Reinheit von bestechender Form

So muss es sich wohl anhören, wenn Engel im Himmel singen. Das Hilliard Ensemble bringt die zarte und helle Seite des sonst so finsteren Mittelalters zum Leuchten.
Das Hilliard Ensemble, das im vergangenen Jahr sein 30-jähriges Bestehen feierte, gilt heute als eines der weltbesten Vokalensembles. Die Formation hat sich auf die Musik vor 1600 spezialisiert, das Repertoire reicht jedoch bis hin zu Werken zeitgenössischer Komponisten, die zum Teil eigens Stücke für das Hilliard Ensemble geschrieben haben. Das Hilliard Ensemble war Gast aller bedeutenden Festivals und ist heute auf allen wichtigen Konzerträumen der Welt zu Gast. Das große Fanpublikum in Europa wird zunehmend erweitert durch regelmäßige Konzertreisen in Japan, den USA und Kanada.

Presented & Produced by QUINCY JONES: Der 17-jährige slowakische Gypsy-Gitarrist Andreas Varady

Um es  auf den Punkt zu bringen. Man muss NICHT als Wunderkind gehandelt werden oder als Support vor Superstar George Benson oder mit Quincy Jones gespielt haben, um im Treibhaus  auftreten zu können/dürfen.  Überhaupt nicht.  Aber es ist, auch nicht besonders hinderlich.
Zum Beispiel für den 17järigen Gipsy-Gitarusten Andreas Varady. Den keinen geringerer als Qincy Jones begeistert hat, der ihn seitdem unter seine Fittoche genommen hat. Mit Recht:  Man hört hin, und denkt an eine Mischung aus Django Reinhardt, Wes Montgomery und George Benson. Man sieht hin, und hat einen siebzehnjährigen Teenager mit Turnschuhen und schüchternem Lächeln vor Augen. Andreas Varady zeigt technische Brillanz, lässt die Läufe perlen, spielt rhythmisch elegant, musikalisch eloquent wie seine Vorbilder.

"Spiele keine Note zuviel" - das ist das selbstgewählte, künstlerische Motto von Ketil Bjornstad. Und das spätestens seit Mitte der 90er Jahre zum vielbeachteten Markenzeichen dieses Homme des Lettres ist. Denn der 1952 in Oslo geborene Bjornstad ist nicht nur Pianist, Komponist und Improvisator. sondern Norwegens großer Schriftsteller und Erzäler, bisweilen sogar Bestsellerautor.
Tiefgehend strahlt sein Pianospiel - gleichsam vor Ruhe, läßt abheben und auf Klangwolken taumeln, seine Aufnahmen mit Dave Darling (cello) sind Kult. Der norwegische Grenzgänger Ketil Björnstad verwebt kunstvoll Jazz- und Folklore-Elemente, akustische Instrumente mit elektronischen Sounds. Tiefgehend strahlen die Songs gleichsam vor Ruhe, vermitteln das Gefühl von Entspannung und Meditation, lassen die Zuhörer abheben und auf Klangwolken taumeln.
Ketil Bjørnstad zählt zu den bedeutendsten Pianisten Norwegens. Sein melodiöses Spiel fußt ebenso auf Elementen der europäischen Konzertmusik wie auf einem großen, durch den Jazz inspirierten, Improvisationsvermögen. Seine Kompositionen wurden u. a. in Filmen von Jean-Luc Goddard oder Ken Loach verwendet. Obwohl man Ketil Bjørnstad allgemein dem Jazz zurechnet - er selbst sieht dies durchaus nicht so eindeutig - liegen seine Wurzeln doch in der Klassik, immerhin debütierte er 1969 mit Bartóks drittem Klavierkonzert beim Osloer Philharmonischen Orchester. Einige Zeit sah es so aus, als wenn Ketil Bjørnstad bei dieser Musik bleiben würde, wäre da nicht die in jenen Jahren pulsierende Jazz-Szene Oslos gewesen. Der ihm neue, spielerische Ansatz der Jazzmusiker brachten den damals achtzehnjährigen Musiker von dieser vorgezeichneten Bahn ab. Ab diesem Moment sei ihm klar geworden, was er wirklich wolle, sagt er: die eigene Musik schreiben und spielen. 
Einem noch größeren Publikum ist Ketil Bjørnstad darüber hinaus als Schriftsteller bekannt. Seine Novelle „Vindings Spiel“ war auch in Deutschland in den Bestsellerlisten an vorderster Stelle vertreten. In seinem Heimatland ist Bjørnstad Kult. In Deutschland ist er, obwohl hier nur ein Bruchteil seiner mehr als zwanzig Werke übersetzt ist, immerhin der wohl bekannteste norwegische Autor. Und möglicherweise gibt es niemanden sonst, der in Büchern und Romanbiografien die Seele Norwegens so spiegelt wie Ketil Bjørnstad.

