Reinheit von bestechender Form

So muss es sich wohl anhören, wenn Engel im Himmel singen. Das Hilliard Ensemble bringt die zarte und helle Seite des sonst so finsteren Mittelalters zum Leuchten.
Das Hilliard Ensemble, das im vergangenen Jahr sein 30-jähriges Bestehen feierte, gilt heute als eines der weltbesten Vokalensembles. Die Formation hat sich auf die Musik vor 1600 spezialisiert, das Repertoire reicht jedoch bis hin zu Werken zeitgenössischer Komponisten, die zum Teil eigens Stücke für das Hilliard Ensemble geschrieben haben. Das Hilliard Ensemble war Gast aller bedeutenden Festivals und ist heute auf allen wichtigen Konzerträumen der Welt zu Gast. Das große Fanpublikum in Europa wird zunehmend erweitert durch regelmäßige Konzertreisen in Japan, den USA und Kanada.

45: CD-PRÄSENTATION samt live-konzert mit großer band und noch grösserem feeling

FM4-Hörer und Reggaefans aus heimischen Landen kennen die Tiroler Brüder spätestens seit ihrer Hitsingle „Irievibrations“, ihrem Debut - Album „Reggaestration“ und der im Herbst 2006 veröffentlichten EP „Niemals Aufgeben“. Reggae wurde von Iriepathie auch immer als wichtiger Dialekt der universellen Sprache Musik gesehen – egal, ob sie ihre Botschaften nun in Deutsch oder Englisch ausdrücken, teilweise auch innerhalb eines einzigen Songs. Wie bei keiner anderen Spielart des zeitgenössischem Pop-Geschehens sind die Vibes der Musik bei Reggae besonders wichtig, der spirituelle Zugang steht im Vordergrund und der Zuhörer begreift worum es geht, ohne die Texte zwingend Wort für Wort verstehen zu müssen – Reggae war immer schon International und – vielleicht noch stärker - Outernational. Grenzenlos und über die Idee von Nationen und Staaten erhaben, auch wenn das geographische Zentrum des Reggae sicher immer Jamaica sein wird, zumindest auf diesem Planeten …

HANG ON HIPPIE. feat ANDREAS TAUSCH & JOHANNES ENDERS

Hang On Hippie
Der Schweizer Pianist und Komponist Jean Paul Brodbeck kennt kaum musikalische Grenzen: Er spielte Rap genau so wie Klezmer, Jazz-Rock genau so wie Filmmusik oder Jazz als Solist oder im Wolfgang Muthspiel Qzartet. Seine Musik ist umspannt von lyrischen Momenten, die durch den spielerischen Rhythmus und die sublime Schönheit von Brodbecks Spiel ihre Besonderheit findet. "Brodbecks Kompositionen gefallen ungemein, seine solistischen  Beiträge glänzen mit herausragender Qualität".
Nach erfolgreichen und inspirierenden Jahren im Jazz besinnt er sich seiner Funk und Hip-Hop Wurzeln, holt sich zu seinem Background Monk & Tschaikovsky den Saxophonisten JOHANNES ENDERS und den Gitarristen ANDI TAUSCH ins Boot.
Zu horen: Eine Band bereit zum Aufbruch.
HANG ON HIPPIE
Jean Paul Brodbeck - piano
Johannes Enders - saxophon
Andreas Tausch - guitar
Wolfgang Zwiauer - bass
Christian Niederer - drums

& ALPINE ASPECTS eines Kärntner Kosmopoliten.

