uraltes Vollenden Lied gesungen haben. Ja, das war schön. Und dein altes finstere Darkness-Lied freut mich auch sehr .Und überhaupt finde ich, dass das Ganze als Soundtrack gut funktioniert, und als Album auch. Veronika und Natalie haben es auch sehr schön hergerichtet und verpackt. Ich freue mich, das live zu spielen. Gerade kann ich mir überhaupt nicht vorstellen dass ich mir je den Text von „Café der Artisten“ merken werde. Aber das dachte ich schon oft von Liedern. Irgendwie sind sie ja doch in dir drin und helfen dir dann auch, sie zu singen. Aber ein bisschen Proben oder Üben wär für uns sicher nicht schlecht. Wir sind ja nicht die grosse Probeband sondern eher eine Liveband, aber das macht die eher selteneren Proben dann auch immer ganz angenehm. Da fällt mir ein, ich hab oft Ohrwürmer vom „losfoan“ und der „jabanischn nochd“. Die Ohrwürmer fühlen sich an, als würden mir die Lieder helfen, sie zu lernen. Ich glaube  die beiden werde ich fast fehlerlos darbieten können, nach ihrer starken Ohrwurmtätigkeit. Und noch was: Toll , dass wir für den Documentary Film Music Award nominiert sind. Für mich die erste Nominierung für einen internationalen Award, und die erste Nominierung für etwas, das noch nicht einmal veröffentlicht wurde. Das fängt gut an, könnte man sagen. 
Wie auch immer. Der Zirkus kann beginnen, sag ich. Machen wir uns einen Spaß daraus . Willst du noch was sagen zum Album? 

ERNST MOLDEN
Schön war die Arbeit. Stolz bin ich drauf.
Manage frei!

Songwriter Ernst Molden macht zurzeit einfach alles richtig.  Als Songwriter wird er zu Recht abgefeiert, und egal, mit wem er  nun gemeinsame Sache macht, sei’s der Willi Resetarits, Quetschn-Meister Walther Soyka oder der gute Nino aus Wien: Was der Ernst macht, ist immer von einer unnachahmlichen lässigen Eleganz durchdrungen. Und jetzt sitzt er auch noch wie der Hahn im Korb eines phänomenalen Frauenorchesters! Sibylle Kefer singt und spielt Gitarre, dazu Marlene Lacherstorfer am Bass und Maria Petrova am Schlagzeug.  Ich würde meinen Vintage Marshall meilenweit tragen, um mit nur einer der Damen mal abzurocken ... 

Der hoch dekorierte Stadtpoet spielt sich mit seinen zwei langjährigen musikalischen Partnerinnen und „DER Schlagzeugerin schlechthin“ durch den eigenen Song- und Einwienerungskatalog.
Sibylle Kefer, Stimme, Gitarre, Querflöte 
Marlene Lacherstorfer, Bass, Stimme 
Ernst Molden, Stimme, Gitarre 
Maria Petrova, Schlagzeug, Stimme

das  profil vor 10 jahren:

Räudige Poesie 

chistian sailer, profil, 18.6.2009

Wenn Ernst Molden einen Einfall hat, muss er sich entscheiden, wie er ihn festhält. Schreibt er ein paar Zeilen in sein Notizbuch, in dem er Anfänge von Romanen ausprobiert? Setzt er sich an den Computer und klopft eine Kolumne für die „Freizeit“-Beilage des „Kurier“ in die Tasten? Könnte nämlich auch sein, dass er stattdessen die Gitarre auf den Schoß nimmt, sich in die Küche setzt und beginnt, über ein paar Akkorden eine Melodie zu pfeifen.
Denn Ernst Molden, 42 , verfügt über mindestens drei veritable Talente. Erstens ist er ein ausgezeichneter Journalist. Das lernte er als Polizeireporter und Beilagenredakteur der „Presse“. (Auch für profil schrieb Molden mehrere bemerkenswerte Geschichten.) Zweitens kann er mit den Mitteln seiner Sprache kraftvolle und absurde Figuren entstehen lassen. Das ist in seinen Romanen „Doktor Paranoiski“, einem literarischen Splatter-Movie, dem nicht minder expliziten Vampir-Roman „Austreiben“ und der Bordell-Ballade „Die Krokodilsdame“ nachzulesen.
Drittens hat er auf bisher fünf Alben eine erstaunliche Entwicklung als Singer/Songwriter hingelegt. Hatte Moldens Debüt „Nimm mich Schwester“ noch gut hörbar kunsthandwerkliche Anteile, spiegelten seine „Bubenlieder“ die Suche nach einer originären Stimme, so bog Molden mit den gleichzeitig erschienenen Alben „Wien“ und „Foan“ in eine Kurve ein, in der besondere Zentrifugalkräfte wirken.
Weite der Sprache. Man muss das böse Wort „Austropop“ schnell genug in die Geschichte einflechten, um zu erklären, dass Ernst Molden nun zwar Popmusik im Wiener Dialekt machte und seine Musik den vertrauten Schemata amerikanischer Vorbilder folgte. Die Summe vertraut wirkender Teile ergab jedoch etwas Neues. Wenn im üblen Sektor des Austropop drei und drei fünf machen, dann kam bei Molden neun heraus. So kräftig, so präzis waren die Geschichten, die er über dem Sound seiner elektrischen, seiner akustischen Gitarren erzählte, dass sich wie von selbst der Schwerpunkt von Moldens künstlerischer Existenz verschob. War er bisher ein Schreiber gewesen, dem auch Lieder einfielen, trat er plötzlich als Musiker auf, der auch originelle Artikel schreiben konnte.

Als er im vergangenen Sommer in Kreta auf Urlaub war, nahm Molden, als der Einfall einschoss, die Gitarre und setzte sich unter einen Olivenbaum. Er stellte sein kleines, portables Aufnahmegerät neben sich ins Gras und spielte, während der griechische Wind immer wieder ins Mikrofon hustete, ein Lied, es hieß passenderweise „Da Wind“. „huach do kommt da wind wos die wöd aufkead/ en dreck vo mensch und tier/ wos goa nix goa nix ibalossd/ kaa schbua vo dia kaan rest vo mia“
Es lohnt sich, diese Zeilen laut zu lesen, denn erst dann entfalten sie ihr ganzes Aroma. Ernst Molden hat sich nicht ohne Kalkül – oder sollte man sagen: als ehrfürchtiges Echo – für die lautmalerische Schreibweise seiner neuen, im Wiener Dialekt geschriebenen Texte entschieden. Sie folgt jener von H. C. Artmann, mit welcher dieser seine berühmten Gedichte „med ana schwoazzn dintn“ zu Papier brachte. „Die Weite der Sprache reicht hin in alle möglichen Welten der Phantasie“, schrieb Alfred Kolleritsch über seinen Kollegen Artmann. Dieses Diktum borgen wir uns nun zur Anwendung auf Ernst Molden aus. Molden hatte einen langen Anlauf genommen, um seine kreativen Möglichkeiten zu sortieren.
Jetzt saß er unter einem griechischen Baum und sang im Wiener Dialekt ein Lied, das Zeitlosigkeit und Größe atmete, und obwohl Molden allein unter seinem Baum saß, galten die Figuren der Melodie und die präzisen Wendungen des Dialekts, dessen Regeln so viel strenger sind als jene der Hochsprache, einem Zweiten, der nicht in Griechenland war, nicht unter dem Baum saß: Moldens Freund Willi Resetarits, dem früheren „Schmetterling“, dem früheren „Doktor Kurt Ostbahn“.

Willi Resetarits , der eine bewegte Karriere als österreichischer Popmusiker hinter sich hat und derzeit unter anderem mit seiner Band Stubnblues arbeitet, richtet jeden Sonntag zwischen eins und zwei auf Radio Wien die Radioshow „Trost und Rat“ aus. Dorthin lud er Ernst Molden ein. Molden wollte sich für den besonders schönen Auftritt revanchieren. Er versprach Resetarits, ihm ein Lied für dessen Stubnblues-Kapelle zu schenken.

Meilenstein. Das Lied, die „Hammerschmidgossn“, geriet zum Meilenstein. Allein der Adressat zwang Molden, über sich hinauszuwachsen, um ihm gerecht zu werden. Molden stellte sich immerhin – und das freiwillig – in die Tradition Günter Brödls, des neben Roland Neuwirth wichtigsten ­Autors von Songtexten in wienerischem ­Dialekt. Brödl hatte mit Mutterwitz, Rock’n’Roll-archäologischen Kenntnissen und einem enormen Feingefühl für ein im Grunde schon überholtes Wienerisch die Legende des Ostbahn Kurti begründet und dessen Programmatik in zahllosen Songtexten formuliert.
Moldens „Hammerschmidgossn“ nahm diese Tradition auf. Der Song war der erste authentische Ostbahn-Song seit Günter Brödls Tod im Jahr 2000. Molden spielte ihn im Duett mit Willi Resetarits auf seinem Album „Wien“ ein. Das gab einen Höhepunkt des Albums, und für jeden, der es hören wollte, ein Versprechen: Die beiden würden noch einiges gemeinsam zu sagen haben.
Ernst Molden entschloss sich freilich, das Versprechen nicht lange aufzuschieben. Mit einem breiten Strahlen im Gesicht, das nicht einmal die Schwaden seiner Selbstgedrehten verdunkeln konnten, sprach er von der Inspiration, die ihm das Singen „mit dem Willi“ verabreicht habe. Er wolle mit ihm eine ganze Platte machen. Sie solle „Iban Fluss“ heißen. „Iban Fluss“, das werde Wiens „Nebraska“.
Zur Decodierung: „Nebraska“ heißt das vielleicht beste, mit Sicherheit aber intimste und düsterste Album des großen Bruce Springsteen. Springsteen erzählt darin kursorisch die Geschichten einfacher Leute in der Kälte des Alltags, und er zeichnet mit Autobahnpolizisten und gebrauchten Automobilen ein großartiges Porträt seines Landes.
Nebraska in Wien. Es war klar, dass Ernst Moldens Nebraska in Wien liegen musste, genauer noch: in Wien Mitte. Molden ist ein begeisterter Bewohner von Wiens schäbigem Nebenzentrum. Man trifft ihn oft, wenn er seinen Gitarrenkoffer die Linke Bahngasse hinunterschleppt oder sich selbst im Schatten des unvermeidlichen Hutes ins Café Prückel. Der Karl-Lueger-Platz, die inzwischen abgerissene Halle des Bahnhofs Wien Mitte, die Straßensänger, Kebapverkäufer, Flaneure, Versager: Sie bilden und bevölkern die Kulissen der Lieder, in deren Licht Molden seine großen Gefühle auftreten lässt.
„Iban Fluss“ erwies sich als Arbeitstitel, der nach einem Jahr konzentrierter Arbeit dem noch schlankeren Titel „Ohne di“ Platz machen musste. Ein Jahr spielte sich Ernst Molden über die Bühnen Österreichs und gewann dabei Trittsicherheit im Auftreten mit dem Bühnenvieh Willi Resetarits, den er mit der „Hammerschmidgossn“ als Dauergast engagiert hatte. Gleichzeitig brachte er die neuen Lieder in Form. Diese Lieder wollten keine Geschenke mehr sein an den Bühnenpartner, mit dem Molden inzwischen eine tiefe Freundschaft verband. Sie begründeten ihr eigenes, neues Genre: Geschichten mit einem Erzähler aus zwei Stimmen.
„easchd nimmt da wind en kiachduam daun haud a eam um/ daun hea ma no amoi de ua/ kumm gib ma dei haund da wind is schee woam/ es fuatgee a augnblick nua“ Molden und Resetarits singen „da wind“ unisono, mit einer Stimme. Manchmal klingt der Text an seinen Rändern ein wenig unscharf. Im Zentrum passen die Stimmen so genau zusammen, dass es lange Vokale braucht, bis die Stimme des einen als diese selbst identifiziert werden kann, aber dann hat sie die Führung bereits an die Stimme des anderen übergeben, zwei Stimmen, eine Stimme, ein Erzähler, eine Geschichte.
Darunter liegen der Rhythmus einer akustischen Gitarre, die Ernst Molden spielt, und das Murren der elektrischen Gitarre von Hannes Wirth, dem Gitarristen der österreichischen FM4-Helden A Song, A Life, A Cigarette. Die Knöpferlharmonika von Walther Soyka, dem Hausherrn, schweigt für diesmal, dafür steigt die Mundharmonika von Willi Resetarits blau über die Harmonien.
Die vier Männer, die sich in das Souterrainlokal namens „Non Food Factory“ im Laimgruben-Grätzel zurückgezogen haben, sitzen einander so gegenüber, als würden sie demnächst die Karten auspacken und eine Runde tarockieren. Sie sind sich selbst Publikum, einander zugewandt. Sie widmen ihre ganze Aufmerksamkeit der Entstehung von Musik, die von wie zufällig applizierten Mikrofonen aufgezeichnet wird.