der charmanteste Tupfer der neuen deutschen Innerlichkeit in der Musik

Davon will man mehr, ständig auf Repeat“. Kritiker und Fans sprechen begeistert von den vergangenen Konzerten: „Zum niedersinken schön“ schwärmt die Frankfurter Neue Presse, „Umwerfend“ bringt es die Leipziger Volkszeitung auf den Punkt. „Das ist eine Stimme, in deren poetischer Intensität man sich verlieren kann. Ein ganz und gar hinreißendes Konzert“ (Weser-Kurier), „Alin Coen ist vielleicht der charmanteste Tupfer der neuen deutschen Innerlichkeit in der Musik“ (Badische Zeitung)

Bobby Previte zählt nicht nur zu den weltweit besten Schlagzeugern.  New Groovy Jazz aus New York.

Bei diesem Drumgewitter wird der Körper geschüttelt. Bobby Previte nimmt keine Rücksicht, er trommelt den Sturm herbei. Knallige Staccato-Riffs  zünden wie Stromstösse.......
BOBBY PREVITE & THE NEW BUMP
ELLERY ESKELIN/sax
BILL WARE/vibes
BRAD JONES/b
Previte strips down the core beats of jazz, rock and pop to their bare essentials and recasts them into an elliptic, adrenaline-fuelled soundtrack for a decidedly bohemian club culture

DRUM_WAVE

Der Grammy-dekorierte Megadrummer WILL CALHOUN von Living Colour kommt mit einem sensationellen Solo-Programm:DRUMWAVE.Hierbei handelt es sich nicht um eine der üblichen Drum-Solo-Shows,sondern um ein komplettes,
tanzbares Stück Schlagzeugarbeit die die Elemente Drum&Bass,Jungle,Ambient und Hard Rock auf unfaßbare Weise miteinander vereint.CALHOUN  ist weltweit wohl der einzige Drummer,der sich der Genres aus der Electronic-und DJ-Scene nicht nur bedient,sondern längst dort angekommen ist,Teil dessen ist und sie beeinflußt.Von der schockierend in die Beine gehenden Komplexität seines Spiels ganz zu schweigen.Bei den letzten Shows haben die DJ`s,die danach auflegen sollten,sich gar nicht mehr an ihre Plattenteller getraut,so begeistert waren sie von dieser Performance. ein HIGHLIGHT!

TrovesiOttetto: FUGACE. Der geniale Spagat zwischen Monteverdi und Armstrong

Den Namen Trovesi muss man wohl vom italienischen Verb "trovare" - entdecken, (er)finden - ableiten, vom gleichen Wortstamm wie Trouvère und Troubadour. Gianluigi Trovesi ist einer der (er)findungsreichsten Musiker der Gegenwart. Die Kombination seiner Fundstücke überrascht stets aufs Neue und offenbart einen wahrhaft universellen Geist, dem nichts Musikalisches fremd zu sein scheint.
Seit Gianluigi Trovesi vor rund zehn Jahren sein Oktett gründete, hat sich dieses Ensemble - neben dem gefeierten Duo mit Gianni Coscia, dessen Album "In Cerca Di Cibo" 1999/2000 einer der größten ECM-Erfolge war - zu der Formation entwickelt, in der der italienische Klarinettist und Saxophonist seine Fähigkeiten als Komponist und Arrangeur sowie seine Brillanz als Instrumentalist am besten zur Geltung bringen kann. Das Oktett, das nun mit "Fugace" sein erstes Album für ECM einspielte, hat einiges - etwa den Spielwitz und den gewagten Sinn fürs Parodistische - mit dem Duo gemein, verfügt dank der größeren Besetzung aber über eine breitere Ausdruckspalette.