Wolfgang Puschnig „Alpine Aspects“
Wolfgang Puschnig - sax, flute
Linda Sharrock - vocals
Herbert Joos - trmp, flugelhorn
Jamaaladeen Tacuma - bass
Reinhardt Winkler - drums
+ Amstettner Musikanten unter der Leitung von Robert Pussecker
Es gibt kaum Musiker, die sich um den österreichischen Jazz so verdient gemacht haben wie der Flötist und Saxofonist Wolfgang Puschnig. Der Ehrendoktor der Alpen-Adria-Universität Klagenfurth war Gründungsmitglied des Vienna Art Orchestra, untermalte Lesungen des Lyrikers Ernst Jandl, holte mit den Pat Brothers den Punk Jazz nach Wien, arbeitete mit der koreanischen Trommel-Gruppe Samul Nori zusammen und erschloss sich mit Geiger Mark Feldman transatlantischen Chamber Jazz.
Sein 1991 gegründetes Projekt Alpine Aspects mit Weggefährten wie Bassist Jamaaladeen Tacuma und Trompeter Herbert Joos sowie der Blaskapelle Amstettner Musikanten war in Österreich eine Initialzündung für den Rückgriff des Jazz auf die Alpenfolklore. Wie in New Orleans, so ist auch in den Alpen die archaischste Musik meist die lebendigste!

CÆCILIE NORBY & LARS DANIELSSON  - Just The Two Of us - Das Traumpaar des Jazz 
Der Bass führt die Melodie ein, so zart, träumerisch und nachklingend, wie das nur ein Lars Danielsson aus dem sonst so schweren Tieftöner zu zaubern vermag. Dann singt Cæcilie Norby „Both Sides Now“, Joni Mitchells Ballade für die Ewigkeit, auf ihre unwiderstehlich-sinnliche, bluesgetränkte und einnehmende Art. Vom ersten Ton an entführen Norby und Danielsson auf „Just The Two Of Us“ den Hörer in ihren persönlichen Musikkosmos, der niemanden kalt lassen kann. Privat sind sie seit langem ein Paar, aber musikalisch gingen beide lange getrennte Wege: Cæcilie Norby schaffte in den Achtzigern als herausragende dänische Funk- und Jazzsängerin lange vor anderen skandinavischen Kolleginnen den Brückenschlag nach Amerika und wurde die erste europäische Künstlerin beim legendären US-Label Blue Note, für das sie mit Weltstars wie Mike Stern oder Chick Corea zusammenarbeitete. Der Schwede Lars Danielsson kann ebenfalls auf eine lange internationale Karriere an der Seite von Größen wie Charles Lloyd oder den Brecker Brothers verweisen. Vor allem aber als langjähriges Mitglied der ACT-Familie reifte er mit eigenen Projekten, als gefragter Sideman und auch Produzent zu einer der wichtigsten Stimmen im europäischen Jazz. Erst kürzlich wurde er mit dem ECHO Jazz 2015 als bester Bassist international ausgezeichnet. 

Presented & Produced by QUINCY JONES: Der 17-jährige slowakische Gypsy-Gitarrist Andreas Varady

Um es  auf den Punkt zu bringen. Man muss NICHT als Wunderkind gehandelt werden oder als Support vor Superstar George Benson oder mit Quincy Jones gespielt haben, um im Treibhaus  auftreten zu können/dürfen.  Überhaupt nicht.  Aber es ist, auch nicht besonders hinderlich.
Zum Beispiel für den 17järigen Gipsy-Gitarusten Andreas Varady. Den keinen geringerer als Qincy Jones begeistert hat, der ihn seitdem unter seine Fittoche genommen hat. Mit Recht:  Man hört hin, und denkt an eine Mischung aus Django Reinhardt, Wes Montgomery und George Benson. Man sieht hin, und hat einen siebzehnjährigen Teenager mit Turnschuhen und schüchternem Lächeln vor Augen. Andreas Varady zeigt technische Brillanz, lässt die Läufe perlen, spielt rhythmisch elegant, musikalisch eloquent wie seine Vorbilder.