Strömender Zauber. Walther Soyka, viele Jahre lang der Harmonikaspieler Roland Neuwirths bei dessen Extrem-Schrammeln, bringt mit der Wärme seines Instruments den Sound auf Betriebstemperatur. Hannes Wirth gibt mit seiner Elektrogitarre, einer stone-washed Fender Telecaster, beredt Kontra, sobald ein Song Gefahr läuft, sich im Lieblichen zu verlieren. Molden und Resetarits probieren permanent, wie viel Mit­einander im Gesang es verträgt, wo eine zweite Stimme, eine Terz, eine Quint gefragt sein könnten. Probieren. Stehen lassen. Noch einmal probieren. Stehen lassen.
Auf einem Stuhl hinter dem Karree lehnt, scheinbar entspannt, der Münchner Musiker und Produzent Kalle Laar. Laar ist Kurator des „Temporären Klangmuseums“, ein Popintellektueller, der seine vornehme Aufgabe darin sieht, den Liedern ihre Struppigkeit zu bewahren. Er behütet die Regler des Mischpults vor einem Ingenieur, der sie zu virtuos bedienen könnte. In München ein Star, hat sich Laar in Ernst Moldens räudige Poesie verschaut. Wenn ein Song besonders gut geglückt ist, schenkt er den „Jungs“ ein strahlendes Lächeln, das ist die Währung in der Laimgrube. Nach drei Aufnahmetagen hat Ernst Molden eine Hand voll Leute in die „Non Food Factory“ eingeladen, ihnen möchte er die neuen Songs zum ersten Mal vorspielen. Eine Flasche Wein kursiert, was Willi Resetarits zur Erklärung zwingt, dass er bitte schön mit dem Trinken aufgehört habe, das jedoch mit umso heftigerem Zigarettenkonsum kompensiere. Gelächter. Resetarits und das Publikum sind seit jeher eine Zweckgemeinschaft.
Molden, „der Ernstl“ , wie ihn Resetarits nennt, ist nervös. Neue Lieder vorzuspielen, noch dazu Bekannten, Zugewandten. Eine Prüfung. Molden trägt Falten in den Wangen und den Hut im Nacken, bis sich aus diesem Nacken der Rhythmus des Einzählens schiebt, aans, zwaa, drei, vier, Walther Soyka moderiert mit seiner Harmonika den Titelsong des Albums ein, „Ohne di“, einen zartbitteren Country-Hadern von der Peripherie Nebraskas in Wien Mitte, und Schicht für Schicht schiebt sich der Sound dieser außergewöhnlichen Viermannband übereinander, verfestigt sich, entfaltet seine Wirkung.
Als der Erzähler Moldenresetarits als zweiten Song „Da Wind“ anstimmt, beginnt schließlich der Zauber zu strömen. kaa schbua vo dia kaan rest vo mia: Als das Lied verstummt, brauchen die Gäste ein paar Atemzüge, um zurück zu ihrer Aufgabe zu finden und zuerst schüchtern, dann fest und schweigend zu applaudieren. Dann macht die Weinflasche noch ­einmal die Runde. Der Willi trinkt ja nichts mehr. Aber der Ernstl nimmt einen Schluck.

Otto Lechner ist ein österreichischer, nein: der österreichische  Akkordeonist, der dem Akkordeon ein völlig neues Image verleiht. Lechner ist für seine experimentellen, unvergleichlichen und manchmal verrückten Kompositionen bekannt. Ein leidenschaftlicher Musiker, der mit seinem Instrument lebt. Er spielte mit zahlreichen Musikern, gründete mehrere Bands und übte auf die zeitgenössische Akkordeon-Musik einen bedeutenden Einfluss aus. Sein bekanntestes Projekt ist die internationale Formation Accordion Tribe, dessen Schaffen im gleichnamigen Film dokumentiert wurde.
In Nano Méthivier hat Otto Lechner einen Gleichgesinnten gefunden, der – wie er selbst auch – die Grenzen zwischen Kammermusik, Jazz und Volksmusik sprengt. «France 2» nannte Méthivier einen «Perfektionisten, Bahnbrecher und Forscher, der für sein Instrument eine neue Sprache erfunden hat». Ursprünglich war Méthivier im Bereich des Chansons tätig: Er arbeitete u.a. mit Francis Gabrel, Georges Moustaki oder Susanne Vega zusammen.

Arnotto setzt sich aus den Vornamen dieser beiden großen Musiker zusammen, Lechner und Méthivier lassen unter diesem Namen aus der emotionalen Nähe ihrer künstlerischen Geistesverwandtschaft kreative Funken sprühen. Beseelt improvisierend lassen die beiden ihr Publikum an einem intensiven Dialog teilhaben, bei dem beide an die Grenzen ihrer Instrumente gehen, aus dem Moment ständig Melodien und Rhythmen schöpfend. Die entworfenen Klangwelten sind dabei zugänglich, weise, eingängig und abenteuerlustig zugleich. Zwei musikalische Freibeuter gemeinsam unterwegs, die keine Passierscheine benötigen, um beherzt über Genregrenzen hinweg zu spielen um gemeinsam bei einer freien Musik voller Möglichkeiten aufzublühen. 

Otto LECHNER

Neben seiner Solokarriere und seinem Mitwirken bei Accordion Tribe, verfolgt Otto Lechner Musikprojekte mit österreichischen und internationalen KünstlerInnen. Daneben ist er als Komponist und Musiker für Theater, Kindertheater und Film tätig. Lechner gehört zu jenen Avantgarde-Musikern, die bei technischer Versiertheit unersättlich auf der Suche nach Abenteuern und dem Einreißen von musikalischen Grenzen sind. „Kein Akkordeonist versteht es wie er, Melodielinien zu brechen, abzuhacken, in ihre Grundbestandteile zu zerlegen. Doch zweifelsohne zollt Lechner den Landlern, Musette-Walzern, Cajun-Tunes mit seiner „Dekonstruktion weitaus mehr Respekt, als die langweiligen Traditionspfleger es je getan haben.“ (Richard Schuberth)

Arnaud METHIVIER

Im französischen Akkordeonisten Arnaud Méthiviér fand Otto Lechner einen Gleichgesinnten, einen „musikalischen Freibeuter“, der wie er keinen Passierschein braucht, um die Genregrenzen zwischen Kammermusik, Jazz, ethnischer Musik und Avantgarde zu überschreiten. France 2 attestierte Méthiviér er sei „durch und durch Perfektionist, ein Innovator, ja ein Suchender, der für sein Instrument eine eigene Sprache erfand.“  Méthiviér, der ursprünglich aus 
der Chansonszene kommt, wo er u.a. mit Francis Gabrel und Suzanne Vega zusammengearbeitet hat, entwickelt unter dem Namen NANO seit mehreren Jahren eine Solo-Musikform, die in Kreisen zeitgenössischer und improvisierter Musik große Beachtung findet.

Die Welt nach Corona ist wie die Welt vor Corona immer noch die Welt. Und beim Blick auf dieselbe drängt sich vielen Menschen ein einziger Gedanke auf: „Oida!“ Nicht so einem Religionslehrer. Der denkt sich: „Halleluja!“ 
Stefan Haider, Kabarettist aus Berufung, Religionslehrer aus Leidenschaft und mittlerweile auch Pate eines Kardinalbarschs im Haus des Meeres, stellt sich den drängenden Fragen der Zeit: Darf man Menschen schlagen, wenn sie einem erzählen, jede Krise sei eine Chance? Sind Verschwörungen eher theoretisch oder einfach nur praktisch? Ist Zwangsimpfung die neue Schulpflicht? Und die vielleicht wichtigste aller Fragen: Warum ist das alles lustig?
Stilistisch bleibt alles beim Alten: Heiligengeistreiches Kabarett, U-Musik mit E-Bass und der unbedingte Wille, Bildung wieder zum Wohlfühlthema zu machen.
Sing Halleluja! – Komm, sing mit!

Die Supergroup aus Skandinavien

Rymden kennen keine Genres. Pop, Rock, Club-Sounds und sogar Klassik fließen in  den Sound dieses zumeist akustischen Trios ein, Synthesizer und Electronics werden nur subtil eingesetzt.
Was Jamie Cullum einst über e.s.t. sagte, gilt künftig auch für Rymden: „Ich kann auch Freunde, die mit Jazz nichts am Hut haben, zu ihren Konzerten mitnehmen. Nicht etwa deshalb, weil sie einfach konsumierbar oder wenig experimentell wären. Sondern weil ihr improvisatorischer Ansatz voller aufregender und zeitgemäßer Ideen ist.“

Drei Veteranen des nordischen Jazz, elf akustisch-elektronische Kompositionen, eine brandneue Band: Bugge Wesseltoft, Magnus Öström und Dan Berglund sind Rymden!
Sie setzten neue Maßstäbe im europäischen Jazz: das schwedische Trio e.s.t. (esbjörn svensson trio), formiert 1993, und die kurz darauf im norwegischen Oslo von Pianist Bugge Wesseltoft gegründete New Conception Of Jazz. Beide Bands verbanden die Sounds und Rhythmen der Club- und Pop-Kultur mit Jazzimprovisationen. Ein junges Publikum in Berlin, Paris und London entdeckte ein ganz neues Genre für sich, und Alteingesessene merkten bald: authentischer Jazz muss nicht zwangsläufig aus den USA kommen.
e.s.t. füllten größte Konzerthallen und waren bis zum tragischen Unfalltod von Pianist Esbjörn Svensson das wohl mächtigste europäische Jazztrio. Wesseltoft prägt mit eigenem Label Jazzland Recordings und stetig wechselnden musikalischen Partnern bis heute eine innovative Sprache des Jazz: zwischen Elektronik, Kammermusik, Folklore und World Beats.

Zehn Jahre nach dem Tod von Svensson haben sich die verbleibenden e.s.t.-Mitglieder Magnus Öström (Drums) und Dan Berglund (Bass) nun mit Wesseltoft zu einer skandinavischen Supergroup zusammengeschlossen: Rymden. Die Musik dieses Trios, dessen Name zu Deutsch „Raum“ bedeutet, basiert auf drei Komponenten: treibenden Rhythmen, melancholisch-atmosphärischem Songwriting und virtuos gespieltem Jazz.
„Ich wollte schon seit langem ein Piano-Trio gründen, fand aber nie die richtigen Leute dafür“, sagt Wesseltoft. „Dann spielte ich auf dem Album ‚Trialogue‘ zusammen mit Henrik Schwarz und Dan Berglund. Dank Dan musste ich an seine Arbeit mit Magnus und e.s.t. denken – ich habe die Band schon immer für ihre Hingabe und ihre harte Arbeit bewundert.“
Rymden kennen keine Genres. Pop, Rock, Club-Sounds und sogar Klassik fließen in den Sound dieses zumeist akustischen Trios ein, Synthesizer und Electronics werden nur subtil eingesetzt. Was Jamie Cullum einst über e.s.t. sagte, gilt künftig auch für Rymden: „Ich kann auch Freunde, die mit Jazz nichts am Hut haben, zu ihren Konzerten mitnehmen. Nicht etwa deshalb, weil sie einfach konsumierbar oder wenig experimentell wären. Sondern weil ihr improvisatorischer Ansatz voller aufregender und zeitgemäßer Ideen ist."

Reflections & Odysseys

Nordische Klänge der neuen Superjazzgroup Rymden
Veröffentlicht am 21.02.2019 - DIE WELT
Das nächste jazzmusikalische Großereignis steht in der Elbphilharmonie an – die Geschichte dazu geht zurück in den November 2006 und beginnt in der klangschönen Laeiszhalle: Hier gelingt der legendäre Konzertmitschnitt des weltweit gefeierten Esbjörn Svensson Trios (e.s.t.), den die Londoner „Times“ später zum Jazzalbum des Jahrzehnts kürt. Nur zwei Jahre darauf stirbt der schwedische Pianist Esbjörn Svensson tragisch bei einem Tauchunfall; im Mai 2014 erinnerten seine Landsleute Dan Berglund (Bass) und Magnus Öström (Drums) mit einer „e.s.t. Symphony“ beim hiesigen Internationalen Musikfest an ihren Bandleader – erneut in der Laeiszhalle, im Zusammenspiel mit den Hamburger Symphonikern.