Harri Stojka’s schöpferischer Vielfalt ist es zu danken, dass weder seine eigenen Kompositionen, noch Interpretationen fremder Werke jemals bieder „more of the same“ bieten, sondern stets aufregend-gekonnte Kreationen mit Einflüssen aus Gipsy Jazz, Roma Musik, Reggae, Rock und sogar Metal entstehen.
Im aktuellen Fall ergänzt Stojkas famose Fingerarbeit an der Solo-Gitarre, was die „Fab Four“ zu ihrer Zeit gebaren. Musik und Spielstile blieben indes unangetastet – Bässe klingen, wie sie McCartney spielte, Drums „absolutely“ Ringo Starr, Rhythmus-Gitarren Lennon pur. Eine Hommage – vor allem an George Harrison – die echt empfundene Freude über großartige Musik unüberhörbar macht (sehr passend hier der Titel „I Feel Fine“!). Mag sein, dass sich viele Top-Musiker an Beatles-Songs versuchten, dabei allerdings wenig Großes zu Tage trat. Auf Stojkas CD jedoch geriet jeder der 17 Titel zum persönlichen Kunstwerk, das neu für sich alleine glänzt und sich doch zeitgleich würdevoll vor seinen Ursprüngen verneigt.
Ein „Tribute“, das beweist, dass man auch ohne „Lucy“ Diamanten in den Himmel zaubern (und himmlisch klingen lassen) kann.

Seine Stimme ist tiefstes Delta und sein Blues-Feeling entspringt seiner Lebensweise - authentisch bis ins Mark.

Little Axe bringen dir Trostmusik, Blues, ohne denselben nach dem tausendmal gehörten Schema zu spielen, ohne die alten Tricks an den Haaren herbeizuzerren, die im Laufe der Zeit mit dieser Musik in Verbindung geraten sind und die zu ewigem sich-im-Kreise-drehen führen. Es geht ihnen darum, eine Atmosphäre zu schaffen, die vor vierzig oder fünfzig Jahren mit anderen Mitteln schon einmal geschaffen worden ist und die heute immer noch ihre Berechtigung hat.
Skip McDonald, ist das nicht der Gitarrist, der auf einigen der erfolgreichsten Rap-Platten zu hören ist, etwa 'Rappers Delight' der Sugarhill Gang oder 'The Message' von Grandmaster Flash? Richtig! Und als Tackhead entwickelte er mit Adrian Sherwood den klassischen On-U-Sound. Als Little Axe zeigt er eindrücklich, wie der Blues heutzutage klingen sollte: rau, hart, mysteriös, entspannt, magisch, daneben hat es viel Platz für Ambient und Dub: ein sensationellerMeister des neuen Nu-Blues.

MANU DELAGO: SILVER KOBALT

Bei Musikgrößen wie Björk, Anoushka Shankar und Cinematic Orchestra ist Manu Delago essentieller Bestandteil der Band. Jetzt präsentiert der Tiroler Musiker und Komponist sein neues Album Silver Kobalt, auf dem seine unbändige Schaffenskraft das nächste Level erreicht. Der „Master Hang Drummer“ bietet auf der bevorstehenden Europa-Tour ein famoses Wechselspiel von experimentellem Pop, detailverliebter Elektronik und verrockter Kammermusik. 

LINE UP:

Manu Delago - Hang & Electronics

Isa Kurz - Gesang, Klavier & Geige

Christof Dienz - Fagott & Synths

Chris Norz - Beats & Percussion

Musiktheater in neuem Gewand / Anleitung zur Selbstbefreiung

vor ungefaehr fuenf jahren formierte sich unsere formation die_freakshow.
abseits des herkoemmlichen konzertbetriebes, in seiner form und in seinem ablauf, motiviert, durch die ungewoehnliche besetzung, die selbstgeschriebene musik und dem drang sich einmal voellig anders ausdruecken  fanden wir zueinander.
unsere absicht ist es,interessante musik auf hohem niveau anzubieten, eine bereicherung durch visuelle reize - wie buehnenbild, kostuemierung und requisite - zu schaffen und die rolle des aktionisten, musikers und akteurs in einer person zu verschmelzen. wir arbeiten hierbei sowohl thematisch als auch improvisatorisch.

Globale Dorfmusik Live und im Sog von Kurt Cobain und Tom Waits- mitten aus Irland: Mick Flannery & Band

Rolling Stone: Songs, so gut, als wären sie in Stein gemeißelt, seine Alben sind in Irland an der Spitze der Charts & sein Idol Tom Waits ist Fan von ihm. Vergiss Vincent MacMorrow, Lisa Hannigan und Glen Hansard...Mick ist der Beste, den Irland gerade zu bieten hat.
Ein kühles Guinness serviert an einem dieser berühmt-berüchtigten Sauwetter-Tage in einem winzigen Pub in einer Ecke von Cork. Absolut egal, dass die Schuhe durch sind, die Stimmung könnte nicht gelöster sein. Auf der Bühne sitzt mit seiner Akusktik-Gitarre so ein attraktiver Kerl in Holzfällerhemd und singt von vergangener Liebe. Er spült einen Pint nach dem anderen runter, was das Bild abrundet. Nichts könnte einen da jetzt raus bringen, wieso auch. Mick Flannery, dessen schwermütige Stimme gezeichnet ist von (mindestens) einer Schachtel Zigaretten am Tag, ist ein Typ, dem man die ganze Nacht zuhören könnte, während das Wetter immer schlechter und man selber ein wenig beschwipster wird.