In "bisjetzt" blickt der Dorfer zurück, nicht nur auf die eigene Biographie, nach dem Motto „Meine besten Jahre“, das wäre nicht abendfüllend. Zeitgeschichte passiert Revue, Vergessenes, Verdrängtes, Erinnerliches, aber auch Neues. Ein Mix aus seinem reichhaltigen Schaffen, jeder Abend unvergleichlich, stets in etwas anderer Zusammenstellung.
Er kombiniert, kontrastiert, collagiert Ausschnitte und Bruchstücke aus seinen Anfängen in der Kabarettgruppe Schlabarett, seinen Koproduktionen mit Josef Hader ("Freizeitmesse", "Indien") bis zum preisgekrönten "fremd". "bisjetzt" ist deshalb kein handelsübliches Best of, sondern, wie bei Dorfer üblich, ein eigenständiges Stück. Es ist die zielstrebige Spurensuche eines leidenschaftlichen Vordenkers und Nachfragers, eines engagierten Wurzelbehandlers und Fassadenabklopfers, eines geistreichen Gesellschafts-Satirikers und scharfsinnigen Polit-Kabarettisten. Kurz: eine Werkschau Dorfers, über den die Süddeutsche Zeitung schrieb: „Er ist der vielfältigst Begabteste unter seinen deutschsprachigen Kollegen“.

Eine Sirene. Wer sie hört, ist verloren

"Rebekka ist eine ungewöhnliche Künstlerin" schwärmt Wolfgang Muthspiel. Der Tages-Anzeiger formuliert es zielbewusster und aussagekräftiger: "Sie hat eine schöne, außergewöhnlich reine, modulationsfähige Stimme, die man schnell zu kennen glaubt und die dann doch immer wieder andere, neue Facetten zeigt: wenn sie plötzlich warm wird, wenn die jungmädchenhafte Naivität sich als doppelter Boden erweist, wenn sie schnell einmal ein bisschen wie eine Rockröhre loslegt."
“Das Sinnlichste, was weiblicher Jazz zu bieten hat” schrieb PRINZ, und die Welt erkannte “die Aura hat einen Namen: Rebekka Bakken”. Der Konzertkritiker der FAZ schwärmte von der “bis unter die Haarspitzen erotischen Frau” als “Schöne der Nacht und größte Entdeckung”, und nicht zuletzt in der Süddeutschen Zeitung war zu lesen: “Dass einem Rebekka Bakkens Stimme die Sprache verschlägt, hat sich herumgesprochen”.

ein brodelnder Mix aus Flamenco, Tango, Klezmer, arabischen Einflüssen und dezenten Rockanleihen.

ie Unberechenbarkeit: der Multi-Kultur
Ihr erstes Konzert gab die Band auf dem Cannabis Festival von London. Weitere Drogen wurden dabei sicher nicht benötigt: Das Rauschhafte liefert hier bereits die Musik. Der Auftritt im Jahr 2002 war der Beginn dieser englisch-spanischen Kooperation um Bandsängerin Monte Malafox.
Ein äußerst spannender Mix aus Flamenco, Klezmer, Tangoanklängen, arabischen Einflüssen und schrägen E-Gitarren, unterlegt mit prägnanter und zwingender Rhythmik. Die Beschreibung hört sich verrückt an – die Musik auch, aber sie ist ausgezeichnet. Die Melodien sind melodisch und dennoch immer leicht schräg, die Kompositionen sind sehr dicht. Manchmal wirkt die Musik etwas verhalten, beinahe scheu, dann wieder ist sie temperamentvoll, nach vorne treibend und energiegeladen. Die Stimmungen reichen von süßlich versponnen bis dunkel und verstörend. Den inneren Zusammenhalt gibt eine mal ausgeprägte mal unterschwellige hypnotische Qualität. Fürwahr keine Alltagskost.

MANU DELAGO: SILVER KOBALT

Bei Musikgrößen wie Björk, Anoushka Shankar und Cinematic Orchestra ist Manu Delago essentieller Bestandteil der Band. Jetzt präsentiert der Tiroler Musiker und Komponist sein neues Album Silver Kobalt, auf dem seine unbändige Schaffenskraft das nächste Level erreicht. Der „Master Hang Drummer“ bietet auf der bevorstehenden Europa-Tour ein famoses Wechselspiel von experimentellem Pop, detailverliebter Elektronik und verrockter Kammermusik. 