Nun wollen Berglund und Öström die Klanggefilde der Elbphilharmonie durchschreiten – zurück in Trioformation, als skandinavische Supergroup mit einem Neuen in der Mitte: Der Norweger Bugge Wesseltoft sitzt an Klavier, Fender Rhodes und Elektronik. Deren klangliche Verschmelzung ist sein Metier; seine befreite Jazzästhetik erschließt einen weiten Raum zwischen clubtauglichen Beats und weltmusikalischer Folklore und hat ihm, sowohl solo wie auch in unzähligen Kollaborationen, bereits Weltruhm beschert.
Unter dem Namen Rymden (Raum) haben die nordlichternden Veteranen ein erstes gemeinsames Album vorgelegt – auf dem Cover ein von Kinderhand gemalter Raketenstart. Und so virtuos verspielt, rotzig rockig und knarzig funky klingt es auch; man hat Spaß an schrägen Rhythmen und frickeligen Improvisationen. Richtig groß wird es aber, wenn Öströms Schlegel hypnotisch repetieren, Berglund den Bass mit dem Bogen streicht und Wesseltoft die Harmonien nur so herunterregnen lässt. Auf diese Momente darf man sich am Freitag, den 22. Februar, freuen, sie sollten sich im Großen Saal klangmächtig entfalten können – eine gelungene Verstärkung und Beschallung vorausgesetzt.

Rymden kennen keine Genres. Pop, Rock, Club-Sounds und sogar Klassik fließen in  den Sound dieses zumeist akustischen Trios ein, Synthesizer und Electronics werden nur subtil eingesetzt.
Was Jamie Cullum einst über e.s.t. sagte, gilt künftig auch für Rymden: „Ich kann auch Freunde, die mit Jazz nichts am Hut haben, zu ihren Konzerten mitnehmen. Nicht etwa deshalb, weil sie einfach konsumierbar oder wenig experimentell wären. Sondern weil ihr improvisatorischer Ansatz voller aufregender und zeitgemäßer Ideen ist.“

Lukas Lauermann, 1985 in Wien geboren, arbeitet als Live- und Studiomusiker, Arrangeur und Komponist mit Bands und KünstlerInnen wie Donauwellenreiter, Ritornell, Soap&Skin, ALASAC, Mimu Merz und Der Nino aus Wien zusammen. Theater- und Performanceprojekte mit Gelatin, Saint Genet, u.a. gehören ebenso zu seinen Tätigkeitsfeldern, wie Musikproduktionen für Hörspiel und Film. Über 40 Veröffentlichungen sind im Zuge von Kollaborationen bereits entstanden.

Das zweite Soloalbum  des Cellisten und Komponisten Lukas Lauermann, viel gefragter Gast überall dort in der zeitgenössischen Musik, wo es experimentell zugeht und sich trotzdem niemand die Ohren zuhalten muss. Das Opus trägt den Titel „I N“ und beschreibt einen besonderen Zustand: Jemand geht IN sich und bekommt im selben Augenblick INput von außen. Beim Durchschreiten der 12 Halbtöne der Musik erklingen neben dem Cello auch Stimmgabeln, Synthesizer und Klavier. Manchmal werden diese Klänge elektronisch verändert, manchmal aber auch durch das Cello gehört, wodurch das altehrwürdige Instrument in einer maximalen Erweiterung der Spieltechniken zum Klangkörper für andere Tonquellen wird.

„Cello-Töne aus einer fernen Welt, ein Konzentrat aus dem Schönstmöglichen.“ (Falter Jahrescharts)

Elektronisch erweiterte, barrierefrei – modern – klassische Kompositionen, die Herz und Hirn erfüllen. Lukas Lauermann, 1985 in Wien geboren, arbeitet als Live- und Studiomusiker, Arrangeur und Komponist mit Bands und KünstlerInnen wie Donauwellenreiter, Alicia Edelweiss, Soap&Skin, Der Nino aus Wien, Mira Lu Kovacs und Ritornell zusammen. Letzte Arbeiten als Studiomusiker für Wanda, André Heller und Tocotronic. Theater- und Performanceprojekte mit Gelatin, Saint Genet, u.a. gehören ebenso zu seinen Tätigkeitsfeldern, wie Musikproduktionen für Hörspiel und Film. Über 40 Veröffentlichungen sind im
Zuge von Kollaborationen bereits entstanden. Seit einiger Zeit ist der „wohl vielseitigste und produktivste Cellist des Landes“ (Der Standard). Konzertreisen bringen Lukas Lauermann regelmäßig in bekannte Spielstätten auf der ganzen Welt, zum Beispiel La Cigale Paris, Royal Festival Hall London, National Concert Hall Taipeh, Burgtheater Wien, Philharmonie Köln, auch Festivals in Kasachstan, Malaysia und Kanada standen bereits auf seinen Tourplänen.

In this special program singer-songwriter OUM and saxophonist M-Carlos pay tribute to seven emotions, rediscovered and continued during the pandemic. Fear, confusion, acceptance, dreams, hope, impatience and euphoria are the seven parts of Hals. Part improvised, partly composed, we hear texts in Moroccan Arabic (Darija), French and English.

Oum El Ghait Benessahraou ::: OUM -  THE SOUL OF MAROKKO

Oum El Ghait Benessahraou -  kurz Oum, ist in Marokko längst ein Star. Berühmt wurde sie mit ihrem Debüt «Soul of Morocco». Frei und kritisch, und dennoch in ihren Traditionen verwurzel. 
In ihrem Heimatland Marokko hat  Oum längst die Herzen ihrer Landsleute erobert und wird wie eine Diva verehrt. Jetzt macht sie sich auf den Weg, auch im Rest der Welt Karriere zu machen. Nach zwei nur in Marokko erschienenen Platten hat sie mit „Soul of Morocco“ ihr erstes internationales Album vorgelegt, das ihr viele Türen öffnen soll. Marokkanischen Gnawa-Rhythmen mischt sie wohl dosiert Jazzklänge, etwas Pop und Rhythm and Blues, Soul und Funk bei. Die studierte Architektin bringt die unterschiedlichen Elemente ihres Genremix in eine stabile Balance, auf der sich ihre eindrucksvolle und ausdrucksstarke Stimme prächtig entfalten kann. Oums „Soul of Morocco“ hat alles, um sich in die Gehörgänge einzuschmeicheln.

„Ihre tiefe und anmutige Stimme fließt in die elektrisierende Seele Marokkos, eine einzigartige und funkelnde Mischung aus Sahara-Songs, mystischem Jazz und Gnawa-Rhythmen, mit Saxophon, Flöte und Gitarren in Hülle und Fülle." - Télérama Sortir

Trotz oder wegen der Berichterstattung in den Medien ist für viele das Verständnis der arabischen Kultur von Vorurteilen geprägt und verfälscht. Oum gewährt mit ihren Werken nicht nur einen Blick in ihre Seele, sondern zeigt in musikalisch faszinierender Art und Weise, die Einflüsse, Strömungen aber auch traditionelle Verbundenheit einer neuen, jungen und liberalen arabischen Generation. Einer Generation die ihre kulturelle Identität ohne Rücksicht auf Konventionen oder religiöse Dogmen, aber sehr wohl im Bewusstsein der eigenen Kultur auslebt.

2013 veröffentlichte sie mit „Soul Of Morocco" ihr drittes Release - eine nicht minder weltoffene Produktion, die ihr nun europaweit den Durchbruch bescheren soll: Nach beatlichen Verkaufszahlen und großen Festivalshows in Frankreich (u.a. auf dem Festival La Croisée des Chemins und dem Festival Au Fil Des Voix) ist am 09.01.2015 auch hierzulande ihre beispiellose Mischung aus Berbermusik, Gospel, Soul, karibischen Anklängen und Jazz erschienen.

Vor allem in der Themenauswahl der Songs macht die 36-jährige Künstlerin ihre Lebensphilosophie deutlich. So liegen ihr sozialkritische Botschaften, in der sie sich über die Auswirkungen der Globalisierung, weibliche Freizügigkeit und die Flüchtlingsproblematik äußert, ebenso am Herzen wie die pure Sinnlichkeit der Liebe.

„Als Oum im Februar 2012 vom Internet-Magazin Qantara.de - mit Blick auf den aktuellen marokkanischen Premierminister - gefragt wurde: "Rechnen Sie damit, dass die Islamisten die Freiheit der Kunst und Kultur einschränken werden?", antwortete sie selbstbewusst: "Ich glaube nicht, dass sie das schaffen. Wir haben in Marokko eine neue Generation, die eine starke, eigene Kultur besitzt. Wir sind dabei aufzuwachen, ideologisch, kulturell - in jeder Richtung."  Sie selbst dürfte eines der besten Beispiele dafür sein!" - NDR

HALS. THE PANDEMIC PROJECT - mit M CARLOS (sax)

Hals is a seven acts play. Each of these acts is dedicated to an emotion, a state of being.
We started experimenting those states from the beginning of the sanitary crisis. They continue to go  through us, each time with a different intensity and a new aspect.
We all know these emotions, we have been rediscovering them for several months. They express themselves through us and we issue them, conciously or inconciously, through many ways in theintimate space, the social, professional and digital environement.
Hals is a piece dedicated to live act. So the themes are worked beforehand but not too much, in order to put spontaneity into the expression and give a large space to improvisation.
For each of the seven acts of Hals piece, the core is composed of a text and a musical base, to give a freedom of interpretation to both musicians.
The seven states are
Fear,
confusion,
acceptance,
dream,
hope,
impatience,
euphory
Texts are written in morrocan arabic dialect darija, with a few intervals in french, spanish and english. Hals repertoire is concieved to be played in whichever order to experience emotional
transitions between two states. It is an experimental project through which both artists play the game of imrovisation and self aknowledgment in a context full of uncertainity where everoyone must find their marks to compose the future ...

Zwischen Bach, Soul, Jazz und Pop bis hin zu Piazzolla und eigenen Kompositionen bewegt sich das Duoprojekt der in Wien geborenen Cellistin und Singer Songwriterin Marie Spaemann und des österreichischen Akkordeonisten und Komponisten Christian Bakanic. Seit rund drei Jahren musizieren die beiden zusammen und mit Metamorphosis erschien im Dezember 2020 nun ihr Debütalbum, welches nicht nur vom BR-Klassik als Album des Monats enthusiastisch aufgenommen wurde. Auf ihm verwandeln Spaemann und Bakanic ihre unterschiedlichen Einflüsse zu einer tiefgründigen Einheit. Beide brachten Stücke mit, zu denen sie gemeinsam neue Arrangements entwickelten.
„Wie die Musik befand sich auch unser Zusammenspiel in den ersten Jahren in einem ständigen Prozess der Veränderung. Unsere vielen Einflüsse verschmelzen nach und nach zu etwas Gemeinsamen, gleichzeitig bleibt alles in sich wandelbar. Unsere musikalische Entdeckungsreise, weg von den ursprünglichen Schubladen hin zu unserem eigenen Stil, ist noch nicht zu Ende.“
Das virtuose Duo beherrscht seine Instrumente meisterhaft und lässt deren lange, weit verästelte Geschichte in Details aufleuchten. Wesentlich für die Musik von Marie Spaemann und Christian Bakanic ist jedoch, wie elegant und gleichzeitig entschlossen sie verschiedene Traditionen als Sprungbrett für eigene Ideen nutzen. Ihre individuelle Stilfusion trägt einerseits wunderbar feinsinnige kammermusikalische Züge. Andererseits bietet sie mit klaren Melodien, ansteckenden Rhythmen und dem Soul in Spaemanns variabler Stimme Anknüpfungspunkte für Pop-Fans. Wenn dann noch Spielarten von klassischer Moderne, Ideen des Tango Nuevo, des europäischen Folk und Jazz hinzukommen, entsteht eine beeindruckend unkonventionelle, poetische Klangsprache.

„Wir möchten einfach sämtliche Möglichkeiten unserer Instrumente nutzen und dabei die akustische Ästhetik bewahren“ Die Intimität des natürlichen, klaren Sounds bezaubert – und ist genauso auch live umsetzbar. Von atmosphärischen Klangfarben bis zu groovigen Basslines und perkussiven Elementen loten Spaemann und Bakanic die Möglichkeiten ihrer Instrumente immer wieder aufs Neue aus. Vielfalt und Virtuosität, die Grenzen sprengt, musikalische Räume öffnet und mit Gesang und Text erstklassig erfüllt. Oder eben mit Akkordeon –welches seine speziellen Klangmomente und Facetten kongenial einfädelt, bisweilen zum Protagonisten avanciert, um schließlich Spaemann wiederum den Vorhang zu öffnen.