THE RETURN OF  THE LEGENDS

"Tomorrow's Blues"
THE CLASSIC LINE UP
JON HISEMAN drums
CHRIS FARLOWE vocals
DAVE CLEMPSON guit
DAVE GREENSLADE organ
MARK CLARKE bass
und statt dem verstorbenen  DICK HECKSTALL-SMITH :
BARBARA THOMPSON sax

Es muß sich schon um ein außergewöhnliches Projekt handeln, wenn über drei Dekaden die Popularität einer Band nicht nur ungebrochen bleibt, sondern sich auch nachwachsende Generationen für den Sound dieser Gruppe begeistert haben, obwohl sie schon lange nicht mehr existierte – und COLOSSEUM blieb/en zu Zeiten ihrer ersten Inkarnation gerade mal drei Jahre Zeit, um nach den Sternen des Jazz-Rock-Himmels zu greifen, bevor die Musiker um den Schlagzeuger Jon Hiseman getrennte Wege gingen.

Notes From The Heart: Performing The  Music Of Keith Jarrett

Sollte jemand Ulf Wakenius nicht kennen, dann ab in die Ecke. Nachsitzen !
Ab wann bezeichnet man jemanden als einen großen Gitarristen? Reicht es, wenn er mit Herbie Hancock, Randy Brecker oder Milt Jackson zusammengespielt hat, wenn er als Nachfolger von Herb Ellis und Joe Pass engagiert wurde - oder müssen sogar erst die größten Kollegen neidisch werden? Nun - bei Ulf Wakenius trifft dies jedenfalls alles zu.
Der schwedische Gitarrist hat mit vielen der wichtigen Größen des Jazz zusammengespielt, und ist seit 1997 der neue "vierte" Mann im Oscar Peterson Quartet. Sogar John McLaughlin attestiert ihm, er würde so genial spielen, als "wäre er schon mit der Gitarre in den Händen auf die Welt gekommen"

EMIGRANTSKI RAGGAMUFFIN: russendisko live

RotFront wurde von zwei Berliner Emigrantskis aus der Taufe gehoben: Yuriy Gurzhy ist eine Hälfte der RussenDisko, gemeinsam mit seinem ungarischen Musiker-Kollegen, dem Initiator des HungaroGroovers Soundsystems Simon Wahorn, entwickelte Gurzhy das Emigrantski Raggamuffin Kollektiv RotFront. 2003 gegründet, erspielte es sich im Handumdrehen den Ruf der ultimativsten Partyband Berlins. Mal stehen sieben, mal zwölf oder fünfzehn Musiker auf der Bühne – im Publikum bleibt kein Mensch lange für sich alleine und spätestens nach den ersten Songs verschwindet die Grenze zwischen Bühne und Tanzfläche spurlos.
Grenzen zu durchbrechen ist die eigentliche Mission von RotFront – so gesehen sind sie eine politische Band. Über Politik wird zwar nie gesungen, jedoch wird am eigenen Beispiel bewiesen, wie natürlich und harmonisch der Austausch zwischen verschiedenen Nationalitäten, Musikrichtungen und Kulturen funktionieren kann: Sie mischen in ihren Songs Ska, Reggae, Dancehall und Cumbia-Sounds mit Klezmer, frechem Hiphop mit Berliner Schnauze, osteuropäischer Turbopolka, mediterranen Melodien und Rockriffs. Die Texte auf Russisch, Ungarisch, Deutsch und Englisch erzählen über den Berliner Alltag, über die Abenteuer von Immigranten in einer großen Stadt.

SOUL mit einer gehörigen Portion FUNK - wie in alten MOTOWN ZEITEN. wem das spanisch vorkommt: Bandwohnsitz ist Madrid.