LINE UP:

Manu Delago - Hang & Electronics

Isa Kurz - Gesang, Klavier & Geige

Christof Dienz - Fagott & Synths

Chris Norz - Beats & Percussion

"Spiele keine Note zuviel" - das ist das selbstgewählte, künstlerische Motto von Ketil Bjornstad. Und das spätestens seit Mitte der 90er Jahre zum vielbeachteten Markenzeichen dieses Homme des Lettres ist. Denn der 1952 in Oslo geborene Bjornstad ist nicht nur Pianist, Komponist und Improvisator. sondern Norwegens großer Schriftsteller und Erzäler, bisweilen sogar Bestsellerautor.
Tiefgehend strahlt sein Pianospiel - gleichsam vor Ruhe, läßt abheben und auf Klangwolken taumeln, seine Aufnahmen mit Dave Darling (cello) sind Kult. Der norwegische Grenzgänger Ketil Björnstad verwebt kunstvoll Jazz- und Folklore-Elemente, akustische Instrumente mit elektronischen Sounds. Tiefgehend strahlen die Songs gleichsam vor Ruhe, vermitteln das Gefühl von Entspannung und Meditation, lassen die Zuhörer abheben und auf Klangwolken taumeln.
Ketil Bjørnstad zählt zu den bedeutendsten Pianisten Norwegens. Sein melodiöses Spiel fußt ebenso auf Elementen der europäischen Konzertmusik wie auf einem großen, durch den Jazz inspirierten, Improvisationsvermögen. Seine Kompositionen wurden u. a. in Filmen von Jean-Luc Goddard oder Ken Loach verwendet. Obwohl man Ketil Bjørnstad allgemein dem Jazz zurechnet - er selbst sieht dies durchaus nicht so eindeutig - liegen seine Wurzeln doch in der Klassik, immerhin debütierte er 1969 mit Bartóks drittem Klavierkonzert beim Osloer Philharmonischen Orchester. Einige Zeit sah es so aus, als wenn Ketil Bjørnstad bei dieser Musik bleiben würde, wäre da nicht die in jenen Jahren pulsierende Jazz-Szene Oslos gewesen. Der ihm neue, spielerische Ansatz der Jazzmusiker brachten den damals achtzehnjährigen Musiker von dieser vorgezeichneten Bahn ab. Ab diesem Moment sei ihm klar geworden, was er wirklich wolle, sagt er: die eigene Musik schreiben und spielen. 
Einem noch größeren Publikum ist Ketil Bjørnstad darüber hinaus als Schriftsteller bekannt. Seine Novelle „Vindings Spiel“ war auch in Deutschland in den Bestsellerlisten an vorderster Stelle vertreten. In seinem Heimatland ist Bjørnstad Kult. In Deutschland ist er, obwohl hier nur ein Bruchteil seiner mehr als zwanzig Werke übersetzt ist, immerhin der wohl bekannteste norwegische Autor. Und möglicherweise gibt es niemanden sonst, der in Büchern und Romanbiografien die Seele Norwegens so spiegelt wie Ketil Bjørnstad.

die wohl beste Beerdigungskapelle der Welt:  Dead Music For Dead People

in den Songs wird instrumental geächzt und gestöhnt. Das machen die toten Brüder so stimmig, dass es eine wahre Freude Das ist zwar ein Widerspruch aber trotzdem wahr.
The Dead Brothers haben nichts zu verlieren, sie befinden sich bereits an dem Point Of No Return, an der Schwelle zum Nichts und spielen frei auf. Dafür brauchen sie nicht viel. Ein Kompendium von akustischen Instrumenten, zu einer Art traditioneller Marching Band geformt, zelebriert den Blues, durchzogen von knarzendem Folk und Schlagerverständnis des jüngeren 20. Jahrhunderts. Die Blechbläser verstaubt bis zum Schluss, die Schlagzeugfelle zuletzt in den Sezessionskriegen gewechselt, taumeln sie im Rhythmus der Tuba dem Sensenmann hinterher