„Eins plus eins ist drei!“

Spaemann und Bakanic klingen nur selten wie ein Duo, sondern meist mehr- und vielstimmig. Durch breite, einflussreiche Musiklandschaften hindurch lassen sie während ihren musikalischen Achterbahnfahrten sämtliche Stereotypen ihrer Instrumente hinter sich.

Marie Spaemann zaubert ebenso zarte wie harsche Töne aus dem Cello und wechselt von obertonreichen Passagen bis zu fast schon rockigen Stakkati, während Christian Bakanic brilliert mit mäandernden Linien und weiten Assoziationen. Bisweilen werden diese von „Beats“ durch Schläge auf das Holz des Cellos oder auf eine Cajon ergänzt. Über allem schwebt Spaemanns volltönender Gesang, der sich mühelos auch in höhere Register schrauben kann und der zwischen zurückhaltender Erzählhaltung, rhythmischen Phrasierungen und insistierenden Zuspitzungen changiert. Souverän und beseelt kreieren Marie Spaemann und Christian Bakanic auf Metamorphosis einen persönlichen Musikklang, der ein großes Publikum erreichen und berühren kann.

MARIE SPAEMANN

Der musikalische Weg der in Wien geborenen Cellistin und Singer Songwriterin Marie Spaemann wurde schon früh von Konzertauftritten und Wettbewerbserfolgen einerseits und ihrer Faszination und Neugierde für die Vielfältigkeit kreativer Arbeit andererseits geprägt. Mehrfach trat Spaemann im Konzerthaus Wien sowie (unter dessen Ägide) in Manhattan auf, ebenso beim Sommerfestival Dubrovnik, bei Puplinge Classique (Genf) und dem südkoreanischen Festival Classic Garden. Andererseits arbeitete sie als Sängerin mit dem österreichischen Elektroswing-Produzenten Dunkelbunt, ging 2016 mit dessen Band sowie als deren Solo-Support auf Tournee. Parallel dazu spielte sie rund zwei Jahre bis 2017 Cello bei dem Jazz-Querdenker Christoph Pepe Auer, wo sie Christian Bakanic begegnete. Zuletzt war Marie Spaemann Solistin in der Bühnenproduktion The World Of Hans Zimmer.

Christian Bakanic

Christian Bakanic  wuchs mit Volksmusik bei Feuerwehr- und anderen Festen auf, schon sein Großvater spielte Akkordeon. Mit 14 kam er nach Graz; davor hatte Bakanic bereits begonnen zu improvisieren und aus traditionellen Walzern und Polkas eigene Stücke zu kreieren. Er studierte u.a. an der Kunstuniversität Graz und spielte in den folgenden Jahren in eigenen Formationen (Folksmilch, Beefolk, Trio Infernal u.a.) sowie an der Seite namhafter Jazzer wie Wolfgang Muthspiel, Heinrich von Kalnein, Gwylim Simcock, Jon Sass u.a. Seit zehn Jahren lebt er in Wien und erhält auch Kompositionsaufträge für diverse Theaterproduktionen.
Sein Zugang zur Musik verbindet die komplexe Spontaneität des Jazz, die temperamentvolle Leidenschaft des Tango Nuevo, das disziplinierte Moment der Klassik mit vielschichtigen Traditionen europäischer Volksmusik. Die Quintessenz der Arbeit des österreichischen Akkordeonisten und Komponisten ist die stete Bewegung, der immerwährende Austausch und nicht zuletzt die spannende Suche nach neuen Möglichkeiten. Bakanics Fähigkeit, seine musikalischen Zugänge und Erfahrungen auf subtile Weise in seinen Kompositionen zu vermischen, machten ihn schon früh zu einem der gefragtesten Musiker Österreichs.

Roachford hat sich über Jahrzehnte hinweg zu einem der überzeugendsten und beständigsten Rock- und Soul-Künstler Großbritanniens entwickelt. Er veröffentlichte bislang 10 Studioalben und mehrere Best-of-Alben, und als gefragter Songwriter arbeite er für Größen wie Michael Jackson, Joss oder und Chaka Khan. Als Solokünstler tourte er regelmäßig alleine, aber auch mit mit Zeitgenossen wie Terence Trent D’Arby oder The Christians. In den letzten neun Jahren war Roachford Teil von Mike + the Mechanics und spielte live mit ihnen auf der ganzen Welt. 2020 nahm Andrew Roachford sein neues Album „Twice in a Lifetime“ auf. Wie nicht anders zu erwarten erkennt man sofort, dass Roachford sein Handwerk nach wie vor in- und auswendig kennt. Produziert wurde es von Jimmy Hogarth, der unter anderem bereits mit Paolo Nutini, Duffy und Amy Winehouse zusammengearbeitet hat.

Schon von Kindheit an, als Andrew Roachford im Alter von vier Jahren an einem Klavier saß, war Musik seine Art, die Welt zu verstehen und durch sie sich auszudrücken. Geprägt von der Schmelztiegelkultur in seiner Hood in London sog Andrew die verschiedenen musikalische Einflüsse von Reggae und Punk bis hin zu Rock, Jazz und Soulmusik wie ein Schwamm auf. „Ich habe schon sehr früh die Musik von Leuten wie Stevie Wonder, Al Green und Jimi Hendrix gehört und fühlte mich, als würde ich mich auf eine musikalische Abstammung einlassen. Ich fühlte eine Verbindung zu diesen Künstlern als Menschen, und die Art und Weise, wie sie über die Liebe singen, hat mich nachhaltig eingeprägt“. Andrews Markenzeichen und große Fähigkeit ist es, Gefühle, von denen viele nicht einmal wussten, dass sie sie haben, in Worte fassen zu können. „Das ist einer der Gründe, warum ich Musik mache. Um Dinge ans Licht zu bringen, die die Leute fühlen, aber nicht immer eine Stimme haben um es auch ausdrücken zu können. Ich hole deren Inners nach außen. Hymnen wie „Only To Be With You“ oder „The Way I Feel“ und um nur einige zu nennen, beweisen das. Einige der meistverkauften internationalen Dance-Tracks, Co-Songwriting und Touring mit Mike and the Mechanics, platin- und goldveredelte Alben und unzählige ausverkaufte Konzerte in seiner über 20-jährigen Karriere, die 1988 mit seinem Hit „Cuddly Toy“ begann, belegen Roachfords einzigartiges Talent. Alte und neue Songs aus seinem kommenden Album sind Garant für ein großartiges Konzerterlebnis!

Warum macht ein Farbiger weiße Rock-Musik? Bei dieser Frage sieht Andrew Roachford rot. Seit seinem gleichnamigen 1988er-Debüt zählt der Sohn westindischer Eltern zu den profiliertesten englischen R'n'B-Musikern. Groß geworden mit Curtis Mayfield, Al Green und Free interessiert er sich für Soul, Reggae und Jazz, aber auch Klassik, Folk und Rock.
Denn wer seine Ohren offen hält, den bewahrt die kulturelle Vielfalt Londons vor musikalischer Engstirnigkeit. Bei Roachford kommt klassisch-erdiger Pop-Rock mit viel ehrlichem Soul heraus. Aufgewachsen in einer Musikerfamilie datiert er den Beginn seiner Karriere auf das Jahr 1974. Als kleiner Junge fängt er eines Nachts an, das elterliche Klavier zu bearbeiten. Mit 14 Jahren steht er zum ersten Mal auf den Bretten, die soviel bedeuten, und begleitet seinen Onkel Bill Roachford, einen bekannten Jazz-Saxophonisten.
Der Verwandte wird zum Lehrmeister und bringt ihm das professionelle Musikgeschäft nah. 1986 gründet er in London seine Band Roachford und veröffentlicht im Alter von 18 Jahren ein pulsierendes Gold-Debüt mit dem Uptempo-Hit "Cuddly Toy". Auch alle anderen Alben des Songwriters, Sängers und Gitarristen, den Terence Trent D'Arby entdeckt haben soll, holen in Britannien Edel-Metall. Der Soul-Rocker verkauft hier für Columbia die meisten Platten und gehört zu den meist gespielten Künstlern im Radio. Für Columbia ist Roachford auch der erste Musiker, der einen Vertrag über sieben Alben erhält. Gefühle und zwischenmenschliche Beziehungen sind seine großen Themen und Roachford greift mit zeitlosen und warmen Love-Songs nach des Hörers Herz.

Auch Michael Jackson und später Chaka Khan werden auf seine Songwriter-Qualitäten aufmerksam. Die Rolling Stones, U2 und Oasis gehören ebenfalls zu seinen Fans. Dennoch bleibt dem "Wunderkind" der Sprung auf die ersten Bühnen der Welt verwehrt. Vielleicht weil sein Handwerk zu filigran und zu ehrlich für die nach Glamour lechzende Pop-Welt ist. Live zeigt Roachford mit seiner Band und schnörkellosen Sound aber, wer der Chef im Soul-Rock-Ring ist. In elegantem Outfit, optisch an die Soul-Größen der Sechziger erinnernd, bringt der charismatische Sänger die Menge zum Grooven und Träumen.
Trotzdem bleibt der Hobbyastrologe, Tennis- und Badmintonspieler in Europa ein Insider-Tipp. Auch in den Staaten kennt ihn fast niemand. Der Individualist scheint zu sperrig für die Schubladen der Pop-Industrie. Nu Funk-Erfinder Prince müsste eigentlich sein natürlicher Verbündeter sein. Doch der, so Roachford, sieht ihn nur als Rivalen. Eine Best Of und zwei Studioalben ("From Now No" und "Heart Of Matter", das sich verstärkt Klavier, Soul und R'n'B zuwendet) später trifft der Soul-Musikant auf Produzent Mousse T., den Roachfords Soul-Rock-Essenz begeistert. Im Laufe der Zusammenarbeit nimmt Peppermint Jam den Musiker unter Vertrag - die Platte kommt 2005: "Word Of Mouth".
In der Folge tritt Andrew eher als einer der beiden Sänger von Mike & The Mechanics (samt der Platte "The Road", 2011) denn als Soloartist vor ein größeres Publikum - er wird 2010 Paul Carracks Nachfolger am Mic. Gleichwohl erscheinen 2011 gleich - sage und schreibe - drei weitere Soloplatten: Zu dem neuen Silberling "Addictive" kommen zwei Livescheiben.

Ein Schwede, ein Kubaner und ein Deutscher, sie sind das Tingvall Trio.
Piano Trios gibt es weltweit viele, die klassische Basisformation des Jazz hat in den letzten Jahres ein fulminantes Revival erlebt. Doch wenn man nach der Essenz aller derzeit tourenden Trios dieser Bewegung sucht, sticht, wenn es um die Akzeptanz beim Publikum und den unverwechselbaren, eigenständigen Sound geht, aus internationaler Perspektive das Tingvall Trio hervor.  Konzerte in mehr als 30 Ländern, eine Handvoll Auszeichnungen mit dem ECHO JAZZ als „Ensemble“ und „Live Act“ des Jahres, Jazz Awards in Gold für jedes einzelne ihrer Studioalben, Platz 1 der Jazzcharts, ja sogar hohe Platzierungen in den Pop Charts, die Popularität der drei ist auf dem Niveau aktueller Popbands angekommen. Erfolg, zumindest in in unseren Breiten gelegentlich als Makel von der Jazzpolizei gebrandmarkt, sucht sich seinen Weg zum Publikum, so erfuhr das Tingvall Trio die Ehre, in der neueröffneten Elbphilharmonie zwei Testkonzerte zur Erprobung des Raumsounds zu spielen .... 

Tingvall Trio

Martin Tingvall piano
Omar Rodriguez Calvo double bass
Jürgen Spiegel drums

‚Dance‘ ist der Titel ihres mit Spannung erwarteten neuen Albums, auf dem sie die Hörer mit auf eine Reise um die Welt nehmen und die unterschiedlichsten Formen des Tanzes als Gefühlsausdruck aufblitzen lassen, denn nicht nur Musik ist eine Weltsprache, sondern auch das Tanzen. Die Idee entstand, als sie den neuen Song „Cuban SMS“ probten und es allen schwer fiel, dabei sitzenzubleiben. Gefüllt mit viel Rhythmus und Kraft, war das Album voller Tänze geboren. Der typische Tingvall Trio Sound ist zu hören, aber auch überraschend neue Gewänder, neben orientalischen Tönen in „Arabic Slow Dance“ oder lateinamerikanischen Sounds wie in „Bolero“ oder „Spanish Swing“ auch Reggae-Rhythmen in „Ya Man“, sind zu entdecken. Man kann sich ausmalen, wie viel Spaß sie beim Spielen dieser Tracks hatten. ‚Dance‘ ist ein spannendes Album, auf dem die drei reifer und harmonischer denn je klingen und dem Hörer unglaublich viele Facetten ihres Könnens zeigen.