Auf der Bühne benehmen wir uns wie Vandalen, unser Sound ist roh und 'vandalisch'. Aber das Wesentliche unserer Musik ist voller Süße." Die süßen Melodien des Souls und die kraftvollen, wilden Grooves und Arrangements des Funks - das sind die Essenzen des Sounds der Sweet Vandals.
Spätestens seit Amy Winehouse haben auch die letzten kapiert, welches Pop-Potential in den diversen Spielarten des Funk und Soul steckt. Gerade für Sängerinnen bieten diese Grooves eine ideale Fläche, auf die sie ihre Stimmen projizieren können. Vandals Sängerin Mayka Edjo ist immer präsent: sie schreit, sie schwelgt und sie spielt mit ihrer Band. Diese unheimlich dichte Interaktion zwischen Sängerin und Band hebt die Sweet Vandals deutlich vom glatt produzierten Neo-Soul unsere Tage ab, der nicht selten nach Karaoke klingt. Die Vandals leben dieses musikalische Gefühl gemeinsam. Zusammen rasen sie mit einer solchen Kraft Back to Black, dass so manche selbsternannte Souldiva nur noch eine Staubwolke sehen dürften.

Fuel Fandango verbinden tanzbare elektronische Beats mit dem tief schürfenden Gefühl des Flamenco, der Kraft des Rock‘n‘Roll und fröhlichem Pop. 2009 fanden sich der von den Kanarischen Inseln stammende Musiker Ale Acosta und die in Andalusien aufgewachsene Sängerin und Songwriterin Nita zusammen. Während sich Ale der Dance-Musik verschrieben hat (Mojo Project), liegen Nitas musikalische Wurzeln im Flamenco und Copla, einem beliebten Gesang der spanischen Volksmusik. Diese Einflüsse verschmelzen die beiden in ihrem Programm. Die Band füllt in Spanien und anderen Ländern bereits große Hallen mit ihrer elektrisierenden, vor Energie und Spontaneität sprühenden Live-Performance. Und die Spanier werden auch im Treibhaus beweisen, dass sich Trip-Hop und Elektro-Clash mit folkigen Elementen der iberischen Halbinsel bestens vertragen, und werden beeindruk-kend vorführen, wie aus diesem Flamenco-Gebräu heutige spanische Tanzmusik wird. OLE!

ein brodelnder Mix aus Flamenco, Tango, Klezmer, arabischen Einflüssen und dezenten Rockanleihen.

ie Unberechenbarkeit: der Multi-Kultur
Ihr erstes Konzert gab die Band auf dem Cannabis Festival von London. Weitere Drogen wurden dabei sicher nicht benötigt: Das Rauschhafte liefert hier bereits die Musik. Der Auftritt im Jahr 2002 war der Beginn dieser englisch-spanischen Kooperation um Bandsängerin Monte Malafox.
Ein äußerst spannender Mix aus Flamenco, Klezmer, Tangoanklängen, arabischen Einflüssen und schrägen E-Gitarren, unterlegt mit prägnanter und zwingender Rhythmik. Die Beschreibung hört sich verrückt an – die Musik auch, aber sie ist ausgezeichnet. Die Melodien sind melodisch und dennoch immer leicht schräg, die Kompositionen sind sehr dicht. Manchmal wirkt die Musik etwas verhalten, beinahe scheu, dann wieder ist sie temperamentvoll, nach vorne treibend und energiegeladen. Die Stimmungen reichen von süßlich versponnen bis dunkel und verstörend. Den inneren Zusammenhalt gibt eine mal ausgeprägte mal unterschwellige hypnotische Qualität. Fürwahr keine Alltagskost.

Harri Stojka’s schöpferischer Vielfalt ist es zu danken, dass weder seine eigenen Kompositionen, noch Interpretationen fremder Werke jemals bieder „more of the same“ bieten, sondern stets aufregend-gekonnte Kreationen mit Einflüssen aus Gipsy Jazz, Roma Musik, Reggae, Rock und sogar Metal entstehen.
Im aktuellen Fall ergänzt Stojkas famose Fingerarbeit an der Solo-Gitarre, was die „Fab Four“ zu ihrer Zeit gebaren. Musik und Spielstile blieben indes unangetastet – Bässe klingen, wie sie McCartney spielte, Drums „absolutely“ Ringo Starr, Rhythmus-Gitarren Lennon pur. Eine Hommage – vor allem an George Harrison – die echt empfundene Freude über großartige Musik unüberhörbar macht (sehr passend hier der Titel „I Feel Fine“!). Mag sein, dass sich viele Top-Musiker an Beatles-Songs versuchten, dabei allerdings wenig Großes zu Tage trat. Auf Stojkas CD jedoch geriet jeder der 17 Titel zum persönlichen Kunstwerk, das neu für sich alleine glänzt und sich doch zeitgleich würdevoll vor seinen Ursprüngen verneigt.
Ein „Tribute“, das beweist, dass man auch ohne „Lucy“ Diamanten in den Himmel zaubern (und himmlisch klingen lassen) kann.