Komponist und  Posaunist und Pianist: Dirigent. & Klanginschennieur.
Im Anfang war das Wort - diese lapidare Botschaft aus dem Evangelium nach Johannes wird von Ernst Jandl schon im ersten Wort seines Zitats voll lautmalerischem Hintersinn in Frage gestellt. Die biblische Verkündigung mündet in der totalen Laut- und Wortverdrehung. Und so bekommt Christian Muthspiels vielstimmiges Jandl-Solo „für und mit ernst" eine weitere Bedeutung, weil dieses Solo, das ja doch ein Muthspiel-Solo ist, auch „aus Ernst" besteht und zugleich wider den tierischen Ernst ansingt und „voll Ernst" Jandls „Donner der Sprache" in luziden Klang verwandelt.

Muthspiels Musizieren, Singen und Sprechen ist immer spontan, es ist eine hellwache Improvisation um einen Fixpunkt: um Ernst Jandl. 
Die Musik öffnet und schärft das Ohr für das Wort. Das Wort wiederum erweckt die Musik. Wort und Musik sind kein Gegensatz. Für den, der Hören kann, gibt es keine Rangfolge, denn Jandls Stimme ist ja selbst Instrument; ein Instrument sui generis, auf das durchaus die Zeilen eines Jandl-Gedichts zutreffen:
Christian Muthspiel hat Jandls „Geige" mit traumwandlerischer Leichtigkeit ergriffen und musiziert damit auf ideale Weise. In diesem Musizieren bewahrheitet sich, voll Anmut und Witz, was Ernst Jandl (1925 - 2000) in einem seiner „Letzten Gedichte", die erst nach seinem Tod veröffentlicht worden sind, schreibt:
die ohren sehen wie augen hören
die augen hören wie ohren sehen

die shooting stars aus london: eine Indie-Band, die „Post-Jazz“ spielt & an radiohead & cinematic orchestra erinnert.

Genau an dem Punkt, an dem man denkt, alles über Musik zu wissen, setzt eine Gruppe wie das Portico Quartet alle bekannten Parameter außer Kraft. Das Londoner Formation mischt Minimal Music, Jazz und Pop zu einem einzigartigen Sound. Erzeugt werden die unerhörten Klänge mit Saxofon, Bass, Schlagzeug und dem Hang - einem faszinierenden Schweizer Schlaginstrument, das wie ein außerirdisches Flugobjekt aussieht und das mit Manu Delago auch bei uns seinen Meister hat.
"Wir sind nirgendwo in der musikalischen Welt verortet, sondern machen einfach Musik. Am einen Tag fühlen wir uns der Jazzwelt verbunden, am nächsten sind wir eine Rockband, dann wieder eine Ambient-Combo. Ich mag das, denn es befreit." Außerdem weist es in eine Zukunft, die Entdeckungen verheißt. Hang sei Dank!

Eine bildhübsche Schwedin ist die neue Muse  der französischen Jazzszene.

Eine bildhübsche Schwedin ist derzeit die Muse der französischen Jazzszene.
Ihr Debüt-Album "A Fraction Of You"  ist gleich nach Veröffentlichung der französischen Charts knapp hinter Norah Jones auf Position zwei eingestiegen! Fredrika Stahl ist Komponistin, Texterin und Interpretin in Personalunion. Obwohl erst 21jährig, erstaunt sie durch die Reife ihrer Persönlichkeit. Die Grenzen zwischen den Musikgenres ignoriert sie. Stattdessen pflegt sie ihren ganz eigenen, unverwechselbaren Personalstil, irgendwo zwischen Pop und Jazz. Und das mit Erfolg: Die Festival-Organisatoren stehen Schlange.

SOUL mit einer gehörigen Portion FUNK - wie in alten MOTOWN ZEITEN. wem das spanisch vorkommt: Bandwohnsitz ist Madrid.