Pianist Martin Tingvall, Bassist Omar Rodriguez Calvo und Schlagzeuger Jürgen Spiegel verschmelzen in ihrem Ensemble die melodische Eleganz des skandinavischen Jazz, farbenfrohe lateinamerikanische Akzente und die wuchtige Kraft der Rockmusik. 
„Wunderbar melodisch, oft gar schwelgerisch warm... Schönste Symbiose zwischen Ruhe und Rasanz .“ Stern (5 Sterne, Höchstwertung)
„Das neue Album ist einfach genial!“ SR2
„Verspielt, aber doch intelligent und voller Druck“ Spiegel Online

Der Name Etran de L’Aïr bedeutet übersetzt „die Sterne des Aïr“, benannt nach der bergigen Region des nördlichen Niger. Sie haben ihren Sitz in der Stadt Agadez, einem urbanisierten Zentrum der Wüste und einer Stadt, die für ihre Musikproduktionen bekannt ist.

Das gilt insbesondere im Bezug auf E-Gitarre und den sogenannten „Wüstenblues“, bekannt geworden durch Bands wie Mdou Moctar und Bombino.
Agadez ist heute eine authentische Gitarrenstadt mit Dutzenden von Bands. Alle diese Formationen sind Musiker, die diesen für die Sahara typischen Stil der E-Gitarre mit einer sozialen Funktion verbunden. Bands werden für Zeremonien angeheuert, um bei Hochzeiten, Taufen und politischen Veranstaltungen zu spielen. Agadez ist ein Zentrum dieses festiven und für hiesige Verhältnisse zugleich lukrativen Musikindustrie. Im Kreis der Eheleute von Agadez sind Etran de L’Aïr die bekannteste und zugleich älteste Gruppe. 

Etran ist nicht nur eine Musikgruppe, sondern ein Familien-Kollektiv, im Jahr 1995 von Aghaly Migi gegründet. Im Laufe der Jahre brachte er seinen jüngeren Brüdern das Spielen bei und integrierte sie in die Gruppe. Agadez war damals kleiner, es gab wenig Elektrik und die E-Gitarre war eher eine Seltenheit. Als die Band begann, hatte sie nur eine Akustikgitarre, die Percussion war eine im Wasser schwimmende Kalebasse, die „mit einer Sandale geschlagen wurde. Als verstärkte Musik schließlich ihren Weg nach Agadez fand, wurde die Akustikgitarre mikrophonisch aufgerüstet. In den letzten 10 Jahren konnte sich die Band mehr Instrumente zulegen – Schlagzeug sowie diverse E-Gitarren. Mit der Familie wuchs auch die Band. Heute sind alle Mitglieder miteinander verwandt, Brüder und Cousins - „Sterne des Aïr“.

In Caramel  verbindet der Oberkellner aus dem "Cafe Drechsler" und begnadete Klangsucher Ulrich Drechsler seine, über die Jahre aus unterschiedlichsten Genres gesammelten, Ideen und Einflüssen. Er bewegt sich traumwandlerisch zwischen den musikalischen Welten um sie in CARAMEL zu etwas komplett Neuem, Unerhörtem verschmelzen zu lassen.
Özlem Buluts strahlender Koloratursopran schwebt über dem raumfüllenden, eleganten Klang von Oliver Stegers Kontrabass, über dem leidenschaftlichen Schlagzeugspiel Raphael Keuschniggs und Amir Ahmadis von Virtuosität überquellenden Klavierlinien. Dazu die hochbegabte Slam Poetin und Rapperin Yasmin Hafedh, die auf ihre so unnachahmliche Art und Weise mit den Worten zu jonglieren vermag und eindringliche Geschichten erzählt. Dazwischen, darüber, darunter die Bassklarinette.
Das ist CARAMEL. sagt Ulrich Drechsler.

"Ich mach mir die Welt, widde widde wie sie mir gefällt!“ Was Pippi Langstrumpf kann, dachte sich Ulrich Drechsler vor ein paar Jahren, kann ich auch. Dafür gründete er die Plattform „Liminal Zone“, mit der er all das zusammenbringen will, was er in den vergangenen Jahren bei der Beschäftigung mit Genres wie Jazz, Weltmusik, Sufi-Tradition und den tanzbaren Sounds von Café Drechsler lernen konnte.
Drei unterschiedliche Alben sollen dabei bis Herbst 2021 erscheinen, wobei das erste, „Caramel“, gerade auf den Markt gekommen ist. Darauf verbindet Drechsler mithilfe von Mitstreitern wie der Rapperin Yasmo und der Sopranistin Özlem Bulut Neoklassizismus, Jazz und Weltmusik zu einem betörenden Sound, der seinem kreativen Anspruch, „Wellness für die Seele“ zu schaffen, in jedem Ton gerecht wird.

• Ulrich Drechsler - bass clarinet
• Yasmin Hafedh aka Yasmo  - recitative
• Özlem Bulut - coloratura soprano
• Amir Ahmadi - piano
• Oliver Steger - double bass
• Raphael Keuschnigg - drums

„Mein Stammgenre Jazz ist mittlerweile komplett überzüchtet“, erklärt Drechsler im KURIER-Interview. „Da geht es nur noch um schneller und technisch perfekter. Gleichzeitig wächst aber die Sehnsucht beim Hörer, sich entspannen zu können, womit vieles die Hörer überfordert. Ich sage – auch wenn viele Kollegen das anders sehen: Jeder Künstler ist auch Entertainer, muss sein Publikum unterhalten und nicht nur das Ego befriedigen.“

Schon immer ist Drechsler musikalisch gegen den Strom geschwommen. Seine Mutter, eine Klavierlehrerin, versuchte ihm schon als er sechs Jahre alt war, Unterricht zu geben. Aber: „Ich habe es gehasst, die wiederholten Versuche abgewehrt und mit neun Jahren beschlossen, in die örtliche Blaskapelle zu gehen und dort Klarinette zu lernen. Das hat mit den ganzen Umzügen und Bierzelt-Festen einen Heidenspaß gemacht.“

Die Mutter besorgte ihm daraufhin einen Klarinetten-Lehrer, der ihn auf ein klassisches Studium vorbereite. Doch dabei stelle er fest, dass ihm erstens das Klassik-Konzept zu eng war, weil es wieder nur um Perfektion, Leistung und das Funktionieren ging. Und zweitens: „Klarinette ist nicht so sexy, dass ich eine Freundin kriege.“ Er stieg auf Saxofon um und studierte später in Graz Jazz.

Danach ging er nach Wien, gründete in der Hochblüte der Wiener Elektronik die Band Café Drechsler, die mit ihrem akustischen Tanz-Sound schnell Furore machte. 2006 aber hatte sich das totgelaufen und Drechsler widmete sich diversen Projekten.

Immens wichtig waren ihm dabei immer der Klang und die Atmosphäre. „Deshalb habe ich mich viel mit skandinavischer Musik beschäftigt. Denn die sind darin Meister. Wenn Tord Gustavsen, mit dem ich ein Album gemacht habe, einen guten Tag hat, spielt er einen Ton und du denkst: Wow, mehr Musik brauch ich die ganze Woche nicht mehr.“

Extrem wichtig war für Drechsler auch die Beschäftigung mit Sufi-Musik. „Ich wurde von dem österreichischen Botschafter dorthin für Auftritte eingeladen, war viermal dort und kann nur jedem empfehlen, einmal in so ein Land zu fahren. Ich habe noch nie so eine Gastfreundschaft, so eine Aufmerksamkeit und Aufrichtigkeit erlebt, wie im Iran. Ich hatte auch das Glück, mit traditionellen persischen Musikern in Kontakt zu kommen und dabei einen ganz andern Zugang zu Musik kennen gelernt. Denn auch ihnen geht es wie mir nie um den Leistungsgedanken, sondern nur darum, möglichst respektvoll, bewusst und achtsam miteinander Musik zu machen. Und das hat eine unglaubliche Intensität.“ 

Warum ist Obst gesund aber ein Obstler nicht? Wieso darf man nicht zu einer Klimademo fliegen? Wieso wird das Skigebiet erweitert aber die Krabbelstube in Hinterschlapfing geschlossen? Ist eine Lilliputbahn eigentlich ein Öffi und warum ist Schwarzenegger jetzt Leichenbestatter? All diesen Fragen geht Sozialsatiriker Gabriel Castañeda in seinem 3. Soloprogramm auf den Grund und versucht dabei alle Irrungen und Wirrungen menschlicher Wesenszüge schamlos zu offenbaren. Dabei wird quer, diagonal und auch mal rückwärts gedacht aber vor allem: bissig und saukomisch. Engelsgleiche Schützenhilfe erhält er dabei natürlich von Thermomixexpertin Pveronika Schmiederer-Pechtl, aber auch von vielen anderen Menschen, die Sie so, oder so ähnlich sicher schon mal in Ihrer Nachbarschaft, auf der Arbeit oder im Spiegel gesehen haben. Alle singen, tanzen oder erzählen etwas über die wahnwitzigen und kuriosen Mini-Revolutionen des täglichen Lebens.

Der Mexikaner aus Grins, der Prinz der Provinz!

"Wortspiele und Scharfsinn setzt er ebenso ein wie treffsichere und mitunter makabere Pointen.“ - Tiroler Tageszeitung

BIO

Wie so viele, habe ich meinen Weg zur Bühne über etliche Umwege vollzogen. Heute bin ich glücklich und vor allem dankbar, dass ich mit meinem Beruf das Privileg habe, Menschen zu unterhalten. Mit meiner Mischung aus österreichischer Gelassenheit und mexikanischem Feuer, gehe ich mit offenen Augen durch den Alltag, immer auf der Suche nach dem Kuriosen, dem Verrückten und auch nach den Abgründen, die unsere Spezies so einmalig macht. Aus all diesen Eindrücken entsteht meist ein Destillat, das in Form eines Bühnenprogramms seinen Ausdruck findet. Ich genieße die Vielfalt meines Berufs. Wenn ich als Drehbuchautor für Dokus recherchiere und neue Dinge lerne, wenn ich als Sänger tief in Melancholie versinken kann, oder wenn ich als Pveronika schallendes Gelächter in vollen Sälen verbreite. Ich freue mich auf alles was noch kommt. 

Gabriel Castañeda

1979
Gabriel Castañeda kommt als Sohn einer Tirolerin und eines Mexikaners im beschaulichen Grins zur Welt.
1979 - 1999
Schon in frühester Kindheit eine „Rampensau“. Kindergarten sowie alle nachfolgenden Schulen im Prinzip als Bühne mit Publikum verstanden. Außer der erfolgreichen Belustigung der Mitschüler sonst keine nennenswerten Erfolge diesbezüglich.
2000 - 2006
Uli Brée beim Ensemble Tirol kennen gelernt. Uli Brée fungiert in den nächsten Jahren als Mentor für Gabriel und unter seinen Fittichen konnte er das Handwerk des Schreibens erlernen. Es folgen viele sehr erfolgreiche Stücke mit dem Ensemble Tirol mit Castañeda als Autor und/oder Darsteller. Besonders erwähnenswert sind hier „HOSSA“ – die ganze bittere Wahrheit über den deutschen Schlager (187 ausverkaufte Vorstellungen!), „Zimt-Stern-Hagel-Voll“ 2006 und 2007, „BUSSI“, oder auch „Bye, bye Bambi“.
2006 - 2010
Gemeinsam mit Brée schreibt Castañeda seit seinem Schritt in die Selbständigkeit 2006 neben Theaterstücken auch Filme. Einige davon absolute Publikumserfolge wie "Live is Life - die Spätzünder", „Meine Tochter, ihr Freund und ich“ oder auch „Die Abstauber“.
Seit 2006 rockt sich Gabriel auch mit seiner Rock’n’Roll Band durch die Bühnen Tirols. Die Jailhouse Rockers spielen Musik aus den 50ern und 60ern und halten den Lifestyle Sex, Drugs und Rock’n’Roll hoch.
Castañeda liefert seit 2009 auch die Drehbücher für Sendung "Hansi Hinterseer", die regelmäßig fünf bis sechs Millionen Zuseher begeistert. Hansi präsentiert in diesem Format jeweils eine der schönsten Region Mitteleuropas und zeigt sich als Naturschützer, sowie Bewahrer von Kunsthandwerk und Brauchtum. Der Nationalpark Berchtesgaden, die hohen Tauern, das Montafon oder das traumhaft schöne Dreiländereck um den Bodensee sind nur ein paar Regionen, die in dieser Sendereihe portraitiert wurden.
2010 - 2013
Es folgt das erste Werk der "Tyrol Inn Stones", der a cappella Gruppe von und mit Gabriel Castañeda. „Gesang auf höchster Braukunst“ trifft den Nerv des Publikums und in kürzester Zeit sind die Tyrol Inn Stones (Gabriel Castañeda, Gernot & Thomas Mungenast, Edgar Ruetz) in aller Munde. Die Mischung aus Gesang, Slapstick und bissigem Humor findet großen Anklang und mittlerweile füllen die Stones regelmäßig Säle mit zwei- bis dreihundert eingefleischten Tyrol Inn Stones Fans.
2014 bis 2017
Im Dezember 2014 feiert Gabriel Premiere mit seinem ersten Soloprogramm „Bös & Artig“, einer bitterbösen Betrachtungen des Alltags. Neben seiner Tätigkeit als Kabarettist moderiert Gabriel auch zahlreiche Veranstaltungen. 2016 folgt eine Folge aus der Reihe "Bergwelten" für Servus TV, neben Drehbuch ist Gabriel auch erstmals für die Regie (gemeinsam mit Klaus Achter) verantwortlich. Im Herbst 2016 kommt auch das heißersehnte, dritte Programm der Tyrol Inn Stones "EverGrins" auf die Bühne und ist wieder ein voller Erfolg. Ende 2016, Anfang 2017 beginnen die Arbeiten an einem Drehbuch zu "Universum" für den ORF mit Hermann Maier, sowie eine neuerliche Auflage von "Hansi Hinterseer", ebenfalls für den ORF. Auch eine Folge "Heimatleuchten" für Servus TV entsteht 2016/2017. Die Tyrol Inn Stones gewinnen im Herbst, in Tux den ersten Tiroler Kabarettpreis (Publikums- und Jurywertung). Im Oktober feiert auch das dritte Kabarettprogramm "Lebhaft“ von Comdygröße Alex Kristan Premiere, das Buch entstand unter Mitarbeit von Gabriel. Elke Winkens und Thomas Weissengruber präsentieren ihr Stück "Wie jetzt?" ebenfalls im Oktober, Gabriel lieferte das Buch dazu. Im Herbst 2017 erfolgt die Ausstrahlung von Hansi Hinterseer - im malerischen Tannheimertal.

tbc

Anlässlich ihres 10-jährigen Bestehens hat sich die Tiroler Band HI5 mit dem radio.string.quartet für eine Jubiläumstournee zusammengetan. Die Ensembles spielen gemeinsam, ergänzend und gegenseitig fordernd - Arrangements ihrer eigenen Stücke, Neues und in der Kollaboration Entstandenes - ein Streifzug durch die Geschichte der Bands mit einer musikalischen Vorschau auf die kommenden Jahre.
Futuristische Kompositionen mit maximaler Klangvielfalt - ein akustischer Grenzgang den die Welt so noch nie gehört hat. Moderner Jazz trifft auf kompositorische Finesse.
Nach Konzertreisen rund um den Globus (USA, Mexiko, Kanada, Japan, China, Indien und Europa) bringen die vier Musiker von HI5 ihre Musik gemeinsam mit dem renommierten Wiener Streichquartett auf die Bühne. Das Programm ist eklektisch und geiztnicht mit Überraschungsmomenten.

4+4=8

Chris Norz: drums
Philipp Ossanna: guitar
Matthias Legner: vibraphone
Clemens Rofner: bass

radio.string.quartet
Bernie Mallinger, Igmar Jenner: violin
Cynthia Liao: viola
Sophie Abraham: cello

Hi 5

Schlagzeug, Gitarre, Vibraphon und Bass genügen HI5, um Genregrenzen beiläufig, spielerisch und kreativ niederzureißen. Eine „Jazz-Band“, die viel Zeit im Proberaum verbringt um ihre ausgefeilten Arrangements auszutüfteln, nur um dann bei Live-Konzerten damit zu überraschen, dass man sich immer wieder frei spielt und sich eine Leichtigkeit bewahrt, die nichts von der harten Arbeit dahinter erkennen lässt: So etwas hört man nicht alle Tage. Das Zuhören ist hier zugleich Vergnügen und Abenteuer.
Was man zu hören bekommt, ist wahrlich nicht alltäglich oder gar trivial. Die Band selbst beschreibt ihre Musik mit den Begriffen „Minimal Jazz Chamber Music“ und eröffnet damit eine ganze Fülle von spielerischen und intellektuellen Möglichkeitsräumen.
Mit den Mitteln und Möglichkeiten des Jazz, der Musik die notwendige Freiheit zu lassen, sich Material auf freigeistige Weise zu erarbeiten und es auch, wenn nötig, sein und mäandern zu lassen, ergibt sich eine außergewöhnliche konzeptionelle Brücke hin zur „Kammermusik“. Diese legt hier eine Fährte in Richtung Vertracktheit, kompositorischer Raffinesse und Komplexität. Minimal ist diese Musik dabei nicht wirklich, doch sie insistiert, beharrt und lässt an manchen Punkten Repetition zu. Die Musik von HI5 ist dabei nicht ausufernd, sondern logisch und konsequent in Entwicklung und Aufbau – voller gelungener Spiel- und Denkleistungen.
Diese singuläre Verbindung von diesen sich ansonsten meist abstoßenden Polen sorgt für Begeisterungsstürme, welche von Preisen begleitet werden, wie z.B. dem Joe Zawinul Preis 2012, den 1. Platz bei der Bucharest International Jazz Competition 2013 und den Jimmy Woode European Jazz Award 2013.

Die Band über sich selbst:

„Pulsierende Grooves stehen in deren Kompositionen ebenso im Mittelpunkt wie meditative Klangbilder und halsbrecherische Improvisationen. Komplexe Strukturen treffen auf eingängige Melodien, Minimal-Music-Elemente auf Jazz und Rock, Bezüge zur Tradition stehen der Suche nach neuen Klängen gegenüber. Häufig setzen sich die Stücke dieser Band aus eigenständigen Teilen zusammen und erzählen dabei kleine Geschichten ohne Worte, die zu einer großen Erzählung zusammenfließen. Mit dem zweiten Album ‚Tangled Simplicity’ beweisen die vier Tiroler, dass auch Instrumentalmusik unter die Haut gehen kann.
Die Addition von technischer Versiertheit und dem perfekten gegenseitigen Verständnis der vier jungen Musiker erzeugen einen erfrischenden und absolut mitreißenden Bandsound. Das Quartett lässt die großen musikalischen Parameter Melodie, Harmonie und Rhythmus in mal lyrischen, mal wuchtigen, teils verwunschenen, manchmal hymnischen Stücken ineinander aufgehen und performt diese mit unglaublicher Dynamik.
Der sanfte Wechsel von Entspannung und Erregung, Komplexität und Einfachheit ist es, der die Musik auszeichnet.“

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DER 5/4-TAKT STAND NAMENSPATE

Ein breites Spektrum musikalischer Einflüsse und die Auseinandersetzung mit verschiedenen Stilen und Konzepten liegen ihren Stücken zugrunde und verbinden sich zu einem vielschichtigen Amalgam. So finden sich bei HI5 unter anderem poppige Melodielinien, Inspirationen aus dem Rock, aber auch treibende Dance-Beats. Nicht zuletzt unter Hinzunahme elektronischer Instrumente, Effekte und Klangverfremdungen entfaltet und erweitert die Band ihre Klangvorstellungen, wobei bereits auch der programmatische Titel des 2014 veröffentlichten Albums „Attack Decay Sustain Release“ (Sessionwork Records) – ein Verweis auf unter anderem im Umgang mit Synthesizern geläufige Begriffe zur Beschreibung von Hüllkurven – dieses Interessengebiet preisgibt. Dass das Spiel mit Ansätzen der Minimal Music – ausgehend vom Schaffen und Wirken von Steve Reich, Terry Riley und anderen – nicht nur beispielsweise in der elektronischen Tanzmusik, sondern auch bei HI5 anzutreffen ist, tritt durch die Verwendung und Überlagerung von repetitiven Klängen und Motiven einerseits musikalisch in Erscheinung und stellt andererseits, verewigt im Credo der Band „Minimal Jazz Chamber Music“, sogar einen konzeptionellen Grundpfeiler des Quartetts dar. Dabei hat sich die Gruppe ausgehend von ihren Wurzeln im Jazz im Lauf ihrer Entwicklung zunehmend auf die Kreierung und Ausarbeitung musikalischer Abläufe und Strukturen fokussiert: Weniger das auf spontaner Interaktion basierende, improvisatorische Ergründen von Freiräumen, sondern das ineinandergreifende, sich zu einem stimmigen Gesamtsound mit entsprechendem rhythmischen Drive vereinende Spiel der einzelnen Instrumente steht im Mittelpunkt. Wenngleich sich die strukturelle Konzeption der Stücke bisweilen dem Pop zuneige, käme vor diesem Hintergrund auch das genannte Schlagwort Chamber zum Tragen, indem jedes Bandmitglied – wie bei einem kammermusikalischen Ensemble – seine unverzichtbare Rolle und Funktion einnehme und präzise abgestimmt in Lautstärke und Klang gemeinsam mit den anderen Stimmen den musikalischen Gesamteindruck erzeuge, erklärt Clemens Rofner. Was daraus entsteht, sind Songs, die leicht ins Ohr gehen und auch mal bis in die Fußspitzen vordringen können. Oder wie HI5 ihre Musik selbst beschreiben: „Komplexe Strukturen treffen auf eingängige Melodien, Minimal-Music-Elemente auf Jazz und Rock, Bezüge zur Tradition stehen der Suche nach neuen Klängen gegenüber.“ Hier kommt wahrlich einiges zusammen. Visuell begleitet wird dieses musikalische Feuerwerk durch den ein oder anderen Lichtblitz, der von der zum festen Inventar der Band zählenden Glühbirne dramaturgisch einleuchtend von der Bühne in den Zuschauerraum geworfen wird.
mica - Martin Schütz

Heimatliche Melachonie in einer neuen Dimension. So würde es sich wohl anhören, wenn Charles Baudlaires Blumen des Bösen auf die Winterreise von Franz Schubert treffen. Hinterfotzig, hintergründig, hochpoetisch –!
„Dreiviertelblut spielen nicht nur erstklassige Musik, sondern transportieren ein Lebensgefühl: Eine Feier des Lebens und des Todes, tiefgründig und allumfassend, geerdet und entrückt.“ – Süddeutsche Zeitung 

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Kurios-krude Geschichten über das Leben, den Tod und alles, was dazwischen liegt, sind die Spezialität von Dreiviertelblut – und natürlich, sie musikalisch und poetisch zu beflügeln. Auf ihrem dritten Album Diskothek Maria Elend klingt all das in manchen Songs sogar umwerfend tanzbar. Das einstige Duo aus Komponist Gerd Baumann und Texter Sebastian Horn ist zu einer siebenköpfigen Band angewachsen, und der unverkennbare Dreiviertelblut-Sound ist voller, komplexer, vielschichtiger und mitreißender geworden.