Auf der Bühne benehmen wir uns wie Vandalen, unser Sound ist roh und 'vandalisch'. Aber das Wesentliche unserer Musik ist voller Süße." Die süßen Melodien des Souls und die kraftvollen, wilden Grooves und Arrangements des Funks - das sind die Essenzen des Sounds der Sweet Vandals.
Spätestens seit Amy Winehouse haben auch die letzten kapiert, welches Pop-Potential in den diversen Spielarten des Funk und Soul steckt. Gerade für Sängerinnen bieten diese Grooves eine ideale Fläche, auf die sie ihre Stimmen projizieren können. Vandals Sängerin Mayka Edjo ist immer präsent: sie schreit, sie schwelgt und sie spielt mit ihrer Band. Diese unheimlich dichte Interaktion zwischen Sängerin und Band hebt die Sweet Vandals deutlich vom glatt produzierten Neo-Soul unsere Tage ab, der nicht selten nach Karaoke klingt. Die Vandals leben dieses musikalische Gefühl gemeinsam. Zusammen rasen sie mit einer solchen Kraft Back to Black, dass so manche selbsternannte Souldiva nur noch eine Staubwolke sehen dürften.

SOUL mit einer gehörigen Portion FUNK - wie in alten MOTOWN ZEITEN. wem das spanisch vorkommt: Bandwohnsitz ist Madrid.

Auf der Bühne benehmen wir uns wie Vandalen, unser Sound ist roh und 'vandalisch'. Aber das Wesentliche unserer Musik ist voller Süße." Die süßen Melodien des Souls und die kraftvollen, wilden Grooves und Arrangements des Funks - das sind die Essenzen des Sounds der Sweet Vandals.
Spätestens seit Amy Winehouse haben auch die letzten kapiert, welches Pop-Potential in den diversen Spielarten des Funk und Soul steckt. Gerade für Sängerinnen bieten diese Grooves eine ideale Fläche, auf die sie ihre Stimmen projizieren können. Vandals Sängerin Mayka Edjo ist immer präsent: sie schreit, sie schwelgt und sie spielt mit ihrer Band. Diese unheimlich dichte Interaktion zwischen Sängerin und Band hebt die Sweet Vandals deutlich vom glatt produzierten Neo-Soul unsere Tage ab, der nicht selten nach Karaoke klingt. Die Vandals leben dieses musikalische Gefühl gemeinsam. Zusammen rasen sie mit einer solchen Kraft Back to Black, dass so manche selbsternannte Souldiva nur noch eine Staubwolke sehen dürften.

Aline Frazão ist aus Angola,  singt auf portugiesisch die Musik der afrikanischen Diaspora - von Angola bis Brasilien und Kuba

Lusafrica: Aline Frazão singt portugiesisch und spürt grandios den afrikanischen Traditionen von Brasilien bis Kuba höchst spannend nach. Sie taucht ein in die vielfältige Welt der lusophonen Musik der portugiesisch-sprachigen Länder und vereint Volksmusik von Angola mit brasilianischer und portugiesischer Folklore.
»Die Dinge verändern sich schnell in meiner Heimat Luanda. Für jeden Künstler ist diese Stadt ein faszinierender Ort, voller Kontraste und unglaublich stimulierend.«

Selig die Gehörnten: BlazzMusik, die trunken macht - the show must blow on. featuring ANDREAS GILGENBERG