Die Musiker zeigen das philosophische Spiegelbild ihrer Stimmung im Jahr 2018 und laden dazu ein in die Diskothek Maria Elend. Der Titel ist ein tragikomisches Brennglas: er klingt nostalgisch, ein bisschen unzeitgemäß, und meint doch den Geist unserer Zeit, das, was sie ausmacht und das, was ihr fehlt.  
Im turbulenten Tanzstück „Rundummadum“ verliert sich der strebende Mensch im unbezwingbaren Strudel des Alltagsstresses. „Die Erde is flach und de Sunn is mei Mond / und gestern kimmt moing in da Friah“, lautet eine Zeile aus „Die Wahrheit“, einem Song, den Gerd Baumann 2017 geschrieben hat – Fake News oder nur eine andere Perspektive? „Wos übrig bleibt“ ist ein selbstzerstörerischer, philosophischer Befreiungsschlag aus den Ketten der Gesellschaft, ein Aufbäumen im Schmerz und die empathische Erinnerung daran, dass wir ohne Haut alle ziemlich gleich aussehen

Florian Riedl: Klarinette, Bass-Klarinette, Moog-Synthesizer
Dominik Glöbl: Trompete, Flügelhorn, Gesang
Luke Cyrus Götze: E-Gitarren/Lap-Steel
Benjamin Schäfer: Kontrabass, Tuba, Gesang
Flurin Mück: Schlagzeug
Gerd Baumann: Gitarren, Gesang
Sebastian Horn: Gesang

„Die ersten „Lieder vom Unterholz“ entstanden als Filmmusik. Sebastian Horn (Texte) und Gerd Baumann (Musik) schreiben neue „altbairische“ Lieder, die Volksmusik-Freunde – und -Feinde staunend und lauschend vereinten. Euphorische Zuschauer-Reaktionen waren der Auslöser, DREIVIERTELBLUT auf die Bühne zu bringen.
Bananafishbones-Sänger Horn und Filmkomponist Baumann haben sich gesucht und gefunden und bringen seit ihrer Begegnung zeitlos schöne Lieder auf die Welt. Die Texte streifen durch die Höhen und Tiefen des Seins, winden sich vom reinsten Glück zur schwärzesten Verzweiflung. Die Liebe zur Finsternis wird durch einen Hang zum kruden bayrischen Humor verstärkt.
Im zweiten Album „Finsterlieder“ (Okt 16) erobern DREIVIERTELBLUT das zurück, was unserer Gesellschaft verloren gegangen ist, nämlich den Mut, den Tod anzunehmen, ihn willkommen zu heißen. Der Mut, dem Sterben, dem Schmerz und dem Abschied humorvoll und lebensbejahend ins Gesicht zu sehen – oder frech ins Gesicht zu grinsen.
„Finsterlieder“ ist eine fröhliche Party am und im Abgrund, eine musikalische Aufbahrung und ein textlicher Totentanz. Die Songs vereinbaren, was als kaum vereinbar gilt: das Bairische als Seelensprache, ein sehnsüchtiges Lächeln in der tiefsten Trauer, Jazz und 70`s Moog Synthesizer, Zwiefacher und Punkschlagzeug, ein süßer Klang und die Fliege, die im Mund eines Sterbenden verschwindet… Sein und Nicht-Sein sind hier keine Gegensätze, sondern untrennbar miteinanderverbunden: denn in der Begegnung mit dem Tod wohnt die höchste Lebensfreude. 

„Es geht um Dinge die uns beschäftigen. Und Dancing Queen ist es nicht.“ (Gerd Baumann, 2016)

„Dreiviertelblut präsentiert (..) heimatliche Melachonie in einer ganz neuen Dimension. So würde es sich wohl anhören, wenn Charles Baudlaires Blumen des Bösen auf die Winterreise von Franz Schubert treffen. Hinterfotzig, hintergründig, hochpoetisch – und an vielen Stellen weitaus düsterer als der Bayerische Wald in
einer winterlichen Neumondnacht“

VOM LEBM IN DIE BERG

Abseits ausgetrampelter kommerzieller Musikpfade wandelt die Hopfgartner "Rebel Musig"-Crew mit ihrem Mix aus Reggae, Hiphop, Ska und Funk. "Rebel Musig" liegt am Puls der Zeit - und mit seinen hintergründigen Dialekt-Rap-Texten trifft Lead-Sänger "John Dere" ins Herz einer jungen Generation, die mit dem vorgegebenen System nicht mehr zu Recht kommt. "De waxest sound around" bezeichnet Rebel Musig ihren eigenwilligen Sound-Mix. Mit dem selbst produzierten Album "Radio Freie Mittelstation" bietet Rebel Musig etwas vom Besten, das Tirols Independent-Musikszene derzeit zu bieten hat!

Mit bewährtem Mix aus Reggae, Dancehall und Hiphop abseits kommerzieller Pfade hält sich die Rebel Musig Crew als konstante musikalische Widerstands-Combo auf den Bühnen – ob indoor oder open-air bei Festivals. Und sensationell am Puls der Zeit bleibt Texter, Mastermind und MC „John Dizzy“ alias Johannes Daxer am Mic. Das Leben schreibt seine Texte, natürlich im Dialekt – und so bleiben beim „Liftinga aus Hopfgoscht“ Themen wie Toursimus, Stau und die Frage, wohin Küchenpersonal und Skilehrer nach der Saison verschwinden, präsent in der Wortlawine, die da von der Bühne rollt. „I bin gegn 87 % vu fost oim – oba sust is ois easy!“ – und so geht dem kompromisslosen „Berglöwen“ der Stoff auch nie aus, um seine Gesellschaftskritik, gern verpackt mit sarkastischem Humor, mit Wortsalven aufs Publikum loszulassen und damit offenbar Vielen aus der Seele zu sprechen

Kurz gesagt: gepflegter musikalischer Irrsinn mit einem wahnsinnig virtuosen Duo!
Gansch und Breinschmid – das ist Kontrabass und Trompete, Spielfreude und Spontaneität, guter Humor und noch besserer Jazz. Die beiden Ausnahmemusiker grooven, swingen, improvisieren, fetzen, was das Zeug hält – so vielseitig und virtuos, wie man sie schon von ihren Projekten Mnozil Brass oder Brein’s Café kennt. Ein bisschen Weltmusik, ein bisschen Crossover mit Pop oder Blues, volle Kanne Leidenschaft mit zwei führenden Persönlichkeiten der heimischen Musikszene.

Wer lässt sich auf so etwas ein? Trompete und Kontrabass im Duo, ts ts ts… das lässt doch eine Verlegenheitslösung vermuten von zwei Musikern, die in der Wüste sitzen, Lust auf’s Musik machen haben und niemanden sonst finden als der eine einen Kontrabassisten und der andere einen Trompeter. Jedoch ist sozusagen das Gegenteil der Fall. Die beiden genialen Instrumentalisten haben einander in einem gigantischen Pool von Topmusikern in Zentralmitteleuropa gefunden und machen auf herz- und kopferfrischende Weise das Unmögliche möglich: Kontrabass und Trompete im Duo.

Zählt man aber noch die Stimmen der beiden dazu, das im Bass integrierte Schlagzeug, ein bisserl Pfeifen, Bodypercussion und das Flügelhorn, ist da schon ein Trio oder Quartett am Werk. Eine Personenbeschreibung wird den beiden Querfeldeingängern kaum gerecht, denn allzu leicht sprengen sie die Grenzen jeder Beschreibung. Und wie klingt die Musik in der Welt von Brein und Gansch? Die groovt, fetzt, zärtelt, schnalzt, scherzt, wuselt, schnauft und swingt intergalaktisch zwischen dem Stern Jazz und dem Planeten Wien, dass es eine wahre Freude ist. Bumtschakabumtrara. (Gabi Burian

Florian BRAMBÖCK ts, bs
Klaus DICKBAUER as, cl, bcl
Christian MAURER ss, ts
Wolfgang PUSCHNIG as, flute
+
Robert RIEGLER bass
Wolfi RAINER drums

was auch immer uns die Lust am Leben gibt
hier wird es in Musik gegossen,
wer von euch das Leben liebt
hat sicher schon Musik genossen

In diesen Klängen stecken 30 Jahre
dichtestes Zusammenspiel
und lässt auch nach der Wuchs der Haare
an Lust am Leben gibt’s noch viel

We are unstoppable! And even maybe shere untoppable!
We are the Sax quartet with long endurance!
Buy this CD, come to our concert - ist like a life insurance!

Schon zu unserem 25 Jahre Jubiläum leisteten wir uns als Saxquartett den Luxus, mit bass/drums eine Erweiterung unserer Kernkompetenzen als Saxensemble auszuleben.  Nach „25 years of joy and fun“ ist „Saxofour celebrating the Joy of life!“ einfach eines der folgenden Kapitel einer langen Musikerfreundschaft in der die Qualität, das Ensemble auf eine höhere Ebene als das eigene Ego zu stellen, wahrlich ausgelebt wird.
Jeder hat sein Schatzkistchen geöffnet und wieder neue Kompositionen rausgezaubert, jeder in seiner unverwechselbaren Art und Weise, so wie wir es schon 29 Jahre lang machen im Sinne des Sonnenscheines des Abwechslungsreichtumes.

Robert Riegler (bass) und Wolfi Rainer (drums) sind wahrlichlich verrückt genug sich mit 4 Saxlern ins Studio und auf die Bühne zu stellen, und wir genießen deren unvergleichliche Art mit unserer Musik umzugehen. Wir sind vom Ende unserer Möglichkeiten mit Sicherheit noch ungefähr genau 243 kg Notenpapier oder 27 Klangwolken weit entfernt, eher gewinnt jede und jeder von euch im Lotto, als dass uns nichts mehr einfällt.

Mit Wolfgang Puschnig am Altsaxophon einem der Jazz-Aushängeschilder Österreichs und Mitbegründer des "Vienna Art Orchestra"" zwei derzeitigen Bandmitgliedern Florian Bramböck (Alt-/Tenor-Baritonsaxophon), Klaus Dickbauer (Alt-Baritonsaxophon/Baßklarinctte) und dem ebenfalls über reiche Jazz- und Klassikerfahrung verfügenden Christian Maurer. (Sopran- und Tenorsaxophon) haben sich vier wichtige Musiker der österreichischen Jazzszene zusammengefunden, um diesem Bereich von Ensembles eine neue charakteristische Version hinzuzufügen. Dieses Vorhaben kann mittlerweile als geglückt betrachtet werden. Trotz schwer zu koordinierender Terminpläne haben sie seit der Gründung von SAXOFOUR (1992) zumindest einmal jährlich Zeit für Auftritte des Quartetts gefunden, ist der Feinschliff im spontanen Reagieren aufeinander klar herauszuhören. Eigene Kompositionen (z. B. Bramböcks "Serie unverständlicher neuer Länder") wechseln mit Arrangements sogenannter "Klassiker" (etwa von Strayhorn). Sie vermeiden durch die Vielzahl von Duetten (häufig zwischen Alt- und Baritonsaxophon) den ansonsten durchwegs verwendeten auf Dauer ermüdenden - Quartettklang, ihre Eigenkompositionen erinnern vielfach an in New York beheimatete Filme aus dem Bereich der "Screwball Comedies", die sich im vorantreibenden, feinabgestimmten wechselnden Puls widerspiegeln. (nachrichten)

Vier Topmusiker aus der Saxophonistenriege treffen sich seit längerem zu einem begleitlosen Quartett. "SAXOFOUR" ist die bestens gelungene Antwort Österreichs auf die bereits unüberschaubare Anzahl internationaler Saxophonquartette. Wie die anderen Ensembles dieses Genres lebt auch "SAXOFOUR" von der hohen Individualität seiner Musiker. Abgesehen von einem eigenwilligen Arrangement über "Boblicity" stehen nur Eigenkompositionen am Programm. Sie. haben stimulierende Wirkung und reizen die Musiker zu wild expressiver Solistik. Immer finden sich ein oder auch mehrere Instrumente, die sich mit rhythmischen Riffs darunterlegen. Gleich ob lyrische Themen oder Up Tempos angesagt sind, immer schaukeln sich die Musiker zu dynamischen Turbulenzen mit Spielwitz und aberwitzigen Einfällen auf.  (krone)

Saxophonquartette haben im Jazz mittlerweile auch schon Tradition. Österreichs Beitrag dahingehend, verkörpern vier der profiliertesten und stimmkräftigsten Saxophonisten unter dem Adler mit dem Projektnamen "SAXOFOUR". "Streunende Hörner" lautet ihr Motto. Treffend, denn ihre Vielseitigkeit ließ sie sich in diversesten Spielsituationen behaupten. Von Projekten Neuer Musik über freie Improvisation, Reisen durch die Musik der Welt bis hin dazu, dass sie ihre Stimme dem Austro - Pop liehen, als dieser noch Profil hatte. Diesen Erfahrungsschatz spielen sie in diesem Bläserunternehmen gekonnt aus. (n/a)

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"Eine Kernschmelze von Bigband-Sound mit House und Techno-Musik.“ (Süddeutsche Zeitung)
 Mit im Schnitt 120 Konzerten im Jahr ist die Jazzrausch Bigband eine der meist beschäftigten Big Bands Europas, auf ihren Konzerten in Europa, Amerika, Asien und Afrika bringt sie mit „Klanggewalt, Groove und enormer Bühnenpräsenz“ (FAZ) Jazzfans und Tanzwütige zusammen, wie wohl aktuell kein vergleichbares Ensemble. Groove mit Köpfchen, Elektro mit Gebläse, Jazz im Rausch. 