Der „Durchschnittshörer“ -  so es ihn denn überhaupt gibt - hat dabei ebensoviel Spaß wie Jazz-Kenner, Freunde der Kammermusik oder jene, die es lieben, wenn es groovt. Die große Faszination der Talking Horns liegt neben ihrem Spielwitz vor allem in ihrem fantasievollen musikalischen Mikrokosmos: Messerscharfe Bläsersätze wechseln mit lyrischen Passagen, und gelegentlich reflektiert der musikalische Horizont auch avantgardistische Kammermusik.
Die sprechenden Hörner erzählen mit ihren Instrumenten höchst unterhaltsame Geschichten aus Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Kopf und Bauch werden gleichermaßen bedient: Für Puristen und Schubladen-Denker unerhört!
Ihr Repertoire wächst stetig, wie auch die Gemeinde der Freunde akustischer Kunst. Es gelingt ihnen das außergewöhnliche Erlebnis, musikalische Tiefe ohne Verstärker, Videoclips und andere Effekte in guter akustischer Umgebung zu erzielen. So ist auch das Interesse der Talking Horns zu erklären, Räume aufzuspüren, die sich dafür eignen - schon manches Museum, Industriegebäude oder Burggemäuer wurde auf diese Art und Weise zum Konzertsaal.
Statt durch die Blume sprechen die vier Männer mit ihren Blech- und Holzinstrumenten sozusagen „durchs Horn“. Sämtliche Facetten schlichter, manchmal geradezu idyllischer Themen erhalten fast  kammermusikalischen Charakter. Manchmal ist die Musik auch sehr rhythmisch, bleiben aber immer für den normalen Hörer verständlich und nachvollziehbar - und fast immer setzt sie sich als Ohrwurm fest.

"Spiele keine Note zuviel" - das ist das selbstgewählte, künstlerische Motto von Ketil Bjornstad. Und das spätestens seit Mitte der 90er Jahre zum vielbeachteten Markenzeichen dieses Homme des Lettres ist. Denn der 1952 in Oslo geborene Bjornstad ist nicht nur Pianist, Komponist und Improvisator. sondern Norwegens großer Schriftsteller und Erzäler, bisweilen sogar Bestsellerautor.
Tiefgehend strahlt sein Pianospiel - gleichsam vor Ruhe, läßt abheben und auf Klangwolken taumeln, seine Aufnahmen mit Dave Darling (cello) sind Kult. Der norwegische Grenzgänger Ketil Björnstad verwebt kunstvoll Jazz- und Folklore-Elemente, akustische Instrumente mit elektronischen Sounds. Tiefgehend strahlen die Songs gleichsam vor Ruhe, vermitteln das Gefühl von Entspannung und Meditation, lassen die Zuhörer abheben und auf Klangwolken taumeln.
Ketil Bjørnstad zählt zu den bedeutendsten Pianisten Norwegens. Sein melodiöses Spiel fußt ebenso auf Elementen der europäischen Konzertmusik wie auf einem großen, durch den Jazz inspirierten, Improvisationsvermögen. Seine Kompositionen wurden u. a. in Filmen von Jean-Luc Goddard oder Ken Loach verwendet. Obwohl man Ketil Bjørnstad allgemein dem Jazz zurechnet - er selbst sieht dies durchaus nicht so eindeutig - liegen seine Wurzeln doch in der Klassik, immerhin debütierte er 1969 mit Bartóks drittem Klavierkonzert beim Osloer Philharmonischen Orchester. Einige Zeit sah es so aus, als wenn Ketil Bjørnstad bei dieser Musik bleiben würde, wäre da nicht die in jenen Jahren pulsierende Jazz-Szene Oslos gewesen. Der ihm neue, spielerische Ansatz der Jazzmusiker brachten den damals achtzehnjährigen Musiker von dieser vorgezeichneten Bahn ab. Ab diesem Moment sei ihm klar geworden, was er wirklich wolle, sagt er: die eigene Musik schreiben und spielen. 
Einem noch größeren Publikum ist Ketil Bjørnstad darüber hinaus als Schriftsteller bekannt. Seine Novelle „Vindings Spiel“ war auch in Deutschland in den Bestsellerlisten an vorderster Stelle vertreten. In seinem Heimatland ist Bjørnstad Kult. In Deutschland ist er, obwohl hier nur ein Bruchteil seiner mehr als zwanzig Werke übersetzt ist, immerhin der wohl bekannteste norwegische Autor. Und möglicherweise gibt es niemanden sonst, der in Büchern und Romanbiografien die Seele Norwegens so spiegelt wie Ketil Bjørnstad.