 

Die treibenden Köpfe hinter dem Projekt sind der Münchner Posaunist und Musikmanager Roman Sladek und der ebenfalls in München lebende Gitarrist und Komponist Leonhard Kuhn. Keimzelle und Ausgangspunkt der musikalischen Reise ist eine Münchner Institution: das „Harry Klein“, einer der renommiertesten Elektro Clubs Europas. Im Jahr 2015, nur ein Jahr nach ihrer Gründung, wird die Jazzrausch Bigband Artist in Residence im „Harry“ und das junge Münchner Publikum flippt aus. Eine Big Band im Techno Club. Wirklich einmalig. Für München und die Welt. Schnell werden die Bühnen größer, die Band füllt sowohl Rock-Venues wie die Muffathalle, als auch Hochkultur-Tempel wie die Münchner Philharmonie und gastiert auf namhaften Festivals in ganz Deutschland. Die Kreise, die die Band zieht, werden weiter: Konzertreisen führen sie unter anderem ins Lincoln Center nach New York, zum JZ Festival nach Shanghai, zum Safaricom International Jazzfestival nach Nairobi, der Ural Music Night in Yekaterinburg und zum SXSW Music Festival nach Austin.
 
So ist es nicht übertrieben, die Band ein Phänomen zu nennen. Eines, das auf ganz eigene Art zeigt, was lange es schon brodelt und arbeitet in dieser Musik, die sich „Jazz“ nennt: Sie ist heute mehr denn je die Schublade für das, was sonst in keine Schublade passt. Und alle, die Musiker wie das Publikum, haben Spaß am lustvollen Einreißen von Grenzen. Die Musik der Jazzrausch Bigband, so scheint es, erfüllt in diesem Zusammenhang mehrerlei Hinsicht Sehnsüchte: Die der Clubgänger nach mehr Echtem, Handgemachtem, Frischem, Originellem. Und die der Jazz- und Klassik-Hörer nach mehr Wumms, Entertainment, nach großem Sound und fettem Groove.

STILL! STILL! STILL!

Da Überraschung jedoch ein Markenzeichen der Jazzrausch Bigband ist, können die Damen und Herren um Bandleader Roman Sladek und Komponist Leonhard Kuhn auch ganz andere Saiten aufziehen und im klassischen Bigband-Stil Weihnachten feiern. „Das Weihnachtsprogramm war unser erstes Konzertprogramm überhaupt“, erklärt Sladek. „Nach unserer Gründung 2014 haben wir es jedes Jahr liebevoll weiterentwickelt. Es ist für uns in der Adventszeit der perfekte Ausgleich zu all den aufregenden Technoshows.“ Von Leonhard Kuhn vielschichtig orchestriert, breiten die 18 Musikerinnen und Musiker auf „Still! Still! Still!“ in Form der bekanntesten deutschen Weihnachtslieder das ganze Repertoire der Bigband-Geschichte aus, wobei sie den Ausrufezeichen im Albumtitel alle Ehre machen. Gleich zum Einstieg etwa, wenn „Leise rieselt der Schnee“ im Stile Count Basies mit extensivem Swing und extremer Dynamik überzogen wird, „Engel auf den Feldern singen“ wie von Herb Alpert beschleunigt daherkommt oder „Fröhliche Weihnacht überall“ im charakteristischen Kenton-Sound erklingt. „Was bei unserem Technoprogramm der Rhythmus ist, sind beim Weihnachtsprogramm die Melodien“, sagt Sladek. „Das Schöne an ‚Still! Still! Still!’ ist, dass jeder die Stücke kennt. So haben das Publikum und wir eine gemeinsame musikalische Basis, auf der wir Menschen für Jazz begeistern können, die sonst eher selten mit ihm in Berührung kommen“, - zugleich die perfekte Erklärung für das Phänomen Jazzrausch Bigband: Schon lange brodelt und arbeitet es in dieser Musik, die sich „Jazz“ nennt: Mehr denn je ist sie heute die Schublade für das, was sonst in keine Schublade passt. Konsequent und lustvoll reißt die Jazzrausch Bigband musikalische Grenzen ein und sorgt dafür, dass Musiker wie Publikum gleichermaßen riesigen Spaß haben können.

"Heiliger Bimbam, what a band! Wie die Jazzrausch Bigband durch grandios arrangierte, heimische Christmas-Klassiker swingt, ist ganz großes Kino. […] Keine Parodie, sondern ein fabelhaftes Geschenk, das jeden mitreißend in weihnachtlichen Jazzrausch versetz." – Fono Forum
„Weihnachtsmelodien im schmissigen Breitwand-Sound.“ – Chrismon
„Weihnachtslieder im Stil von Count Basie? Ja unbedingt! Was für eine Überraschung, was für ein Spaß! So haben Sie bekannten Weihnachtsweisen unter Garantie noch nie gehört.“ – Fidelity
„Überraschend erfrischend, überraschend klassisch, überraschend anders.“ – Forte
„Arrangements, die das gesamte Stilrepertoire der Jazz-Bigband ausschöpfen – von Count Basie und Duke Ellington bis Bert Kaempfert.“ – Image Hifi
„Ein humorvolles Rendenz-Vous ans ur-amerikanischer, schwarzer Tanzmusik und populären Volks- und Weihnachtsliedern.“ – MDR Kultur
„Verjazzte Weihnachtssongs, die zu viel Besinnlichkeit wegblasen.“ – Sächsische Zeitung
“Still! Still! Still! versetzt mitreißend in weihnachtlichen Jazzrausch.“ – Stereo
„Der perfekte Festtags-Soundtrack: Unkitschig swingend.“ – Zitty
„Ein Vergnügen!“ – Concerto
„Klanggewalt, Groove und enorme Bühnenpräsenz.“ – Frankfurter Allgemeine Zeitung
„Die Jazzrausch Bigband spielt grenzübergreifend vom Techno-Club bis zum Opernhaus und ist so eine integrative Kraft, die Menschen zusammen bringt und Neues erleben lässt.“ – Jazzthetik
„Die Jazzrausch Bigband polarisiert, begeistert, reist stilistische Mauern ein und eilt von Erfolg zu Erfolg." – Jazz thing
„Mit der Jazzrausch Bigband ist Jazz wieder sexy.“ – BR 2
„Die Jazzrausch Bigband widerlegt die Unkenrufe, der Jazz sei nur etwas für ergraute Räte. So wie hier, macht er Spaß und hat etwas sehr jugendlich Konkretes" – stereoplay
„Sie sind wild, sie sind innovativ und sie sind viele: Die Musiker der 'Jazzrausch Bigband' aus München - aktuell eine der erfolgreichsten Bigbands der Welt.“ – Bayrisches Fernsehen
„Eine feste Größe – nicht nur in München und Umgebung.“ – SWR 2
„Kein Jazzorchester klingt aktueller als die Jazzrausch Bigband.“ – Kulturnews
"Still! Still! Still“ demonstrates that Jazzrausch Bigband masters the basics of big band swing. Album of the week." – Le Monde (FR)

"Es hat viele Vorteile, wenn die sechs Musikanten, die eine Band starten, sich schon lange kennen und nicht etwa gecastet worden sind. Vor allen Dingen musiziert es sich einfach leichter gemeinsam. Man kennt den Sound der Kollegen, kann erahnen, welche Phrasierung der andere gleich wählen wird und hat sofort ein Gefühl dafür, wie man sich am besten in den Gesamtklang der Gruppe einfügen kann.
Wahrscheinlich war genau deshalb schon die erste Wirtshaustour der kurz zuvor gegründeten „Kapelle So&So“ im Jahr 2017 ein voller Erfolg: Ausverkaufte Gaststuben und begeisterte Zuhörer in Bayern wie in Österreich. Der erdige, energiegeladene Sound gepaart mit musikantischer Lässigkeit und messerscharfem Zusammenspiel war nichts weniger als eine Offenbarung. Das bei dieser Tour entstandene Live-Album ist jetzt schon Kult.
Der Großteil des Programms besteht aus Eigenkompositionen, doch auch ein paar geschickt arrangierte Klassiker fehlen nicht. Dabei kennt die Kapelle So&So keine Genregrenzen. Polka, Walzer, Marsch – eh klar – trifft da zum Beispiel auf Reggae, Anleihen aus der Wiener Klassik (!) und bayerischen Blechbläserchanson, den es so wohl noch nicht gegeben hat. Geblasen und gezupft wird laut und mit Emotion.


 

Wer druckt, zupft, blost...

Hansi Auer, Ziach
Wenn man den Nachnamen „Auer“ hört und man nur im entferntesten etwas mit alpenländischer Volksmusik zu tun hat, werden die zuständigen Synapsen im Gehirn einen 3-fachen Felgaufschwung mit Telemarklandung turnen. Als gelernter Instrumentenbauer für Tasten- und Knopfinstrumente, Musiklehrer für diatonische Harmonika, studierter Tontechniker und diesem Familiennamen sind wir uns sicher, dass er wesentlich erfolgreicher wäre, hätte er den Weg der Solokarriere eingeschlagen.
Aber das sagen wir ihm nicht...

Michi Graf, Gitarre
Was soll man über Vaddi sagen?
Der Nachname ist ja sehr aristokratisch, aber das war`s dann auch schon. Der Herr Graf selbst fällt eher in die Kategorie „Sollen sie doch Kuchen essen, wenn sie kein Brot mehr haben“. Die Symbiose aus Schickeria und Gigolo hat ähnlich viele Lebensunterhaltsmaßnahmen wie der Hansi, nämlich Wirt, Gondoliere, Gartenpfleger, Vespahändler, Skilehrer, Caterer und Rodellehrer, nur leider mit mäßigem Erfolg. Deshalb haben wir uns entschieden, den liebenswerten alten Mann in unserer coolen Gang aufzunehmen und ihm einen möglichst angenehmen Lebensabend zu bescheren.

Korbi Weber, Flügelhorn
Da wir den Pöbel schon abgearbeitet haben, kommen wir nun zur intellektuellen Elite unserer Truppe.
Prof. Prof. h. c. Dr. med. Dr. h. c. Dr. h. c. Dr. h. c. Dr. h. c. Dr. h. c. Weber hievt den Universitätsabschlussdurchschnitt (Anm. der Redaktion: wtf, was ist das für ein unglaublich langes Wort) vom Keller ins zweite Untergeschoss. Von ihm stammt der bekannte Satz: „Die maximalen Volumina subterraner Agrarprodukte stehen in reziprogem Relativum zur intellektuellen Kapazität ihrer Produzenten.“ 
Keine Ahnung was er genau damit meint, irgendwas mit Bauern und Kartoffeln oder so. 
Typisch Klerus, immer schön nach unten treten.

Wasti Höglauer, Flügelhorn
König Ludwig II. sagte einst über Wasti`s Geburtsort Anger, dass es wohl das schönste Dorf Bayerns sei. Es gibt zwei Möglichkeiten sich von der Richtigkeit dieses Satzes zu überzeugen: Entweder man googelt den Luftkurort im wunderschönen Berchtesgadener Land und bestaunt den seit 1882 komplett unveränderten Dorfplatz, oder man unternimmt einen Ausflug dort hin und befragt die wenigen verbliebenen Zeitzeugen selbst, die vor Ort graumeliert den Dorfanger schmücken. Ansonsten führt Wasti ein relativ tristes Leben im Keller seines Elternhauses, wo er hauptsächlich mit roter Birne hohe Trompetentöne übt. Aber fragen sie ihn selbst wenn sie ihn treffen, das mag er....

Manu Haitzmann, Basstrompete

Danke Kohl, Danke Schengen!
Euch haben wir ihn zu verdanken. Kaum wurde 1997 die Grenze vom strukturschwachen österreichischen Pinzgau ins gelobte Land Oberbayern geöffnet, schon hatten wir ihn an der Backe und jetzt kriegen wir ihn nicht mehr los. Aber mal im Vertrauen:
Der Manu is schon ein netter Kerl, so ist es nicht. Das Problem liegt eher bei uns. Da er spielt wie ein junger Gott und dabei noch aussieht, als hätten Kaiserin Sissi und Richard Lugner ein gemeinsames Tête-à-Tête in einer Besenkammer in der Wiener Hofburg gehabt, stellt er uns halt musikalisch und optisch dermaßen in den Schatten, dass man schon eher von einer Sonnenfinsternis sprechen muss.
Da Neid is a Sau!

Stefan Huber, Tuba
Wie sagt man so schön: Das Schlimmste kommt zum Schluss. Und damit meinen wir nicht nur das Instrument (Anm. der Redaktion: Ist das überhaupt eins?). Der Huaba kam zur Tuba wie alle jungen Musikanten, die die riesengroße Ehre haben, ein unhandliches Stück Etwas im Sommer bei 40 Grad Celsius, solierend vor einer leeren Ehrentribüne beim örtlichen Gaufest, 10km durch die Metropolen Bayerns zu schleppen:
Er war ein dickes, unbeliebtes Kind. Und jetzt?Nun ja, ein Kind ist er keins mehr..